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Light Touches Records is devoted to shed new lights on hot rarities, unknown grooves as well as forgotten classics.

While the older numbers are much sought after on Discogs, Light Touches pushes further and invites Irish underground heroes Frawl and Blackout (respectively founder and one of the resident djs of the connaisseur Backwards parties in Limerick) for the new release on the highly revered Light Touches Records.
On A side, “Fortune Teller” is a masterpiece of a lost disco tune with infectious funky bassline, while “Foxee” goes deeper into a brass driven relentless grooves with psychedelic melodies. On the flipside, “Me, Me, Me” is a 10 minutes journey, with a strong moody and deeper vibe.

All tracks have been carefully edited without overdubs, in order to bring the spirit of classic disco manipulators to today’s dancefloors!

12” limited to 300 copies (no digital).

Tim Maia’s self-titled 1973 album is one of those records that hits you from the very first groove and doesn’t let go. Originally released on Polydor Brazil, this was the fourth in a series of Tim’s self-titled albums and many fans and critics still consider it the crown jewel. Packed with irresistible hooks, lush arrangements, and that unmistakable Tim Maia swagger, the album captures the singer at the peak of his creative powers.If you’re new to Tim Maia, here’s the quick story: born in Rio de Janeiro, Tim was a larger-than-life icon whose music married American soul and funk with Brazilian samba and pop long before “fusion” was a buzzword. A true musical polymath, he absorbed everything from Curtis Mayfield to Motown and translated it into a sound entirely his own, gritty, passionate, and full of groove.



He didn’t just introduce soul to Brazil; he made it Brazilian.On this 1973 release, Tim pushes everything up a notch. The arrangements are bigger, slicker, and surprisingly majestic, without losing the raw spirit that earned him a devoted following. From the moment ‘Réu Confesso’ opens the album, you know you’re in for something special—smooth, funky, and heartfelt in all the right ways. The bittersweet ‘Gostava Tanto de Você’ remains one of his most beloved classics, while ‘O Balanço’ bursts with Brazilian flavor that practically dares you not to move. And with tracks like ‘Do Your Thing, Behave Yourself’ and ‘Over Again,’ Tim shows just how naturally the soul idiom fit him, even when he switched to English.This record has everything: deep grooves, soaring strings, magnetic vocals, and that unmistakable sense of joy that Tim Maia carried into every session. It’s a front-to-back winner—one of those albums that deserves a spot not just in Brazilian music history, but in any collection that celebrates great soul, funk, and timeless grooves.If you’re a longtime fan, it’s a reminder of why Tim Maia is legendary. If you’re discovering him for the first time, this is the perfect place to start. Either way: press play, turn it up, and let Tim do his thing.

The West African band and new sensation LAGOS IN PARIS make their striking debut with the release of their first and bold, EP « WE ARE LAGOS IN PARIS ».


After gaining support on their two first singles « Mali Spirit » and « Afro G Western » from Colors Studio, Trace or even Rollingstone and being broadcasted on BBC Radio 1Xtra the collective continues to expand and spread what they call the AFRAW sound : a mix of traditional African music with modern electronic styles resulting in a raw, powerful, and unique sound.
Recorded in different places across West Africa and Europe, every track on « WE ARE LAGOS IN PARIS » is shaped by the artists, musicians, and cultures they encountered along the way.


Blending heady blues loops in « Afro G Western », or groovy electronic basslines in « Faya », always with pure vibrant vocals, LAGOS IN PARIS offers trough this project a visceral and authentic experience speaking directly to the soul.


The listening experience also extends to the visual with the single « Faya », which will be accompanied by a video shot in Ghana, capturing the energy and aesthetic of the song.

Feel the sun, samba, and soul that define summer in Rio.



Summer in Rio blends smooth bossa grooves with mellow lofi beats, capturing the laid-back energy of Brazil’s most iconic city. Born on Rio’s beaches in the late 1950s, bossa nova fused samba rhythms with jazz harmony and soft vocals, a sound both timeless and deeply expressive. This 28-track compilation brings that spirit to life: the first 14 tracks dive into bossa lofi with guitars and syncopated rhythms, while the last 14 ease into warm, expansive summer lofi.



From beachside mornings to golden hour evenings, this is summer on loop.

The latest from master editor Mr. K, a jazz-funk classic backed by a Philly sure shot!

Debuting in 1975, the jazzy RnB instrumental ‘Always There’ from original Earth Wind and Fire saxophonist Ronnie Laws was a hidden gem until Side Effect’s vocal version took off the following year, one of many cover versions to come (Incognito’s hit the pop top ten in the ’90s). Mr. K's edit streamlines the original, mimicking Side Effect’s distinctive horn stab intro and adding a DJ-friendly drums-only outro. With original 7-inch releases being either fragile styrene or unreasonably short, this extended vinyl pressing is very welcome.

A song that needs no introduction—coming from the very best there is—the O’Jays backed by MFSB! ‘For the Love of Money’ rides one of the most immense bass lines ever committed to wax and, while that would be enough to carry a track on its own (see the Armada Orchestra’s cover), here we have the talents of the timeless O’Jays vocals to top things off. Mr. K has found the perfect balance between the Lp and single versions, giving us the very best DJ-friendly 7" mix that should never leave your bag.

Developer returns to his personal vinyl imprint Developer Archive with the label’s 17th release, continuing a focused exploration of raw, hypnotic techno built for physical spaces. Known globally as the driving force behind Modularz, Developer uses the Archive series as a more direct and uncompromising outlet—stripped back, functional, and deeply immersive.

This latest release locks into groove-based cuts powered by tension and restraint, where repetition becomes ritual and subtle shifts create sustained drama. The rhythms are dense and forward-moving, designed to work equally well in the pressure of a warehouse or the precision of a darkened club.

With Developer Archive 17, Developer reinforces his commitment to vinyl as a medium and to techno as a tool for controlled intensity—music that doesn’t chase trends, but instead sharpens its purpose with each release.

Das siebte DESTROYER Album von 2006. Dieses Reissue enthält einen exklusiven, 20-minütigen Bonus Song namens ,Loscil's Rubies". Die LP kommt als Doppel-LP auf schwarzem Vinyl. Eine gänzlich unerwartete Sammlung smarter Popmusik, die keine Gefangenen macht. ,Destroyer's Rubies" erzählt von gewonnener und verlorener Liebe, von verpassten Gelegenheiten und einer künstlerischen Integrität, die DESTROYER Fans sehr vertraut sein dürfte. Bejars DYLANeske Herangehensweise an geistreiche Kommentare und sein Tribut an den glamourösen und bombastischen Folk der frühen T-REX oder BOWIE distanzieren DESTROYER vom eher straighten Pop seiner anderen Band, THE NEW PORNOGRAPHERS, ohne auch nur einen Moment die Melodieseligkeit eben jener Band hintenan zu stellen.

2026 Repress

A.Wild plots the course.

Goes Without Saying.

4 intricate signals for late-night movement. Remix from Eversines.

Club Blanco steps into a more finely wired zone with CBR004, a tightly detailed transmission from young Bristol producer A.Wild – a record that reveals itself slowly, layer by layer, like a signal sharpening in real time.

Still anchored with a raw, restless pull, A.Wild works with a more intricate palette here: interlocking rhythms, delicate textural shifts, and micro-melodic flickers that shimmer beneath weighty, rolling low end. These are tracks that breathe, evolve, and reward close listening just as much as late-night movement.

If previous releases moved through the static in broad strokes, CBR004 traces its own circuitry — precise, hypnotic, and quietly complex – mapping new routes through the Club Blanco continuum.

Die brandneue Kollaboration zwischen Freddie Gibbs und The Alchemist, „Alfredo 2”, ist der offizielle Nachfolger der gefeierten „Alfredo”-Veröffentlichung des Duos aus dem Jahr 2020.



Der Rapper Freddie Gibbs wird für sein technisches Können und seine provokanten Texte gelobt und hat sowohl Fans des Gangsta-Rap als auch des Underground-Hip-Hop für sich gewonnen. Er reimt sowohl auf dröhnende Breakbeats als auch auf Trap-Beats und hat mit zahlreichen Rappern und Produzenten zusammengearbeitet, darunter Young Thug, Jeezy, DJ Drama und Statik Selektah. In den 2000er- und frühen 2010er-Jahren machte er sich mit einer Reihe von selbst veröffentlichten Mixtapes einen Namen. Nach seiner ersten offiziell veröffentlichten EP Str8 Killa (2010) begann er, richtige Studioalben zu veröffentlichen, darunter die gut angenommenen Kollaborationen mit Madlib Piñata (2014) und Shadow of a Doubt (2015) sowie You Only Live 2wice (2017). Nach dem kommerziellen Mixtape Freddie (2018) tat er sich für Bandana (2019) wieder mit Madlib zusammen und produzierte mit The Alchemist das Album Alfredo (2020). Letzteres wurde seine erste LP, die die Top 20 der Billboard 200 erreichte und anschließend für einen Grammy Award nominiert wurde.

Following his critically acclaimed debut "Dentsu2060" released via Lorenzo Senni's Presto!?, Tasho Ishi's second full-length album "Tasho Ishi lI" is now available on his own label T's.

tI features the new-wave Parapara anthem "Collapse Roppongihills" which became a staple at Narita Airport raves. celebrity trap rave track "DreamDrakeDrain" reminiscent of jam session between Drake and David Chronenberg. the junk entertainment track "Hellnwein" depicting modern pop utopia and its violent underbelly.

The Japanese-style Eurodance meets Philip Glass "The Bachelor" inspired by reality TV. These anthems are contemporary, pop, and carry Tasho Ishi's unique critical edge.

The second album, 'Tasho Ishi Il', is both a musical translation of Japan's diverse techno-animism and a sequel to the previous work "Dentsu2060" Techno-animism: Para Para, anime voice actors, reality TV, epics, advertising, and raves. Each track stands alone yet forms part of a larger, chronologically unfolding narrative.

While all tracks are animated by Japan-specific sound imagery, this is a pop album rather than avant-garde or abstract. In essence, it's a series of songs generated by rave trans-layers, serving as both reportage and documentation tracing Tasho Ishi's visionary city and its phenomena.

Inspired by the concept of the city as a living, complex entity - a feeling Youniss describes as the difference between "living in a city and just being in that city" - Good Effort! is an open-ended narrative drawn from the artist's own experiences, including growing up on the outskirts of Antwerp.

Like a vibrant city itself, the album is a culmination of organic interactions, layered with diverse perspectives from a collective of artists. Good Effort! features a dynamic cast of collaborators, including international heavyweights like Pink Siifu, Petite Noir, and Quelle Chris, alongside celebrated names from the Belgian underground such as Dienne and Porcelain id.

While retaining his critical edge - especially on themes like gentrification, an acute problem in his home city - Youniss explores the full range of his voice across the album's tracks, resulting in a warmer, more texturally diverse sound.

Tracks like “Notice,” “Glass Ceilings,” and “The Sun Is Falling” expand his textural use of distortion, while others, such as “At the Still Point of the World” and “Why Don’t You?”, float at a more tranquil register. The record's energy peaks on “TakeThat” where Pink Siifu and Youniss trade frenetic bars atop jazzy drum freakouts.

Despite the cynicism forged by witnessing his environment change - like the flattening of the beloved venue Onder Stroom for a parking space - Youniss offers a crucial message of perseverance. The album's title, Good Effort!, is a defiant embrace of trying again.

Half speed vinyl edition of the classic album, 'Warrior On The Edge Of Time' by HAWKWIND. Recorded in 1975, the album is a ground-breaking classic from Hawkwind’s long career. Featuring a line-up of DAVE BROCK, NIK TURNER, LEMMY, SIMON HOUSE, SIMON KING and ALAN POWELL, the album is arguably one of the finest rock albums of the mid-1970s. This new Atomhenge half speed master edition of has been cut at AIR Studios utilising the original master tapes. The half-speed mastered cutting process offers the finest audio reproduction and this new edition is the definitive LP release of this classic album

Ujimas vollmundiges Soul-Workout, angetrieben von einem stetigen Rhythmus und reichhaltigen Gruppenharmonien. Diese 45er-Platte hat ihren eigenen Charme und kommt in bester Klangqualität und greifbarster Form.

Bei einem aktuellen Auftritt von DREAM_MEGA stand Joel Kyack allein auf der Bühne und schickte einen Soundstrom auf das Publikum los. Überwältigt von den gruseligen Frequenzen, den eindringlichen Rhythmen und den wilden, verstimmten Vocals, flüsterte ein Besucher seinem Nachbarn zu: ,Ich glaube, der Typ hat Kontakt zu Dämonen." Ob aus Angst oder Bewunderung gesagt, diese Anschuldigung ist angesichts des zweiten Albums von DREAM_MEGA, ,Control / You Are Not the Center", durchaus zutreffend. Die Platte ist voller Bedrohung. Man hört es in den mutierten Kriegsmarschen, im Dancehall-Reflux, im dröhnenden Bass. Man hört es in den kristallklaren Melodien und den sehnsüchtigen Aufstiegen. Man hört es sogar in dem Cover von Guided by Voices. Joels Beziehung zu verstörenden Klängen - dem Channeling von Dämonen - besteht nun schon seit Jahrzehnten. Seine langjährige Tätigkeit bei Landed, der Band, die er 1997 mitbegründet hat, verläuft parallel zu Joels Beiträgen zu Six Finger Satellite, Men's Recovery Project, Megafuckers, Dos Mega und Street Buddy. Diese unermüdliche Hingabe führt direkt zu dem fieberhaften Verfall seiner heutigen Arbeit, aber Dream Mega ist etwas ganz Besonderes. Entstanden aus Joels Nahtoderfahrung im Jahr 2020 - einer Woche der Schwäche, die er isoliert in Thailand verbrachte, Blut hustete und seine Bettlaken durchnässte - erobert DREAM_MEGA einen einzigartigen Raum an der Schnittstelle zwischen Konfrontation und Hingabe. Aufbauend auf seinen eigenen Erfahrungen bei Hardcore-Shows und Straßenauftritten treibt Joel DREAM_MEGA in einen antipodalen Zustand, in dem Hyperbewusstsein und befreiende Transzendenz koexistieren. Die Songs auf ,Control / You Are Not the Center" starren unerschrocken auf unsere dumme, gefährliche Welt, ähnlich wie es ein Song von Dropdead tun würde, aber gleichzeitig heben sie die Last dieser Katastrophe und drängen auf eine luftige Atempause. Ein Teil davon ist Joels kompositorischer Ansatz, bei dem er alte Holzblasinstrumente gegen digitale Synthesizer setzt und unnatürliche Schaltkreise mit menschlichem Atem kreuzt. Aber im Kern geht es um Joels dringendes Bedürfnis, mitten in der Nacht seine Angst und Traurigkeit und die Funken der Hoffnung anzusprechen und sie in etwas zu verwandeln, das sein Herz trotz allem weiter schlagen lässt. Es ist ein Akt der Klarheit und Selbsterhaltung, der so geschickt inszeniert ist, dass jeder Zuhörer die Dämonen spüren kann, die in seinem eigenen Herzen wirken. ,Control / You are Not The Center" enthält Klangbeiträge von Ryan Weinstein (Coffi n Prick), Cordey Lopez und Lisa Anne Auerbach. Es ist empfehlenswert für Fans von Hassell & Enos ,Fourth World, Vol.1: Possible Musics", Houstons Chopped-and-Screwed-Szene und Captain Beefheart.

Released in 2026 under the catalog number Z-ONE, the album "the river" is a live recording - a snapshot of music from the Hamburger "ZustandsZone" scene between 2014 and 2025. Blending free improvisation with structural depth, the album offers a sonic exploration that will appeal to both purists of the genre and lovers of avant-garde sounds in the contemporary jazz landscape. The striking artwork underscores the artistic ambition of this highly personal work, which fluidly transcends the boundaries between tradition and modern abstraction. "Sound arises, passes away, what has been and is perceived, for a sky's length."

Mats Gustafsson met Jan St. Werner in Berlin when they both performed with Peter Brötzmann and a group of prolific improvisers. Mats and Jan share a passion for performing not just inside rooms but also with them, activating space and shaping sound via divertion. Mats introduces Johan Berthling who adds complex bass structures to the nervous jitter of Mats’ saxophone & pedals and Werner's digital machinery.

The trio instantly agrees on sound as a physical material which can bend and move anywhere within seconds. With this material they establish musical forms which they immediately dissect and reassemble again. It’s a nervous ride, a hyperactive conversation keen on detail and open to argument. Although IFANAME’s sound is instantly graspable it is also hard to pin down. Nothing seems stable yet it lasts, holds like some kind of catchy glue and disssapears as quickly as it came to life. IFANAME is question and concern. It is music as much as it is movement. It is attention, care, curiosity and disaster. Wherever IFANAME came from there is much more waiting ready to burst and reshape in front and inside of our ears.

Folk-Punkrock, Bier & Wahrheiten. Mit ihrem Album "This Ain't Quiet" legen die Schweizer Saint City Orchestra ein dreckiges neues Manifest vor - gegen die Stille, gegen das Schweigen, gegen das brave Mitlaufen. Was hier aus den Boxen knallt, ist ein rotzfrecher Mix aus Irish Punkrock und der ungeschönten Realität des Lebens - laut, wild, ehrlich und mit ordentlich Portion Ironie. Die Songs klingen wie durchzechte Nächte mit besten Freunden, wie Kneipentresen voller Geschichten, wie Stadionrufe aus rauen Kehlen und wie der letzte Schluck vor dem Zusammenbruch. Sie erzählen von verlorenen Träumen, gebrochenen Herzen, wütenden Mittelfingern und unbeugsamer Liebe - zur Familie, zur Crew, zum Verein und zum verdammten Leben selbst. This Ain't Quiet ist kein Album für die Playlist im Fahrstuhl - es ist der Soundtrack für Nächte, die man sich tätowieren lassen will. Für Menschen mit Ecken, Kanten und Haltung. Für alle, die lieber grölen als jammern. Das Saint City Orchestra ist zurück - und sie haben Durst. Das SCO ist im 12. Jahr unterwegs, hat bereits je ein Top 30 und ein Top 20-Album in der Schweiz im Gepäck, vielleicht geht's dieses Mal unter den ersten 10? Für Fans von Fiddler's Green, Flogging Molly, The Rumjacks, Dropkick Murphys und The Real McKenzies. Als CD oder farbige (Neon Orange w/ White & Black Splatter) LP erhältlich

The definition of the word 'fado' is technically 'fate', though the Portuguese meaning bound up with this term is more complex. The music itself can be fairly closely compared with that of Greek rebetika - also the American blues or the original working-class tango music of Argentina and Uruguay - and similarly takes it's common subject matter from the various cruel realities of the world. Though perhaps what distinguishes fado in character is it's often poised acceptance of the pains of life rather than protestation or resistance - as writer Paul Vernon says "It speaks with a quiet dignity born of the realisation that any mortal desire or plan is at risk of destruction by powers beyond individual control"

Death Is Not The End compile here a spine-tingling collection of fado recordings, taken from records issued in the mid 1910s through to the 1930s. The fado's Lisbon and Coimbra variants are presented here by some of the music's earliest recorded stars - spanning a time period leading up to the emergence of the fado's all-conquering star, Amália Rodrigues.

Seit nun fast drei Jahrzehnten erfindet die Amsterdam Klezmer Band Klezmer-Musik von Grund auf neu und verbindet Tradition mit frischer und verspielter Energie. Mit ihrem neuesten Album "Diaspora" kehrt die Band zu ihren akustischen Wurzeln zurück, formt diese jedoch subtil um und fängt die Musik in ihrer unmittelbarsten und fröhlichsten Form ein, wobei Schlagzeuger Mischa Porte eine neue herausragende Rolle einnimmt. Das Album wurde fast vollständig in einer einzigen Aufnahme in der Singelkerk in Amsterdam am 26. November 2025 aufgenommen und strahlt die rohe Energie einer authentischen Live-Performance aus. Keine Overdubs, keine Elektronik und keine Tricks: nur die Band, ihre Instrumente und die Spannung des Augenblicks. Das Ergebnis ist warm und lebendig, ein Sound, der die Amsterdam Klezmer Band wieder mit den Roots der Klezmer-Musik verbindet und befreienden Raum für Improvisation und Entdeckungen lässt. Rumänische und türkische Rhythmen verflechten Klezmer-Songs und Originalkompositionen und schaffen eine musikalische Reise, die sich sowohl geerdet als auch expansiv anfühlt. Diaspora markiert auch einen bewegenden Moment in der Geschichte der Band: Es ist die letzte Aufnahme mit dem Trompeter und Mitbegründer Gijs Levelt, dessen Klang und musikalische Vision die Amsterdam Klezmer Band fast 28 Jahre lang geprägt haben. Auf Diaspora fließen traditionelle Melodien und Eigenkompositionen nahtlos ineinander, geprägt von den unterschiedlichen Stimmen innerhalb der Band. Düstere, melancholische Tänze stehen neben treibenden Sirba- und Cocek-Rhythmen, von Motown inspirierten Grooves, türkischen 9/8-Impulsen und jazzigen Improvisationen. Spoken Word und Rap-Momente sind eine Anspielung auf die Badchen Tradition, während unerwartete Instrumentierungen wie Gitarre-Banjo, die eine traditionelle Melodie anführen, für eine frische Textur sorgen. Jedes Originalstück trägt die Handschrift seines Komponisten, doch alle dienen dem gleichen Zweck: Körper in Bewegung zu bringen, Verbindungen zu schaffen und Klezmer als lebendige, atmende Gemeinschaftssprache zu erhalten. Diaspora ist kein nostalgischer Rückblick, sondern eine lebendige Momentaufnahme dessen, wo die Amsterdam Klezmer Band heute steht: verwurzelt, rastlos und unwiderstehlich lebendig!

Die Allstar-Band UNIVERSUM25, bestehend aus Sänger Michael Robert Rhein (In Extremo), Pat Prziwara
(Fiddlers Green / Gitarre), Gunnar Schroeder (Dritte Wahl / Gitarre), Rupert Keplinger (Eisbrecher, Antitype / Bass) und Drummer Alex Schwers (Slime) setzt mit ihrem zweiten Album „Die Maschinen wollen
leben“ ihren Weg konsequent fort und veröffentlicht hier 10 neue Songs voller Energie und Spielfreude.
Thematisch geht es auf „Die Maschinen wollen leben“ wieder postapokalyptisch und dystopisch zur Sache,
wobei der Fokus diesmal auf dem angespannten Verhältnis zwischen Menschen und Maschinen, und wachsenden der Macht der Künstlicher Intelligenz liegt. Als Ergänzung dazu deckt die Band mit sozialkritischen
Momentaufnahmen und pointierten Texten genau auf, welche Missstände und Auswüchse der Gegenwart
den Grundstein für das Hightech-Armageddon bilden

Als Green-House beschäftigen sich die Musiker Olive Ardizoni und Michael Flanagan mit der menschlichen Natur und der natürlichen Welt durch eine freudige, dynamische Synthese. Frequenzen und Ausdrucksformen werden wie eine Tarnung übereinandergelegt, und ihr tiefgründiger, vielschichtiger kollaborativer Prozess beginnt mit einem der beiden Künstler: Ardizoni fühlt sich oft zur Melodie hingezogen, Flanagan zur Harmonie. Die Kraft liegt darin, wie ihre Ideen sich miteinander verflechten und eine Tiefe erreichen, die größer ist als die Summe ihrer Teile. Für ihre erste LP mit ihrem neuen Label Ghostly International entwickelt Green-House ihre lebendige Instrumentalmusik weiter und verfeinert sie mit unbekannten, genreübergreifenden Freiheiten und Bewegungen, einer aktiveren, perkussiven und emotionsgeladenen Energie, die durch fließende Klänge und weitläufige Aussichten gekennzeichnet ist. Hinterlands stimmt sich mit einer rebellischen, radikalen Aufrichtigkeit auf die Schönheit der Welt ein. Seit 2020 hat das Duo mit einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das einflussreiche Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugier für Umgebungen weiterverfolgt und nach organischen und fernen Räumen gesucht. Seit 2020 hat das Duo in einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das wegweisende Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugierde für Umgebungen ausgelebt und mit organischen und synthetischen Instrumenten, hochauflösendem Sounddesign und ,eigenwilligen Melodien, die mit der geduldigen und methodischen Hand eines Gärtners geschaffen wurden", wie Pitchfork schreibt, nach inneren und fernen Räumen gesucht. Green-House lässt sich nicht eindeutig in eine einzige Kategorie einordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und das Label ,Ambient" erscheint angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, zunehmend eingeschränkt. Green-House lässt sich nicht eindeutig einer einzigen Kategorie zuordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und die Bezeichnung ,Ambient" erscheint zunehmend eingeschränkt angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, die auf ihrem neuen Album eher in Richtung IDM oder sogar moderne Klassik tendieren. Was bleibt, ist ein offenes Gefühl des Staunens, ,die Idee, bestimmte Emotionen in der Musik zu legitimieren, die in der Kunst oft nicht ernst genommen werden, wie Glück und Freude", sagt Ardizoni, dessen eklektische Persönlichkeit auch ohne Texte zum Vorschein kommt.

Als Green-House beschäftigen sich die Musiker Olive Ardizoni und Michael Flanagan mit der menschlichen Natur und der natürlichen Welt durch eine freudige, dynamische Synthese. Frequenzen und Ausdrucksformen werden wie eine Tarnung übereinandergelegt, und ihr tiefgründiger, vielschichtiger kollaborativer Prozess beginnt mit einem der beiden Künstler: Ardizoni fühlt sich oft zur Melodie hingezogen, Flanagan zur Harmonie. Die Kraft liegt darin, wie ihre Ideen sich miteinander verflechten und eine Tiefe erreichen, die größer ist als die Summe ihrer Teile. Für ihre erste LP mit ihrem neuen Label Ghostly International entwickelt Green-House ihre lebendige Instrumentalmusik weiter und verfeinert sie mit unbekannten, genreübergreifenden Freiheiten und Bewegungen, einer aktiveren, perkussiven und emotionsgeladenen Energie, die durch fließende Klänge und weitläufige Aussichten gekennzeichnet ist. Hinterlands stimmt sich mit einer rebellischen, radikalen Aufrichtigkeit auf die Schönheit der Welt ein. Seit 2020 hat das Duo mit einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das einflussreiche Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugier für Umgebungen weiterverfolgt und nach organischen und fernen Räumen gesucht. Seit 2020 hat das Duo in einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das wegweisende Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugierde für Umgebungen ausgelebt und mit organischen und synthetischen Instrumenten, hochauflösendem Sounddesign und ,eigenwilligen Melodien, die mit der geduldigen und methodischen Hand eines Gärtners geschaffen wurden", wie Pitchfork schreibt, nach inneren und fernen Räumen gesucht. Green-House lässt sich nicht eindeutig in eine einzige Kategorie einordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und das Label ,Ambient" erscheint angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, zunehmend eingeschränkt. Green-House lässt sich nicht eindeutig einer einzigen Kategorie zuordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und die Bezeichnung ,Ambient" erscheint zunehmend eingeschränkt angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, die auf ihrem neuen Album eher in Richtung IDM oder sogar moderne Klassik tendieren. Was bleibt, ist ein offenes Gefühl des Staunens, ,die Idee, bestimmte Emotionen in der Musik zu legitimieren, die in der Kunst oft nicht ernst genommen werden, wie Glück und Freude", sagt Ardizoni, dessen eklektische Persönlichkeit auch ohne Texte zum Vorschein kommt.

Seit ihrer Debüt-EP "Billstedt" aus dem Jahr 2020 schrauben Christian Klindworth, Antoine Laval und Lars Brunkhorst an ihrem ganz und gar eigenen Sound zwischen Postpunk und melodienverliebtem Indierock. fluppe haben mit "Blüte" (2021) und "Boutique" (2023) zwei Alben veröffentlicht. Sie sind beim Reeperbahn Festival aufgetreten, haben für Turbostaat eröffnet, doch vor allem sind sie unermüdlich durch die Clubs getourt und haben ihre eigenen Shows gespielt. Aber klar, auch an fluppe schrappt die Polykrisen-Gegenwart nicht einfach vorbei, zumal es vermutlich unumgänglich ist, dass hier und da mal Cure-Gitarren durchschimmern, wenn man ein Album mit Produzent Tobias Siebert (Klez.e, And The Golden Choir) aufnimmt.

Preceded, in November 2018, by the monster hit ‘Nothing Breaks Like A Heart’ featuring Miley Cyrus, Mark’s fifth studio album dropped in June 2019 to widespread acclaim as a carefully crafted, cohesive and intimate experience. Outfitted with one of the finest aggregations of so-called ‘sad bangers’ to be found anywhere in pop, including four further singles featuring stellar female vocal performances, Ronson described it as “definitely the best thing” he has produced (as well as the record that he worked hardest on) and it is difficult to disagree. As Clash Music concluded: “Ronson’s ability to tap into each artist’s strengths and dig out their particular prowess allows each voice to shine through and own each individual track. This is what elevates the record to a guaranteed award winner and a truly empowering listen.”

Alice Kemp is a British artist working with noise, performance, fetish objects, installation and many other forms of media. Throughout her work, she articulates a broken and illogical syntax of the subconscious through trance states, dreams, and disturbances. She has performed extensively, occasionally as an associate to the Schimpfluch-Gruppe of Swiss extreme aktionists.

It is a rarified violence that the Kemp invokes on her 9 Dreams In Erotic Mourning. Something disfigured. Something fucked. Something left behind. The subject matter of her investigations are deliberately inscrutable as she grotesquely amplifies a moment of terror, or fear, of sadness through pockets of piano melodies broken by psychoacoustic noise, razor-cut silence, ghastly vocalizations, crushed acts of physical aggression, and buckets of high-pressure suspense. Cryptic and oblique by design Kemp's work reads perhaps as a seance gone awry, certainly as private ritual made public, and as a transfiguration of literary body horror turned into a sonic nightmare that runs parallel to the works of Rudolf Eb.Er, Puce Mary, Sewer Election, and Luc Ferrari.

9 Dreams In Erotic Mourning was originally published as part of the instantly out of print boxset, On Corrosion - a 10 cassette anthology from 2019 that was housed in a handcrafted wooden box and featuring full albums from Kleistwahr, Neutral, Pinkcourtesyphone, Alice Kemp, She Spread Sorrow, G*Park, Relay For Death, Francisco Meirino, Fossil Aerosol Mining Project, and Himukalt. The collection also stood as the 50th release for The Helen Scarsdale Agency.

,Music for Intersecting Planes" ist die erste gemeinsame Veröffentlichung der Cellistin Leila Bordreuil und der Organistin Kali Malone. Minimalistisch in den Mitteln, aber groß in der Wirkung, entfaltet sich die Musik wie Perlen auf einer Schnur, unterbrochen von Stille und tiefen Atemzügen. Aus der manuell gepumpten Orgel kommen wechselnde Luftströmungen, die durch die fein gezeichneten Obertöne des Cellos bereichert werden und eine mikroskopische und körnige Perspektive des Klangs ergeben. Interferenzmuster versetzen die Klangmasse in Bewegung, während Malone und Bordreuil gegen die Stille der Sinuswellen spielen. In der Ferne läuten Kirchenglocken. Wellenförmiges Feedback lässt eindringliche Rufe der Orgel erklingen, bevor es einem tragischen Cello-Motiv weicht. Das Album endet dann mit dem kurzen und jubelnden Pizzicato-Ausruf ,Endless Dance of Eternal Joy". Aufgenommen bei Kerzenschein im Temple de Saint-Théoduoe in La Tour-de-Peilz in der Schweiz, schafft die Musik ein Gleichgewicht zwischen Geduld und Intensität, Komposition und Zufall, Strenge und Zärtlichkeit. In dieser Zusammenarbeit kommen neue Facetten beider Künstler zum Vorschein: Bordreuils Spiel mit erhöhter klanglicher und formaler Klarheit und Malones Orgelspiel in seiner rohesten und strukturiertesten Form. ,Music for Intersecting Planes" ist ein Zusammentreffen von Geistern, das die zeitlose Faszination akustischer Phänomene würdigt.

,Music for Intersecting Planes" ist die erste gemeinsame Veröffentlichung der Cellistin Leila Bordreuil und der Organistin Kali Malone. Minimalistisch in den Mitteln, aber groß in der Wirkung, entfaltet sich die Musik wie Perlen auf einer Schnur, unterbrochen von Stille und tiefen Atemzügen. Aus der manuell gepumpten Orgel kommen wechselnde Luftströmungen, die durch die fein gezeichneten Obertöne des Cellos bereichert werden und eine mikroskopische und körnige Perspektive des Klangs ergeben. Interferenzmuster versetzen die Klangmasse in Bewegung, während Malone und Bordreuil gegen die Stille der Sinuswellen spielen. In der Ferne läuten Kirchenglocken. Wellenförmiges Feedback lässt eindringliche Rufe der Orgel erklingen, bevor es einem tragischen Cello-Motiv weicht. Das Album endet dann mit dem kurzen und jubelnden Pizzicato-Ausruf ,Endless Dance of Eternal Joy". Aufgenommen bei Kerzenschein im Temple de Saint-Théoduoe in La Tour-de-Peilz in der Schweiz, schafft die Musik ein Gleichgewicht zwischen Geduld und Intensität, Komposition und Zufall, Strenge und Zärtlichkeit. In dieser Zusammenarbeit kommen neue Facetten beider Künstler zum Vorschein: Bordreuils Spiel mit erhöhter klanglicher und formaler Klarheit und Malones Orgelspiel in seiner rohesten und strukturiertesten Form. ,Music for Intersecting Planes" ist ein Zusammentreffen von Geistern, das die zeitlose Faszination akustischer Phänomene würdigt.

Known Associates ist der aufregende Nachfolger ihres gefeierten Albums The Interrogator aus dem Jahr 2024, das für viel Aufregung sorgte, und ein Fiebertraum aus Van Morrison-Hörnern und Leonard Cohen-Gefühlen und bestätigt den stetig wachsenden Ruf von Elizabeth Nelson als eine unserer wichtigsten Songwriterinnen. Wie ihre langjährige Heldin Lucinda Williams hat sich Nelson langsam aber sicher einen Namen gemacht und gleichzeitig einen immer größeren literarischen Ruf erworben, der sie zu einer gefeierten Autorin für die New York Times, den Atlantic, den New Yorker und Oxford American gemacht hat. Außerdem hat sie Liner Notes für Neuauflagen von Bob Dylan und den Replacements geschrieben. Majestätisch, bunt zusammengewürfelt und voller Geschichten über Pech, zerbrochene Erleuchtungen und Secondhand-Wunder, die jedem Fan von Richard Thompson, David Berman oder Tom Waits bekannt sein dürften, sagen Mystiker und Statistiker bereits: Known Associates ist eines der besten Alben des Jahres 2026, und Elizabeth Nelson ist eine der besten Singer-Songwriterinnen der Welt.

In the past, DVTR has definitely been shaking up the Canadian punk scene, racking up dazzling reviews, best of 2023 lists, soldout shows and some bootlicking awards for their first ever EP "BONJOUR". Somewhere between the B-52s and fast DIY punk à la Jay Reatard, Demi Lune & Jean Divorce's troublemaking duo pours out its bile on often surprising, sometimes awkward, and always salvatory soundscapes. Its unpredictable stage antics break all language barriers, already taking the band on stages everywhere from Mexico to the UK. DVTR is French-speaking, female-fronted, short and not sweet at all: it repeats, it repeats, it repeats - that's the only way to get the message across. Vasectomy for all, ACAB, Rhum coke and MDMA, etcetera, etcetera. A simple fuck off to anyone who'd need a reminder before everything burns? As the legendary magazine CULT MTL recently said: "This is a live band doing what great live bands do, live: entertaining, f*cking with people's heads, having fun, and showing what they've got - crazy licks - without showing off."

Mizery aus San Diego sind ein rebellisches Kraftpaket, das mit seinem Crossover-Hardcore-Sound für Aufsehen sorgen will. Mizery wurden 2014 mit ihrer EP ,Survive The Vibe" bekannt, gefolgt von ihrem 2016 erschienenen Album ,Absolute Light" (Flatspot Records). Mit ihren groovigen Rhythmen und dynamischen Live-Auftritten erregten sie schnell Aufmerksamkeit. Die Idee zu Mizery hatten die Kindheitsfreunde Jose Luna (Gesang) und Taylor Parker (Leadgitarre). Als die beiden den Schlagzeuger Cayle Sain trafen, wurde aus der Idee echt was. Bald darauf holten sie Miguel ,Mikey" Salazar am Bass dazu und begannen als Vierergruppe zu komponieren. Nach der Veröffentlichung des Albums tourten Mizery mit Genre-Größen wie Power Trip, Terror und Backtrack und nahmen Ahmad Ali am Bass auf, wodurch Mikey zur Rhythmusgitarre wechselte. Wie der Rest der Welt kam auch die Band während der Pandemie zum Stillstand, schrieb aber weiter Songs und war bereit, mit voller Kraft zurückzukommen. Im Dezember 2023 erschütterte der unerwartete Tod des Schlagzeugers Cayle Sain, der auch mit Twitching Tongues, God's Hate und GhosteMane auftrat, die Musikszene und brachte Mizery verständlicherweise zum Stillstand. Während sie ihre Trauer verarbeiteten und nachdachten, wussten die Mitglieder von Mizery, dass sie weitermachen mussten, und eine gefundene Aufnahme gab ihnen ein neues Ziel. Jose und Taylor entdeckten, dass Cayle die Vorproduktions-Demos, die sie ihm geschickt hatten, genommen und in einem professionellen Studio Schlagzeugspuren dafür aufgenommen hatte. Mit der Hilfe des Produzenten Taylor Young (The Pit) konnte die Band diese Schlagzeugspuren bekommen und sie für ihre selbstbetitelte EP verwenden. Die Mizery-EP, die am 20. März 2026 bei Flatspot Records erscheinen soll, ist ein offen politisches Album, das sich um Erneuerung und Reflexion dreht. In den sechs Tracks werden die Texte als Waffe eingesetzt, wie Jose erklärt: ,Es ist eine Reflexion einer Welt, die einige von uns sehen und andere ignorieren. Die Gewalttaten, die Angst vor Gewalt und die Auswirkungen von Gewalt." Die Songs weichen von einem geradlinigen Kurs ab und mischen mitreißende Rap-Gesangspassagen mit metallischen Riffs, einfallsreichen Grooves und einigen Überraschungen. Die Einflüsse stammen von Leeways ,Adult Crash", Merauders ,5 Deadly Venoms" und Only Living Witness' ,Innocents", kombiniert mit den Werken von Rage Against The Machine und P.O.D., die die Bandmitglieder in ihrer Jugend geprägt haben. Schon beim Opener ,Renegade Rhythm" wird klar, dass Mizery es ernst meint, wenn sie sich mit dem Zustand der Welt auseinandersetzen und dabei Musik machen, die im Kopf bleibt. ,The Weapon PT.II" ist der lauteste Track auf der EP und setzt auf Worte, um Veränderungen zu bewirken, statt auf physische Gewalt. Den Abschluss der EP bildet der selbstgerechte Song ,Eulogy" mit Gastgesang von Sammy Ciaramitaro von DRAIN. Der Song entstand als frühe Demo und war der einzige Track, für den Cayle programmierte Drums anstelle von Studioaufnahmen verwendet hatte. Um die Single zu vervollständigen, sprang Schlagzeuger David Stalsworth (Militarie Gun, Torena) bei den Aufnahmen ein und ist nun Mitglied von Mizery. Während manche die Veröffentlichung der EP als Triumph betrachten mögen, ist sie für Mizery ein Beweis für ihre Beharrlichkeit und zeigt, dass die Band bereit ist, in eine neue Ära einzutreten.

Mizery aus San Diego sind ein rebellisches Kraftpaket, das mit seinem Crossover-Hardcore-Sound für Aufsehen sorgen will. Mizery wurden 2014 mit ihrer EP ,Survive The Vibe" bekannt, gefolgt von ihrem 2016 erschienenen Album ,Absolute Light" (Flatspot Records). Mit ihren groovigen Rhythmen und dynamischen Live-Auftritten erregten sie schnell Aufmerksamkeit. Die Idee zu Mizery hatten die Kindheitsfreunde Jose Luna (Gesang) und Taylor Parker (Leadgitarre). Als die beiden den Schlagzeuger Cayle Sain trafen, wurde aus der Idee echt was. Bald darauf holten sie Miguel ,Mikey" Salazar am Bass dazu und begannen als Vierergruppe zu komponieren. Nach der Veröffentlichung des Albums tourten Mizery mit Genre-Größen wie Power Trip, Terror und Backtrack und nahmen Ahmad Ali am Bass auf, wodurch Mikey zur Rhythmusgitarre wechselte. Wie der Rest der Welt kam auch die Band während der Pandemie zum Stillstand, schrieb aber weiter Songs und war bereit, mit voller Kraft zurückzukommen. Im Dezember 2023 erschütterte der unerwartete Tod des Schlagzeugers Cayle Sain, der auch mit Twitching Tongues, God's Hate und GhosteMane auftrat, die Musikszene und brachte Mizery verständlicherweise zum Stillstand. Während sie ihre Trauer verarbeiteten und nachdachten, wussten die Mitglieder von Mizery, dass sie weitermachen mussten, und eine gefundene Aufnahme gab ihnen ein neues Ziel. Jose und Taylor entdeckten, dass Cayle die Vorproduktions-Demos, die sie ihm geschickt hatten, genommen und in einem professionellen Studio Schlagzeugspuren dafür aufgenommen hatte. Mit der Hilfe des Produzenten Taylor Young (The Pit) konnte die Band diese Schlagzeugspuren bekommen und sie für ihre selbstbetitelte EP verwenden. Die Mizery-EP, die am 20. März 2026 bei Flatspot Records erscheinen soll, ist ein offen politisches Album, das sich um Erneuerung und Reflexion dreht. In den sechs Tracks werden die Texte als Waffe eingesetzt, wie Jose erklärt: ,Es ist eine Reflexion einer Welt, die einige von uns sehen und andere ignorieren. Die Gewalttaten, die Angst vor Gewalt und die Auswirkungen von Gewalt." Die Songs weichen von einem geradlinigen Kurs ab und mischen mitreißende Rap-Gesangspassagen mit metallischen Riffs, einfallsreichen Grooves und einigen Überraschungen. Die Einflüsse stammen von Leeways ,Adult Crash", Merauders ,5 Deadly Venoms" und Only Living Witness' ,Innocents", kombiniert mit den Werken von Rage Against The Machine und P.O.D., die die Bandmitglieder in ihrer Jugend geprägt haben. Schon beim Opener ,Renegade Rhythm" wird klar, dass Mizery es ernst meint, wenn sie sich mit dem Zustand der Welt auseinandersetzen und dabei Musik machen, die im Kopf bleibt. ,The Weapon PT.II" ist der lauteste Track auf der EP und setzt auf Worte, um Veränderungen zu bewirken, statt auf physische Gewalt. Den Abschluss der EP bildet der selbstgerechte Song ,Eulogy" mit Gastgesang von Sammy Ciaramitaro von DRAIN. Der Song entstand als frühe Demo und war der einzige Track, für den Cayle programmierte Drums anstelle von Studioaufnahmen verwendet hatte. Um die Single zu vervollständigen, sprang Schlagzeuger David Stalsworth (Militarie Gun, Torena) bei den Aufnahmen ein und ist nun Mitglied von Mizery. Während manche die Veröffentlichung der EP als Triumph betrachten mögen, ist sie für Mizery ein Beweis für ihre Beharrlichkeit und zeigt, dass die Band bereit ist, in eine neue Ära einzutreten.

I Made It All Up For You is the new record by Hugo Race Fatalists, their 6th studio album, set for release March 20, 2026 thru Gusstaff Records / Helixed on LP/CD and digital.
"In his 40-year career, Hugo Race has lived a thousand lives and played the role of songwriter, producer, musician, performer, head of a record label (Helixed). His music went from folk to lounge, from "trance industrial blues" to psychedelia, from world music to electronics. Starting from post-punk Melbourne in the 1980s, he took fascinating paths that led him from Africa to Turkey, from Berlin to Romagna…"
Hugo Race returns after highly successful collaborative albums with Michelangelo Russo (100 Years), The Church frontman Steve Kilbey (Speed of the Stars) and Gianni Maraccolo (The Vigil, winner of the prestigious Premio Ciampi) with I Made It All Up For You, an epic album with his Italian band Fatalists - existential songwriting framed by the band's signature fusion of roots music, electronica, Italian soundtracks and desert rock.
"I wanted to create something melodic and beautiful in defiance of our current reality. The songs started as bare acoustic sketches written in a remote mountain cabin in Italy where I had two weeks off during a solo tour. The weather turned into a raging blizzard, the days a struggle to keep the wood fire lit and the smoke out of the house. I wrote about twelve songs, threw them all away, started again with an unplugged electric guitar in front of that
damp fire, searching for the album's theme. When the smoke cleared, I was at the crossroads of a long term relationship unraveling under a blazing antipodean sun.
Fatalists recorded the basic tracks at the floating studio on the Puccini lake an hour out of Florence - Giovanni Ferrario (Scisma, PJ Harvey) on guitars and synth, Francesco Giampaoli (Brutture Moderne) on bass and Diego Sapignoli (Sacri Cuori) on percussion.
Violinist Massimiliano Gallo met me in Sicily for a short tour to learn the new songs, adding layers of his Calabrian magic to the mix. Jennifer Charles (singer of New York band Elysian Fields) and I had been talking for a long time about making new music and this was the occasion when we made it happen. Jennifer's distinctive voice graces this
album on the songs I Collide and Broken Love, the lyrics of which were written by author and designer Alannah Hill. My longtime road brother Michelangelo Russo also dusts the tracks with his otherworldly electric harmonica on Against The World, Born To Fly and Open Field. A lot of joy and pain and reflection went into the making of this album and I hope that comes across; this is about the darkness yes, but also the light. Everything changes and every ending is a new beginning but it's how we experience transformation that really matters. I hope you love this album. I made it all up for you."
Hugo Race, Naples, 2025

»Low Tide, Hi Grypus!« is the new live-iteration of JC Leisure as JC Leisure Group. Documenting an encounter and a communication between human improvisers and atlantic grey seals. The record presents responsive improvisation as a form of cross-species collaboration.

The project began on Porthdinllaen, Wales, where Leisure recorded seal vocalisations from a local colony at low tide. Back in their Liverpool studio, Leisure developed a performance system that translates human musical gestures – pitch, timbre, rhythm, density, presence - into triggers for these seal expressions. The resulting system is dual-active, as in it simultaneously acts and is acted upon in the horizontal instance. It creates a new-music non-linear threshold that cannot be replicated.

»Low Tide, Hi Grypus!« was recorded live at 1210 Berlin and captures one instance of this concept. Local improvisers were invited to encounter the performance system. Recorded in one take, pedal-steel, woodwinds, strings, piano, organ, and electronics gradually learn to listen and respond to the marine voices. This interspecific group moves from intimate duets (that's human, seal) into full ensemble works (humans, seals) over the course of one night.

Rather than treating field recordings as static material, the extensive seal archive functions as an active collaborator: shaping form, pacing, and interaction in real-time. Now that’s marine biology meets human communication!

JC Leisure has previously released work on Sun Ark, Warm Winters Ltd, Not Not Fun and collaboratively with Dialect as Raft of Trash. He has composed a radio play commissioned and broadcast by BBC Radio.

This is a special work by acclaimed composer and musician Adriaan de Roover, who has released records on Dauw, VIERNULVIER, PIAS, and Consouling Sounds. Chansons de trottoir / Stoepliedjes documents his relationship to sampling in the form of a radio play.

Originally created as a radio piece for Resonance FM in Manchester, the album is a sonic portrait of a walk through Brussels. It is constructed from two field recordings: one made during a walk from Metro Midi towards Adriaan’s home, and another recorded on a walk towards Flagey. Rather than foregrounding recognizable landmarks, the piece focuses on the pavement underfoot: the steady, repetitive rhythm of footsteps on sidewalk tiles.

The recordings are mixed with samples from the music of the Brussels hip-hop group STIKSTOF. Their music became the soundtrack to a period in which Adriaan’s desire to move from Antwerp to Brussels began to take shape. Through repeated listening, the city of Brussels gradually revealed itself to him. This experience echoes that of countless music fans who, while listening to The Beatles, imagine what Liverpool might be like: a city revealed through sound and myth, often crystallized in lukewarm Hard Rock Café–style projections.

Chansons de trottoir / Stoepliedjes is an exercise in sampling and an exploration of how one might find a personal place within the music of others. It frames appropriation as an attentive and considered act. Suspended between memory and imagination, the piece exists closer to a dream state than to reportage.

Vinyl version of our debut album "Melancholia", pressed on colored vinyl. This physical release contains 10 tracks for optimal audio quality. All tracks (including 2 bonus tracks: "Mystical Nights" and "Let It Go") are included in the digital download.

Two percussionists, one sound universe. With “All you can BEAT,” Double Drums serve up an energetic and surpri-singly versatile percussion album. The two exceptional musicians have been performing together on stage for 20 years now. In addition to numerous concerts in Germany, they have also performed throughout Europe and Asia.
Now Alex Glöggler and Philipp Jungk are celebrating their anniversary with a work that showcases their entire musi-cal range: from driving rhythms to a multifaceted soundscape to moments of great emotion. “All you can BEAT” is a tribute to everything percussion can be: powerful, delicate, wild, and touching at the same time.

On the one hand, there are rousing original compositions such as “One More Time” and “Hydra,” about which the rhythm artists say: "The music is inspired by the many-headed monster Hydra from Greek mythology. When it loses a head, two new ones grow back. Musically, new patterns or rhythmic elements are constantly being added, overlap-ping each other and pushing others into the background. The result is minimal music based on an energizing flow with a focus on the marimba."

Consuming you in one swoop, through 10 tracks of poetic electronic-pop odyssey’s, Evadney’s sensational voice acts as the guiding force, weaving between piano, strings, harp, driving electronic elements, and almost beatless moody textures.

Following the release of 3 eps on Black Acre, being remixed by I.JORDAN, inclusion on Jamz Supernova’s BBCRadio ‘Ones To Watch’ list, the Glastonbury Emerging talent list and creating an audiovisual live show performed in the UK and Shanghai, Evadney’s debut album ‘It’s Dreaming’ looks set to solidify him as a bold new voice on the UK music scene, bringing with him a new world of melancholy, narrative-driven pop.

The subjects of sexuality, love, family and a yearning for the divine are played out across this cinematic piece of work. “I’m asking myself and everyone to consider; Where is your love? What does it mean for you? What are your boundaries around it and why?” - Evadney.  On ‘Plie’ Evadney’s vivid storytelling flows effortlessly in a surreal conversation with an angel who teaches him how to dance. ‘Qualia’’ is a harp laden ode to his parents and their enslaved ancestors, whilst ‘Leathered & Laced’ and ‘Good Lord’ are devastatingly beautiful and honest stories of Evadney pulling himself out of his darkest moments of lost direction and substance abuse.