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The Homesick sind ein abenteuerlustiges niederländisches Trio, das Stile wie Post-Punk, Krautrock, New Wave und experimentellen Pop mit furchtloser Neugier und Hingabe meisterhaft miteinander verschmilzt. Frei von Dogmen und doch rastlos romantisch, haben sich THE HOMESICK über mehrere Alben hinweg immer wieder neu erfunden - vom mitreißenden Debütalbum *Youth Hunt* bis hin zum barock angehauchten Durchbruchsalbum *The Big Exercise*, das bei Sub Pop erschien. Auf ihrem dritten, unabhängig veröffentlichten selbstbetitelten Album - entstanden in der Zeit nach der Pandemie - verschmolz das Trio sein breites Referenzspektrum zu einem schlankeren, pulsierenden Sound. Nun, auf ihrem vierten Album (und dem ersten bei Siluh Records), haben The Homesick in zehn Tracks ihre ganz eigene, höchst einfallsreiche und durchweg unterhaltsame Version von Clubmusik geschmiedet. Dabei schaffen sie einen mitreißenden Fluss zwischen den Stücken und pendeln mühelos zwischen der eingängigen, von City-Pop inspirierten Lead-Single ,Esperanto", dem von 808-Beats getragenen Herzschmerz-Song ,Policelessness" und der märchenhaften Disco-Nummer ,The Bees". Um diese funktionale und zugleich fantastische Tanz-Odyssee zu realisieren, holten sich The Homesick ein viertes Paar Ohren zur Unterstützung ins Boot. Der in Amsterdam ansässige Produzent und Künstler Rimer London - eine Schlüsselfigur sowohl im Mainstream als auch im Underground - verlieh dem Material seine eigene, markante und pop-orientierte Note, nachdem das Trio seine Tüfteleien im Studio abgeschlossen hatte. Dieser frische kreative Schub half der Band, sich an pop-geschukten Vorbildern zu orientieren, etwa beim sinnlichen ,Love off the Leash" oder dem wehmütigen West-Coast-Pop von ,Hey". Indem sie stärker auf clubbige, von den 80ern inspirierte Sounds setzten als auf den disharmonischen Post-Punk früherer Tage, ließ sich das Trio oft von einer Lawine aus Ideen mitreißen - so etwa beim treibenden Electro-Pop von ,Sway the Needy". Letztlich ging es darum, jedem Track einen ganz eigenen klanglichen Charakter zu verleihen: ,Humdrum" wagt die Nähe zu den Talking-Heads-Klassikern, während der hektische Dub von ,Street Cyst" in unwiderstehliche Hyperpop-Anleihen mündet. Ihren Ruf als eigenwillige Scenesters untermauern The Homesick zudem mit dem mitreißenden Synth-Pop-Marsch ,Horse Alone". Und eines ist sicher - es gibt noch weitaus mehr eklektische Grandezza auf "What's Up With All These Shangri-Las" zu entdecken. Lass The Homesick der Soundtrack zu deinen offenen Fragen sein - es lohnt sich wirklich.

Brought together by Antoine Rajon through their shared love of modal and free jazz, the four musicians of KOMA embraced the high-wire act of a ""Jazz on the Moment,"" a hallmark of the KOMOS label's Analog Home Session series. These friends, both on and off stage, already play together in other groups, such as AMG for Keïta Janota and Anthony Jouravsky, and OLA TUNJI for Ornella Noulet and Anthony.


For this recording, the new group set up in the living room of a Burgundy home, equipped for the occasion with the finest vintage analog equipment by Christian Hierro, engineer at the ""Back To Mono"" studio in the Drôme region.

With no preparation other than the few hours before starting the tape recorder, KOMA recorded the tracks in the order they appear on the album. Two pure improvisations sit alongside a composition (in two versions) by Keïta Janota, and a composition by vibraphonist Martin Blouet, who was experiencing his first professional recording.


The iconic piece ‘John Coltrane’, composed by bassist Bill Lee, father of Spike Lee, is the only cover on the album. The quartet offers a surprising, almost ambient version, without the rhythm section and epic solos of other recordings. The musicians' love for the music of the ‘supreme saxophonist’ is nonetheless intense.

As a birth certificate on the very day of the group's formation, this ‘no-nonsense’ album allowed this unusual lineup (two saxophonists, a vibraphonist, and a bassist) to present its lyrical and meditative music on numerous stages.

Bachar Mar-Khalifé Plays Christophe

The album title, Bachar Mar-Khalifé Plays Christophe, inevitably comes as a surprise: the Lebanese composer, singer, and multi-instrumentalist ventures into the world of the pop dandy who escaped the yé-yé era… From the very first notes, one thing becomes clear: splendor flows effortlessly from melodies restored to their fragility and simplicity. Bachar Mar-Khalifé explores the hypnotic melancholy of a world that is both sophisticated and crystal clear. A fascinating plunge “into this collapsing luxury,” as the lyrics of Paradise Lost say. Seven tracks with his collaborators Dogan Poyraz on drums and Aleksander Angelov on bass, seven narratives unfolding the musical richness of Christophe’s songs as much as that of Bachar Mar-Khalifé’s playing and singing. A captivating journey, both on record and on stage. It all started there, in fact. In April 2025, BMK dared to pay tribute to Christophe at the Fragile Festival, at the Cirque Zingaro, five years after his death. At first glance, it wasn't his familiar world. "I haven't idolized him my whole life," he explains. "I really knew Christophe personally before I knew his work in detail." During his childhood in Lebanon, and then after arriving in France in 1989 at the age of six, the music played at home left little room for Christophe's pop. "We listened more to Brassens, Brel, Ferré, Barbara. I hardly knew anything more than 'Les Mots bleus.' Then we met. Christophe loved the night, young musicians, exploring together..." In 2018, Bachar and Christophe recorded a Unik session for FIP, which involved recording a 45 rpm single live, followed by a concert at the Maison de la Radio. The younger brother has the opportunity to discover a legend, but also how it works: “His melodies allow you to go very far—even him, who seems to be searching for a new version with each interpretation, as if he wanted to return to the organic aspect of the song. A researcher who, out of a need for freedom, wants to escape the image people have of him.” So there was no question of overproducing these covers as one might do with the stage fright of tackling an intimidating work. “I tried to go very fast to deliver each song, as if I had composed it myself.” Working instinctively, very spontaneously, the bulk of the album comes from the trio's rehearsals and the concerts that followed. “I chose songs that moved me. Very beautiful melodies and very beautiful lyrics.” Whether the lyrics are by Jean-Michel Jarre or Alain Kan, “they often speak of love in danger.” “I like to hear this quote from Paradise Lost: ‘Dandy, a little cursed, a little aged / In this crumbling luxury.’ Here and there, he pruned the lyrics, as if to make them more audible, in Les Mots bleus, ‘The winter wind blows in April / I love the still silence’ – an evocation of the month of Christophe’s death. And he chose a little-known song from the yé-yé era, Les Amoureux qui passent, in which we hear the young trumpeter Siméon Petrov, who further expands the play on the archetypes of vintage romantic song. Between accepted fragility and the vertigo of feeling, between virtuosity of lightness and unfathomable depths, Bachar Mar-Khalifé unfolds an unexpected kinship with Christophe.” A kinship of silences and sonic surprises (a synthesized zurna sound in "Emporte-moi," for example) that will continue on tour. He is also preparing an album of original songs, his first since 2020, after many compositions for film and collaborations with other artists. He writes songs of love and dance, at a time when Lebanon and the world are experiencing such dark times. Perhaps this is yet another lesson from Christophe: to love and sing "in this crumbling luxury."

Limited White Vinyl edition of ‘Car Button Cloth’, featuring Lemonheads classics ‘If I Could Talk I’d Tell You’ and ‘The Outdoor Type’. Celebrating the album’s 30th anniversary, this reissue includes the original record + a collection of rarities and unreleased cuts (download only), continuing Fire Records in-depth series of reissues from the legendary band.


‘Car Button Cloth' is an extraordinary affair of musical and emotional extremes, a soundscape spanning “the most beautiful piano-led mourning in the history of the broken heart” that switches into perky jangle-pop for fleeting moments and contains the ultimate self-deprecating classic ‘The Outdoor Type’, penned by Smudge cohort Tom Morgan, as well as a cover of the bluegrass standard ‘Knoxville Girl’ and ‘If I Could Talk I’d Tell You’ co-written with The Vaselines’ Eugene Kelly. All bases are covered.

Savage first-wave screamo from San Diego’s white belt progenitors. Collected for the first time on this 39-minute LP are Antioch Arrow’s complete Gravity recordings, including In Love With Jetts LP (+ a pair of previously unissued outtakes), The Lady Is A Cat 12”, Candle split, and two live Che Cafe tracks captured at the quintet’s spazzy peak. 23 tracks remastered from corroded DATs and annotated by Tony Rettman, plus lyrics, photos, and flyers, all housed in a stunning gatefold jacket for maximum McClard ragebaiting.
”A roar of nothing”—HeartattaCk

Savage first-wave screamo from San Diego’s white belt progenitors. Collected for the first time on this 39-minute LP are Antioch Arrow’s complete Gravity recordings, including In Love With Jetts LP (+ a pair of previously unissued outtakes), The Lady Is A Cat 12”, Candle split, and two live Che Cafe tracks captured at the quintet’s spazzy peak. 23 tracks remastered from corroded DATs and annotated by Tony Rettman, plus lyrics, photos, and flyers, all housed in a stunning gatefold jacket for maximum McClard ragebaiting.
”A roar of nothing”—HeartattaCk

Four years after Les Mystères de Lorient, Il Est Vilaine returns with Best Service, a rich and cosmopolitan album that broadens horizons in a bleak era.
Twelve tracks and interludes crafted with the aesthetic the duo has been refining since its inception: a blend of analog electronics, techno, vintage rock, and synth-pop.
Tailor-made atmospheres, oscillating between raw energy, groove, and dark romanticism, provide perfect spaces for unexpected guests.

2003 erscheint auf dem Hamburger Label Hit Thing auf CD das Album KARNY SUTRA eines Duos namens Luther & Toby. Wer hinter Toby steckt, wird bald klar: Label-Co-Founder und Schlagzeugkünstler Larry Mullins. Man kennt ihn als Mitglied ikonischer Bands wie den Stooges, Swans oder Nick Cave & The Bad Seeds. Wer aber ist Luther, Nachname Hawkins? Erst jetzt wird eines der vielen Geheimnisse hinter KARNY SUTRA gelüftet: Hinter dem Pseudonym Luther Hawkins steckt James Hawkinson, als Kameramann in L.A. verantwortlich für die Bilderwelten von Serien wie "Hannibal" und "The Man In The High Castle", von Musikvideos wie "Naughty Girl" von Beyoncé, Missy Elliotts "Get Ur Freak On", "Aenema" von Tool oder "Windowlicker" von Aphex Twin. Mullins und Hawkinson verbindet seit vielen Jahren eine Freundschaft. In den 80er-Jahren spielten sie in L.A. gemeinsam in einer Band. Vielleicht hätte daraus etwas werden können, doch dann gehen die beiden andere Wege - um sich Anfang der Nullerjahre in Hawkinsons Haus in L.A. zu verabreden und dieses Album aufzunehmen. Mit dabei: der Produzent Mark Howard. Die Liste an Namen, für die dieser als Produzent oder Engineer gearbeitet hat, ist imposant: Bob Dylan und Neil Young, U2 und R.E.M., Tom Waits und Willie Nelson, Emmylou Harris und Fiona Apple. Zusammen mit Daniel Lanois etabliert er ab Ende der 80er die Idee eines mobilen Studios: Howard hat einen Lkw-Führerschein, lädt das Equipment ins Fahrzeug und sucht für Aufnahmen zu speziellen Orten. Als Hawkinson ihn fragt, ob er sich vorstellen könnte, ein Album bei ihm zu Hause aufzunehmen, schaut sich Howard dort kurz um - und sagt sofort zu. "Kurze Zeit später sah ich ihn, wie er sich vor James" Haus an der oberirdischen Stromleitung zu schaffen machte", sagt Larry Mullins. "Für seine Aufnahmegeräte brauchte er mehr Leistung, und die besorgte er sich dort oben selbst." Nun, über 20 Jahre später erscheint das Album in einer 180 Gramm Doppel-Vinyl-Ausgabe mit aufwändigem Artwork in gewohnter Hit Thing Qualität.

Clear Vinyl


Her sound remains vast and yearning, with gut-punch drums pushing through explosions of colored powder; her voice is a chrome-plated sigh, and her agile melodies soar effortlessly. - Pitchfork *BEST NEW MUSIC*
she achieves some serious cinematic grandeur. - Stereogum
Simply too sublimely crafted to ignore. - Consequence of Sound
A catchy ethereal piece of pop - Brooklyn Vegan
Rose's layered, reverb-laden vocals hit like waves of sunlight, warming her lines almost to the point of wordlessness. - Paste Magazine


"Hila. A record about loss. What persists beyond the range of ordinary perception? The place mourning keeps returning to - not quite transcendence, not quite doubt. The edge of what we can see."
Frankie Rose has spent fifteen years building one of the most quietly distinctive bodies of work in American independent music. Bursting out of the shackles of her legacy on 2024's Love As Projection, 2026's Hila builds on the muscular, dance-ready songwriting and transcendent melodies to result on Rose's most exploratory and affecting record of her career. Imbued with yearning melodies and brooding post-punk dynamics, Hila is Frankie Rose at her most impressionistic and expansive.

Self-produced at her home studio featuring collaborations with drummer Justin Welch (Elastica/Lush), Hila was recorded following extensive touring with The Jesus & Mary Chain and Swervedriver. The result is the most confident, searching music Rose has produced; muscular in its production yet emotionally vulnerable in its diffracted neon glow. A record informed by loss and the way grief mutates our senses, it's fitting that Rose channels the nuanced darkness of later Coil, at times the pounding EBM-production of Skinny Puppy and the near-spiritual alien-ness of Cocteau Twins. On Hila, the doors of perception are constantly melting, revealing the porous nature of the seen and unseen. The result is a synesthesia that flips the senses.

If Love As Projection was an outward-looking record looking to embrace the world, Hila brings the dark cosmos into inner space. Rose's love for 80s production and soaring melodies remain, they're cornerstones to her craft after all, but there's something more assured and gothic underneath the massive waves of sound. Opener Olo shimmers into a pulsating, cinematic brooder, Rose's vocal transcending and swan diving between registers in the chorus breakdowns. First single Cant Be Wrong serves as a transition from the optimistic pop of Rose's previous album, introducing a thumping 80s funk rhythm track under the soaring vocal performance. The ebullient Shadow Twin is that song's sibling, recalling major label-era Strawberry Switchblade melancholy mixed with Robin Guthrie's twinkling guitar work.

Hila blossoms darkly from here on in, blowing out into a glacial wide-screen sonic dynamic. On Rainman and the title track the listener is transported to a rain-soaked, nocturnal cityscape ridden with desire, moonlight cutting through blinds, intoxicating chasms without bounds. Rose's use of saxophone and digital synthesis recalls the nightmusic of Hats-era Blue Nile or the more ambient end of Emeralds' catalog. Indeed, in the towering synthetic cello sounds that climb into the mind on Hila, there's a distinct flavour of the instrumentals on Bowie's Low. This is musick to play in the dark, to light the way a little, just enough to trick the senses.
Leading into the strobe-filled haze, single Manifest pounds forward with a massive Industrial 4/4 beat and post-punk/goth musicality, an exercise in unlit ecstasy. For Best Of Times, the liberal saxophone passages feel like a suppressed, 80s Michael Mann soundtrack with Frankie Rose's effortless, melodic vocal performance probing, searching for connection. Navigating through the dry, iced landscape into a rising sun, closer Velvet Refrain flips the melancholy of the preceding passages. With a massive sound dripping with harmony, the clanging guitar and vocal duet feels they're sound-tracking an unexpected happy ending after bouts of darkness."

With the release of "Wildnis" in autumn 2026, Klangwart celebrate 30 years of the group"s existence. During numerous sessions in their own Inkiek studio in Unna/Germany and a residency in Montoriol/France in 2025, Klangwart have created their new work "Wildnis" ("wilderness"), inviting Sébastien Del Grande to add tenor and alto saxophone, drums, marimba and other various percussion instruments to their electronic textures. Catalan composer and performer Ivan Chin aka Ivan Telefunken also participated in the recording sessions by contributing to a Catalan version of Swiss group Grauzone"s famous new wave hit "Eisbär" under the title "Os Polar". Timo Reuber"s arrangements, production and mastering gave the album its final touch. Klangwart started their musical expedition into for them unknown territories already in 2014 when they went to Bogotá/Colombia in order to record with protagonists of the local music scene: Damián Ponce (drums), César Quevedo (bass) and Eblis Alvarez (violoncello), members of The Meridian Brothers, and singers Juanita and Valentina Añez Rothmann a.k.a. Las Añez. The result, released on Markus Detmer"s Staubgold label in 2019, was Klangwart"s trademark sound permeated by a Latin American pulse and pitch. With "Wildnis" the story continues: field recordings from Latin America are interwoven with delicate electronic structures, Del Grande"s iconoclastic approach to the saxophone meets Klangwart"s familiar organ drones, Catalan folk meets German Krautrock.

Im Laufe des Jahres 2026 hat das Jazz-Piano-Trio Okonski (Steve Okonski am Keyboard, Aaron Frazer Bandkollege von Durand Jones and the Indications am Schlagzeug und Bassist Michael Isvara Ish" Montgomery) nach und nach eine Vielzahl von Singles veröffentlicht, um die Fans bis zum mit Spannung erwarteten Album LP3" im Jahr 2027 bei Laune zu halten. Die Tracks zeigen vielfältige Einflüsse und beinhalten Kollaborationen mit Künstlern wie dem Saxophonisten Cochemea und der Harfenistin Rachel Kitchlew. Zum Abschluss dieser Single-Reihe hat Colemine Records eine limitierte Auflage von Kassetten gepresst, die alle neuesten Tracks sowie ein paar Bonus-Live-Stücke enthalten. Die hochgelobte EP Trio Session Demos" der Band wurde auf die B-Seite der Kassette gepackt damit sind diese vom Hip-Hop inspirierten frühen Aufnahmen zum ersten Mal physisch erhältlich. Anfang 2025 veröffentlichte Okonski ihr zweites Album Entrance Music" und erntete dafür großes Lob. Das Spiritual-Jazz-Album wurde von Rolling Stone, BBC, Billboard, KEXP und unzähligen anderen gelobt und wurde bereits über 10 Millionen Mal gestreamt. Das Trio hat kürzlich ein ausverkauftes Konzert in LA absolviert und bricht diesen Herbst zu seiner ersten Tour durch Großbritannien und die EU auf. Von Okonski ist in den kommenden Jahren noch viel mehr zu erwarten.

Nach fast zwei Jahren meldet sich Okonski mit "Entrance Music" zurück - ein Album, auf dem sich das Trio auf dem Höhepunkt seines improvisatorischen Könnens befindet und das Spontane und Meditative zelebriert. Nach dem Debüt "Magnolia" von 2023 hat der Pianist und Bandleader Steve Okonski seine langjährigen musikalischen Mitstreiter (Durand Jones & The Indications-Bandkollege Aaron Frazer am Schlagzeug und Bassist Michael Isvara "Ish" Montgomery) für eine weitere Session im Geiste von Künstlern wie The Bad Plus, Gerald Clayton und The Breathing Effect wieder zusammengebracht. Letztendlich ist "Entrance Music" eine Einladung zu frühen Stunden, in denen die Songs in der Tür verweilen und ihre Anwesenheit ankündigen, bevor sie in die Luft zurückkehren, um sorgfältig in die nächste Runde zu treiben. "Entrance Music" wurde in einer fünftägigen Session aufgenommen und war eines der ersten Alben, die in Portage Lounge, dem Studio von Terry Cole in Loveland, OH, auf Band gebannt wurden. "Es war ein neues Setup, aber mit Terry hinter den Reglern war es sehr vertraut", sagt Okonski. "Ich kann nicht genug betonen, wie sehr sich Terry wie ein viertes Mitglied der Band fühlt, wegen des Raums, den er kuratiert, der Energie, die er einbringt, und den Produktionsideen." Die Energie und der Sound, die mit dem Colemine-Labelchef am Ruder entstanden sind, sorgen für ein Hörerlebnis, das sich mit den Katalogen von ECM oder Stones Throw messen kann. Während ein Großteil des Debüts auf seine Zeit in New York zurückgeht, fühlt sich "Entrance Music" "ein bisschen weniger wie ,auf den Straßen um 2 Uhr morgens' und ein bisschen mehr auf der Natur basierend an - ein bisschen mehr ätherisch", sagt Okonski. "Es ist definitiv das Alter, die Umgebung und die Familie - all das kommt in der Musik durch."

,Teranga", das letzte Album der Wau Wau Collectif-Trilogie - dieser verträumten, kulturübergreifenden Zusammenarbeit -, zeigt, wie die Band endlich zu einer Einheit zusammenwächst. Der Name leitet sich vom Wolof-Wort ,Teranga" ab, das für Herzlichkeit, Gastfreundschaft gegenüber anderen und - ganz allgemein - für ein gemeinsames Zusammentreffen steht - ein passender Titel für das Album, das selbst Ausdruck einer solchen Begegnung ist. Das Projekt begann 2018 im Dorf Toubab Dialaw, wo die beiden Musiker Arouna Kane und Karl-Jonas Winquist die Idee erstmals hatten. In den folgenden Jahren entwickelte sich das Projekt weiter: Die beiden Produzenten tauschten über WhatsApp Dateien aus und bezogen ihr Netzwerk aus Freunden und Kollegen in das ein, was später zum Wau Wau Collectif werden sollte - was schließlich in ihren ersten Alben ,Yaral Sa Doom" (2021) und ,Mariage" (2022) gipfelte. Ihr neuestes Album, ,Teranga", ist der dritte und letzte Teil dieser Trilogie, der während der ersten Live-Tour der Band fertiggestellt und abgemischt wurde - eine fünfwöchige, weitreichende Reise quer durch Europa mit ,drei Schweden, drei Senegalesinnen und einem französischen Fahrer, ein herrliches Sprachengewirr", wie Karl-Jonas erklärt. Das Herzstück von Wau Wau Collectif ist ein starkes musikalisches Fundament, das nicht nur auf dem breiten kulturellen Spektrum beruht, aus dem sich das Kollektiv inspirieren lässt, sondern auch auf den äußerst talentierten Musikern - komponiert und eingespielt von sage und schreibe 26 verschiedenen Songwritern und Musikern, die eine beeindruckende Bandbreite an Instrumenten spielen, darunter Balfon, Ngoni, Calabasse, Violine, Cello, Saxophon und Omnicord. Der daraus resultierende Sound lässt sich nur schwer einordnen, hat aber klanglich zweifellos seinen Platz in Teranga gefunden. Mal verträumt und meditativ, aber durchdrungen von einer organischen Seele - ein völlig einzigartiger Sound, der zugleich anachronistisch und zukunftsweisend ist. ,Oh, Africa" könnte auf einer klassischen Neuauflage zu Hause sein, mit einem fast türkisch anmutenden Gitarrenriff, während ,100 ans" (ihre erste Live-Studioaufnahme) an Amadou et Mariam aus den frühen 2000er Jahren erinnert. Mit Wurzeln in der Avantgarde (Karl-Jonas hat Barney Wilens ,Moshi" als Inspiration genannt), während Wau Wau sich von diesen Experimenten inspirieren lässt, auch wenn sie in ihrem Bekenntnis zum Gemeinschaftsgeist davon abweichen - ein Projekt, das durch Handys, WhatsApp und im Internet kursierende MP3s ermöglicht wird -, was leicht ironisch wirkt, wenn man bedenkt, wie akustisch, bodenständig und menschlich es sich anfühlt. Während wir das Kapitel der Trilogie abschließen, betont Karl-Jonas, dass dies vielleicht erst der Anfang ist: ,In gewisser Weise haben wir gerade erst angefangen", sagt er. Für das nächste Jahr zeichnen sich Pläne ab, die ganze Band zusammenzubringen, und es stehen weitere Tourneen bevor - mehr Hoffnung, mehr Menschlichkeit und mehr Zusammenhalt.

Der ehemalige RSD-Botschafter und Hip-Hop-Legende Chuck D (Public Enemy) tut sich mit dem legendären Schlagzeuger der Doors, John Densmore, für ,do+pe = no country for old men" zusammen. Das Album, das eigens für den Record Store Day 2026 aufgenommen wurde, verbindet Spoken Word, Rhythmus und unverblümte gesellschaftliche Kommentare und schlägt damit eine Brücke zwischen Generationen der Rebellion und der Reflexion. Es enthält den RSD-Song des Jahres ,every tick tick tick". Bisher war es ein RSD-Exklusivtitel, wird nun aber in verschiedenen Formaten erhältlich sein, darunter schwarze Schallplatte, CD, Kassette und als digitaler Download. Die Verpackung zieren Originalillustrationen von Chuck D selbst.

Der ehemalige RSD-Botschafter und Hip-Hop-Legende Chuck D (Public Enemy) tut sich mit dem legendären Schlagzeuger der Doors, John Densmore, für ,do+pe = no country for old men" zusammen. Das Album, das eigens für den Record Store Day 2026 aufgenommen wurde, verbindet Spoken Word, Rhythmus und unverblümte gesellschaftliche Kommentare und schlägt damit eine Brücke zwischen Generationen der Rebellion und der Reflexion. Es enthält den RSD-Song des Jahres ,every tick tick tick". Bisher war es ein RSD-Exklusivtitel, wird nun aber in verschiedenen Formaten erhältlich sein, darunter schwarze Schallplatte, CD, Kassette und als digitaler Download. Die Verpackung zieren Originalillustrationen von Chuck D selbst.

Kissin' Dynamite veröffentlichen ihr selbstbetiteltes 9. Studioalbum in kompletter Eigenregie. Doch nicht nur die Rahmenbedingungen zum Album zeugen von Ende und Neuanfang. Genau diese beiden Themen wurden auch inhaltlich in den neuen Songs aufgegriffen.

So ist die Single-Auskopplung »Glory Days« eine Stromgitarren-getriebene Reminiszenz an die glorreichen, vergangenen Tage, in der sich inhaltlich jeder einzelne wiederfinden kann. Sommer-Cabrio-Vibes garantiert!
Der Stampfer »I Salute You« kann als eigene Art und Weise des Frontmanns verstanden werden, sich von seinen Fans zu verabschieden. Musikalisch rollt der Titel schwer wie ein Panzer voran und bahnt sich mit triumphierend klingenden Dudelsäcken und prominenter Unterstützung von der Band Saltatio Mortis als Feature-Künstler seinen Weg in die Gehörgänge.
Die ausufernde Rockballade »The Good Goodbye« erzählt vom Schmerz der notwendig gewordenen Trennung, aber auch davon, dass es weitergeht, auch wenn es anders ist, als zuvor.
Im Arena-Rocker »I'll Be« wird ein Schwur geleistet, immer da zu sein, immer präsent zu sein. Der Titel ist wie gemacht für die ganz großen Bühnen.
Das zunächst düster daherkommende »Nothing Breaks Like A Heart« baut sich kontinuierlich auf, bis im Chorus die s.g. Hero-Kadenz ebendiesen zum perfekten Singalong-Refrain macht. Thematisch geht es um leere Versprechungen, die ein gebrochenes Herz nach sich ziehen.
Bei »The Night Is Calling« wird jedes Partyherz höher schlagen. Es ist die perfekte Rockhymne.

Auch optisch hat man bei diesem Langspieler Nägel mit Köpfen gemacht: Das Cover und seine Wirkung erschließen sich dem geneigten Betrachter unmittelbar. Zu sehen ist ein verführerisch roter Kussmund, der eine nicht weniger knallrote, Dynamitstange küsst. Es wurde der Bandname und somit auch gleichzeitig der Albumname bebildert! Das Cover wirkt dabei schon fast ikonisch. Man kann sich das Motiv jetzt schon auf T-Shirts, Taschen, Autos und co. vorstellen.

Zu den brandneuen 6 Songs gesellen sich weitere 7 Titel der ersten zwei Alben des Quintetts. Diese wurden neu aufgelegt und ins typische Kissin-Dynamite-Gewand gepackt. Hier wurde nicht gegeizt:
So bekam ein Song der ersten Stunde »Out In The Rain« prominente Unterstützung von der Band Amaranthe.
Für die geheime Schwabenhymne »Steel Of Swabia« wurde passenderweise Ralf Scheepers von Primal Fear verpflichtet. Außerdem wurde ein gigantisches Gitarrensolo von Dragonforce-Gitarrist Sam Totman beigesteuert.

Die Band versteht es wie keine andere, ihrer Musik einen übergroßen Pathos zu verleihen, der nicht Comedy ist, nicht Welt verbessernd, sondern einfach mitten ins Herz geht! Geile Hooks, knackige Riffs, eingängige Melodien!

Für all das und mehr stehen Kissin' Dynamite.

…Wenn der Sturm die Stille zerreißt…
Drei Jahre sind vergangen seit dem Doppel-Release Kapitel 10: Wilde Augen und Kapitel 11: Barrikaden. Drei Jahre, in denen die Welt nicht stillstand und die Band die Zeit nutzte, um einen Wirbelwind zu brauen, der nun mit voller Wucht losbricht: »Sturm zieh auf«.

Ein atmosphärischer Energieaustausch
Ein Sturm ist mehr als nur Wind. Er ist eine rohe, unkontrollierbare Kraft. Er bringt Zerstörung, ja – aber er schafft den zwingend notwendigen Platz für Neues. Er ist der atmosphärische Energieaustausch, der Altes wegfegt, um Raum für Veränderung zu geben. Kärbholz vertonen auf ihrem neuen Album genau diesen Moment der Transformation.

Mit 13 Titeln voller Leidenschaft und Emotion fängt die Band die gesamte Bandbreite eines Sturms ein: von der bedrückenden »Ruhe davor« über die Angst und Unruhe bis hin zur grenzenlosen Freiheit, die entsteht, wenn der Druck nachlässt.

Authentisch, kantig, kompromisslos
»Sturm zieh auf« schert sich nicht um Konventionen oder Kompatibilität. Das Album nährt sich aus den härteren Spielarten der Bandgeschichte und erschafft einen in sich geschlossenen Kosmos, der nicht um jeden Preis gefallen will – und vielleicht gerade deshalb so tief berührt. Es ist ein Werk für jene, die bereit sind, ihre Hörgewohnheiten infrage zu stellen.
• Kein Jammern, kein Fingerzeig: Kärbholz prangern nicht die äußeren Umstände an.
• Das eigene Ich im Fokus: Es geht um die Macht des Individuums, sich über das Gegebene hinwegzusetzen.
• Unbändige Positivität: Inmitten des Chaos findet die Band das Glück in den kleinen, wesentlichen Dingen des Lebens.

Das »Wozu« bestimmt das »Wie«
Frei nach Nietzsche transportiert das Album eine klare Botschaft: »Wenn ich ein Wozu kenne, dann kann ich fast jedes Wie ertragen.« »Sturm zieh auf« ist der Soundtrack für diesen Weg. Es ist die musikalische Manifestation der Resilienz – eine Einladung, sich dem Sturm entgegenzustellen, ihn zu genießen und gestärkt aus ihm hervorzugehen.

Kärbholz sind zurück. Lauter, härter und reflektierter als je zuvor.

…Wenn der Sturm die Stille zerreißt…
Drei Jahre sind vergangen seit dem Doppel-Release Kapitel 10: Wilde Augen und Kapitel 11: Barrikaden. Drei Jahre, in denen die Welt nicht stillstand und die Band die Zeit nutzte, um einen Wirbelwind zu brauen, der nun mit voller Wucht losbricht: »Sturm zieh auf«.

Ein atmosphärischer Energieaustausch
Ein Sturm ist mehr als nur Wind. Er ist eine rohe, unkontrollierbare Kraft. Er bringt Zerstörung, ja – aber er schafft den zwingend notwendigen Platz für Neues. Er ist der atmosphärische Energieaustausch, der Altes wegfegt, um Raum für Veränderung zu geben. Kärbholz vertonen auf ihrem neuen Album genau diesen Moment der Transformation.

Mit 13 Titeln voller Leidenschaft und Emotion fängt die Band die gesamte Bandbreite eines Sturms ein: von der bedrückenden »Ruhe davor« über die Angst und Unruhe bis hin zur grenzenlosen Freiheit, die entsteht, wenn der Druck nachlässt.

Authentisch, kantig, kompromisslos
»Sturm zieh auf« schert sich nicht um Konventionen oder Kompatibilität. Das Album nährt sich aus den härteren Spielarten der Bandgeschichte und erschafft einen in sich geschlossenen Kosmos, der nicht um jeden Preis gefallen will – und vielleicht gerade deshalb so tief berührt. Es ist ein Werk für jene, die bereit sind, ihre Hörgewohnheiten infrage zu stellen.
• Kein Jammern, kein Fingerzeig: Kärbholz prangern nicht die äußeren Umstände an.
• Das eigene Ich im Fokus: Es geht um die Macht des Individuums, sich über das Gegebene hinwegzusetzen.
• Unbändige Positivität: Inmitten des Chaos findet die Band das Glück in den kleinen, wesentlichen Dingen des Lebens.

Das »Wozu« bestimmt das »Wie«
Frei nach Nietzsche transportiert das Album eine klare Botschaft: »Wenn ich ein Wozu kenne, dann kann ich fast jedes Wie ertragen.« »Sturm zieh auf« ist der Soundtrack für diesen Weg. Es ist die musikalische Manifestation der Resilienz – eine Einladung, sich dem Sturm entgegenzustellen, ihn zu genießen und gestärkt aus ihm hervorzugehen.

Kärbholz sind zurück. Lauter, härter und reflektierter als je zuvor.

Bonnie "Prince" Billy veröffentlicht ein Live-Album mit neu arrangierten Songs aus seinem umfangreichen Katalog.

Am 18. September erscheint Ghosts of American Psychonauts, das neue Live-Album von Bonnie "Prince" Billy. Aufgenommen am Valentinstag im Pico Union Project in Los Angeles, führt das Album durch verschiedene Stationen von Will Oldhams Karriere als Bonnie „Prince“ Billy. Zu hören sind neu arrangierte Stücke von Letting Go und I See A Darkness bis zu jüngeren Songs wie I Made A Place und The Purple Bird. Begleitet von London May, Jacob Duncan und weiteren Gästen, rückt das Album Oldhams Qualitäten als Live-Musiker und seine ausgeprägte Fähigkeit zum musikalischen Storytelling in den Mittelpunkt.

Nicole McCabe und Savannah Harris tun sich für ihre allererste Zusammenarbeit bei "All Together Now" zusammen. Ihr Album im Vollformat ist eine raffinierte, kraftvolle Interpretation des modernen Jazz im Jahr 2026. Das Album wurde über einen Zeitraum von zwei Monaten im Sommer 2025 aufgenommen und entstand sowohl in Los Angeles als auch in Brooklyn beide Orte haben die allgemeine Stimmung und den Sound der Musik geprägt. McCabe und Harris haben sich stetig einen Ruf als zwei der besten Musikerinnen auf ihren jeweiligen Instrumenten erarbeitet. McCabe am Altsaxophon und Harris am Schlagzeug werden in der Jazzwelt gleichermaßen als virtuose Instrumentalistinnen und Komponistinnen gefeiert. All Together Now" bringt diese Elemente besonders gut zur Geltung. Jeder ihrer musikalischen Stimmen ist unverwechselbar individuell und ergänzt dennoch die musikalische Gesamtrichtung des Albums. Beide finden ihre Momente, in denen sie die Führung übernehmen, während sie sich zu anderen Zeiten gegenseitig unterstützen, um einen wirklich bemerkenswerten Einblick in das Schaffen dieser beiden Künstler zu schaffen. Der Eröffnungstrack des Albums, Monstera", entführt den Hörer in eine Welt aus wirbelnden Saxophonmelodien und hellen, akzentuierenden Schlagzeugklängen. McCabe und Harris legen sofort den Grundstein für das, was auf dem Album noch kommen wird. Im Verlauf des ersten Songs offenbart sich immer mehr von jedem der Künstler als würde man in einer Kunstgalerie von Raum zu Raum schlendern. Textur, Farbe und die gesamte Ästhetik der Welt dieses Albums nehmen Gestalt an. Wenn der zweite Song All Together Now" einsetzt, steigt die Energie und der Dialog zwischen den beiden Musikern erreicht seinen Höhepunkt. Lonely People" zeigt McCabes unglaubliches Gespür für Melodien, während Harris den dynamischen Bogen des Stücks prägt und vorantreibt. Jeder Song auf All Together Now" hat seine ganz eigene Persönlichkeit, was insgesamt zu einem wunderschön intimen und ungemein kraftvollen Album führt.

Coloured Vinyl. Harsh Reality - the fourth studio album by Seattle's The Drowns - is an unapologetically political punk record, coming this September from Pirates Press Records. Recorded at The Blasting Room in Fort Collins, CO by punk rock legend Bill Stevenson (Descendents, Black Flag) and mixed by Jason Livermore (Teenage Bottlerocket), this collection of 13 new songs fuses everything fans have loved about the band's previous sonic experimentation and focuses it into laser-tight melodic songwriting firmly rooted in punk rock, but with the potential to reach listeners from all walks of life. Singer-guitarist Rev Peters, singer-bassist Andy Wylie, and drummer Jake Margolis largely bashed out the tracks themselves, with the exception of additional guitar work on "Vengeance" by Zach Blair (Rise Against, Only Crime, GWAR), and a touch of accordion on "3rd & Pike" courtesy of Matt Hensley (A-100s, Flogging Molly). While the title of lead single "Relentless" could easily refer to The Drowns' infamously non-stop touring regimen, it refers instead to something far more humanitarian: the crushing weight of capitalism on the working poor. The song acknowledges the toll it takes on one's mental health, struggling day in & day out with no breaks only to be left farther & farther behind. "I wish life would just give it a rest", laments Rev. The album contains its fair share of venom, however, like all great political punk in the tradition of The Clash or Stiff Little Fingers, the lyrics prioritize people over polemic, reaching out with compassion in an age where it is in distressingly short supply. "I'm sure that we could change it all if we only had a heart", implores Andy on "Have a Heart". This is life-affirming music for hard times, made for everyone that could sorely use it right now, and a record poised to give the band's hard-earned position as a fan-favorite in the global punk scene an even greater trajectory. For a band that has won over fans around the globe, record by record and show by show, it is a big statement, but simply put: Harsh Reality is The Drowns at the top of their game.

Orangefarbenes Vinyl, limitert auf 200 Exemplare. Wer diese Doris ist, die winzige? Sie weiß Bescheid, sie scheut sich nicht; haut dir Worte um die Ohren, scharfkantig mit einem Lächeln. Beleuchtet auf dem Weg Bilder, von denen du nicht weißt, wie sie dahin gekommen sind; sie wirken so vertraut, weil sie nachts im Fernseher liefen, wenn du ihn vor dem Einschlafen nicht ausgeschaltet hast. Jetzt bist du da gelandet wo es weh tut und sich dennoch gut anfühlt: Im süßen Wasser des Debütalbums der Tiny Doris "In den Dosen". Im Zusammenkommen vieler musikalischer Einflüsse, zelebriert die Tiny Doris ein fragmentiertes Musikerlebnis mit Fokus auf scharfer Artikulation und verführender Melodik, in Bewegung zwischen Dada, Noise, Art-Pop, Garage und dem, was nach Punk kam. Während ihre Texte genauso überzeugen wie verwirren, während das Schlagzeug in stoischer Schlacksigkeit die Basis für schräge Gitarre und einem ausgefeilten Bass liefert und der Gesang mit Überzeugung Gefühle von Nostalgie und Verlangen vermittelt, zementiert sich ein einzigartiger Sound wie ihn dir nur eine winzige Doris liefern kann.

Stone Music returns with Into the Cosmic Forest, a deep and patient journey into open-air improvisation. The group was founded in 2022 by Tokio Hasegawa, a core member of the legendary Taj Mahal Travellers, and brings together a wide circle of musicians from Japan’s ambient and experimental scenes.

While the name is new, the spirit continues. Stone Music extends the free-form, site-responsive approach that defined Taj Mahal Travellers — music shaped by environment, duration, and collective awareness rather than fixed structure.

Into the Cosmic Forest consists of two long-form pieces, each exceeding 20 minutes, both recorded live outdoors. Side A was captured at Japan’s Off-Tone Festival. It unfolds slowly and organically — layers of voice, strings, electronics, wind instruments, and percussive textures gradually forming a shifting sonic landscape.

Side B was recorded on the grounds of Mithila Museum in the mountains of Niigata, an art space managed by Hasegawa himself. More intimate in atmosphere yet equally immersive, the piece centers on voice and subtle interplay, allowing space and silence to become part of the composition.

What you hear is direct and unpolished: air moving, sound resonating, musicians responding to each other and to their surroundings in real time.

Following tours in India during 2023–24, with performances in national museums and universities, Stone Music continues to explore music as shared space rather than spectacle.

Into the Cosmic Forest invites listeners into that space — unedited, unhurried, and fully alive.

Lummer is the Swedish name for the now protected family of vascular plants (Clubmoss/Lycopodiaceae). Lummer grows slowly and the spores with which it reproduces can take 12—20 years to develop. These spores, known as Nikt in Swedish, were once ground into an extremely flammable light yellow “old woman’s gunpowder” that was used for early theatrical pyrotechnics. Volatile and explosive, Lummernikt requires careful handling.

There is something of the small scale dangerous in Finn Loxbo’s Lummernikt, too. A not-at-all-risk-free traversal at the limits of technique: building, blowing up and working through a band’s worth of harmonic scaffolding. Eight songs on a stage. Dramatic, breath-taking. At the same time the wild, flickering rush of tones spins up a centrifugal force that suspends a certain calm or sitting still at the music’s core.

On Lummernikt, Loxbo’s guitar often sounds more like a concert harp or the West African kora as he shifts a set of melodic fragments and extended lines through rapid-fire arpeggiated permutations with a spontaneous energy that is countered only by his extraordinary touch on the instrument and an undeniable sensitivity to his material’s dynamic potential.

It’s a glorious extension of the chiming chords and experimental preparations heard in his contributions to Magnus Granberg's Skogen (Another Timbre) or via his own ensemble Kommun (Fönstret, Thanatosis) and in striking contrast to the distorted wail he contributes to Anna Högberg Attack’s Ensamseglaren (Fönstret) or his all-in-the-red trio Kyosaku (Corbett vs Dempsey).

It’s now several years ago that Finn sent me the first recording of his new band Kommun and asked if I had suggestions for a label that might want to release it. I played that recording on repeat until I couldn’t shake the idea that I needed to start a label to put it out myself. Lummernikt is the spark that keeps that fire alive.

"JPEGMAFIA, a trailblazing force in experimental hip hop, releases his latest solo project, I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU. This album, his first since 2021, is a complex and innovative work that showcases his meticulous production skills. Featuring collaborations with Denzel Curry, Vince Staples, and Buzzy Lee, the album explores themes like capitalism, conscription, and propaganda through some of JPEGMAFIA’s most anarchic raps to date. The release is accompanied by an extensive global tour, reinforcing his status as one of the genre’s most incendiary talents. Since his last solo release, JPEGMAFIA has continued to push boundaries in the music industry, most notably with his 2023 collaboration with Danny Brown on Scaring the Hoes, which garnered critical acclaim and chart success. With I Lay Down My Life for You, JPEGMAFIA cements his reputation as a visionary artist, delivering a powerful commentary on the world through his unique lens. The album’s release is set to make a significant impact, both in stores and on stages worldwide."

For years, EYRE LLEW were defined by motion.

Cities blurred into one another. Borders became routine. Airports, night drives, ferry ports, backstage rooms, festival fields, hotel corridors, and long-distance journeys stitched together into a single continuous life of movement. Success, such as it existed, was measured in miles travelled, crowds gathered, and momentum sustained. The band moved because they had to. Because stopping felt like failure. Because “making it” always seemed to live somewhere just ahead.

Then the world stopped.

Lockdown didn’t just interrupt EYRE LLEW’s trajectory; it dismantled it. The relentless forward motion that had shaped their identity for over a decade disappeared overnight. Tours vanished. Plans dissolved. The infrastructure of their lives as musicians collapsed into silence. For a band built on movement, it felt devastating.

Written across lockdown and the years that followed, the album is not a record about absence; it’s a record about presence. About love that feels like home. About stillness as strength. About devotion without spectacle. About grief without melodrama. About healing without performative optimism. About growth that doesn’t announce itself loudly, but happens slowly, privately, and honestly.

After years of movement, it is EYRE LLEW learning how to stand still and discovering that this is where the real growth starts.

For years, EYRE LLEW were defined by motion.

Cities blurred into one another. Borders became routine. Airports, night drives, ferry ports, backstage rooms, festival fields, hotel corridors, and long-distance journeys stitched together into a single continuous life of movement. Success, such as it existed, was measured in miles travelled, crowds gathered, and momentum sustained. The band moved because they had to. Because stopping felt like failure. Because “making it” always seemed to live somewhere just ahead.

Then the world stopped.

Lockdown didn’t just interrupt EYRE LLEW’s trajectory; it dismantled it. The relentless forward motion that had shaped their identity for over a decade disappeared overnight. Tours vanished. Plans dissolved. The infrastructure of their lives as musicians collapsed into silence. For a band built on movement, it felt devastating.

Written across lockdown and the years that followed, the album is not a record about absence; it’s a record about presence. About love that feels like home. About stillness as strength. About devotion without spectacle. About grief without melodrama. About healing without performative optimism. About growth that doesn’t announce itself loudly, but happens slowly, privately, and honestly.

After years of movement, it is EYRE LLEW learning how to stand still and discovering that this is where the real growth starts.

In 2026 viert Eva De Roovere het 20-jarig bestaan van “De Jager”. Ze trekt er op uit en speelt haar succesalbum integraal. Met klassiekers als “Fantastig Toch” (35 miljoen streams !), “Laat Me Je Lied Zijn” en “De Jager” wordt deze concertreeks vanaf het najaar een groot feest van herkenning en vernieuwing, met als kern: liefde voor muziek én publiek.

Want wat is er mooier dan de 20ste verjaardag van een album vieren met… een nieuw album? ‘Sluit De Nacht’ (productie Koen Gisen) wordt een eigentijdse mix van levenslied en liefdeslied: een ode aan poëzie, melodie en ritme. Een zoektocht naar verbinding en troost in deze woelige tijden. Eigen werk en ook straffe songs geleverd door of samen geschreven met Gert Bettens, Rick De Leeuw, Dirk Blanchart, Sabine Tiels, Wouter Berlaen, Lennaert Maes, Vincent Pierins… Ingespeeld door Eva zelf en Ward Dhoore: gitaren, Eva Hautekiet: akoestische en electrische piano, Philippe Thuriot: accordeon & bandoneon, Lara Rosseel: contrabas en Kobe Proesmans: percussie & drums.

ENG

In 2026, Eva De Roovere will celebrate the 20th anniversary of “De Jager.” She’s hitting the road to perform her hit album in its entirety. Featuring classics like “Fantastig Toch” (35 million streams!), “Laat Me Je Lied Z?n,” and “De Jager,” this concert series starting this fall will be a grand celebration of familiarity and renewal, centered on a love for music and the audience.

After all, what could be better than celebrating an album’s 20th anniversary with… a new album? “Sluit De Nacht” (produced by Koen Gisen) is a contemporary blend of life songs and love songs: an ode to poetry, melody, and rhythm. A search for connection and comfort in these turbulent times. Original material as well as powerful songs written by or in collaboration with Gert Bettens, Rick De Leeuw, Dirk Blanchart, Sabine Tiels, Wouter Berlaen, Lennaert Maes, Vincent Pierins… performed by Eva herself and Ward Dhoore: guitars; Eva Hautekiet: acoustic and electric piano; Philippe Thuriot: accordion & bandoneon; Lara Rosseel: double bass; and Kobe Proesmans: percussion & drums.

Clear/Blue marbled Vinyl. Irgendwo zwischen altem Seemannsgarn, dichtem Zigarettendunst und tiefsitzender emotionaler Zwiespältigkeit haben Romans Nailed It ihren ganz eigenen, dreckigen akustischen Cocktail gemixt. Das Singer-Songwriter-Punk-Duo startete 2022 und veröffentlicht nun sein Debütalbum "In Need of Romance Intervention_". In den Texten geht es um den ungeschönten Alltag, das Jonglieren mit den eigenen Baustellen und die ewige Suche nach einem Funken Sinn - irgendwo zwischen emotionalem Chaos, Rückschlägen und dem Drang, trotzdem jeden Tag aufs Neue aufzustehen und weiterzumachen.

Love Big Dummy emerged as the stray creation of Jonathan Stodle (Spite Fug, HEVN III) and Kjetil Skaro (Crispy Carrot). Converging with rhythm section Halvor Dokke and Tore Paulsen, the freewheeling venture soon ripened into its own tantalizing entity. Informed by shoegaze, folk, psychedelic rock and alumni indie, their palette reaches deep into decades past while carrying a riveting sense of urgency and presence. Their melodic craftsmanship and innate ingenuity evoke the sound of life-affirming melancholy. Their self-titled debut was recorded in the cold, dim bunkers of Boksen in Oslo, with noise-whiz Morten Minothi Kristiansen (Kennel/Monomort) piloting the gearship. It"s a San Francisco breeze across the slushed northern pavements.

Der Soundtrack zum 3. Film von Camp Rock (Disney Channel & Disney+). Macht euch bereit für jede
Menge Rock, denn wir kehren zurück nach Camp Rock! Mit frischer Musik, noch mehr freundschaftlicher
Rivalität und einer ganzen Reihe neuer Camper feiert „Camp Rock 3“ ein fulminantes Comeback. Neben
brandneuen Originalsongs enthält „Camp Rock 3“ auch Titel aus den Originalfilmen und früheren „Connect
3“-Auftritten!

Back in November 2015, after years of collaborations with such as Ghostface Killah, Raekwon, Obie Trice, Sean Price, Kool G Rap, Eternia and countless others, Toronto-based producer MoSS released his debut producer album entitled "Marching To The Sound Of My Own Drum". Since the beginning of his career, the Canadian beatsmith, record digger and music connoisseur has been making a name for himself with his signature sound and on this record he gives an amazing display of what he's capable of doing being backed up by an all stars team that features AZ, Havoc, Slum Village, Onyx, Inspectah Deck, Ill Bill, Skyzoo, Guilty Simpson and 20+ other legendary MC's. A few years after its original release, we've decided to team up with MoSS to bring you this masterpiece on wax and, for the occasion, he's also added an unreleased bonus track called "We Here" that features Smif-N-Wessun that, together with "Emotional Redux", we've put on a 7" together with its instrumental. Limited edition of 500 hand-numbered copies, with the first 200 pressed on orange/black A-side B-side vinyl, and 300 on black vinyl.

BONUS 7”

A1. Emotional Redux (feat. Big Gov, Guilty Simpson, Jon Connor, Vstylez, Willie The Kid)
B1. We Here (feat. Smif-N-Wessun) UNRELEASED
B2. We Here (Instrumental)

"Based in Thiers (63), Ernest Bergez, also known as Sourdure, has been walking a tightrope for the past ten years, combining a spirit of experimentation with a personal, handcrafted approach to traditional music. Affirming and transfiguring the ""Sourdure-esque"" aesthetic, Outredore unfolds a surprising array of discoveries in Occitan and French: hallucinatory laments, oblique rhapsodies, and carnivalesque odes.


A generous and respectful invitation to build unexpected bridges between disparate sonic worlds, the album extrapolates the modal vocabulary specific to traditional Occitan music, blending it with stylistic elements from around the Mediterranean. Carried by a voice more raw than ever and caught in the ebb and flow of a troubled era, Outredore's songs explore the relationship between the personal and the political.


Vulnerable, faltering and visceral, Outredore evokes a nova cançon occitana that has traded folk guitars for electronic machinery."

MĀRARA, meaning flying fish, is a musical project born in the heart of a still largely unknown Polynesian island. While Tahiti commands attention and the spotlight, Mārara remains in the shadows, ignored by tourist circuits and dominant cultural narratives. This album aims to put Mārara on the map and give voice to an island that deserves to exist in all its richness.


Through this work, we offer an immersion into our traditions, customs, legends, and myths. These stories, deeply rooted in Polynesian culture, are transformed by the environment: for example, the legends of an atoll differ from those of a mountainous island, shaped by the climate, the terrain, and the elements. MĀRARA captures this diversity and reveals its unique character.


This album is not just a musical creation: it is an act of cultural transmission and visibility. Music becomes a vehicle for identity, a voice for an unknown territory, and a bridge between past and present.


"With MĀRARA, we make our island sing so that its voice resonates beyond its horizon."

Eero Koivistoinen's debut album reissued in July Eero Koivistoinen is a wide-ranging composer and a talented musician – one of the all-time greats of the Finnish jazz. In 1965 Koivistoinen founded a trio that played avant-garde and fusion jazz together with Pekka Sarmanto and Edward Vesala. In 1967–68 he was a member of Blues Section – a group that is regarded as the first progressive rock band in Finland. Valtakunta (“Kingdom”) was originally released in 1968 and is Eero Koivistoinen’s first jazz LP. The songs of the album are based on the lyrics written by Finnish poets Pentti Saarikoski, Tuomas Anhava, Hannu Mäkelä and Jarkko Laine. The vocalists are Eero Raittinen, Seija Simola, Vesa-Matti Loiri and Koivistoinen himself. He also plays the tenor saxophone, piano and vibraphone, and is joined by a vast selection of legendary Finnish musicians, including Seppo "Baron" Paakkunainen, Pekka Sarmanto, Ronnie Österberg, Hasse Walli, Juhani Aaltonen, Antero Jakoila, Kaj Backlund, Esa Pethman, and Reino Laine among many others. All compositions are by Koivistoinen. The album reflects well the forthcoming compositional repertoire of Koivistoinen with its wide style spectrum. Valtakunta was reissued on vinyl in 2016 via Svart and the pressing quickly found a new home on the turntables of record collectors worldwide. After ten years, it's time to bring back this quintessential piece of Finnish psychedelia, avant-garde, free jazz, and progressive rock on wax and CD again.

Whispering Ln. Vol. II was recorded between 2018 and 2019 in America, alongside the pieces that formed the first album. These recordings belong to the same time and space, shaped by the same quiet focus and slow attention to sound.

While remaining rooted in minimalism, this album introduces several more rhythmic pieces, drawing inspiration from early electronic music – echoes of composers such as Tom Dissevelt and Raymond Scott.

Movement and stillness coexist throughout this record. Rhythms and patterns shift and occasionally dissolve. The music asks for little and offers even less explanation, inviting listening without urgency – to slow down and remain present. May it offer a moment of calm, where time loosens, and attention gently settles.

"Your prayers have been answered: less songs about Bush and more songs about Jesus!" 20th anniversary pressing of Wolves In Wolves' Clothing. Released in 2006, NOFX's tenth studio album is a blistering blend of aggressive political satire and melodic skate punk. Capturing the sociopolitical anxiety of the second Bush presidency, frontman Fat Mike sharpens his pen to target organized religion, corporate greed, and blind patriotism. Fan favorites like "Seeing Double at the Triple Rock" and "Leaving Jesusland" showcase their signature fast tempos, tight harmonies, and dark humor. Back for good in 2026 on yellow vinyl! Produced by Bill Stevenson at Blasting Room NOFX's critically-acclaimed tenth studio album, songs that go good with a drink! Originally charted at #46 on Billboard 200 and Top 40 in 8+ territories worldwide Features hit singles "Seeing Double At The Triple Rock", "USA-Holes" and "Leaving Jesusland"

"Your prayers have been answered: less songs about Bush and more songs about Jesus!" 20th anniversary pressing of Wolves In Wolves' Clothing. Released in 2006, NOFX's tenth studio album is a blistering blend of aggressive political satire and melodic skate punk. Capturing the sociopolitical anxiety of the second Bush presidency, frontman Fat Mike sharpens his pen to target organized religion, corporate greed, and blind patriotism. Fan favorites like "Seeing Double at the Triple Rock" and "Leaving Jesusland" showcase their signature fast tempos, tight harmonies, and dark humor. Back for good in 2026 on yellow vinyl! Produced by Bill Stevenson at Blasting Room NOFX's critically-acclaimed tenth studio album, songs that go good with a drink! Originally charted at #46 on Billboard 200 and Top 40 in 8+ territories worldwide Features hit singles "Seeing Double At The Triple Rock", "USA-Holes" and "Leaving Jesusland"