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Donkey Inching', the Cellophane Suckers' ninth studio album, is set for release in September 2026. Unwavering and stubborn as a donkey, the Cellophane Suckers follow their very own path at their very own pace. The band, decried as "lead-swallowing" high-speed rock 'n' rollers, stoically let chords linger and celebrate feedback, reducing rather than harmonising, then picking up the speed when you least expect it and slowing down shortly afterwards to roll on in a Dadaist fashion the drums become a machine, the guitars increasingly embodying yin and yang. With "Execution Day", they pay tribute to Spencer P Jones, whom one might well cite as a musical influence, and Neil Young is also honoured, whose Wall of Sound goes down well with the Suckers. The fact that a text by Charles Bukowski is also "set to music" may be down to their love for red wine "Donkey Inching"... creeps stoically and stubbornly, like a donkey, into your ears. In July 2026, the Cellophane Suckers will once again be touring Brittany, and in September they'll be hosting a release party at the Sonic Ballroom in Cologne. Further concert weekends are planned for autumn/winter 2026...

Friends of Jesse Malin: I Would Do It For You – Vol. 1 brings together musicians from the worlds of rock, punk, Americana, and the underground to celebrate one of modern rock's most respected songwriters. "I've been a fan of Jesse Malin for decades now so I was thrilled when Valley Lodge was asked to be a part of the tribute album,”says Dave Hill. The song originally appeared on D Generation’s 1996 album, No Lunch. "'Too Loose' has always been one of my favorites—a great and timeless rock song that we had a blast re-interpreting." Produced by Lyle Hysen, Friends of Jesse Malin: I Would Do It For You Vol 1. is the first in a two-volume series of nearly 80 songs (!) recorded by Jesse’s friends and community. Proceeds from the album will benefit Malin’s healthcare as he recovers from a paralyzing spinal stroke. Vol. 2 will feature Thurston Moore, Willie Nile, and many more. "Friends, collaborators, and artists from every corner of Jesse's world wanted to be involved," says Hysen. "The songs just kept coming. What started as a single collection quickly grew into something much bigger, encompassing almost the entire Malinverse. We're excited that this is only the first chapter." The compilation features contributions from Amanda Cross, Bebe Buell, Trapper Schoepp, Valley Lodge, Danny Sage, James Maddock, Gogol Bordello, Ursa Minor, Sami Yaffa, Prima Donna, Das Damen, Rene & Grace Mata, Dead Milkmen, Cat Popper & Sasha Dobson, Robinlee Garber, The Seashore Sharks featuring Jesse and Alexei Sanoff, Derek Cruz, Jill Fiore, Matt Madly & Co., Davey La, American Dream, Joe McGinty, Randy Schrager, Stephen Chopek, Ben Foley, and Kelley Swindall. Friends of Jesse Malin: I Would Do It For You – Vol. 1 will be available digitally, on vinyl, and as a deluxe double-CD edition. The vinyl release features twelve tracks across two sides and includes a download code for the complete digital collection, while the CD edition presents all 26 songs across two discs.

Das 2017 veröffentlichte Album *Under Cöver* vereint Motörhead-Aufnahmen von Songs, die die Band
geprägt haben, darunter Versionen von Titeln von Künstlern wie David Bowie, The Rolling Stones, Sex
Pistols und Judas Priest. Die Sammlung umfasst Aufnahmen aus verschiedenen Phasen der Bandgeschichte
und bietet eine neue Perspektive auf die musikalischen Einflüsse von Motörhead, ohne dabei den unverwechselbaren Sound von Lemmy, Phil Campbell und Mikkey Dee zu verlieren.

Das Indie-Pop-Trio almost monday aus San Diego – Dawson Daugherty (Gesang), Cole Clisby (Gitarre)
und Luke Fabry (Bass) – präsentiert mit „THANK GOD IT’S ALMOST MONDAY“ bereits sein zweites
Album.
Die 13 Songs verbinden die energiegeladene Leichtigkeit der Band mit einer neuen emotionalen Tiefe. Nach
intensiven Tourneen und persönlichen Höhen und Tiefen entstand ein Album über Freude, Verlust, Freundschaft, Nostalgie, Dankbarkeit und den Mut, seinen eigenen Weg zu gehen.
Musikalisch entwickelt die Band ihren Sound weiter und arbeitete dafür mit Simon Oscroft und Chase
Lawrence zusammen. Zu den Highlights zählen die Singles „leaving is easy“, „no more regrets“, „french
kids“ und „better late than never“. Die erste Single des neuen Albums „No More Regrets“ ist bereits im
Mai erschienen und hat auch in Deutschland schnell die Airplay Charts erobert.
Nach dem vorherigen #1-Hit „can’t slow down“, einer ausverkauften Welttournee und Auftritten bei Lollapalooza, BottleRock und Outside Lands knüpfen almost monday mit ihrem neuen Album an ihre bisherigen
Erfolge an.

Die Debüt-EP mit vier Songs des bayerischen Quartetts Morgan Pines, besetzt mit (ehemaligen) Mitgliedern von Point Baker, Irish Handcuffs und Worst Advice. Musikalisch bewegt sich die Band irgendwo zwischen Indie, Heartland-Rock, Country und Punk - mit eingängigen Melodien, warmen Harmonien und genau der richtigen Portion Melancholie. Wer Bands wie Limbeck, Chamberlain oder Racquet Club schätzt, sollte hier unbedingt reinhören.

Mit "Cut You Where You Was" kehrt Zooid, die Flaggschiff-Band des Saxofonisten, Flötisten und Pulitzer-Preisträgers Henry Threadgill zurück. Die Künstler feiern damit das 25-jährige Jubiläum ihres ersten Albums "Up Popped the Two Lips", der ersten Veröffentlichung von Pi Recordings, dem Label, das ursprünglich angetreten war, die Veröffentlichungen von Threadgill zu dokumentieren. Das Album umfasst eine Reihe kurzer Stücke, die von Threadgills Faszination für frühe Aufnahmetechniken inspiriert sind: Ihre kurze Spieldauer zwingt jeden Musiker dazu, sich schnell zu äußern, anstatt sich in langwierigen Entwicklungen zu verlieren und eröffnet so neue Möglichkeiten des musikalischen Ausdrucks.

Der Progressive-Rock- und Jazz-Fusion-Künstler Nate Mercereau präsentiert gemeinsam mit Künstlern wie Carlos Niño, Aaron Shaw und Deantoni Parks sein neuestes Album „Fantastic Thoughts“. Sein maximalistisches, aufrichtiges und nicht selten verletzliches Album fordert den Hörer heraus: „Was wäre, wenn du es tun würdest?“

Father's Children, die der schwarzen Musik ebenso treu waren wie dem schwarzen Islam, sind aus dem Dreck und Schmutz von Washington, D.C. hervorgegangen. Ihr gefühlvoller Funk-Stil fand vielleicht seine großartigste Bühne auf ihrem selbstbetitelten ,Debüt" von 1979 bei Mercury - ein Album, das den rauen Soul der Band mit einer Schicht erstickenden L.A.-Glanzes überzog, kaum Aufmerksamkeit erregte und den Anfang vom Ende für Father's Children markierte. Jahre bevor sich der Kokainstaub gelegt hatte, war bereits Material für ein weiteres Album aufgenommen worden - jene kreative Supernova, die die Gruppe schon Jahre zuvor ins nationale Bewusstsein hätte rücken sollen. ,Who's Gonna Save the World" ist diese Explosion aus dem Jahr 1973, die verfrüht konzipiert und dann erst Jahrzehnte später nach einer langen Reifezeit in der Garage von Produzent Robert Hosea Williams am Vorort-Ringstraßenrand entdeckt wurde. Bisher unveröffentlicht, ist dieses echte Debüt von Father's Children ein Werk, das sich aufrichtig mit seiner eigenen Zeit und seinem eigenen Ort auseinandersetzt und kometenartigen Funk, sonnige Gruppenharmonien, Fuzz-Gitarrensoli, schimmernde Keyboards, sprudelnde Percussion, spirituelle Prophezeiungen und Dub-Experimente vereint.

,AFRO-DISCO MAKOSSA" ist das erste Album auf Linear Labs, das ausschließlich für die Tanzfläche gemacht wurde, und Younge ist wie kein anderer dafür geeignet, es zu produzieren. Er ist nicht als Außenseiter zum Afrobeat gekommen, um ihm Tribut zu zollen. Über sein Schwesterlabel Jazz Is Dead hat er bereits dazu beigetragen, zu definieren, wie moderner Afrobeat klingt. Seine Sessions mit Tony Allen (Mitbegründer des Genres selbst) und dem Highlife-Pionier Ebo Taylor haben nicht nur sein musikalisches Vokabular geprägt; sie brachten zwei gefeierte moderne Klassiker hervor. "Afro-Disco Makossa" ist das, was passiert, wenn derselbe Künstler eine ganz andere Frage stellt: Was hätte ein ghanaischer Produzent im Jahr '76 gemacht, wenn er sich daran gemacht hätte, eine amerikanische Disco-Platte für seine Heimatstadt zu produzieren? Das Ergebnis ist ein klangliches Patchwork aus Afrobeat, Funk und Disco, gemacht für den DJ jeder Ära.

Auf diesem Tonträger mit dem für "KrawallBrüder" eher ungewöhnlichen Namen „Stories of our life“ erwarten Euch 10 Songs, darunter einige der größten Hits der KB-Ära – komplett neu interpretiert in englischer Sprache.
Die Songtexte wurden von "Tim Steinfort" (Haymaker/Discharger) standesgemäß ins Englische übersetzt und von den Brüdern komplett neu eingesungen, wodurch die Songs eine ganz eigene, frische Atmosphäre bekommen, ohne ihre ursprüngliche Kraft zu verlieren.
Ein neues Kapitel in der Geschichte der vier Jungs aus dem Saarland? Wohl eher nicht! Dafür aber die logische Konsequenz auf die inzwischen auch international wachsende Fangemeinde.
Ein besonderes Sammlerstück für die geneigten Hörer – Streng limitiert und sicher schnell vergriffen!

ÖLÜM ist eine in Los Angeles ansässige anatolische Rock-'n'-Roll-Band unter der Leitung von Frontmann Aykut Özen aus Izmir. Die Band haucht dem zeitlosen Genre der türkischen Volksmusik neues Leben ein und präsentiert ein stetig wachsendes Repertoire an Eigenkompositionen. ÖLÜM ist fest entschlossen, das goldene Zeitalter des anatolischen Psychedelic-Rock von 1966 bis 1982 wieder aufleben zu lassen - ein Zeitalter, das von Erkin Koray und Baris Manco geprägt wurde -, komplett mit Fuzz-Gitarre, Hammond- und Leslie-Kombinationen, analogen Synthesizern, Farfisas, melodischen Riffs und markanten Schnurrbärten.

Vintage Pleasure Boutique returns to the classic Hotsound Records catalogue with Primero’s “Oh Que Calor”, another unmistakable production from Michiel van der Kuy.

This vinyl edition brings together three newly remastered original versions: Extended, Radio and Instrumental, preserving the sound and atmosphere of the original release, alongside fresh remixes from A.P. Mono, Spacehawk and Disco Computer.

All three remixers share a fascination with Van der Kuy’s signature sound. Their interpretations may take different routes, but the original DNA remains intact: pulsing synths, Linn Drum, cosmic melodies and that unmistakable late-’80s vocal spacesynth energy.

And “Oh Que Calor” still has the power to transport you somewhere else entirely: to a seaside resort on some Spanish coast, sometime in the late 1980s – hot nights, neon lights, open-air dancefloors and a whole summer soundtrack built from Italo Disco, spacesynth and electro. Somewhere between the beach and the club, Primero feels completely at home.

For fans of Laserdance, Koto, Cyber People, Proxyon and Sisley Ferre, this is both a return to the original and a new chapter.

Three original versions. Three new remixes. One unmistakable Hotsound DNA.

Six drum-forward, tape-warped club constructions from the elusive Comandante engineer. Sampled 80s wreckage crushed through hardware and heavy compression: club-chug weapons + late-nite astral howling.

12″ edition of 200, individually hand-stamped and numbered. No represses.

Strange and sepulchral, Pedronium has crafted a mini-album on an astral flight, looping in and around macabre wormholes, from the strange sepulchre of opening serenade ‘4D VISION 1987’ to the deranged primal scream of ‘Nixe’ [dusk in the studio, crooning drunk on mic, disturbed sonics dragged up at the warbled gates]

‘Churms’, an unrelenting club chug banger that we’ve already heard send Lisbon’s best club systems into overdrive; ‘Finesse [The Right People]’, a teknicolor weapon hitting like a jackhammer on the concrete floor.

The grotesque charm of ‘Naked / Afraid’, the rickety jilt of ‘Snav’, all tape delay and foreboding pads, an imminent threat, a polysonic picture in a weird forgotten theatre.

The sanity of reason is already a distant dream on the late-night floor or the morning after. All tracks meticulously arranged and recorded live in one take.

Eine solide LP-Sammlung mit 14 Titeln, die die Hits des jungen Michael Jackson aus seiner Motown-Ära
umfasst, darunter die legendären Jackson-5-Hits von „I Want You Back“ bis „I’ll Be There“ sowie seine
Solo-Hits „Got To Be There“, „Ben“ und „I Wanna Be Where You Are“. Alle Songs, die in der neuen
„MJ“-Biografie zu hören sind, werden in diesem Set enthalten sein.

A Project dealing with the relative length of time at a record label and the effect of adding another zero. To explore this passage of time and all those memories, we’ve commissioned remixes of key tracks from the LEX catalog by artists we love and admire. The album features contributions from Danger Mouse & Jemini, Fly Anakin & Pink Siifu, Eyedress, Golden Rules featuring Yasiin Bey and Freddie Gibbs, Neon Neon feat. Cate Le Bon, alongside Kaleida, Belief, Nevermen, Prince Po and MF DOOM. With remixes that reinterpret the tracks by Boards of Canada, Kevin Shields of My Bloody Valentine, DJ Premier, Prefuse 73, Madlib, Stereolab, Warpaint, King Krule, Chad Hugo and Thom Yorke. The limited edition physical release is presented in a rigid slipcase, with the vinyl housed in a triple sleeve gatefold, and accompanied by a large format board book, with both featuring artwork by Commission Studios. The records are pressed on 180g heavyweight vinyl, with the D-Side finished with a bespoke etched design.

Felix Walworth wurde in der Broome Street geboren. Bevor sie zu einer festen Größe in der New Yorker DIY-Szene der 2010er Jahre wurden, bevor sie ihr Markenzeichen - das auf einem Keyboardständer montierte BMSS-Schlagzeug - einführten, bevor sie eindringliche Reflexionen über Identität schrieben, die ihnen eine Kult-Anhängerschaft unter den Kids auf Tumblr einbrachten, waren sie ein Kind, das in den verschiedenen Stadtbezirken aufwuchs und eine Stadt liebgewann, die schließlich bis zur Unkenntlichkeit veränderte. ,What's Up" ist Walworths viertes Album als Told Slant, unter diesem Namen haben sie seit 2012 eindringliche Alben mit weitläufigem, nervenblanken Indie-Rock veröffentlicht. Das ist ihr New-York-Album: eine Sammlung von Songs darüber, wie man zusehen muss, wie sich die Heimatstadt verändert, und wie man spürt, wie sie einen im Gegenzug selbst verändert hat. Es ist ein Album über die Hingabe an ein prekäres Musikleben und all die Schönheit und Demütigungen, die damit einhergehen. Während es auf den ersten drei Told-Slant-Alben um Selbstreflexion und den Versuch ging, als Künstler zu überleben, handelt ,What's Up" davon, was passiert, wenn man sich ,fast schon manisch dem Projekt des Selbstausdrucks und der Subkultur in einer der feindseligsten Umgebungen der Welt" verschrieben hat und sich mit all den Menschen, Orten und Träumen auseinandersetzen muss, die auf diesem Weg verloren gegangen sind. In Songs wie ,Manhattan", ,Draw Blood", ,Three Anchovies" und dem Titeltrack fängt Walworth Trauer, Wut, Hingabe und flüchtige Momente der Verbundenheit ein und zeichnet das Verschwinden geliebter Stadtviertel, DIY-Räume, Freundschaften und Lebensweisen mit gleichermaßen schwerer und humorvoller Hand nach.,What's Up" ist zudem das bisher kollaborativste und abenteuerlichste Album von Told Slant. Es entstand über einen Monat hinweg in einem provisorischen Studio im Upstate New York und wurde größtenteils auf einem Acht-Spur-Spulenband aufgenommen - damit ist es die erste überwiegend analoge Veröffentlichung des Projekts, an der Hannah Pruzinsky, Jonny Baker, Ceci Sturman, Hellen Ballentine, Emily Sprague, Mari Maurice und Elijah Wolf mitgewirkt haben. Die Songs entstanden zum Teil aus Walworths Arbeit als Porträt- und Straßenfotograf während der Pandemie, als er die Straßen, Parks, Veranstaltungsorte und Ladenfronten, die sein Leben geprägt hatten, erneut besuchte - nur um festzustellen, dass viele davon verschwunden waren. Dieses Gefühl des Verlusts zieht sich durch das gesamte Werk, das mit ,Still Water" (2012) begann, sich über ,Going By" (2016) und ,Point the Flashlight and Walk" (2020) fortsetzte und seit langem von schmerzlich ehrlichen Songs über Selbstfindung, Freundschaft, Sterblichkeit und den langsamen Verlust der Verbundenheit mit der Gemeinschaft geprägt ist. Auf ,What's Up" richtet Walworth diesen Blick nach außen und dokumentiert nicht nur ihre eigene Beziehung zu New York, sondern auch die Kosten des Bleibens, des Schaffens und des Glaubens an eine Stadt und eine Musikkultur, die sie mitgeprägt haben.

Natalie Imbruglia ist Millionen von Menschen mit ihrem weltweiten Hit "Torn" bekannt, einer der bis heute prägendsten Songs der Neunziger. Damit begann eine außergewöhnliche Erfolgsserie, die u.a. 2 BRIT Awards, 3 Grammy-Nominierungen, 8 ARIA Awards und 7 Mio. verkaufte Exemplare ihres Debütalbums "Left Of The Middle" umfasst. In jüngerer Zeit stand sie durch Auftritte an der Seite von Olivia Rodrigo erneut im Rampenlicht. Jetzt ist der perfekte Moment für ein neues Kapitel: ihr neues Album Algorithm mit der Lead-Single "Upside Down".

Algorithm zeigt Natalie Imbruglia in einer neuen Ära – geprägt von Selbstermächtigung, Freiheit und kreativer Erfüllung. Das erste Album der australisch-britischen Pop-Ikone seit fünf Jahren ist eine echte Tour de Force: ein zutiefst persönliches Werk, das eindrucksvoll daran erinnert, warum wir uns ursprünglich in ihre Musik verliebt haben. Es erscheint in einer Zeit, in der sich der kulturelle Zeitgeist wandelt und Popmusik wieder stärker zur Tanzfläche tendiert – mit einer Ausrichtung, die sich an den eleganten Pop-, Disco- und House-Elementen von Robyn orientiert.

Nach dem UK-Top-10-Comeback mit Firebird (2021) meldet sich Natalie Imbruglia auf Algorithm voller Energie und Tatendrang zurück. Sie ist Co-Produzentin und -Autorin jedes Songs, neben namhaften Kollaborateur:innen wie MyRiot (London Grammar), David Sneddon (Lana Del Rey), Fraser T Smith (Adele, Stormzy, Sam Smith), Gary Lightbody von Snow Patrol, Anu Pillai (Lewis Capaldi), Tobie Tripp (George Ezra), Mark Crew (Bastille, James Arthur) und Dan Priddy (Rag’n’Bone Man, Bastille). Im Anschluss an die Veröffentlichung des Albums wird Natalie Imbruglia ausgewählte Festivaltermine spielen und auf Tour gehen.

Natalie Imbruglia ist Millionen von Menschen mit ihrem weltweiten Hit "Torn" bekannt, einer der bis heute prägendsten Songs der Neunziger. Damit begann eine außergewöhnliche Erfolgsserie, die u.a. 2 BRIT Awards, 3 Grammy-Nominierungen, 8 ARIA Awards und 7 Mio. verkaufte Exemplare ihres Debütalbums "Left Of The Middle" umfasst. In jüngerer Zeit stand sie durch Auftritte an der Seite von Olivia Rodrigo erneut im Rampenlicht. Jetzt ist der perfekte Moment für ein neues Kapitel: ihr neues Album Algorithm mit der Lead-Single "Upside Down".

Algorithm zeigt Natalie Imbruglia in einer neuen Ära – geprägt von Selbstermächtigung, Freiheit und kreativer Erfüllung. Das erste Album der australisch-britischen Pop-Ikone seit fünf Jahren ist eine echte Tour de Force: ein zutiefst persönliches Werk, das eindrucksvoll daran erinnert, warum wir uns ursprünglich in ihre Musik verliebt haben. Es erscheint in einer Zeit, in der sich der kulturelle Zeitgeist wandelt und Popmusik wieder stärker zur Tanzfläche tendiert – mit einer Ausrichtung, die sich an den eleganten Pop-, Disco- und House-Elementen von Robyn orientiert.

Nach dem UK-Top-10-Comeback mit Firebird (2021) meldet sich Natalie Imbruglia auf Algorithm voller Energie und Tatendrang zurück. Sie ist Co-Produzentin und -Autorin jedes Songs, neben namhaften Kollaborateur:innen wie MyRiot (London Grammar), David Sneddon (Lana Del Rey), Fraser T Smith (Adele, Stormzy, Sam Smith), Gary Lightbody von Snow Patrol, Anu Pillai (Lewis Capaldi), Tobie Tripp (George Ezra), Mark Crew (Bastille, James Arthur) und Dan Priddy (Rag’n’Bone Man, Bastille). Im Anschluss an die Veröffentlichung des Albums wird Natalie Imbruglia ausgewählte Festivaltermine spielen und auf Tour gehen.

Diese Aufnahme von Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ aus dem Jahr 1969 mit der Academy of St Martin in
the Fields und Sir Neville Marriner – dem am häufigsten aufgenommenen Orchester-Dirigent-Duo der
Geschichte – ist nach wie vor so frisch und voller neuer Ideen wie bei ihrer Erstveröffentlichung.
Alan Lovedays wunderbar stilvolle Violinsoli und Simon Prestons einfallsreiche Continuo-Bearbeitung auf
Cembalo und Orgel machen diese Aufnahme zu einer der musikalisch befriedigendsten „Jahreszeiten“-
Einspielungen. Transparent, lebendig, tänzerisch.
Die Serie wurde von Rainer Maillard gemastert und von Sidney C. Meyer in den renommierten EmilBerliner-Studios unter Verwendung ihrer 100 % rein analogen Techniken (AAA) geschnitten. Es werden
ausschließlich analoge Quellen aus den originalen Stereo- und Quadrophonie-Masterbändern verwendet,
darunter auch kürzlich entdeckte analoge Master von frühen Digitalaufnahmen.
Diese in Deutschland bei der Schallplattenfabrik Pallas auf 180 g Virgin-Vinyl gepressten Deluxe-GatefoldVeröffentlichungen in limitierter Auflage enthalten: das Original-Artwork und Liner Notes; Archivfotos und
Faksimiles der Original-Aufnahmeblätter. Jede einzelne Veröffentlichung enthält individuelle Anmerkungen
von Dominic Fyfe, in denen die Geschichte der Aufnahme, der technische Hintergrund und der MasteringProzess detailliert beschrieben werden.

Wir feiern das 30-jährige Jubiläum von Another Level. Das zweite Studioalbum von Blackstreet erschien 1996 bei Interscope Records und markiert den kommerziellen Höhepunkt der Gruppe. Es verbindet
geschmeidige R&B-Harmonien mit Hip-Hop-Produktionen und einem ausgefeilten, radiotauglichen Sound.
Das Album wurde größtenteils von Gruppenbegründer Teddy Riley produziert, einem Pionier des New
Jack Swing, und vereint gefühlvolle Balladen, groovige Midtempo-Tracks und cluborientierte Songs. Dabei
präsentiert es Blackstreets charakteristische Mischung aus romantischen Themen, urbanem Flair und stimmlicher Präzision.
Im Mittelpunkt des Albums steht der weltweite Megahit „No Diggity“ mit Dr. Dre und Queen Pen. Der
Song wurde mit einem Grammy Award ausgezeichnet und entwickelte sich zu einem der prägendsten R&B-
/Hip-Hop-Crossover-Hits des Jahrzehnts. Weitere herausragende Tracks wie „Don’t Leave Me“ und „Fix“
zeigen die Fähigkeit der Gruppe, emotionales Storytelling mit zeitgemäßer Produktion zu verbinden.
Another Level war ein großer kommerzieller Erfolg, erreichte mehrfachen Platinstatus und festigte Blackstreets Position als eine der führenden R&B-Gruppen der 1990er-Jahre. Das Album spielte eine wichtige
Rolle bei der Entwicklung jener Verschmelzung von R&B und Hip-Hop, die den Sound dieser Ära maßgeblich prägte.
Anlässlich des Jubiläums wird das Album neu als 2LP auf klassischem schwarzem Vinyl aufgelegt und
enthält außerdem den bereits zuvor veröffentlichten Bonustrack „No Diggity – Billie Jean Remix“.

Die australischen Rockband Airbourne war noch nie dafür bekannt, klein zu denken. Auf ihrem
sechsten Studioalbum, der nach der Band selbst benannt ist, hat sie sich allerdings noch mal selbst übertroffen. Airbourne – ein Name, der zum Synonym für bombastischen, biergetränkten, gefährlichen und sexy Rock’n’Roll geworden ist. „Dieses Album vereint alles, wofür wir stehen, in einem einzigen Werk“, erklärt Ryan den Titel. „Es ist das beste Album, das wir überhaupt machen konnten.“

Zusammen mit dem starken Produktionsteam aus Brian Howes (der 2013 "Black Dog Barking" produziert hat) und dem Toningenieur Mike Fraser (der an „Breakin’ Outta Hell“ von 2016 und „No Guts. No Glory.“ von 2010 mitgearbeitet hat), machte sich die Band im Music Farm Studio im „Dschungel“ außerhalb von Byron Bay an die Arbeit. Der Komplex verfügt über das originale Neve-Mischpult aus den Alberts Studios, auf dem Bands wie AC/DC, Rose Tattoo und The Angels ihre wegweisenden frühen Alben aufgenommen haben.

Das Ganze präsentiert sich in einem sorgfältig gestalteten Paket, gemischt von Zakk Cervini (BMTH, Architects), das die Leidenschaft, das Feuer und die schweißgetränkte Gefahr einer Band auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte einfängt, komplett mit Schlagzeug, das wie Kanonen knallt, und Gitarren, die wie Kreissägen schneiden.

„Alive After Death“ und „Send Me To Rock’N’Roll Heaven“ sind eine Hommage an die verstorbenen Idole der Band; letzterer Titel bezieht sich auf Lemmy, Doc Neeson von The Angels, John Bonham, Bon Scott, Little Richard und weitere. Joel schrieb den Text zum mitreißenden „Alive After Death“ eines Abends im Tourbus, als er darüber nachdachte, wie die Musik dieser Legenden sie unsterblich macht. An anderer Stelle gibt es Geschichten von unterwegs („Bogota“), Songs über Trotz und Nicht-Aufgeben („Last Man Standing“, „Hell’s Got No Vacancy“, „Gutsy“) und noch mehr Sex („Sky High“). Jetzt müssen Airbourne nur noch auf die Bühne zurückkehren, in der Gewissheit, dass sie ihr bestes Album aller Zeiten mitbringen.

CULK um Sängerin und Songwriterin Sophie Löw (alias Sophia Blenda) sind zurück. Und wieder versucht die Wiener Band auf ihre ganz eigene Weise unsere Gegenwart in all ihren Ambivalenzen einzukreisen. Wie fühlt es sich an, heute als Mensch in dieser Welt mit den grenzenlosen Möglichkeiten, den Existenz- und Zukunftsängsten, Sinnsuchen und Identitätsfragen? Auf ihrem neuen, vierten Album tauchen CULK in einen Schwebezustand zwischen Euphorie und Überforderung ein. "smogstar" erzählt von dem pulsierenden Gefühl im Dazwischen. Alles so aufregend. Alles zu viel. Alles zugleich. Es geht um die endlosen Möglichkeiten, sich vermeintlich ständig neu erfinden zu können. Auch wenn man vielleicht immer noch nicht ganz genau weiß, wer man ist. "Ich wollte, dass die Texte leichtfüßiger sind und diesen speziellen Vibe ausstrahlen: zwischen Freiheit fühlen und lost sein", eine Stimmung, die sich auch in den urbanen Collagen und Zeichnungen des Artworks wiederfindet, die Sophie Löw im Stil einer Graphic Novel selbst gestaltet hat: die schwarzhaarige Protagonistin mit dem dunkel verschmierten Eyeliner auf dem Cover ist dabei so etwas wie die fiktive Titelheldin des Albums, die sich durch den Dunst und das schimmernde Versprechen der Großstadt schlägt. Denn wie der Albumtitel schon verrät: Der Smog und die Sterne liegen hier nah beieinander. Und überhaupt ist "smogstar" ein ausgesprochenes Stadt-Album geworden. CULK spielen hier freier auf als je zuvor. Die markante Stimme von Sophie steht immer noch im Mittelpunkt der hypnostischen Songs, aber diesmal klingen sie offener, reduzierter und weniger dark. Zu den musikalischen Referenzen gehört dieses Mal die kompromisslosere Soundästhetik von Noise-Rock-Bands der 80er und 90er, wie Swirlies, Sonic Youth und Unwound, oder auch aktuellere Bands wie Julie oder Blue Smiley. "Wir wollten, dass alles eher bare bones und roh und in your face klingt. Was können wir aus uns Vieren herausholen, in dem Moment, in dem wir gemeinsam spielen?" fragen (sich) Culk. Was wir darüber hinaus bereits wissen: So konsequent ausformuliert war der Popentwurf von CULK noch nie. "smogstar" ist ein wunderbar nervös flimmerndes Schlaglicht auf unsere Gegenwart.

CULK um Sängerin und Songwriterin Sophie Löw (alias Sophia Blenda) sind zurück. Und wieder versucht die Wiener Band auf ihre ganz eigene Weise unsere Gegenwart in all ihren Ambivalenzen einzukreisen. Wie fühlt es sich an, heute als Mensch in dieser Welt mit den grenzenlosen Möglichkeiten, den Existenz- und Zukunftsängsten, Sinnsuchen und Identitätsfragen? Auf ihrem neuen, vierten Album tauchen CULK in einen Schwebezustand zwischen Euphorie und Überforderung ein. "smogstar" erzählt von dem pulsierenden Gefühl im Dazwischen. Alles so aufregend. Alles zu viel. Alles zugleich. Es geht um die endlosen Möglichkeiten, sich vermeintlich ständig neu erfinden zu können. Auch wenn man vielleicht immer noch nicht ganz genau weiß, wer man ist. "Ich wollte, dass die Texte leichtfüßiger sind und diesen speziellen Vibe ausstrahlen: zwischen Freiheit fühlen und lost sein", eine Stimmung, die sich auch in den urbanen Collagen und Zeichnungen des Artworks wiederfindet, die Sophie Löw im Stil einer Graphic Novel selbst gestaltet hat: die schwarzhaarige Protagonistin mit dem dunkel verschmierten Eyeliner auf dem Cover ist dabei so etwas wie die fiktive Titelheldin des Albums, die sich durch den Dunst und das schimmernde Versprechen der Großstadt schlägt. Denn wie der Albumtitel schon verrät: Der Smog und die Sterne liegen hier nah beieinander. Und überhaupt ist "smogstar" ein ausgesprochenes Stadt-Album geworden. CULK spielen hier freier auf als je zuvor. Die markante Stimme von Sophie steht immer noch im Mittelpunkt der hypnostischen Songs, aber diesmal klingen sie offener, reduzierter und weniger dark. Zu den musikalischen Referenzen gehört dieses Mal die kompromisslosere Soundästhetik von Noise-Rock-Bands der 80er und 90er, wie Swirlies, Sonic Youth und Unwound, oder auch aktuellere Bands wie Julie oder Blue Smiley. "Wir wollten, dass alles eher bare bones und roh und in your face klingt. Was können wir aus uns Vieren herausholen, in dem Moment, in dem wir gemeinsam spielen?" fragen (sich) Culk. Was wir darüber hinaus bereits wissen: So konsequent ausformuliert war der Popentwurf von CULK noch nie. "smogstar" ist ein wunderbar nervös flimmerndes Schlaglicht auf unsere Gegenwart.

Sofie Royer - laut *The Guardian* "einer der faszinierendsten und unterschätzten Popstars Europas, mit fesselnder Stimme und einem eigenwilligen, aristokratischen Glamour" - meldet sich mit einem neuen Album zurück! ,before/after" ist das vierte Studioalbum der österreichisch-iranischen Künstlerin. Es steckt voller Electro-Pop-Ohrwürmer und wurde gemeinsam mit Matt Cohn (SZA, The Weeknd), Jorgen Odegard (Sabrina Carpenter) und Eli Hirsch (Suki Waterhouse) produziert. Nach der Veröffentlichung dreier gefeierter Alben haben sich Songwriting und Produktion der Wiener Musikerin weiterentwickelt: Sie sind komplexer und ausgefeilter geworden, ihre Texte schärfer und humorvoller. *before/after* ist ihr bislang prägnantestes Werk. Es setzt sich mit den Schattenseiten des Künstlerlebens auseinander und verwebt die eigene Selbstreflexion mit kultureller Zeitkritik. Auch wenn sich Sofie von der Lo-Fi-Produzentin zur ernstzunehmenden Popmusikerin gewandelt hat - die bereits als Support-Act für Lana Del Rey, Air und LCD Soundsystem auftrat -, fühlt sie sich nach wie vor nirgendwo so recht zugehörig. Sie nimmt bei ihrer Kritik an der Musikbranche kein Blatt vor den Mund - "Ich bin zu sehr Pop für die Kunstwelt und zu sehr Indie-Liebling für den Mainstream" -, doch am härtesten geht sie mit sich selbst ins Gericht. In zwölf eingängigen Popsongs geht Royer der Frage nach, ob die Konflikte zwischen Vergangenheit und Zukunft nicht eigentlich Kämpfe mit dem eigenen Ich sind. "Wir befinden uns in einem ständigen Kampf zwischen dem Vorher` und dem Nachher`, wir beschäftigen uns intensiv mit diesen beiden zeitlichen Zuständen. Doch indem wir in ihnen gefangen bleiben, stehen wir uns oft selbst am meisten im Weg. Letztlich heißt es im Zustand des Vorher/Nachher immer: Du gegen dich selbst." Für Freunde von Suki Waterhouse, Lykke Li, Smerz, CMAT

Cat-O-Log Records gibt in Zusammenarbeit mit Universal Music Enterprises stolz die Neuauflage von Cat
Stevens’ sechster LP bei Island Records, „Buddha and the Chocolate Box“, bekannt.
„Buddha and the Chocolate Box“ erschien ursprünglich am 19. März 1974 und markierte die Rückkehr
sowohl von Paul Samwell-Smith als Produzent als auch von Alun Davies an der Gitarre, die beide auf dem
Vorgängeralbum „Foreigner“ nicht mitgewirkt hatten.
Klanglich fühlt sich „Buddha and the Chocolate Box“ zweifellos wie eine Rückkehr zum Stil der Ära
von „Tea for the Tillerman“ und „Teaser and the Firecat“ an, wenn auch mit musikalischen Arrangements
und einer Produktion, die ein neues Maß an Finesse und Raffnesse erreicht haben.
Der faszinierende Titel des Albums entstand während einer Flugreise, bei der Cat feststellte, dass er in
der einen Hand eine kleine Buddha-Statue und in der anderen eine Schachtel Pralinen hielt. Er dachte
darüber nach, dass man ihn im Falle eines Flugzeugabsturzes zwischen diesen beiden Gegenständen finden
würde, die das Spirituelle und das Materielle symbolisierten.
Anknüpfend an die Neuauflage des klassischen Live-Albums „Saturnight“ (Cat Stevens: Live In Tokyo)
aus dem Jahr 2024 und die Veröffentlichung von „On The Road To Findout: Greatest Hits“ im Jahr 2025
wurde „Buddha and the Chocolate Box“ sorgfältig anhand der originalen Produktionsbänder von Island UK
remastert und mit einem neu gestalteten Cover präsentiert.
„Buddha and the Chocolate Box“ wird auf 180 g schwarzem Vinyl, als CD erhältlich sein.

Alemayehu Eshete, die "Goldene Stimme Äthiopiens", hat sich seit seiner ersten Hitsingle "Seul" 1961 zu einer der prägenden Figuren der äthiopischen Soulmusik entwickelt, der wie kein anderer äthiopischer Musiker die aktuellen Trends der amerikanischen Soul-Szene so konsequent aufgegriffen und adaptiert hat. Diese neue 7" vereint zwei Höhepunkte der Zusammenarbeit zwischen ihm und Jimi Tenors Philophon-Label - remastered. Die Zusammenarbeit zwischen Alemayehu Eshete und Philophon wurde von Listros e.V. Berlin mit Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes initiiert.

Seit ihrer Erstveröffentlichung ist Sir Colin Davis’ mitreißende Aufnahme der „Symphonie fantastique“ aus
dem Jahr 1974 mit dem Concertgebouw-Orchester erste Wahl geblieben.
Davis’ Verbundenheit mit Berlioz ist mittlerweile legendär. Sein Verständnis für Berlioz’ einzigartige Kompositionspraxis kommt in dieser Concertgebouw-Aufnahme voll zur Geltung. Alle individuellen Qualitäten
von Berlioz’ Orchestrierung werden durch Davis’ überragende Musikalität kompromisslos umgesetzt. Er ist
ein wahrer Verfechter des Werks des französischen Komponisten. Packend!
Die Serie wurde von Rainer Maillard gemastert und von Sidney C. Meyer in den renommierten EmilBerliner-Studios unter Verwendung ihrer 100 % rein analogen Techniken (AAA) geschnitten. Es werden
ausschließlich analoge Quellen aus den originalen Stereo- und Quadrophonie-Masterbändern verwendet,
darunter auch kürzlich entdeckte analoge Master von frühen Digitalaufnahmen.
Diese in Deutschland bei der Schallplattenfabrik Pallas auf 180 g Virgin-Vinyl gepressten Deluxe-GatefoldVeröffentlichungen in limitierter Auflage enthalten: das Original-Artwork und Liner Notes; Archivfotos und
Faksimiles der Original-Aufnahmeblätter. Jede einzelne Veröffentlichung enthält individuelle Anmerkungen
von Dominic Fyfe, in denen die Geschichte der Aufnahme, der technische Hintergrund und der MasteringProzess detailliert beschrieben werden.

Mutant und Paramount Pictures präsentieren stolz eine Vinyl-Neuauflage von Lorne Balfes Soundtrack zu „Mission: Impossible – Dead Reckoning“, dem siebten Teil der beliebten Spionageserie des Schauspielers und Produzenten Tom Cruise. Gepresst auf 2x 140 g Gold Key-Vinyl, mit Begleittexten des Komponisten und Co-Autors, Regisseurs und Produzenten Christopher McQuarrie sowie einem Verpackungsdesign von Mo Shafeek. Lorne Balfes Filmmusik zu „Dead Reckoning“, dem siebten Teil der beliebten Spionageserie des Schauspielers und Produzenten Tom Cruise. Die fortwährende Neuerfindung der einst formlosen Franchise durch den Drehbuchautor und Regisseur Christopher McQuarrie – der unterschiedliche Stile und Themen geschickt in einen zusammenhängenden und überzeugenden Mythos einbettet – hat den Komponisten Lorne Balfe dazu veranlasst, dasselbe zu tun. Lornes Filmmusik, die im Laufe der dreijährigen Produktionszeit komponiert wurde, ist nichts weniger als ein Wunder. Sie ist zugleich eine Ode an das Vermächtnis der gesamten Serie und führt die musikalischen Motive fort, die bereits in seinem vorherigen Teil sowie im bei den Fans beliebten „Mission: Impossible – Fallout“ begonnen wurden; die Musik dieser Serie klang noch nie so grandios.

Der zweite Teil von Chapter Musics gefeierter australischer Post-Punk-Compilation-Reihe ,Can't Stop It!" erscheint erstmals auf Vinyl als Deluxe-Doppelalbum. Die Compilation wurde ursprünglich 2007 auf CD veröffentlicht und präsentiert eine unglaubliche Auswahl an innovativer und oft bisher unveröffentlichter Musik aus den Jahren 1979 bis 1984. Nun aktualisiert Chapter Music die Compilation mit sechs bisher unveröffentlichten Bonustracks sowie neuen Liner Notes, Fotos und einem neuen Layout. Dies ist eine unglaublich reichhaltige und dynamische Zeit in der australischen Musikgeschichte, eine Zeit, in der Australien aus dem Schatten ausländischer Einflüsse trat und vielleicht zum ersten Mal seine eigene musikalische Identität behauptete. ,Can't Stop It! II" enthält Titel, die mittlerweile zu Meilensteinen der australischen Post-Punk-Geschichte geworden sind, darunter ,Lamborghini" von Severed Heads und den Proto-Oz-Rap-Klassiker ,Do the Job" von Use No Hooks sowie frühe Werke von Künstlern wie Lisa Gerrard von Dead Can Dance und Mark Seymour von Hunters & Collectors. Zu den Bonustracks gehören das verblüffende ,How" von This Five Minutes aus Brisbane, das ,Fool's Gold" von The Stone Roses um mindestens fünf Jahre vorwegnimmt, sowie Tasmaniens eigener Performance-Punk Chainmale mit seinem ausgeflippten ,Freakout". ,Diese Ära der australischen Musik wurde nicht durch einen Sound oder ein Instrument definiert, sondern durch eine anarchische Kreativität" - Stephen Deusner, Uncut

Erscheint auf schwarzem Vinyl.

Ob als Sänger und Gitarrist der benzinbetriebenen Rockband The Almighty, als Frontmann der wiederbelebten Thin Lizzy und ihrer späteren Inkarnation Black Star Riders oder als gefeierter Solokünstler – ihn treiben seit jeher Eigenschaften an, die immer seltener werden: Ehrlichkeit, Leidenschaft und Emotion. Genau diese Qualitäten sowie Warwicks unermüdliche Hingabe zur Musik haben ihm über Jahrzehnte hinweg Erfolge in den Charts beschert, darunter mehrere Top-10-Alben.

Nachdem ihm kürzlich in seiner Heimat Belfast der Lifetime Achievement Award des Ards International Guitar Festival verliehen wurde, baut Warwick sein musikalisches Vermächtnis in diesem Jahr mit seinem elektrisierenden neunten Soloalbum Fire And Vengeance weiter aus. Das Album zeigt einen Musiker auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Auch textlich bewegt er sich auf höchstem Niveau – als Poet der Arbeiterklasse verbindet er in seinen Songs autobiografische, beobachtende, politische, zynische und zugleich zutiefst persönliche Elemente. Für das neue Album arbeitet Warwick erneut mit seinem musikalischen Partner Keith Nelson zusammen, dem ehemaligen Gitarristen von Buckcherry, der bereits das 2025 erschienene Blood Ties mitproduzierte, mitschrieb und einspielte. Darüber hinaus enthält das Album Gastauftritte von Musikern, die mit Def Leppard, Blackberry Smoke, Whitesnake und The High Kings verbunden sind. Fire & Vengeance erschließt subtile neue musikalische Wege, ohne sich jemals von dem kraftvollen, unverwechselbaren Sound zu entfernen, mit dem Warwick sich einen Namen gemacht hat.

Dieser Release von „Howl and Other Poems“, die anlässlich des hundertsten Geburtstags von Allen Ginsberg (1926–1997) erschienen ist, fängt die rohe Dringlichkeit und kulturelle Kraft einer Aufnahme ein, die
maßgeblich zur Prägung der Beat-Generation beigetragen hat. Ginsbergs unverwechselbare Stimme verleiht den furchtlosen Rhythmen, der radikalen Offenheit und der emotionalen Präzision des Gedichts neue
Intensität und bewahrt dabei die Energie und die Trotzhaltung, die „Howl“ zu einem der einflussreichsten
Werke der modernen amerikanischen Literatur gemacht haben. Limitierte Auflage auf umweltfreundlichem
grünem Vinyl.

Mit "DECADE ON PARADE" feiern The Feelgood McLouds ihr zehnjähriges Bandjubiläum - und liefern ihr bislang kraftvollstes Statement im Bereich Celtic Punk Rock. Die siebenköpfige Band aus Saarbrücken verbindet seit über einem Jahrzehnt ruppigen Punkrock mit traditionellen keltischen Instrumenten wie Dudelsack, Geige, Flöte und Akkordeon. Das Ergebnis: Songs, die nach Freiheit, Bier, Straßenromantik und langen Nächten klingen. Über 250 Konzerte im In- und Ausland haben die McLouds zu einer explosiven Live-Maschine geformt, deren Shows für kollektive Singalongs und unbremsbare Energie stehen. 2025 folgt ein besonderer Höhepunkt mit dem Auftritt beim Wacken Open Air, der ihren Stellenwert auch jenseits der Szene unterstreicht. Zusätzlichen Rückenwind bringt der internationale Einsatz ihres Songs "Saints And Sinners" in der Netflix-Serie House of Guinness. "DECADE ON PARADE" zeigt die Band gereift, lauter und entschlossener als je zuvor - ein Album voller Hymnen für Außenseiter, Nachtschwärmer und alle, die sich zwischen Tradition und Rebellion zuhause fühlen.

Debütalbum der Hamburg Indie Rock Band schluma. Das Quartett verbindet ein generationenübergreifender Zugang zu Gitarrenmusik zwischen Lo-Fi-Indie, Emo, Punk und Diskursrock. Mit einer Mischung aus Beobachtungsgabe, Humor und emotionaler Direktheit erzählen die 16 Songs auf "Heulen am Wasser" von skurrilen Figuren und Begegnungen aus dem Hochschulalltag. Dabei orientiert sich die Band nicht nur an den frühen Platten von Tocotronic, sondern verbindet diesen Sound mit dem Schrammelemo von Anda Morts und der popästhetischen Schönheit der Band Echt!. schluma werden als heiße Vertreter der Neuen Hamburger Schule gehandelt. Das Album erscheint auf dem Label Grand Hotel van Cleef.

Die Schweizer One-Woman-Elektro-Punk-Sensation TARANJA WU ist sowas wie das Bindeglied zwischen Suicide, Ian Svenonius, Sedlmeir und Voodoo Rhythm"s Beat-Man - und doch ganz anders und ganz eigen. In der einen Hand die Gitarre, in der anderen ein gut geladenes Mass an Haltung, mit der sie ihren Tarif durchgibt. Ihre Abrechnung feiert sie mit punkig-scheppernden Gitarren, sägenden Synthesizern und unerbittlichem Gehämmer. Dazwischen ertönen Signale, als hätte jemand das Weltall angezapft und beschlossen, es tanzbar zu machen. Ihr zweites Album ALL MESSED UP ist ein Trip durch kontrollierte Abstürze, ein Album wie ein schöner Fehler: süß genug, um näherzukommen, scharf genug, um zu bleiben, serviert mit einem Lachen, das man nicht ganz einordnen kann. Ein Tanz in surrealen Bildern und ein Cocktail aus musikalischem Wahnsinn, der ebenso süchtig macht wie beunruhigend ist. Und das alles garniert "With a Dash of Trash". Klingt ungemütlich? Ist es auch, aber höllisch tanzbar.

LOVE, das neue – und möglicherweise letzte – Album von Dexys Midnight Runners, ist eine leuchtende Sammlung zutiefst persönlicher Geschichten aus Kevin Rowlands Leben: über Familie, Liebe und die Schicksalsschläge des Daseins. Songs aus drei Jahrzehnten treffen auf brandneues Material – von der irischen Einwanderer-Kindheit über einen Brief an seine Enkelkinder bis zur Zeit mit einem sterbenden Elternteil. Liebeslieder im weitesten Sinne, jenseits gängiger Pop-Romantik: keine Wird-sie-wird-sie-nicht-Romanze, sondern etwas Tieferes, das die volle Bandbreite menschlicher Beziehungen und Emotionen abbildet.
„Ich dachte plötzlich: Das sind alles Liebeslieder – nur eben verschiedener Art", sagt Kevin Rowland über die Entstehung des Konzepts. „Da wusste ich: Es muss LOVE heißen." Ein Liebesleben in Songform, erzählt von jemandem, der mit seiner wunderbaren Autobiografie Bless Me Father bereits gezeigt hat, wie offen er über sein Leben sprechen kann.
LOVE ist zugleich das erste Album unter dem vollen Namen Dexys Midnight Runners seit Don't Stand Me Down (1985). Produziert von David Holmes – langjähriger Fan und Wegbegleiter der Band –, mit Songwriting-Unterstützung der langjährigen Weggefährten Sean Read, Mike Timothy und Jim Paterson sowie Streichern von Brian Irving.

Jennifer Herremas Black Bananas melden sich mit "Bad Bunch" zurück - dem ersten Album der Band seit "Electric Brick Wall" aus dem Jahr 2014 und Herremas erster Veröffentlichung seit "White Stuff" von Royal Trux (2019). Das Album erscheint bei Fire Records und markiert die lang erwartete Rückkehr von Herremas ikonischem Gesang an der Seite ihrer langjährigen Mitstreiter Brian McKinley und Kurt Midness. Von Royal Trux über RTX bis hin zu Black Bananas - Jennifer Herremas Schaffen hat sich nie wirklich in separate Phasen unterteilt, sondern sich stets weiterentwickelt. Wie Pitchfork feststellte, sind Black Bananas "RTX aus einem Paralleluniversum", das Einflüsse aus Synth-Pop, Hip-Hop, French-Touch-House und Dancehall in ihren ganz eigenen, einzigartigen Sound einfließen lässt. Ursprünglich vor über 20 Jahren unter dem Namen RTX gegründet, haben sich Herrema, McKinley und Midness zu einem dynamisch verbundenen, schrägen Kollektiv entwickelt. Auf "Bad Bunch" präsentiert das Trio einen spacigen, jazzigen Rock-Groove, geprägt von Improvisation und neuen Aufnahmetechniken, die im Laufe des letzten Jahrzehnts entwickelt wurden. Das Album entstand vor mehr als zehn Jahren und nahm über verschiedene, zeitlich nicht zusammenhängende Phasen hinweg Gestalt an, unterbrochen durch die Royal-Trux-Reunion und die Turbulenzen der Pandemie. Das Ergebnis ist ein Album, das die innovativen Tendenzen von Black Bananas noch weiter vorantreibt und dabei unverkennbar ihr eigener Stil bleibt.

Jennifer Herremas Black Bananas melden sich mit "Bad Bunch" zurück - dem ersten Album der Band seit "Electric Brick Wall" aus dem Jahr 2014 und Herremas erster Veröffentlichung seit "White Stuff" von Royal Trux (2019). Das Album erscheint bei Fire Records und markiert die lang erwartete Rückkehr von Herremas ikonischem Gesang an der Seite ihrer langjährigen Mitstreiter Brian McKinley und Kurt Midness. Von Royal Trux über RTX bis hin zu Black Bananas - Jennifer Herremas Schaffen hat sich nie wirklich in separate Phasen unterteilt, sondern sich stets weiterentwickelt. Wie Pitchfork feststellte, sind Black Bananas "RTX aus einem Paralleluniversum", das Einflüsse aus Synth-Pop, Hip-Hop, French-Touch-House und Dancehall in ihren ganz eigenen, einzigartigen Sound einfließen lässt. Ursprünglich vor über 20 Jahren unter dem Namen RTX gegründet, haben sich Herrema, McKinley und Midness zu einem dynamisch verbundenen, schrägen Kollektiv entwickelt. Auf "Bad Bunch" präsentiert das Trio einen spacigen, jazzigen Rock-Groove, geprägt von Improvisation und neuen Aufnahmetechniken, die im Laufe des letzten Jahrzehnts entwickelt wurden. Das Album entstand vor mehr als zehn Jahren und nahm über verschiedene, zeitlich nicht zusammenhängende Phasen hinweg Gestalt an, unterbrochen durch die Royal-Trux-Reunion und die Turbulenzen der Pandemie. Das Ergebnis ist ein Album, das die innovativen Tendenzen von Black Bananas noch weiter vorantreibt und dabei unverkennbar ihr eigener Stil bleibt.

Die schwedische Künstlerin Sibille Attar kehrt mit ,Amor Fati" zurück, ihrem ersten englischsprachigen Album seit fünf Jahren. Attar, die bereits von Pitchfork, Stereogum, The Line of Best Fit, Clash und BrooklynVegan gelobt wurde, hat sich als eine der faszinierendsten und von Kritikern am meisten gefeierten Stimmen des alternativen Pop in Schweden etabliert. ,Amor Fati" - äußerst unabhängig und komplett in Eigenregie produziert - begann als Versuch, ein reines Liebesalbum zu schaffen - offenherzig, euphorisch und ungekünstelt. Doch während sich die Songs entfalten, beginnen sich emotionale Gewissheiten zu verschieben. Das Album, das in Schweden, Belgien, Deutschland und den Vereinigten Staaten entstanden ist, beschäftigt sich mit Intimität, Sehnsucht, Vertrauen und den seltsamen Wegen, auf denen sich Liebe im Laufe der Zeit neu formt. Es beginnt euphorisch, wird schnell kompliziert und weigert sich, sich für irgendjemanden der Einfachheit halber zu vereinfachen - vielleicht weniger beruhigend, aber dafür umso lebendiger. "madly wide-eyed, swooning songs" - Pitchfork "leaps out of the speakers so vibrantly that the band seems to be playing in the same room with you" - Stereogum "a masterpiece in artistic misery" - The Line of Best Fit "mournful and absolutely gorgeous" - BrooklynVegan ENG Swedish artist Sibille Attar returns with Amor Fati, her first album in English in five years. Previously praised by Pitchfork, Stereogum, The Line of Best Fit, Clash, and BrooklynVegan, Attar has established herself as one of Sweden's most fascinating and critically acclaimed voices in alternative pop. Fiercely independent and entirely self-produced, Amor Fati began as an attempt to make a pure love album -open-hearted, euphoric, and unguarded. But as the songs unfold, emotional certainties begin to shift. Written across Sweden, Belgium, Germany, and the United States, the album explores intimacy, longing, trust, and the strange ways love reshapes itself over time. It begins in euphoria, gets complicated fast, and refuses to simplify itself for anyone's convenience - less reassuring, perhaps, but far more alive. "madly wide-eyed, swooning songs" - Pitchfork "leaps out of the speakers so vibrantly that the band seems to be playing in the same room with you" - Stereogum "a masterpiece in artistic misery" - The Line of Best Fit "mournful and absolutely gorgeous" - BrooklynVegan

In den letzten 15 Jahren hat sich Ryan Gustafson von The Dead Tongues zu einer der markantesten Stimmen des modernen Folk entwickelt. So eigenwillig und geisterhaft die Songs manchmal auch waren, hat Gustafson seine Visionen und Texte stets mit solchen Ohrwürmern verknüpft, die man wie Talismane verstaut, um sie im Notfall wieder hervorzuholen. Auf ,Montana" hat Ryan Gustafson den Sound von The Dead Tongues erweitert. Indem er Einflüsse aus der Old-Time-Musik der Appalachen und dem primitiven Drei-Finger-Gitarrenstil in seinen bereits etablierten, einfachen und doch unkonventionellen Ansatz beim Songwriting einfließen lässt, schafft Gustafson ein facettenreiches, unverkennbar amerikanisches Patchwork, das zwischen idyllischer Wärme und seltsamer Intensität schwankt. Mit dem bei den Fans beliebten Titel ,Wildflower Perfume" ist dieses geliebte Album zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich.

Ithā Sajā ist Khaled Kurbehs zweite Veröffentlichung bei Research Records und umfasst neun Klavierstücke. Das Gatefold-Vinyl-Format enthält ein Cover-Artwork sowie ein Booklet mit Zeichnungen von Ida Lawrence – neun Variationen von Khaleds Klavier, die beim Umblättern Gestalt annehmen oder sich auflösen. "Ithā Sajā ist eine Ode an die Dämmerung, den Tagesanbruch und das, was dazwischen liegt. Oder anders gesagt: Ithā Sajā ist eine Sammlung von Klavieraufnahmen, die ich in meinem Berliner Studio gemacht habe – in der Zeit zwischen: Dämmerung und Tagesanbruch, dem Stimmengewirr im Hinterhof, Baustellenlärm, Getrampel aus der Wohnung darüber, dem Grollen der U-Bahn, Kreuzberg und Tempelhof, 2021 und 2022. Danke an Alessandra Peach und Maryos Syawish von Research Records sowie an alle, die zuhören." - Khaled Kurbeh

2026 feiern Mad Max ihr 45-jähriges Bandjubiläum mit »Stories Of Destiny«, einem besonderen Studioalbum rund um Songs, die Bandleader Jürgen Breforth gemeinsam mit bekannten Namen der Rock- und Metalszene geschrieben hat.

Das Album enthält neu im typischen Mad Max-Stil interpretierte Songs mit Verbindungen zu Sascha Gerstner von Helloween, David Readman von Pink Cream 69, Andreas Broon von The Sisters of Mercy und Michael Voss von Michael Schenker. Dazu kommen zwei bisher unveröffentlichte Mad Max-Songs aus dem Jahr 1991: »Til' The End Of Time« und »Weapons Of Love«.

Der neue britische Sänger Alan Clark gibt sein Studiodebüt bei Mad Max, während der ehemalige Sänger Andreas Baesler nach 45 Jahren erstmals zurückkehrt – unter anderem für ein starkes Duett auf »Piece of Candy« und die spanische Version »Dulces Falsos« als Tribut an die Fans in Lateinamerika.

Purple Vinyl, inkl. Poster. The Black Wizards, das in Porto beheimatete Trio bestehend aus Joana Brito (Gitarre/Gesang), José Gomes (Bass/Gesang) und Helena Peixoto (Schlagzeug), kündigt sein neues Album ,Force Majeure & The Acts of God" an, das am 4. September über Hassle Records erscheinen wird. Force Majeure & The Acts of God ist von einem dunklen Humor geprägt. Der Titel bezieht sich auf den juristischen Begriff für unkontrollierbare oder nicht beeinflussbare Umstände und spiegelt damit das Chaos wider, das die Entstehung des Albums begleitet hat. Gleichzeitig deutet er auf den verschmitzten, widerständigen Geist der Band hin.Das Album entstand in einer Zeit, in der politische Landschaften weltweit zunehmend ins Chaos abzugleiten schienen. Es kanalisiert Frustration und Dringlichkeit, ohne dabei in Hoffnungslosigkeit zu verfallen. Für die Texte ließ sich Frontfrau Joana Brito von Büchern über Politik, Geschlechterrollen und toxische Männlichkeit inspirieren. Diese Themen finden sich in Songs wieder, die sich kritisch mit leerer Führung und gesellschaftlicher Spaltung auseinandersetzen. Besonders ,Killing The Buzz" durchschneidet das politische Spektakel mit scharfem Humor und energiegeladenem Punk-Spirit. Musikalisch markiert Force Majeure & The Acts of God einen deutlichen Wendepunkt für die Band. Anstatt den ausufernden Klangnebeln ihres früheren Heavy-Psych-Sounds zu folgen, setzen The Black Wizards nun auf einen kompakteren, raueren und direkteren Ansatz. Das Album vereint die Attitüde des Garage Rock, die nervöse Spannung des Proto-Punk und einen unaufhaltsamen rhythmischen Antrieb. Getragen wird dies von Britos kantigem und durchsetzungsstarkem Gesang, den rauen Gesangsantworten von José Gomes sowie dem kraftvollen Schlagzeugspiel von Helena Peixoto. Aufgenommen wurde das Album während einer intensiven fünftägigen Session mit Cooper Crain in Porto. Das Ergebnis lebt von Dringlichkeit, ungeschliffenen Kanten und einer explosiven Live-Energie.

Das Gründungsmitglied von Black Sabbath und der „Godfather of Heavy Metal“ kehrt mit seiner ersten
neuen Solomusik seit 21 Jahren zurück – zugleich seine erste vollständige Studioveröffentlichung seit dem
letzten Black-Sabbath-Album *13*. „World Alone“ ist die erste Single aus dem gleichnamigen Album;
es handelt sich um einen rasanten, gitarrenbetonten Song, der von Tonys unverkennbaren, gewaltigen
Riffs angetrieben wird. Der Track ist hart und doch eingängig, und dank des Textdichters und Sängers
Jørn Lande wirkt er zudem aufbauend. Dies ist klassischer Iommi: Er vereint alle Markenzeichen seines
legendären Gitarrenspiels mit einer modernen Note.

Das zweite Studioalbum der amerikanischen Post-Hardcore-Band – ursprünglich im Mai 2011 veröffentlicht
– erscheint nun als Neuauflage auf schwarzem Eco-Vinyl. Die Aufnahmen fanden bei Interlace Audio in
Portland, Oregon, statt. Produziert wurden die Sessions gemeinsam von Kris Crummett (der auch als
Toningenieur fungierte) und der Band. Das Album enthält die Singles „Do It Now, Remember It Later“,
„Fire“, „If You Can’t Hang“ und „A Trophy Father’s Trophy Son“.

„King of Having Fun“ wurde in der Hitze des Sommers geschrieben und live mit Freunden und Mitwirkenden
aufgenommen. Das Album erzählt von der Kluft zwischen dem neugierigen Kind, das mit seinem Fahrrad
zu weit von zu Hause wegfährt, und dem erwachsenen Mann, der an den falschen Orten nach Erleichterung
sucht. Mit einer Mischung aus Country, Rock und Indie thematisiert das Album Freundschaft, Freiheit,
Sucht, Angst, Liebe und das Streben nach dem Gefühl, wirklich lebendig zu sein.
Das Album ist als CD und auf Vinyl erhältlich. Das Vinyl erscheint als klassische schwarze Schallplatte in
einer Gatefold-Hülle mit bedrucktem Innencover und Beilage sowie einem Bonus-Druck „King of Having
Fun“ in königlichem Design.

John Williams Legacy: Seine größten Filmmusiken in einer Edition
Dieses Album versammelt einige der bekanntesten Filmmusiken von John Williams, darunter Star Wars,
Harry Potter, Jurassic Park, Indiana Jones und E.T. Das Besondere an dieser Auswahl: John Williams dirigiert seine eigenen Kompositionen selbst. Die Aufnahmen entstanden mit den Berliner Philharmonikern,
den Wiener Philharmonikern und dem Recording Arts Orchestra of Los Angeles. Ergänzt wird die Veröffentlichung durch Booklet-Texte von Journalist Jon Burlingame.
So entsteht ein Album, das viele der prägendsten Stücke der Filmgeschichte in einer hochkarätigen Einspielung zusammenführt.

Der außergewöhnlich originelle Saxofonist, Flötist und Komponist Sam Rivers war in Oklahoma mit Gospelmusik aufgewachsen. Über den Blues fand er in den 1940er Jahren zum Bebop, bevor er sich, inspiriert
durch die Musik von Ornette Coleman, John Coltrane und Cecil Taylor, der Avantgarde zuwandte. Zwischen 1964 und 1967 spielte Rivers vier Alben für Blue Note ein, auf denen er seinen Ideenreichtum als
Instrumentalist und Komponist unter Beweis stellte. Das letzte und zugleich experimentierfreudigste dieser
Alben war “Dimensions & Extensions”, auf dem der Trompeter Donald Byrd als Gast einen seiner seltenen
Ausflüge in die Avantgarde unternahm. Obwohl das Album bereits 1967 mit einem von Reid Miles entworfenen, auffälligen Cover für die Veröffentlichung vorbereitet worden war, wurde es, da die Musik ihrer Zeit
zu weit voraus war, auf Eis gelegt und erschien erstmals 1986.

Der frischgebackene High-School-Abgänger Sonny Rollins war noch keine 19 Jahre alt, als er 1949 in
New York von Blue Note Records die Chance erhielt, an drei hochkarätigen Aufnahmesessions von Babs
Gonzalez, Bud Powell und Fats Navarro teilzunehmen. Sieben Jahre später kehrte er deutlich gereift zu
dem Label zurück, um vier großartige Alben als Bandleader aufzunehmen: “Sonny Rollins, Volume 1”,
“Sonny Rollins, Vol. 2”, “Newk’s Time” und “A Night at the ‘Village Vanguard’”. Auf “Sonny Rollins,
Vol. 2” präsentierte er sich mit einem erstklassig besetzten Quintett und einem temperamentvollen Set aus
teils selbst komponierten Bebop- und Hard-Bop-Nummern. Die Höhepunkte des Albums sind die unwiderstehlichen Versionen der beiden Thelonious-Monk-Klassiker “Misterioso” und “Reflections”, bei denen sich
der Komponist als Gast am Klavier zu den Mitwirkenden gesellte.

Lisa O"Neill stammt aus Ballyhaise im irischen County Cavan und lebt heute in Dublin. Ihr Album Heard A Long Gone Song, erschienen auf River Lea (Rough Trade), verbindet traditionelle Folk-Lieder mit eigenen Kompositionen. Durch ihre unverwechselbare Interpretation verschmelzen alte und neue Stücke zu einem zeitlosen Ganzen. Das Album eröffnet mit einer puren, unbegleiteten Version von The Galway Shawl, gefolgt von der düsteren Ballade Along The North Strand, die durch Geige und Concertina eindringlich untermalt wird. Ein weiterer Höhepunkt ist das bewegende Duett The Factory Girl mit Radie Peat von Lankum. 2018 trat O"Neill bei Shane MacGowans 60. Geburtstag in der National Concert Hall in Dublin auf. Auf dem Album interpretiert sie zudem Lullaby Of London von The Pogues, dessen Textzeile dem Album den Titel gab. Zu ihren eigenen Liedern gehören Rock The Machine, das die Folgen der Mechanisierung für ehemalige Hafenarbeiter in Dublin thematisiert, sowie Violet Gibson, die Geschichte einer Irin, die 1926 ein Attentat auf Mussolini verüben wollte. Mit diesen Stücken verleiht O"Neill oft übersehenen Menschen und Geschichten eine Stimme. Aufgenommen in einem ländlichen Studio nahe dem Loiretal und produziert von David Odlum und Lisa O"Neill, knüpft das Album an den Erfolg von Pothole In The Sky (2016) an. Es ist eine zugleich politische, poetische und zutiefst persönliche Folk-Platte, deren Lieder zeitlos wirken.

Carín León bricht mit „MUDA“ neue Wege – eine kühne, vielschichtige klangliche Entdeckungsreise, die sein Universum genreübergreifend erweitert und dabei stets in seiner unverwechselbaren DNA verwurzelt bleibt. Der aus Hermosillo stammende Künstler verwandelt Herzschmerz und Erlösung in Hymnen, während er sich neu erfindet und damit Jahre der Entwicklung sowie den Abschluss eines prägenden kreativen Kapitels markiert. Carín León steht an der Spitze einer neuen Welle des regionalen mexikanischen Musikstils und verbindet Tradition mit emotionaler Offenheit. Das 14 Titel umfassende Album „MUDA“ spiegelt ständigen Wandel wider, erkundet verschiedene Genres und beinhaltet Kollaborationen mit Rawayana und Juanes, wodurch er seine Wurzeln als furchtloses, genreübergreifendes Statement weiterentwickelt.

"Psychedelia in White", das dritte Album des ehemaligen Nick Cave and the Bad Seeds-Mitglieds Mick Harvey und seiner langjährigen musikalischen Partnerin Amanda Acevedo, knüpft an ihr 2023 erschienenes Duett-Debüt Phantasmagoria in Blue an.

Das überwiegend aus Eigenkompositionen bestehende Album bewegt sich zwischen Mystik, Mythologie, Liebe und Verlust. Mit vielschichtigen Arrangements und opulenten Klangtexturen erkundet das Duo neue, experimentellere musikalische Räume. Traumartige Bilder und mythologische Motive verbinden sich mit einer persönlichen Botschaft der Hoffnung und der Sehnsucht nach einem Ausweg aus dem Chaos der Gegenwart.

Zu den Höhepunkten zählen „Perfect Storm“, entstanden in Zusammenarbeit mit dem kanadischen Komponisten Peter McNestry, „Song for Aurora“, eine Glam-Rock-Hommage an Marc Bolan und T. Rex, sowie „The Greatest Delight“, inspiriert von Acevedos Visionen von Schattenwesen und jenseitigen Liebenden.

John Williams Legacy: Seine größten Filmmusiken in einer Edition
Dieses Album versammelt einige der bekanntesten Filmmusiken von John Williams, darunter Star Wars,
Harry Potter, Jurassic Park, Indiana Jones und E.T. Das Besondere an dieser Auswahl: John Williams dirigiert seine eigenen Kompositionen selbst. Die Aufnahmen entstanden mit den Berliner Philharmonikern,
den Wiener Philharmonikern und dem Recording Arts Orchestra of Los Angeles. Ergänzt wird die Veröffentlichung durch Booklet-Texte von Journalist Jon Burlingame.
So entsteht ein Album, das viele der prägendsten Stücke der Filmgeschichte in einer hochkarätigen Einspielung zusammenführt.

Der Wendepunkt von 1993 zwischen Pop-Punk und Emo lässt sich kaum besser veranschaulichen als durch das selbstbetitelte Debütalbum von Garden Variety. Während Billy und Bivouac mit dem Mainstream liebäugelten, machte dieses Trio aus Long Island einen Vorstoß in die Welt des Post-Hardcore. Kraftvoller Oktav- Gitarren-Chug, gepaart mit nächtlicher Zine-Arbeit im örtlichen Diner. Herzschmerz im Backbeat, ganz ohne Effekte. Danken Sie Charles Maggio für Ihre Lieblingsplatte, wenn Sie ihn das nächste Mal in der Paramus Mall sehen.

Der Wendepunkt von 1993 zwischen Pop-Punk und Emo lässt sich kaum besser veranschaulichen als durch das selbstbetitelte Debütalbum von Garden Variety. Während Billy und Bivouac mit dem Mainstream liebäugelten, machte dieses Trio aus Long Island einen Vorstoß in die Welt des Post-Hardcore. Kraftvoller Oktav- Gitarren-Chug, gepaart mit nächtlicher Zine-Arbeit im örtlichen Diner. Herzschmerz im Backbeat, ganz ohne Effekte. Danken Sie Charles Maggio für Ihre Lieblingsplatte, wenn Sie ihn das nächste Mal in der Paramus Mall sehen.

Shadows & Light - The Spirit of Mozart (limited Red Gold colour Vinly) Vom spritzigen Witz der Wiener Bühne bis hin zur stillen Zuflucht seiner intimsten Sonaten – diese Sammlung fängt das facettenreiche Genie von Wolfgang Amadeus Mozart ein. Begeben Sie sich auf eine Reise durch die pulsierende Energie von Die Hochzeit des Figaro, den ätherischen Dialog des Flöten- und Harfenkonzerts und die herzzerreißende Feierlichkeit seines Requiems. Ob es nun der verspielte Charme von Papagenos Arie oder die erhabene Ruhe des Klavierkonzerts Nr. 23 ist – jeder Titel wurde sorgfältig ausgewählt, um ein Vermächtnis zu präsentieren, das heute noch genauso lebendig ist wie vor über zwei Jahrhunderten.

Alles auf Anfang: Mit Killer, ihrem sechsten Soloalbum, markiert Mine einen Neustart - musikalisch wie persönlich. »Ich habe alte Versionen von mir selbst abgetötet», sagt sie. Nach der Trilogie aus Klebstoff, Hinüber und Baum schließt sich ein Kapitel, ein neues beginnt.

Der Sound ist reduzierter, direkter: weniger Instrumente, mehr Vibe, getragen von analogen Synthesizern und klaren Arrangements. Killer erzählt von Veränderung, Selbstfindung und dem Mut, sich neu zu definieren. Mines Texte sind offener, expliziter, persönlicher - und gleichzeitig ein Blick auf eine Welt im Umbruch.

Zwischen Weltschmerz und Aufbruch blitzt dabei immer wieder Leichtigkeit auf. Mit Killer häutet sich Mine - und bleibt dabei mehr denn je sie selbst.

Zum 50. Bandjubiläum will es John Watts richtig krachen lassen: Ein neues Album – mit 7 brandneuen Tracks, sowie 4 Neu-Interpretationen (u.a. von »Marliese«) und einem DJ-Remix des neuen Songs »Strings« – wird von einer großangelegten Herbst-Tournee begleitet. Die neuen Songs behandeln dieselben Themen, über die er schon immer geschrieben hat – menschliche Geschichten und den aktuellen Zustand der Welt, aus der Perspektive eines Beobachters mit schwarzem Humor.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums von Stainds Klassiker-Album *Break The Cycle* veröffentlicht die
Band *Break The Cycle 25th Anniversary* – eine Live-Aufnahme, bei der die Band das legendäre Album in
voller Länge spielt. Die Performance umfasst jeden Song des Albums, einschließlich der klassischen Singles
„It’s Been A While“, „Outside“ und „Fade“.

Sales Note CD: Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums von David Lynchs Meisterwerk „Blue Velvet“ aus dem
Jahr 1986 freut sich Varèse Sarabande, eine neue CD-Ausgabe und LP-Ausgabe von Angelo Badalamentis
Musik zum Film präsentieren zu dürfen. Lynch und Badalamenti, die beide im Jahr 2025 verstorben sind,
nachdem sie jahrzehntelang als eines der ikonischsten kreativen Duos der Filmgeschichte gegolten hatten,
schufen eine einzigartige Klangwelt, die von „Twin Peaks“ bis „Mulholland Drive“ reichte.

Feiere die Musik der Simpsons mit ”Songs in the Key of Springfield” – jetzt als exklusive Deluxe-VinylEdition auf 2 LPs erhältlich. Diese Sammlung mit Fan-Lieblingen, seltenen Songs und klassischen Momenten aus der gesamten Serie ist ein absolutes Muss für Sammler.

„Move Along“, ursprünglich 2005 bei Interscope erschienen, ist das zweite Studioalbum von The AllAmerican Rejects. Es ist nun mit drei seltenen Bonustracks erhältlich: „Kiss Yourself Goodbye“, „Bite
Back“ und „Eyelash Wishes“. Mit Hits wie dem Titelsong, „Dirty Little Secret“ und „It Ends Tonight“
verhalf dieses Album der Band zu großem Bekanntheitsgrad, wurde von der RIAA mit 3-fach Platin ausgezeichnet und füllte Arenen auf dem Höhepunkt eines dreijährigen Tourzyklus.
Erhältlich als limitierte 2LP in Weiß

Starkes Albumdebut des Surf-Psych-Groove-Instrumental-Trios Goblyns. »Hunki Bobo« brauch sich hinter Größen wie The Meters, W.I.T.C.H, Khruangbin und Can nicht verstecken. The Meters, W.I.T.C.H, Khruangbin und Can: das sind nur einige der Bands, die die Psychrock-Newcomer Goblyns als Einflüsse auf ihren Sound nennen. In Südafrika gegründet leben die drei Bandmitglieder mittlerweile in Berlin und Amsterdam. In Europa schrieben die Drei auch die Songs für ihr Debutalbum. Die acht Tracks auf »Hunki Bobo« wurde in einem fünftägigen Studiorausch im schwülen Juli 2023 unter der erfahrenen Leitung von Andre Leo aufgenommen. Leo ist vor allem für seine Arbeit mit Medicine Boy und Wombed bekannt und hat zusammen mit den Musikern etwas ganz besonderes erschaffen. Das Album hat eine einzigartige Dynamik und steckt voller Energie. Jeder Song strahlt einen Groove aus, dem man sich schwer entziehen kann. Ob düstere Krautrock-Hypnose, grooviger Surf, Psychedelica. Goblyns fesseln den Hörer an das gesamte Album.

Nachdem sie jahrelang durch's Netz, durch Köpfe und Herzen geisterte, hier nun endlich das Debüt-Album, auf dem die mittlerweile in Berlin ansässige Formation ein graziöses Kleinod liefert, das Melancholie und Aufbruchstimmung in sich vereint und mit seiner wundervollen Inszenierung sofort unter die Haut geht. Voodoo Beach liefern mit »Wonderful Life« Postpunk / Noiserock auf höchstem Niveau. Ähnlich wie Karies, Die Nerven, Friends Of Gas oder Messer, haben sich Voodoo Beach durch 90er Jahre Noiserock prägen lassen und vermengen diese Einflüsse mit offensichtlicher Liebe zu Postpunk und Shoegaze. Harte Anschläge treffen auf durch den Äther wabernde Gitarren-Riffs, walzende Basslines und packendes Drumming. Faszinierend die Chords der Gitarre mit einem manchmal leicht nahöstlichen Touch, aber immer im Postpunk-Noiserock-Psychedelic-Modus. Darüber thronen die verrauchten Vocals von Sängerin Heike Rädeker, deren vorgetragene Texte so ehrlich sind, dass sie weh tun. Mit Hendrik Otremba (Messer) und John Moods (Fenster) konnte die Band tolle Gastbeiträge für das Album gewinnen. Eine der Platten des Jahres!

Neues Tea Glass Coloured Vinylformat des erstes Albums von Resavoir auf seinem neuen Label L'UNIVERS - nach drei von der Kritik gefeierten Releases bei International Anthem und Touren mit Khruangbin, BADBADNOTGOOD und Kassa Overall. ""Themes For Dreams"" markiert eine Kehrtwende und zeigt den Chicagoer Musiker/Produzenten Will Miller von seiner meditativen Seite. Auf 13 bemerkenswert stimmigen Tracks verzichtet die LP auf Schlagzeug und setzt stattdessen auf eindringliche Melodien, die schweben, verklingen und nachklingen. Mit Arrangements, die sich wie eine warme Decke anfühlen. Als Gastmusiker dabei sind Marta Sofia Honer, Jeremiah Chiu, Macie Stewart, Matt Gold, William Corduroy und Molly Rife. ""Man denke an die Ambient-Werke von Künstlern des elektronischen Jazz der 70er und 80er Jahre wie Beverly Glenn Copeland und Laraaji."" - Tasha Viets-VanLear, Chicago Reader

Die Gentrys, bekannt für ihren Hit „Keep On Dancing“ aus dem Jahr 1965, waren eine Garage-Rock-Band aus Memphis, die 1970 zu Sun Records wechselte, als das Label nach Nashville umzog. Diese Sammlung seltener Grooves und bisher unveröffentlichter, verschollener Titel aus dem Sun-Archiv präsentiert die Gentrys unter der Leitung des legendären WWE-Managers und TV-Stars Jimmy Hart, produziert vom Sohn des Visionärs Sam Phillips, Knox Phillips. „It’s Been So Long“ zeigt eine sanftere Seite der Band und verbindet Harmonien im Laurel-Canyon-Stil mit ihrem Memphis-Rock-Sound.