180g, schwarzes Vinyl. Gatefold-Sleeve. Es ist ein bisschen schade, dass das Album von Monta erst jetzt kommt. Denn es wäre ein so perfekter Begleiter durch den Sommer gewesen. Für die guten und die verregneten Tage, die wachgelegenen Nächte und die Ohrstöpsel-Fahrradfahren ins Gegenlicht hinein. Diese Songs entwickeln ihre Wirkung in den (metaphorisch oder wörtlich) betrunkenen Momenten mit anderen, mit denen man gern zusammen möglichst laut die Refrains aus der Bluetooth-Box mitsingt. Genauso gut aber auch in den Zeiten, in denen man von all dem Sonnenlicht und Rausgeh-Trubel eher ein wenig Herzschmerz kriegt. Weil man plötzlich an Menschen denken muss, die weit weg sind oder gar nicht mehr da. Und man sich plötzlich den Super-8-Film anschaut, der im eigenen Kopf abläuft, und auch den findet man eigentlich schön. Monta, das ist und war schon immer Tobias Kuhn. ,Pacific" ist sein erstes neues Album seit 2007, und obwohl das wirklich eine lange Zeit ist, erinnert man sich noch sehr gut: Tobias Kuhn war immer schon ein Sänger, Songschreiber und Musiker, der das Intime und Hymnische, das psychedelisch Nachglühende und die große, alles vereinende Melodie zusammenbringen konnte. Nicht abwechselnd, sondern beides in einem. Und die beste Nachricht: Auf den neun Songs von ,Pacific" gelingt ihm diese hohe Kunst noch glänzender, vielschichtiger und bildstärker als je zuvor. Und die noch bessere: Es gibt ja bald wieder einen Sommer. Bis dahin können wir die Songs dann auch auswendig mitsingen, also beste Voraussetzungen.
Buscar:dass
Hochdynamischer melodischer Metal aus dem Herzen von Raleigh, North Carolina! Auf ihrem vierten Album in voller Länge verbinden Mega Colossus epische Metal-Größe mit den Hooklines und Melodien von Rainbow und Kansas! Aufgenommen mit Al Jacob im Warrior Sound in Chapel Hill fängt 'Showdown' Mega Colossus mit vollem Tempo ein und setzt wieder auf duellierende Twin-Guitar-Harmonien. Buchanans Gesang ist schrill und mühelos und trägt grandiose, kühne Refrains, die sogar gelegentliche Styx-Anspielungen aufweisen. Vor allem aber ist das Album ein der Zusammenschluss von fünf sehr unterschiedlichen Musikern. Kein Wunder also, dass sich Showdown zu einer epischen Darbietung unheimlichen und markanten melodischen Metals entwickelt hat, mit der ganzen Tiefe und dem Charisma einer Band, die jetzt in ihr 20. Jahr geht.
Rock Hard (8,5 Pkt. / Soundcheck # 4 Dynamit!)
MEGA COLOSSUS aus North Carolina haben ihren Stil gefunden. Sie adaptieren die pathetische Melodik von Seventies-Heroen wie Kansas, Styx oder auch Uriah Heep und sind mit ihren drei Stimmen durchaus in der Lage, deren abgefeimten Chorgesang zu reproduzieren. Aber ihre spielerische Provenienz liegt eben nicht im Rock, sondern im agilen, technisch ausgereiften, enorm zeigefreudigen Heavy Metal. Dieser Kontrast zwischen Schmonz und Breitseite ist ziemlich suggestiv. Trotz des hohen Tempos nieten sie sich souverän und tight durch ihre vertrackten Kompositionen, und das Gitarrenduo Bill Fischer/Chris Millard lässt die Finger fliegen, erinnert mit seiner an die Grenzen gehenden Spiellaune an Bands wie Haunt oder Valkyrie. Was ihnen an totaler Eingängigkeit vielleicht noch abgeht, machen sie mit Energie und Frische allemal wett.
Legacy (11 Pkt.)
Bill Fischer und Sean Buchanan stellen einmal mehr unter Beweis, wie geschickt sie Harmonien, Riffs und Hooklines mit prägnantem Gesang zu griffigen Songs zusammenschrauben können. Das inzwischen fünfte Album der Truppe aus North Carolina punktet ab dem Opener 'Fortune And Glory' mit straight gerifftem Siebziger-Jahre-Hard-Rock, der immer wieder Ausflüge in den Bereich des melodischen Metal unternimmt und von Buchanans Organ noch eine epische Note verliehen bekommt - hörbar bei 'Outrun Infinity' oder 'Showdown'. Die Melodielinien in Songs wagen auch immer mal wieder den Flirt mit wirklich poppigen Passagen und Strukturen, ohne dabei in den Kitsch zu schliddern - der kleine Hit 'Wicked Road' ist hier das wohl schillerndste Beispiel. Mit deutlichem Fokus auf Gitarren und Gesang und gesungenen Übergängen zwischen den verschiedenen Momenten erschafft der Fünfer eine Atmosphäre, die klingt, als wären Thin Lizzy auf Europe getroffen und hätten ganz unbefangen ein paar Songs geschrieben. Am Ende spendieren MEGA COLOSSUS dem Hörer mit 'Take To The Skies' noch eine schöne Achtziger-Metal-Nummer. Starkes Teil!
Erste Vinyl-Neuauflage des selbstbetitelten Debütalbums von Frank Black and the Catholics aus dem Jahr 1998, gemastert von den Originalbändern von Phil Kinrade in den AIR Studios. Die Songs voller roher Garage-Punk-Energie waren ursprünglich direkt auf Zweispurband aufgenommen, und eigentlich als Demoserie gedacht. Doch dann entschied Frank Black, dass die Aufnahmen nicht zu verbessern waren, und veröffentlichte sie so wie sie eingespielt wurden. Inklusive der Fan-Favoriten 'All My Ghosts', 'I GottaMove' und 'Dog Gone'. Der Album-Klassiker erscheint als 180Gr.-LP als Half-Speed-Master inkl. 5-seitigem Booklet und Obi-Strip.
"Nicoles Songwriting und ihr Gesang entwickeln sich von Album zu Album stärker. Sie weiß, wie man rockt, sie kann eine gefühlvolle Ballade vortragen, die Herzen bricht, und sie kann eine Jazz-Line singen, die sie in die Nähe von Nina Simone rückt." -Living BluesDie Grammy-nominierte, 7-fache Blues Music Award-Gewinnerin Danielle Nicole zählt zu den besten Sängerinnen und Bassistinnen der heutigen Roots-Musik. Zu Beginn der Aufnahmen zu "The Love You Bleed" wusste Danielle Nicole, dass dieses neue Album anders sein würde als die bisherigen. Das von Tony Braunagel (Taj Mahal, Eric Burdon, Robert Cray) produzierte und von John Porter (B.B. King, Buddy Guy, Bryan Ferry) abgemischte Album ist voll von Liebe, Verlust, Wille, Entschlossenheit und all den anderen Dingen, die mit der Liebe zusammenhängen. Die Leadsingle "Make Love" handelt davon, den Schmerz bewusst zu überwinden und sich in den schwierigen Momenten des Lebens für Liebe, Familie und Gemeinschaft zu entscheiden. "How Did We Get to Goodbye" mit seinem rohen und ehrlichen Text dokumentiert eine gescheiterte Liebe, in der es weder einen Helden noch den Bösen gibt, und stellt die Frage, wie man in solch eine Situation gelangt, ohne es zu bemerken. Der Track "Love On My Brain" ist eine starke Mischung aus altem R&B und treibendem Blues und mit "Right By Your Side" gibt es eine klassische Soul/R&B-Ballade, in der es darum geht, nie wieder den Fehler zu machen, "the one and only" gehen zu sehen.
- A1: Ficus Carica (Joaquin Joe Claussell's Cosmic Arts Deeper Journey Version) (14 22)
- A2: Colline (Mark E Remix) (5 46)
- B1: Platanes (Gigi Testa Remix) (8 54)
- B2: Ô Zénith (Arno E. Mathieu Re?Version - Alt Disco Dub 1) (9 29)
- C1: Insulae (I Cube Remix) (6:52)
- C2: Colline Au Zenith (Next Evidence Vocal Remix) (6 39)
- C3: Ô Zénith (Gilb'r Remix) (5 24)
- D1: Ficus Carica (Beanfield Remix) (5 25)
- D2: Aurora Baléaris (Julien Jabre Remix - Julien's Arak Edit) (4 25)
- D3: Temps Libre (Max Essa Remix) (7 16)
Es zirkulieren wenige LPs, die über die gesamte Albumlänge die Schönheit und Wärme des "Balearic Sound" widerspiegeln. Man kann das auch dem Genre "Cosmic" zuordnen. Arno E Mathieu aus Südfrankreich schafft auf "Contemplation" das einzigartige flimmernde Licht des "Mediterranen" einzufangen, und in einem modernen Sound die Stimmungen der Natur des Mittemeerraumes rüber zu bringen. Die Songtitel und das Cover Image ergänzen das abgerundete Stimmungsbild. Es kommt nicht von Ungefähr, dass DJ Harvey großer Fan von Arno E Mathieu ist und viele seiner Tunes spielt. Wer auch in diesen Kosmos passt, ist Joe Claussell, der neben Franck Roger, I:Cube, Beanfield, Julien Jabre, Mark E, Simoncino, Woolfy, DJ Deep, Gigi Testa, Next Evidence, Max Essa jeder für sich einen tollen Remix abliefert. Fast jeder Track des Albums wurde geremixt.
In der zweiten Hälfte des Jahres 2022 widmete Neal Morse seine kreativen Bemühungen der Erarbeitung einer neuen Rock Oper, nach der
erfolgreichen Veröffentlichung von "Jesus Christ the Exorcist". Die Inspiration floss und das Ergebnis ist eine fast zweistündige Musik, die die
Geschichte von Joseph, der für seinen bunten Mantel bekannt ist, durch die Brille des progressiven Rock in einem ganz eigenen Stil erzählt.
Anstatt beide Teile gleichzeitig als Doppelalbum zu präsentieren, entschied sich Neal dafür, die neue Oper in zwei separaten Bänden zu
veröffentlichen. Er war der Meinung, dass die Stärke sowohl der Musik als auch der Geschichte diesen Ansatz rechtfertigten, da jedes Album für sich
als Zeugnis seines inneren Wertes steht. "Der Träumer - Joseph: Part One" endet mit Joseph, der zu Unrecht eingekerkert wird. In "Die
Wiederherstellung - Joseph: Part Two" wird die biblische Erzählung fortgesetzt, in der beschrieben wird, wie Josephs Weisheit und Intelligenz ihn zum
Vizekönig von Ägypten und schließlich zur Wiedervereinigung seiner Familie führt. Erneut übernimmt Neal Morse die Rolle des Leadsängers, während
eine beeindruckende Reihe von Gastmusikern, darunter Ted Leonard (Spock's Beard, Pattern Seeking Animals), Matt Smith (Theocracy), Ross Jennings
(Haken) und Jake Livgren (Proto-Kaw, Kansas), sich ihm in diesem zweiten Kapitel anschliessen. Sie arbeiten mit Mitgliedern der Neal Morse Band
zusammen, wie Bill Hubauer und Eric Gillette, um nur einige zu nennen. Gemeinsam hauchen sie dieser bekannten Geschichte neues Leben und
Musik Leben ein, die verspricht, Progressive-Rock-Fans erneut zu begeistern.
"Solastalgia I" ist ein Konzeptalbum und der erste Teil einer Trilogie. Solastalgia ist ein Kunstwort, gebildet aus dem Lateinischen (solacium - Trost)
und dem Altgriechischen (algos - Schmerz), das erstmals in den 2000er Jahren von dem Umweltphilosophen Glenn Albrecht verwendet wurde.
Solastalgia bezieht sich auf den Schmerz und die Trauer über den Verlust unserer Umwelt: Emotionen, die zur Verzweiflung treiben, die wir durch
unsere Gier und Hybris selbst verursachen. Die Klima- und Biodiversitätskrise führt dazu, dass die Zerstörung von Umwelt und Natur immer mehr
zunimmt. Das Album ist eine künstlerische Reflexion und Verarbeitung des Verlustes der Heimat, des Reichtums und der Vielfalt der Natur und der
Lebensgrundlagen allen Lebens, die letztlich zu Zerstörung, qualvollem Tod und Aussterben führen. Ein dystopischer Ausblick und zugleich eine
Warnung für die Gegenwart. Begleitet wird die Trilogie von Kurzgeschichten von Wolf-Georg Zaddach sowie von Fotos und Bildern der Künstlerin Sara
Zaddach.
Mit der Veröffentlichung des Albums 'Kalakuta Show' rächte sich Fela unerschrocken an dem Militärregime, das ihn 1974 angegriffen und brutal behandelt hatte. Die 'Kalakuta Show' war der zweite Angriff dieser Art innerhalb von acht Monaten und ein Versuch der nigerianischen Polizei, die Cause of Justice zu beeinflussen. Nach der ersten Polizeirazzia in Kalakuta im April 1974 wurde Fela vor Gericht angeklagt wegen Besitzes von gefährlichen Drogen und Entführung von "Minderjährigen". Die von der Staatsanwaltschaft vorgelegten Beweise konnten jedoch von der Verteidigung leicht entkräftet werden, die aussagte, dass die in den Räumlichkeiten gefundenen Drogen zur Junction Clinic gehörten, einer staatlich zugelassenen Klinik innerhalb der Republik Kalakuta, die von Felas jüngerem Bruder, Dr. Beko Ransome Kuti, geleitet wurde. Was den Vorwurf der Entführung von Minderjährigen betrifft, so bestritten alle jungen Mädchen, die in Felas Haus verhaftet wurden, minderjährig zu sein und entführt worden zu sein, und sie sagten vor Gericht aus, sie seien aus eigenem Antrieb zu Felas Haus gegangen. Da es keine stichhaltigen Beweise gab, um Fela in diesem vielbeachteten Prozess zu verurteilen, beschloss die Polizei, eine Woche vor der Urteilsverkündung eine zweite Razzia in Felas Haus durchzuführen, in der Hoffnung, dieses Mal Beweise zu finden. Das Ergebnis ist die Schilderung der zermürbenden und brutalen Art und Weise, wie die Polizei ihre Opfer behandelte. Sie führen den Fall auf, und Fela, der mit Kopfwunden und einem gebrochenen Arm vor Gericht erschien, erregte beim Richter mehr Mitleid als das Gegenteil. Eine Menschenmenge von mehr als fünfzigtausend Lagos-Jugendlichen trug Fela vom Gerichtsgebäude im Apapa-Gebiet von Lagos zur Kalakuta Republic - eine Entfernung von etwa sechs Kilometern. Während dieses Jubels kam der Verkehr im zentralen Teil des Festlandes von Lagos für mehrere Stunden zum Stillstand.
Nach dem 2022er Erfolgsalbum "Go Steady" kehren die Londoner Ska-Pop-Punker BUSTER SHUFFLE auf die Bühne zurück und bringen eine brandneue Buster-Hymne mit, die den Titel "Hold Back The Rebels" trägt. Als Jet am Ende des Lockdowns umzog, stellte er fest, dass er einen sehr ungewöhnlichen neuen Nachbarn hatte. Im Garten des Nachbarn lebte nämlich ein Truthahn, ein sehr, sehr lautstarker Vogel (Tag und Nacht). Diese lärmende Meleagridinae (gerne googeln) hat schon so manche Tasse Tee im Garten verdorben. Es musste etwas unternommen werden, und so bereitete Jet seine geliebte Katze und seinen Hund (die Rebellen) auf ein "Attentat über den Zaun" vor. Als seine Frau von Jets Vorhaben erfuhr, griff sie in letzter Minute ein und befahl ihm, die Rebellen zurückzuhalten". Bei der Produktion der 7-Inch-Single und der Tournee wurden und werden keine Truthähne verletzt. Der Nachbarschaftsstreit wurde friedlich beigelegt. Fresssack! Nur 500 Exemplare von 'Hold Back The Rebels', auf der B-Seite der ebenfalls brandneue Song "Then Like Thunder", werden auf 7-Inch-Öko-Vinyl gepresst und nur bei Buster Shuffle-Live-Shows und über Cargo/375Media erhältlich sein! Buster Shuffle still goin' steady!
Black Vinyl[41,13 €]
Es gibt nur wenige Alben in der Geschichte der zeitgenössischen amerikanischen Musik, die die Bezeichnung ”Original Jazz Classic” mehr verdienen. Es ist das erste von zwei Riverside-Alben, die vom legendären letzten Auftritt des ersten Bill Evans Trios stammen - aufgenommen am letzten Tag eines Village VanguardEngagements, kaum zehn Tage vor dem tragischen Tod des Bassisten Scott LaFaro. Die Aufnahmen sind seit langem bekannt dafür, dass sie die Essenz der einzigartigen Interaktion zwischen den drei Musikern einfangen, die das Trio auszeichnete.
Diese Neuauflage von Sunday At The Village Vanguard erscheint als Teil der OJC-Serie und wurde bei RTI auf 180-Gramm-Vinyl gepresst.
"Javelin" verbindet musikalischen Schwung mit emotionaler Weite. Manchmal hat man das Gefühl, dass das Album von einem großen Team produziert wurde - aber das ist es ganz und gar nicht: Fast jeder Sound hier ist das Ergebnis von Stevens zu Hause, der selbst etwas geschaffen hat, das sich manchmal wie ein Zeugnis der Studio-Opulenz der 70er Jahre in Los Angeles anfühlt. Die Beiträge stammen von einem engen Freundeskreis - Adrienne Maree Brown, Hannah Cohen, Pauline Delassus, Megan Lui und Nedelle Torrisi -, die bei vielen Songs Harmonien beisteuern, sowie von Bryce Dessner, der bei "Shit Talk" akustische und elektrische Gitarre spielt. Der zärtliche und mystische Abschluss des Albums, "There's A World", wurde von Neil Young geschrieben. Während "The Ascension", das von der New York Times als "ein Schrei der Verzweiflung und ein Gebet um Erlösung" gelobt wurde, eine kunstvolle, aber dringliche Elektronik verwendet, um sich dem Moment zu nähern, beginnt "Javelin" wie ein Selbstporträt, detailliert und doch schlicht. Dies ist Stevens' intimstes Werk, das an "Seven Swans" oder "Carrie & Lowell" erinnert und den Hörer in die Nähe seiner inneren Abrechnung ruft. "Javelin" wird von einem 48-seitigen Booklet mit Kunst und Essays begleitet, die alle von Stevens geschaffen wurden, darunter eine Reihe von akribischen Collagen, zerschnittenen Katalogfantasien, Puff-Paint-Wortwolken und sich wiederholenden Farbfeldern. Die 10 kurzen Essays - abwechselnd lustig, tragisch, ergreifend, stumpfsinnig und spezifisch - bieten kleine Einblicke in Lieben und Verluste, die ihn und diese Lieder geprägt haben.
"Javelin" verbindet musikalischen Schwung mit emotionaler Weite. Manchmal hat man das Gefühl, dass das Album von einem großen Team produziert wurde - aber das ist es ganz und gar nicht: Fast jeder Sound hier ist das Ergebnis von Stevens zu Hause, der selbst etwas geschaffen hat, das sich manchmal wie ein Zeugnis der Studio-Opulenz der 70er Jahre in Los Angeles anfühlt. Die Beiträge stammen von einem engen Freundeskreis - Adrienne Maree Brown, Hannah Cohen, Pauline Delassus, Megan Lui und Nedelle Torrisi -, die bei vielen Songs Harmonien beisteuern, sowie von Bryce Dessner, der bei "Shit Talk" akustische und elektrische Gitarre spielt. Der zärtliche und mystische Abschluss des Albums, "There's A World", wurde von Neil Young geschrieben. Während "The Ascension", das von der New York Times als "ein Schrei der Verzweiflung und ein Gebet um Erlösung" gelobt wurde, eine kunstvolle, aber dringliche Elektronik verwendet, um sich dem Moment zu nähern, beginnt "Javelin" wie ein Selbstporträt, detailliert und doch schlicht. Dies ist Stevens' intimstes Werk, das an "Seven Swans" oder "Carrie & Lowell" erinnert und den Hörer in die Nähe seiner inneren Abrechnung ruft. "Javelin" wird von einem 48-seitigen Booklet mit Kunst und Essays begleitet, die alle von Stevens geschaffen wurden, darunter eine Reihe von akribischen Collagen, zerschnittenen Katalogfantasien, Puff-Paint-Wortwolken und sich wiederholenden Farbfeldern. Die 10 kurzen Essays - abwechselnd lustig, tragisch, ergreifend, stumpfsinnig und spezifisch - bieten kleine Einblicke in Lieben und Verluste, die ihn und diese Lieder geprägt haben.
Phobocosm aus Montréal setzen ihre karriereübergreifende Zusammenarbeit mit Dark Descent Records mit ihrem dritten Album Foreordained fort.
Foreordained ist eine Verschmelzung von allem, was vor ihm kam. Eine perfekt ausbalancierte Verschmelzung der düsteren Death-Metal-Verderbtheit des Debüts Deprived, gemischt mit dem verheerenden Doom von Bringer Of Drought. Bemerkenswerterweise war dies von Anfang an der Plan: Als wir "Deprived" schrieben, beschlossen wir, dass unsere ersten drei Alben eine Trilogie sein würden, und "Foreordained" ist das letzte Kapitel dieser Trilogie. Wir haben uns bewusst bemüht, alle drei Alben auf ähnliche Weise zu gestalten, da wir wollten, dass sie miteinander verbunden sind - beginnend mit einem langsamen, erdrückenden Doom-Song und endend mit einem langen, epischen, depressiven Song. Das ist kein Zufall", verrät Gitarrist Samuel Dufour.
Wie die Wahl des Genres vermuten lässt, geht es in den lyrischen Konzepten von Foreordained um den Tod und die Vergeblichkeit, die eigene Sterblichkeit zu leugnen. Daher auch der Name des Albums: "Da der Tod unvermeidlich ist, ist auch das Ende allen Lebens und unseres Planeten unvermeidlich, also gibt es auch apokalyptische Themen. Der Schlusspunkt 'For an Aeon' handelt von einer möglichen Art und Weise, wie die Welt, wie wir sie kennen, enden könnte."
Eingehüllt in ein Artwork des unnachahmlichen Lauri Laaksonen von Desolate Shrine, Convocation und Pestilent Hex, wird Foreordained ein Death Metal-Highlight des Jahres 2023 werden.
Good things take time. What’s 17 years? Not even a quarter of Keith Richards! 17 years lay between Heiko Voss’ debut album “Call Me Killer” and the incredible follow-up “3:30 Minutes To Live”, which saw the light of day in 2022 on Michael Mayer’s “other label” IMARA. There are serious voices saying that the 80s were only really complete with the release of this album. Now it took the blink of an eye of a year for the remixes to be finished. And they turned out so well that Michael Mayer from KOMPAKT licensed the “3 Remixes for Heiko Voss” without further ado.
Running back guru GERD JANSON was an early adopter of the album. Highly motivated, he twirls “Follow Your Line” rhythmically somehow in the direction of Kate Bush’s “Running Up That Hill”. How did he do that? Never mind. It grooves like crazy and keeps even larger floors moving.
ADA, the Hamburg grand dame of techno pop, has taken on the in tongue speaking funk banger “Talking Man” and dipped it in fairy dust. The result is probably the most sensational, soulful club track ever. Honestly.
The package is rounded off with a powerful Dub Version of “Follow Your Line” by the IMARA and KOMPAKT boss himself. Because he can do it.
Open your heart, let the remixes in.
Gut Ding will Weile haben. Was sind schon 17 Jahre? Nicht mal ein Viertel Keith Richards! 17 Jahre lagen zwischen Heiko Voss’ Debutalbum “Call Me Killer” und dem unglaublichen Nachfolger “3:30 Minutes To Live”, der 2022 auf Michael Mayers “anderem Label” IMARA das Licht derWelt erblickte. Es gibt ernstzunehmende Stimmen, die besagen, dass die 80er Jahre eigentlich erst mit der Veröffentlichung dieses Albums vollendet waren. Nun hat es einen kurzen Wimpernschlag von einem Jahr gedauert, bis die Remixe fertig waren. Und die sind so gut geworden, dass Michael Mayer von KOMPAKT die “3 Remixe für Heiko Voss” kurzerhand lizenziert hat.
Ein “early adopter” des Albums war Running Back Obermotz GERD JANSON. Top motiviert zwirbelt er “Follow Your Line” rhythmisch irgendwie in Richtung Kate Bush’s “Running Up That Hill”. Wie hat er das nur gemacht? Egal. Es groovt wie Bolle und hält auch größere Floors in Bewegung.
ADA, die Hamburger Grand Dame des Techno Pop hat sich des in Zungen sprechenden Funk Kloppers “Talking Man” angenommen und ihn ordentlich in Feenstaub getunkt. Dabei entstand der wohl sensationellste, soulfulste Club Track ever. Ehrlich.
Abgerundet wird das Paket mit einer kräftigen Dub Version von “Follow Your Line” vom IMARA bzw. KOMPAKT Boss selbst. Weil er’s kann.
Herzklappen auf, Remixe rein.
Das Debütalbum von Geelong's starken Trio aus erfahrenen Punk/Alternative/Noise-Rockern feat. 'Lightning' Ben Watkins (ex- Warped), Buzz Munday (ex- Bored!) und Adam Doherty (ex- Spaghetti Westerns). GRYTT mischen OZ-Hardrock mit Proto-Punk-Attitüde und noisy Alternative. Das selbstbetitelte Debütalbum von GRYTT klingt, als hätte Lemmy die Amme für das Kind von Husker Du und Wipers gespielt. Buzz' unglaubliches und unnachgiebiges Schlagzeugspiel bietet eine klapprige Kulisse aus "Friedhofsschicht in der Gießerei"-ähnlichem Gepolter als Vehikel für Ben und Ads' solipsistisches und a-rhythmisches Gitarren- und Bassgefuchtel und eine kollektive, temperamentvolle Reihe fataler lyrischer Erklärungen, die mit einer solchen Intensität deklamiert werden, dass sie geradezu lebensverbessernd klingen; Ihr dreckiges, maritimes Stolzieren ist eine eingängige, von Verzerrungen getriebene melodische Schwere, d.h. diese Australier beweisen ein für alle Mal, dass ihr Sinn für Dynamik sowohl intensiver als auch immenser ist als der der anderen Kinder im Block! Inspiriert von Husker Du, Black Sabbath, Wipers und ZZ Top (neben vielen anderen), verbindet die aus Geelong stammende Rockband GRYTT die Sounds des harten Aussie-Rocks mit einer lärmenden Proto-Punk-Attitüde. Die Band wurde 2022 gegründet und besteht aus Sänger/Gitarrist "Lightning" Ben Watkins (Ex-Warped), Schlagzeuger Buzz Munday (Ex-Bored!) und Bassist Adam Doherty (Ex-Spaghetti Westerns). Obwohl sie angeblich Teil einer Szene sind, die Aggression und Lärm ebenso schätzt wie Hooks und Melodien, zeigen GRYTT eine auffällige Pop-Sensibilität. Der Gesang ist üppig geschichtet und doch knurrig, und die Texte schaffen es, eine Schönheit in den Banalitäten des Vorstadtmelodrams zu finden. Unterstrichen von schreienden Garagenrock-Gitarren und der kraftvollen Rhythmusgruppe der Gruppe, treiben GRYTT den Rock'n'Roll mit Vollgas voran. "Featuring members of international touring artists Bored! and Warped "Recorded, Mixed & Mastered at Goatsound, Melbourne Australia by Jason Fuller "Ltd 300 copies on white vinyl worldwide, artwork by the renowned Alex Hegyesi
clear LP[40,13 €]
VEMOD sind alles andere als eine Durchschnittsband. Die Norweger existieren vielmehr in musikalischen und lyrischen Grenzbereichen. Das zweite Album des Trios, "The Deepening", ist aus demselben tonalen Granit gemeißelt, aus dem schon der Vorgänger "Venter på stormene" vor über einem Jahrzehnt geschlagen wurde. Das klangliche Grundgestein lagert im Ort Namsos, wo VEMOD um die Jahrhundertwende vom damals 12-jährigen Jan Even Åsli als lebenslanges Projekt aus musikalischer Leidenschaft ins Leben gerufen wurden. Die nächstgelegene Großstadt ist Trondheim, wo die eigenwillige lokale Nidrosian Black Metal Szene, die sich auf den ursprünglichen Namen der Stadt bezieht, die ersten musikalischen Bezugspunkte für VEMOD lieferte - wie das erste Demo "Kringom fjell og skog" (2004) eindeutig belegt.
Als die Norweger sieben Jahre später mit dem Track "Moestæ Qverelæ" auf einer Split-Single sowie dem Demo "Vinterilden" im Jahr 2011 erneut auftauchten, hatten sie sich signifikant verändert. Das Trio hatte Elemente verstärkt, die schon zuvor vorhanden waren: Eine Prise Erhabenheit, die an frühe IN THE WOODS... erinnert, ein Schuss Melancholie und eine Messerspitze introvertierter Kontemplation inmitten einer breiten Palette emotionaler und dunkelfarbiger Klangbilder. VEMODs musikalischer Wandel findet Parallelen in der Entwicklung der französischen Brüder im Geiste, ALCEST, obwohl es in beide Richtungen keinen direkten Einfluss gab. Im Nachhinein können die Norweger als Vorreiter für aktuell so populäre Stile wie Blackgaze und Post-Black Metal gelten, obwohl sie sich beides nie auf ihre Fahne geschrieben haben. Mit ihrem Debütalbum "Venter på stormene" öffneten VEMOD im Jahr 2012 ihre Musik für neue Orte: Auf einen denkwürdigen Auftritt beim renommierten Beyond the Gates Festival in Bergen im Jahr 2013 folgte die legendäre Show im Vigeland Mausoleum beim Osloer Inferno Festival, die ein Jahr später VEMODs exzellenten Ruf sogar jenseits des Atlantiks zementierte.
"The Deepening" kommt nun mit einer veränderten Produktion daher, die ein neues Klangbild erzeugt, ohne sich von den Wurzeln der Band zu lösen. Auch stilistisch beschreiten die Norweger neue Wege, indem sie ihrem Sound weitere Elemente hinzufügen. Die lyrischen Themen, die sich durch "The Deepening" ziehen, erzählen von Veränderung, Vergänglichkeit, Transformation und Wachstum. "The Deepening" will die Möglichkeit bieten, lang gehegte Überzeugungen und tröstliche Illusionen zu überwinden. Wahrheit kann schmerzen. Und eine Wahrheit ist, dass an der Wegkreuzung, die VEMODs zweites Album erreicht hat, ein vertieftes Verständnis ihrer musikalischen Welt wartet.
black LP[37,19 €]
VEMOD sind alles andere als eine Durchschnittsband. Die Norweger existieren vielmehr in musikalischen und lyrischen Grenzbereichen. Das zweite Album des Trios, "The Deepening", ist aus demselben tonalen Granit gemeißelt, aus dem schon der Vorgänger "Venter på stormene" vor über einem Jahrzehnt geschlagen wurde. Das klangliche Grundgestein lagert im Ort Namsos, wo VEMOD um die Jahrhundertwende vom damals 12-jährigen Jan Even Åsli als lebenslanges Projekt aus musikalischer Leidenschaft ins Leben gerufen wurden. Die nächstgelegene Großstadt ist Trondheim, wo die eigenwillige lokale Nidrosian Black Metal Szene, die sich auf den ursprünglichen Namen der Stadt bezieht, die ersten musikalischen Bezugspunkte für VEMOD lieferte - wie das erste Demo "Kringom fjell og skog" (2004) eindeutig belegt.
Als die Norweger sieben Jahre später mit dem Track "Moestæ Qverelæ" auf einer Split-Single sowie dem Demo "Vinterilden" im Jahr 2011 erneut auftauchten, hatten sie sich signifikant verändert. Das Trio hatte Elemente verstärkt, die schon zuvor vorhanden waren: Eine Prise Erhabenheit, die an frühe IN THE WOODS... erinnert, ein Schuss Melancholie und eine Messerspitze introvertierter Kontemplation inmitten einer breiten Palette emotionaler und dunkelfarbiger Klangbilder. VEMODs musikalischer Wandel findet Parallelen in der Entwicklung der französischen Brüder im Geiste, ALCEST, obwohl es in beide Richtungen keinen direkten Einfluss gab. Im Nachhinein können die Norweger als Vorreiter für aktuell so populäre Stile wie Blackgaze und Post-Black Metal gelten, obwohl sie sich beides nie auf ihre Fahne geschrieben haben. Mit ihrem Debütalbum "Venter på stormene" öffneten VEMOD im Jahr 2012 ihre Musik für neue Orte: Auf einen denkwürdigen Auftritt beim renommierten Beyond the Gates Festival in Bergen im Jahr 2013 folgte die legendäre Show im Vigeland Mausoleum beim Osloer Inferno Festival, die ein Jahr später VEMODs exzellenten Ruf sogar jenseits des Atlantiks zementierte.
"The Deepening" kommt nun mit einer veränderten Produktion daher, die ein neues Klangbild erzeugt, ohne sich von den Wurzeln der Band zu lösen. Auch stilistisch beschreiten die Norweger neue Wege, indem sie ihrem Sound weitere Elemente hinzufügen. Die lyrischen Themen, die sich durch "The Deepening" ziehen, erzählen von Veränderung, Vergänglichkeit, Transformation und Wachstum. "The Deepening" will die Möglichkeit bieten, lang gehegte Überzeugungen und tröstliche Illusionen zu überwinden. Wahrheit kann schmerzen. Und eine Wahrheit ist, dass an der Wegkreuzung, die VEMODs zweites Album erreicht hat, ein vertieftes Verständnis ihrer musikalischen Welt wartet.
brown LP[30,46 €]
„Little Rope” ist eines der besten und vielschichtigsten Alben in der fast 30-jährigen Karriere von SleaterKinney. Das Album als makellos zu bezeichnen, wäre eine Beleidigung für seine Intention - es stürzt sich kopfüber in Fehler und Gebrochenheit - eine Meditation darüber, was das Leben in einer Welt der ständigen Krise aus uns gemacht hat und was wir im Gegenzug der Welt antun. Oberflächlich betrachtet, reichen die 10 Songs des Albums von sparsam bis hymnisch, von eingängig bis absichtlich hart.
Dahinter verbergen sich jedoch die vielleicht komplexesten und subtilsten Arrangements aller Sleater-Kinney-Alben und ein lyrischer und emotionaler Kompass, der fest in die Richtung von etwas sowohl Befreiendem als auch Erschreckendem weist: das Gefühl, dass der einzige Weg, die Kontrolle zu gewinnen, darin besteht, sie loszulassen.
black LP[27,94 €]
„Little Rope” ist eines der besten und vielschichtigsten Alben in der fast 30-jährigen Karriere von SleaterKinney. Das Album als makellos zu bezeichnen, wäre eine Beleidigung für seine Intention - es stürzt sich kopfüber in Fehler und Gebrochenheit - eine Meditation darüber, was das Leben in einer Welt der ständigen Krise aus uns gemacht hat und was wir im Gegenzug der Welt antun. Oberflächlich betrachtet, reichen die 10 Songs des Albums von sparsam bis hymnisch, von eingängig bis absichtlich hart.
Dahinter verbergen sich jedoch die vielleicht komplexesten und subtilsten Arrangements aller Sleater-Kinney-Alben und ein lyrischer und emotionaler Kompass, der fest in die Richtung von etwas sowohl Befreiendem als auch Erschreckendem weist: das Gefühl, dass der einzige Weg, die Kontrolle zu gewinnen, darin besteht, sie loszulassen.
Jordan Munson ist ein Komponist, Performer und Multimedia-Künstler. In seinen Werken erforscht er die Erinnerung und unsere Beziehung zur Technologie, und es heißt, dass er "akustische Melodien und elektronische Rhythmen mit aufregender Absicht verschmilzt" (The New York Times). Seine Kompositionen beruhen auf einer Ausbildung in Perkussion, Improvisation, Pop und Sounddesign und stellen subtile Landschaften mit reichhaltigen Texturen und treibenden Melodien einander gegenüber. Munson setzt Technologie ein, um natürliche Klänge zu interpretieren und umgekehrt, wobei er sich auf die Übertragungsverluste konzentriert, die durch diese ständige Neusynthese entstehen. "Heartless Fools" wurde 2018 in den Greenhouse Studios in Reykjavík, Island, aufgenommen. Seit diesen ersten Aufnahmen ist die Musik durch weitreichende Zusammenarbeit mit Musikern aus Jazz, Klassik und Pop gewachsen. Zu den Künstlern gehören das experimentelle Pop-Trio Square Peg Round Hole, die Sänger*innen Isaiah Robinson und Hanna Benn sowie die isländische Cellistin Pórdís Gerdur Jónsdóttir. Während die Musik selbst nicht politisch sein soll, bezieht sich der Titel "Heartless Fools" auf die Reaktion von zwei Personen auf die aktuelle politische Landschaft. Die erste arbeitet sich durch Schock und Trauer, während sie die Realitäten dieser Welt wahrnimmt, und versucht, dem Ganzen einen Sinn zu geben. Die andere, angeheizt durch einen Verlust der kulturellen Identität, ist voller Wut, die sie antreibt, unmenschliche Dinge zu tun. Dies zeigt sich in der Musik als Kampf zwischen Ordnung und Chaos, Kontemplation und Ungeduld. Die Werke stehen in einem ständigen Spannungsfeld, sowohl intern und miteinander.




















