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DRUDKH ist eine verehrte Größe im Bereich des atmosphärischen und heidnischen Black Metal. DRUDKH sind bekannt für ihre beschwörenden Geschichten und tiefgründigen musikalischen Kompositionen und stehen für künstlerische Tiefe, die nahtlos das Körperliche mit dem Ätherischen verschmelzen.

Mit Shadow Play bieten DRUDKH eine fesselnde Odyssee durch Themen wie Exil, den zyklischen Tanz von Leben und Tod und eine ergreifende Sehnsucht nach den eigenen Ursprüngen. Ein Album, das Sie in ein Reich einlädt, in dem Stille gegen Sturm kämpft und Licht mit Schatten verwoben ist. Eine 6-Track-Reise - Scattering the Ashes rührt die Seele mit seiner introspektiven Melancholie, während April Sie in eine meditative Trance hüllt. Die Erzählung entwickelt sich mit The Exile, das die Essenz der Vertreibung einfängt, und setzt sich mit den ergreifenden Echos in Fallen Blossom fort. The Eve ist eine meditative Betrachtung über die flüchtige Schönheit des Lebens, und das ausladende The Thirst schließt diese Erkundung mit einer tiefgründigen Reflexion über die menschliche Sehnsucht ab.

Shadow Play ist eine eindrucksvolle Erfahrung, die dich dazu herausfordert, dich mit deinen Schatten zu konfrontieren und in dem komplizierten Tanz von Licht und Dunkelheit zu schwelgen

Shadow Play bietet eine High-Fidelity-Produktion: Aufgenommen bei ViTeR Music und gemastert von Jaime Gomez Arellano bei Orgone Mastering, verspricht Shadow Play ein Klangerlebnis von höchster Qualität. Von der Erinnerung in "Scattering the Ashes" bis zur Introspektion in "The Thirst" erwartet den Hörer eine unvergleichliche Hörreise.

Für Fans von Agalloch, Winterfylleth, Saor

Neue erweiterte Deluxe-Version des Debütalbums "fishmonger" (2021) der gefeierten Hyperpop-Produzentin underscores (aka April Harper Grey) aus San Francisco, das sie bislang nur im Eigenvertrieb auf den Markt brachte. Eine aussergewöhnlich frische, experimentelle Produktion zwischen Electronic, Pop, Dubstep und Pop-Punk, mit den Fanlieblingen "Spoiled Little Brat" und "Second Hand Embarrassment". Die neue "deadAir Legacy Edition" enthält eine zusätzliche LP mit 6 Single/EP-Tracks, 5 Remixen (Lunice, six impala, Virtual Riot, carolesdaughter) und 2 Bonustracks, dazu ein 24-seitiges Songtext-Booklet. Transparent-hellblaues und transparent-kobaltblaues Doppelvinyl.

Vier Stücke des estnischen Komponisten Arvo Pärt, eines Pioniers des ,heiligen Minimalismus". Im Mittelpunkt des Albums steht eine bisher unveröffentlichte Interpretation von ,Silentium", dem zweiten Satz von Pärts berühmtestem Concerto "Tabula Rasa", gespielt vom Kammerorchester A Far Cry aus Boston. Die Gruppe spielt ,Silentium" in fast der Hälfte der Geschwindigkeit der bekanntesten Version, die 1984 bei ECM veröffentlicht wurde. Das Stück, das für seine heilende Wirkung auf Sterbende bekannt ist und oft in Palliativeinrichtungen verwendet wird (ein Patient bezeichnete es als ,Engelsmusik"), ist bei halber Geschwindigkeit atemberaubend und scheint die Zeit selbst zum Stillstand zu bringen. Das Album enthält einige der beeindruckendsten Interpretationen von Pärts Musik, die je aufgenommen wurden. ,Vater Unser (Arr. für Posaune & Streicherensemble)" ist irgendwie warm und streng zugleich. Ein Miniatur-Epos. Pianist Marcel Worm's Soloversion von ,Variationen zur Gesundung von Arinuschka" ist so schön, das man kaum Worte dafür findet. ,Fratres for Strings and Percussion" ist eines der berühmtesten Werke von Arvo Pärt. Diese Version des Orchesters der Ungarischen Staatsoper ist ikonisch, voller Emotionen, an der Grenze zum Romantischen, aber nie kippend. Pärts Herangehensweise an die Musik und das Leben ist so spärlich wie die Kompositionen, die er schafft. Er sagte einmal: ,Ich habe nichts zu sagen... Die Musik sagt, was ich zu sagen habe. Und es ist gefährlich, irgendetwas zu sagen, denn wenn ich es bereits mit Worten gesagt habe, bleibt vielleicht nichts mehr für meine Musik übrig." Silentium setzt die Faszination von Mississippi Records für diesen großen zeitgenössischen Komponisten fort. Hochwertiges, schweres Vinyl, gepresst bei Smashed Plastic in Chicago, präsentiert in einem luxuriösen Reverse-Board-Jacket mit einem Artwork von Pärts heilig-minimalem Zeitgenossen Eduard Steinberg.

Vier Stücke des estnischen Komponisten Arvo Pärt, eines Pioniers des ,heiligen Minimalismus". Im Mittelpunkt des Albums steht eine bisher unveröffentlichte Interpretation von ,Silentium", dem zweiten Satz von Pärts berühmtestem Concerto "Tabula Rasa", gespielt vom Kammerorchester A Far Cry aus Boston. Die Gruppe spielt ,Silentium" in fast der Hälfte der Geschwindigkeit der bekanntesten Version, die 1984 bei ECM veröffentlicht wurde. Das Stück, das für seine heilende Wirkung auf Sterbende bekannt ist und oft in Palliativeinrichtungen verwendet wird (ein Patient bezeichnete es als ,Engelsmusik"), ist bei halber Geschwindigkeit atemberaubend und scheint die Zeit selbst zum Stillstand zu bringen. Das Album enthält einige der beeindruckendsten Interpretationen von Pärts Musik, die je aufgenommen wurden. ,Vater Unser (Arr. für Posaune & Streicherensemble)" ist irgendwie warm und streng zugleich. Ein Miniatur-Epos. Pianist Marcel Worm's Soloversion von ,Variationen zur Gesundung von Arinuschka" ist so schön, das man kaum Worte dafür findet. ,Fratres for Strings and Percussion" ist eines der berühmtesten Werke von Arvo Pärt. Diese Version des Orchesters der Ungarischen Staatsoper ist ikonisch, voller Emotionen, an der Grenze zum Romantischen, aber nie kippend. Pärts Herangehensweise an die Musik und das Leben ist so spärlich wie die Kompositionen, die er schafft. Er sagte einmal: ,Ich habe nichts zu sagen... Die Musik sagt, was ich zu sagen habe. Und es ist gefährlich, irgendetwas zu sagen, denn wenn ich es bereits mit Worten gesagt habe, bleibt vielleicht nichts mehr für meine Musik übrig." Silentium setzt die Faszination von Mississippi Records für diesen großen zeitgenössischen Komponisten fort. Hochwertiges, schweres Vinyl, gepresst bei Smashed Plastic in Chicago, präsentiert in einem luxuriösen Reverse-Board-Jacket mit einem Artwork von Pärts heilig-minimalem Zeitgenossen Eduard Steinberg.

Luponero aus Finnland ist ein alternatives Hardrock-Kraftpaket, angeführt von Marco Luponero, dem Gründer von Terrorwheel und späterem Altaria-Bassisten. Die explosive Energie und die mitreissenden Melodien des Trios haben ihnen eine treue Anhängerschaft eingebracht und ihre rohen, ehrlichen Texte spiegeln das Chaos und die Schönheit des modernen Lebens wider. Auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum erforschen Luponero einen positiven Nihilismus, inspiriert von einer breiten Palette an Einflüssen, von Grunge, Punkrock und Classic Rock bis zu 80er-Synthwave, Ambient-Pop und Post-Punk.

Im Herbst 2022 lebte Phil Cook allein in einem kleinen Haus am Rande von Feld und Wald in North Carolinas Piedmont. Die meiste Zeit seines Leben lang lebte er in der Nähe der Herzen der Städte, die er sein Zuhause nannte, in der Nähe des ächzenden Verkehrs und des Trubels in den Coffee Shops. Diese Nähe Nähe trug dazu bei, dass der gesellige Cook ein produktiver Mitarbeiter wurde, als Mitbegründer von Megafaun bis zur Zusammenarbeit mit The Blind Boys of Alabama, Bon Iver, Hiss Golden Messenger und unzähligen anderen. Aber Cooks nächster war ein Wanderweg, und so ging er hin und lauschte, hingerissen erst von der Stille und dann von den vielen Vögeln. Er begann, sein Fensterbrett jede Nacht einen Spalt offen zu lassen, damit der Chor der Vögel im Morgengrauen ihn begrüßte. Cook begann, diese verworrenen Vogelstimmen aufzunehmen, und er schloss sich ihnen an. Wenn die Sonne schließlich hoch stand, hörte Cook sich die Aufnahmen des Tages an und improvisierte in Echtzeit auf dem Instrument, das seine erste und unerschütterlichste Liebe seines musikalischen Lebens geblieben ist: das Klavier. Als Cook diese Hütte nach einem Jahr verließ, zog er in ein eigenes Haus in Durham, mit viel Platz für seine beiden Jungs zum Spielen und für etwas, das er noch nie besessen hatte: ein richtiges Klavier. In den nächsten Monaten verbrachte Cook unzählige Stunden damit, an diesen Stücken zu feilen. Während des Unterrichts beim großen Südstaaten-Gospelpianisten Chuckey Robinson hatte dieser Cook aufgefordert, weniger Noten zu halten und seine Melodien nicht mehr durch die Verwendung der Pedale des Instruments als Krücken zu benutzen. Seine Musik hatte plötzlich mehr Klarheit, und die Klänge und Gefühle, die sie transportierten, hatten mehr Raum zum Funktionieren. Cook grub sich in die Gefahr und Freude, in die Idee, dass wir unsere Körper zu Knoten verdrehen um zu verstehen, was das Beste für unsere Herzen ist. Im April 2024 kehrte Cook in das Chippewa Valley in Wisconsin zurück, wo er aufgewachsen war. Sein lebenslanger Freund und Bandkollege, Justin Vernon, hatte gerade die Renovierung von April Base abgeschlossen, dem Studio, in dem Cook in den letzten 15 Jahren an mehr als einem Dutzend Platten gearbeitet hat. Cook bat Vernon, Appalachia Borealis so einfach wie möglich zu produzieren, nur zuzuhören und in zwei ausgedehnten Nachmittagssitzungen Feedback zu geben, um die richtigen Takes auszuwählen, die, die das Herz erfasst haben. Natürlich wurde das Ganze komplizierter, als sie anfingen in dem Prozess zu experimentierten. Vernon fügte die Vogelstimmen zu Cooks Kopfhörern hinzu oder entfernte sie, um zu sehen, wie sie sich auf sein Spiel auswirkten. Oder sie leiteten seine Noten durch eine massive Hallkammer und Cook reagierte darauf mit hauchzarten Improvisationen. Appalachia Borealis ist eine zutiefst ergreifende und persönliche Sammlung von 11 Klavier Meditationen, die die emotionale Bandbreite einer vollen und offenen Existenz abbilden. Inspiriert von diesen Improvisationen auf der Fensterbank, spiegelt es nicht nur die Aufruhr und die Traurigkeit einer schwierigen Zeit für Cook, sondern auch die Hoffnung, das Licht und die Freude, nach der anderen Seite zu schauen. Manchmal kann man noch die Vögel hören, deren Melodie und Zeit so viele dieser Lieder inspiriert haben. Selbst wenn sie nicht in Hörweite sind, bleibt ihre Essenz bestehen.

Here is an expanded edition of one of Nurse With Wound's most intense and unique albums, so much so that for long-time fans, it was a strange, chaotic lounge oddity upon its release. For the first time, all four audio sides are complete (originally, there were only three sides).

To top it off, there is a stunning new cover by the great and talented Babs Santini, who is none other than Steven Stapleton using his artist pseudonym, continuing in the luxurious tradition of the "silver collection" at Rotorelief Records.

The album Huffin' Rag Blues by Nurse With Wound is unique in the NWW discography. Stapleton teams up with composer, producer, and multi-instrumentalist Andrew Liles, his co-creator of musical terrorism, to tackle the genres of exotica and lounge, crushed into a joyful cacophonic mess. Longtime NWW friends Colin Potter and Matt Waldron also join in.

Blues, jazz, cop movies, bachelor pads, and TV show music are treated, discarded, then chopped up and recycled into a mix that contains tons of space but also overflows with dynamic tension, hilarious asides, sexually suggestive poetry, and a certain rock & roll abandon. It's a very surprising album for long-time fans, like a soundtrack that could accompany a David Lynch film.

It's brilliant, exasperating, hilarious, and dark enough to earn a spot in any collection that appreciates a bit of weirdness and eccentricity.

Huffin' Rag Blues incorporates more familiar musical elements—including live-played instruments, rhythm, and vocals—than nearly any other Nurse With Wound album to date. As always, the album's main focus is to create environments for lucid dreaming rather than music per se.

Der ranzige Kern von Cerebral Rot, bestehend aus Ian Schwab (Gitarre / Gesang) und Clyle Lindstrom (Gitarre), ist nach wie vor dabei, doch die Rhythmusgruppe von Corpus Offal, bestehend aus Jason Sachs (Bass) und Jesse Shreibman (Schlagzeug), sorgt nun für intensive Wellen von magenverbrennendem Übelkeit. Nach der letztjährigen Demo-Entjungferung präsentieren Corpus Offal ihr selbstbetiteltes Album, das wie eine eiternde Leiche aus der mitternächtlichen Kanalisation auftaucht: faulig, pulverisierend und auf perverse Weise belebend.

Eine knüppelnde Autopsie von Death Metal, Gore und Deathgrind. Die tief gestimmten Grooves, die unharmonischen Leads und das Mid-Tempo-Rumpeln von Cerebral Rot sind in Tracks wie 'Spinous Forms of Mortal Abhorrence' und dem Titeltrack zu hören, während sie die Messlatte für Tansformation in noch grässlichere, verflüssigte Formen legen. Die gurgelnden Schleimvocals von Ian Schwab sind gefährlich radioaktiv, direkt aus dem versiegelten Keller eines nuklearen Leichenschauhauses beschworen und erzählen von einem Splatterfest aus morbider Poesie, verwesendem Fleisch, absurden Experimenten und grausamen Überschreitungen. Jeder Song liest sich wie die Akte eines Gerichtsmediziners, gekreuzt mit dem fiebrigen Geschwafel eines Psychopathen - präzise in seinem anatomischen Horror und abstoßend in seiner bizarren Verderbtheit.

Wenn Corpus Offal seinen katastrophalen Abschluss findet, ist man erschöpft, desorientiert und fragt sich, ob man ein Meisterwerk überlebt oder das musikalische Äquivalent eines Snuff-Films gesehen hat - und das mit einer unglaublich schweren Billy-Anderson-Produktion. Betritt also das Krematorium, atme tief ein und lass dich vom körperlichen Rausch des Gemetzels von Corpus Offal anstecken. Dies ist ein akustisches Schlachthaus und du bist der Kadaver.

Der ranzige Kern von Cerebral Rot, bestehend aus Ian Schwab (Gitarre / Gesang) und Clyle Lindstrom (Gitarre), ist nach wie vor dabei, doch die Rhythmusgruppe von Corpus Offal, bestehend aus Jason Sachs (Bass) und Jesse Shreibman (Schlagzeug), sorgt nun für intensive Wellen von magenverbrennendem Übelkeit. Nach der letztjährigen Demo-Entjungferung präsentieren Corpus Offal ihr selbstbetiteltes Album, das wie eine eiternde Leiche aus der mitternächtlichen Kanalisation auftaucht: faulig, pulverisierend und auf perverse Weise belebend.

Eine knüppelnde Autopsie von Death Metal, Gore und Deathgrind. Die tief gestimmten Grooves, die unharmonischen Leads und das Mid-Tempo-Rumpeln von Cerebral Rot sind in Tracks wie 'Spinous Forms of Mortal Abhorrence' und dem Titeltrack zu hören, während sie die Messlatte für Tansformation in noch grässlichere, verflüssigte Formen legen. Die gurgelnden Schleimvocals von Ian Schwab sind gefährlich radioaktiv, direkt aus dem versiegelten Keller eines nuklearen Leichenschauhauses beschworen und erzählen von einem Splatterfest aus morbider Poesie, verwesendem Fleisch, absurden Experimenten und grausamen Überschreitungen. Jeder Song liest sich wie die Akte eines Gerichtsmediziners, gekreuzt mit dem fiebrigen Geschwafel eines Psychopathen - präzise in seinem anatomischen Horror und abstoßend in seiner bizarren Verderbtheit.

Wenn Corpus Offal seinen katastrophalen Abschluss findet, ist man erschöpft, desorientiert und fragt sich, ob man ein Meisterwerk überlebt oder das musikalische Äquivalent eines Snuff-Films gesehen hat - und das mit einer unglaublich schweren Billy-Anderson-Produktion. Betritt also das Krematorium, atme tief ein und lass dich vom körperlichen Rausch des Gemetzels von Corpus Offal anstecken. Dies ist ein akustisches Schlachthaus und du bist der Kadaver.

Mit dem neuen Album verfolgt Tamino einen konzeptionelleren Ansatz beim Songwriting, denn er verspürte
nach eigenen Worten „einen enormen Drang, einen metaphysischen Altar für das zu errichten, was verloren
gegangen ist. Das Endergebnis, obwohl manchmal eklektisch, fühlt sich wie die harmonischste Platte an,
die ich bisher gemacht habe.“
Alle 10 Songs sind vom selben Gefühl des Loslassens durchdrungen. Aufgenommen wurden in Studios
in seiner Heimat Belgien und seinem neuen Zuhause in den USA, gemeinschaftlich mit seinem langjährigen musikalischen Wegbegleiter PJ Maertens. „Every Dawn’s A Mountain“ bildet eine Brücke zwischen
Taminos eigener musikalischen Sozialisierung und zeitgenössischen Einflüssen, dessen Songwriting vor allem
seinen transzendentalen Gesang in den Vordergrund stellt. Ein besonderes Highlight des Albums bildet der
Track „Sanctuary“, ein gemeinsames Stück mit Mitski.

Von mitreißenden Partyhymnen bis hin zu tiefgründigen Balladen und energiegeladen Punkrock-Tracks - 'Coming Home" ist ein Album, das Geschichten erzählt - von Heimat, von Zusammenhalt und von der Freiheit, seinen eigenen Weg zu gehen. Es ist eine Einladung und ein Versprechen: Kommt mit den Paddyhats auf eine Reise und ihr spürt den Rhythmus des Irish Folk Punk in jeder grünen Ader!"

Mit dem neuen Album verfolgt Tamino einen konzeptionelleren Ansatz beim Songwriting, denn er verspürte
nach eigenen Worten „einen enormen Drang, einen metaphysischen Altar für das zu errichten, was verloren
gegangen ist. Das Endergebnis, obwohl manchmal eklektisch, fühlt sich wie die harmonischste Platte an,
die ich bisher gemacht habe.“
Alle 10 Songs sind vom selben Gefühl des Loslassens durchdrungen. Aufgenommen wurden in Studios
in seiner Heimat Belgien und seinem neuen Zuhause in den USA, gemeinschaftlich mit seinem langjährigen musikalischen Wegbegleiter PJ Maertens. „Every Dawn’s A Mountain“ bildet eine Brücke zwischen
Taminos eigener musikalischen Sozialisierung und zeitgenössischen Einflüssen, dessen Songwriting vor allem
seinen transzendentalen Gesang in den Vordergrund stellt. Ein besonderes Highlight des Albums bildet der
Track „Sanctuary“, ein gemeinsames Stück mit Mitski.

Als einer der am schnellsten aufsteigenden Stars im Avantgarde Metal präsentieren IMPERIAL TRIUMPHANT stolz eine 1LP-Neuauflage ihres hochgelobten vierten Studioalbums 'Alphaville'. Mit dieser Platte hat das New Yorker Metal-Trio seine unvergleichliche technische Exzellenz und atemberaubende musikalische Handwerkskunst unter Beweis gestellt. Kein Geringerer als der bekannte Künstler und Illustrator Zbigniew M. Bielak steuert zu diesem großartigen Meisterwerk eine seiner bisher besten Kreationen bei. Bitte beachten, dass die 1LP (im Unterschied zur urprünglichen 2LP-Version) ohne die Songs 'Experiment' (VOIVOD-Coverversion) und 'Happy Home' (THE RESIDENTS-Coverversion) und mit einer alternativen Song-Reihenfolge erscheint.

Es ist das Jahr 2000. Der Begriff „Kuschelrock“ muss neu bewertet werden. Nach dem Megaerfolg des Vorgängers „13“ soll ein neues Album her. die ärzte wollen es noch ein bisschen alberner. Also wird zum Aufwärmen mit „5, 6, 7, 8 – Bullenstaat“ erstmal eine Ultra-Deutschpunk-EP eingespielt. Die Entstehung des neuen Albumtitels ist zwar beschreib- aber nicht erklärbar. Und: Plüsch. Unter der flauschigen Hülle entpuppt sich „Runter mit den Spendierhosen, Unsichtbarer!“ als Füllhorn von Hits, die nahezu alle noch ein knappes Vierteljahrhundert später einen festen Platz im nicht gerade schmalbrüstigen Klassiker-Kanon der Besten Band der Welt innehaben und dabei dem Zeitgeist weit voraus eilen. Denn die ärzte sind – Überraschung! – vor allem bei einem Thema außerordentlich divers aufgestellt: Geschlechtsverkehr. Den gibt es in allen erdenklichen Spielarten, inklusive mehr oder weniger geläufiger Probleme, die den Spaß zwischen Männern, Frauen und allem dazwischen leider zu oft verkomplizieren. „Du nervst noch mehr als Yoko Ono“ ist nicht nur längst Alltagssprache sondern landet für das kurze, aber schmerzvolle Video sogar im Guinness-Buch der Rekorde. „Manchmal haben Frauen“ wächst sich ob des handfesten Themas fast zu einem mittleren Skandal aus, wird dann – dank des noch handfesteren Videos – zum Radiohit und zeigt letztendlich eine Option zur feministischen Selbstermächtigung auf. „Rock Rendezvous“ ist überaus F-Wort-intensiv und hemmungslos lustig. Aber auch sonst sind BelaFarinRod äußerst gut aufgelegt, reimen sich selbst für ihre Maßstäbe extensiv um Kopf und Kragen und sind außerdem noch total Rock.

Es ist das Jahr 2012. No Future war gestern, Phon heißt jetzt dB und sogar das Internet hat sich halbwegs
durchgesetzt. Nun auch noch „auch“. Hast du nichts Besseres zu tun als die die ärzte zu hör’n?
Das Ende ist noch nicht vorbei. Die Beste Band der Welt ist jetzt eine Demokratie, ein Triumvirat
des guten Willens, eine GbR der Gerechtigkeit und sie haben viel zu viel Zeit, um sich nicht um den Rock
zu kümmern. Und natürlich um alle Phasen der engeren Beziehung zwischen Männern & Frauen & allen
anderen. Vom mehr oder weniger schüchternen Balzverhalten beim mehr oder weniger hoffnungsbeladenen ersten Fernblickkontakt bis zum passiv-aggressiven Psychoterror der Post-Partnerschaft. Philosophisch
wird’s obendrein.
„zeiDverschwÄndung“ fragt nach dem Sinn unseres Daseins und ob wir nicht einfach mal irgendwas anderes machen sollten, als Fan von BelaFarinRod zu sein. „Tamagotchi“ stellt den schwierigen ethischen
Problemen im beginnenden Zeitalter der Künstlichen Intelligenz eine wahre Hymne an Emotion entgegen.
„Waldspaziergang mit Folgen“ liefert einen ganz neuen Denkansatz der Theosophie. „M&F“ hingegen
wollen in aller Regel einfach nur in allen Konstellationen poppen.
die ärzte: Jetzt mit der absoluten Leere, ordentlich HeyHey!, einem Gott im Regal und der entscheidenden
Frage: Ist das noch Punkrock?

Zoetrope Vinyl. Schrank zu klein, Arsch zu groß, blasse Waden, hellgrüne Luftballons in der Steckdosenfrisur - das ist Schwiegermutters Fiebertraum in Reinform, das ist der körperhafte Stinkefinger an die Selbstoptimierer*innen-Gesellschaft, das ist Punk in der Jetztzeit-Version, das ist der "EXTRA"Lifestyle. Paula Carolina zelebriert eben diesen Lifestyle Woche für Woche erfolgreich auf den Festivalbühnen der Bundesrepublik - und hat ihm mit "EXTRA" ein musikalisches Denkmal gesetzt. Paulas neue Single ist eine Musik-gewordene Ode auf die Weirdness und das Besonderssein, ein augenzwinkernd-romantischer Vorstoß gegen Normschönheit, Langweilertum und "Otto Normal"-Standards - "als wär' auf der Tanzfläche jedem scheißegal, was man anhätte". "EXTRA" ist nicht umsonst der Namensgeber des Ende September erscheinenden Paula Carolina-Debütalbums - dieser Song steht exemplarisch für die künstlerische Vision seiner Macherin, die ihren Platz zwischen den Stühlen unlängst gefunden hat: "Fühl' ich mich heute wie ein Punk oder doch nur wie die Göre von Nebenan? Egal!". Paula-Carolina-Musik ist "irgendwie anders" und jedes Mal ein bisschen neu. Zwischen rustikalem Gitarren-Geschrubbel, tanzbar-schiebenden Drums und kaum erwartbaren Airhorn Einschüben blüht die Weltenbummlerin in "EXTRA" erstmals überhaupt mit einer Rap-ähnlichen Stimmperformance auf. Paulas Vocal-Experimente münden zwischendurch in einer Vulkanausbruch-artigen Ohrwurm-Hook und im letzten Drittel des Songs in einer epochalen SingSang-Bridge. Zwischen Punk-Attitüde und Techno-Club-eske Hektik mischt sind also auch die nötige Portion Pop-Appeal. Wer "EXTRA" lieber in einem anderem Genre-Gewand hören will und sich in Jungle-, Dancehall- oder Happy-Hardcore-typischem Tanzstill zum Song bewegen möchte, kann dies übrigens auch tun. Ja, richtig gehört: Ab 3. August - also einen Tag nach Single-Release - wird täglich ein neuer Remix des Originalsongs veröffentlicht. Star-Produzent Marti Fischer, den Paula-Carolina-Fans spätestens seit seinem erfolgsgekrönten "Schreien! - Turbo Remix" kennen dürften, hat ein umfangreiches Begleitwerk zu "EXTRA" realisiert und mehrere, verschiedenartig elektronische Alternativ-Versionen der Außenseiter-Hymne zusammengeschustert. Als wäre das nicht genug "EXTRA" zu "EXTRA", haben auch Großstadtgeflüster eine stilechte Remix-Version der Single gefertigt und der Bonus-EP ihren Stempel aufgedrückt. "Es geht wieder los", im Kosmos Paula Carolina - und zwar so richtig.

GU returns with 3 more of his favorite funk & disco tunes from the early days of The Bismark, Music Box, and Warehouse, polished up & refreshed for modern dance floors. This features dope edits/remixes of cuts from INGRAM, JAMES BROWN and for the STAR WARS' fans: MECO's "CANTINA BOOGIE".

Mit "Lieben wir" präsentiert OEHL ein intimes und packendes Konzeptalbum über die Liebe in all ihren Facetten – von Knutschflecken bis zu den Momenten, die unser Leben prägen. Ariel Oehl wagt Neues und bleibt sich treu: Sein "Gitarrenalbum" vereint handgemachte Klangwelten mit verführerischen Melodien, die zwischen Nostalgie und großer Emotion pendeln. Produzent Niklas Apfel sorgt für ein ausdrucksstarkes, organisches Sounderlebnis.Ein Album, das von Enttäuschungen, Glück und der Magie flüchtiger Augenblicke erzählt – Musik für Menschen, die etwas von Musik verstehen – und ein Herz haben.

- Ausstattung: Rot-transparentes Vinyl mit silberfarbiger Innentasche mit Songtexten & Herz

Six track EP full of warm deep house music, spacy jazz not jazz, african and brasil rhythms, plus a portion of psychedelic funk poetry.

‚Children Of Zu Zu‘ is Charles Petersohn‘s restart after his previous label release from 18 years ago, besides some experiments on Bandcamp and SoundCloud. On this EP sound merges into each other, is producing an organic flow. Smooth deep house, different kinds of jazz and jazznotjazz, african rhythms, Brasil batucada, psychedelic funk poetry, inspired by Dr. John and most of all the space music and afrofuturist philosophy of Sun Ra and his Arkestra. Soundscapes and atmos in the background of each song give the music a deeper feel. It took its time to get the music ready. There was the desire of having Web Web pianist Roberto di Gioia in the music, took months. But it was worth waiting. Roberto planted some magic moments in to it. On other hand Charles is hyper critic with his own sound. If jumping into to arena again, there should be something special. When he will be okay with every inch of his sonic work, then its done! ‚Children Of Zu Zu‘ became a collage of thick, warm and smooth housemusic, spacy Ambient Jazz and two dancefloor tools with a deep Afro and Brasil feel.

Here we go with six tracks full of love, full of dreams and full of space.

"Children Of Zu Zu" ist Charles Petersohns Neustart nach seiner letzten Label-Veröffentlichung vor 18 Jahren mit dem Pianisten Jasper van't Hof bei "Jaro". Deep House Music, Jazz Not Jazz, afrobrasilianische Jazz-Grooves, Ambient Jazz, eine von New Orleans Legende Dr. John inspirierte spirituelle Botschaft, einen Gesang von Frauen und Mädchen aus Samoa vom "British Commonwealth Sound Archive" und nicht zuletzt die intergalaktische Poesie von Sun Ra und seinem Arkestra. Soundscapes im Hintergrund fast aller Tracks versetzen die Musik jeweils an einen fiktiven Ort. Es hat seine Zeit gedauert, bis die Musik fertig war. Der Wunsch, den Web Web Pianisten Roberto Di Gioia für die Musik zu gewinnen, schien fast unmöglich. Seine Teilnahme verzögerte sich um mehrere Monate, denn Roberto ist ein vielbeschäftigter Musiker und Produzent. Am Ende hat sich das Warten gelohnt. Er hat der Musik einige magische Momente beschert. Auf der anderen Seite ist Charles mit seinem eigenen Material meist überkritisch. "Wenn ich mich parallel zu so vielen großartigen Musikern und Produzenten überall in der Welt und darüber hinaus mit einer eigenen Botschaft in die Welt begebe, muss das schon etwas Besonderes werden!" Nach endlosen Sessions in seinem Mini-Studio ist 'Children Of Zu Zu' um einiges mehr geworden, als er sich vorgenommen hat. Statt zwei, sind es am Ende sechs Tracks und zwei Bonus-Versionen voller Liebe, voller Träume und voller Space, innerspace und outerspace, geworden. Musik für den Dancefloor, für Jazz Clubs, Chill Zones und obendrein für Kinderzimmer!

Haken-Gitarrist Charlie Griffiths kehrt mit einem Nachfolger zu seinem Soloalbum von 2022 zurück. Diesmal wählt Charlie Grif-fiths den Künstlernamen "Tiktaalika" und präsentiert "Gods of Pangaea". Das Album knüpft dort an, wo das Vorgängeralbum auf-gehört hat und erzählt von einer uralten, vergessenen Welt, die mit dem heutigen, von Menschen bewohnten Planeten kollidiert. Musikalisch ist das Album eine Hommage an die Kunst der Gitarrenriffs, deren DNA bis in die goldene Ära des Metal zurück-reicht, mit Einflüssen von Mercyful Fate, Judas Priest, Megadeth und Metallica. Charlie wird wieder von dem hervorragenden Schlagzeuger Darby Todd (Devin Townsend) unterstützt, und die Bassfrequenzen werden diesmal von Haken-Bandkollege Conner Green beigesteuert. An den Vocals wird Charlie von einigen der Besten im Geschäft unterstützt: Tommy Rogers (Between The Buried & Me), Daniël de Jongh (Textures) und Vladimir Lalić (Organised Chaos) sind alle wieder mit von der Partie und Rody Walker (Protest The Hero) steuert seine Vocals zu einem Track bei. Erhältlich als limitierte CD & Gatefold transparent-magenta LP-Edition (beide mit Bonustrack) sowie digital.