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Zum 10-jährigen Bandbestehen schenken sich die Jungs des Turbo Rock Trios Balls Gone Wild selber ein Album mit 11 Songs voller Power, Melody und vor allem Hooks, Hooks, Hooks.

"Stay Wild“ heißt das neue Album des Turbo Rock Trios BALLS GONE WILD, das am 22.07.2022 das Licht der Welt erblicken wird. Zum 10-jährigen Bandbestehen schenken sich die Jungs selber ein Album mit 11 Songs voller Power, Melody und vor allem Hooks, Hooks, Hooks.Der Hörer merkt sofort, dass hier drei Jungs ans Werk gegangen sind, die wissen wie man sein Instrument hält. Spielfreude und gute Laune tropfen einem aus jeder Pore entgegen, wenn man die Songs auflegt und ordentlich aufdreht.
BALLS GONE WILD – Das ist der Punk und Hardrock Sound der 70er und 80er Jahre mit frischem Wind im Hier und Jetzt! Der Geruch von Bier liegt in der Luft und es klingt nach dem Resultat einer außerehelichen Liaison von Motörhead und AC/DC - Also… LAUT HÖREN!!!

Little Bihlman ist ein mit dem Emmy Award ausgezeichneter Singer-Songwriter, der schon mit legendären Künstlern wie John Fogerty, Trey Anastasio (Phish), Dug Pinnick (King's X) und dem legendären Blueser Son Seals gearbeitet hat und mit seinem Solo Album einen zeitgemäßen und doch sofortigen 10-Song-Klassiker abliefert.

Little Bihlman ist ein mit dem Emmy Award ausgezeichneter Singer-Songwriter, der mit "The Legend Of Hipster Billings" ein Americana beeinflusstes Rockalbum vorlegt.
Die originellen Songs und Geschichten sind geschnitzt aus den Kämpfen und Triumphen des Lebens, inspiriert von Motorrädern, Sonnenschein, Kaffee, Staub, Whiskey, Regen, Tattoos, Narben, Benzin und Herzschmerz. "The Legend of Hipster Billings" lädt ein zu einer musikalischen Reise durch das Herzland Amerikas ein. Von Chicago, nach Nashville über den großen Mississippi in die Badlands von Dakota, hinauf in die majestätischen Berge von Utah und hinunter in die Lichter der Großstadt Las Vegas.
"The Legend of Hipster Billings" wurde aufgenommen und produziert von Miles Fulwider (Wynton Marsalis, Willie Nelson, Norah Jones und Chick Corea) ud Andrew Glasmacher. Little selbst blickt auf seine eigene persönlichen Reise sowie auf die Zusammenarbeit mit so herrausragdenden Künstlern wie John Fogerty, Trey Anastasio (Phish), Dug Pinnick (King's X) und dem legendären Bluesman Son Seals.
Little gibt dem Americana-Rock eine neue, zeitgemäße Note, indem er tiefgründige Texte, dreckige Gitarrenriffs, Gospel-Harmonien und mitreißende Grooves zum Einsatz bringt, welche diesem Album eine besondere Kraft verleiht.
Bihlman's Songs verkörpern eine authentische Annäherung an die Essenz von Herz und Seele, welche uns alle zusammenhält.
Während seiner bisherigen Karriere war Little mit mehr als 50 Songs in TV/Filmen weltweit. Dabei so große Sender wie FOX, ABC, CBS und Netflix. Darunter die preisgekrönten Serien "Sons of Anarchy", "Days of Our Lives" und kürzlich "Big Sky".
Little Bihlman hat sich einen Weg über den amerikanischen Rock-Highway gebahnt und sich als vielseitiger Musiker und Singer-Songwriter etabliert. Als Tournee-Veteran hat Little mit vielen der großen Rock- und Blues-Legenden an weltberühmten Orten gespielt, darunter das Weiße Haus mit dem legendären Bluesman Son Seals. Im Laufe der Jahre hat Little mit Grammy-prämierten Produzenten wie Jim Gaines (Journey, Stevie Ray Vaughan, Huey Lewis ), Roy Thomas Baker (Queen, The Cars) und Bruce Robb (Cherokee Studios) gearbeitet, um nur einige zu nennen.
Die Songs auf diesem Album tragen Geschichten in sich, welche sich beim Hören auf mysteriöse und wunderbare Art entfalten.

"Big Time" entstand mit einem Peitschenhieb in den seltenen, fruchtbaren Momenten, in denen sowohl frische Trauer als auch frische Liebe gleichzeitig auftreten, in denen sich Kummer und Verliebtheit gegenseitig verstärken, verkomplizieren und erklären. Verlust ist schon immer ein Thema in Olsens Songs gewesen, aber nur wenige können Elegien mit einer derart rücksichtslosen Energie schreiben, wie sie. Wenn diese aus allen Nähten platzende, bergab rasende Energie für ihre Arbeit unüberwindbar schien, beweist "Big Time", dass Olsen jetzt von einem verwurzelteren Ort der Klarheit aus schreibt. Dabei arbeitet sie mit einer elastischen Beherrschung ihrer Stimme - sowohl klanglich als auch künstlerisch. In diesen Liedern geht es nicht nur um die Transformation von Trauer, sondern auch darum, Freiheit und Freude in den Entbehrungen zu finden, die diese mit sich bringen. "Big Time" ist ein Album über die expansive Kraft der neuen Liebe, geschrieben in der Zeit, als Angel Olsen sich als queer outete und ihre ersten Erfahrungen mit queerer Liebe und Herzschmerz machte. Aber dieser Glanz und Optimismus wird durch ein tiefes und vielschichtiges Gefühl von Verlust gemildert. Während Olsens Prozess der Auseinandersetzung mit ihrem Queer-Sein und der Konfrontation mit den Traumata, die sie davon abgehalten hatten, sich selbst voll und ganz zu akzeptieren, fühlte sie, dass es an der Zeit war, sich ihren Eltern gegenüber zu outen - eine Hürde, die sie eine Zeit lang vermieden hatte. "Some experiences just make you feel as though you're five years old, no matter how wise or adult you think you are", schreibt sie über diese Zeit. Nach diesem tränenreichen, aber erleichternden Gespräch feierte sie mit ihrem/ihrer Partner*in, ihren Freund*innen, mit Austern und Wein. "Finally, at the ripe age of 34, I was free to be me." Drei Tage später starb ihr Vater, dessen Beerdigung Olsen zum Anlass nahm, den/die Partner*in ihrer Familie vorzustellen. Nur zwei Wochen später erhielt Olsen den Anruf, dass ihre Mutter in der Notaufnahme lag. Eine Zeit im Hospiz kam bald darauf, und eine zweite Beerdigung folgte kurz nach der ersten. Eine weitere Reise zurück nach St. Louis, eine weitere Trauerbewältigung, eine weitere Vertiefung und Intensivierung dieser noch jungen Liebe. Drei Wochen nach der Beerdigung ihrer Mutter war Olsen im Studio, um dieses unglaublich weise und zärtliche neue Album "Big Time" aufzunehmen. Ausgelassene Anspielungen an Tammy Wynette und Kitty Wells tauchen auf "Big Time" ebenso auf wie die komplexen Orchestrationen ihres genreübergreifenden 2019er Albums "All Mirrors". Während jenes Album voller dramatischer Veränderungen und Wendungen war, liegen die Überraschungen hier in ihrer Einfachheit - ein langsames Anschwellen der Streicher, eine Instrumentierung, die wie ein Sturm zyklisch ist, oder funkelnde Hörner in einer lichtdurchfluteten Break-up-Ballade, während kaum ein Synthesizer in Sicht ist. "Big Time" wurde zusammen mit dem Co-Produzenten Jonathan Wilson in seinen Fivestar Studios in Topanga, Kalifornien, aufgenommen und gemischt. Drew Erickson spielte Klavier, Orgel und kümmerte sich um die Streicherarrangements. Olsens langjährige Bandkollegin Emily Elhaj spielte durchgehend den Bass.

"Big Time" entstand mit einem Peitschenhieb in den seltenen, fruchtbaren Momenten, in denen sowohl frische Trauer als auch frische Liebe gleichzeitig auftreten, in denen sich Kummer und Verliebtheit gegenseitig verstärken, verkomplizieren und erklären. Verlust ist schon immer ein Thema in Olsens Songs gewesen, aber nur wenige können Elegien mit einer derart rücksichtslosen Energie schreiben, wie sie. Wenn diese aus allen Nähten platzende, bergab rasende Energie für ihre Arbeit unüberwindbar schien, beweist "Big Time", dass Olsen jetzt von einem verwurzelteren Ort der Klarheit aus schreibt. Dabei arbeitet sie mit einer elastischen Beherrschung ihrer Stimme - sowohl klanglich als auch künstlerisch. In diesen Liedern geht es nicht nur um die Transformation von Trauer, sondern auch darum, Freiheit und Freude in den Entbehrungen zu finden, die diese mit sich bringen. "Big Time" ist ein Album über die expansive Kraft der neuen Liebe, geschrieben in der Zeit, als Angel Olsen sich als queer outete und ihre ersten Erfahrungen mit queerer Liebe und Herzschmerz machte. Aber dieser Glanz und Optimismus wird durch ein tiefes und vielschichtiges Gefühl von Verlust gemildert. Während Olsens Prozess der Auseinandersetzung mit ihrem Queer-Sein und der Konfrontation mit den Traumata, die sie davon abgehalten hatten, sich selbst voll und ganz zu akzeptieren, fühlte sie, dass es an der Zeit war, sich ihren Eltern gegenüber zu outen - eine Hürde, die sie eine Zeit lang vermieden hatte. "Some experiences just make you feel as though you're five years old, no matter how wise or adult you think you are", schreibt sie über diese Zeit. Nach diesem tränenreichen, aber erleichternden Gespräch feierte sie mit ihrem/ihrer Partner*in, ihren Freund*innen, mit Austern und Wein. "Finally, at the ripe age of 34, I was free to be me." Drei Tage später starb ihr Vater, dessen Beerdigung Olsen zum Anlass nahm, den/die Partner*in ihrer Familie vorzustellen. Nur zwei Wochen später erhielt Olsen den Anruf, dass ihre Mutter in der Notaufnahme lag. Eine Zeit im Hospiz kam bald darauf, und eine zweite Beerdigung folgte kurz nach der ersten. Eine weitere Reise zurück nach St. Louis, eine weitere Trauerbewältigung, eine weitere Vertiefung und Intensivierung dieser noch jungen Liebe. Drei Wochen nach der Beerdigung ihrer Mutter war Olsen im Studio, um dieses unglaublich weise und zärtliche neue Album "Big Time" aufzunehmen. Ausgelassene Anspielungen an Tammy Wynette und Kitty Wells tauchen auf "Big Time" ebenso auf wie die komplexen Orchestrationen ihres genreübergreifenden 2019er Albums "All Mirrors". Während jenes Album voller dramatischer Veränderungen und Wendungen war, liegen die Überraschungen hier in ihrer Einfachheit - ein langsames Anschwellen der Streicher, eine Instrumentierung, die wie ein Sturm zyklisch ist, oder funkelnde Hörner in einer lichtdurchfluteten Break-up-Ballade, während kaum ein Synthesizer in Sicht ist. "Big Time" wurde zusammen mit dem Co-Produzenten Jonathan Wilson in seinen Fivestar Studios in Topanga, Kalifornien, aufgenommen und gemischt. Drew Erickson spielte Klavier, Orgel und kümmerte sich um die Streicherarrangements. Olsens langjährige Bandkollegin Emily Elhaj spielte durchgehend den Bass.

"Big Time" entstand mit einem Peitschenhieb in den seltenen, fruchtbaren Momenten, in denen sowohl frische Trauer als auch frische Liebe gleichzeitig auftreten, in denen sich Kummer und Verliebtheit gegenseitig verstärken, verkomplizieren und erklären. Verlust ist schon immer ein Thema in Olsens Songs gewesen, aber nur wenige können Elegien mit einer derart rücksichtslosen Energie schreiben, wie sie. Wenn diese aus allen Nähten platzende, bergab rasende Energie für ihre Arbeit unüberwindbar schien, beweist "Big Time", dass Olsen jetzt von einem verwurzelteren Ort der Klarheit aus schreibt. Dabei arbeitet sie mit einer elastischen Beherrschung ihrer Stimme - sowohl klanglich als auch künstlerisch. In diesen Liedern geht es nicht nur um die Transformation von Trauer, sondern auch darum, Freiheit und Freude in den Entbehrungen zu finden, die diese mit sich bringen. "Big Time" ist ein Album über die expansive Kraft der neuen Liebe, geschrieben in der Zeit, als Angel Olsen sich als queer outete und ihre ersten Erfahrungen mit queerer Liebe und Herzschmerz machte. Aber dieser Glanz und Optimismus wird durch ein tiefes und vielschichtiges Gefühl von Verlust gemildert. Während Olsens Prozess der Auseinandersetzung mit ihrem Queer-Sein und der Konfrontation mit den Traumata, die sie davon abgehalten hatten, sich selbst voll und ganz zu akzeptieren, fühlte sie, dass es an der Zeit war, sich ihren Eltern gegenüber zu outen - eine Hürde, die sie eine Zeit lang vermieden hatte. "Some experiences just make you feel as though you're five years old, no matter how wise or adult you think you are", schreibt sie über diese Zeit. Nach diesem tränenreichen, aber erleichternden Gespräch feierte sie mit ihrem/ihrer Partner*in, ihren Freund*innen, mit Austern und Wein. "Finally, at the ripe age of 34, I was free to be me." Drei Tage später starb ihr Vater, dessen Beerdigung Olsen zum Anlass nahm, den/die Partner*in ihrer Familie vorzustellen. Nur zwei Wochen später erhielt Olsen den Anruf, dass ihre Mutter in der Notaufnahme lag. Eine Zeit im Hospiz kam bald darauf, und eine zweite Beerdigung folgte kurz nach der ersten. Eine weitere Reise zurück nach St. Louis, eine weitere Trauerbewältigung, eine weitere Vertiefung und Intensivierung dieser noch jungen Liebe. Drei Wochen nach der Beerdigung ihrer Mutter war Olsen im Studio, um dieses unglaublich weise und zärtliche neue Album "Big Time" aufzunehmen. Ausgelassene Anspielungen an Tammy Wynette und Kitty Wells tauchen auf "Big Time" ebenso auf wie die komplexen Orchestrationen ihres genreübergreifenden 2019er Albums "All Mirrors". Während jenes Album voller dramatischer Veränderungen und Wendungen war, liegen die Überraschungen hier in ihrer Einfachheit - ein langsames Anschwellen der Streicher, eine Instrumentierung, die wie ein Sturm zyklisch ist, oder funkelnde Hörner in einer lichtdurchfluteten Break-up-Ballade, während kaum ein Synthesizer in Sicht ist. "Big Time" wurde zusammen mit dem Co-Produzenten Jonathan Wilson in seinen Fivestar Studios in Topanga, Kalifornien, aufgenommen und gemischt. Drew Erickson spielte Klavier, Orgel und kümmerte sich um die Streicherarrangements. Olsens langjährige Bandkollegin Emily Elhaj spielte durchgehend den Bass.

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.

"Stand in Your Light" ist eine Herzensangelegenheit. Die Liebe zur Musik und die Leidenschaft für Rock tropft bittersüß aus jeder Honigwabe der getragenen Melodien, die VENUS PRINCIPLE für ihr Debüt geschaffen haben. Obwohl es sich um den Erstling des britisch-schwedischen Kollektivs handelt, lässt sich die Reife und hart erarbeitete Erfahrung der beteiligten Veteranen aus jeder dieser Hymnen für die Geschundenen und Geplagten klar heraushören. Im Zentrum von "Stand in Your Light" steht der klassische Rock, dem VENUS PRINCIPLE jedoch ihren eigenen Stempel aufdrücken. Dabei treten besonders die Elemente Dunkelheit und Schmerz hervor, die eine schreckliche musikalische Schönheit erzeugen. Doch ebenso wie es keinen Schatten ohne Licht gibt, liefern die britisch-schwedischen Musiker als Kontrast auch zarte Momente der Hoffnung und Wärme. Gerade in diesen scheinbaren Widersprüchen schimmert aus "Stand in Your Light" der Metal-Aspekt einiger beteiligter Musiker durch und bietet Balsam für die Wunde, die das Ende von ANATHEMA geschlagen hat. VENUS PRINCIPLE wurden im Herbst 2019 gegründet, nachdem sich mehrere ihrer Mitglieder von CRIPPLED BLACK PHOENIX getrennt hatten. Da sich trotz der Trennung ihre Liebe zum dunklen, melodischen Art-Rock und zur psychedelische Musik aber keineswegs erkaltet hatte, beschloss die Gruppe enger Freunde noch weitere gute Bekannte zu rekrutieren, unter denen sich aktive und ehemalige Mitglieder von AT THE GATES, ISON, TACOMA NARROWS BRIDGE DISASTER und LOUISE LEMÓN befanden. Damit war die neue Rockband VENUS PRINCIPLE geboren. Obwohl "Stand in Your Light" ganz am Anfang einer langen Karriere steht, liefern VENUS PRINCIPLE bereits ein ausgereiftes Meisterwerk ab. Dieses Album vollbringt das schwierige Kunststück, die Anhänger von Rock und Metal gleichermaßen zu begeistern.

"Stand in Your Light" ist eine Herzensangelegenheit. Die Liebe zur Musik und die Leidenschaft für Rock tropft bittersüß aus jeder Honigwabe der getragenen Melodien, die VENUS PRINCIPLE für ihr Debüt geschaffen haben. Obwohl es sich um den Erstling des britisch-schwedischen Kollektivs handelt, lässt sich die Reife und hart erarbeitete Erfahrung der beteiligten Veteranen aus jeder dieser Hymnen für die Geschundenen und Geplagten klar heraushören. Im Zentrum von "Stand in Your Light" steht der klassische Rock, dem VENUS PRINCIPLE jedoch ihren eigenen Stempel aufdrücken. Dabei treten besonders die Elemente Dunkelheit und Schmerz hervor, die eine schreckliche musikalische Schönheit erzeugen. Doch ebenso wie es keinen Schatten ohne Licht gibt, liefern die britisch-schwedischen Musiker als Kontrast auch zarte Momente der Hoffnung und Wärme. Gerade in diesen scheinbaren Widersprüchen schimmert aus "Stand in Your Light" der Metal-Aspekt einiger beteiligter Musiker durch und bietet Balsam für die Wunde, die das Ende von ANATHEMA geschlagen hat. VENUS PRINCIPLE wurden im Herbst 2019 gegründet, nachdem sich mehrere ihrer Mitglieder von CRIPPLED BLACK PHOENIX getrennt hatten. Da sich trotz der Trennung ihre Liebe zum dunklen, melodischen Art-Rock und zur psychedelische Musik aber keineswegs erkaltet hatte, beschloss die Gruppe enger Freunde noch weitere gute Bekannte zu rekrutieren, unter denen sich aktive und ehemalige Mitglieder von AT THE GATES, ISON, TACOMA NARROWS BRIDGE DISASTER und LOUISE LEMÓN befanden. Damit war die neue Rockband VENUS PRINCIPLE geboren. Obwohl "Stand in Your Light" ganz am Anfang einer langen Karriere steht, liefern VENUS PRINCIPLE bereits ein ausgereiftes Meisterwerk ab. Dieses Album vollbringt das schwierige Kunststück, die Anhänger von Rock und Metal gleichermaßen zu begeistern.

After the 2020 album "Lieder Für Geometrische Stunden", Sankt Otten finally make us happy again with a new release at the beginning of 2022. "Symmetrie Und Wahnsinn" (Symmetry and madness) fits here skillfully, both creatively and musically, in an album series with geometric context.

The album starts unusually buoyant with "Hymne Der Melancholischen Programmierer" (Hymn for sentimental programmers). A Kraut-Pop pearl, which could go on forever with its Motorik swing and with its catchy melody the track doesn't come across as melancholic as the song title predicts. You have to listen twice to not succumb to the illusion that it was composed in Düsseldorf at the end of the seventies. Here (and on the track "Sei Symmetrisch Zu Mir"), Sankt Otten were supported in the studio by drummer friend DIRK PELLMANN.

The drum machine in rumbling funky mode. "Die Glücklichen Unglücklichen", the secret hit of the album? They bend the beat into geometric shapes, let the bass play in circles and cover the song with ghostly choirs. The echo of a spinett-like sound overlays the sound, spitting out a deceptively cuddly dream world.

The 10 minute long "Die Ordnung Des Lärms" could be called an Ambient-Kraut symphony without hesitation. An enormous swelling to ecstasy, a guitar sings distantly in the background. Silence. Synthetic strings pave the way and are supported by choirs. A crackle that suggests a rhythm until it is taken over by a drum computer in the main part of the track. Bombastic mountains of synthesizers pile up and yet a catchy melody finds its way through this mishmash of hypnotic electronics. Fourth movement - Kosmische-choirs in suspension over a bass synth and an Ebow guitar. Is this already Prog-Rock? The question doesn't arise, in the end everything merges into reverb. "Luftspiegelung Der Sentimentalitäten" begins cautiously with a gentle sequence and a discreet kick drum. The mini-Moog sounds like a guitar. Anyway. A surface floats by and returns, layers and shapes build up. At last, everything melts into perfect harmony with a plaintive-sounding synth. This track was composed as a stripped back reprise of the first track from the last album "Sentimentale Sequenzen". A hypnotic Motorik-beat of an 808 that encourages head nodding and could almost be danceable. True to style with warm analog 80s electronic sounds and a loose echo guitar. This is "Angekommen In Der letzten Reihe". Man and machine hand in hand as a homogeneous musical unit and the connection of tradition and vision.

Sankt Otten like images of infinity. In the religious sense of meditative mantras, or also in the mathematical sense of an elongated curve that eventually returns to its starting point. "Bis Das Helle Licht Uns Holt" goes exactly in this direction with its classical use of sequencers and a sound carpet of choirs. Sound worlds that, through a clever repetitiveness, barely noticeably guard the constant changes in the compositional mesh like a secret and only reveal what is to be discovered by listening closely and letting it be seen. Such a thing is probably called Berlin School?

The Osnabrück duo Sankt Otten, founded in 1999, has been releasing on Denovali since 2009. With their now 12th album they give us again a gem of timeless instrumental music. The holy trinity of Krautrock, Ambient and contemporary Electronics, but always stylistically confident and unmistakable Sankt Otten. For the mastering New York based RAFAEL ANTON IRISARRI could be won. Also with the cover layout again good taste is proven. As part two of a cover series, this extraordinary die-cut cover artwork was again created by designer DANIEL CASTREJÓN.

Die experimentierfreudigen US-Metaller EIGHT BELLS aus Portland, Oregon haben ihr Songwriting im dritten Anlauf stark gestrafft und verfeinert. Dieser Soundtrack für das Ende der Welt unter dem Namen "Legacy of Ruin" bietet aber auch Kontinuität der besten Elemente wie die für das Trio typischen Gesangsharmonien, die zusammen mit mal schrillen, mal impressionistischen Gitarrenriffs eine eindringlich berauschende Atmosphäre aus Licht und Dunkelheit schaffen. Inhaltlich liegt der Fokus von "Legacy of Ruin" auf Themen wie die Natur des Menschen, Umweltzerstörung, Tod,, Verlust, Bösartigkeit und Rache.

EIGHT BELLS wurden im Jahr 2010 als Songwriting-Projekt von Melynda Jackson gegründet. Die Gitarristin und Sängerin benannte ihre neue Band nach dem letzten Album ihrer vorherigen Wirkungsstätte SUBARACHNOID SPACE. Nachdem bei dem Trio zu Anfang die Besetzung mehrfach wechselte, wird Melynda mittlerweile von Sänger und Bassist Matt Solis (CORMORANT, URSA) und Brian Burke (NO SHORES, CAVE DWELLER) am Schlagzeug unterstützt.
Nach der amerikanischen Veröffentlichung der "Isosceles"-EP (2011) erlangten EIGHT BELLS bald auch internationale Anerkennung für ihr Debütalbum "The Captain's Daughter (2013)". Das Trio tourte anschließend als Support für SUBROSA durch Nordamerika. Mit ihrem zweiten Album "Landless" (2016) festigten EIGHT BELLS ihren Ruf als heißer Underground-Tipp. Die folgenden Einladungen von VOIVOD für eine US-Tour an und zum Psycho Las Vegas Festival nahm das Trio gerne an.

Nun sind EIGHT BELLS reif für den nächsten großen Schritt auf der Karriereleiter und die weite Welt. "Legacy of Ruin" wurde von keinem Geringeren als Billy Anderson (AMENRA, BELL WITCH, LEVIATHAN, SWANS) produziert, wodurch sich dem Trio eine neue Dimension der Klangqualität eröffnet hat.

"Legacy of Ruin" bestätigt eindrucksvoll, dass zeitgenössischer Metal sowohl künstlerisch anspruchsvoll als auch gleichzeitig frisch und eingängig in seinem Ausdruck sein kann. Höchster Zeit, um sich zurückzulehnen, die Augen zu schließen und sich mit EIGHT BELLS eindringlichem Abgesang auf einen sterbenden Planeten von wundervollen Klangwellen überrollen zu lassen.

Da die Scheibe mit 20 Songs mehr cooles Material enthält, als auf eine einzelne CD passen würde, erscheint „Life Below Zero“ als Doppelalbum.
Zudem wird es eine streng limitierte Fanbox geben, die u.a. eine Bonus-CD mit 6 bisher unveröffentlichten Tracks enthält.
Allein in der Dunkelheit, 24/7 nicht das kleinste Licht, ein wenig Nähe oder den Hauch von Wärme. Nur erdrückende Stille, beklemmende Einsamkeit und klirrende Kälte. In „7even Days of Darkness“ bauen sich nach und nach treibende Beats auf und peitschen Dir eiskalt ins Gesicht. Doch Du
trotzt dem scheinbar aussichtslosen Schicksal und entgegnest: „Now I will gather power and bring it to an end.“ Du kämpfst, aber die Kälte und
das Eis scheinen Dich zu überwältigen und in die Knie zu zwingen...Doch dann tauchen plötzlich Dr. Schnee, Der Frost, °Celsius und von Fahrenheit
vor Dir auf und halten Dir den „Mirror“ vor Dein nahezu erstarrtes Gesicht. Mit melodiösen Synthie-Sounds, eindringlichem Gesang und Beats,
zu denen Du einfach tanzen MUSST, tauen sie Deine eingefrorenen Glieder auf und schenken Dir neue Hoffnung. Du erkennst, dass Musik, Liebe
und Freude stärker sind als Dunkelheit und Kälte.
20 Songs. 14 auf Englisch. 6 auf Deutsch. Auf „Life Below Zero“ finden sich so viele deutsche Tracks, wie auf keinem anderen Eisfabrik-Album
zuvor. Die Meister des Future-Pop zeigen mal wieder, wie man innerhalb von Sekunden das Eis bricht und ein wahres Feuerwerk an heißen Beats,
mitreißenden Synthie-Sounds und großartigen Texten auf die Tanzfläche und die Gehörgänge abfeuert.
Gänsehaut und Muskelkater vom Tanzen sind hier gleichermaßen vorprogrammiert und eins ist sicher: bei den ganzen fetten Dance-Tracks wird
so schnell niemandem kalt.

Das Debütalbum von Kool and the Gang aus dem Jahr 1970 erzielte mit "The Gangs Back Again" einige Hits, vor allem aber läutete es die Ankunft dessen ein, was ein Moloch in der R&B-Szene werden sollte. Diese rein instrumentale Platte ist von den kommerziellen Erfolgen von "Jungle Boogie" und "Celebration" um Jahre und auch stilistisch um einige Lichtjahre entfernt.

Aber diese einzigartige Mischung aus Jazz, Funk und R&B, unterbrochen von diesen gewaltigen Bläser-Arrangements (und einigen großartigen Schlagzeugbreaks), die Kool and the Gang in ihrer besten Form charakterisiert, ist hier in voller Stärke zu hören. Aus diesem Grund werden die Originalexemplare dieser Platte für eine "Kool"-Summe ausgegeben.

Grey Marbled Vinyl
Mit unerschütterlicher Hartnäckigkeit hat die undurchdringliche Schwermetall-Hartkernfabrik HATEBREED eine weitere eiserne Guss- und Schallwaffe mit dem Gewicht des falschen Selbst hervorgebracht. Es ist keine Überraschung, dass ihr achtes, abendfüllendes Album das Ergebnis des üblichen Schweißes und Blutes ist, das HATEBREEDs einzigartige Nische in der Musikwelt seit über zwei Jahrzehnten zementiert hat. Bekannt für ihre Fähigkeit, ihren Fans eine intensive und kathartische Veröffentlichung zu bieten, haben HATEBREED ihren Schreibstil durch diesen Albumzyklus herausgefordert, um Material zu produzieren, das in einer zeitgenössischen Welt, die von Überreizung, emotionaler Dämpfung und mangelnder sozialer Geduld überflutet ist, außergewöhnlich gut zu vergleichen ist. "Weight Of The False Self' ist eine perfekte Darstellung von HATEBREED im Jahr 2020, ein frischer Ansturm von baldigen Klassikern mit all den Elementen, die Sie vom ersten Tag an hierher geführt haben", erklärt Gitarrist Frank Novinec. Fast jedes Individuum trägt ein metaphorisches Gewicht in Bezug auf sein emotionales Konstrukt. Unsere Erfahrungen prägen, wer wir werden, und im Laufe der Zeit entsteht allmählich eine schwere Last, die wir immer weiter mitschleppen. Für viele von uns wird die Last so groß, dass wir uns schwer tun, von unten herauszukommen, geschweige denn uns zu bewegen.

Es sind diese Kämpfe, die sich durch das Gewicht des falschen Selbst übersetzen lassen. "Ob man es sieht oder nicht, jeder trägt eine Last. Die Musik, die wir lieben, hilft uns, diese Last zu tragen", erklärt Sänger Jamey Jasta. Stücke wie "Cling To Life" liefern ein Wortspiel, das normalerweise bedeutet, sich verzweifelt an die letzten Atemzüge zu klammern, aber hier zeigen diese Worte, dass es nach wahrem Verlust und Trauer aufrichtige Erleichterung bringen kann, sich an die Idee von Glück und Zukunft zu klammern. Am anderen Ende des philosophischen Spektrums präsentiert die erste Single "Instinctive (Slaughterlust)" nicht nur ein neues Vokabular-Wort, sondern schreit auch nach der Kraft, die von unseren Verteidigungsmechanismen ausgeht, wenn wir in eine Ecke gedrängt werden. Wenn jemand von seiner Vergangenheit verfolgt wird, von einer anderen Person, oder wenn er nur sein eigenes Territorium verteidigt, ist es nur eine Frage der Zeit und der Entfernung, bis er zu einer wilden, ursprünglichen Bestie explodieren kann. "Es sollte verboten sein, ein so schweres Lied zu machen", beschreibt Bassist Chris Beattie. Das Lied "Wings Of The Vulture" ist eine Metapher für all die negativen Kräfte der Natur, des Schicksals und der Menschheit, die hoffen, uns in einigen unserer schwächsten Momente zu erbeuten, indem sie auf den Tod von etwas Sinnvollem warten. "A Stroke Of Red" berührt, entgegen dem, was auf den ersten Blick scheint, das Konzept, die Wahl zu haben, sich selbst oder anderen zu schaden. "Auge um Auge, aber das macht jeden blind. Wenn man einmal diesen dunklen, gewalttätigen Weg gegangen ist, gibt es kein Zurück mehr.

Dieses Lied ist eine dunkle Leinwand; ich verlasse meinen Körper, um schreckliche Dinge auf einer anderen Ebene zu tun, und komme zu mir selbst zurück, um daraus zu lernen, so dass man diesem dunklen, fleischlichen Verlangen niemals nachgibt", erklärt Jasta. Das Album-Artwork des renommierten Heavy-Metal-Künstlers Eliran Kantor zeigt einen Mann, der an der massiven Skulptur einer Steinbüste herummeißelt. In Kantors klassischem Malstil, der durch den Lehm von Aufruhr und Traurigkeit bricht, beginnt ein Licht durch den Fels zu scheinen, während der Bildhauer sein Gesicht von den blendenden Strahlen der Heilung abwendet. Das Bild kombiniert visuell die Themen des Albums, nämlich den emotionalen Kampf und die Überwindung des Schmerzes, nachdem Schichten von Depression, Angst, Verrat und Herzschmerz die Seele eines Menschen verhärtet haben. Im Laufe von mehr als 20 Jahren und 8 Alben ist der Schreibprozess für eine Band wie HATEBREED in ihren Wurzeln sicher geblieben, aber dennoch hat sie sich nach knackigen und überzeugenden Stücken mit progressivem Sound umgeschaut, die dem Mix hinzugefügt werden sollen. Es gibt Wellen von frischen Klängen, während das massive Fundament, auf dem HATEBREED stehen, weiterhin stark gehalten wird. "Auf diesem Album habe ich mich wirklich angestrengt und mich dazu gebracht, die Dinge umzuschreiben, bis sie besser waren, bis es klickte. Ich habe mich aus dieser Komfortzone herausgerissen. Im Zeitalter der Altlasten, in dem die Bands so viele Hits aus ihrem Katalog bei Shows spielen müssen, hören wir gerne, dass die Fans neue Songs verlangen, wenn wir live spielen", erklärt Jasta, "wir haben mit diesem Album wirklich unsere Stärken ausgenutzt". "An fleischigen Rippen und adrenalingeladenen Trommeln mangelt es auf dieser Platte nicht. Ich bin stolz darauf, dass wir durchweg einen Soundtrack liefern, zu dem man in seinem Wohnzimmer moshen und seine Wohnung zerstören kann", erklärt Schlagzeuger Matt Byrne. Bei der erneuten Aufnahme des Albums mit Hilfe von ZEUSS erlebte die Band ein Gefühl der Herausforderung und des Durchbruchs, das es ihr ermöglichte, eine neue Ebene des Klangs zu erreichen.

Nachdem er mehrere Jahre lang mit der Band gearbeitet hat und während er normalerweise seine Zeit mit Bands verbringt, die einen ziemlich anderen Sound haben, ist Zeuss in der Lage, HATEBREED zu testen und ihre bereits berüchtigte Schwingung zu erweitern. "Es war wirklich großartig, wieder mit Zeuss an diesem Projekt zu arbeiten. Ich liebe die Art und Weise, wie die Gitarren klingen", kommentiert Gitarrist Wayne Lozinak. Im Laufe der Zeit scheint die Qualität der Produktionstechnologie immer besser zu werden und ein sicheres und produktives Nest zu schaffen, in dem das Album

Hier kommt das zweite Album der "Schnöselpunks" Wiener Zucker. Mit Hilfe von Paul Gallister als Produzent wurde ein weiterer Schritt in Richtung Headliner Konzert im Happel Oval gemacht. Üppig gezuckert sind in Österreich nicht nur Mehlspeisen. Auch Menschen und deren Sprache triefen bittersüß aus dem Schmelztiegel glorreich vergangener Tage. Eliten feiern fröhliche Urständ. Den Moment zu leben, heißt für einen Kahlenberger gepflegt auf das morgen zu defäkieren. Ob nun subtile Reichenkritik oder genußvolles Eintauchen in die Leichtigkeit des Seins der Upper-Class. Auch das zweite Kahlenberg Album wird diese Frage nicht erschöpfend beantworten. Zu vielschichtig bricht das Licht der einzelnen Zeilen. Der Wiener Zucker ganz offensichtlich aus purem Kristall.

25 Sekunden Zeit zum Luftholen gönnen einem LYGO ganz am Anfang ihres neuen Albums, bevor "Schockstarre" losbricht, danach bleibt nicht mehr viel Zeit zum Atmen. Für 42 Minuten reißt "Lygophobie", das dritte Album des Bonner Trios, das inzwischen komplett in Köln lebt, mit. Aber es hätte ganz anders kommen können: Mit ihrer letzten Tour im September 2019 verkünden sie eine Pause auf unbestimmte Zeit - nicht etwa, weil sie sich auflösen wollen, nein, einfach um die letzten Jahre mal wirken zu lassen und Platz zu schaffen für den ganzen Kram, für den man sonst neben der Band kaum Zeit hat. Drummer Daniel nutzt die Auszeit, um sich ausgiebig mit Musikproduktion zu beschäftigen und ermöglicht es LYGO so, selbst Musik im Proberaum aufzunehmen. Neue Songs und Texte entstehen schneller denn je, denn im Jahr 2020 gibt es plötzlich wenig anderes zu tun, als zu schreiben. Die Songs des Albums entstehen letztendlich alle in einem 16qm großen Proberaum und werden auch dort aufgenommen. Wer schonmal einen LYGO-Song gehört hat, wird sich auf "Lygophobie" schnell zurecht finden. Hier muss auch nichts neu erfunden werden. Das Magische an Punkrock ist und bleibt doch, dass man auch mit nur einer Gitarre, Bass, Schlagzeug und klugen Texten diese große, komplexe Welt ein bisschen verständlicher machen kann. Wenn auch nur für drei Minuten am Stück. Doch natürlich haben LYGO seit "Schwerkraft" von 2018 auch Neues ausprobiert. In "Kommentarspalte" vertonen sie YouTube-Comments von Schlafgestörten und wagen Midtempo, in "Ufer" gibts endlich ein Gitarrensolo, "13 Stunden Schlaf" wird von einem Klavier eröffnet. "Lygophobie", das ist nicht etwa ein verunglücktes Wortspiel über die Angst vor sich selbst als Band. Es ist ein Begriff, über den LYGO zufällig stolperten: Es ist die übermäßige Angst vor der Dunkelheit. Und obwohl sich die Dunkelheit in all ihren Facetten durch das ganze Album zieht, ist "Lygophobie" alles andere als eine pessimistische Platte. Sie beschreibt eher den Weg zurück ins Licht, wie ihn auch die Artworks zum Album visualisieren. Das ist Punkrock, der so nonchalant zwischen AZ und Clubbühne reinknallt, dass man sich endlich wieder dran erinnert, warum einem diese Musik die Welt bedeutet. Die LP kommt mit schwarzem180 Gramm Vinyl, Gatefold Klappcover aus schwerem Coverkarton. Außerdem liegt der LP ein Download Code bei.

OH WONDER, alias Josephine Vander Gucht und Anthony West, veröffentlichen ihr 4. Studioalbum mit
dem Titel „22 Break“. Ihre beiden letzten Alben “No One Else Can Wear Your Crown“ (2020) und “Ultralife“ (2017) erreichten jeweils die Top 10 der UK Albumcharts. Insgesamt verkaufte die Band bisher mehr
als 1.7 Millionen Alben.
Kurz nachdem Josephine und Anthony ihre Beziehung nach außen bekräftigt haben, fanden sich die beiden aufgrund der Pandemie zu Hause wieder, wo sie eigentlich das erste Mal ausschließlich Zeit zu zweit
verbrachten, ohne den gewohnten Oh Wonder-Kosmos drum herum. Das sehr ehrliche und kraftvolle neue
Projekt „22 Break“ gewährt sehr persönliche und gefühlvolle Einblicke in diese turbulente Zeit, in der die
private Beziehung der beiden auf der Kippe stand.
Anthony über das Album: “It was such a weird thing, to make a break-up album with the person you’re
breaking up with, while you’re breaking up.”
Josephine: “We were just writing songs. We had no idea we were writing a break-up album.”
“22 Break“ ist ein zutiefst hoffnungsvolles Album, das Licht am Ende des Tunnels von Oh Wonders
ganz persönlicher Pandemie. Die Frage “Make or Break?“ steht für die aktive Entscheidung so ehrlich wie
möglich zu sein, weiterzumachen und in ein neues Kapitel zu starten.

Hier kommt das zweite Album der "Schnöselpunks" Wiener Zucker. Mit Hilfe von Paul Gallister als Produzent wurde ein weiterer Schritt in Richtung Headliner Konzert im Happel Oval gemacht. Üppig gezuckert sind in Österreich nicht nur Mehlspeisen. Auch Menschen und deren Sprache triefen bittersüß aus dem Schmelztiegel glorreich vergangener Tage. Eliten feiern fröhliche Urständ. Den Moment zu leben, heißt für einen Kahlenberger gepflegt auf das morgen zu defäkieren. Ob nun subtile Reichenkritik oder genußvolles Eintauchen in die Leichtigkeit des Seins der Upper-Class. Auch das zweite Kahlenberg Album wird diese Frage nicht erschöpfend beantworten. Zu vielschichtig bricht das Licht der einzelnen Zeilen. Der Wiener Zucker ganz offensichtlich aus purem Kristall.

Nearing 100,000 UK sales for their breakthrough album ‘The Race
For Space’, indie phenomenon Public Service Broadcasting return
with their fourth album, ‘Bright Magic’, the follow up to 2017’s ‘Every
Valley’, which entered the chart at Number 4 on release.  Inspired by the Rory McLean book ‘Berlin: Imagine A City’ and named
after a collection of short stories by Alfred Döblin, the record
celebrates one of the greatest cultural capitals of the world, Berlin.  Written and recorded entirely at Hansa Studios in Berlin, the album is
split into three parts - Building A City / Building A Myth / Bright Magic
– and Side B of the album is a homage to Side B of David Bowie’s
‘Low’. Side A of the record includes the singles ‘People, Let’s Dance’
and ‘Blue Heaven’.  The album features guest appearances from Berlin legend Blixa
Bargeld (The Bad Seeds, Einsturzende Neubauten), Andreya
Casablanca of Berlin band Gurr and Berlin Based artist EERA.  Hansa is world renowned as the studio responsible for classic albums
including ‘Low’ and ‘Heroes’ by David Bowie, ‘The Idiot‘ and ‘Lust For
Life’ by Iggy Pop and Depeche Mode’s third, fourth and fifth albums
‘Construction Time Again’, ‘Some Great Reward’ and ‘Black
Celebration’.  The artwork is designed by Berlin artist Torsten Posselt, who has a
long relationship with the Erased Tapes label, designing art for the
likes of Nils Frahm, Olafur Arnalds and Rival Consoles, among
others.

Wir haben gehört, dass Post-Punk es bis auf die Frühlingsseiten der Sunday Times geschafft hat. Oh, bleibt da dran - Desperate Journalist wüten schon seit gefühlten Äonen mit ihrer melodramatischen Mischung aus traumatisierten Gitarren und kunstvoll gebrochenem Gesang gegen den Konzern-Apparat. Sechs Jahre sind vergangen seit dem Erscheinen des teuflischen "Desperate Journalist"-Debuts in 2015. Das stürmische zweite Album "Grow Up" erschien 2017, während 2019 das stellare "The Search For The Miraculous" weit und breit zu hören war. "Maximum Sorrow!", das komplett in Crouch End inmitten der Covid-Pandemie aufgenommen wurde, strotzt nur so vor Alt-Rock-Muskeln, die in sieben Jahren unermüdlicher Auftritte und Veröffentlichungen aufgebaut wurden, wie ein wilder Panther auf der Pirsch. Angetrieben von Simon Drowners ohrwurmverdächtiger Bassline zeigt sich das Quartett schon beider Lead-Single "Fault" in makellos brutaler Form, mit Banshee-Heulen und selbstzerfleischenden Texten von Sängerin Jo Bevan: "And those teenage hangups are hard to beat / When your closet is piled up with defeat", schnauzt sie an einer besonders stacheligen Stelle, während ihr Gitarrist Rob Hardy und Schlagzeuger Caz Hellbent nur noch feuriges Öl in die akustischen Flammen gießen können. Wie ein Großteil des restlichen Albums ist "Fault" sowohl verspielt als auch voll mit Wut. Das sind Desperate Journalist in hyperdynamischer Form, superglatt, aber nie krankhaft glatt; ambitioniert und expansiv, aber immer noch selbstverliebt und durch und durch DIY. Es gibt traditionelle verzweifelte Reisen in das Herz der Dunkelheit - siehe die doomig-prägnanten Desintegrationen von "Armageddon". Und es gibt brillant beleuchtete Lichtblicke: die ohnmächtige Eleganz von "Utopia", die sardonische, melodieverliebte Frechheit von "Personality Girlfriend", die Ruhe von "Formaldehyde", ein tragisches Finale auf jedem anderen Album - hier als Opener. Ein Lob auch für die raumgreifenden, epischen Chorschübe von "Everything You Wanted" und die spektakulär bittersüßen Sehnsüchte von "What You're Scared Of", die mit verstreuten Zuckerwürfeln bestückt sind.

Tolle News für Fans von Suicide: Das New Yorker-Label Sacred Bones fördert das verschollene Album "Mutator" von Alan Vega zu Tage. Vegas Name ist ein Synonym für ungebremste Kreativität. Von den späten 1950er-Jahren über seine Zeit als Musiker beim legendären Protopunk-Duo Suicide bis zu seinem Tod im Jahr 2016 war Vega ständig am Schaffen (u.a. auch als Maler und Bildhauer). Dieser Prozess führte zwangsläufig zu einer Fülle von Material, das nicht sofort das Licht der Welt erblickte, als es aufgenommen wurde und bis heute im Vega Vault schlummert. Das Mitte der neunziger Jahre in Vegas NYC-Studio aufgenommene Album "Mutator" ist die erste in einer Reihe von anstehenden Veröffentlichungen aus seinem Privatarchiv. "Mutator" wurde mit Vegas langjähriger Partnerin Liz Lamere aufgenommen, die seit Beginn der 1990er-Jahre Keyboards und Gesang zu vielen seiner Aufnahmen beigesteuert hat und heute zusammen mit ihrem gemeinsamen Sohn Dante Vega Lamere den musikalischen Nachlass von Vega verwaltet. 2019 wurde das Album von ihr und Vegas engem Freund und Vertrauten Jared Artaud von The Vacant Lots im Vault entdeckt. Beide erkannten schnell das visionäre Potenzial, das in diesen Bändern steckte. Sie mischten und produzierten das Material, das jetzt erstmals als "Mutator" in Albumlänge vorliegt.

180g schwarzes Vinyl. EXTRACT. TRANSFORM. DEBASE. ..ist das fünfte Album von The Antikaroshi und es benötigte 5 Jahre um das Licht der Welt zu erblicken. Thematisch beschreibt es den Kreislauf unserer derzeitigen Gesellschaft, der vor allem auf Geschwindigkeit setzt und somit Oberflächlichkeit generiert. Eine Metapher, in der letztendlich nur noch Überschriften zählen, die man im Vorbeirauschen wahrnimmt. Dabei liefern The Antikaroshi ein Album ab, das vor allem Dinge in Frage stellt, das sich mit der eigenen Rolle spielerisch ebenso auseinandersetzt wie mit konkreten Dissonanzen unserer Gesellschaft wie Autoritätshörigkeit und Machismo. Musikalische Konfliktverarbeitung. War ihr Sound in den Anfangstagen noch sehr in der Nähe von Bands wie Fugazi, Faraquet oder Shudder To Think - den Protagonisten des DC Undergrounds zu verorten- so hat sich die Band im Laufe der Jahre ihr ganz eigenes Musikuniversum geschaffen! Extract. Transform. Debase. wurde im Herbst 2020 eingespielt und von Nikolaus@Chaos-Audio gemixt und produziert. Artwork: Matt Irwin (A Whisper In The Noise)

2x12" + DL Repress

NOTE: ALL FORMATS CONTAIN THE FULL VERSION OF "RAUSCH". THE ALBUM IS MEANT TO BE HEARD FROM BEGINNING TO END AS A WHOLE. IT HAS BEEN TRACK MARKED OR SEPARATED DUE TO FORMAT RESTRICTIONS

Rausch with no name / My beautiful shine / You are the sun / This is where I want to be / Rausch with no morning / This is where we burn / The Stars sparkle / In a sea of flames / Horns and fanfares / Fanfares of joy / Fanfares of fear / The wine we drink through the eyes / The moon pours down at night in waves / Careful with that axe Eugene / Personal Jesus / No beginning no end / Eighteenth of Oktember / The night falls / The king comes / The hunt starts / Freude schöner Götterfunken / The long march through the underwood / Trust me there's nothing / Once upon a time there was a bandit / Who loved a prince / That was long ago / Spring Summer Fall and Gas / There is a train heading to Nowhere / Drums and Trumpets / Future without mankind / Warm snow / Alles ist gut / The bells toll / You are not alone / The murmur in the forest / The murmur in the head / Light as mist / Heavy as lead / Music happens / To flow like gas / A clearing / Heavy baggage / Debut in the afterlife / Death has seven cats / World heritage Rausch / Finally infinite

Wolfgang Voigt 2018

Rausch ohne Namen / Mein schöner Schein / Du bist die Sonne / Hier will ich sein / Rausch ohne Morgen / Wir brennen hier / Die Sterne funkeln / Im Flammenmeer / Hörner und Fanfaren / Fanfaren der Freude / Fanfaren der Angst / Den Wein den man mit Augen trinkt / Gießt Nachts der Mond in Wogen nieder / Vorsicht mit der Axt Eugene / Personal Jesus / Kein Anfang Kein Ende / Achtzehnter Oktember / Die Nacht bricht an / Der König kommt / Die Jagd beginnt / Freude schöner Götterfunken / Der lange Marsch durchs Unterholz / Glaub mir da ist nichts / Es war einmal ein Räuber / Der liebte einen Prinzen / Das ist lange her / Frühling Sommer Herbst und Gas / Es fährt ein Zug nach Nirgendwo / Pauken und Trompeten / Zukunft ohne Menschen / Warmer Schnee / Alles ist gut / Die Glocken läuten / Du bist nicht allein / Das Rauschen im Wald / Das Rauschen im Kopf / Leicht wie Nebel / Schwer wie Blei / Musik ergibt sich / Strömt wie Gas / Eine Lichtung / Schweres Gepäck / Einstand im Jenseits / Der Tod hat sieben Katzen / Weltkulturerbe Rausch / Endlich Unendlich

Wolfgang Voigt 2018

In unserer heutigen Kultur der permanenten öffentlichen Entblößung ist es selten, dass Künstler sich dazu entschließen sich am Licht der Öffentlichkeit vorbeizuschleichen. Das maskierte, schwedische Psych-Kollektiv GOAT ist da eine Ausnahme und wohl eines der großartigsten Popkultur-Mysterien der Welt. Ihr neues Album "Requiem" wirft dabei mehr Fragen auf als dass es sie beantwortet. Die einzige Erklärung, die die Band zu ihrem neuen Album abgibt ist, dass es sich dabei um ein "Folk-Album" handele und es sich mehr auf idyllischen Ritualismus als auf Acid-Freakouts konzentriere. Songs wie "Try My Robe" beschwören wieder einmal das heißblütige Pulsieren herauf, das uns schon 2012 mit "World Music" und 2014 mit "Commune" verführt hat.

"From Nishinari Osaka Japan Weird Wild Obscure Spooky exotica burlesque toy junk Muzak Trash One Man Band music made with broken cassette desks and fucked up record players feat members of (Acid Mother Temple)" - VRR 20202 Vinyl LP, starker Karton, bedruckte Innenhülle, Download inklusive. Willkommen in der wilden obskuren und seltsamen Welt von DEGURUTIENI und seiner ONE MAN BAND. teuflisch exotischer Striptease Kinder Spielzeug Krach mit ausgedientes Tonbandgerät und zerbrochenen Plattenspielern mit Mitgliedern von ua Acid Mother Temple in einigen Songs. Dies hier ist eine Zusammenstellung mit älteren Songs (selbst Veröffentlichungen und auf kleinst Labels) und viele neue Songs die noch nie vorher veröffentlicht wurden. Ich dachte, es ist an der Zeit, dass die Welt etwas über DEGURUTIENI erfährt (ich hatte Wochen, bis ich seinen Namen richtig buchstabieren konnte, hahaha ) Er tourt ständig durch die ganze Welt (pre Covid-19) und tritt in regulären Konzertsälen sowie in Theatern, Kunstgalerien oder sogar auf der Straße auf. wenn man ihn zum ersten mal sieht ist es eine Lebens Erfahrung die man nicht wider vergisst und es bleibt ein großes Lächeln im Gesicht und ein verzerrtes Fragezeichen in deinem Gehirn. Alco Degurutieni wurde Ende der 60er Jahre im Nishinari Ghetto von Osaka geboren (Alco Degurutieni: Diese Zeit in den 1970er Jahren war eine harte Zeit für alle, einmal im Monat Unruhen auf den Straßen. Rot Licht viertel Prostitution und die Yakuza-Mafia waren uns vertraut. Diese Erinnerungen an ein jugendliches Chaos sind seitdem ein Katalysator für mein Peter-Pan-Syndrom.) Degurutieni schafft Harmonie durch Gegenüberstellung, indem er ihnen Melodie aus Chaos und Dekadenz aus Abfall extrahiert. Mit 13 Jahren bekam er seine erste Boombox und wurde der beste Kunde in seinem örtlichen Leih-Platten und Trödler laden. Er arbeitete sich durch alle Genres von den Beach Boys bis zum Black Sabbath. Ab 16 Jahren begann er, seine eigenen Songs mit den einzigen Dingen zu kreieren, zu denen er Zugang hatte; Müll, umgebaute Kinderspielzeuge und ein ausgedientes Tonbandgerät. All dies spielt noch heute eine wichtige Rolle in seiner Musik. Auf diesem Album findest du ,Acme in the afternoon, ein komplett Hit, Tom Waits Blues Jazz Burlesque, dann mit ,Blur Blur Blur, hörst du ihn super minimalistisch und verloren im All Blues, oder den unglaublichen ,Midnight Express' mit einem orientalischen Trash-Flair der dich in einen neuen Blade Runner film katapultiert, und Zigeuner Fanafare und Rock'n'roll in ,13th Floor City ' zusammen mit: Orchester du Belgistan (aus Belgien) oder mein favorit ,Dreaming party' das wie ein psychedelischer horror film Soundtrack daher kommt LINE UP Alco Degurutieni (mostly all instuments) aditional Musissians on the Album Jyonson Tsu (ACID MOTHERS TEMPLE) Machiko Kuniki (Sujiko Sumoguri) Akiyoshi Kajitani (MOHIKAN FAMILIES) Atsushi Sekitani Watanbe (BRO TÜRK,PATO LOL MAN) Naoya Takami (Ichibanboshi Crue) Kwandae Park (UMA UMA UMA) Akira Ohno Tadahiro Ishihara Keigo Matsunaga (Rock'n'TASUKE'Roll & THE CAPTAIN SWING,MOHIKAN FAMILY'S) Tom Manoury (Orchestre du Belgistan) Mbengue Ndiaga Jordi Grognard (YOKAI) Akiko Igaki (TAYUTAU,COLLOID) Kiri Mochida Takeo Touyama (PATO LOL MAN) Shuichi Hirose (HUMNED) Takeo Touyama (PATO LOL MAN)

It’s 2020, the year Pop Ambient turns twenty-one years old, a spritely young adult waltzing out of its teenage joys and tears. Pop Ambient has always stood for a certain classicism and elegance, a kind of beatless music that’s diaphanous and hazy, gossamer and glittering. It’s a music that’s no less inviting for its slow pace and becalmed nature, with a different kind of tension bubbling under the surface. For twenty-one years, KOMPAKT co-founder Wolfgang Voigt has curated a series of peerless compilations that repeatedly find refreshing answers to a simple question – What happens when the dancefloor is empty, and everyone’s home to drift away?

As with many other Pop Ambient compilations, Pop Ambient 2021 offers a welcome platform to contributions from both old friends and new faces. It opens with the gorgeous, slo-mo drift of “Of A Vessel”, from new Kompakt signings Blank Gloss. Sending their music out into the world from their home in Sacramento, this duo makes music that’s featherlight and luscious, the muted chime of a guitar over here, the steady hum of a halatial drone over there; everything in its right place, and nothing overdone. The poise is all. Neozaïre (Tobias Sawitzki aka Noorden) and Seventh World (Juho Hietala aka Blamstrain) are our other two new voices, the latter closing (the CD version of) Pop Ambient 2021 with a long, lambent dreamsong, Neozaïre offering us two gaseous, morphing driftworks, “Vor den Toren Europas” and “In Verschwenderischer Fülle” (CD only), etched across with bell-like arpeggios.

Pop Ambient has always felt like a field for play for the KOMPAKT cognoscenti, and 2021 is no different, with Joachim Spieth collaborating with Pepo Galán on the sidereal visions of “Libration”, while Leandro Fresco teams up with Thore Pfeiffer on the lovely “Abejorro”. Pfeiffer also contributes two lovely solo miniatures of abstract longing. Yui Onodera calls in again, long distance, for their fourth Pop Ambient running, with the refracted, glinting lightscapes of “Cromo 5” and “Monochrome”, while there are also star turns from Max Würden, both solo and in Reich & Würden (with Luis Reichard), and Morgen Wurde, who drops by with the ‘ethereal drama’ of “Mittsommer”.

Pop Ambient gets the balance right: visions and soundscapes, long-distance communications and intimate asides, sweetness and light, drama and dreaming, all wrapped up in floral abstractions – a most beautiful distraction.

Wir schreiben das Jahr 2020, das Jahr, in dem Pop Ambient einundzwanzig Jahre alt wird – das entspricht etwa einem lebenshungrigen jungen Erwachsenen, der gerade aus den letzten Teenager-Freuden und Leiden herausgewachsen ist. Pop Ambient steht seit jeher für eine gewisse Klassik und Eleganz, beatfreie Musik, die, transparent und leicht verschwommen, zart und glitzernd leuchtet. Musik, die trotz ihrer Langsamkeit und ihrer sanften Natur unter Spannung steht, weil hier immer etwas unter der scheinbar ruhigen Oberfläche brodelt.

Einundzwanzig Jahre lang hat KOMPAKT-Mitbegründer Wolfgang Voigt diese einzigartige Compilation-Reihe kuratiert, die immer wieder neue Antworten auf eine einfache Frage findet: Wie füllt man die Leere nach dem Club?

Wie viele andere Pop Ambient-Compilations bietet auch Pop Ambient 2021 eine Plattform für die musikalischen Beiträge von alten Freunden und einigen neuen Gesichtern. Es beginnt mit dem wunderbaren Slo-Mo-Drift von "Of A Vessel" von Blank Gloss, einem neuen Kompakt Signing. Das Duo stammt aus Sacramento in Kalifornien und sendet von dort seine überaus leichte und sinnliche Musik in die Welt hinaus – ein zartes Zupfen an einer Gitarresaite hier, das gleichmäßige Dröhnen eines prunkvollen Soundscapes hier; alles ist hier am richtigen Platz und passiert ohne übertriebene Betonung. Gelassenheit ist alles. Neozaïre und Seventh World sind zwei weitere Neuzugänge. Hinter Seventh World steckt der finnische Produzent Juho Hietala aka Blamstrain, der (die CD Version von) Pop Ambient 2021 mit einem epischen, flackernden Traum names “Light The Waves Before Dawn“ beschließt, während Neozaïre, ein Seitenprojekt von Tobias Sawitzki aka Noorden, zwei gasförmige, sich immer wieder morphende und abdriftende Tracks abliefert: "In Verschwenderischer Fülle" (CD only) mit seinen glockenartigen Arpeggios und “Vor Den Toren Europas“.

Pop Ambient fühlte sich immer schon an wie ein Experimentierfeld für eingefleischte KOMPAKT-Künstler, und auch 2021 ist das nicht anders: zum Beispiel Joachim Spieth’s Kooperation mit Pepo Galán ("Libration") oder Leandro Fresco, der mit Thore Pfeiffer das liebevolle "Abejorro" produzierte. Pfeiffer steuert mit “Grape“ und “Center“ zwei weitere Solo-Miniaturen voller abstrakter Sehnsucht bei. Der japanische Klangkünstler Yui Onodera meldet sich mit den gebrochen-glitzernden Lichtlandschaften von "Cromo 5" und "Monochrome" bereits zum vierten Mal auf Pop Ambient zu Wort, während Max Würden sowohl solo, als auch als Teil von Reich & Würden (mit Luis Reichard) ebenso wie Morgen Wurde schon zu den Stars dieser Compilation gehört.

´Distant Memories - Live in London´ vereint ausgewählte Songs von DREAM THEATERs aktuellem Album ´Distance Over Time´ (2019) zusammen mit der vollständigen Aufführung von ´Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory´ (1999). An einem lang herbeigesehnten und fast schon als historisch zu bezeichnenden Abend in der Geschichte der Band entstand dieses bemerkenswerte Live-Album. Die Tour ´The Distance Over Time Tour: Celebrating 20 Years of Scenes From a Memory´ war ein Dankeschön an die Fans für ihre jahrzehntelange Wertschätzung und Liebe. Für die Band war ´die Tour in vielerlei Hinsicht wirklich unglaublich. Wir durften unsere neuesten Werke präsentieren, die von DT-Fans auf der ganzen Welt auf eine Weise aufgenommen wurde, für die wir unglaublich dankbar sind. Und die zwei Abende, die wir in London aufgenommen und gefilmt haben, gehörten definitiv zu den besten Shows der Tour.´ Petrucci fährt fort: ´Egal ob man die Gelegenheit hatte, diese Tour persönlich zu sehen und das hoffentlich großartige Konzerterlebnis noch einmal erleben möchte, oder ob man das Konzert zum ersten Mal auf Video genießt: ´Distant Memories´ fängt die Live-Energie sehr genau und sehr schön ein - ebenso wie die positive Aufregung, die wir alle im vergangenen Februar gemeinsam im Apollo verspürt haben.´ Er hebt das ´unglaubliche Touring- und Produktionsteam sowie unser großartiges Filmteam hervor, die allesamt perfekt abgeliefert haben und es uns ermöglichten, in bestem Licht präsentiert zu werden. Wir sind überaus stolz darauf, diese Veröffentlichung dank unseres talentierten Mix Engineers, unseres Regisseurs und Art Directors mit brillantem Sound sowie in visueller und künstlerischer Perfektion anbieten zu können.´ Die bedeutsame Performance ´Distant Memories - Live In London´ ist als Limited Deluxe 3CD / 2Blu-Ray / 2DVD 44-seitiges Artbook, Limited Edition 4LP + 3CD Boxset, Special Edition 3CD + 2Blu-ray Digipak, 3CD + 2DVD Mulitbox & als Digitales Audioalbum erhältlich.

Wenn einer der größten Popstars der Welt auf ein neues Album zusteuert, genügen schon drei Buchstaben und alle wissen Bescheid: „KP5“ lautete monatelang das inoffizielle Kürzel für Katy Perrys kommenden Longplayer. Das Album heißt „Smile“, klingt nach „Smile“ – und kommt am 28. August. Die erste Single „Daisies“, eine Hymne auf die Unabhängigkeit, zeigte schon sehr gut die Richtung fürs neue Album, denn die Sängerin will in der aktuellen Situation vor allem inspirieren, das sprichwörtliche Licht am Ende des Tunnels aufzeigen, wie sie kommentierte. Die Titelsingle ”Smile” ist ein weiteres durch und durch positives, absolut lebensbejahendes Statement. „Drei Minuten absolut zuversichtliche Energie sind das“,
so ihr Kommentar. Auch die schon 2019 veröffentlichten Singles „Never Really Over“ und „Harleys in Hawaii“ werden auf dem Album vertreten sein, die in der Standard-Edition insgesamt 12 Songs vereint und sehr persönlich klingt, weil Katy ganz offen Probleme und Zweifel anspricht, mit denen sie in den letzten Jahren zu kämpfen hatte. Seit KP im Jahr 2008 mit „I Kissed A Girl“ erstmals die #1 in Deutschland
erobern sollte, hat die US-Sängerin alles abgeräumt. Zuletzt erschien das Album „Witness“, mit dem sie wieder einmal die #1 in den US-Charts eroberte (in Deutschland wurde u.a. die Single „Chained To The Rhythm“ vergoldet).

Das für den GRAMMY nominierte Duo ODESZA und der bahnbrechende australische Produzent Golden Features veröffentlichen neues gemeinsames Album als BRONSON.

BRONSON wurde gegründet, als die ODESZA-Mitglieder Harrison Mills und Clayton Knight 2014 bei einem australischen Musikfestival auf Tom Stell von Golden Features trafen. Die drei teilten ihre gegenseitige Bewunderung für die Auftritte der jeweils anderen und blieben in Kontakt, indem sie Musik über Zeitzonen und Kontinente hinweg über Dropbox-Dateien und FaceTime-Anrufe austauschten. Das Aufeinandertreffen des Trios gipfelte in einem Treffen 2018, als die drei Künstler eine Woche in der abgelegenen Region von Berry in Australien verbrachten, um das aufzunehmen, was später das Debütalbum von BRONSON werden sollte. Wie aus den beiden ersten Singles hervorgeht, ziehen sich Elemente von Licht und Dunkel durch das zehn Songs starke Album, da das Oberthema von „BRONSON“ das dem Menschen innewohnenden Kampf von Licht gegen Dunkelheit widerspiegeln möchte. Die Platte kombiniert sowohl melodische Vocal-Songs als auch stimmungsvollere, tiefergehende Elektronika mit Gastbeiträgen von lau.ra (die, neben u.a. Nigel Godrich von Radiohead, Teil der experimentellen Rockband Ultraísta ist), dem gefeierten US-amerikanischen R&B-Sänger Gallant und dem britischen Produzenten Totally Enormous Extinct Dinosaurs (TEED). ODESZAs und Golden Features’ kombinierte Streamingzahlen reichen in die Milliardenhöhe und die beiden Acts haben jeweils mehrere Singles und Alben veröffentlicht, die mit Gold und Platin zertifiziert wurden. Die Künstler haben mit einer Reihe von renommierten Künstlern wie Sia, Charli XCX, Leon Bridges, Regina Spektor, Katy Perry und anderen zusammengearbeitet. Als hochgefragte Live-Acts haben die beiden Projekte zudem Millionen von Fans auf der ganzen Welt auf ihren jeweiligen Headline-Tourneen erreicht. ODESZA haben zudem legendäre Veranstaltungsorte auf der ganzen Welt ausverkauft, wie bspw. Die Verti Music Hall in Berlin, die Londoner O2 Academy Brixton, das Staples Center in Los Angeles und das Barclays Center in New York und waren Headliner auf Festivals wie Melt!, Coachella, Bonnaroo und Lollapalooza.

Das für den GRAMMY nominierte Duo ODESZA und der bahnbrechende australische Produzent Golden Features veröffentlichen neues gemeinsames Album als BRONSON.

BRONSON wurde gegründet, als die ODESZA-Mitglieder Harrison Mills und Clayton Knight 2014 bei einem australischen Musikfestival auf Tom Stell von Golden Features trafen. Die drei teilten ihre gegenseitige Bewunderung für die Auftritte der jeweils anderen und blieben in Kontakt, indem sie Musik über Zeitzonen und Kontinente hinweg über Dropbox-Dateien und FaceTime-Anrufe austauschten. Das Aufeinandertreffen des Trios gipfelte in einem Treffen 2018, als die drei Künstler eine Woche in der abgelegenen Region von Berry in Australien verbrachten, um das aufzunehmen, was später das Debütalbum von BRONSON werden sollte. Wie aus den beiden ersten Singles hervorgeht, ziehen sich Elemente von Licht und Dunkel durch das zehn Songs starke Album, da das Oberthema von „BRONSON“ das dem Menschen innewohnenden Kampf von Licht gegen Dunkelheit widerspiegeln möchte. Die Platte kombiniert sowohl melodische Vocal-Songs als auch stimmungsvollere, tiefergehende Elektronika mit Gastbeiträgen von lau.ra (die, neben u.a. Nigel Godrich von Radiohead, Teil der experimentellen Rockband Ultraísta ist), dem gefeierten US-amerikanischen R&B-Sänger Gallant und dem britischen Produzenten Totally Enormous Extinct Dinosaurs (TEED). ODESZAs und Golden Features’ kombinierte Streamingzahlen reichen in die Milliardenhöhe und die beiden Acts haben jeweils mehrere Singles und Alben veröffentlicht, die mit Gold und Platin zertifiziert wurden. Die Künstler haben mit einer Reihe von renommierten Künstlern wie Sia, Charli XCX, Leon Bridges, Regina Spektor, Katy Perry und anderen zusammengearbeitet. Als hochgefragte Live-Acts haben die beiden Projekte zudem Millionen von Fans auf der ganzen Welt auf ihren jeweiligen Headline-Tourneen erreicht. ODESZA haben zudem legendäre Veranstaltungsorte auf der ganzen Welt ausverkauft, wie bspw. Die Verti Music Hall in Berlin, die Londoner O2 Academy Brixton, das Staples Center in Los Angeles und das Barclays Center in New York und waren Headliner auf Festivals wie Melt!, Coachella, Bonnaroo und Lollapalooza.

There Existed An Addiction To Blood" ist das insgesamt vierte Album von Clipping und ihr drittes für Sub Pop. Es ist der Nachfolger des von Kritikern und Publikum gleichermaßen gefeiertes Album ,Splendor And Misery" aus dem Jahr 2016. ,There Existed An Addiction To Blood" enthält die Singles ,Nothing Is Safe", ,Blood Of The Fang" und ,La Mala Ordina" (Feat. Benny The Butcher, Elcamino, The Rita), die von Clipping produziert, von Steve Kaplan gemischt und von Dave Cooley bei Elysium Masters in Los Angeles gemastert wurden. Das Album enthält auch Gastbeiträge von Ed Balloon, La Chat, Counterfeit Madison und Pedestrian Deposit. ,There Existed An Addiction To Blood" ist Clippings Interpretation eines neuen Rap-Splitter-Genres unter Zuhilfenahme ihrer einzigartigen Lupe. Clipping wenden sich auf dem neuen Werk intensiv dem Horrorcore zu, eines bewusst absurden und kreativ bedeutsamen Subgenres, das Mitte der 90er Jahre blühte. Einige der bemerkenswertesten Pioniere hießen Brotha Lynch Hung und Gravediggaz, aber es umfasst auch bahnbrechende Werke der Geto Boys, Bone Thugs-N-Harmony und die nahezu vollständigen Veröffentlichungen des klassischen ,Memphis cassette tape rap". Der wahrscheinlich subversivste und experimentellste Rap hat sich oft als ,Alternative" zu konventionellen Sounds präsentiert, aber Clipping verzerren das Ganze respektvoll in neue Konstellationen. ,There Existed An Addiction To Blood" absorbiert die hyper-gewaltigen Horror-Symboliken der Murder Dog-Ära, stellt sie aber in einem neuen Licht dar: immer noch dunkel getönt und düster, aber in einem seltsameren und lebendigeren Farbton. Wenn der traditionelle Horrorcore mit ,Blacula", dem populären Blaxploitationsfilm-Klassiker aus den frühen 70er Jahren, verwandt war, so ist das neue Output von Clipping analog zu ,Ganja & Hess", dem blutrünstigen Kultklassiker von 1973, der als unbesungenes Wahrzeichen des schwarzen Independent-Kinos gilt, dessen Score von Sam Waymon, Clipping als Inspiration zum Titel des Albums diente und auch Samples auf dem Track ,Blood Of The Fang" lieferte.ENG The science-fiction visionary Octavia Butler once declared that "there is nothing new under the sun, but there are new suns." The aphorism could apply to any art form where the basic contours are fixed, but the appetite for innovation remains infinite. Enter Clipping, flash fiction genre masters in a hip-hop world firmly rooted in memoir. If first person confessionals historically reign, the mid-city Los Angeles trio of rapper Daveed Diggs and producers William Hutson and Jonathan Snipes have spent the last half-decade terraforming their own patch of soil, replete with conceptual labyrinths and industrial chaos. They have conjured a mutant emanation of the future, built at odd angles atop the hallowed foundation of the past. Their third album for Sub Pop, There Existed an Addiction to Blood, finds them interpreting another rap splinter sect through their singular lens. This is Clipping's transmutation of horrorcore, a purposefully absurdist sub-genre that flourished in the mid-90s. If some of its most notable pioneers included Brotha Lynch Hung and Gravediggaz, it also encompasses seminal works from the Geto Boys, Bone Thugs-N-Harmony, and the near-entirety of classic Memphis cassette tape rap. The most subversive and experimental rap has often presented itself as an "alternative" to conventional sounds, but Clipping respectfully warp them into new constellations. There Existed an Addiction to Blood absorbs the hyper-violent horror tropes of the Murder Dog era, but re-imagines them in a new light: still darkly-tinted and somber, but in a weirder and more vivid hue. The album contains interludes with hissing recordings of demonic invasions, and guest appearances from Griselda Gang's Benny the Butcher and Hypnotize Minds horror queen La Chat. Other tracks feature contributions from noise music legends The Rita and Pedestrian Deposit. It all ends with "Piano Burning," a performance of a piece written by the avant-garde composer Annea Lockwood. Yes, it is the sound of a piano burning. There Existed an Addiction to Blood fits neatly into the broader scope of the band's career, which has seen them expand from insular experimentalists into globally recognized artists. Since the release of their first album in 2013, Diggs has won a Tony and a Grammy (both for his acting/rapping work as Thomas Jefferson and Marquis de Lafayette in Hamilton), as well as co-written and starred in 2018's critically hailed Blindspotting, while Snipes and Hutson have scored numerous films and television shows. Clipping's last album, the 2016 afro-futurist dystopian space opus Splendor & Misery was recently named one of Pitchfork's Best Industrial Albums of All-Time. Commissioned for an episode of This American Life, their 2017 single "The Deep" became the inspiration for a novel of the same name, written by Rivers Solomon and published by Saga Press. But their latest masterwork embodies what the band had been building towards - a work that finds them without peer. This is experimental hip-hop built to bang in a post-apocalyptic club bursting with radiation. It's horrorcore that soaks up past blood and replants it into a different organism, undead but dangerously alive. It is a new sun, blindingly bright and built to burn your retinas.

Der Hip Hop Klassiker Von 1998 Ist Zurück.
2018 Zum 20. Jubiläum Erscheint Das Album Komplett Überarbeitet, Neu Abgemischt Und Remastert Auf Dem Hauseigenen Label 58beats In Neuem Gewand.

Anstatt Nur Das Alte Master Für Ein Einfaches Reissue Zu Verwenden, Haben Sich Die Jungs Von Main Concept Dazu Entschlossen Zum 20ten Jubiläum Des Langspielers Die Files Der Platte Neu Aufzumachen Und Das Album In Ein Zeitgemäßes Licht Zu Setzten.

Glam Aka Glammerlicious, Produzent Von Main Concept, Hat Allen Beats Einen Neuen Anstrich Verliehen, Alle Alten Maschinen Mit Den Original Files Beladen Und Das Album Komplett Überarbeitet Und Neu Abgemischt.
Die Tracks Wurden Editiert, Komplettiert, Erweitert, Teilweise Leicht Verändert, Oder Auch Gekürzt, Ohne Dabei Den Charakter Der Platte Zu Verändern.

Ein Reissue, Dass Diesem Klassiker Angemessen Ist.

Der Sender Puls (bayrischer Rundfunk) Hat Das Album Zum 20 Jährigen Jubiläum Mit In Die Br Ruhmeshalle Aufgenommen.

Flo Kreier (puls) Schreibt Über Main Concept - genesis Exodus :

- Freshe Skillz, Groovige Beats Und Die Heilige Realness: Main Concepts Zweites Album Ist Ende Der Neunziger In Diesen Punkten Nicht Zu Überbieten. Vielleicht Beginnen Deshalb Viele Andere Rap-crews, Gezielt Die Charts Zu Stürmen. -

- Mitte Der Neunziger Ist Hiphop In Deutschland Eine Puristische Angelegenheit. Bekannte Crews Tuckern In Mini-bussen Durchs Land Und Spielen In Kleinen Clubs. Niemand Trägt Goldketten Oder Ohrringe. Stattdessen Sind Baggypants Und Baseballcaps Angesagt. Und Die Meisten Raps Drehen Sich Um Ein Thema: Die Realness. Damit Ist Gemeint, Hiphop Ernst Zu Nehmen Und Nicht Nur Kohle Zu Scheffeln. Außerdem Geht's Darum, Diesen Echten Hiphop Zu Zelebrieren. In Dieser Zeit Bringen Die Münchner Main Concept Ihr Zweites Album "genesis, Exodus, Main Concept" Raus, Das Vielleicht Realste Deutsche Hiphop-album Überhaupt.

- rapper David Pe Ist Der Unterhaltsamste Mc, Den Der Deutsche Hiphop Bis Dahin Gehört Hat. Er Ist Wortgewandt, Witzig Und Schafft Es Auf Charmante Art, Auch Wissenschaft Und Philosophie In Seine Texte Zu Verbasteln. Dabei Klingt Er Aber Nicht Oberlehrermäßig. Eher Als Würde In Seinem End-zwanziger-körper Der Geist Eines 70-jährigen Stecken. Wie Ein Till Eulenspiegel Des Rap Schafft Er Es, Mystik Und Komik Zu Verbinden. Der Gipfel: Er Zelebriert Immer Wieder Eine Mystische Zahl, Die 58. Mit Viel Fantasie Spinnt Er Absurde Geschichten Um Diese Geheimzahl - Die Am Ende Nur Die Nummer Seiner Buslinie Ist.

- groovige Beats Statt Poppige Hooks
Glammerlicious, Der Musikalische Chef Der Truppe, Schafft Einen Seltenen Spagat: Einerseits Grooven Main Concepts Tracks Wie Hölle - Zu Jedem Beat Beginnt Man Sofort Mit Dem Kopf Zu Nicken. Dazu Kommen Fette Samples, Die Eine Perfekte Stimmung Aufbauen, Aber Nie Poppig Werden: Abwechslungsreich, Verspielt Und Irgendwie Augenzwinkernd.
"genesis, Exodus, Main Concept" Spielt Nicht Umsonst Auf Die Bibel An. Vielleicht, Weil Sich Die Jungs Vom Münchner Goetheplatz Damit Über Die Hiphop-dogmatiker Amüsieren, Die Sich Selbst Zu Ernst Nehmen. Vielleicht Aber Auch, Weil Die Platte, Wie Eine Offenbarung, Alles Auf Den Punkt Bringt, Was Der Deutsche Hiphop Dieser Zeit So Heilig Ist: Die Realness. -

This vinyl includes a free downloadcode were customers get the
whole digital release for free via Facebook !!
Rough, flickering and a bit unwashed - Ronan Dec sends out a piece of tremendous tough - minded music with his new - Whisper' EP.
Understood, that this steamroller - funk could only be cut into vinyl. With a proper share of chutzpa Felix Bernhardt picks out the bassline and adds all ingredients up to a grooving piece of prime time techno. The whole thing is finalized by the Blaues Licht remix which cuts the serious machine-funk and turns Ronan Dec´s saw tooth orgy into screaming sirens for a sweaty track of techno. - Tanaka' strums dirty and loud on the platform of the electro-clash desired sound for the closing. - Whisper' is a
shameless tray and kindly asks for maximum volume.
Rough, klirrend und irgendwie ein bisschen ungewaschen - Ronan Dec liefert mit seiner - Whisper' EP ein krachendes Stück kompromissloser Ohrengewalt. Nur, um gleich klarzumachen, dass dieser Dampfwalzenfunk eigentlich nur in Vinyl geschnitten werden kann. Felix Bernhardt greift für seinen Remix von - Whisper' mit einer gehörigen Portion Chuzpe die
Schrabbel - Bassline auf und faltet aus allen Zutaten ein groovendes Stück Techno für die Prime Time. Der Blaues Licht - Remix macht dann Schluss mit dem ernsten Maschinenfunk und schraubt aus Ronan Dec´s
Sägezahnorgien schreiende Sirenen für ein verschwitztes Stück Elektro.
- Tanaka' schrammt zum Abschluss dreckig und laut am Unterbau der
Klangästhetik von Elektroclash entlang, ohne sich dabei auch nur einen
Fußbreit von der Tanzfläche zu bewegen. - Whisper' ist ein schamloses Brett
und gehört gefälligst laut aufgedreht.