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Trust Fund, hinter dem der britische Singer/Songwriter Ellis Jones steht, kehrt mit einer neuen LP zurück. Das fünfte Album "Has It Been A While?" wurde Anfang des Jahres in Sheffield gemeinsam mit dem Produzenten und engen Freund Joe Mackenzie Todd aufgenommen. Fans von Jones" feinfühligem, geistreichem und nahbarem Songwriting mussten sich für eine ganze Weile gedulden. Sein letztes Album ist vor sechs Jahren erschienen: "Bringing the Backline" erhielt Lob u. a. von Pitchfork, Rolling Stone und The Guardian, doch Trust Fund wurde direkt im Anschluss auf Eis gelegt, da einige Bandmitglieder Familien gründeten und Jones nach Norwegen (und dann nach Kanada) zog, um eine akademische Karriere zu verfolgen. Oder wie er selbst sagt: "Ich wurde 30, zog weg und dachte, dass ich das jetzt wohl bleiben lasse". Erfreulicherweise konnte er es nicht bleiben lassen Die Einsicht, dass es mit dem Musikmachen doch noch nicht vorbei sei kam einher mit der Entwicklung eines gereiften Stils. Während bei frühen Trust-Fund-Alben eine diffuse Indie-Rock-Ästhetik im Vordergrund stand, reduziert Jones seine Songs auf "Has It Been A While?" auf klassische Gitarre und Gesang, unterstützt von ergreifenden Streichquartett-Arrangements von Maria Grig. Geblieben ist die lyrische Finesse von Trust Fund, die sich hier besonders in Tracks wie "The Mirror" (ein Duett mit Celia MacDougall von Radiant Heart) zeigt, in dem der prahlerische Protagonist allzu gern den Spiegel als TV nutzen würde.

Anadol and Marie Klock have teamed up for a joint album, La Grande Accumulation. They met two years ago at a festival in England crowded with violent seagulls and outsider musicians. Klock being prone to barking on stage and Anadol not laughing at jokes she doesn’t find funny, they straight away had the intuition that they would meet again. And so they did, a few months later, at Anadol’s studio in Istanbul.

Today, the two Pingipung artists present the fruit of this musical friendship. La Grande Accumulation was born out of the peculiar atmosphere of the studio neighbourhood in Büyükada, an island where thousands of cats run free and humans randomly destroy things during apocalyptic times when parts of Turkey had just been turned into dust by terrible earthquakes. The French lyrics are inspired by hours of conversations, the music is consequently drenched in absurdity, overflowing with a strong urge to live and enjoy. According to the LP sticker, this album has been certified “Best handshake of 2024”, and stickers never lie.

La Grande Accumulation brings together Marie Klock's mysterious metaphors and Anadol's intriguing radiophonic psych-pop. Stretching forms beyond common sense to see how long they can resist is probably their favourite game. The result are six highly imaginative tracks that challenge the sub-3-minutes standards of Spotify pop.

Gözen Atila aka Anadol is well known to the Pingipung audience, with three solo LPs on the label. Her music follows a kind of collage logic, she interweaves countless styles, combining field and studio recordings with obscure quotation marks here and there. "I hope no one will come and explain this music to me, because it's the most beautiful music there is", says Kristoffer Cornils about her solo album Felicita.

Marie Klock is a French writer and musician who produces songs oscillating between synthpop and neo-folk, full of anarchic humour and existential dread. Her recent solo LP on Pingipung was a captivating tribute to the recently deceased poet Damien Schultz entitled Damien est vivant.

Marie Klock delivers her lyrics in song or spoken word, stream-of-consciousness musings on strange human adventures, and her rich keyboard melodies culminate in a nonchalant dialogue with the bass trombone (La Reine des Bordels). In the opulent opening piece (La Grande Accumulation), a woman is cursed to take home everything she kicks in the street; a bit later, we stumble upon a ghoul hiding in the gutter (Sirop amer), Mona Lisa loses her teeth (Sonate au Jambon) and a warthog struggles to climb the stairs of a silver tower (Sabots triviaux).

La Grande Accumulation was mixed and mastered by Jonas Romann at Chaos Compressor Club in Hamburg and cut to vinyl by Kassian Troyer at D&M in Berlin. It's an audiophile LP that invites to focus on every detail in this heap of musical ideas.

Nachdem er 2022 "The Consistent Brutal Bullshit Gong" schrieb, hat sich Nate Mendelsohn immer mehr in seiner Musikgemeinde in Brooklyn, NY, verwurzelt. Er produzierte die letzten FRANKIE COSMOS- und DOUGIE POOLE-Alben, trat bei VAGABON und SAM EVIAN auf und machte Aufnahmen mit YAEJI und LADY LAMB. Diese Erfahrungen mit abenteuerlichen Künstler*innen sind in Mendelsohns Songwriting eingeflossen und haben, zusätzlich zu seinen frühen Jahren in der Jazz- und Avantgarde-Welt, ein Album hervorgebracht, das so manchem wahrscheinlich den Kopf verdrehen wird, wenn man Alben namens "Pet Sounds", "Fantasma", "Insignificance", "Blonde" oder "XO" mag. Wie auf einigen der genannten Alben verschmilzt auch auf "Well I Asked You A Question" das Physische mit dem Synthetischen: gesampelte Orchester duellieren sich mit echten Orchestern ("Fantasy"), die gesprochenen Worte eines Roboters duettieren sich mit einem menschlichen Chor ("Around"), und Geräuschexplosionen üben sich in Soli über traditionelle Rockinstrumente ("Rachel's Getting Married"). Obwohl viele der Sounds auf dem Album erweitert und gebrochen sind, arbeitete Mendelsohn mit der vollen MARKET-Band - Stephen Becker, Natasha Bergman und Duncan Standish - zusammen, um die Songs zu entwickeln. Er wollte "musikalische Unfälle mit ausgefransten Rändern - immer noch eine Gruppe von Leuten, die in einem Raum sind und Songs spielen". Neben der Kernband leisteten Katie von Schleicher, Mike Haldeman (MOSES SUMNEY, ALTO PALO), Justin Felton (L'RAIN, BIG THIEF), Rose Droll (FEIST, ART FEYNMAN) und Helen Newby mit der Technik von Adam Hirsch (Sam Amidon, Stephen Steinbrink) weltumspannende Beiträge.

Das im November 2000 erschienene dritte Studioalbum von Ivy, Long Distance, wird von vielen als ihr Durchbruch angesehen. Es ist stark von Trip Hop und New Wave beeinflusst, behält aber die Mischung aus Indie-Pop und Rock bei, für die sie bekannt geworden waren. Long Distance enthält einige der bekanntesten Songs von Ivy wie ,Worry About You", ,Undertow" und ihren unverkennbaren Hit ,Edge of the Ocean". Diese 25-Jahres-Jubiläumsausgabe enthält das unveröffentlichte Outtake ,All I Ever Wanted", produziert von Lloyd Cole im Jahr 1996 während der Aufnahmen zu ihrem Album Apartment Life. Als weitere Bonus Tracks sind außerdem ein Remix und das Original-Demo von ,Edge of the Ocean" enthalten.

RE-PRESSED ON TRANSPARENT RED VINYL This double live outing from Herbie Hancock was recorded in Tokyo in July of 1975. Backed up by The Headhunters, Hancock runs through selections from his albums Head Hunters, Thrust and Man-Child – that last project still being months away from release at the time of this recording. Get On Down’s reissue of the vinyl will be the first US release for the double LP, ever.

Finally back on vinyl, this 2011 release was the first proper full-length showcase for the Grammy Award-winning superproducer. The signature soulful style of 9th’s beats was a sensation in hip hop and R&B--for underground fans and in the mainstream--and he played a leading role in bringing North Carolina to the forefront of American music culture in the 21st century.

Du willst dreckigen und kompromisslosen Rock 'n' Roll ohne Schnickschnack? Du wirst ihn bekommen!
NITROGODS präsentieren ihr neues Album "Valley Of The Gods", das alles bietet, was die Fans an der Band lieben und du kannst dir sicher sein, dass sie ihr ganzes Herzblut hineingesteckt haben - und einen Schuss Blues.
"Valley Of The Gods" ist das 5. Studioalbum von NITROGODS; auf das die Band verdammt stolz ist!
Die Zusammenarbeit der Band war noch nie so intensiv, wie bei dieser Platte.
Man hört die typischen Markenzeichen der Band: Dreckiger Rock 'n' Roll mit Eiern; kein Plastik, keinen Scheiss, alles voll in die Fresse!
Großartige Songs: Rau und simpel und niemals glattrasiert.
Die Band ist noch einen Schritt weiter gegangen und hat ihr ganzes Herz samt einer Prise Blues reingepfeffert. Aber es klingt immer nach NITROGODS, es wurden keine Kompro

Du willst dreckigen und kompromisslosen Rock 'n' Roll ohne Schnickschnack? Du wirst ihn bekommen!
NITROGODS präsentieren ihr neues Album "Valley Of The Gods", das alles bietet, was die Fans an der Band lieben und du kannst dir sicher sein, dass sie ihr ganzes Herzblut hineingesteckt haben - und einen Schuss Blues.
"Valley Of The Gods" ist das 5. Studioalbum von NITROGODS; auf das die Band verdammt stolz ist!
Die Zusammenarbeit der Band war noch nie so intensiv, wie bei dieser Platte.
Man hört die typischen Markenzeichen der Band: Dreckiger Rock 'n' Roll mit Eiern; kein Plastik, keinen Scheiss, alles voll in die Fresse!
Großartige Songs: Rau und simpel und niemals glattrasiert.
Die Band ist noch einen Schritt weiter gegangen und hat ihr ganzes Herz samt einer Prise Blues reingepfeffert. Aber es klingt immer nach NITROGODS, es wurden keine Kompromisse gemacht!

Du willst dreckigen und kompromisslosen Rock 'n' Roll ohne Schnickschnack? Du wirst ihn bekommen!
NITROGODS präsentieren ihr neues Album "Valley Of The Gods", das alles bietet, was die Fans an der Band lieben und du kannst dir sicher sein, dass sie ihr ganzes Herzblut hineingesteckt haben - und einen Schuss Blues.
"Valley Of The Gods" ist das 5. Studioalbum von NITROGODS; auf das die Band verdammt stolz ist!
Die Zusammenarbeit der Band war noch nie so intensiv, wie bei dieser Platte.
Man hört die typischen Markenzeichen der Band: Dreckiger Rock 'n' Roll mit Eiern; kein Plastik, keinen Scheiss, alles voll in die Fresse!
Großartige Songs: Rau und simpel und niemals glattrasiert.
Die Band ist noch einen Schritt weiter gegangen und hat ihr ganzes Herz samt einer Prise Blues reingepfeffert. Aber es klingt immer nach NITROGODS, es wurden keine Kompromisse gemacht!

Geboren aus dem elementaren Urgrund der Wurzeln des Heavy Metals, von den vom Krieg gezeichneten Industrielandschaften Birminghams bis zu den heruntergekommenen Bars und Kellern Brooklyns, erscheinen Neon Nightmare wie ein Geist in der Nacht, um die Tradition fortzuführen. Beunruhigende Musik für beunruhigte Menschen. Und obwohl es nichts Neues unter der Sonne gibt, gibt es in den Schatten vielleicht doch eine Chance - es sind eben diese Schatten, aus denen "Faded Dream" aus schimmerndem Stahl geformt wurde.

Der Titel sagt alles: "Faded Dream", das Debütalbum von Neon Nightmare, ist eine Synthese aus emotionalen Höhen und Tiefen und einer düsteren, grüblerischen Atmosphäre, die die Sehnsucht nach Vergangenheit weckt, die einst von jugendlichem Drang und Neugier geprägt war. Mit einem Fundament aus großen Riffs, einer erdrückenden Studioproduktion, die in Fantasie und psychedelische Ornamente getaucht ist, und einem dramatischen Sänger, der in der Lage ist, nahtlos zwischen gespenstischen Gothic-Bariton und klassischem Heavy Metal zu wechseln, ist "Faded Dream" ein Mix, in dem sich Doom, Psych, Shoegaze und Alternative Metal auf eine Weise kreuzen, wie man es seit Jahren nicht mehr gehört hat.

"Faded Dream" hat einen unverkennbar satirischen Zug, denn Neon Nightmare vermeiden geschickt die offenkundige Traurigkeit und das selbsternannte ‚Metalband mit Gothic-Tendenzen'-Milieu. Bei aller echten Vorahnung und Konfrontation mit echter Depression verliert sich "Faded Dream" nie im Sumpf oder gibt seine Vorliebe für spannungsgeladene Vergnügungen und heitere Faszination auf. Die heraufbeschworenen Klänge haben im Laufe der Jahrzehnte der Heavy-Metal-Geschichte viele bedeutsame Formen angenommen, und Neon Nightmare sind hier, um diesen Zyklus fortzusetzen.

Geboren aus dem elementaren Urgrund der Wurzeln des Heavy Metals, von den vom Krieg gezeichneten Industrielandschaften Birminghams bis zu den heruntergekommenen Bars und Kellern Brooklyns, erscheinen Neon Nightmare wie ein Geist in der Nacht, um die Tradition fortzuführen. Beunruhigende Musik für beunruhigte Menschen. Und obwohl es nichts Neues unter der Sonne gibt, gibt es in den Schatten vielleicht doch eine Chance - es sind eben diese Schatten, aus denen "Faded Dream" aus schimmerndem Stahl geformt wurde.

Der Titel sagt alles: "Faded Dream", das Debütalbum von Neon Nightmare, ist eine Synthese aus emotionalen Höhen und Tiefen und einer düsteren, grüblerischen Atmosphäre, die die Sehnsucht nach Vergangenheit weckt, die einst von jugendlichem Drang und Neugier geprägt war. Mit einem Fundament aus großen Riffs, einer erdrückenden Studioproduktion, die in Fantasie und psychedelische Ornamente getaucht ist, und einem dramatischen Sänger, der in der Lage ist, nahtlos zwischen gespenstischen Gothic-Bariton und klassischem Heavy Metal zu wechseln, ist "Faded Dream" ein Mix, in dem sich Doom, Psych, Shoegaze und Alternative Metal auf eine Weise kreuzen, wie man es seit Jahren nicht mehr gehört hat.

"Faded Dream" hat einen unverkennbar satirischen Zug, denn Neon Nightmare vermeiden geschickt die offenkundige Traurigkeit und das selbsternannte ‚Metalband mit Gothic-Tendenzen'-Milieu. Bei aller echten Vorahnung und Konfrontation mit echter Depression verliert sich "Faded Dream" nie im Sumpf oder gibt seine Vorliebe für spannungsgeladene Vergnügungen und heitere Faszination auf. Die heraufbeschworenen Klänge haben im Laufe der Jahrzehnte der Heavy-Metal-Geschichte viele bedeutsame Formen angenommen, und Neon Nightmare sind hier, um diesen Zyklus fortzusetzen.

Having spent the last 10 years tinkering with his songwriting through his extensive catalog with folk/rock group Mapache, as well as his debut solo album ‘Off My Stars’, Sam works alongside co-producer Johnny Payne for his follow up sophomore solo album ‘Real Life Thing’ via Calico Discos.

Sam was born in Los Angeles in November 1994 and currently lives in Ojai, CA. Having had residence in Los Angeles, CA / Coahuila, MX / Orem, UT & New Orleans, LA - it’s safe to assume Sam will be on the move again soon and with more fresh energy to give of himself through his art. Determined to live by creation, Sam is the type of artist that is always creating something, maintaining a sort of inexhaustible hunger to make his music. Expressing himself through sound has now gone beyond joy and into being second nature and Sam’s real first language.

When Your Old Droog first entered the Hip-Hop scene a decade ago, he was cloaked in anonymity. The Ukraine-born, Brooklyn bred rap phenomenon was known solely for his sharp, punchy lyrics wrapped in a gruff delivery. He finally came into the light with his eponymous debut release, the catalyst for what has become a prolific career. Since then, Droog has crystallized his place in hip-hop as the erudite rapper who can tackle any beat with precision; a product of the underground, yet designed for the mainstream. With his new project Movie, YOD is in a new era, where his days of being the dark horse in rap are over. He has countless co-signs from some of the greatest to ever touch a mic, and now he’s finally geared to join them. “Movie is everything that's dope about me,” Droog explains. “Every song, every mood. This is my story.” A layered masterpiece, the album features appearances by Method Man, and Denzel Curry, plus production by industry stalwarts like Just Blaze, Harry Fraud, Conductor Williams, and the legendary Madlib.

What if Japanese city pop met no wave? Neither in your wildest dream such occurrence could be real, but let’s make things clear. Frank Chickens could have been possibly forerunners for several famous alternative bands, Cibo Matto on top of all, but sure had a development on their own. Our history began in London, early eighties, art duo Frank Chickens is the original creation of Japanese performers Kazuko Hohki and Kazumi Taguchi. All of a sudden the band debuts with a pair of singles and a full length on Kaz Records, it’s 1984, but could have been easily 1994. Backed by the likes of Steve Beresford (Alterations, The Slits, General Strike, London Improvisers Orchestra), Annie Whitehead (Penguin Cafe Orchestra, Robert Wyatt), Lol Coxhill, Tony Coe and Clive Bell (the top of the cream of the English avantgarde) the band soon became a case in history. Now we have the pleasure – 37 years after its original release – to reissue their second album: Get Chickenized!

The record came out in 1987 on the british label Flying Lecords and showed a different side of the project, with a major focus on the so-called synth wave counterculture, still maintaining a certain avant feel. With original conspirator Steve Beresford still on board, the band was propelled in the studio by another key figure of the London underground: journalist, composer and producer David Toop. Being John Peel’s favorite for a while, the band built a cult following retaining some absurd live performances, well known for their idiosyncratic choreography. Later revamped in the year 2000 - thanks to cult label Ninja Tune – the band enjoyed a second wave of success, with a remix album featuring the likes of Pizzicato 5, Fink and Neotropic. With a cover embellished by the labor of Pere Ubu David Thomas, this second influential album is finally available for your listening pleasure. Here’s your chance to dive deep into this exotic pop extravaganza.

Die Schweizer Ausnahmekünstlerin Seraina Telli hat sich mit der bezaubernden Clémentine Delauney von Visions of Atlantis zusammengetan, um eine herausragende akustische Version ihres Hit-Songs "I'm Not Sorry" aufzunehmen.

Diese Unplugged Version reicht dem Original absolut das Wasser:
Mit der aktuellen und wichtigen Message und der reduzierten instrumentalen Untermalung schaffen die beiden Ausnahme Stimmen Telli und Delauney eine intime und fesselnde Interpretation des Songs.

"Deep inside my mouth is where dark treasures can be found / Would you like to find out?" Die Wiener Gruppe GARDENS präsentiert sich mit ihrem Debüt-Album in einer Vogelperspektive und besticht mit unheimlicher Klarheit, Wärme und Selbstbewusstsein, zusammen mit einigen dunkleren Tönen. Das Quartett, bestehend aus Luca Celine Müller, Peter Benedikt Mathis, Patrick Stieger und Laura Keiblinger, erlangte Bekanntheit durch ihre ersten beiden Singles ,Talk" und ,Waves" - wurde von Radio FM4 gleich mal in die Jahrescharts gehievt - und etablierte ihre üppige Mischung aus Indie-Pop, 60er Jahre Psych-Folk und Dream-Pop. Unter den elementaren, aber täuschend komplizierten Arrangements erzählt das Album mit viel Songwriting-Gespür von Herausforderungen im Bereich der psychischen Gesundheit, von Übergangsriten der Jugend und den schwindelerregenden Nebeln des Herzschmerzes. Der Name des Debütalbums ,FLAWS" - das am 1. November 2024 bei Siluh Records erscheint - ist ein offenes Eingeständnis frischer Narben, die sich noch im Heilungsprozess befinden, direkt unter einer diamantenen Oberfläche. Die ersten beiden Singles von GARDENS, ,Talk" und ,Waves" - letztere wurde von Österreichs populärem Radiosender FM4 in deren Jahrescharts gehievt - etablierten ihre üppige Mischung aus Indie-Pop, Psych-Folk der 60er Jahre und Dream-Pop. Auf ,Flaws" gelingt es GARDENS auf einzigartige Weise, das Erhabene aus der Unordnung herauszufiltern.

"Deep inside my mouth is where dark treasures can be found / Would you like to find out?" Die Wiener Gruppe GARDENS präsentiert sich mit ihrem Debüt-Album in einer Vogelperspektive und besticht mit unheimlicher Klarheit, Wärme und Selbstbewusstsein, zusammen mit einigen dunkleren Tönen. Das Quartett, bestehend aus Luca Celine Müller, Peter Benedikt Mathis, Patrick Stieger und Laura Keiblinger, erlangte Bekanntheit durch ihre ersten beiden Singles ,Talk" und ,Waves" - wurde von Radio FM4 gleich mal in die Jahrescharts gehievt - und etablierte ihre üppige Mischung aus Indie-Pop, 60er Jahre Psych-Folk und Dream-Pop. Unter den elementaren, aber täuschend komplizierten Arrangements erzählt das Album mit viel Songwriting-Gespür von Herausforderungen im Bereich der psychischen Gesundheit, von Übergangsriten der Jugend und den schwindelerregenden Nebeln des Herzschmerzes. Der Name des Debütalbums ,FLAWS" - das am 1. November 2024 bei Siluh Records erscheint - ist ein offenes Eingeständnis frischer Narben, die sich noch im Heilungsprozess befinden, direkt unter einer diamantenen Oberfläche. Die ersten beiden Singles von GARDENS, ,Talk" und ,Waves" - letztere wurde von Österreichs populärem Radiosender FM4 in deren Jahrescharts gehievt - etablierten ihre üppige Mischung aus Indie-Pop, Psych-Folk der 60er Jahre und Dream-Pop. Auf ,Flaws" gelingt es GARDENS auf einzigartige Weise, das Erhabene aus der Unordnung herauszufiltern.

Alan-Parsons-Fans dürfen sich 2021 gleich über zwei besondere Reissues freuen: Der britische Musiker, Tontechniker und Produzent legt seine Alben »On Air« und »The Time Machine« noch einmal auf, und zwar auf CD und LP. Die beiden Vinyl-Versionen kommen auf Translucent Blue Vinyl bzw. Transparant Vinyl, sind nummeriert und auf jeweils 1500 Exemplare limitiert.

»The Time Machine« erschien 1999 und ist das dritte Soloalbum von Alan Parsons. Es handelt von Zeitreisen und von der Erinnerung an die Vergangenheit.

Der Gesang auf dem Konzeptalbum stammt unter anderem von Tony Hadley (Spandau Ballet), Colin Blunstone, Maire Brennan (Clannad), Beverly Craven und Neil Lockwood (ELO).

»The Time Machine« klingt wie eine Kombination aus dem Alan Parsons Project der 1970er-Jahre mit einer Prise Pink Floyd und ist ein Klangerlebnis, das Fans von Parsons, New Age und Electronica begeistern wird.

Das Album beginnt mit dem Instrumental »The Time Machine (Part 1)«, geschrieben von Cockney-Rebel-Schlagzeuger/Komponist Stuart Elliott (später Al Stewart und Kate Bush u. a.), das der Art und Weise ähnelt, wie das Project sein Album zu eröffnen pflegte. Es gibt den sanften Song »Out Of The Blue«, mit Leadgesang von Tony Hadley von Spandau Ballet. »Ignorance Is Bliss« ist einer der schönsten Songs mit dem Gesang des ehemaligen Zombies-Leadsängers Colin Blunstone.

Yazz Ahmeds Album "Polyhymnia" (2019) feiert weiblichen Mut, Entschlossenheit und Kreativität. Im Auftrag der Tomorrow's Warriors schrieb sie 2015 ein längeres Werk für deren Nu Civilisation Orchestra, das am Internationalen Frauentag beim Women Of The World Festival in der Londoner Queen Elizabeth Hall aufgeführt wurde. In Anlehnung an Polyhymnia, die griechische Muse der Musik, Poesie und des Tanzes, schuf Yazz eine Reihe von Sätzen, die herausragenden weiblichen Vorbildern wie Rosa Parks, Haifaa Al-Mansour und Malala Yousafzai gewidmet waren. Dieses Album steht im Kontrast zu ihrem vorherigen Werk "La Saboteuse", das von ihrer inneren Zerstörerin oder Anti-Muse getrieben wurde.

Kenner von Richard Swift wissen, dass sein Katalog umfangreich und phantasievoll ist, vollgepackt mit ebenso vielen ausgefeilten, eiskalten Klassikern wie verrückten Ein-Take-Experimenten. Diese Kleinode kommen in allen Formen und Größen, und während das den Eingefleischten nichts ausmacht, ist der Einstieg in die Musik von Swift für den Neuling schwierig: Wo soll man anfangen? Was kommt in die engere Wahl? Wie viele Crooner? Wie viele wilde Lieder? Vor diesem Hintergrund präsentiert Secretly Canadian "4 Hits & A Miss - The Essential Richard Swift", einen bescheidenen Versuch, die siebenundvierzig Minuten und vierzehn Songs zusammenzutragen, die die Uneingeweihten einführen können. Wenn Sie Richard Swift nicht kennen, lassen Sie sich von dem unvergleichlichen Kevin Morby aufklären: "Es gibt einen alten Pfadfindermythos, von dem ich als Kind gehört habe, dass man eine Kapelle bauen kann, wenn man die richtige Person mitten in den Wald setzt, bewaffnet nur mit einem Schweizer Taschenmesser. Wenn ich an diesen Mythos zurückdenke, denke ich an Richard Swift, der, wenn man ihn mitten im Wald mit einem 10-Dollar-Radio-Shack-Mikrofon absetzte, irgendwie ein Studio bauen konnte und in diesem Studio eine Kapelle des Klangs errichtete. Tatsächlich hat er genau das in seinem eigenen National Freedom Studio mitten in den Wäldern von Oregon getan, in einer Stadt namens Cottage Grove, wo er unzählige Stunden seiner eigenen Musik und der anderer Leute aufgenommen hat. Diese Kapellen des Klangs werden - und ich habe es bereits erlebt - kommende Generationen in Ehrfurcht versetzen und inspirieren, so wie es die Steinkapellen im frühen Europa tun. Beide lassen die Menschen verblüfft zurück und fragen sich: Wie konnte etwas so Massives und Schönes mit so minimalen und archaischen Mitteln gebaut werden - und in Richards Fall so schnell? Nach ihrem Tod scheinen die meisten Künstler endgültig zu ruhen, ihre Kataloge ruhen für immer neben ihnen. Aber Richard scheint aus dem Jenseits rastlos zu sein, und die Arbeit, die er hier unten auf der Erde begonnen hat, geht weiter. Sein letztes Album, The Hex, wurde nur wenige Monate nach seinem frühen Tod im Jahr 2018 veröffentlicht, und jetzt haben wir mit 4 Hits and A Miss eine Sammlung seiner beliebtesten Songs sowie einen neuen, noch nie zuvor gehörten Track "Common Law", aufgenommen um 2012. Ob Gelegenheitsfan oder Swift-Purist, 4 Hits & A Miss ist entweder ein perfekter Startpunkt oder ein Ziel für uns eingefleischte Fans, um wieder einmal etwas Neues zu finden, das uns beeindruckt und inspiriert. Wie ein versteckter Raum in seiner bereits beeindruckenden Kapelle gibt es immer etwas Neues von unserem geliebten Freund und Helden, dem verstorbenen großen Richard Swift, zu entdecken." Viel Spaß!

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von
den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing),
wattierte Innenhülle.
Ein Treffen zweier Jazz-Giganten, das zu einem der großen Klassiker im Verve-Katalog wurde. Ben Webster war ohne Zweifel einer der bedeutendsten und einflussreichsten Tenorsaxofonisten des Jazz. „Ben
Webster Meets Oscar Peterson“ beinhaltet einige seiner besten und swingendsten Kooperationen mit Oscar
Peterson, den der Saxofonist oft als seinen Lieblingsbegleiter bezeichnete.

The 24 songs on this double album are in some ways a completion. Together with Young Man Songs here are nearly all the songs Kerry Lee Crabbe and Daryl Runswick wrote (and Daryl sang) which are good enough to be issued. The subject matter here is wider ranging than on Young Man Songs:love songs, but also family, heroes and antiheroes, zen, celebration, nostalgia, philosophy, life and death.

Daryl Runswick writes: "I first set Kerry Lee Crabbe's words to music in 1967; for the last time in 2010. Our most prolific period was 1970-1980 during which time we had considerable success as a songwriting team, though we didn't have big hits. The pinnacle for us was when Cleo Laine recorded a whole album of our songs (One More Day: well worth looking out for on vinyl or CD). There are a number of reasons for our lack of hits: songwriting was for neither of us our main job - not 'the principal source of his revenue' as Paul Simon put it (One Trick Pony) - we did it in our spare time. Also, neither of us had any interest in being an entrepreneur, nor did we employ a manager to push the songs; also, perhaps we were snobs who disdained moneygrubbing; but perhaps the main reason was that these are art songs: art songs in the style of pop music, yes, but not aimed (other than tangentially) at the commercial market.

We'd have loved to have hits but that's not why we did it and we didn't bother overmuch flogging our wares around. Kerry and I were introduced to one another as undergraduates at Cambridge University. Kerry had written the book and lyrics for a musical (Someone is Squeaking) and I was instructed by Clive James, then President of the Footlights Club where I was Musical Director, to compose the songs. It was put on at the Edinburgh Festival Fringe in 1967 with Julie Covington in the lead role. Kerry directed and I was musical director, playing piano in the accompanying trio. After that summer I went down to London to be a jazz bass player while Kerry had a further year at Trinity College, Cambridge. After he came down, we got together again and continued making songs."

Previously unreleased live recording from the Ranta archives. The creative duo of Michael Ranta and Takehisa Kosugi performed many times in the 1970’s and 1980’s. On this outstanding performance, recorded at the Japanese Culture Institute in Cologne in 1987, the application of an advanced multi delay system, independently utilized by both players, plays a central role. The smartly treated cyclic tapestry of the delay system (modulated, transformed, harmonized) injects additional dimensions to the highly coordinated improvisation with voice, percussion, violin and electronics, creating interactive ›composition-like‹ textures being »Multiple Musics«.

No stranger to the Spatial family following the release of his excellent Age of Awareness EP back in 2023, Eusebeia brings his eclectic breakbeat driven vibes to sister label
Curvature for an EP spanning a variety of energies with a free-spirited approach to drum patterns and atmosphere you wont want to miss.

A1 Set In Motion
Shimmering melodic keys and light hi hats quietly introduce Set In Motion, as Eusebeia takes a laid back opening approach to his Curvature debut. Clean, wandering breaks enter the mix and develop continually, as a subtly used, luscious female vocal greets the listener with a curiously soothing vibe. Following the breakdown, a deep, pounding bassline punctuates skillful synthwork riddled with intrigue and atmosphere to round off
a unique, eclectic track.

A2 In Perpetuum
Stepping things up with a doggedly breakbeat focus, In Perpetuum is an energetic piece with an opening backdrop akin to an aging printer being coaxed back to life,
before an echoed vocal welcomes hyperactive, rasping breaks, edited and chopped with the scintillating talent we have come to expect from Eusebeia. The latter half of the
track changes up the vibe slightly with inquisitive padwork gliding above the omnipresent edits.

B1 Flow State
Subtle cowbell style cymbals and gentle melodies introduce Flow State, before an inimitable duality of old school atmospheric breaks pass the baton repeatedly through the track in typically impactful style from Eusebeia. The melodies and an understated bassline wrapped around kickdrums continues through the various phrases before the beats depart, leaving the listener to reflect on a truly captivating track just as the title
suggests.

B2 The Cure For What Ails You Reverberating percussion and classic whale sounds instantly grasp your attention
before ominous 808 bass ushers in a thunderous helping of pure amen pleasure sent straight from the old school - edited and programmed to perfection by Eusebeia with a
finesse seldom seen in modern production. Dense kickdrums vibe perfectly with the highs and mids of a track destined to headline many an atmospheric junglists set.

Rund zwei Jahre nahm Brenk sich Zeit, an "Midnite Ride III" zu feilen und die richtigen Soundbilder für seine musikalische Vision zu finden. Dabei legte er viel Wert auf verspielte Details und einen zeitlosen Sound, der sowohl den Late Night Vibe der ersten beiden Vorgänger fortsetzt als auch Brenks aktuellen Mindset in puncto Soundästhetik widerspiegelt. Auf "Midnite Ride III" fusionieren analoge Synthesizer aus Brenks berüchtigter Vintage-Sammlung mit perfekt platzierten Voice-Samples, die zur Trademark des Midnite Ride Sounds gehören. Als einer der Urväter der Phonk-Bewegung reichert Brenk seine Beats auch diesmal mit der richtigen Dosis aus Phonk-Elementen an und kreiert aus alten und neuen musikalischen Einflüssen ein weiteres Mal einen moody Soundcocktail, der ab der ersten Sekunde in seinen Bann zieht.
Begleitend zum Album-Release wird eine Dokumentation erscheinen, die die Entstehung und die Hintergründe von Brenk Sinatras Midnite Ride Universums beleuchten wird.

Military Genius (aka songwriter/producer Bryce Cloghesy) today announced his new album Scarred for Life will be released November 1st, 2024 via Unheard of Hope. The follow-up to his atmospheric 2020 debut Deep Web, Scarred for Life is a genre-flexing mix of bass-heavy R&B, spaced dub, and jazz that is newly grounded within a more traditional rock framework and centered on lyricism. Lead single “Darkest Hour”–out now alongside a self-directed video filmed near his new desert home in Joshua Tree, California–reflects a head first journey into the unknown. "’Darkest Hour’ encapsulates the feeling of being swept away by time, into an endless night,” says Cloghesy. “There is a certain melancholy in leaving the past behind, dwelling on simpler, antiquated ways of life as we are pushed forward. This message is poignant on a personal level–becoming a father has led me to contemplate my own childhood, witnessing a purity of emotion prior to self-awareness. This applies to a broader collective consciousness too, as the march of progress fundamentally alters our shared experience. It's all about embracing the journey, stepping beyond the point of no return, and facing the future."

Just under a year after their acclaimed self-titled debut, dreampop duo deary release a brand new six-track EP – Aurelia – via Sonic Cathedral on November 1. It includes the singles ‘The Moth’, ‘Selene’ and ‘The Drift’ and features Slowdive drummer Simon Scott playing on three songs. It will be available on three different vinyl variants, a CD with three bonus tracks and digitally. It’s a stunning record, which displays a new-found maturity in terms of production as well as musically and lyrically. The band – singer Rebecca ‘Dottie’ Cockram and guitarist/producer Ben Easton – have had to grow up in public since the release of their debut single at the start of 2023, supporting legends such as Slowdive and Cranes and TikTok sensations like Wisp along the way. An aurelian is a rare old term for a lepidopterist – someone who studies and collects moths – derived from the Latin aurelia, meaning chrysalis. The perfect title for an EP which is based around the theme of metamorphosis and change. “It leans on the natural world, the human body, the earth and sky as well as human emotion,” says Ben of how the EP represents physical and metaphysical growth. “Change can be daunting but equally exciting, which is something we’ve come to learn.” “While writing the EP, I found a letter I had written to myself when I was 22,” adds Dottie. “I was fresh out of university and had moved back in with my parents as Covid was in full force. I was uninspired and lost and reaching out to my future self for some hope. It was a physical representation of what can happen in a few years; how much can change and how you never know what’s coming next. “I found it interesting that – at the age of 26 – here I was looking back to my younger self for hope or just some comfort in the fact that things will and do move on. It was important to me to bring both of these versions of myself into the new songs.” “Personally, I had noticed a change in myself; a new level of social anxiety, a strange disassociation to things that once brought me joy as well as negative repetitions in my daily life,” reveals Ben. “I began the year sober which allowed me to finish the writing process as a letter of care to my own mental health. There are motifs throughout the EP – for example the riffs in ‘The Moth’ and ‘The Drift’ being reminiscent of each other – which are like musical reflections of these repeated cycles.” It’s musically where the change deary have undergone is most obvious. ‘The Moth’ mixes howling guitars atop a strident breakbeat making it more Curve than Cocteaus; ‘Selene’ is a slow-building wall of noise; ‘The Drift’ combines a perfect pop melody with an incredible sense of urgency. These three singles are balanced by the brief but beautiful ‘Where You Are’ which leads into the Portishead-style trip-hop of ‘Dream Of Me’. The title track has been a staple of their live sets for about a year as ‘Can’t Sleep Tonight’, but its mix of The Cure circa Disintegration and Mezzanine Massive Attack has grown and evolved so much that they renamed it ‘Aurelia’ as the embodiment of the change they have been through. “We’ve allowed deary to naturally grow over the past year, we didn’t want to force it to take a certain shape or sound,” explains Dottie of the duo’s slow and steady approach. “A lot of the last EP was written by sending ideas back and forth over WhatsApp, but this time we were able to sit in the same room and I think that really shows. We know each other a lot better now as we have experienced this journey together and that benefits the writing process as we are more open with each other and can be vulnerable.” “Aurelia definitely feels a lot more collaborative, more personal and more fully realised than the first EP,” concludes Ben. “It feels like a real document of what has been a very important time in both of our lives. Ironically, the band has changed and matured even more since the recording, so we’re both excited to document the next stage

Alternative Jazz. This is a 5 track EP of brand new, previously unreleased material from The Near Jazz Experience (Terry Edwards, Mark Bedford and Simon Charterton). Whilst recording the new album Terry asked pianist Mike Garson (best known for his work with David Bowie, Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins) - whom Terry has toured with if he'd like to play on a track. Mike said yes, recorded a stupendous solo for Character Actor at his home studio and sent it over. All in the space of 24 hours! On hearing the piano part NJE bassist Mark Bedford came up with the idea of having the piano mixed with the original track (as intended) but also using it as the basis for a completely new recording with the piano leading rather than complementing the band. Side 1 of the EP has these two very different versions from the same seed. Unidentical twins indeed. Side 2 of the EP contains 4 outliers from the album sessions. These aren't out-takes or unfinished pieces. They simply couldn't find a place for themselves within the album - along the lines of the tunes Tom Waits put together for his Orphans compilation of 2006. They are standalone tunes which have found a home together on this EP because in some way they all have filmic qualities. Side 1 contains 2 takes on Character Actor (the title being a nod to Cracked Actor, a tune on Aladdin Sane, the album that introduced Bowie fans to Mike Garson), and Side 2 has The Loping Four; Projector; MacGuffin and Lockstep, all titles which contain strong cinematic elements, MacGuffin in particular. It was Alfred Hitchcock's favourite word for a red herring in the plot. The musical cast on this release has a remarkable pedigree. The NJE consists of Terry Edwards (solo artist and session player with PJ Harvey, Franz Ferdinand, Siouxsie, Jimi Tenor, Piroshka, Tindersticks etc); Mark Bedford (Madness, Robert Wyatt, Robyn Hitchcock, Nightingales etc); Simon Charterton (The Higsons, Alex Harvey, Zook, Serious Drinking etc). Alongside featured guest Mike Garson there is an appearance by Oliver Cherer (Aircooled, Miki Berenyi Band) on keys and synth. This is an RSD exclusive, 500 copies on black vinyl in full colour sleeve which reflects the filmic quality of the recorded material. No download. The title track will appear on the next Near Jazz Experience studio album. The 4 additional tracks, however, will remain exclusive to Record Store Day.

Military Genius (aka songwriter/producer Bryce Cloghesy) today announced his new album Scarred for Life will be released November 1st, 2024 via Unheard of Hope. The follow-up to his atmospheric 2020 debut Deep Web, Scarred for Life is a genre-flexing mix of bass-heavy R&B, spaced dub, and jazz that is newly grounded within a more traditional rock framework and centered on lyricism. Lead single “Darkest Hour”–out now alongside a self-directed video filmed near his new desert home in Joshua Tree, California–reflects a head first journey into the unknown. "’Darkest Hour’ encapsulates the feeling of being swept away by time, into an endless night,” says Cloghesy. “There is a certain melancholy in leaving the past behind, dwelling on simpler, antiquated ways of life as we are pushed forward. This message is poignant on a personal level–becoming a father has led me to contemplate my own childhood, witnessing a purity of emotion prior to self-awareness. This applies to a broader collective consciousness too, as the march of progress fundamentally alters our shared experience. It's all about embracing the journey, stepping beyond the point of no return, and facing the future."

Arthur Russell first visited The Gallery in 1976 with his then boyfriend Louis, who introduced him to Nicky Siano. Arthur became a regular at the space and one night as Siano was playing “Turn the Beat Around”, which had just been released, Arthur waved at him from outside the booth and asked to come in. Nicky opened the door and Arthur suggested they make a record like this together. This ended up being a huge step for Siano as it marked the first ever production by a DJ making a record from scratch.

Arthur had written a song and had an arrangement for it so they assembled a band featuring Wilbur Bascomb who was one of Nicky’s favorite bassists, as well as, Allan Schwartzberg, David Byrne, Miriam Valle, Peter Gordon and Peter Zummo who were all friends of Arthur’s. Russell played the cello and piano – and that was the band. They recorded throughout 1977 and the “Kiss Me Again” 12 inch was finally released in 1978 on Sire Records selling more than 300,000 copies.

Week–End Records is proud to release the first ever reissue by this outstanding disco production. Remastered from the original tapes. With liner notes by David Byrne, Nicky Siano, Peter Gordon and Peter Zummo.

''One Foot in the Rave'' is a vibrant collection that showcases Jonny's signature style--a blend of melodic, melancholic acid jams, bleepy funk, and warm analog electronics. Whether for the stereo or the sound system, the LP moves from the upfront bounce of ''The Apocalypse is Now'' and ''Raymond Tuesday's Big Day Out'' to the shimmering reverb of ''Starry Night'' and the birdsong-infused ''Ringfort.'' Listeners will find themselves in familiar Automatic Tasty terrain, rich with psychedelic exploration. According to Jonny, ''What to say about this record? I don't really know and it hardly matters. I wrote them on different bits of gear; ye olde faithful Roland SH101, my MC202 (pencil and paper de rigeur), a battered x0xb0x 1.0 (thx Daniel!), a beloved Yamaha Cs-5, a similarly beloved Roland SH5, a truly hammered Juno106, a Roland JX3P, a Nord something or other, an MPC2500, my TR606, and a Vermona DRM1 MKII being sequenced via a bedraggled TR626. Also Jay's TR808 is on there (thx Jay!) and a TR8 being squashed through a Mutronics Mutator (wheee Damo!) and a Zoom H4n recorder. I edited them on a dilapidated laptop, with no headphones or monitors, steering by the tiny speakers on the computer and playing them in my car, twiddling the mix as I went. But these are frivolous and unimportant details. All that matters is that these songs were made out of love. Cheerio, Jonny. P.S.: This record is dedicated to Jay 'Winthorpe' Kelly.'' ''One Foot in the Rave'' will be available on vinyl and digital platforms starting October 14th.

From Karma Recordings comes their third EP. Straight off the back of 002 selling out DJ Rap joins the list of prestigious producers wanting to showcase their skills on the label. DJ Rap being the queen of dnb this remix bridges the gap between jungle and drum n bass. The Original from DJ KOS blends beautiful synths with slammin’ breakbeats. Flip it over to showcase DJ Ande’s seventies revival with Six Million Dollard and DJ Terraces Slippin’ Time which skillfully blends hardcore and jungle seemlessly together.

16 Jahre nach ihrem letzten Albumrelease erscheint endlich das 14. Studioalbum „SONGS OF A LOST
WORLD“ von THE CURE. Viele der Songs sind Fans bereits von der Welttournee 2022/2023 bekannt.
So diente beispielsweise der Titeltrack „Alone“ bei jeder Show als Opener und ist für Frontman Robert
Smith genau das Puzzlestück, was das Album zu dem macht, was es ist. Mit „SONGS OF A LOST
WORLD“ kehrt die britische Pop-/Rock-/Wave-/Gothic-Band zu einem Sound zurück, mit dem viele Fans
sie kennenlernten. Daher wird dieses Album insbesondere für Fans der ersten Stunden ein wahres Highlight.

Sly Dunbar and Robbie Shakespeare or Sly and Robbie as they are affectionately known are the drum and bass backbone of Reggae Music, they have played on, produced, invented, reinvented more records then many of their contemporaries put together.

Sly Dunbar born Lowell Charles Dunbar on 10 May 1952, Kingston, Jamaica, drummed his first session for Mr Lee Perry which included a Jamaican hit ,a track called 'Night Doctor', before moving on to the group Skin, Flesh & Bones who had a residency at Kingston's famous 'Tit for Tat' club. This band would evolve into the Channel One house band The Revolutionaries where Sly named after his fondness of the band Sly and the Family Stone would begin to play alongside a bass player who would become his long standing partner in music, namely one Robbie Shakespeare.

Robbie Shakespeare born 27 September 1953, Kingston, Jamaica, had worked his way through session bands including the legendary Aggrovators before uniting with Sly Dunbar in The Revolutionaries. Both musicians had worked with other respective bass / drum players including such figures as Lloyd Parks bass, Carlton 'Santa' Davis drums, but everything seemed to fall into place when they worked together.

They also both had a quest to push the boundaries of reggae music, which they would do throughout their careers, over many sessions to numerous to mention. But highlights would include the groundbreaking Mighty Diamonds 1976 set 'Right Time' with its fresh rockers rhythms which lead the way in the 1970's. Also their work with the bands Culture and Black Uhuru the later of which they toured extensively with, spreading the reggae vibes across Europe and America. Not to forget to mention their Taxi label / productions which are always inventitive whether its in the reggae field or outside where their playing / production skills are much in demand.

The third piece of this jigsaw is the mighty Mr Bunny 'Striker' Lee who brought these legends together. Born Edward O'Sullivan Lee 23 August 1941, he must be one of reggae's most underrated producers. Leading the way in the 1970's especially in the dub field and being one of the early exponents of a King Tubby remix ,which would see nearly all his 7'' releases carrying a Tubby reworking on its flip side. Bunny started his musical career in 1962 working for Duke Reid's Treasure Isle label and soon moved into the world of production gaining his first hit in 1967 with 'Musical Field' by Roy Shirley for the WIRL label. The 1970's was a very productive time for Bunny Lee and saw the launch of his LEE'S label which was producing hits in Jamaica. Not having a studio of his own and renting studio time from the existing establishments like Randy's Studio 17 and Channel One he had to have a crack team of session players to carry out this task, fast and efficiently. This happened firstly under the guise of THE AGGROVATORS see The Aggrovators dubbing it studio 1 style JRCD005 and then with the group of musicians THE REVOLUTIONARIES[ see The Revolutionaries at Channel 1 dub plate specials JRCDOO3]. It’s here in the latter of these groups that Bunny matched Sly and Robbie together for the first time and it’s this match made in heaven that these tracks on this release are culled from. Sessions that Bunny Lee produced with Sly and Robbie during this magical 70's period. These rare dubs are taken from the original master tapes, you may have heard the tune before but not these versions. So sit back and enjoy Reggae Musical History in the making....

Die neuseeländische Musikerin und Produzentin Princess Chelsea präsentiert ihr kommendes "nervous breakdown album" "Everything Is Going To Be Alright", das im pastoralen Aotearoa Neuseeland aufgenommen wurde und eine Art Trostspender ist. Es sind keine traurigen Lieder, sondern die beiden Eröffnungs- und Schlusstracks erzählen von Chelseas Genesung und sind als kathartischer Hörgenuss für alle gedacht, die es brauchen könnten. "If you feel you want to die / trust me darling / it just takes time", singt sie in "Time". In der Zwischenzeit zeigen Chelseas sorgfältig geschichtete Gesangsmelodien über Mellotron-Flöten und Harfe, verwoben mit Live-Cello und Violine, ihre Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin. Princess Chelseas cineastischer, verträumter Pop hat sich in elf Jahren, fünf Alben, einer EP und elf Singles weiterentwickelt. Ihre Vortragsweise und ihr Songwriting zeichnen sich dadurch aus, dass sie eine fast naive Ernsthaftigkeit mit zynischem, augenzwinkerndem Witz und akustischen Funken überlagert. Ihr Grunge-Girlgroup-Song "I Love My Boyfriend" aus dem Jahr 2018 und ihr von Nancy & Lee inspiriertes "Cigarette Duet" aus dem Jahr 2011 haben ihren Bekanntheitsgrad durch den Einfluss einer neuen TikTok-Generation in das öffentliche Bewusstsein gerückt. Für dieses Album wurden Chelseas Instrumentalarrangements von ihrer Live-Band inspiriert, die die Schlafzimmerdemoaufnahmen mit einem überraschenden Sound interpretiert hat. Es klingt anders, als man vielleicht erwarten würde. "The Forest" wurde live in einem Take mit Chelsea und der gesamten Band im beliebten neuseeländischen "The Lab" aufgenommen und zeigt dynamische Gitarrenwände und eine leidenschaftliche Gesangsperformance. Es ist eine markante Abweichung von ihrem bisherigen Schaffen und stellt eine weitere Einführung in das dar, was sie seit der Veröffentlichung der verträumten und doch düsteren Single "Everything is Going To Be Alright" im Februar als ihr "Gitarrenalbum" bezeichnet hat. Chelseas Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin kommen auf dem Album voll zur Geltung, aber oft in Form von komplizierten Gitarrenarrangements, die an The Cars und die Breeders ("Forever is a Charm") und an klassische neuseeländische Flying Nun-Bands der 80er und 90er Jahre ("Love is More") erinnern. Obwohl das Album eine deutliche musikalische Entwicklung darstellt, sind ihre Markenzeichen immer noch da - klassische 80er Jahre Synths (Yamaha DX7, Roland D-50), vielschichtige Melodien, orchestrale Instrumente, verträumter Gesang, verdrehter Pop, der oft Vergleiche mit Julee Cruise oder Enya gezogen hat.

Die Wahl-New-Yorkerin Yaeji hat sich in den letzten Jahren als Produzentin, Sängerin und DJ mit ihren introspektiven Dance-Floor-Hymnen eine ganz eigene Nische geschaffen. Nach der Veröffentlichung ihrer Debüt-EPs, sowie den Singles "Raingurl" und "Drink I"m Sippin On" in 2017, war sie auf Charli XCXs 2019er Album "Charli" zu hören, remixte Songs für Dua Lipa oder Robyn, kollaborierte mit dem Seouler-Künstler OHHYUK, verkaufte weltweite Headline-Touren aus und eröffnete ihren eigenen Lifestyle Webstore JI-MART. Ihr Sound und ihre Einflüsse sind dabei so vielschichtig wie ihre Herkunft. Geboren im Jahr 1993 in New York reicht ihr Stammbaum von Seoul über Tokyo bis nach Atlanta - Einflüsse die sich in ihrer Musik in Form von koreanischem Indie-Rock und Electronica, 2000er Hip-Hop, sowie Leftfield Bass und Techno wiederfinden. Mit ihrem 2020er Mixtape "WHAT WE DREW“ schärfte Yaeji noch mal ihre Vision als Musikerin, die kreativ losgelöst von Sprachen Genre-Grenzen zu sprengen vermag - kein Wunder, dass sie daraufhin von Pitchfork 2022 zu einer der "25 Artists Shaping the Future of Music" ernannt wurde. Die nahe Zukunft wird sie ebenfalls prägen. Schließlich erscheint am 7. April nun endlich das Debütalbum "With A Hammer" bei XL Recordings. Entstanden innerhalb von zwei Jahren in New York, Seoul und London kurz nach der Veröffentlichung des Mixtapes und während den Lockdowns ist es eine Ode an die Erforschung ihrer selbst, setzte sie sich doch dabei mit ihren eigenen Emotionen auseinander - besonders mit ihrer eigenen, in ihr brodelnden Wut. Während sie textlich zwischen englisch und koreanisch springt, nutzt sie erstmals auch Live-Instrumente, sei es in Form von einem Ensemble an Musikern oder auch zum ersten Mal sie selbst an der Gitarre. "With A Hammer" beinhaltet darüber hinaus auch Features der Produzenten und engen Verbündeten K Wata und Enayet, sowie Gast-Vocals der Londonerin Loraine James und von Nourished by Time aus Baltimore.

KahruMusiqa ist eine musikalische Retrospektive der tunesischen Sängerin und Komponistin Badiâa Bouhrizi alias Neysatu. Sie ist als Autorin der Protestsongs bekannt, die zu den Hymnen der tunesischen Revolution wurden. KahruMusiqa bedeutet elektronische Musik, wird aber im Arabischen nie als solche verwendet, um das Genre zu bezeichnen. Das Album ist eine Sammlung von Klangexperimenten, die entstanden, als sie in den 2000er Jahren erstmals Musikproduktionssoftware in die Hände bekam. Die Stücke basieren auf Gedichten in klassischem Arabisch oder tunesischem Dialekt, die Badiâa selbst oder von ihr bewunderte Dichterinnen wie die palästinensischen Autorinnen Fadwa Tuqan oder Salma Al Jayusi oder den tunesischen Dichter Noureddine Werghi verfasst hat. Die meisten der Gesangsstücke sind Improvisationen, die mit einem Computermikrofon aufgenommen wurden. Eine Bearbeitung des klassischen türkischen Volkslieds Muhabbat ist fast eine moderne harmonische Neufassung, bei der nur klassische Gitarre, Gesang und Delays verwendet werden. Die Themen von KahruMusiqa entsprechen dem ideologischen Weg von Badiâa Bouhrizi. In dem Lied Transrimel ist sie eine queere Frau im sich bewegenden Sand von Tunesien. Sie hinterfragt auch den politischen Vertrag, der 1948 zu Balfour und der Vertreibung von Millionen von Palästinensern führte, und beschreibt in Fil Madinatil harima ("In The Old City") eine Reise zwischen London und Nablus. Dieses elektronische Schlafzimmer-Album im Lo-Fi-Stil enthält auch mehrere Songs, die wie Ila Selma zu Klassikern des arabischen Underground-Milieus geworden sind, und ist die erste Platte, die Badiâa Bouhrizi überhaupt zu veröffentlichen bereit war.

The Relegation is something that we've been working on for roughly the last couple of years. With this being our first full length album following two previously self released EPs, Exemplifying Their Defeat and Dawn of Terror, we wanted to make sure that this effort stayed true to the Martyred recipe, but also allowed us to showcase the evolution of the band as well. During the time between the last release and working on this one we were able to harness our individual darker times & experiences, and translate them into this in the most honest and brutal way we could_as a band I believe that's what we have done with The Relegation.

Transparent vinyl. The Relegation is something that we've been working on for roughly the last couple of years. With this being our first full length album following two previously self released EPs, Exemplifying Their Defeat and Dawn of Terror, we wanted to make sure that this effort stayed true to the Martyred recipe, but also allowed us to showcase the evolution of the band as well. During the time between the last release and working on this one we were able to harness our individual darker times & experiences, and translate them into this in the most honest and brutal way we could_as a band I believe that's what we have done with The Relegation.