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Clear Vinyl. Limitiert auf 300 Exemplare. Classic Rock, Vintage Rock oder Retro-Rock. Wie auch immer man diese bluesige, gelegentlich psychedelische, von den großen Acts der späten Sixties und Seventies inspirierte Variante des Hardrocks nennen will: Die besten Vertreter des Sujets kommen seit jeher aus dem Norden Europas. Je weiter nördlich ihr Ursprung, desto besser sind sie - so scheint es. Und viel nördlicher als Tromso, die über 300 Kilometer jenseits des Polarkreises gelegene Heimatstadt der Norweger Pristine, geht es kaum _ Pristine sind eine der begeisterndsten und überzeugendsten Live-Bands des Genres. Die Gruppe hat bereits Hunderte von Konzerten absolviert - von intimen Club-Shows bis hin zu Slots im Rahmen der großen Festivals auf unserem Kontinent. Heidi freut sich darauf, nun mit dem neuen Pristine-Album THE LINES WE CROSS endlich wieder auf Tournee gehen zu können. "Wir hatten im letzten Jahr eine Handvoll kleinerer Shows in Norwegen gespielt, als dies für kurze Zeit wieder möglich war. Die Regierung hatte alle Restriktionen aufgehoben, bevor dann die Omikron-Welle kam und alles erneut vorbei war. Diese viel zu wenigen Abende waren wundervoll für uns, aber offenbar ebenso für die Fans. Man merkte förmlich, wie ausgehungert beide Seiten nach Live-Musik waren. Es fühlte sich fast so an wie damals, als wir die Band starteten und unsere ersten Konzerte gaben." Damals war 2006: Heidi besuchte das Musikkonservatorium in Tromso, wo sie Gesang studierte, als sie die erste Inkarnation von Pristine aus der Taufe hob. Nach einigen Jahren der Sound- und Mitglieder-Findung sowie zwei exklusiv in Norwegen veröffentlichten Alben startete die Band 2016 mit REBOOT international durch. Es folgten ausführliche Europa-Konzertreisen mit stilistisch ähnlich gesinnten Acts wie The Brew und Blues Pills. Bereits im Jahr darauf legten Pristine mit NINJA nach und 2019 konnten die Skandinavier dank ROAD BACK TO RUIN erstmals die deutschen Album-Charts knacken. Mit THE LINES WE CROSS kommt Anfang 2023 nun Album Nummer sechs auf uns zu.

Motörhead veröffentlichen ihr 23. (und letztes
Studioalbum) Bad Magic von 2015 noch einmal in einer
erweiterten Version.
"Bad Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC" beinhaltet
frisches Bonusmaterial und zwei bisher unveröffentlichte
Tracks: "Bullet in Your Brain" und "Greedy Bastards",
sowie eine glanzvolle Live Performance von der Bad
Magic Tour beim gigantischen Mt Fuji Festival in Japan
2015. Als Bad Magic 2015 veröffentlicht wurde, tat es
einen gewaltigen Schlag und alle, die meinten Motörhead
wären zahmer geworden, wurden eines Besseren belehrt.
Das Album erreichte in Deutschland auf Anhieb die Top 1
Chart Position. Producer Cameron Webb hatte seinen
Anteil daran; er überzeugte die Band, das Album in den
NRG North Hollywood, Maple Studios und Grandmaster in
Kalifornien live aufzunehmen- zum allerersten Mal in der
Ära Kilmister/Campbell/Dee.
Eine der versteckten Juwelen des Albums auf "Bad
Magic: SERIOUSLY BAD MAGIC", ist Motörheads
berühmteste, international gefeierte Version des David
Bowies Klassiker, "Heroes". Ursprünglich sollte der Song
auf Bad Magic (2015) erscheinen, wurde jedoch in der
letzte Minute wieder heruntergenommen. Jetzt aber fand
"Heroes" seinen Platz auf "Seriously Bad Magic".

Wer liebt Belle and Sebastian nicht? Springt dein Herz auch jedes Mal, wenn du ihre Musik hörst? Hast du dich auch zum ersten Mal in Belle and Sebastian verliebt, als du "If You"re Feeling Sinister" auf Repeat gehört hast und hat dieser Song danach auch dein Leben verändert? Wenn du Belle and Sebastian liebst, war "A Bit of Previous" von 2022 ein kleines Geschenk für dich. Belle and Sebastian haben uns bereits eine Fülle von Klassikern geschenkt, so dass man angesichts des Outputs des letzten halben Jahrzehnts, verstreut über EPs, Soundtracks und ein Live-Album (das gleichzeitig eine Greatest Hits-Sammlung war), annehmen könnte, es sei nichts mehr im Tank und es sei an der Zeit, den Tourbus für ein paar Album-Jubiläumsshows anzuwerfen. Aber das wäre ein Irrtum. Wie sich herausstellte, verbrachte die Band die trostlosesten Zeiten der Pandemie miteinander, nutzte die Situation und die Einsamkeit für neue Musik. Sie verwandelten diese Energie in Freude und in einen Herzschmerz, der jeden Moment durchschimmert. Als Zentrum diente ein Raum, der früher eigentlich für den Versandhandel bestimmt war und nun die neue Kreativzelle der Band ist. Aufgenommen in denselben Sessions wie der Vorgänger "A Bit of Previous", fühlt sich das neue Album "Late Developers" nicht wie eine Sammlung von weniger guten Songs an, die nicht gut genug waren, um auf das auf das erste Album zu kommen. Vielmehr ist es ein Beweis für die ungezügelte Kreativität, die die Band während der Aufnahmen entfachte und die das letzte Album nun ergänzt. Während man in einer Album-Info gerne versucht Musik mit markigen Worten zu beschreiben, entzieht sich "Late Developers" den Genres und schwebt zwischen den Welten. Belle and Sebastian hatten schon immer ein Händchen dafür, Musik und Texte so zu kombinieren, dass sie die chaotische Welt der menschlichen Empfindungen perfekt einfangen - ein Soundtrack des Lebens. Und es gibt eine gewisse Leichtigkeit auf "Late Developers", die einen daran erinnert, dass man hier den Experten in Sachen Gefühlswelten zuhört. Stuart Murdoch ist einfach ein meisterhafter Beobachter und Geschichtenerzähler. Es ist bemerkenswert, dass eine Band mit einer derart langen Karriere Musik machen kann, die sich nicht nur unmittelbar anfühlt, sondern auch zwei aufeinanderfolgende Alben, die klingen, als wären Belle and Sebastian auf dem Höhepunkt ihres Schaffens. "Late Developers" ist ein überzeugendes Beispiel dafür, dass Belle and Sebastian stets auf der Suche nach der perfekten Melodie sind, um uns immer wieder aufs Neue zu verzaubern und um klarzumachen, warum wir uns damals auf den ersten Blick in diese Band verliebt haben.

Strictly Limited Orange Vinyl

Wer liebt Belle and Sebastian nicht? Springt dein Herz auch jedes Mal, wenn du ihre Musik hörst? Hast du dich auch zum ersten Mal in Belle and Sebastian verliebt, als du "If You"re Feeling Sinister" auf Repeat gehört hast und hat dieser Song danach auch dein Leben verändert? Wenn du Belle and Sebastian liebst, war "A Bit of Previous" von 2022 ein kleines Geschenk für dich. Belle and Sebastian haben uns bereits eine Fülle von Klassikern geschenkt, so dass man angesichts des Outputs des letzten halben Jahrzehnts, verstreut über EPs, Soundtracks und ein Live-Album (das gleichzeitig eine Greatest Hits-Sammlung war), annehmen könnte, es sei nichts mehr im Tank und es sei an der Zeit, den Tourbus für ein paar Album-Jubiläumsshows anzuwerfen. Aber das wäre ein Irrtum. Wie sich herausstellte, verbrachte die Band die trostlosesten Zeiten der Pandemie miteinander, nutzte die Situation und die Einsamkeit für neue Musik. Sie verwandelten diese Energie in Freude und in einen Herzschmerz, der jeden Moment durchschimmert. Als Zentrum diente ein Raum, der früher eigentlich für den Versandhandel bestimmt war und nun die neue Kreativzelle der Band ist. Aufgenommen in denselben Sessions wie der Vorgänger "A Bit of Previous", fühlt sich das neue Album "Late Developers" nicht wie eine Sammlung von weniger guten Songs an, die nicht gut genug waren, um auf das auf das erste Album zu kommen. Vielmehr ist es ein Beweis für die ungezügelte Kreativität, die die Band während der Aufnahmen entfachte und die das letzte Album nun ergänzt. Während man in einer Album-Info gerne versucht Musik mit markigen Worten zu beschreiben, entzieht sich "Late Developers" den Genres und schwebt zwischen den Welten. Belle and Sebastian hatten schon immer ein Händchen dafür, Musik und Texte so zu kombinieren, dass sie die chaotische Welt der menschlichen Empfindungen perfekt einfangen - ein Soundtrack des Lebens. Und es gibt eine gewisse Leichtigkeit auf "Late Developers", die einen daran erinnert, dass man hier den Experten in Sachen Gefühlswelten zuhört. Stuart Murdoch ist einfach ein meisterhafter Beobachter und Geschichtenerzähler. Es ist bemerkenswert, dass eine Band mit einer derart langen Karriere Musik machen kann, die sich nicht nur unmittelbar anfühlt, sondern auch zwei aufeinanderfolgende Alben, die klingen, als wären Belle and Sebastian auf dem Höhepunkt ihres Schaffens. "Late Developers" ist ein überzeugendes Beispiel dafür, dass Belle and Sebastian stets auf der Suche nach der perfekten Melodie sind, um uns immer wieder aufs Neue zu verzaubern und um klarzumachen, warum wir uns damals auf den ersten Blick in diese Band verliebt haben.

Beyond The Black (Ltd. Box /LP+12"+2CD):
- colored 180g LP in gatefold with 2p lyric sheet (Clear with red/black splatter)

- colored 12” vinyl including 3 bonus tracks with etching on Side B (Gold)

- 2CD digi book (incl. 3 bonus tracks & instrumental CD)

- 4 signed cards (each band member)

- 4 art prints (each symbol)
Beyond The Black können auf eine imposante Erfolgsgeschichte zurückblicken: Schon mit ihrem Debüt im Jahr 2015 schlug die Band um Sängerin Jennifer Haben ein wie eine Bombe. „Songs Of Love And Death“ hielt sich wochenlang in den Top 15 der Charts und brachte den renommierten „Metal Hammer“-Award in der Kategorie „Bestes Debüt“ ein. Auch der Nachfolger „Lost In Forever“ konnte 2016 direkt daran anknüpfen, ging auf Chart-Platz 4 und führte Beyond The Black auf eine Mammut-Tour durch Deutschland, Groß-britannien über Russland bis nach Japan. Seit 2014 begeisterte die Band ihre Fans bei immer größer werdenden Auftritten auf dem Wacken Open Air und war gefeierter Support-Act für Bands wie Aerosmith, Korn, Scorpions, Saxon und Within Temptation.
Im Herbst 2019 folgte die erste eigene Europatour als Headliner–zum Großteil ausverkauft. Ihre musikalische Klasse über Genregrenzen hinweg hat Sängerin und Frontfrau Jennifer Haben zudem in Deutschlands erfolgreichstem Musikformat „Sing meinen Song“ bewiesen. Eine Erfolgsgeschichte, die mit Chart-Platz #3fürdas vierte Studioalbum „Horizons“ gekrönt wurde. Heute, zwei Jahre später, sind Beyond the Black zurück mit einem Knall und starten ein neues Kapitel. Nach den gefeierten Singles „Reincarnation“ und „Is There Anybody Out There“ kündigt die Band ihr neues, fünftes Studioalbum an, das selbstbetitelt „Beyond the Black“ heißen und am 13. Januar 2023erscheinen wird! DiePre-Order beginnt ab sofort und wird von der neuen, düster-kraftvollen Single „Winter Is Coming“ eingeläutet, die den richtigen Ton für die bis dato größte Headline-Europatournee der Band setzt.

Beyond The Black können auf eine imposante Erfolgsgeschichte zurückblicken: Schon mit ihrem Debüt im Jahr 2015 schlug die Band um Sängerin Jennifer Haben ein wie eine Bombe. „Songs Of Love And Death“ hielt sich wochenlang in den Top 15 der Charts und brachte den renommierten „Metal Hammer“-Award in der Kategorie „Bestes Debüt“ ein. Auch der Nachfolger „Lost In Forever“ konnte 2016 direkt daran anknüpfen, ging auf Chart-Platz 4 und führte Beyond The Black auf eine Mammut-Tour durch Deutschland, Groß-britannien über Russland bis nach Japan. Seit 2014 begeisterte die Band ihre Fans bei immer größer werdenden Auftritten auf dem Wacken Open Air und war gefeierter Support-Act für Bands wie Aerosmith, Korn, Scorpions, Saxon und Within Temptation.
Im Herbst 2019 folgte die erste eigene Europatour als Headliner–zum Großteil ausverkauft. Ihre musikalische Klasse über Genregrenzen hinweg hat Sängerin und Frontfrau Jennifer Haben zudem in Deutschlands erfolgreichstem Musikformat „Sing meinen Song“ bewiesen. Eine Erfolgsgeschichte, die mit Chart-Platz #3fürdas vierte Studioalbum „Horizons“ gekrönt wurde. Heute, zwei Jahre später, sind Beyond the Black zurück mit einem Knall und starten ein neues Kapitel. Nach den gefeierten Singles „Reincarnation“ und „Is There Anybody Out There“ kündigt die Band ihr neues, fünftes Studioalbum an, das selbstbetitelt „Beyond the Black“ heißen und am 13. Januar 2023erscheinen wird! DiePre-Order beginnt ab sofort und wird von der neuen, düster-kraftvollen Single „Winter Is Coming“ eingeläutet, die den richtigen Ton für die bis dato größte Headline-Europatournee der Band setzt.

Black White Marbled Vinyl
Beyond The Black können auf eine imposante Erfolgsgeschichte zurückblicken: Schon mit ihrem Debüt im Jahr 2015 schlug die Band um Sängerin Jennifer Haben ein wie eine Bombe. „Songs Of Love And Death“ hielt sich wochenlang in den Top 15 der Charts und brachte den renommierten „Metal Hammer“-Award in der Kategorie „Bestes Debüt“ ein. Auch der Nachfolger „Lost In Forever“ konnte 2016 direkt daran anknüpfen, ging auf Chart-Platz 4 und führte Beyond The Black auf eine Mammut-Tour durch Deutschland, Groß-britannien über Russland bis nach Japan. Seit 2014 begeisterte die Band ihre Fans bei immer größer werdenden Auftritten auf dem Wacken Open Air und war gefeierter Support-Act für Bands wie Aerosmith, Korn, Scorpions, Saxon und Within Temptation.
Im Herbst 2019 folgte die erste eigene Europatour als Headliner–zum Großteil ausverkauft. Ihre musikalische Klasse über Genregrenzen hinweg hat Sängerin und Frontfrau Jennifer Haben zudem in Deutschlands erfolgreichstem Musikformat „Sing meinen Song“ bewiesen. Eine Erfolgsgeschichte, die mit Chart-Platz #3fürdas vierte Studioalbum „Horizons“ gekrönt wurde. Heute, zwei Jahre später, sind Beyond the Black zurück mit einem Knall und starten ein neues Kapitel. Nach den gefeierten Singles „Reincarnation“ und „Is There Anybody Out There“ kündigt die Band ihr neues, fünftes Studioalbum an, das selbstbetitelt „Beyond the Black“ heißen und am 13. Januar 2023erscheinen wird! DiePre-Order beginnt ab sofort und wird von der neuen, düster-kraftvollen Single „Winter Is Coming“ eingeläutet, die den richtigen Ton für die bis dato größte Headline-Europatournee der Band setzt.

Die neue VERVE BY REQUEST-LP-Serie präsentiert rare Kultalben, die von den Fans immer wieder
gefordert werden, gepresst in audiophilem 180-Gramm-Vinyl bei Third Man Pressing/Detroit.
JAMES BROWN - ”Soul On Top ”
“Im Herzen bin ich ein Jazz-Mann“ gesteht der der Godfather of Soul in den Linernotes zu diesem groovenden Album von 1969, mit einer Big Band unter der Leitung von Drummer Louis Bellson und arrangiert von
Impulse!-Star Oliver Nelson. Browns Partner in Crime, der Saxophonist Maceo Parker, ist ebenfalls daran
beteiligt, es zu einer swingenden, temperamentvollen Sammlung von Standards und James-Brown-Hits zu
machen.
(audiophiles 180-Gramm-Vinyl, Gatefold-Sleeve)
MEL BROWN - ”Chicken Fat”
Gitarrist Mel Browns Impulse!-Debüt von 1967 ist das möglicherweise funkigste als auch ungewöhnlichste Album, das je auf dem Label veröffentlicht wurde. Browns flüssiger Blues-Picking-Stil - den er sich
zulegte, als er in den Bands von John Lee Hooker und T-Bone Walker spielte - garniert mit der swingenden
Soul-Jazz-Orgel von Gerald Wiggins. Besondere Highlights sind der Titeltrack, „Greasy Spoon“ und das
blues-getränkte „I’m Goin’ to Jackson“.
(remastered von den analogen Originalbändern, audiophiles 180-Gramm-Vinyl)

Die neue VERVE BY REQUEST-LP-Serie präsentiert rare Kultalben, die von den Fans immer wieder
gefordert werden, gepresst in audiophilem 180-Gramm-Vinyl bei Third Man Pressing/Detroit.
JAMES BROWN - ”Soul On Top ”
“Im Herzen bin ich ein Jazz-Mann“ gesteht der der Godfather of Soul in den Linernotes zu diesem groovenden Album von 1969, mit einer Big Band unter der Leitung von Drummer Louis Bellson und arrangiert von
Impulse!-Star Oliver Nelson. Browns Partner in Crime, der Saxophonist Maceo Parker, ist ebenfalls daran
beteiligt, es zu einer swingenden, temperamentvollen Sammlung von Standards und James-Brown-Hits zu
machen.
(audiophiles 180-Gramm-Vinyl, Gatefold-Sleeve)
MEL BROWN - ”Chicken Fat”
Gitarrist Mel Browns Impulse!-Debüt von 1967 ist das möglicherweise funkigste als auch ungewöhnlichste Album, das je auf dem Label veröffentlicht wurde. Browns flüssiger Blues-Picking-Stil - den er sich
zulegte, als er in den Bands von John Lee Hooker und T-Bone Walker spielte - garniert mit der swingenden
Soul-Jazz-Orgel von Gerald Wiggins. Besondere Highlights sind der Titeltrack, „Greasy Spoon“ und das
blues-getränkte „I’m Goin’ to Jackson“.
(remastered von den analogen Originalbändern, audiophiles 180-Gramm-Vinyl)

Hat eigentlich schon irgendwer darüber nachgedacht, ob es nach all den Jahren deutschsprachigen Pop-Zusammengehörigkeitsgefühls mal Zeit wird, weiter als von Fußball-WM zu Fußball-WM zu denken und mit dem irren Gedanken aufzuräumen, dass schon alles gut wird, wenn wir uns bloß Alle immer ständig sagen, dass wir das schon hinkriegen?!

Vielleicht war’s Zeit für Jupiter Jones, die Brücke zwischen dem Punk aus den alten Tagen von vor mittlerweile zwanzig Jahren und dem Pop aus den neueren Alben zu schlagen, um eine Melange aus beidem zu schaffen, die sich nicht daran stört, ob irgendwelche Genre-Dogmen eingehalten werden und die sich nicht scheut, auch unkomfortable Themen in komfortablere Töne und Wörter zu packen? Weil Pop eben nicht da aufhört, wo Normativität ihre Grenzen findet.

Sei’s in Songs wie „Überall waren Schatten“, „Bleibt zusammen“, „Wenn’s nicht wehtut“ oder „Melatonin“, die all die Gründe aufleben lassen, wegen denen die Band im Jahre 2002 überhaupt gegründet wurde: Nämlich der Frage nach dem Warum-zum-Teufel-nochmal?

Oder in Songs wie „Vielleicht“, „Ja sicher“, „Oh! Philia“ oder „Der wichtigste Finger einer Faust“, die ganz bewusst Tanzbarkeit mit dem Gefühl verbinden, sich unbedingt mal für mehrere Stunden hinzulegen und die Wand anzustarren?

Oder eben in Songs wie „Atmen“, „Der Nagel“, „Mein Viel und dein Vielleicht“ und „So hat noch jedes Ende angefangen“, die im weitesten, wie im nähesten Sinne Liebeslieder sind. Lieder für und gegen die Liebe, Lieder mit und ohne.

„Die Sonne ist ein Zwergstern“ ist nicht das Corona-Album von Jupiter Jones. Auch, wenn das Revival der Band ziemlich zeitgleich mit dem Virus kam und die Songs dementsprechend ausnahmslos in dieser Zeit geschrieben wurden. Es ist das Album, das einen Blick auf die Welt wirft, einen Blick auf das Innere und einen Blick auf die Verbindung von beidem. Es ist das Album, dem mehr als jedem Album der Band zuvor egal ist, wo die Grenzen verschwimmen. Es ist entschlossen, laut und leise zugleich und es ist alles, nur kein Kompromiss.

Ganz sicher ist es das Ergebnis aus der Erkenntnis, dass wir alles wieder zusammen machen und schaffen können, sobald wir gecheckt haben, dass wir erst mal wir selbst sind. Und dass sich all das lohnt.

Hat eigentlich schon irgendwer darüber nachgedacht, ob es nach all den Jahren deutschsprachigen Pop-Zusammengehörigkeitsgefühls mal Zeit wird, weiter als von Fußball-WM zu Fußball-WM zu denken und mit dem irren Gedanken aufzuräumen, dass schon alles gut wird, wenn wir uns bloß Alle immer ständig sagen, dass wir das schon hinkriegen?!

Vielleicht war’s Zeit für Jupiter Jones, die Brücke zwischen dem Punk aus den alten Tagen von vor mittlerweile zwanzig Jahren und dem Pop aus den neueren Alben zu schlagen, um eine Melange aus beidem zu schaffen, die sich nicht daran stört, ob irgendwelche Genre-Dogmen eingehalten werden und die sich nicht scheut, auch unkomfortable Themen in komfortablere Töne und Wörter zu packen? Weil Pop eben nicht da aufhört, wo Normativität ihre Grenzen findet.

Sei’s in Songs wie „Überall waren Schatten“, „Bleibt zusammen“, „Wenn’s nicht wehtut“ oder „Melatonin“, die all die Gründe aufleben lassen, wegen denen die Band im Jahre 2002 überhaupt gegründet wurde: Nämlich der Frage nach dem Warum-zum-Teufel-nochmal?

Oder in Songs wie „Vielleicht“, „Ja sicher“, „Oh! Philia“ oder „Der wichtigste Finger einer Faust“, die ganz bewusst Tanzbarkeit mit dem Gefühl verbinden, sich unbedingt mal für mehrere Stunden hinzulegen und die Wand anzustarren?

Oder eben in Songs wie „Atmen“, „Der Nagel“, „Mein Viel und dein Vielleicht“ und „So hat noch jedes Ende angefangen“, die im weitesten, wie im nähesten Sinne Liebeslieder sind. Lieder für und gegen die Liebe, Lieder mit und ohne.

„Die Sonne ist ein Zwergstern“ ist nicht das Corona-Album von Jupiter Jones. Auch, wenn das Revival der Band ziemlich zeitgleich mit dem Virus kam und die Songs dementsprechend ausnahmslos in dieser Zeit geschrieben wurden. Es ist das Album, das einen Blick auf die Welt wirft, einen Blick auf das Innere und einen Blick auf die Verbindung von beidem. Es ist das Album, dem mehr als jedem Album der Band zuvor egal ist, wo die Grenzen verschwimmen. Es ist entschlossen, laut und leise zugleich und es ist alles, nur kein Kompromiss.

Ganz sicher ist es das Ergebnis aus der Erkenntnis, dass wir alles wieder zusammen machen und schaffen können, sobald wir gecheckt haben, dass wir erst mal wir selbst sind. Und dass sich all das lohnt.

Padang Moonrise is the story of modern Indonesian music
that emerged underneath the volcanoes of Java and
Sumatra. Java, the most populous island in the archipelago
of over 17,000 islands and 1300 distinct ethnic groups, and
its capital city Jakarta, was where most of the post-colonial
national identity, politics, administration and music production
was centred.
Traditional songs from Java, Sumatra, Bali and beyond were
re-imagined by a small group of state-sponsored musicians
that also composed and arranged new music. These songs
aimed at consolidating a geographically disparate country
with a new language and new ideas of national character.
This compilation brings together a handful of these recordings
that combine elements of regional popular music, Islamic
Gambus, Javanese & Balinese Gamelan and Kroncong, with
jazz, Afro-Latin music & instrumentation, and vocal harmonies
influenced by banned American doo-wop and rock & roll.
The results are a unique blend of styles that have remained
mostly insulated from the world outside of Indonesia until a
recent worldwide resurgence in the interest of recorded music
of all forms has shone a new light on these nearly forgotten
recordings.
27 tracks compiled by Miles Cleret, on double vinyl with bonus
7”, housed in gatefold sleeve with extended liner notes.

Tony Williams gehört sicherlich zu den auch heute noch einzigartigen Schlagzeugern im Jazz, deren Wirken sogar Stilrichtungen nachhaltig beeinflusst haben und immer noch prägen. Im Alter von 16 holte ihn bereits der Saxophonisten Jackie McLean in seine Band nach New York. Mit McLean spielte er auch seine erste Plattenaufnahme ein. Bald darauf sorgte Williams im Alter von 17 Jahren bereits im zweiten Miles Davis Quintet für Furore. Knapp 20 Jahre später, am 30. und 31. Mai 1980, ging Tony Williams mit Tom Grant (Keyboards, Synthesizer, er kam auf Empfehlung von Jeff Lorber in diese Band) und Patrick O'Hearn (Bass, Synthesizer) in das Tonstudio Zuckerfabrik in Stuttgart/Germany. Dieses Studio war in den 70er und in den frühen Achtzigern in der ersten Ausprägung eine legendäre Adresse für Audio-Produktionen aller Art. Larry Coryell, Wolfgang Dauner, Stephane Grappeli, Elvin Jones, Martin Kolbe + Ralf Illenberger, Volker Kriegel, Alphonse Mouzon, John Scofield und das United Jazz+Rock Ensemble nahmen dort auf. Diese beispielhaft für noch sehr viele andere. Produziert hatten Tony Williams und Peter Schnyder im Tandem. Komponist aller Titel war Williams. Das Album wurde in nur zwei Tagen eingespielt und direkt dort im Studio gemixt. Dieses zeitlose Album kam damals in einer Auflage von 500 Stück, wurde seinerzeit kaum promotet und mag dem/der einen oder anderen daher verborgen geblieben sein. Umso schöner, dass es jetzt wieder lieferbar ist.

Nach einem wichtigen und dringend benötigten Besetzungswechsel haben DETRAKTOR ein neues Kapitel aufgeschlagen und machen das, was sie am besten können.
Dieses Album schlägt in Sachen Groove und heftigen Riffs, das beides in der Vergangenheit fehlte, eine neue Richtung ein. Die Band erforscht Themen, die vom animalischen Instinkt der Menschheit inspiriert sind und wie dieser unser tägliches Leben beeinflusst.
Von der erstklassigen Aufnahme und Produktion bis hin zu einem härteren und reiferen Sound, schlagen DETRAKTOR mit diesem Album ein neues Kapitel in ihrer Laufbahn auf. Eines, dass alle offenen Fragen darüber beantworten wird, was in dieser langen Zeit der Hoffnungslosigkeit geschehen ist.
Jedes Riff und jedes Wort beweist, dass DETRAKTOR hart daran gearbeitet haben, dem Hörer das beste gottverdammte Headbang-Erlebnis zu bieten, das man sich nur wünschen kann!

Nach einem wichtigen und dringend benötigten Besetzungswechsel haben DETRAKTOR ein neues Kapitel aufgeschlagen und machen das, was sie am besten können.
Dieses Album schlägt in Sachen Groove und heftigen Riffs, das beides in der Vergangenheit fehlte, eine neue Richtung ein. Die Band erforscht Themen, die vom animalischen Instinkt der Menschheit inspiriert sind und wie dieser unser tägliches Leben beeinflusst.
Von der erstklassigen Aufnahme und Produktion bis hin zu einem härteren und reiferen Sound, schlagen DETRAKTOR mit diesem Album ein neues Kapitel in ihrer Laufbahn auf. Eines, dass alle offenen Fragen darüber beantworten wird, was in dieser langen Zeit der Hoffnungslosigkeit geschehen ist.
Jedes Riff und jedes Wort beweist, dass DETRAKTOR hart daran gearbeitet haben, dem Hörer das beste gottverdammte Headbang-Erlebnis zu bieten, das man sich nur wünschen kann!

Zucker ist ein Riot-Pop-Duo bestehend aus Chris Schalko (they/them/keine) und Pola Lia Schulten (she/her/hers). Beide haben sich 2012 im Hamburger Pudel Club kennengelernt. Die explosive Energie aus dem Proberaum tragen sie schon kurz darauf und mit 2 1/2 fertigen Songs im Gepäck auf einer legendären Tour mit Trümmer quer durch Deutschland. Die Energie des wütenden, dem Pop verschriebenen jungen Duos ist ansteckend und scheinbar endlos. Zucker rennen los: Sie spielen mit Die Sterne, Carsten "Erobique" Meyer, Frau Kraushaar, Messer, Die Nerven. Doch irgendetwas zwickt und hakt. Das eigene Album bleibt auf der Strecke. 2014 wird Feminismus noch nicht groß geschrieben. 2016 trennt sich die Band. Beide fangen für sich solo nochmal von vorne an und erfinden sich neu. Pola Lia Schulten arbeitet als Gastsängerin und Live-Musikerin, schreibt Chorarrangements u.a. für Carsten "Erobique" Meyer, Stella Sommer und Pantha du Prince Sie komponiert Musik für mehrere Theaterstücke und veröffentlicht als Pola X 2019 zwei Singles. Chris Schalko zieht nach Berlin, gründet das Soloprojekt Gigolo Tears und spielt Konzerte unter anderem auf der Fusion und in der Berghainkantine gemeinsam mit der Live-Band The Crybabies. 2021 ist die eigene Energie plötzlich zurück und die vielen Versuche ihres Albums noch immer zu schade zum Verrotten. Zucker beschließen sich zu reuniten und endlich ihre Debütplatte herauszubringen.

Dropkick Murphys veröffentlichen ein Album, das anders sein wird, als alles, für das die Bostoner Punkband bisher bekannt ist: Sie vertonen Woody Guthries Worte auf 'This Machine Still Kills Fascists'. Das Album wird am 30. September über PIAS/Dummy Luck Music (das bandeigene Label) auf CD erscheinen und am 11. November auf Vinyl.

In den 10 Songs auf 'This Machine Still Kills Fascists' übersetzen Dropkick Murphys Woody Guthries ewige Sticheleien gegen das Leben - viele davon aus den 1940er und 50er Jahren - in die Gegenwart, wobei die daraus resultierende Musik unheimlich relevant für die heutige Welt ist. Und das alles ohne ihr übliches Arsenal an E-Gitarren. Tatsächlich wurde kein einziger Verstärker verwendet, sondern DKM nutzten ihre ganze Kraft, um Woodys Texte zum Leben zu erwecken.

Dropkick Murphys veröffentlichen ein Album, das anders sein wird, als alles, für das die Bostoner Punkband bisher bekannt ist: Sie vertonen Woody Guthries Worte auf 'This Machine Still Kills Fascists'. Das Album wird am 30. September über PIAS/Dummy Luck Music (das bandeigene Label) auf CD erscheinen und am 11. November auf Vinyl.

In den 10 Songs auf 'This Machine Still Kills Fascists' übersetzen Dropkick Murphys Woody Guthries ewige Sticheleien gegen das Leben - viele davon aus den 1940er und 50er Jahren - in die Gegenwart, wobei die daraus resultierende Musik unheimlich relevant für die heutige Welt ist. Und das alles ohne ihr übliches Arsenal an E-Gitarren. Tatsächlich wurde kein einziger Verstärker verwendet, sondern DKM nutzten ihre ganze Kraft, um Woodys Texte zum Leben zu erwecken.

Die Welt von Morgen gehört der Belgischen Grunge Rock-Sensation BLACK MIRRORS!
Mit ihrer beeindruckenden Debüt EP, Funky Queen, eroberte die Brüsseler Rock-Sensation BLACK MIRRORS 2017 im Sturm die Szene. Frenetisch gefeierte Live Auftritte sowie ein Festival-Showcase später,
unterschrieb die Band rund um Sängerin Marcella Di Troia einen weltweiten Vertrag mit dem führenden
Rock- und Metal Imperium Napalm Records. Ihr darauffolgender, erster Longplayer Look Into The Black
Mirror wurde von Fans als auch Kritikern gleichermaßen hoch gelobt und BLACK MIRRORS zählten längst
nicht mehr zu einem der bestgehütesten Rockgeheimnisse Belgiens. Der unaufhaltsame Vierer übertrifft
weiterhin alle Erwartungen und steht mit dem neuen Meisterwerk Tomorrow Will Be Without Us in den
Startlöchern, welches sich ohne Frage als eines DER Rock Highlights im Jahr 2022 beweisen wird!
Im Gegensatz zum Album Titel und seinen alarmierenden Themen über die heutige Gesellschaft in einer
Welt, die dem Untergang geweiht ist, gehört die Zukunft BLACK MIRRORS – denn es besteht kein Zweifel,
dass diese Band uns noch die nächsten Jahrzehnte mit grandiosem Heavy Rock, groovigem Power Grunge
und melodischer Bravour beehren werden, einem Sound, den die Welt von morgen unbedingt braucht!
Eines ist jedenfalls sicher, die Rockwelt von morgen wäre ohne BLACK MIRRORS ein einsamer Ort, und
mit Tomorrow Will Be Without Us hat sich die Band einen festen Platz in ihr verdient.

Mit 'Seeing the Elephant' haben THE OFFERING ein Album geschaffen, das so reichhaltig, abenteuerlich und gefühlvoll ist wie nichts anderes, das man in nächster Zeit hören wird. 'Seeing the Elephant' entstand während des Chaos der Proteste von 2020 und der darauffolgenden kulturellen Umwälzungen und ist ein herausforderndes (und letztendlich lohnendes) Album für extreme Zeiten. Auf dem Nachfolger des hochgelobten Debüts 'Home' von THE OFFERING aus dem Jahr 2019 startet die Band mit dem frenetischen, 7-minütigen Opener 'WASP' in eine politisch aufgeladene Hochphase und steigert dann die Dynamik und den Klang, indem sie sich durch elektronisch angehauchte Tracks wie 'With Consent' und das treibende 'Rose Fire' windet und mit dem epischen Abschlusstrack 'Esther Weeps' zu etwas Schönem und Erhabenem gelangt. Sänger Alex Richichi und Gitarrist Nishad George haben mit Hilfe von Mixer Zach Weeks (Kvelertak, The Armed) in den renommierten God City Studios in Salem, Massachusetts, ein neues Gerüst aus vergangenen Arbeiten konstruiert und THE OFFERING als eine Band bewiesen, die nicht nur die Norm herausfordert, sondern sie auch verfeinern und neu definieren wird. THE OFFERING 'Seeing the Elephant' ist erhältlich als: Standard CD Jewelcase, black LP, Digitales Album

Seit ihrem Durchbruch mit dem umjubelten Debütalbum Black Holes haben die Blue Stones mitreißende Live-Shows abgeliefert, die die Gesetze
der Physik außer Kraft setzen und allein durch die beiden Bandmitglieder einen unfassbar massiven Sound erzeugen.
Auf ihrem dritten Album Pretty Monster fängt das Duo das kontrollierte Chaos und die brennende Energie ihres Live-Sets zum ersten Mal vollständig
ein - und baut dabei auf dem starken Songwriting und dem klanglichen Einfallsreichtum auf, den sie auf Black Holes (eine Veröffentlichung aus dem
Jahr 2018, die ihnen eine JUNO-Award-Nominierung als "Breakthrough Group of the Year" einbrachte) und dem 2021 folgenden Hidden Gems (eine
JUNO-Nominierung als "Rock Album of the Year") gezeigt haben. Trotz des kolossalen Wachstums, das sie seit ihren Anfängen in den Spelunken ihrer
kleinen Heimatstadt erfahren haben, versprühen The Blue Stones in jedem Stück gleichermaßen ungebremste Leidenschaft und einen fröhlichen
Abenteuergeist.
Pretty Monster wurde hauptsächlich vom mehrfachen GRAMMY-Preisträger Joe Chiccarelli (The White Stripes, The Strokes, Spoon) produziert und
entstand in 35 aufeinanderfolgenden Aufnahmetagen in einem Studio in Kingston, Ontario. In dieser Zeit arbeiteten Sänger/Gitarrist Tarek Jafar und
Schlagzeuger/Backing-Sänger Justin Tessier unermüdlich daran, die rohe Vitalität der Demos des Albums zu bewahren und gleichzeitig jeden Song
mit so vielen unerwarteten Details zu versehen (düstere Beats, rastlose Grooves, elegant frenetische Texturen). Das Ergebnis ist ein triumphales
Werk, das sich von dem eher atmosphärischen Sound von Hidden Gems abhebt (ein weithin gelobtes Werk, das drei Top-5-Radiohits in Kanada
hervorbrachte) und die harte Dynamik des Rock'n'Roll mit den unauslöschlichen Ohrwürmern des Pop verbindet

RUBY THE HATCHET liefern mit "Fear Is a Cruel Master" genau das siedend heiße, eingängige und doch voller roher Energie steckende Killer-Album ab, das sein gefeierter Vorgänger "Planetary Space Child" (2017) versprochen hatte. Fünf lange Jahre hat sich die amerikanische Psych Rock Truppe aus New Jersey nach der Veröffentlichung ihrer letzten Scheibe Zeit gelassen, aber das sehnsüchtige Warten hat endlich ein Ende. RUBY THE HATCHET haben in ihrem kollektiven Songwriting einen neuen Gipfel erklommen. Dies hat sich die Ausnahmetruppe durch zahlreiche Opfer sowie einen eisernen Willen, sich erneut zu steigern, hart erkämpft. Der Albumtitel "Fear Is a Cruel Master" spiegelt die Stimmung der Zeit, in der die neuen Songs geschrieben wurden, perfekt wider. Sängerin Jill Taylor, Gitarrist Johnny Scarps, Schlagzeuger Owen Stewart, Bassist Lake Muir und Organist Sean Hur hatten sich längst daran gewöhnt, als Gruppe zusammenzuarbeiten. Doch während der Arbeit am neuen Album konnten sie nur wenig Zeit miteinander verbringen. "Ich habe während der Pandemie viel gelesen und bin dabei auf den Satz 'Angst ist ein grausamer Meister' "Fear Is a Cruel Master" gestoßen", erklärt Taylor. "In dieser Zeit wurde die Angst sichtbar und wie sie die Menschen zurückhielt. Der Titel hat einen Bezug zur Musikbranche, denn alle waren verunsichert - von den Bands über die Booking-Agenten bis hin zu den Clubs. Angst lag in der Luft". "Fear Is a Cruel Master" wurde zusammen mit Paul Ritchie (THE PARLOR MOB) im New Future in New Jersey aufgenommen und war nicht so akribisch durchgeplant wie RUBYs vorherige Alben. Die Band ließ bewusst mehr Spielraum für Spontaneität und magische Momente. Das Hauptthema von "Fear Is a Cruel Master" ist letztlich die Selbstreflexion. Obwohl die neuen Songs im Schmelztiegel einer weltumspannenden Pestilenz geschmiedet wurden, besitzen sie doch eine Zeitlosigkeit, die weit über den Moment ihrer Entstehung hinausreicht. Alles, was RUBY THE HATCHET zu einem so herausragenden und selbst bei ihren Kollegen äußersten beliebten Act macht, findet sich auf diesem Album - von Jills üppigem Gesang voll rauchigem Honig, über die psychedelischen, aber dennoch knackigen Gitarren, bis hin zum Spirit der Rock'n'Roll-Orgelhelden. "Fear Is a Cruel Master" ist definitiv ein Album, das von einer Band geschrieben wurde, die nach einem Jahrzehnt ohne Bedauern auf all die Momente zurückblickt, die sie gelebt oder nicht durchlebt hat. "Fear Is a Cruel Master" ist sowohl Ergebnis als auch Zeugnis dieser Reise. Es ist Zeit, sich auf den Weg zu machen, um RUBY THE HATCHET in ihrem ebenso beeindruckenden wie mächtigen klanglichen Kielwasser zu folgen.

JADED HEART melden sich mit ihrem neuen Album "Heart Attack" zurück, das stark vom Metal der 80er Jahre inspiriert wurde. Die Band achtete darauf, dass der Sound bei den Aufnahmen so natürlich, wie nur möglich, klang und verzichtete komplett auf Drum Samples oder den Einsatz von Computern.
"Heart Attack" ist ein sehr melodisches Album mit modernem Sound geworden, dem es dennoch nicht an der nötigen Härte fehlt. Dieses Mal hat die Band einige Songs zusammen mit Freunden geschrieben, konkret den Song "Right Now" zusammen mit Sascha Gerstner (Helloween) sowie den Song "Heart Attack" mit Rupert Keplinger (Eisbrecher).
Niklas Dahlin, seines Zeichens Gitarrist der schwedischen Power Metal Band Insania, hat auch ein Gitarrensolo zum Song "Right Now" beigesteuert.
Neben dem Digipak gibt es zwei limitierte LP-Versionen in Rot und Schwarz!

JADED HEART melden sich mit ihrem neuen Album "Heart Attack" zurück, das stark vom Metal der 80er Jahre inspiriert wurde. Die Band achtete darauf, dass der Sound bei den Aufnahmen so natürlich, wie nur möglich, klang und verzichtete komplett auf Drum Samples oder den Einsatz von Computern.
"Heart Attack" ist ein sehr melodisches Album mit modernem Sound geworden, dem es dennoch nicht an der nötigen Härte fehlt. Dieses Mal hat die Band einige Songs zusammen mit Freunden geschrieben, konkret den Song "Right Now" zusammen mit Sascha Gerstner (Helloween) sowie den Song "Heart Attack" mit Rupert Keplinger (Eisbrecher).
Niklas Dahlin, seines Zeichens Gitarrist der schwedischen Power Metal Band Insania, hat auch ein Gitarrensolo zum Song "Right Now" beigesteuert.
Neben dem Digipak gibt es zwei limitierte LP-Versionen in Rot und Schwarz!

Limitierte weißfarbige Vinyl-LP-Pressung. Version 2022. Skid Row sind darauf aus, ihren Rasen als Könige des Hard Rock zurückzuerobern und zu verkünden: The Gang's All Here! The Gang's All Here ist ein triumphierender Freudenschwur, voller euphorischer Energie, die uns nach mehr hungern lässt. Es ist der logische Sprung der nächsten Generation des charakteristischen Sounds der Band, der mit Sänger Erik Grönwall (ehemals von H.E.A.T., einem der besten Frontmänner dieser oder einer anderen Hardrock-Ära) neue Wege beschreitet. Produziert von Nick Raskulinecz, langjähriger Fan und gefragter Produzent (Foo Fighters, Rush, Alice In Chains, Halestorm, Evanescence), stehen Skid Row in Flammen. Sie werden wieder mit Energie versorgt, machen genau dort weiter, wo sie uns dazu gebracht haben, mehr zu wollen, und kicken ihren Sound bis hin zu modernen Hardrock-Königen.

Das zweite Album der Indie-Folk-Supergroup um Anaïs Mitchell ("eine der größten Songwriterinnen ihrer Generation" NPR), Eric D. Johnson (FRUIT BATS) und Josh Kaufman (THE WAR ON DRUGS, THE NATIONAL, TAYLOR SWIFT). Produziert von Bandmitglied Josh Kaufman, ist "Rolling Golden Holy" der Nachfolger ihres von der Kritik gefeierten, selbstbetitelten Debüts, das zwei GRAMMY-Nominierungen (Best Folk Album und Best American Roots Performance) erhielt und von u.a. Paste, MOJO, Uncut Magazine als eines der "Besten Alben des Jahres 2020" bezeichnet wurde. Falls sich das Debüt von Bonny Light Horseman jemals wie das Werk einer kurzlebigen Supergroup oder einer einmaligen Abwechslung angefühlt haben sollte (was sie nie war), widerlegt "Rolling Golden Holy" diese Vorstellung mit überirdischer Schönheit, Charme und Fantasie. Diese 11 Songs - allesamt Originale, geschrieben und realisiert vom Trio als Ganzes - folgen den Pfaden der traditionellen Melodien, die die Band schätzt, zu neuen musikalischen und lyrischen Grenzen, und geben den Klängen und Situationen der Geschichte die Schwere und Form der Gegenwart. "Rolling Golden Holy" bestätigt, dass es sich bei Bonny Light Horseman nicht um ein Projekt, sondern um eine Band handelt, die derzeit an der Speerspitze des modernen amerikanischen Folk arbeitet. Die ersten Schreibsitzungen von "Rolling Golden Holy" - und die beiden darauf folgenden Aufnahmesessions, zuerst in Aaron Dessners (THE NATIONAL) Long Pond Studio und dann in dem, was sie als ihr "spirituelles Zuhause" bezeichnen, der wunderschönen und buschigen alten Kirche namens Dreamland - waren eine Reihe von "Ja, und"-Treffen, bei denen jedes Mitglied die anderen ermutigte, eine Idee aufzugreifen und sie ein wenig weiterzuverfolgen, um die Komfortzonen zu überwinden. Auf "Rolling Golden Holy" stellt das Trio eine wesentliche Frage - und beantwortet sie mit jedem Stück: Wo hört die traditionelle Folkmusik auf und wo fängt die moderne Folkmusik an, falls es eine solche Abgrenzung überhaupt gibt? Diese Lieder suggerieren und verkörpern ständig ein unausgesprochenes Kontinuum. Hier zeigen sich BONNY LIGHT HORSEMAN in der vollen Pracht ihres Lebens als komplette Band.

Iggy Pop, Debbie Harry, Henry Rollins... nur einige der Punk-Ikonen, die sich tief beeindruckt gezeigt haben von The Bobby Lees aus Woodstock, N.Y. Sam Quartin Gesang, Gitarre, Macky Bowman Schlagzeug, Nick Casa [Gitarre] und Kendall Wind [Bass] machen Musik, die von Geist und Seele her Punk ist; ungezügelt und entschlossen ehrlich.

Ein selbst veröffentlichtes DIY-Album (Beauty Pageant) erschien 2018 und erregte die Aufmerksamkeit des Garage-Rock-Impresarios Jon Spencer, der daraufhin das 2020er Album Skin Suit produzierte.

Im Jahr 2022 machte sich die junge Band, nun road-erprobt und entschlossener denn je, nach Nashville auf in die Sputnik Sound Studios, um Bellevue aufzunehmen, ihr Debütalbum für Label Ipecac Recordings, live im Studio mit Produzent Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton, The Raconteurs).

Mit ihrem intelligenten und durchdachten Songwriting folgen The Bobby Lees ihrem Instinkt als Musiker und Freunde und arbeiten gemeinsam an der Entstehung der Songs. Der Sound ist düster, minimalistisch und viszeral, jeder Song eine Ode ans Außenseitertum.

Iggy Pop, Debbie Harry, Henry Rollins... nur einige der Punk-Ikonen, die sich tief beeindruckt gezeigt haben von The Bobby Lees aus Woodstock, N.Y. Sam Quartin Gesang, Gitarre, Macky Bowman Schlagzeug, Nick Casa Gitarre und Kendall Wind [Bass] machen Musik, die von Geist und Seele her Punk ist; ungezügelt und entschlossen ehrlich.

Ein selbst veröffentlichtes DIY-Album (Beauty Pageant) erschien 2018 und erregte die Aufmerksamkeit des Garage-Rock-Impresarios Jon Spencer, der daraufhin das 2020er Album Skin Suit produzierte.

Im Jahr 2022 machte sich die junge Band, nun road-erprobt und entschlossener denn je, nach Nashville auf in die Sputnik Sound Studios, um Bellevue aufzunehmen, ihr Debütalbum für Label Ipecac Recordings, live im Studio mit Produzent Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton, The Raconteurs).

Mit ihrem intelligenten und durchdachten Songwriting folgen The Bobby Lees ihrem Instinkt als Musiker und Freunde und arbeiten gemeinsam an der Entstehung der Songs. Der Sound ist düster, minimalistisch und viszeral, jeder Song eine Ode ans Außenseitertum.

Geboren in Ipswich, England, als Sohn eines Vaters, der beim Militär war, und einer Opernsängerin, verbrachte Bartees Leon Cox Jr. eine bewegte Kindheit, bevor er sich schließlich in Mustang, Oklahoma, niederließ. Bartees spielte in diversen Hardcore-Bands in Washington D.C. und Brooklyn, während er in der Regierung von Barack Obama und später in der Umweltbewegung arbeitete. Seitdem er seinen Weg als Solokünstler eingeschlagen hat, hat Bartees Strange zwei hochgelobte Platten in kurzer Folge veröffentlicht: eine EP, die Songs von The National neu interpretiert ("Say Goodbye To Pretty Boy", 2020) und sein Debütalbum "Live Forever" (2020). Während sein Debütalbum sich als persönliche Landkarte der Orte, die den Musiker geprägt haben (Flagey Brussels, Mustang Oklahoma) darstellte, stehen dieses Mal die Personen im Fokus, die Bartees am nächsten stehen und seine Reise bis hier hin mit ihm bestritten haben. Gleichzeitig hinterfragt sich der aufstrebende Musiker darauf stetig, um nicht seine eigene Herkunft zu vergessen. Somit zelebriert er auf 10 Songs die eigene Vergangenheit, richtet sich gen verheißungsvolle Zukunft und genießt den Augenblick.

Geboren in Ipswich, England, als Sohn eines Vaters, der beim Militär war, und einer Opernsängerin, verbrachte Bartees Leon Cox Jr. eine bewegte Kindheit, bevor er sich schließlich in Mustang, Oklahoma, niederließ. Bartees spielte in diversen Hardcore-Bands in Washington D.C. und Brooklyn, während er in der Regierung von Barack Obama und später in der Umweltbewegung arbeitete. Seitdem er seinen Weg als Solokünstler eingeschlagen hat, hat Bartees Strange zwei hochgelobte Platten in kurzer Folge veröffentlicht: eine EP, die Songs von The National neu interpretiert ("Say Goodbye To Pretty Boy", 2020) und sein Debütalbum "Live Forever" (2020). Während sein Debütalbum sich als persönliche Landkarte der Orte, die den Musiker geprägt haben (Flagey Brussels, Mustang Oklahoma) darstellte, stehen dieses Mal die Personen im Fokus, die Bartees am nächsten stehen und seine Reise bis hier hin mit ihm bestritten haben. Gleichzeitig hinterfragt sich der aufstrebende Musiker darauf stetig, um nicht seine eigene Herkunft zu vergessen. Somit zelebriert er auf 10 Songs die eigene Vergangenheit, richtet sich gen verheißungsvolle Zukunft und genießt den Augenblick.

Kinda Kinks ist das zweite Album der englischen Rockband the Kinks, das 1965 veröffentlicht wurde. Aufgenommen und veröffentlicht innerhalb von zwei Wochen nach der Rückkehr von einer Tournee in Asien. Das Album ist ein großer Schritt nach vorne in der Fähigkeiten von Ray Davies und der Band. Sie sicherten sich einen ersten Platz in den britischen Single-Charts mit "Tired of Waiting for You", das gesamte Album stieg auf #3. Ursprünglich veröffentlicht von Pye in Großbritannien am 5. März 1965 und jetzt von BMG auf schwerem
schwarzem Vinyl im Jahr 2022 wiederveröffentlicht.

Das Album enthält auch die Kult-Lieblingsstücke 'Look For Me Baby", "Come On Now", "Something Better Beginning" sowie sowie "Nothin' in This World Can Stop Me Worryin' 'Bout That Girl", mit dem sie in Sachen Ernsthaftigkeit ganz vorne in der der British Invasion in Bezug auf Ernsthaftigkeit und Komplexität, vor vor den Beatles oder fast allen anderen Mitbewerbern Konkurrenten Anfang 1965, aber das hinderte sie nicht dara zum bluesigen "Naggin' Woman" überzugehen.

Auf ‚Hurt & The Merciless' bannt das britische Soul/Rock Quartett The Heavy den Spirit ihrer gefeierten Liveperformances auf Platte!

The Heavy haben während der Vorbereitungen zu - Hurt & The Merciless', ihrem nunmehr vierten Album, schwere Zeiten durchlebt. Als wollten sie ihrem Bandnamen alle Ehre machen. Scheidung, Trennungen und alles, was der Alltag sonst noch an Steinen ins Flussbett des Lebens wirft, konnte die Band aus dem englischen Bath jedoch nicht davon abhalten, ihr bislang aufgedrehtestes und aufgekratztestes Album einzuspielen. Kelvin Swaby, Gitarrist Dan Taylor, Bassist Spencer Page und Drummer Chris Ellul hatten für das Album ein erklärtes Ziel: Sie wollten endlich den phänomenalen Furor ihrer Liveshows eins zu eins ins Studio übertragen. Tatsächlich lässt es das Quartett richtig krachen und die pure Rock'n'Roll gewordene Lebensfreude dringt hier bei jedem Song, jeder Performance durch die Poren.
Im Jahr 2009 war der Band mit der monströs guten Single - How You Like Me Now' der internationale Durchbruch gelungen. Wie populär der Song schließlich wurde, zeigte sich auch daran, dass er auf etlichen Filmsoundtracks, in Fernsehserien, Games und Werbespots auftauchte. - Hurt & The Merciless' markiert in seiner nahtlos verzahnten Mischung aus Rock'n'Roll-Klassizismen, Funk- und Soul-Grooves sowie feinen Zusätzen experimenteller Klangelemente den vorläufigen Höhepunkt im Schaffen dieser Band. Das Feuer ihrer Liveshows haben sie in ein knappes Dutzend ihrer bis dato besten Songs infiltriert. Sie klingen fürwahr gnadenlos gut. The Heavy dürften mit diesem furiosen Opus mehr denn je schwer angesagt sein.

2x LTD CLEAR VINYL
Limitiertes, durchsichtiges Doppelvinyl inklusive Downloadcode!

Grammygewinner RAC veröffentlicht sein lang erwartetes neues Album auf Counter Records!

Aufgenommen in Anjos' Heimstudio in Portland und bei Sessions in L.A., finden sich auf RAC's neuem Album Kollaborationen mit u.a. Rivers Cuomo von Weezer, Vampire Weekends Rostam, MNDR, ST. Lucia, KNA und Joywave. - EGO ist Anjos ambitioniertestes, geschlossenstes und persönlichstes Werk und zeigt deutlich seine organische Weiterentwicklung als Künstler auf. Geboren und aufgewachsen in Portugal, lernte Anjos in seiner Jugend Klavier und Gitarre und spielte in lokalen Bands. Später zog er in die USA, um Musikbusiness am Greenville College in Illinois zu studieren, bevor er sich in Portland, Oregon, niederließ. Anjos gründete RAC im Schlafzimmer seines Studentenwohnheims und gewann fortan ein stetig wachsendes Publikum für sich, wodurch offizielle Remix-Aufträge für u.a. Lana del Rey, Yeah Yeah Yeahs, Ellie Goulding, Foster The People, Phoenix, Imagine Dragons, Two Door Cinema Club und The Shins enstanden. Seine erste Grammy-Nominierung erhielt Anjos schon 2016 für seinen Remix von ODESZAs - Say My Name und bei den diesjährigen Verleihungen gewann er mit seinem Remix für Bob Moses' - Tearing Me Up .

Mit seinem ersten Song, - Hollywood , begann RAC 2012 eigenes Material zu veröffentlichen und unterstrich mit seinem Debütalbum - Strangers von 2014 seinen Qualitäten als Songwriter. Darauf enthalten waren die Singles - Let Go mit Kele von Bloc Party und MNDR sowie - Cheap Sunglasses mit Matthew Koma. Außerdem absolvierte er bereits gefeierte Auftritte auf den weltbekannten Festivals Coachella, Electric Zoo und Lollapalooza.

Orphaned Land, eine der revolutionärsten Bands in der Geschichte der Heavy Music, sind eine unaufhaltsame Kraft. Gegründet 1991 in Israel, haben diese selbsternannten 'Oriental Metal'-Künstler die letzten 30 Jahre unermüdlich daran gearbeitet, ihre kreativen Bemühungen als Mittel zur Verbreitung einer positiven und friedlichen Botschaft zu nutzen. Im Laufe von sechs konzeptionell tiefgründigen und musikalisch genialen Alben ist die Band ihrem Wort treu geblieben und hat Fans im gesamten Nahen Osten und darüber hinaus vereint, unabhängig von Nation, Aussehen oder Glauben. Orphaned Lands fünftes Studioalbum 'All Is One' - ursprünglich 2013 veröffentlicht - wird als Gatefold-180g-Doppel-LP mit einem erweiterten Booklet erhältlich sein, das von Frontmann Kobi Farhi selbst verfasste Linernotes und zwei spezielle Bonussongs enthält.

Das 11 Tracks umfassende neunte Studio-Album der
legendären britischen Pop-Band Suede um den
charismatischen Sänger Brett Anderson, wurde von dem
langjährigen Suede-Mitarbeiter Ed Buller produziert, die
Gruppe ging "zurück zu den Grundlagen" und arbeitete in
einem Aufnahmestudio im Londoner Stadtteil Kings Cross
daran. Anlässlich der Ankündigung des Albums hat die
Band den Titelsong "She Still Leads Me On"
veröffentlicht. "Autofiction" ist der Nachfolger des 2018er
Albums "Blue Hour" und erscheint auf CD, LP und streng
limitiertem Box Set incl. LP, CD, Signed Setlist, Stencils,
Poster und Postkarten.

Das 11 Tracks umfassende neunte Studio-Album der
legendären britischen Pop-Band Suede um den
charismatischen Sänger Brett Anderson, wurde von dem
langjährigen Suede-Mitarbeiter Ed Buller produziert, die
Gruppe ging "zurück zu den Grundlagen" und arbeitete in
einem Aufnahmestudio im Londoner Stadtteil Kings Cross
daran. Anlässlich der Ankündigung des Albums hat die
Band den Titelsong "She Still Leads Me On"
veröffentlicht. "Autofiction" ist der Nachfolger des 2018er
Albums "Blue Hour" und erscheint auf CD, LP und streng
limitiertem Box Set incl. LP, CD, Signed Setlist, Stencils,
Poster und Postkarten.

Das neue Album "SPARK" stellt WHITNEY als zeitgemäßes Syndikat des klassischen Pops vor, dessen Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks bezaubernde Melodien um Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppige Electronic-Elemente wickeln. So überraschend es auch klingen mag - "SPARK" ist für WHITNEY weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn man aus der Vergangenheit in die Gegenwart aufbricht, wenn man die nächsten Schritte im Leben und in der Karriere auf einmal und ganz ohne Entschuldigung macht. "SPARK" behält dabei jedoch die Wärme und Leichtigkeit von WHITNEYs früheren Werken bei. Diese Songs glühen mit der Neuheit des Hier und Jetzt. Die Anfänge von "SPARK" gehen auf den Überraschungserfolg von WHITNEYs Debütalbum "Light Upon the Lake" aus dem Jahr 2016 zurück. Die sanft verzerrten Psych-Folk-Träume fanden schneller ein breites Publikum, als die beiden je erwartet hatten. Nach Jahren des ununterbrochenen Tourens fühlten sie sich gezwungen, denselben Sound auch für ihren Zweitling "Forever Turned Around" (2019) zu verwenden. Je weiter die Aufnahmesessions voranschritten, desto mühsamer wurden diese, da Julien und Max daran arbeiteten, Versionen von sich selbst zu sein, die sie nicht mehr waren; um Songs in einer Form zu schreiben, die einfach nicht mehr passte. Es fühlte sich nicht mehr wie ihre Musik an, sondern lediglich wie ein Überbleibsel ihrer anfänglichen Begeisterung. Sie hatten kaum genug Material oder Energie, um fertig zu werden. Max und Julien wussten, dass eine drastische Veränderung notwendig war, aber sie hätten nie gedacht, dass Lockdowns im Zuge der Pandemie dies erleichtern würden. Wochen nachdem Julien nach dem Ende einer jahrelangen Beziehung nach Portland gezogen war, um einen klaren Kopf zu bekommen, folgte ihm Max in der Hoffnung, mit seinem besten Freund und Co-Autor dem langen Winter in Chicago zu entkommen. Vier Tage später wurden die Flüge gestrichen. Anstehende Tourneen wurden abgesagt. In den nächsten 14 Monaten arbeitete die Band mit einem Eifer und einer Entschlossenheit, die an ihre Anfänge erinnerten, bevor der Erfolg die Erwartungen bestimmte. Aufgenommen in Texas mit den Produzenten Brad Cook und John Congleton ist "SPARK" ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung geworden, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite zu tragen.

Das neue Album "SPARK" stellt WHITNEY als zeitgemäßes Syndikat des klassischen Pops vor, dessen Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks bezaubernde Melodien um Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppige Electronic-Elemente wickeln. So überraschend es auch klingen mag - "SPARK" ist für WHITNEY weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn man aus der Vergangenheit in die Gegenwart aufbricht, wenn man die nächsten Schritte im Leben und in der Karriere auf einmal und ganz ohne Entschuldigung macht. "SPARK" behält dabei jedoch die Wärme und Leichtigkeit von WHITNEYs früheren Werken bei. Diese Songs glühen mit der Neuheit des Hier und Jetzt. Die Anfänge von "SPARK" gehen auf den Überraschungserfolg von WHITNEYs Debütalbum "Light Upon the Lake" aus dem Jahr 2016 zurück. Die sanft verzerrten Psych-Folk-Träume fanden schneller ein breites Publikum, als die beiden je erwartet hatten. Nach Jahren des ununterbrochenen Tourens fühlten sie sich gezwungen, denselben Sound auch für ihren Zweitling "Forever Turned Around" (2019) zu verwenden. Je weiter die Aufnahmesessions voranschritten, desto mühsamer wurden diese, da Julien und Max daran arbeiteten, Versionen von sich selbst zu sein, die sie nicht mehr waren; um Songs in einer Form zu schreiben, die einfach nicht mehr passte. Es fühlte sich nicht mehr wie ihre Musik an, sondern lediglich wie ein Überbleibsel ihrer anfänglichen Begeisterung. Sie hatten kaum genug Material oder Energie, um fertig zu werden. Max und Julien wussten, dass eine drastische Veränderung notwendig war, aber sie hätten nie gedacht, dass Lockdowns im Zuge der Pandemie dies erleichtern würden. Wochen nachdem Julien nach dem Ende einer jahrelangen Beziehung nach Portland gezogen war, um einen klaren Kopf zu bekommen, folgte ihm Max in der Hoffnung, mit seinem besten Freund und Co-Autor dem langen Winter in Chicago zu entkommen. Vier Tage später wurden die Flüge gestrichen. Anstehende Tourneen wurden abgesagt. In den nächsten 14 Monaten arbeitete die Band mit einem Eifer und einer Entschlossenheit, die an ihre Anfänge erinnerten, bevor der Erfolg die Erwartungen bestimmte. Aufgenommen in Texas mit den Produzenten Brad Cook und John Congleton ist "SPARK" ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung geworden, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite zu tragen.

Das neue Album "SPARK" stellt WHITNEY als zeitgemäßes Syndikat des klassischen Pops vor, dessen Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks bezaubernde Melodien um Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppige Electronic-Elemente wickeln. So überraschend es auch klingen mag - "SPARK" ist für WHITNEY weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn man aus der Vergangenheit in die Gegenwart aufbricht, wenn man die nächsten Schritte im Leben und in der Karriere auf einmal und ganz ohne Entschuldigung macht. "SPARK" behält dabei jedoch die Wärme und Leichtigkeit von WHITNEYs früheren Werken bei. Diese Songs glühen mit der Neuheit des Hier und Jetzt. Die Anfänge von "SPARK" gehen auf den Überraschungserfolg von WHITNEYs Debütalbum "Light Upon the Lake" aus dem Jahr 2016 zurück. Die sanft verzerrten Psych-Folk-Träume fanden schneller ein breites Publikum, als die beiden je erwartet hatten. Nach Jahren des ununterbrochenen Tourens fühlten sie sich gezwungen, denselben Sound auch für ihren Zweitling "Forever Turned Around" (2019) zu verwenden. Je weiter die Aufnahmesessions voranschritten, desto mühsamer wurden diese, da Julien und Max daran arbeiteten, Versionen von sich selbst zu sein, die sie nicht mehr waren; um Songs in einer Form zu schreiben, die einfach nicht mehr passte. Es fühlte sich nicht mehr wie ihre Musik an, sondern lediglich wie ein Überbleibsel ihrer anfänglichen Begeisterung. Sie hatten kaum genug Material oder Energie, um fertig zu werden. Max und Julien wussten, dass eine drastische Veränderung notwendig war, aber sie hätten nie gedacht, dass Lockdowns im Zuge der Pandemie dies erleichtern würden. Wochen nachdem Julien nach dem Ende einer jahrelangen Beziehung nach Portland gezogen war, um einen klaren Kopf zu bekommen, folgte ihm Max in der Hoffnung, mit seinem besten Freund und Co-Autor dem langen Winter in Chicago zu entkommen. Vier Tage später wurden die Flüge gestrichen. Anstehende Tourneen wurden abgesagt. In den nächsten 14 Monaten arbeitete die Band mit einem Eifer und einer Entschlossenheit, die an ihre Anfänge erinnerten, bevor der Erfolg die Erwartungen bestimmte. Aufgenommen in Texas mit den Produzenten Brad Cook und John Congleton ist "SPARK" ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung geworden, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite zu tragen.

"KNOW YOUR ENEMY" NEU GEMISCHT, REKONSTRUIERT UND WIE URSPRÜNGLICH VORGESEHEN IN ZWEI SEPARATEN ALBEN NEU VERÖFFENTLICHT: "SOLIDARITY" UND "DOOR TO THE RIVER"Nach dem Erfolg von "This Is My Truth Tell Me Yours" aus dem Jahr 1998 planten Manic Street Preachers ein ehrgeiziges Nachfolgeralbum, das in Form von zwei eigenständigen Alben veröffentlicht werden sollte: eine aggressive, rasante Rückkehr zu ihren Wurzeln namens "Solidarity" und "Door To The River", eine eher versöhnliche, nachdenkliche Kollektion. Während der Aufnahmesessions bekam die Band kalte Füße und entschied sich für ein einziges Album, das sie nun dazu zwang widersprüchliche Ideen nebeneinander auf ein und derselben Platte zu platzieren.Während er das Archiv der Band durchstöberte, um eine Jubiläumsversion von "Know Your Enemy" zusammenzustellen, fand Nicky Wire die Originalbänder von "Solidarity" und "Door To The River", die er während dieser Aufnahme im Studio gemacht hatte. Als er die Idee vorbrachte, diese Platten neu zu erstellen, stimmte James Dean Bradfield unter der Bedingung zu, dass er die gesamte Aufnahme mit dem langjährigen Studiopartner der Band, Dave Eringa, remixen könnte.Der Schreiber und langjährige Mitstreiter der Band, Robin Turner, erklärt in seinen ausführlichen Notizen auf den Sleeves, dass diese Veröffentlichung "der Director's Cut von 'Know Your Enemy' ist. Das Bild wurde sorgfältig restauriert, aufgeräumt, aufgehellt. Obwohl es nicht darauf abzielt, das Original zu ersetzen, erweitert es dies auf jeden Fall."Dieses Set enthält die beiden angestrebten vollständigen Platten, plus Demos, Outtakes, unbenutzte Mixe von Tom Lord-Alge und Tracks, die auf dem Original "Know Your Enemy" enthalten sind, sowie bisher unveröffentlichte Fotos von den Aufnahmesessions, die von Mitch Ikeda, einem festen Kollaborateur, aufgenommen wurden.