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Sea Blue in Coke Bottle Clear Vinyl.

Because Hold, Jack Tatum's fifth album under the moniker Wild Nothing, was written in the aftermath of new parenthood during the pandemic, it was probably inevitable that it would be searching and existential music. But during the recording process, the artist known for synth-pop tastefulness used it as an opportunity to reach for a new sonic maximalism and wider set of influences. With contributions from longtime collaborator Jorge Elbrecht, Tommy Davidson of Beach Fossils and Hatchie's Harriette Pilbeam, first single "Headlights On" features an acid house-worthy bass groove and breakbeat that prove Tatum is playing for the rafters. Tatum produced the rest of the record on his own, partially out of necessity, due to the challenges of the pandemic. The songs were eventually brought to Adrian Olsen at Montrose Recording in Richmond to begin recording drums and filling in the gaps. While largely a product of isolation, Hold also reflects the things Tatum has learned from collaborators, both on previous records and during his acclaimed work with Japanese Breakfast and Molly Burch. The rest of the record was mixed by Geoff Swan, who listeners might know for his work with Caroline Polachek and Charli XCX. Swan put Tatum's vocals high in the mix, and throughout the album, he embraces playful vocal processing like never before. Tatum moved from Los Angeles back to his home state of Virginia about five years ago in search of a scaled-back lifestyle. The relatively suburban environment - and the occasional regret it inspired - proved to be great artistic fodder. It's the paradox of modern America - the suburbs are supposed to be stultifying to art, but they are so full of human desperation perfect for dramatizing. On "Suburban Solutions", he presents an anti-jingle with an acidly bright synthesizer melody, imploring you to sign on the dotted line, put your feet up, and embrace sweet oblivion. Adding to the song's menacing cheeriness is a chorus-sung bridge, made with assistance from Molly Burch and Tatum's wife, Dana, It was loosely inspired by the classic Martika song "Toy Soldiers" and the long-ago pop craze for children's choirs, and he embraces the trend's less-than-stellar reputation. By design, Hold dwells in uncertainty and fear, but in a package that encourages meditation and a bit of fun. "In the face of the pandemic, I think being a parent really forced my hand," Tatum said. "I felt that I had no other choice but to have a positive outlook on the world. Because if I were to give in at any moment and say, "Oh, everything is horrible," then I'll feel as if I've lost and I've given up on my son being able to thrive in this world."

Sea Blue in Coke Bottle Clear Vinyl LP + artist signed art print. Only 200 available.

Because Hold, Jack Tatum's fifth album under the moniker Wild Nothing, was written in the aftermath of new parenthood during the pandemic, it was probably inevitable that it would be searching and existential music. But during the recording process, the artist known for synth-pop tastefulness used it as an opportunity to reach for a new sonic maximalism and wider set of influences. With contributions from longtime collaborator Jorge Elbrecht, Tommy Davidson of Beach Fossils and Hatchie's Harriette Pilbeam, first single "Headlights On" features an acid house-worthy bass groove and breakbeat that prove Tatum is playing for the rafters. Tatum produced the rest of the record on his own, partially out of necessity, due to the challenges of the pandemic. The songs were eventually brought to Adrian Olsen at Montrose Recording in Richmond to begin recording drums and filling in the gaps. While largely a product of isolation, Hold also reflects the things Tatum has learned from collaborators, both on previous records and during his acclaimed work with Japanese Breakfast and Molly Burch. The rest of the record was mixed by Geoff Swan, who listeners might know for his work with Caroline Polachek and Charli XCX. Swan put Tatum's vocals high in the mix, and throughout the album, he embraces playful vocal processing like never before. Tatum moved from Los Angeles back to his home state of Virginia about five years ago in search of a scaled-back lifestyle. The relatively suburban environment - and the occasional regret it inspired - proved to be great artistic fodder. It's the paradox of modern America - the suburbs are supposed to be stultifying to art, but they are so full of human desperation perfect for dramatizing. On "Suburban Solutions", he presents an anti-jingle with an acidly bright synthesizer melody, imploring you to sign on the dotted line, put your feet up, and embrace sweet oblivion. Adding to the song's menacing cheeriness is a chorus-sung bridge, made with assistance from Molly Burch and Tatum's wife, Dana, It was loosely inspired by the classic Martika song "Toy Soldiers" and the long-ago pop craze for children's choirs, and he embraces the trend's less-than-stellar reputation. By design, Hold dwells in uncertainty and fear, but in a package that encourages meditation and a bit of fun. "In the face of the pandemic, I think being a parent really forced my hand," Tatum said. "I felt that I had no other choice but to have a positive outlook on the world. Because if I were to give in at any moment and say, "Oh, everything is horrible," then I'll feel as if I've lost and I've given up on my son being able to thrive in this world."

Jeder, der genau hinschaut, kann erkennen, dass Cincinnati, OH, derzeit eine wahre Brutstätte musikalischer Kreativität ist, und die drei Mitglieder von The Serfs - Dylan McCartney (Gesang, Perkussion, Gitarre, Bass, Elektronik), Dakota Carlyle (Elektronik, Bass, Gitarre, Gesang) & Andie Luman (Gesang, Synthesizer) - und ihre jeweiligen Nebenprojekte (The Drin, Crime of Passing, Motorbike) sind unbestreitbar im Zentrum der New-Underground-Szene von Cincinnati. Nach der Veröffentlichung von Alben auf dem Berliner Minimal-Synth-Label Detriti und dem in Seattle ansässigen DREAM Records im Jahr 2018 bzw. 2022 macht die Band für ihr drittes und bisher bestes Album den Schritt zu Trouble In Mind. "Half Eaten By Dogs" gibt dem modernistischen Twitch von Future-Forward-Bands wie Total Control oder Cold Beat sowie dem post-industriellen Dancefloor-Grime von Skinny Puppy, Dark Day, This Heat oder Factrix einen entschiedenen Midwestern-Spin. "Half Eaten by Dogs" ist ein Blick durch ein Fernrohr in eine dystopische Vision, in der eisverkrustete Synthie-Harmonien triefende chemische Rhythmen und aufgebohrte elementare Rockformationen beherrschen. Die Musik ist eine Mischung aus düsterem Drum- und Synthesizer-Industrial und stygischen Gitarreninstrumenten, mal mit vorsichtiger Paranoia, mal mit melodischem Trotz und Ausgelassenheit (und in manchen Momenten mit Mundharmonika, Saxophon oder Flöte). "Half Eaten By Dogs" fasst erfolgreich alles zusammen, was The Serfs bisher erreicht haben, aber mit weitaus größerer Absicht und Zielsetzung als ihre vorherigen Alben. Es gibt Songs zum Tanzen und Songs, die man während eines Sturms oder beim Fahren durch die Straßen der Welt in sich aufnehmen kann. Es mag für die Band ein weiterer Schritt hinunter in die Katakomben sein, dabei aber auf dem Weg zu etwas Höherem.

Jeder, der genau hinschaut, kann erkennen, dass Cincinnati, OH, derzeit eine wahre Brutstätte musikalischer Kreativität ist, und die drei Mitglieder von The Serfs - Dylan McCartney (Gesang, Perkussion, Gitarre, Bass, Elektronik), Dakota Carlyle (Elektronik, Bass, Gitarre, Gesang) & Andie Luman (Gesang, Synthesizer) - und ihre jeweiligen Nebenprojekte (The Drin, Crime of Passing, Motorbike) sind unbestreitbar im Zentrum der New-Underground-Szene von Cincinnati. Nach der Veröffentlichung von Alben auf dem Berliner Minimal-Synth-Label Detriti und dem in Seattle ansässigen DREAM Records im Jahr 2018 bzw. 2022 macht die Band für ihr drittes und bisher bestes Album den Schritt zu Trouble In Mind. "Half Eaten By Dogs" gibt dem modernistischen Twitch von Future-Forward-Bands wie Total Control oder Cold Beat sowie dem post-industriellen Dancefloor-Grime von Skinny Puppy, Dark Day, This Heat oder Factrix einen entschiedenen Midwestern-Spin. "Half Eaten by Dogs" ist ein Blick durch ein Fernrohr in eine dystopische Vision, in der eisverkrustete Synthie-Harmonien triefende chemische Rhythmen und aufgebohrte elementare Rockformationen beherrschen. Die Musik ist eine Mischung aus düsterem Drum- und Synthesizer-Industrial und stygischen Gitarreninstrumenten, mal mit vorsichtiger Paranoia, mal mit melodischem Trotz und Ausgelassenheit (und in manchen Momenten mit Mundharmonika, Saxophon oder Flöte). "Half Eaten By Dogs" fasst erfolgreich alles zusammen, was The Serfs bisher erreicht haben, aber mit weitaus größerer Absicht und Zielsetzung als ihre vorherigen Alben. Es gibt Songs zum Tanzen und Songs, die man während eines Sturms oder beim Fahren durch die Straßen der Welt in sich aufnehmen kann. Es mag für die Band ein weiterer Schritt hinunter in die Katakomben sein, dabei aber auf dem Weg zu etwas Höherem.

Long before the Covid-19 pandemic, Chicago drummer, bandleader and composer Mike Reed had been thinking about isolation. "The Separatist Party" is the first installment of a three-album cycle involving a varied cast of musicians, dealing with themes of inner and outer human isolation.

Long before the Covid-19 pandemic, Chicago drummer, bandleader and composer Mike Reed had been thinking about isolation. "The Separatist Party" is the first installment of a three-album cycle involving a varied cast of musicians, dealing with themes of inner and outer human isolation.

Wir leben in einer Welt des totalen Krieges. Und es ist die Pflicht der Künste, dies nicht zu verdrängen. Im Gegenteil: Lasst die Musik zum Nachtmahr unserer fragilen Gesellschaft werden, lasst donnernde Beats wie Granaten unsere schwächliche Existenz zerreißen! Futurismus war gestern, heute ist: NACHTMAHR.
Das österreichische EBM-Industrial-Projekt um Thomas Rainer von L'AME IMMORTELLE startet nach einem furiosen Auftakt mit dem Fulltime-Album "Feuer frei!" endgültig durch. Hämmernde Industrialbeats schlagen im Gehörgang ein wie 70mm-Geschosse. In der "Opferzeit" marschieren nicht die Massen, nein, sie raven in den Untergang, feiern die "Endzeitstimmung" zum süßen Klang der Stalinorgel. Jenseits von Politik und Religion, über die Grenzen hinweg fegt das Stahlgewitter einer reinen und kalten Vernichtung, die den Neubeginn birgt...
NACHTMAHR ist die "Katharsis" einer Welt am Abgrund, die auf ihren eigenen Ruinen tanzt, ohne es zu bemerken. Glaube und Hoffnung liegen danieder, nur ein Phoenix erhebt sich aus dem Schutt: der doppelköpfige Adler von NACHTMAHR...
NACHTMAHR, das ist True Imperial Austrian Industrial!

Orchestral Manoeuvres In The Dark (OMD) return with their 14th studio album Bauhaus Staircase, over six years after the triumph of their Top 4-charting record The Punishment of Luxury. The album was born from the impetus to kickstart new explorations during lockdown when as Andy McCluskey admits: “I rediscovered the creative power of total boredom.”

The album’s first offering as a single is the title track which serves as a nod both to Andy McCluskey’s love of the Bauhaus era & the power of protest art. “I am a huge lover of visual arts especially mid 20th century movements” Andy comments. “The song is a metaphor for strength and artist passion in the face of criticism and adversity. When times are hard there is a tendency for Governments to look at cutting funding for creativity just at the moment when the arts are most needed to nourish our souls. It seems appropriate that the song and its eponymous album were created during Covid Lockdown.”

Ranging further from the beautiful film noir ballad of ‘Veruschka’ and the dance stylings of ‘Anthropocene’ - a term for the current epoch in Earth’s evolution to the sinister ‘Evolution Of Species’ and the hectic ‘Kleptocracy’ - OMD’s greatest straight-up protest song - the new album is a broad electronic sonic masterpiece that lyrically tackles the topics of the future. The record closes on ‘Healing’ - a moment of reflective calm.

By rights OMD should be in semi-retirement performing classics like Enola Gay and Maid Of Orleans on the nostalgia festival circuit like so many peers. Instead they’ve created a landmark album worthy of their finest work. Bauhaus Staircase remains unmistakably the work of a duo who are still perfectly in sync 45 years after their first gig at legendary Liverpool club Eric’s.


“I’m very happy with what we’ve done on this record" McCluskey summarises. “I’m comfortable if this is OMD’s last statement.”

Modern highlife luminary Rex Omar has been a force within
the Ghanaian music scene for over 30 years. Now Soundway
presents five of his premier cuts remastered for a new self-titled
EP.

Over his career Rex Omar has evolved the genre, pushing
boundaries and dazzling listeners. A definitive piece of his
repertoire comes via his Dangerous album: while it was selfproduced and recorded in London circa 1997, upon CD
release it saw success mainly within his homeland of Ghana.

An irresistible blend of street-soul-come-highlife, with elements
of bouncing 90s RnB/hip-hop, it was developed with help
from Ibibio Sound Machine’s Kari Bannerman and prolific
Jamaican producer Bill Campbell. From this album rising
London producer and DJ Aroop Roy revisits the four-to-the-floor
excursion ‘Dada’, repurposing for today’s dancefloor with the
addition of fizzing synth chords and stabs.

While Omar regularly raps on his earlier works, on ‘Kele
Ngele’ (taken from his 2004 album Ajala) we hear a yearning
melodic vocal over a more laid back RnB beat. This rounds out
the new Rex Omar EP for the discerning listener to experience
the full breadth of his inventive output.

Gusstaff Records and Ant-Zen are proud to announce the second solo album by Maciej Frett (Job Karma, Wrocław Industrial Festival), which is vocally supported by Anna Frett. After FRETT's 2020 debut "The World as A Hologram" was warmly received by fans and critics, it's time for the next installment of the FRETT project.The album "NOTTWO" revolves around the theme of dualism, which seems to be the raison d'être of the being of man and the world. Opposites define our way of perceiving the surrounding reality, or is it just an illusion? the artist seems to be asking…Musically, "NOTTWO" is a continuation of the first heavily rhythmic album, but this time FRETT gives many compositions an almost song-like structure. However, let's not be fooled by appearances - derived from the author's post-punk and industrial lineage, analog retro futuristic synth melodies and strong rhythms will work well both on a dark dance floor and can be a soundtrack to a non-existent movie.
Vinyl is ultra-heavy 200g black.

Dubai’s lo-fi wizards Shadi Megallaa & Abood Nasrawi aka GYPS take a break from their lo-fi experiments & venture onto the dancefloor with 3 original cuts aimed to make the bass bins rumble. We’ve also enlisted Dub master & Mosaic main-man, Steve O’Sullivan for a remix that takes the title track to another dimension.

For those who might have missed out on the sonic odysseys of GYPS1-6, fret not, as they await discovery on Bandcamp under the moniker "gypstapes

Move into the Luminous is the debut album by the trio Makushin.

Double bassist Jon Thorne (Lamb, Yorkston Thorne Khan), guitarist Peter Philipson (Jane Weaver, Fenella) and singer Nancy Elizabeth (Leaf Label, James Yorkston) lead this inspiring collective whose work explores the intersection between folk, jazz and ambient music.

The album also features contributions from Andrew Wasylyk, Raz Ullah, David A Jaycock and more.

Nancy Elizabeth is a singer and multi-instrumentalist who has released three chamber folk albums under her own name on the Leaf Label. She has also previously played with James Yorkston and recorded with the late ambient composer Susumu Yokota.

Jon Thorne is a double bassist best known as a member of the pioneering electronic band Lamb and, more recently, Yorkston Thorne Khan. He has worked with many other musicians, including Jon Hopkins, Robert Fripp and his mentor Danny Thompson, as well as releasing his own music.

Peter Philipson is a guitarist who has previously performed with Jane Weaver as her guitarist for a decade and has collaborated with her and Raz Ullah on two ambient albums under the artist name of Fenella. He has also released a number of instrumental guitar albums under his PJ Philipson guise.

Modernists loved the latest R&B, blues and soul sounds coming from US cities such as Chicago, Memphis and Detroit and when British groups started playing their own interpretations in clubs and dancehalls they gained their own mod followings, their music remaining popular on the mod scene today.

Side 1 of this bespoke collection spotlights the British R&B scene and features a founding father of British blues Alexis Korner with the rare ‘Taboo Man’ alongside ace mod tracks from The Bo Street Runners, The Others, Mickey Finn and The Blue Men (featuring a youthful Jimmy Page on harmonica) and more.

Side 2 starts with British R&B groups developing their own sound by turning up their guitars, employing distortion, feedback and fuzz pedals to take the music in a new direction. Highlights include the Joe Meek produced ‘Crawdaddy Simone’ by The Syndicats (described as proto punk because of its ferocity), The In Crowd’s snarling ‘Things She Says’ and The Artwoods’ fuzz drenched mod favourite ‘I Take What I Want’ featuring future Deep Purple organist Jon Lord on organ.

Denny Laine (later of Wings) sings with The Moody Blues calming things down with some soulful beat.

Side 3 focuses on UK soul music - Rod ‘the mod’ Stewart backed by The Brian Auger Trinity takes on Sam Cooke’s ‘Shake’, the godfather of ska Laurel Aitken proves he’s also a natural soul man with his floor filling version of The Mar-Keys’ ‘Last Night’ and the amazing Barry St. John sings the funky ‘Gotta Brand New Man’. Popular club acts Lucas & The Mike Cotton Sound and Carl Douglas & The Big Stampede would regularly bring the house down at mod clubs and also feature.

Side 4 includes mod club dancefloor smashes from The Spencer Davis Group and Rupert’s People (AKA mod group Fleur De Lys) while mod heroes The Action go psychedelic with ‘Look At The View’. A moonlighting Jeff Beck of The Yardbirds plays on John’s Children’s ‘But She’s Mine’ and there are brilliant singles revered by freakbeat and psych collectors such as Double Feature’s ‘Baby Get Your Head Screwed On’ and The Drag Set’s ‘Day And Night’.

Rarities from The Trendbender Band and The Union (featuring Elmer Gantry) appear on vinyl for the first time.

Seit ihrem Auftauchen Mitte der 1990er Jahre haben beide eine starke Präsenz im Kontext der amerikanischen experimentellen Musik und beide jeweils seitdem einige der fesselndsten Originalwerke produziert. Kenney ist eine experimentelle Vokalistin, Komponistin und Lehrerin, die sich auf die transformativen Kräfte der Stimme und die Beziehung des Klangs zu mystischen Erfahrungen konzentriert. Neben ihrer Zusammenarbeit mit Oren Ambarchi, Tashi Wada, Avey Tare, Alvin Lucier, Sarah Davachi, dem Ensemble Nist-Nah, Sunn O))) und zahlreichen anderen ist sie bekannt für ihre Aufführung indonesischer Vokalmusik (Sindhenan) und persischer Vokalmusik (Radifs) sowie für ihre eigenen Kompositionen, die Elemente beider Musikrichtungen aufgreifen. Kang, ein Komponist und Multi-Instrumentalist, der für seine einzigartige Herangehensweise an die Bratsche hoch angesehen ist, hat auf zahlreichen Gebieten gearbeitet und auf Alben von Bill Frisell, Joe McPhee, Sun City Girls, Wayne Horvitz, Ikue Mori, Laurie Anderson, Aki Onda, John Zorn, Blonde Redhead, William Hooker, Animal Collective, Lou Reed, Oren Ambarchi und zahlreichen anderen mitgewirkt sowie eine Reihe von Solowerken geschaffen, die Elemente seiner isländischen, dänischen und koreanischen Herkunft enthalten. Azure ist eine hypnotische Rückkehr zu Kenneys und Kangs einzigartigem Ausdruck von "Unisono-Musik" und gehört zu den am stärksten reduzierten und minimalistischen Arbeiten des Duos seit mehr als einem Jahrzehnt. Die fünf Kompositionen werden durch Anspielungen auf die natürliche Welt unterstrichen.

I Talk To Water, the fifth album for Kompakt by Danish producer Kölsch, is the artist’s most personal statement yet. While all the trademarks that make his music so popular and powerful are still present – lush, melodic techno; swooping, trance-like figures; sensuous, shivery texturology – I Talk To Water is also a deep and intimate rapprochement with family and history, a beautiful, finely detailed document of loss and memory, and a tracing of the long, unbroken thread of grief that runs through our lives once we’ve lost those we loved.

The emotional core of I Talk To Water, then, is a cache of recordings by Kölsch’s father, Patrick Reilly, who passed away in 2003 from brain cancer. With time rendered elastic by the pandemic and its associated lockdowns, its sudden, alienating shifts in everyday living, Kölsch found himself reflecting on his father’s passing and ongoing spiritual presence, thinking about how best to memorialise such a significant figure in his own life. Those recordings opened a gateway, of sorts, for Kölsch to move through – a way to bring past and present together and entwine them in a sensitive, poetic manner.

Kölsch’s father was a musician – “touring in the sixties and seventies, in the Middle East especially, he was doing the whole hippy trail, playing guitar, and wrote some songs over the years,” he recalls. “But all in all, he decided to focus on family rather than pursue a musical career.” Reilly kept playing and writing music over the years, though Kölsch hadn’t listened to the material for some time: “I’d never had the guts to listen to it, because I just felt too fragile listening to his voice. It’s such a tough thing to go through.”

During the pandemic, though, Kölsch listened through the fragmented body of work that his father had produced over the years. “I decided I’m gonna finally release my dad’s music twenty years after his passing,” he reflects. “This whole album is about the process of loss, and for me it’s been one of my main driving forces in my musical life, the whole emotional aspect of whatever I’ve done has been based in that feeling that he’s not there anymore.”

Recordings of Reilly appear on three songs across I Talk To Water. His guitars drift pensively across “Grape”, offering a lush thread of melody that Kölsch wraps with clicking, driftwood rhythms and droning, melancholy bass. “Tell Me” is a lovely three-minute art song, a sadly beautiful reflection, minimally adorned with gentle keys and a muted pulse. And on the closing “It Ends Where It Began”, Kölsch lets his father’s acoustic guitar take centre stage for a lament that’s unexpectedly folksy, a guitar soli dream, which Reilly originally recorded in 1996. “He actually recorded it for my first album that never came out,” Kölsch reveals, “and I had it sitting around forever. That is purely him.”

These three imagined collaborations between father and son are poised and delicate. But their relationship also marks the gorgeous music Kölsch has made across the rest of I Talk To Water, from the itchy yet lush “Pet Sound” (titled in tribute to one of Reilly’s favourite albums), the flickering synths and yearning vocal samples that slide through “Khenpo”, the ecstatic shuddering that marks “Only Get Better”, or “Implant”’s slow-motion pans and subtle reveals.

There’s also the title song, where Kölsch is joined by guest Perry Farrell (Jane’s Addiction, Porno For Pyros), singing a mantra for internal reflection: “I talk to water / Searching for myself / Looking for answers / Oceans of you.” Farrell’s appearance brings another timbre, another spirit to the album, aligning neatly with his recent interest in electronic music. “He was completely taken by this idea of talking to water,” Kölsch says, thinking about the ways we collectively lean towards the natural world as a comfort and a listener, a guide through mourning, a way to map out the terrain of the heart. This mapping is something that Kölsch has proven remarkably adept at through the years; dance music for both body and mind, but also both for the here-and-now, and for the hereafter.

“I Talk To Water”, das fünfte Album des dänischen Produzenten Kölsch für Kompakt, ist zweifellos das persönlichste Statement des Künstlers bislang. Während alle Markenzeichen, die seine Musik so beliebt und kraftvoll machen, immer noch präsent sind – üppige, melodische Techno-Tracks; schwebende, tranceartige Elemente; sinnliche, fiebrige Texturen – ist “I Talk To Water” auch eine tiefe und intime Annäherung an Familie und Geschichte. Es ist ein wunderschönes, fein ausgearbeitetes Dokument des Verlusts und der Erinnerung, und es verfolgt den langen, ungebrochenen Faden der Trauer, der durch unser Leben läuft, sobald wir diejenigen verloren haben, die wir liebten.

Der emotionale Kern von “I Talk To Water” besteht aus Aufnahmen von Kölschs Vater, Patrick Reilly, der 2003 an Hirnkrebs verstarb. Durch die Pandemie und ihre damit verbundenen Lockdowns, die plötzlichen, entfremdenden Veränderungen im Alltag, fand Kölsch sich in Gedanken an den Tod seines Vaters und seine fortwährende spirituelle Präsenz wieder. Er überlegte, wie er eine so bedeutende Figur in seinem eigenen Leben am besten verewigen könnte. Diese Aufnahmen öffneten ihm sozusagen ein Portal, um Vergangenheit und Gegenwart miteinander zu verbinden und sie auf sensible und poetische Weise zu verweben.

Kölschs Vater war Musiker – “er tourte in den sechziger und siebziger Jahren, vor allem im Nahen Osten, auf dem Hippie Trail, spielte Gitarre und schrieb im Laufe der Jahre einige Songs”, erinnert sich Kölsch. “Aber alles in allem entschied er sich, sich auf die Familie zu konzentrieren, anstatt eine musikalische Karriere zu verfolgen.” Reilly spielte und schrieb jedoch im Laufe der Jahre weiterhin Musik, obwohl Kölsch das Material lange Zeit nicht angehört hatte: “Ich hatte nie den Mut, es anzuhören, weil ich mich einfach zu zerbrechlich fühlte, seine Stimme anzuhören. Es ist so schwer, das durchzustehen.”

Während der Pandemie hörte sich Kölsch jedoch durch das fragmentierte Werk, das sein Vater im Laufe der Jahre produziert hatte. “Ich beschloss, die Musik meines Vaters zwanzig Jahre nach seinem Tod endlich zu veröffentlichen”, reflektiert er. “Dieses ganze Album handelt von dem Verlustprozess, welcher für mich generell eine der Hauptantriebskräfte in meinem musikalischen Leben ist. Der ganze emotionale Aspekt von dem, was ich getan habe, basierte auf dem Gefühl, dass er nicht mehr da ist.”

Auf “I Talk To Water” sind Aufnahmen von Reilly in drei Songs zu hören. Seine Gitarren ziehen nachdenklich durch “Grape”, bieten einen üppigen Melodiefaden, den Kölsch mit klickenden, treibenden Rhythmen und dröhnendem, melancholischem Bass umwickelt. “Tell Me” ist ein schönes dreiminütiges Kunstlied, eine traurig-schöne Reflexion, minimal geschmückt mit sanften Tasten und einem gedämpften Puls. Und auf dem Abschlusstrack “It Ends Where It Began” lässt Kölsch die akustische Gitarre seines Vaters im Mittelpunkt stehen, ein überraschend folkiger Klagegesang, den Reilly ursprünglich 1996 aufgenommen hatte. “Er hat es tatsächlich für mein erstes Album aufgenommen, das nie veröffentlicht wurde”, enthüllt Kölsch, “und ich hatte es ewig liegen.”

Diese drei erdachten Kollaborationen zwischen Vater und Sohn sind ausgewogen und zart. Aber ihre Beziehung prägt auch die wunderschöne Musik, die Kölsch im Rest von “I Talk To Water” geschaffen hat, angefangen bei dem nervösen, aber üppigen “Pet Sound” (benannt als Hommage an eines von Reillys Lieblingsalben), den flimmernden Synthesizern und sehnsüchtigen Vocal-Samples in “Khenpo”, den ekstatischen Erschütterungen in “Only Get Better” oder den langsamen Schwenks und subtilen Enthüllungen in “Implant”.

Es gibt auch den Titelsong, in dem Kölsch von Gast Perry Farrell (Jane’s Addiction, Porno For Pyros) begleitet wird, der ein Mantra für die innere Reflexion singt: “I talk to water / Searching for myself / Looking for answers / Oceans of you.” Farrells Auftritt bringt eine weitere Klangfarbe, einen weiteren Geist in das Album, der gut zu seinem jüngsten Interesse an elektronischer Musik passt. “Er war völlig fasziniert von der Idee, mit Wasser zu sprechen”, sagt Kölsch und denkt darüber nach, wie wir kollektiv zur Natur als Trost, Zuhörer, Führer durch die Trauer neigen, um die Gelände des Herzens zu kartieren. Diese Kartierung ist etwas, in dem Kölsch im Laufe der Jahre erstaunlich geschickt war; Tanzmusik für Körper und Geist, sowohl für das Hier und Jetzt, als auch für das Leben danach.

Techno House Connoisseurs are back with another storming EP of various artists for dance floors worldwide. This V/A features some big hitters in Phoreski and Felix Dickinson as well as San Diego's Terry Jasinto, Seattle's Lock and Hammer and LA's Praus. Lots of ground covered here with unusual and unique stylings in the realm of acid and cosmic.

Phoreski's Kyoto Dawn leads the way with it's deep and euphoric vibe floating along leaning deep and etherial in all the right places.

Felix Dickinson follows up with his remix of Phoreski's track bringing the 303/acid into the forefront building it into a monster chugger complete with droning synths and 808 accents. Look for a sweaty frenzy at the climax of the track!

San Diego's Terry Jasinto makes his THC label debut with a tech house gem that pumps and weaves with it's dynamic drums and synth stabs. With several nice subtle layers of acid throughout, it is perfect for a high energy dancefloor.

LA's Praus continues to produce deep and complex tracks for THC records showing he has an ear for unique programming. His release, "Heedful" quickly gets your attention delivering haunting synths and beautiful acid lines in the cosmic fashion only Praus can deliver.

Seattle's own Lock and Hammer rounds out the EP with an unusual and quirky burner that intrigues and delights in a wealth of analog glory. Built for a warehouse, the artist has let loose a track that will glimmer on any loud system doing a number on your head/psyche in the early hours.

Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.

Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.

RED ist die erste Single aus dem kommenden Album PLAYDEAD der japanischen Ska/Punk/Metal-Band SiM. Der Song wird auch als Titelsong für die neue Staffel von 'Kengan Ashura'. MAH (Sänger) erklärt: "Unser Ziel war es, einen Sound zu kreieren, der den tiefen Respekt widerspiegelt, den wir für die Heavy-Musik der frühen 2000er Jahre haben, wie Limp Bizkit und Korn."

"Der Sound und der Groove von RED waren bereits im Entstehen und passten perfekt in den Anime. Das ist eine große Auszeichnung für uns, und nach dem, was wir von dem Teaser gesehen haben, glauben wir, dass es eine großartige Kombination ist."SiM sind Anfang 2022 aus Japan heraus auf die internationale Szene gestürmt, als ihr Song "THE RUMBLING" als Titelsong für den gefeierten Anime ATTACKON TITAN ausgewählt wurde. Seit seiner Veröffentlichung wurde der Song mehr als 300 Millionen Mal gestreamt und ist der #1 Metal-Song auf Spotify für 2022 und war sieben Wochen in Folge in den Billboard Hot Hard-Rock-Songs, mit einem Höchststand auf Platz 1.

Chapter number twenty-seven of the Mental Disorder missile catalogue arrives. This new chapter is signed by Helki Torsnum, who is none other than the living legend: Inigo Kennedy, who decided 25 years ago to compose an EP for the now-defunct British label, Sheer Records. We wanted to rescue this lost gem called "Events that occur" because it perfectly defines the minimalist and raw sound of 90s techno, which occupied the entire frequency spectrum in its purest form.
Three powerful tracks that destroyed the dance floors in the mid nineties.

James Blunt ist mit neuer Musik zurück: Sein kommendes Album "Who We Used To Be" erscheint am 27. Oktober bei Atlantic Records, inkl. der aktuellen Single "Beside You".
"Who We Used To Be" ist das erste neue Studioalbum seit der Veröffentlichung von "Once Upon A Mind" im Jahr 2019.

Mit dem Erfolgsalbum erreichte er die Top 10 der Albumcharts in Deutschland und schaffte es bis auf #3 in Großbritannien. Für die neue Platte arbeitete der Brite nun mit einer ganzen Reihe von Produzenten zusammen, darunter Jonny Coffer, Red Triangle, Jack & Coke und Steve Robson. Seine zuletzt veröffentlichte Greatest-Hits-Sammlung "The Stars Beneath My Feet" hat mittlerweile mit mehr als 100.000 verkauften Einheiten Goldstatus erreicht.

Blunts 2004 erschienenes Debütalbum "Back To Bedlam" brachte den weltweiten Hit "You're Beautiful" hervor und gehört zu den zehn meistverkauften Alben des zugehörigen Jahrzehnts. Es erreichte - neben einer Vielzahl von weiteren Ländern - auch hierzulande die Spitze der Charts. Im Laufe seiner Karriere wurde der Brite nicht zuletzt mit zwei Echos, zwei Brit Awards und zwei Ivor Novello Awards ausgezeichnet und fünf Mal für den Grammy nominiert.

"Bring us the Head" ist unsere Liebeserklärung an das Kino der Achtziger und Neunziger, mit dem wir aufgewachsen sind", weiß Sänger Jens zu berichten.

"Während der Corona-Pandemie haben wir viele dieser Streifen "wiederentdeckt". Viele werden das nachvollziehen können - man saß zu Hause, hatte ungewohnt viel Freizeit, und dank der Streaming-Dienste kam trotzdem selten Langeweile auf.

Irgendwann sprachen wir im Scherz darüber, dass es doch cool wäre, eine Platte über unsere alten Lieblingsfilme zu machen... gesagt, getan."

Fans von Streifen wie "Terminator", "Conan", "Army of Darkness" oder "Escape from New York" werden somit ihre helle Freude an dem Album haben, für dessen detailverliebtes Cover-Artwork einmal mehr Besil Wrathbone verantwortlich zeichnet. Auch eine Cover-Version des Ramones-Klassikers "Pet Sematary" nahm die Band für "Bring us the Head" auf. Jens erklärt:
"Da wir den Song seit Jahren im Live-Programm haben, und er außerdem so wunderbar ins Konzept des Albums passt, lag die Idee förmlich auf der Hand."

Der neue Langspieler wird am 27. Oktober 2023 über Reaper Entertainment in den Plattenläden aufschlagen.

Edith Piaf, die 60 Jahre nach ihrem Tod ihre größten Lieder vorträgt, begleitet in London von einem Symphonieorchester mit 60 Musikern... Was als Science-Fiction gelten könnte, ist dank renommierter Musiker, Arrangeure und Tontechniker Wirklichkeit geworden.

Sie stellten sich der Herausforderung, neue Orchestrierungen zu schaffen, die für die Ohren von heute geeignet sind, ohne die Nostalgie ihrer Vorgänger zu beeinträchtigen. Indem sie ihre Stimme technisch isolierten, konnten sie den Refrains von damals beweisen,
dass sie ebenso unsterblich sind wie ihre Interpretin. Die ikonische Stimme von Edith Piaf wurde von einem Team von Toningenieuren im legendären Abbey Road Studio in London akribisch aus den Originalaufnahmen extrahiert.

Das Album wiederum wurde in den renommierten AIR Studios aufgenommen, die sich ebenfalls in London befinden. Das Orchester besteht aus sechzig sorgfältig ausgewählten Musikern, die das renommierte Legendis Orchestra bilden. Diese Musiker kommen aus einigen der renommiertesten englischen Symphonieorchester, darunter das London Symphonic Orchestra, das Royal Philharmonic Orchestra und das BBC Orchestra. Die Stücke wurden von Martin Batchelar, Samuel Pegg und Nathan Stornetta hervorragend arrangiert.

Auf ihrem Debütalbum ALEXALONEWORLD (2021) stellten alexalone aus Austin, TX, einen schweren, aber warmen Stil des atmosphärischen Rock vor, der den Hörer in unscharfe, einsame Räume führt, um ihn dann mit pulsierender Energie aufzurütteln, was die Fachpresse als 'düstere Sonic Youth-Jam-Session' bejubelte. Auf dem mitreißenden Nachfolger ALEXALONE TECHNICAL RESEARCH erweitern alexalone ihren Sound um schrill-komplexe Rhythmen und üppige Shoegaze-Klanglandschaften, die zwischen Dissonanz und Kohärenz variieren. Ihre kraftvolle Musik kreiert eine wunderbar chaotische Welt, die allumfassend und faszinierend ist. 5 Tracks mit bis zu 12:30 min Spielzeit auf schwarz-silberfarbigem Splatter-Vinyl mit DL-Code und Art-Print im silberfolierten Schwarzcover.

With the label MPS, post-war musical history was written in Germany: noble music productions with many international greats come from the Black Forest and are timelessly legendary. In this tradition, HGBSBlue releases selected projects on high-quality vinyl.

The DLW trio has been working together for twelve years now and is now setting the tone in the modern European music scene, as the trio has long since left the boundaries of jazz behind. DLW, that is the sound-painting vibraphonist Christopher Dell, the virtuoso Danish bassist Jonas Westergaard and the German star drummer Christian Lillinger.

Time and again, the three jazz musicians from Berlin play together with artists from classical or avant-garde music. "Supermodern"
is the project that brings the three DLW musicians together with US pianist Bob Degen. This music is also unikal. It is a reverence
to the legendary Modern Jazz Quartet (MJQ), which in the 1950s was the link between chamber jazz and European classical music.
With "Supermodern," this reference to the MJQ is illuminated from the perspective of European avant-garde music, rather than
its African-American roots, which nevertheless resonate respectfully throughout.
DLW has "developed a concept based on repetition and difference. The starting point for a piece is always a single bar, which is
rhythmically interlaced and repeated trance-like until the smallest irregularities occur, which are written down and creatively
processed further. From this "superimposed combinatorics" (Christopher Dell) a perpetuum-mobile-like sound movement
develops, which is further radicalized on record by sound alienations and cut-up techniques." Thus respectfully wrote the Neue
Züricher Zeitung in August 2023.
Word has long since spread outside the German jazz scene that the DLW projects are always musically new. This is also the case
with the double LP "Supermodern 2", with recordings made in 2021 in analog at the MPS studio in the Black Forest. Together
with US pianist Bob Degen, who has been one of the creative voices of the German jazz scene for about 50 years, they play highenergy music, with sparkling virtuosity and close communication. A musical treat, further enriched by the immensely present
analog sound of this recording.

Wer die Dawn Brothers bei der Arbeit sieht, wird unwiderruflich in den musikalischen Wirbelwind gesogen, der über die Bühne rast. Hier werden Rock, Folk, Blues und Soul scheinbar mühelos zu einem unwiderstehlichen Cocktail vermischt. Es ist dieses quälende
'was ist hier los'-Gefühl, das den Wunsch weckt, selbst Teil dieser Rotterdamer Band zu sein. Das neue Album der Dawn Brothers, das auf den Namen 'Alpine Gold' hört, ist eine Rückkehr zur Energie des Debüts 'Stayin' Out Late' und enthält einen erzählenden Song,
in dem Sheryl Crow, Eddie Vedder und Cat Stevens zu hören sind - ihr wisst, wie es geht. Die Songs, die auf "Alpine Gold" landeten, wurden innerhalb von zwei Monaten geschrieben und dann im Electric Monkey Studio in Zaandam aufgenommen, wohin sich
die Band mit dem Produzenten Paul Willemsen zurückzog. Die so entstandenen Songs sind eine authentische Sammlung von Liedern mit einem Hauch von Mystik, bei denen Intuition und Instinkt im Vordergrund stehen. "Kein Bullshit, einfach eine gute Platte mit
starken Songs machen", sagt die Band. Im Alltag mögen sie bescheiden sein, aber auf 'Alpine Gold' haben die Dawn Brothers keine Angst, die Büchse der Pandora zu öffnen.

Having underscored her status as one of Ireland’s most singular songwriting voices Naoise Roo
returns with her highly-anticipated second album, Emotionally Magnificent. Eleven songs that delve
deep into themes surrounding depression and the oppressive stereotypes that burden women
experiencing mental illness. Produced by Liam Mulvaney (Girl Band) with Jamie Hyland (Mhaol).
Features Daniel Fox (Gilla Band) on bass and guitar, Rian Trench (Solar Bears) drums and synths
and Karl Tobin on guitar

Jerry Leger ist ein Künstler, der von Uncut Magazine und Rolling Stone Germany gefeiert
wird und auch Lob von Kollegen wie Ron Sexsmith und Doug Paisley erhalten hat.
Auf seinem neuen Album 'Donlands' hat Leger einen anderen Ansatz gewählt und sich mit
dem legendären kanadischen Produzenten/ Toningenieur Mark Howard (Lucinda
Williams, Bob Dylan, Tom Waits, Neil Young) zusammengetan, dessen markanter
atmosphärischer Sound Leger's Herangehensweise völlig verändert hat. Das Album,
benannt nach der Straße im Osten von Toronto, in der es aufgenommen wurde, im
ehemaligen Donlands Theatre, präsentiert Jerry Leger, wie man ihn noch nie zuvor gehört
hat.
"Längst nicht mehr viele Leute machen Aufnahmen wie Mark Howard", sagt Leger.
"Nachdem ich ihm erzählt hatte, wie viel mir Tom Waits' 'Real Gone' bedeutet, bin ich
direkt in die Erfahrung eingetaucht. Wie bei all meinen Alben haben wir 'Donlands'
größtenteils live im Studio mit meiner Band The Situation Dan Mock, Kyle Sullivan, Alan
Zemaitis aufgenommen, im Kreis - ohne Kopfhörer, einfach nur Zuhören und Existieren,
Atmen als Ganzes. Für mich ist es ein Album, das in seiner eigenen Welt lebt."
'Donlands' schließt passend mit "Slow Night In Nowhere Town", in dem der Film endet und
wir aus dem Theater in einen gleichmäßigen Regen hinaustreten, unsicher, ob wir nach
Hause gehen oder einfach weitergehen sollen. Mit 'Donlands' hat er ein Album geschaffen,
das als einer der Höhepunkte in einem ohnehin schon beeindruckenden Werk steht.
Digitalwerbung auf Facebook, Instagram und YouTube.

DION BRACKEN & LLOYD DEV'S CROWDPLEASERS EP featuring 5 massive cuts of rare disco, funky soul and house bangers sure to set any dancefloor on fire. Grab on sight as these will surely fly out the door. Fans of AL- TONE, MARK GRUSANE & MR. K will love this. Paper sleeve.

Die Musik der 2000 in Norwegen gegründeten Band fand nicht nur großen Anklang in der Dance-Punk-Community, ihre bahnbrechende Single 'Computer Camp Love' landete auch hoch im ROLLING STONE-Ranking der "100 besten Songs des Jahres 2007". Ihr Debüt landete schließlich auf Platz 36 des damals renommierten NME, und die Band wurde nicht nur einmal für den norwegischen Grammy nominiert. DATAROCKs neues Album 'Media Consumption Pyramid' vereint sieben Mitglieder des Kernkollektivs, die alle schon früher Teil der Band waren, aber nie gemeinsam. Das Album basiert auf Synth-Pop-Sounds der 80er Jahre, die an Depeche Mode, Bronski Beat und Soft Cell erinnern. Die bereits digital veröffentlichte Single 'DISCObedience' ist ein erster Appetizer auf das von Fans sehnlich erwartete Comeback-Album der sieben Männer in ihren Trainingsanzügen.
Für Fans von LCD Soundsystem, The Chemical Brothers, Hot Chip und Foals. Erhältlich auf CD, schwarzem Vinyl sowie in limitierter Auflage auf rotem Vinyl

Während „Hate Campaign“ ein eher unterschätztes Album in der riesigen Diskographie der schwedischen Band DISMEMBER ist, zeigte „Where Ironcrosses Grow“ aus dem Jahr 2004 die Band in Topform. Vom Titeltrack bis zum Schlussstück „As I Pull the Trigger“ bietet es 38 Minuten makellosen schwedischen Death Metal und enthält – zum ersten Mal seit dem Debüt – ein weiteres Artwork von Dan Seagrave.

Idina Menzel is a Tony-Award winning, powerhouse multi-hyphenate: a singer, an actress in film and TV, a songwriter, a Broadway star, and a philanthropist. Drama Queen is Idina Menzel’s celebration of love filled with original pop/electro-pop anthems meant for the dancefloor!

“I am a Drama Queen…I’m dramatic and emotional and passionate. I love the stage and the spotlight. I love the attention and the roar of an audience. I have big feelings. I sing my ass off through tears of joy, heartbreak, anger, and sadness. This project is the most fun I’ve ever had writing and recording an album. I want everyone to move and sing with me and embrace their inner Drama Queen. From this Drama Queen to anyone and everyone who wants to join me in celebration: I’ll meet you on the dance floor or at the stage door or wherever you will have me. This album is for you.”

Released in 1983 at the height of the Satanic Panic, SHOUT AT THE DEVIL catapulted MÖTLEY CRÜE to superstardom. Delivering on the hype and promise of their PLATINUM debut, Too Fast For Love, MÖTLEY CRÜE second album hit the US Top 20 and was certified 4X PLATINUM. For many music fans, SHOUT AT THE DEVIL was the first time they witnessed an album with this imagery and lyrical content on mainstream retail shelves.

40 years later, THE CRÜE is still going strong, bigger than EVER and headlining STADIUMS around the World! So come now Children Of The Beast, be strong and SHOUT AT THE DEVIL...
Sold Over 1.3 Million Tickets in North America last year on THE STADIUM TOUR with Def Leppard
THE WORLD TOUR continues in 2022 having already rolled through Latin America, Brazil UK and Europe
Will perform for another 300,000 fans in the US in August before heading to Japan and Australia in October and November
3 tracks from Shout At The Devil remain in the band’s live set 40 years later, “Shout At The Devil,” “Too Young To Fall In Love” and “Looks That Kill”
Shout At The Devil has sold over 4 Million Copies in the US alone
Major ad campaign and Halloween week
Album newly remastered by Andy Pearce (Black Sabbath, Motorhead)
Shout At The Demos & Rarities LP contains 7 rare tracks and demos, including “Hotter Than Hell” which later become “Louder Than Hell” on 1985’s Theatre Of Pain

Contents:
• Original Album Remastered on Orange/Yellow Splatter LP
• Shout At The Demos & Rarities Red/White Splatter LP
• Shout At The Devil CD
• Shout At The Devil Red Cassette
• “Looks That Kill” White 7”
• “Too Young To Fall In Love” Orange 7”
• Devil Board w/Metal Planchette
• Metal Pentagram 7” Adapter
• Pentagram Felt Bag
• Devil Candle Holder (candle not included)
• Band Member Tarot Cards
• 12” x 12” Pentagram Séance Board
• Two 12” x 12” Shout At The Devil Blood Album Cover Litho Art Prints

There's a new band in town! comforter2 is the new baby of Meetsysteem, Tammo Hesselink & Marianne Noordzij. Born from a residency space in Arnhem as they we're being snowed in over the pandemic, comforter2 is a band for club heads and a club act for band heads. Sometimes two worlds meet - and through this conversation love is found - that's a quote from the album > there's a lyric sheet included with the cassette so you can read along. If you're familiar with their solo projects you won't be surprised by the size of this debut; 16 fresh, club-leaning, indie pop/rock tunes that we'll release on cassette as well as digital. The tracks are formed by all members: Tammo's knack for bass and rhythms, Meetsysteem's song- writing skills (the album is sung in English) and together by Marianne's designs and voice, adding a touch of blissful psychedelia. It's an honest, upfront album about the highs and lows of modern life, seen through the eyes of a raver at their peak. It lends their sound a sense of alluring melancholy, a beautifully bittersweet sense of mood that stays with you long after the rhythms have finished. Like lullabies, for the dancefloor.

Im Englischen gibt es den Ausdruck "to pull at one"s heartstrings". In der deutschen Sprache gibt es für dieses Bild keine direkte Übersetzung. Jetzt aber zum Glück irgendwie schon, in Form dieses Albums. Denn beim Hören von EXILE IN SPACE zupft und zuppelt, zieht und dehnt etwas im Inneren, meist in etwa da, wo bei den meisten Menschen das Herz vermutet wird. Melancholie trifft es eben nicht, ist auch ein viel zu abgenudelter Begriff in der Musik und hat hier keinen Platz. Was ENIK und das PARANORMAL STRING QUARTET auf EXILE IN SPACE in diesen acht musikalischen Kleinoden entstehen lassen, geht tiefer. Großartige Sätze wie: "Don"t pick up the Phone, it could be your mother! She wont candycrush herself out of this mess.", lässt Enik in "Electric Sheep" von einer knazigen Roboterstimme in Gedichtform vortragen, während im Hintergrund ein Omnichord und ein Cello darüber diskutieren, wer von beiden eigentlich einsamer ist als der andere. "TRUE MF", das man von ENIK Solo bisher als richtigen Dancefloor-Banger kannte, kriegt mit entschleunigten, warmen aber trotzdem nie und nimmer kitschigen Streicherparts neue Dimensionen (ziemlich viele sogar). Diese paranormalen Ergänzungen halten ENIK wenn nötig auch mal auf dem Boden - oder besser gesagt in der gemütlichen, warmen Stube am Fenster, wenn er im Titeltrack mit Cervantes im Kopf von der eher weniger gemütlichen Weltlage singt und vom Exil im Weltall träumt (EXILE IN SPACE). In KANGAROO unterhält sich Enik mit einem toten Känguru, was ihn schlagartig seiner eigenen Vergänglichkeit ermahnt und somit das exzessive Leben des Protagonisten herzzerreißend in Frage stellt. Der Song endet in einer dreiminütigen, elegischen Streicherimprovisation, die für Enik persönlich, den absoluten Höhepunkt dieses Albums darstellt. Zurückgelassen wird man als Hörer*in am Ende mit dem knarzigen BETTY LEE. Ein Lied, das gut und gerne 70 Jahre alt sei könnte, gleichzeitig aber auch nach vorne in die Zukunft weist. Alles in allem acht funkelnde, schräge, organische und liebevolle Songs, die vom Herzen bis ins Weltall reichen. Womit wir wieder bei den "heartstrings" sind und dem, was eben hier noch nicht verraten wurde: Was der englische Ausdruck "to pull at one"s heartstrings" auf Deutsch bedeutet. Aber dafür sind ENIK und das PARANORMAL STRING QUARTET die Experten.