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Explosiv, emotional, kompromisslos und zu laut. In einer Rocklandschaft, die zunehmend zwischen Retro-Glanz und digitalem Kalkül pendelt, übernehmen THE EXTRAS eine Rolle, die längst verwaist scheint: Die einer Band, die Emotionalität nicht mit Pathos verwechselt, die Punk-Wurzeln mit Songwriting-Können paart - und die Haltung hat, ohne Parolen zu schreien. Gegründet 2023 in Köln, aber mit internationaler DNA, zwei der vier Mitglieder stammen aus den USA, verbindet sie den rohen Geist des amerikanischen Undergrounds mit europäischer Gegenwartskultur. Die Gründer Elmar Freels (Köln) und Jon Manierre (New York) werden komplettiert durch Transgitarristin Killer Krissy, Drummer extraordinaire Leroy Kaldenbach und Bassist Pat Bewick. Mit ihrem eigenständigen Breitwandsound, ausgefeilten Lyrics und Rollkragenpullovern nach Lou-Reed-Vorbild (nur in weiß) sind THE EXTRAS eine stilvolle Ausnahmeerscheinung. Sie vereinen rohe Energie mit Zugänglichkeit, Melancholie mit Wut, Punk mit Pop - und zeigen, dass Empowerment auch laut, chaotisch und kollektiv sein kann.

Auf dem Weg zur 100. Eccentric Soul 45 widmet sich die Numero Group ihren Wurzeln in Ohio mit drei Replika 45s aus dem Capsoul-Universum. Capsouls Kronjuwel, das Harmonie-Quartett Johnson, Hawkins, Tatum & Durr, haben in ihrer kurzen Zeit nur zwei Platten aufgenommen, aber der Song "You Can't Blame Me" des Quartetts gilt als ein klassisches Beispiel für den rauen und ungestümen Soul-Sound, für den Numero bekannt ist. Eccentric Soul from the heart of it all.

Auf dem Weg zur 100. Eccentric Soul 45 widmet sich die Numero Group ihren Wurzeln in Ohio mit drei Replika 45s aus dem Capsoul-Universum. Capsouls Kronjuwel, das Harmonie-Quartett Johnson, Hawkins, Tatum & Durr, haben in ihrer kurzen Zeit nur zwei Platten aufgenommen, aber der Song "You Can't Blame Me" des Quartetts gilt als ein klassisches Beispiel für den rauen und ungestümen Soul-Sound, für den Numero bekannt ist. Eccentric Soul from the heart of it all.

Nihilistic Easyrider ist das geistige Kind von Narrow Head-Frontmann Jacob Duarte - aber täuschen Sie sich nicht, er geht nicht solo. DELUXE EDITION ist eine Art Mixtape, eine Sammlung von Songs, die zu verschiedenen Zeitpunkten in Duartes Karriere geschrieben wurden. Diese Songs umfassen ein breites Spektrum an stilistischen Referenzen, von zuckersüßem Y2K-Emo und jungem, dummen und poplastigem Punk Punk bis hin zu sowjetischem Fuzz-getriebenem Alt und reinem Evan Dando-Core Vers-Refrain-Vers-Refrain-fertig Pop-Rock. Zum Leben erweckt von einer Reihe von Charakteren, darunter Narrow Head-Schlagzeuger Carson Wilcox, Produzent (und ehemaliger Tourkollege) Graham Hunt und Features von Momma's Allegra Weingarten und Ella Friedman, bietet dieses Debütalbum dennoch meisterhaft ausgefeilten und mit Hooks gespickten Interpretationen von Duartes charakteristischer Songwriting-Ästhetik. Diese Songs waten in derselben Unordnung aus romantischen Fehlschlägen und verbrannten Gehirnsynapsen, die langjährige Narrow Head-Hörer kennen und lieben gelernt haben, nur aus einer anderen, neuen Perspektive. Duartes Geschichten über Einsamkeit, Vorfreude und die verworrenen Komplexitäten des Lebens in Songs wie ,Getaway Plan" und ,Well Kept Secret" werden von einer lebendigen Begleitband aus dröhnenden Synthesizer-Klängen, Bar-Piano-Stichen, rasselnden Akustikgitarren und tribal-tat-codierter Record-Scratch-Ästhetik umrahmt, die subtil sowohl an die härtesten Momente von Incubus als auch an die sanftesten von Deftones anknüpft. Mit DELUXE EDITION liefert Duarte uns tagebuchartige Vignetten eines Lebens in ständiger Bewegung und bietet einen eher introspektiven Einblick in die Gedankenwelt eines Songwriters, dessen Leben sich um die Bühne dreht, aber letztlich anderswo stattfindet. Für Jacob sind "die Songs von Nihilistic Easyrider näher an der Musik, die ich schon immer machen wollte, als ich aufwuchs, sagt er, "ein persönliches Tagebuch des Erwachsenwerdens durch Musik."

DeWolff veröffentlichen Vinyl-Re-issue ihres 2023er Albums Love, Death & In Between
Am 3. Februar 2023 veröffentlichten DeWolff ihr Erfolgsalbum 'Love, Death & In Between. Nun erscheint das Album in einer Vinyl-Neuauflage im limitierten Green Marble Look.
Aufgenommen wurde das Album im Kerwax Studio in einem keinen Dorf in der Bretagne.
„Wir dachten damals, lass uns auf ein Abenteuer gehen“, sagt Pablo. Im Nordwesten Frankreichs gelegen und von Wäldern umgeben, zogen sie sich für zwei Wochen in das Wohnstudio zurück, umgeben von Vintage-Aufnahmegeräten aus den 1940er bis 1970er Jahren.

Die Brüder Pablo (Gitarre/Gesang) und Luka van de Poel (Schlagzeug/Gesang) sowie Robin Piso (Hammond/Wurlitzer) nahmen live und ohne Overdubs auf und wurden bei den Aufnahmen von einer Reihe von Freunden unterstützt. DeWolff verließ die Bretagne mit zwölf Songs auf vier Bändern. Mit einer Mischung aus Al Green, Sam Cooke und John Steinbeck haben sie einige ihrer gefühlvollsten und zugleich mitreißendsten Songs geschaffen.

Erlebe Joe Bonamassas Erfolgsalbum 'Redemption' aus dem Jahr 2018 wie nie zuvor mit dieser brandneuen Limited Edition Orange Vinyl. Das 13. Studioalbum von Joe Bonamassa, der für seine einzigartige Gitarrenarbeit und seinen gefühlvollen Gesang bekannt ist, verbindet Blues und Rock zu einer kraftvollen musikalischen Reise.
Diese Sammleredition, die jetzt auf orangefarbenem 180g-Vinyl gepresst wurde, verleiht einem modernen Blues-Klassiker einen neuen Look. Mit herausragenden Tracks wie „King Bee Shakedown“, „Molly O'“ und dem emotionalen Titeltrack „Redemption“ ist diese Veröffentlichung ein Muss für audiophile und langjährige Fans gleichermaßen.

Erstmals 1975 auf Vinyl und dann 1990 auf CD von Grand Records veröffentlicht, zeigt „Malpractice“ die Meisterschaft der Songs des Gitarristen Wilko Johnson neben inspirierten Coverversionen wie „Riot in Cell Block #9“. Und natürlich macht sein Stones-ähnlicher Spielstil keine Gefangenen. 2025 remastered auf 140g-Vinyl und CD.

Auf der Bühne ist das Trio ständig in Bewegung und explodiert oft vor purer Energieɍ Im Studio haben Meissner und seine Mitmusiker versuchtɎ MelodieɎ Textur und Stimmung zu entschärfenɍ Jede Note ist eine ErkundungɎ jedes Stück eine Einladung zu einem fein abgeɞ stimmtenɎ spielerischen und doch tiefgründigen Wechselspielɍ Die Ț hochkonzentrierten Tracks sind immer emotional involviert und nicht distanziertɎ und jeder auf eine subtil andere Weiseɍ

Als der Pianist 1967 mit zwei britischen Jazz-Rock-Größen das Album “Trio” aufnahm, arbeitete er parallel
als Songwriter mit Ginger Baker für die Rockband Cream zusammen. Das abenteuerliche Album, bietet
laut dem Guardian-Jazzkritiker John Fordham “hochmoderne britische Klaviertrio-Musik aus den 1960er
Jahren”.

Diese brandneue Deluxe-Edition ist Teil des Jubiläumsprogramms von Decca zum 100. Todestag des großen
Opernkomponisten Giacomo Puccini. Die im Januar 1974 in den Wiener Sofiensälen entstandene Aufnahme
präsentiert die beste Besetzung der damaligen Zeit: angeführt von Mirella Freni und Luciano Pavarotti
sowie unter der Leitung von Herbert von Karajan. Bei ihrer Erstveröffentlichung wurde die Einspielung
von Kritikern und Musikliebhabern gleichermaßen gelobt. Das Magazin Gramophone beschrieb sie als „ein
Set zum Träumen“. Dieses Erbe wird mit der neu präsentierten Edition fortgesetzt. Die Aufnahme wurde
von den Original-Bändern aus dem Jahr 1975 neu gemastert und ist nun auf audiophilem Vinyl sowie als
Hybrid-SACD mit einer Auflösung von 192 kHz/24 Bit erhältlich.

a1 E Soffitto E Pareti (LP1: Act 1) (2:19)
a2 Sorride Vostro Onore? (3:26)
a3 Dovunque Al Mondo Io Yankee Vagabondo (2:00)
a4 America For Ever (2:47)
a5 Ier L'altro Il Consolato Sen; Venne A Visitar (3:43)
a6 Ecco. - Son Giunte Al Sommo Del Pendio (2:51)
a7 Gran Ventura (3:40)
a8 L'imperial Commissario, L'Ufficiale Del Registro, I Congiunti (3:50)
a9 Vieni, Amor Mio! VI Piace La Casetta (2:13)
b1 E Un Presente Del Mikado (3:52)
b2 Tutti Zitti! (5:21)
b3 O Kami! O Kami! (4:36)
b4 Cio-cio-san! Cio-cio-san! Abbominazione! (1:15)
b5 Bimba, Bimba, Non Piangere (3:52)
b6 Viene La Sera (4:33)
b7 Vogliatemi Bene (3:19)
c1 E Izaghi Ed Izanami (LP2: Act 2 - part 1) (4:15)
c2 Un Bel Di, Vedremo Levarsi Un Fil Di Fumo (2:59)
c3 C'e - Entrate (3:17)
c4 Si Sa Che Aprir La Porta E La Moglie Cacciar (4:41)
c5 Udiste? (3:20)
c6 Ora A Noi - Sedete Qui (4:22)
c7 Ebbene. Che Fareste, Madame Butterfly (3:11)
c8 E Questo? E Questo? (3:16)
d1 Che Tua Madre Dovra Prenderti In Braccio (3:13)
d2 Vespa! Rospo Maledotto! (4:05)
d3 Una Nave Da Guerra (2:47)
d4 Scuoti Quella Fronda Di Ciliegio (4:35)
d5 Or Vienmi Ad Adornar (4:27)
d6 Humming Chorus - Summchor (5:09)
e1 Intermezzo - Oh Eh! Oh Eh! (LP3: Act 2 - part 2) (2:16)
e2 Twittering Of Birds From The Garden (2:59)
e3 Gia Il Sole! Cio-Cio-San! (2:30)
e4 Chi Sia? (2:27)
e5 Io So Che Alle Sue Pene Non Ci Sono Conforti! (2:09)
e6 Non Ve L'avevo Detto? (4:20)
e7 Addio, Fiorito Asil Di Letizia E D'amor (2:48)
e8 Suzuki! Suzuki! Dove Sei? (2:36)
f1 Tu, Suzuki, Che Sei Tanto Buona, Non Piangere! (3:39)
f2 Come Una Mosca Prigioniera L'ali Batte Il Piccolo Cuor! (5:15)
f3 "Con Onor Muore Chi Non Puo Serbar Vita Con Onore" (5:10)

Grinderman entstand 2005, als Nick Cave Material für das Album „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“
von Nick Cave & The Bad Seeds schrieb. Gemeinsam mit Martyn Casey am Bass, Warren Ellis an Violine
und Gitarre und Jim Sclavunos am Schlagzeug erarbeitete die Band gemeinsam Songs. 2006 ging sie in
ein Londoner Studio und begann eine Marathon-Session mit Songwriting und Demoaufnahmen. Mit dem
Ziel, den raueren, ursprünglicheren Sound von Caves gefeiertem Post-Punk-Projekt „The Birthday Party“ nachzubilden, wichen die Texte und die Musik von Grinderman deutlich von Nick Caves früheren Arbeiten
mit The Bad Seeds ab.
Im darauffolgenden April nahmen sie die besten dieser neuen Songs auf und nahmen mit Hilfe ihres langjährigen Freundes und Produzenten Nick Launay ein Album auf. Ihr am 5. März 2007 veröffentlichtes Debü-
talbum „Grinderman“ mit elf Songs wurde von der Kritik hoch gelobt und enthält die Singles „No Pussy
Blues“ und „Get It On“. Das Quartett kam 2009 wieder zusammen, um „Grinderman 2“ aufzunehmen, das
2010 erschien. Im Dezember 2011 gab Cave die Auflösung der Band auf einem Musikfestival in Australien
bekannt.
Das „unglaublich aufregende Debütalbum“ (Observer Music Monthly) ist auf schwarzem Öko-Vinyl und im
CD-Digisleeve-Format erhältlich

Grinderman entstand 2005, als Nick Cave Material für das Album „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“
von Nick Cave & The Bad Seeds schrieb. Gemeinsam mit Martyn Casey am Bass, Warren Ellis an Violine
und Gitarre und Jim Sclavunos am Schlagzeug erarbeitete die Band gemeinsam Songs. 2006 ging sie in
ein Londoner Studio und begann eine Marathon-Session mit Songwriting und Demoaufnahmen. Mit dem
Ziel, den raueren, ursprünglicheren Sound von Caves gefeiertem Post-Punk-Projekt „The Birthday Party“ nachzubilden, wichen die Texte und die Musik von Grinderman deutlich von Nick Caves früheren Arbeiten
mit The Bad Seeds ab.
Im darauffolgenden April nahmen sie die besten dieser neuen Songs auf und nahmen mit Hilfe ihres langjährigen Freundes und Produzenten Nick Launay ein Album auf. Ihr am 5. März 2007 veröffentlichtes Debü-
talbum „Grinderman“ mit elf Songs wurde von der Kritik hoch gelobt und enthält die Singles „No Pussy
Blues“ und „Get It On“. Das Quartett kam 2009 wieder zusammen, um „Grinderman 2“ aufzunehmen, das
2010 erschien. Im Dezember 2011 gab Cave die Auflösung der Band auf einem Musikfestival in Australien
bekannt.
Das „unglaublich aufregende Debütalbum“ (Observer Music Monthly) ist auf schwarzem Öko-Vinyl und im
CD-Digisleeve-Format erhältlich

Cosey Fanni Tutti has announced details of a new album, 2t2, set for release on the artist’s own imprint, Conspiracy International, on 13 June 2025 on vinyl & CD. Composed, performed and produced by Cosey Fanni Tutti, the 9-track album moves between propulsive beat constructions and expansive electronic explorations, continuing themes from 2019’s acclaimed album TUTTI. It is a personal reflection; a sonic realisation of her life, drawing on her powerful inner resolve and expressing it through music. The album finds Cosey making sense of some very tough years, dealing with personal bereavements alongside swingeing world events that have impacted us all. Centring on her own strength and self will, the album’s two distinct sides – one rhythmic, one more meditative – are connected by an overwhelmingly positive mood. She explains, “My overtone chanting on the track ‘Stound’ was part of that, tapping into the inner self, to the core of your being, emotionally, physically, allowing the sounds to permeate and soothe as well as create a sense of power, resistance and resilience to what we face.” Even in the more melancholic moments, there’s a lightness that she explains is an “acknowledgement that it’s alright to be sad, that’s part of life, but there is so much joy too in our memories of people we lose and in the moments we share with each other. Joy is our resistance.” There are also threads from her most recent projects running through 2t2. Her latest book RE-SISTERS and the score she wrote for Caroline Catz’s film Delia Derbyshire: The Myths and Legendary Tapes are acknowledged, most directly on ‘Threnody’ which is dedicated to Delia Derbyshire and Andy Christian, an artist friend of Delia’s. He sent Cosey an abstract drawing of the same name, created one night from an improvised evening where he drew while Derbyshire intoned and sang softly as she looked at the drawings, as if reading a score expressing how they made her feel. Cosey’s process and the different strands that make up her work form a totality of vision. She goes on to say, “Once you get creating and listening, weaving, collaging sound it’s a wonderfully fulfilling feeling that takes you both out of yourself at the same time as essentially deep within.”

The artwork reflects this idea that the album is a “sound cameo”, reflecting the light within the music, and the buzz of life that exists within all of Cosey’s work. Musician, artist and author Cosey Fanni Tutti has continually challenged boundaries and conventions through her work. As a founding member of the hugely influential avant-garde band Throbbing Gristle, one half of electronic pioneers Chris and Cosey, and as an artist channelling her experience in pornographic modelling and striptease, her work on the margins has reshaped the mainstream. Her first solo album, Time To Tell (1983) was followed by 2019’s Tutti and 2022’s Delia Derbyshire: The Myths and the Legendary Tapes. Her debut book, the Penderyn Music Book Prize shortlisted Art Sex Music, was published in 2017, followed by RE-SISTERS in 2022 (both Faber), which will soon get a Spanish edition.

Demdike Stare & Cherrystones unveil a long-in-the-making darkside fantasy weaving atmospheric and loose-limbed cuts recorded at labs in London and Manchester, brilliantly shaking a bush of ghostly trig points ranging from the Mars rehearsal tapes to Minimal Man, Randy Greif’s cut-ups, Conrad Schnitzler’s industrial prototypes and ‘70s ECM sides – with vocal contributions from Ssabae’s mesmerising Laura Lippie.

In dazed pursuit of styles heard on Cherrystones’ DDS tape ‘Peregrinations in SHQ (Super High Quality)’, the renowned London digger properly hexes sonic leylines with his label bosses on 10 wickedly grubby and hazed sound experiments. They tumble down the rabbit hole like some sixth sense-guided call-and-response, resulting in an exquisite unfolding of psychoacoustic spaces familiar to their mutually spirited sounds.

Honestly it's some of the dirtiest and most esoteric gear we've heard from Demdike; you can sense a lifetime of incessant digging drip through every loop and crack; grotty no-wave, industrial noise, DIY psych, proto-techno and gnarled concrète, further bolstered by Cherrystones’ perpendicular, equally insatiable and fathoms-deep areas of interest. With a focus on scrappy, feral cuts and hastily recorded edits, the trio roughly re-draw wordless chants and hyper-compressed knocks over a vortex of found sounds that curdle in rhythmic heat. Never staying sill for long, the trio get drowned by watery ambience, then shredded loops, Technoid shrapnel and electric bass prangs dancing into the aether.

The crankiest spirit perfuses the whole thing, evoking states of unravel and psychic distress as they pit a near-peerless collective knowledge into the void. Laura Lippie acts as human ligature to sanity, a fleeting constant found smudged into the hip hop chops of ‘Familiar Unfamiliarity’, spectral incantations of ‘Prophet in View’, or a channelling of Ozzy in ‘Thee Oath’, among more deranged tongues on ‘Observing the Crux’.

It’s the missing link between ECM, Earth and Dilloway we didn’t know we needed - up there with some of the most satisfyingly deep and frazzled gear this century.

Eines wollen die Forth Wanderers vor der Veröffentlichung ihres dritten Albums "The Longer This Goes On" klarstellen: "Wir sind nicht zurück", sagt Gitarrist Ben Guterl mit Nachdruck. Das ist vielleicht eine unerwartete Aussage für das erste Album der Band seit ihrer Trennung vor sieben Jahren, aber die Band besteht darauf, dass es eine ehrliche Antwort ist - sie haben sich zusammengefunden, um die zehn kompliziert konstruierten Perlen aufzunehmen, die dieses neue Album ausmachen, und sie sind immer noch dabei herauszufinden, was es für sie bedeutet, in Forth Wanderers zu sein. Wenn man sich diese Songs anhört, von denen jeder einzelne ein glitzerndes Fest der eindringlichen und intuitiven Texte von Sängerin Ava Trilling und der natürlichen musikalischen Chemie der Band ist, hat man allerdings kaum das Gefühl, dass irgendetwas ungesagt bleibt. Das Album ist voller glänzender Melodien, klingender Gesangsharmonien und schlüpfriger, schräger Rhythmen und ist mehr als nur eine Rückkehr zur alten Form. Die Band scheut sich nicht, den Umweg über eine Hook zu gehen, indem sie instrumentale Schnörkel übereinander legt, um die leeren Stellen zu füllen, Raum für Trillings eindringliche Stimme zu schaffen oder ein Riff oder einen Text zu wiederholen, bis er zu einem Zen-Koan wird. Auf "The Longer This Goes On" klingen Forth Wanderers selbstbewusster und selbstsicherer als je zuvor. Man sollte es nur nicht als Comeback bezeichnen. Der Weg zu "The Longer This Goes On" begann im Sommer 2021 in einem Café in Brooklyn. Dort trafen sich Guterl und Trilling zum ersten Mal seit der Auflösung der Forth Wanderers im Jahr 2018. Die drei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, hatten den Druck, den die Band während der Tourneen mit ihrer früheren Musik verspürte, teilweise abgebaut: "Wir fühlten uns alle frei, herumzualbern und Spaß zu haben", sagt Guterl. Die Wiedervereinigung mit dem Bassisten Noah Schifrin, dem Gitarristen Duke Greene und dem Schlagzeuger Zach Lorelli führte dazu, dass sich das Spielen so gut anfühlte, wie seit der Gründung der Band nicht mehr. "Es fühlte sich an, als wären wir wieder in der High School". Die Band hat die Art und Weise, wie sie bisher gearbeitet hat, neu definiert. "Dies ist das erste Mal, dass ein Großteil der Musik organisch entstanden ist", erklärt Schifrin. "Alle fünf von uns haben wirklich auf eine Art und Weise zum Schreibprozess beigetragen, wie wir es in der Vergangenheit nicht getan haben", fügte Guterl hinzu. Das daraus resultierende Album, das unter dem wachsamen Auge von Dan Howard produziert wurde, zeigt die Band so präsent und unbelastet, wie sie ihren Sound zum ersten Mal in Echtzeit geschaffen hat. Die Texte sind vollgepackt mit Bekenntnissen, die so breit gefächert sind, dass sich jeder, der sich in den Wirren einer unsicheren romantischen Vorhölle verirrt hat, verstanden fühlt, und doch so präzise geschrieben, dass sie eindeutig aus eigener Erfahrung stammen müssen. Das ist genau das, was Forth Wanderers sowohl so universell nachvollziehbar als auch so speziell macht. Auf "The Longer This Goes On" haben sie diese Fähigkeit, mit minimalistischen Texten und üppiger Instrumentierung an den starken Fäden der romantischen Langeweile zu ziehen, noch vertieft. Forth Wanderers sind sich nicht sicher, was als Nächstes kommt - sie wissen nicht, ob sie weiterhin neue Musik aufnehmen werden oder ob sie diese Songs jemals live aufführen werden. Diese Aufnahmen sind also zehn flüchtige, aber unschätzbare Eindrücke aus der Zeit, die sie als Band verbracht haben; das Wiederaufleben von Freundschaften zwischen Highschool-Kumpels, deren Träume sie ins Rampenlicht katapultiert haben, bevor sie alt genug waren, um Auto zu fahren; Songs, die die Ungewissheit der Zukunft ebenso einfangen wie ihre Musik ihr eigenes Selbstvertrauen in der Gegenwart zementiert. Auf "The Longer This Goes On" machen die Forth Wanderers Musik zu ihren eigenen Bedingungen.

- erste Vinylversion des hochgelobten Albums aus dem Jahr 1991
- produziert von Charlie Bauerfeind und Dirk Schlächter
- enthält eine Bonus LP mit Demoversionen und raren, unveröffentlichten Tracks
- Remaster 2025, für das Medium Vinyl gemastert
- bedrucktes Inlay mit Liner Notes, Texten und vielen Abbildungen

Ende der Achtziger hatte sich Thrash Metal auch in Deutschland etabliert und spielte weltweit sogar eine führende Rolle. Bereits zu dieser Zeit war es einigen Bands nicht mehr genug, einfach nur schnell und aggressiv zu spielen.

Der Thrash Metal wurde in vielen Fällen anspruchsvoller und technischer. In den USA trieben das Watchtower auf die Spitze, in Deutschland folgten gleich mehrere Bands auf demAaarrg-Records Label (Mekong Delta, Target). Während andere Acts erst noch straight agierten und dann im Verlauf ihrer Karriere mit progressiven Elementen liebäugelten (Holy Moses, Deathrow, Destruction), schnürten die Hamburger MEGACE schon nach der Bandgründung 1988 ein anspruchsvolles Paket aus anspruchsvollem Thrash und Prog.
Mit der Sängerin Melanie Bock hatte man zudem ein besonderes As im Ärmel, denn sie kann Beides: Das kehlige Thrash-Shouting und melodischen Gesang. Das hob MEGACE direkt von anderen Bands ab, was ihnen direkt eine Chancen bot, die auch genutzt wurden.

Nach einigen Demotapes erschien das Debütalbum „Human Errors“, welches in der Presse durchweg gelobt wurde und auch heute noch Fans auf der ganzen Welt hat (Reissue auf CD und LP, Golden Core 2025). Das zweite Album „Inner War“ kam mit Verspätung im Jahr 1999 auf dem kleinen Label Angular (Sylvan, Vanishing Point, Lana Lane).

Der Thrashfaktor wurde ein Stück zurückgefahren, während die melodische Seite der Band und der Klargesang von Melanie Bock in den Vordergrund rückt. Das schafften MEGACE ohne sich zu verbiegen. 1999 war nicht der perfekte Zeitpunkt für diesen Stil, aber die CD fand über die Jahre immer mehr Anhänger und der Ruf nach einer Vinylausgabe wurde lauter.

Die damaligen Musiker entschieden sich, Golden Core den exklusiven Zuschlag zu geben

Wiederveröffentlichung des zweiten Milkshakes-Albums als schwarze Vinyl-Stereo-LP! ,Vom eröffnenden Raspeln von ,SEVEN DAYS" bis zu den ausklingenden Tönen von ,WO' NOW" geht der rasende Beat weiter. Sogar die ruhigeren Tracks sind mit dem unverwechselbaren MILKSHAKES-Branding versehen, was darauf hindeutet, dass THE MILKSHAKES die unbestreitbaren Anführer des World Beat sind!", heißt es hier. Nach dem imaginären internationalen Erfolg ihres Debütalbums ,Talking Bout...", und der 45er Single "It's You" c/w ,Please Don't Tell My Baby" beschlossen die Milkshakes, das wenige Geld, das sie noch hatten, für einen weiteren Longplayer zu verschwenden. Das Ergebnis war das clever betitelte, wenn auch etwas prahlerisch klingende ,Fourteen Rhythm & Beat Greats". In der Tat, wenn man die Augen schließt und den Plattenspieler ausschaltet, könnten alle 14 - zähle sie (wenn du das nächste Mal deine Augen öffnest) - fein gearbeiteten Stücke auf dieser LP fast als ,großartig" bezeichnet werden, je nachdem, wo du musikalisch stehst. Mit Live-Favoriten wie ,Black Sails In The Moonlight" und ,Red Monkey" war der allgemeine Konsens, dass dies das bisher beste Werk von THE MILKSHAKES sei (fragt sie selbst). Das muss zum Teil stimmen, denn das renommierte Londoner Label Big Beat Records fand das Album gut genug, um es auf seinem eigenen renommierten Label Big Beat wiederzuveröffentlichen - und das gleich zweimal. Aber das war vor über 40 Jahren, also versucht bitte, eure Begeisterung zu zügeln und bildet eine geordnete Schlange... obwohl, je schneller sie ausverkauft ist, desto eher kann sie - wieder einmal - nachgepresst werden. Bassist Russ Wilkins erinnert sich an die Aufnahme der LP: ,Die Aufnahmen fanden in Herne Bay in Oakwoods zweitem Studio statt. Ich glaube, ich war gerade mit den Prisoners dort gewesen und hatte "Taste of Pink" aufgenommen. Ich benutzte meinen Framus Star Bass und fing gerade an, einen Fender-Bassverstärker zu benutzen, der mich im Studio im Stich ließ, also musste ich einen AC30 Top verwenden, der ziemlich verzerrt und nicht das war, was ich wollte, aber wir mussten damit arbeiten. Man kann es bei "No-one Else" hören, das bei den Proben großartig klang. "Can You Tell Me" war der Beginn des Strippings, bei dem wir versuchten, so minimal wie möglich zu sein, und ich schaffte es später, es auf nur zwei Noten zu reduzieren. Es gab natürlich auch die Wall City Version der Platte, die von Hansi Steinmetz in Berlin herausgebracht wurde - mit einem andersfarbigen Logo auf der Vorderseite. Da sind auch viel mehr Backing Vocals drauf. Ich denke, dafür muss ich etwas Verantwortung übernehmen. Es wurde eher wie die vorherigen Pop Rivets-Alben aufgenommen, indem wir uns alle zusammen in einem Raum aufstellten und live spielten, mit sehr wenigen Overdubs, abgesehen von dem einen oder anderen Solo. Wir haben noch ein weiteres in dieser Art gemacht und dann die Richtung geändert, als wir die sieben Alben an einem Tag oder was auch immer veröffentlichten." RUSS WIILKINS, MAI 2025

Die größten Hits der legendären Band The Marmalade – jetzt endlich als Vinylausgabe!

Für alle Liebhaber klassischer Rock- und Popmusik erscheint die ultimative Sammlung der erfolgreichsten Songs der schottischen Kultband The Marmalade erstmals auf hochwertigem Vinyl.

Mit dabei ist der weltbekannte Nr. 1 Hit „Ob-La-Di Ob-LaDa“, der der Band internationalen Ruhm einbrachte – ebenso wie der eingängige Klassiker „Lovin’ Things“, der bis heute Fans begeistert.
Diese Edition vereint die unvergesslichen Melodien und den zeitlosen Sound einer der prägendsten Bands der 60er- und 70er-Jahre.

Coral Grief, das Rocktrio aus Seattle, und Air Between Us, sein Debütalbum, sind treffend betitelt. Die ersten Töne von Sam Fasons Gitarre im Opener ,Starboard" treffen wie ein Windstoß Seeluft ins Gesicht. In nur wenigen Sekunden schwebt man, zu gleichen Teilen unter dem Himmel und über dem Meer. Es ist ein ähnliches Dazwischen, in dem Coral Grief gedeihen, denn sie konstruieren ein kunstvolles Geflecht aus doppelten Bedeutungen in dieser Hommage und Lobrede auf ihre Stadt und Community. Die Sängerin und Bassistin Lena Farr-Morrissey und Fason sind durch die psychische Chemie verbunden, die man nur durch jahrelanges gemeinsames Spielen in Bands entwickeln kann. Die Gitarre von Fason ist das Segel zu Farr-Morrisseys Anker, und hier schafft er Texturen, die so dicht sind wie der Wind. Das Bindeglied - der Motor in dieser nautischen Metapher - ist Schlagzeuger Cam Hancock, der von gemeinsamen Freunden wärmstens empfohlen wurde. Sein treibendes Spiel dient als Brücke der Ideen, als letztes Puzzlestück, als Meister der Dynamik und Übergängen, der ihre Songs in neue Gefilde treibt, ohne dabei aufzufallen. Gemeinsam lassen sie sich von Stereolab, Broadcast, Th' Faith Healers und Seefeel inspirieren, und umrahmen diese sehr spezifische Sorte von britischer Coolness auf eine einzigartige Weise wie es sie nur im pazifischen Nordwesten gibt. Um die Songs zum Leben zu erwecken, begab sich das Trio ins The Unknown - eine eine stillgelegte Kirche, die als Segelmanufaktur und Aufnahmestudio in Anacortes, WA dient. In Zusammenarbeit mit dem Toningenieur Nich Wilbur, der sich von fünf Matchas pro Tag ernährte, wurde der Arbeitsraum zu ihrem Workshop. ,Wir wollten die Dinge zu dritt angehen, aber auch, dass es so üppig und voll wie möglich klingt", erklärt Fason.

I Beat Loneliness markiert einen Meilenstein in der Geschichte von BUSH – das mittlerweile 10. Studioalbum der Band. Produziert von Gavin Rossdale und Erik Ron (Godsmack, Bad Omens), ist das Album eine kraftvolle Fusion aus den grunge-getriebenen Wurzeln der Band und modernem Sound. I Beat Loneliness ist eines der emotional eindringlichsten Alben der Band und behandelt Themen wie mentale Gesundheit, Isolation und innere Stärke – ein eindrucksvolles Zeugnis für eine Band, die sich stetig weiterentwickelt und dabei unbeirrt ihrer Identität treu bleibt. BUSH überleben nicht nur – sie sind so stärker denn je, überschreiten Grenzen und defi nieren neu. BUSH, die legendäre Band aus London, die mit ihrem bahnbrechenden Debüt Sixteen Stone (1994) den Rocksound der 90er prägte, ist bis heute eine prägende Größe in der Musikwelt. Mit über 24 Millionen verkauften Tonträgern, 1,1 Milliarden Streams und zahlreichen Nr. 1-Singles sind Gavin Rossdale (Gesang, Gitarre), Chris Traynor (Gitarre), Corey Britz (Bass) und Nik Hughes (Schlagzeug) nach wie vor eine treibende Kraft des Genres.

Protector Edition: Amethyst Swirl Vinyl. Mit "Sharon Van Etten & The Attachment Theory" präsentiert Sharon Van Etten eine aufregende neue Dimension ihres Sounds und Songwritings. Zum ersten Mal wurde das Album in völliger Zusammenarbeit mit ihrer Band - Jorge Balbi (Schlagzeug, Maschinen), Devra Hoff (Bass, Gesang) und Teeny Lieberson (Synthesizer, Klavier, Gitarre, Gesang) - geschrieben und aufgenommen, was Van Etten genau die Freiheit gab, die sich aus dem Loslassen ergeben hat. Die Themen sind zeitlos, klassisch Sharon, aber die Klänge sind neu, vollständig realisiert und scharf wie Glas. Diese neue Herangehensweise begann während der Proben in der Wüste für eine bevorstehende Tournee, als Van Etten ihre Band in den kreativen Prozess einbezog: "Zum ersten Mal in meinem Leben habe ich die Band gefragt, ob wir einfach jammen können. Worte, die nie aus meinem Mund kamen - niemals! Aber ich liebte alle Sounds, die wir bekamen. Ich war neugierig - was würde passieren?" Offenbar Magie. "In einer Stunde schrieben wir zwei Songs, aus denen schließlich "I Can't Imagine" und "Southern Life" wurden." Das Album wurde im ehemaligen Studio der Eurythmics, The Church, aufgenommen, das perfekt zu der mystischen Mischung aus Elektronik und analogen Texturen der Band passt. Die Produzentin Marta Salogni (Björk, Bon Iver, Animal Collective, Mica Levi) war sowohl als Bindeglied als auch als Produzentin unverzichtbar, da sie "die Synthesizer liebte und einen Sinn für Abenteuer hatte" und es verstand, "die Dunkelheit und die einzigartigen Klänge zu umarmen, die wir während des Schreibprozesses entwickelt hatten", so Van Etten. Über diese neue künstlerische Geisteshaltung und die Kunst des gemeinsamen Schreibens sinniert Van Etten: "Manchmal ist es aufregend, manchmal ist es beängstigend, manchmal fühlt man sich festgefahren. Jeder Tag fühlt sich ein wenig anders an - einfach in Frieden zu sein mit dem, was man fühlt und wer man ist und wie man in diesem Moment zu den Menschen steht. Wenn ich einfach offenbleiben kann und gleichzeitig weiß, dass sich meine Gefühle jeden Tag ändern, ist das alles, was ich im Moment tun kann. Das und versuchen, die beste Person zu sein, die ich sein kann, während ich andere Menschen so sein lasse, wie sie sind, und es nicht persönlich nehme und einfach nur bin. Ich bin noch nicht so weit, aber ich versuche, jeden Tag so weit zu sein." Mit "Sharon Van Etten & The Attachment Theory" vertieft Van Etten den Diskurs, der einen Großteil ihres Katalogs belebt, und erforscht, was es bedeutet, einfach nur ein Mensch zu sein. Das ist ihr Genie - schräg, aber auch relevant und persönlich.

Nach den Erfolgen des Merchcowboy Mixtapes Vol. 1 und Vol. 2 erscheint am 18. Juli 2025 der dritte Teil des Benefizsamplers. Dieses Mal unterstützt man #LeaveNoOneBehind sowie PRO ASYL und stellt sich so klar gegen Rechtsruck und Ausgrenzung und positioniert sich für bedingungslose Humanität. Unter anderen unterstützen Die Toten Hosen, Die Ärzte, Deichkind, Broilers, Heaven Shall Burn, Donots, Madsen, Grossstadtgeflüster, Sondaschule, Montreal, Deine Cousine, Juli, Ebow, Lara Hulo, H-Blockx, Heisskalt und viele weitere der bekanntesten Namen der deutschen, alternativen Musikszene das Projekt. Allesamt Bands und Künstler*innen, die politisch aktiv sind und sich für eine weltoffene, tolerante Gesellschaft einsetzen. Das Merchcowboy Mixtape Vol. 3 wird durch Musik Spenden für die Organisationen #LeaveNoOneBehind sowie PRO ASYL sammeln. Also genau die Organisationen, die sich täglich für die Förderung gelebter Demokratie, die Unterstützung von Geflüchteten sowie Bekämpfung von Faschismus einsetzen. Alle Bands und Künstler*innen verzich-ten hierbei auf Gagen - der Erlös aus dem Verkauf des Samplers wird vollständig zu gleichen Anteilen an beide Organisationen gespendet.

Als Künstler und Performer hat Jamie Lidell ein höllisches Leben geführt, das ihn von der Avantgarde über Clubland-Hedonismus bis hin zum Mega-Mainstream und allen Punkten dazwischen katapultierte. Er hat verschiedene Persona angenommen - vom gesichtslosen, namenlosen Techno-Produzenten bis zum extravaganten Showman. Er hat monströsen Lärm und süße Musik gemacht. Er hat in Kunsträumen, Rave-Dungeons und auf einigen der größten Bühnen der Welt in einem Wirbelwind der Kreativität performt. Doch seit seinem Umzug nach Nashville und der Gründung einer Familie erlebte Jamie Lidell Isolation und Introversion. Indem er mit seiner eigenen Neurodivergenz konfrontiert wurde, musste er seine Beziehung zu sich selbst, seine Geschichte, seine Musik und seinen kreativen Prozess komplett neu bewerten. Und all das drückt sich nun in 'Places of Unknowing' aus, seinem ersten Album seit fast einem Jahrzehnt - eine karge und schöne Abkehr von allem, was er je zuvor gemacht hat.

Das weltweit gefeierte Musikphänomen Africa Express ist zurück mit einem brandneuen Studioalbum mit
dem Titel „Africa Express presents... Bahidorá“, das in Mexiko aufgenommen wurde und Künstler und
Musiker aus vier Kontinenten zusammenbringt. Das bahnbrechende Musikkollektiv vereint seit über zwei
Jahrzehnten Künstler aus verschiedenen Ländern und Genres in radikal kreativen Kollaborationen, in denen
alles passieren kann und auch passiert.
Mit der Idee, Künstler aus verschiedenen Kulturen, Genres und Generationen zusammenzubringen, um
aufzutreten und Musik zu machen, wurde Africa Express 2006 mit einer Reise nach Mali gegründet, die die
lokalen Stars Toumani Diabaté, Bassekou Kouyaté und Amadou & Mariam mit Künstlern wie Mitbegründer
Damon Albarn, Martha Wainwright und Fatboy Slim zusammenbrachte.
Jeder Auftritt von Africa Express ist einzigartig, voller spontaner Momente der Magie, Zusammenarbeit
und Entdeckung. Im Jahr 2024 war Africa Express Headliner des Bahidorá-Festivals in Mexiko, einer Reise,
bei der eine außergewöhnliche Gruppe von Musikern, Sängern und DJs aus der ganzen Welt zusammenkam,
um an den Ufern der alten Quellen von Bahidorá zu proben, aufzutreten und neue Musik zu schreiben.
Das Ergebnis ist „Africa Express präsentiert ... Bahidorá“, eine völlig originelle, einmalige Sammlung von
21 Songs, die ein außergewöhnliches Line-up von Talenten aus Mexiko, Südamerika, Afrika, den USA und
Großbritannien präsentiert, darunter:Abou Diarra – Baba Sissoko – Bonobo u.a.

… oder Beastie Boys…oder Robert DeNiro…oder Banksy…oder Sportfreunde Stiller – klein anfangen und
dann mal schauen, was draus wird. Es wurde – zwar nicht wie alle erwähnten Künstler, aber der Weg
ist ja eventuell noch nicht vorbei für die Sportfreunde, die bei ihrem ersten Studioalbum auf vier Jahre
Liedansammlung zurückgreifen konnten. In Spanien mit und bei Uwe Hoffmann (Die Ärzte…) turbulente
Wochen verbracht, um in die Wunderwelt der Produktion eingeweiht zu werden. Daraus entstand eine
vorwärtsdrängende Musikplatte, die das zukünftige Spektrum der Sportfreunde definieren sollte. Zwischen
„Hockey (Feld)“ und „Fast wie von selbst“ liegen Punksongs, Balladen, verspielter Dadaismus, Neugier auf
Energie und tiefe Emotion. Sie schwebten damals auf Wolke sieben und waren auf Ochsentouren, auf den
10-Meter-Brettern (Video „Wellenreiten“), auf dem Mond (Video „Fast wie von selbst“), in Fernsehstudios
(Mit ihnen wuchsen und an ihnen verzweifelten MTV und VIVA), in Kochstudios (Video „Heimatlied“),
bouncten mit der Meute und Hans Rosendahl bei „Spitze“ um die Wette und sie klauten dem FC Bayern
die Meisterschale im Video zu „Wunderbaren Jahren“, dem Lied, das ihre erste musikalische Errungenschaft war und nach fast 30-Jahren immer noch deren Bandmotto darstellt. Denn, was soll denn noch
kommen? Außer eventuell ein Duett mit Mike D. und Ad Rock von Beastie Boys, ein Kurzfilm mit Robert
DeNiro, ein Mauerkunstwerk in New York mit Banksy oder eine Übernahme des königlichen Fußballclubs
Real Madrid…die wunderbaren Jahre sind noch nicht vorbei.
Auf dieser LP sind erstmalig auch die Lieder ”Rocket Radio”, ”Wir müssen gewinnen” und ”Money Mark”
enthalten, die es bisher nur auf der CD gab.
Nun kommt das Ganze in weiß daher, damit Nachzügler die reine Shellac-Weste bestellen können. Let´s
surf it!
180gr + weißes Vinyl, bedrucktes Beiblatt mit jeder Menge exklusiven Fotos von damals!

Auf "At Tubby's" spielt Dougie Poole Live-Versionen seiner beliebtesten Songs in einem Veranstaltungsort, der von Musikern für seine Intimität und Akustik sowie für seine außergewöhnliche Behandlung von tourenden Musikern geliebt wird. Dieses Set war wie geschaffen für die Veröffentlichung als Live-Album, da es ein besonderer Abend für die Band war. Einer dieser Abende, an denen die Musik, das Publikum und der Raum zusammenkommen. Das Album wurde direkt am Mischpult aufgenommen, wobei Dougie selbst nur minimale Nachbearbeitungen vornahm. Dougies Live-Band auf "At Tubby's" besteht aus Mike Etten an der elektrischen Gitarre und Connor ,Catfish" Gallaher an der Pedal Steel. Beim ersten Song des Abends, ,Los Angeles", ergänzen Ettens klassische Country-Licks und Catfishs hochfliegende Slide-Linien perfekt Dougies beeindruckende akustische Arbeit und seinen goldenen Bariton. Man merkt, dass die drei schon seit Jahren zusammen spielen und in dieser Formation straßentauglich sind. Sie nehmen sich einiger von Dougies beliebtesten Songs an, von Rave-Up's (,Beth David Cemetery" & ,Vaping on the Job") bis hin zu Country-Balladen (,Must Be in There Somewhere", ,Don't You Think I'm Funny Anymore") und allen Punkten dazwischen. Es gibt hier einige Stücke, die für Fans von Dougies letzten Alben neu sein könnten. ,Toshiba Sky" ist eine einmalige digitale Single aus dem Jahr 2020 und ,Wild Motion` ist ein Stück, das Dougie für Drugdealer aus L.A. geschrieben hat, die es für ihr 2020er Album Raw Honey aufgenommen haben. Bei "At Tubby's" wurde auch eine neue Komposition von Dougie aufgenommen, ,Heaven Sent an Angel", die das Set mit einer herzlichen Note abschließt. "At Tubby's" entführt den Zuhörer an einen anderen Ort und in eine andere Zeit und ist für alte und neue Fans ein spannendes Erlebnis.

"HARTE WORTE" melden sich zurück! Nach dem ungewollten Chart-Erfolg 2018 ihres letzten Albums "So wie ihr uns kennt" wurde es 7 Jahre sehr still um die Band. Genauer gesagt hatte die Band sich eigentlich aufgelöst ohne dies mit den üblichen Tränendrüsen-Pathos groß zu kommunizieren. Der Proberaum gekündigt, alle Social Media und Bandseiten wurden einfach abgeschaltet und gelöscht. Aber nicht nur Stephen King wusste schon: "Manchmal kommen Sie wieder"_ Was Du im Herzen trägst und wofür Du brennst, kannst Du zwar eine Zeit lang ignorieren, aber unmöglich abschalten. Jedenfalls nicht, wenn jede verdammte Textzeile und Note authentisch und ein Teil Deines Leben ist! Und so hat Sänger Marco mit seinen Mitstreitern vor ein paar Wochen die Band reaktiviert und arbeitet an einem neuen Album und den ersten Live-Auftritten. So lange wollten wir aber nicht warten. Deshalb gibt es mit "Extrem Unangenehm" ein ziemlich gesuchtes Album der Band aus dem Jahr 2012 in limitierter Auflage. Erstmals auf Vinyl und erstmals offiziell überhaupt! Die Lieder gehören seit Jahren zu den beliebtesten Pogo-Highlights bei jedem Harte-Worte Konzert. Wir wissen echt nicht wie oft wir gefragt wurden, wann Songs wie "Helden unserer Jugend", "A.O.G." oder "Sisierra" endlich veröffentlicht werden. Jetzt ist die Zeit reif oder um es mit dem Opener des Albums zu sagen: "Der Ruhrpott meldet sich zurück!" Punk, Oi!, Streetpunk, Pott Core

"HARTE WORTE" melden sich zurück! Nach dem ungewollten Chart-Erfolg 2018 ihres letzten Albums "So wie ihr uns kennt" wurde es 7 Jahre sehr still um die Band. Genauer gesagt hatte die Band sich eigentlich aufgelöst ohne dies mit den üblichen Tränendrüsen-Pathos groß zu kommunizieren. Der Proberaum gekündigt, alle Social Media und Bandseiten wurden einfach abgeschaltet und gelöscht. Aber nicht nur Stephen King wusste schon: "Manchmal kommen Sie wieder"_ Was Du im Herzen trägst und wofür Du brennst, kannst Du zwar eine Zeit lang ignorieren, aber unmöglich abschalten. Jedenfalls nicht, wenn jede verdammte Textzeile und Note authentisch und ein Teil Deines Leben ist! Und so hat Sänger Marco mit seinen Mitstreitern vor ein paar Wochen die Band reaktiviert und arbeitet an einem neuen Album und den ersten Live-Auftritten. So lange wollten wir aber nicht warten. Deshalb gibt es mit "Extrem Unangenehm" ein ziemlich gesuchtes Album der Band aus dem Jahr 2012 in limitierter Auflage. Erstmals auf Vinyl und erstmals offiziell überhaupt! Die Lieder gehören seit Jahren zu den beliebtesten Pogo-Highlights bei jedem Harte-Worte Konzert. Wir wissen echt nicht wie oft wir gefragt wurden, wann Songs wie "Helden unserer Jugend", "A.O.G." oder "Sisierra" endlich veröffentlicht werden. Jetzt ist die Zeit reif oder um es mit dem Opener des Albums zu sagen: "Der Ruhrpott meldet sich zurück!" Punk, Oi!, Streetpunk, Pott Core

Das 2014 erschienene Debüt-Studioalbum White Noise von PVRIS hat sich in den USA über 100.000 Mal
verkauft (und bis heute über 300.000 Exemplare) und hat Fans auf der ganzen Welt in seinen Bann gezogen. Mit fast 250 Millionen Streams in den USA markierte das Album den Einstieg der Band in die Welt.
Jetzt, nach über 200.000 verkauften Tonträgern (über 600.000 Äquivalente bis heute) kehren PVRIS nun
zu ihren Wurzeln zurück.
Die Jubiläumsausgabe von White Noise wurde im März 2025 in digitaler Form veröffentlicht und enthält
Spiritbox’s Courtney LaPlante auf der äußerst beliebten Single „My House“. Die Neuauflage des Albums
enthält außerdem
Die Neuauflage des Albums enthält außerdem zwei neu bearbeitete Versionen von Songs aus der Originalversion, „Fire“ und „Mirrors“, sowie eine Live Version des Hits „You and I“. Die Jubiläumsausgabe von
White Noise ist ein Muss für Szene-Veteranen und Sammler

Laura Jane Grace, Emmy-nominierte Musikerin, Autorin, Aktivistin und Against Me!-Gründerin/Songwriterin meldet sich mit ihrem dritten Studioalbum "Laura Jane Grace In The Trauma Tropes – Adventure Club" zurück – ein kraftvolles neues Statement mit einigen ihrer intensivsten und anregendsten Songs. Aufgenommen in Athen (GR), enthält es sensationelle Features externer Kollaborateure, bekannt als "The Trauma Tropes", darunter Graces Frau Paris Campbell (vocals) sowie die Athener Musiker Jacopo Fokas (bass) und Orestis Lagadinos (drums). Auf dem Keytrack "Your God (God's Dick)" schmettern sie die wohl hymnischsten Texte in Graces Historie, mit einem an Queens Power-Pop erinnernden A-cappella-Intro. In "Wearing Black" kritisiert Grace die Kommerzialisierung und Polizeipräsenz bei Pride-Veranstaltungen und stellt dabei ihren charakteristischen Punk-Ethos und ihre raue, unverhohlene Haltung voll zur Schau. Grace arbeitete mit Künstlern wie Miley Cyrus, Joan Jett und Weezer zusammen, trat auf Festivals wie Coachella, Reading & Leeds Festival oder Lollapalooza auf, erhielt einen Emmy-Nominierung für ihre Arbeit an der AOL-Serie "True Trans" und platzierte sich mit ihrer Autobiografie "Tranny: Confessions Of Punk Rock's Most Infamous Anarchist Sellout" auf der Billboard-Liste der 100 besten Musikbücher aller Zeiten.

Auf weltweit 1.000 Boxen limitiert, remastert sowie mit bearbeitetem Artwork ausgestattet - diese Boxset-Edition beinhaltet 5 farbige 180g-Doppel-Vinyle (inklusive D-Seiten Etching)!

Masterpeace (1999): Dieses Album markiert die triumphale Rückkehr von David Wayne am Gesang und verbindet den kultigen Metal Church-Sound mit einer modernen Produktion. Tracks wie "Sleeps With Thunder" und "Into Dust" strahlen rohe Kraft aus und machen dieses Album zu einem Meilenstein für Fans des traditionellen Heavy Metal.

The Weight Of The World (2004): Nach einer langen Pause meldete sich Metal Church mit Ronny Munroe am Ruder zurück. Songs wie "Leave Them Behind" und "Madman's Overture" unterstreichen die Unverwüstlichkeit der Band und zeigen eine neu belebte Energie, die ihren Platz im Pantheon des Metal bestätigt.

A Light In The Dark (2006): Dieses Album ist eine Hommage an die Vergangenheit und ein Schritt in die Zukunft. Es enthält Hymnen wie "Mirror Of Lies" und eine gefühlvolle Neuaufnahme von "Watch The Children Pray" Es fängt die Essenz von Metal Churchs Fähigkeit ein, ihre Wurzeln zu ehren und gleichzeitig neues klangliches Terrain zu erkunden.

This Present Wasteland (2008): Ein sehr nachdenkliches und intensives Album mit Tracks wie "Deeds Of A Dead Soul" und "Breathe Again", das persönliche und gesellschaftliche Themen mit eindringlichen Melodien und treibenden Rhythmen verbindet. Es ist ein herausragendes Kapitel in ihrer Karriere.

Generation Nothing (2013): Dieses Album ist eine Rückkehr zu den Heavy-Metal-Ursprüngen der Band und liefert modernisierte epische Hymnen. Songs wie "Scream" und der kraftvolle Titeltrack "Generation Nothing" spiegeln eine Band wider, die tief mit ihrer Vergangenheit verbunden ist, sich aber gleichzeitig entschlossen nach vorne bewegt.

Masterpeace (1999): Dieses Album markiert die triumphale Rückkehr von David Wayne am Gesang und verbindet den kultigen Metal Church-Sound mit einer modernen Produktion. Tracks wie "Sleeps With Thunder" und "Into Dust" strahlen rohe Kraft aus und machen dieses Album zu einem Meilenstein für Fans des traditionellen Heavy Metal.

The Weight Of The World (2004): Nach einer langen Pause meldete sich Metal Church mit Ronny Munroe am Ruder zurück. Songs wie "Leave Them Behind" und "Madman's Overture" unterstreichen die Unverwüstlichkeit der Band und zeigen eine neu belebte Energie, die ihren Platz im Pantheon des Metal bestätigt.

A Light In The Dark (2006): Dieses Album ist eine Hommage an die Vergangenheit und ein Schritt in die Zukunft. Es enthält Hymnen wie "Mirror Of Lies" und eine gefühlvolle Neuaufnahme von "Watch The Children Pray" Es fängt die Essenz von Metal Churchs Fähigkeit ein, ihre Wurzeln zu ehren und gleichzeitig neues klangliches Terrain zu erkunden.

This Present Wasteland (2008): Ein sehr nachdenkliches und intensives Album mit Tracks wie "Deeds Of A Dead Soul" und "Breathe Again", das persönliche und gesellschaftliche Themen mit eindringlichen Melodien und treibenden Rhythmen verbindet. Es ist ein herausragendes Kapitel in ihrer Karriere.

Generation Nothing (2013): Dieses Album ist eine Rückkehr zu den Heavy-Metal-Ursprüngen der Band und liefert modernisierte epische Hymnen. Songs wie "Scream" und der kraftvolle Titeltrack "Generation Nothing" spiegeln eine Band wider, die tief mit ihrer Vergangenheit verbunden ist, sich aber gleichzeitig entschlossen nach vorne bewegt.

»The Death of Me« ist das zweite Studioalbum der Metalcore-Band aus Sydney/Australien. In Australien kam es bis aus Platz 3 der Albumcharts, in Deutschland auf Rang 39. Metal1.info über das Album: »Ein absolutes Muss für jeden Metalcore-Fan«

»The Death of Me« ist das zweite Studioalbum der australischen Metalcore-Band Polaris. Die Band produzierte und und nahm es in Mollybook Beach NSW mit Lance Prenc und Scottie Simpson auf, und es wurde von Carson Slovak und Grant McFarland (Atrium Audio) in den Think Loud Studios, PA, USA, abgemischt. Das Album wurde im Februar 2020 unter Resist Records und SharpTone Records und SharpTone Records veröffentlicht und nominiert für einen ARIA Award für das beste Hard Rock- oder Heavy Metal-Album.

Bring the epic Starfleet adventures to a new dimension!

We are proud to present the exclusive colored vinyl release of
the thrilling original soundtrack of Star Trek: First Contact!
Take a deep dive into the world of Captain Picard and his
crew with a soundtrack that perfectly captures the thrilling
moments and dramatic climaxes of this intergalactic classic.

Erleben Sie das epische Abenteuer der Sternenflotte in einer
neuen Dimension!

Wir freuen uns, Ihnen das exklusive farbige Vinyl-Release
des mitreißenden Original Soundtracks zu Star Trek: First
Contact anzubieten! Tauchen Sie ein in die Welt von Captain
Picard und seiner Crew mit einem Soundtrack, der die
packenden Momente und dramatischen Höhepunkte dieses
intergalaktischen Klassikers perfekt einfängt.

Ein Muss für alle Trekkies und Liebhaber epischer Filmmusik: Die Vinyl-Ausgabe des Original Soundtracks zu Star Trek: Generations bringt die majestätischen und dramatischen Klänge eines besonderen Kapitels der SternenflottenGeschichte direkt auf den Plattenteller. Dieser Soundtrack, komponiert von Dennis McCarthy, begleitet den siebten Star Trek-Kinofilm mit emotionaler Tiefe, spannungsgeladener Dynamik und dem typischen orchestralen Stil, der das Franchise über Jahrzehnte geprägt hat. Ob die legendäre Begegnung zweier Captains oder die epischen Weltraummomente – jedes Stück entfaltet auf Vinyl eine besondere Klangwärme und Nostalgie. Diese LP ist nicht nur ein Sammlerstück, sondern auch ein emotionales Hörerlebnis – ideal für ruhige Sternenstunden zu Hause oder als Geschenk für echte Starfleet-Enthusiasten

Die Compilation "The Collection" von Ricchi e Poveri wird zusammen mit Bonusmaterial erstmals auf Vinyl veröffentlicht. Diese exklusive Doppel-LP, die am 18.07.2025 erscheint, enthält die vollständige Trackliste von "The Collection" von 1998. Darüber hinaus sind drei neue Songs von Ricchi e Poveri enthalten, die noch nie zuvor auf Vinyl erschienen sind. Ein besonderes Highlight ist eine unveröffentlichte Studioaufnahme des Hits "Che sarà". Das neu entworfene Artwork der Collection wird durch einige Fotos der Band ergänzt, die einen einzigartigen Einblick in die Geschichte und den Stil von Ricchi e Poveri bieten. Ein Muss für alle Fans, Sammler und Italien-Liebhaber!

'Addicted to the Violence' ist das explosive dritte Album von Daron Malakian und Scars On Broadway. Malakian, der als Songwriter, Sänger und Gitarrist der mit dem GRAMMY® Award ausgezeichneten Band System Of A Down bekannt ist, liefert mit seinem neuen Album, das auf das 2018 erschienene Album 'Dictator' folgt, eine furchtlose Mischung aus Rock, Metal, Punk und Psychedelia. Geschrieben und produziert von Malakian.

Daron Malakian and Scars On Broadway ist das Alternative-Rock-Projekt des System Of A Down-Sängers, Gitarristen, Songwriters und Gründers. Malakian hat zwei Studioalben unter dem Namen DMSOB veröffentlicht: 'Scars On Broadway' (2008) und 'Dictator' (2018).

Grinderman entstand 2005, als Nick Cave Material für das Album „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“
von Nick Cave & The Bad Seeds schrieb. Gemeinsam mit Martyn Casey am Bass, Warren Ellis an Violine
und Gitarre und Jim Sclavunos am Schlagzeug erarbeitete die Band gemeinsam Songs. 2006 ging sie in
ein Londoner Studio und begann eine Marathon-Session mit Songwriting und Demoaufnahmen. Mit dem
Ziel, den raueren, ursprünglicheren Sound von Caves gefeiertem Post-Punk-Projekt „The Birthday Party“ nachzubilden, wichen die Texte und die Musik von Grinderman deutlich von Nick Caves früheren Arbeiten
mit The Bad Seeds ab.
Im darauffolgenden April nahmen sie die besten dieser neuen Songs auf und nahmen mit Hilfe ihres langjährigen Freundes und Produzenten Nick Launay ein Album auf. Ihr am 5. März 2007 veröffentlichtes Debü-
talbum „Grinderman“ mit elf Songs wurde von der Kritik hoch gelobt und enthält die Singles „No Pussy
Blues“ und „Get It On“. Das Quartett kam 2009 wieder zusammen, um „Grinderman 2“ aufzunehmen, das
2010 erschien. Im Dezember 2011 gab Cave die Auflösung der Band auf einem Musikfestival in Australien
bekannt.
Das „unglaublich aufregende Debütalbum“ (Observer Music Monthly) ist auf schwarzem Öko-Vinyl und im
CD-Digisleeve-Format erhältlich

Der Bandname hat sich geändert, von easy zu hart, doch die Musik bleibt genauso mitreißend, beats-lastig,
ironisch und auf die Zwölf wie bereits in den vergangenen Jahren.
Nach einem Rechtsstreit mit dem Großkonzern easyJet (2023) musste die Band rund um Frontman Murray
Matravers ihren Namen von easy life zu hard life umändern.
Nun melden sich die britischen Durchstarter zurück und veröffentlichen am 18. Juli ihr neues Album
„onion“.
Besonders in Großbritanien feiert die Band bereits große Erfolge: Mit 2 Alben, die beide auf #2 der UKCharts landen, 3 NME-Nominierungen bis hin zu Auftritten auf dem Glastonbury-Festival, ausverkaufte
Headline-Shows im Londoner Alexandra Palace und Kollaborationen mit Arlo Parks, Kevin Abstract und
FINNEAS.
Als Nachfolger von „MAYBE IN ANOTHER LIFE…“ (2022) befasst sich das neue Album „onion“ mit
Themen wie Trennungen, persönlichem Wachstum, sowie dem Mut, sich wieder selbstzufinden.

Man @ Work Volume 2 is the sequel to his 2002 best seller, Man @ Work, and offers
fans an impeccable set of favorites from across Hay's rich catalog, including Men at
Work classics, solo album highlights, and new material. The album opens with "Into
My Life," featuring Gregg Bissonette (Ringo Starr and His All Starr Band) and Cecilia
Noel. The song originally appeared on Hay's 1990 debut solo album, Wayfaring Sons,
and exploded in Brazil in the 90s as the theme song of a popular soap opera, growing
to rival the anthemic "Down Under" as Hay's most popular song in South America. Hay
reaches back to Men At Work's 1983 release, Cargo, for a new recording of the reggae
infected "Blue for You," which segues into a stripped-down version of the infectious
"Come Tumblin' Down" from his 2017 release Fierce Mercy. Other standout tracks on
the album include "We the People" featuring rapper Derrick "Solpowa" Rice, which Hay
was inspired to write in the midst of the polarizing US presidential election in 2024,
and with a haunting performance of "Next Year People" from the 2015 album of the
same name. This version of the song features Hay on acoustic guitar and vocals,
augmented by a string quartet.

Nach dem überwältigenden Erfolg seiner globalen Smash-Single "Ordinary", die auf Platz 1 der Global Charts landete, Platz 3 der Deutschen Single Charts erreichte und bislang über 650 Millionen Streams generierte, ist Alex Warren bereit, die Musikwelt erneut im Sturm zu erobern: Für den 18.07.24 kündigt er nun sein mit Spannung erwartetes Debütalbum "You'll Be Alright, Kid" an!
Neben den Titeln des ersten Album Parts, wie z.B. die Standout Tracks "Carry You Home" und "Before You Leave Me", enthält das neue Werk die Erfolgssingle "Ordinary" sowie seine neueste Single "Bloodline" mit Jelly Roll - und natürlich viele weitere brandneue Songs!

Rachika Nayar und Nina Keith veröffentlichen am 18. Juli unter ihrem neuen Projekt Disiniblud ein selbstbetiteltes Album!

Rachika Nayar und Nina Keith, aka Disiniblud, treffen sich in Brooklyn, in einem Park, der so klein ist, dass man nicht aneinander vorbeigehen kann, ohne sich zu bemerken. Sie reden. Erst über Musik, dann über alles. Über das, was war, über das, was nicht mehr sein wird. Post-Lockdown-Liebe auf Distanz, als würde man sich an jemandem festhalten, den es nie ganz gab. Buddhismus, Hinduismus, ein Soundtrack, den sie beide als Teenager geliebt haben. Ein Gespräch ohne Worte. Eine Verbindung, die sich anfühlt wie eine längst vergessene Kindheitserinnerung. "Disiniblud", das selbstbetitetelte Album, das am 18.07.2025 via Smugglers Way erscheint, ist das Echo davon. Rachika Nayar und Nina Keith verfolgen unterschiedliche musikalische Ansätze, die sie im gemeinsamen Projekt Disiniblud zusammenführen. Rachika veränderte mit ihrer 2022er LP "Heaven Come Crashing" ihr Repertoire: Statt Ambient-Gitarren setzt sie nun auf maximalistische Synthesizer, tiefe Sub-Bässe und Amen Breaks. Diese Fusion aus Post-Rock und Elektronika wurde von Pitchfork als Best New Music ausgezeichnet und fand Anerkennung in Medien wie The New York Times, Stereogum, Fader und GQ - zudem eröffnete sie Tourneen mit M83. Nina Keith ist bekannt für ihren autodidaktischen Kompositionsstil. Ihr Debüt "MARANASATI 19111" präsentierte sie mit Instrumenten wie Cello, Klavier, Klarinette und Flöte, um persönliche Erfahrungen und Erlebnisse im Zusammenhang mit Gemeinschaftstraumata und paranormalen Ereignissen musikalisch zu verarbeiten. Mit neuen Veröffentlichungen wie "Come Back Different" featuring Julie Byrne erweitert sie ihr Spektrum durch den Einsatz modularer Synthesizer und komplexer Vokalarrangements.





e a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]





[e] a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]

Best of' albums are invariably repackaged collections of old recordings, so Vice Squad's `Punk Rockers' is a breath of fresh air The songs have been lovingly recorded and remastered, keeping all the original fire and adding decades of experience gained from punishing tours and continuous songwriting Beki is the original architect of the songs and the Vice Squad name, and she is the sole surviving member of the original lineup to have continued as a full-time musician Vice Squad are 100% DIY and record everything in their home studio with guitarist/riffmaster Paul Rooney engineering and mixing. There is nothing sloppy here; the whole album is concise and intelligent with lightning-speed diction, passion, and intent. The glorious `If I Knew What I Know Now' and `The World Is Wrong' are examples of Vice Squad's ability to write instantly catchy, witty songs, and the more gut-wrenching material from their last album, `Battle of Britain', showcases some enormous riffs and a voice that is a million decibels from Beki's untried teen vocals. The album opens with the deliciously effervescent `If I Knew What I Know Now', followed by the sparkling old-school tongue-twister `Out of Reach'. Next up is the visceral `Get A Life', an angry anti-suicide note to the desperate, originally the title track from their 1998 comeback album. This is followed by a shimmering version of Vice Squad's old-school classic `Resurrection'. While the treatment of the old songs remains true to the original teenage renditions, the upgraded versions pack more of a punch with detuned guitars and growling bass. The tribal tom-toms of `Allergy' underpin just over two minutes of punk protest about the delights of pollution and asthma. Then comes the sublime `Sniffing Glue', a near-perfect punk love song that would be a huge hit if not for its subject matter. `Ordinary Girl' is punk-pop perfection brimming with hook lines and harmonies, warmly mocking the life that could have been chosen instead of the grindstone at the sharp end of the music industry. `The World Is Wrong' is anthemic, joyous, and wonderfully contrary, and one would expect nothing less from a band that has soldiered on and grown through the decades. It's always great when bands lead by example. In these increasingly tough times where our survival is threatened by the gargantuan greed of a few individuals, it's important to continuously stick two fingers up to the grabbers and spoilers. 'The World Is Wrong' does just that in an impassioned, melodic, and optimistic style. 'Hold your head up, stand your ground, and don't let the bastards grind you down.' Then we roar into the final single Beki wrote with original and now sadly deceased guitarist Dave Bateman, `Citizen', and continue with another teenage opus, the quite brutal `Scarred For Life'. `Voice of the People' is a bulldozer of a song, all swagger and ballsy riffs, and the chorus, `Freedom of speech is against the law; now we're all criminals,' snarls its derision at red-handed red tape. `Punk Police' sneers over a catchy-as-COVID guitar riff, and the lyrics, `Regulation cut, you must measure up, down on the street, PR companies, monied families, running the scene,' call out the hierarchies that now permeate Punk. Baritone guitars add extra darkness to one of the first-ever animal rights songs, `Humane', and I'm struck by how relevant the older songs are. Chocks away, and the awesome 'Spitfire' takes flight like Motörhead on extra amphetamines. Merlin engines fade into `Born In A War', the second in the triumvirate of conflict-themed songs, an absolute stonker with huge muscular riffs and lyrics that roar pure outrage. Then comes the ominous Last Rockers, with all the angst of the original plus added depth and resonance. Beki: ' "Last Rockers" is a typically depressive adolescent song about nuclear war and being too young to die but too late to live. I believed Punks were the `Last Rockers', the final youth cult before the Apocalypse. I was obsessed with punk, and all I wanted to do was sing in a band and be part of the movement, so I would often romanticise the idea of punk in my lyrics.'

Best of' albums are invariably repackaged collections of old recordings, so Vice Squad's `Punk Rockers' is a breath of fresh air The songs have been lovingly recorded and remastered, keeping all the original fire and adding decades of experience gained from punishing tours and continuous songwriting Beki is the original architect of the songs and the Vice Squad name, and she is the sole surviving member of the original lineup to have continued as a full-time musician Vice Squad are 100% DIY and record everything in their home studio with guitarist/riffmaster Paul Rooney engineering and mixing. There is nothing sloppy here; the whole album is concise and intelligent with lightning-speed diction, passion, and intent. The glorious `If I Knew What I Know Now' and `The World Is Wrong' are examples of Vice Squad's ability to write instantly catchy, witty songs, and the more gut-wrenching material from their last album, `Battle of Britain', showcases some enormous riffs and a voice that is a million decibels from Beki's untried teen vocals. The album opens with the deliciously effervescent `If I Knew What I Know Now', followed by the sparkling old-school tongue-twister `Out of Reach'. Next up is the visceral `Get A Life', an angry anti-suicide note to the desperate, originally the title track from their 1998 comeback album. This is followed by a shimmering version of Vice Squad's old-school classic `Resurrection'. While the treatment of the old songs remains true to the original teenage renditions, the upgraded versions pack more of a punch with detuned guitars and growling bass. The tribal tom-toms of `Allergy' underpin just over two minutes of punk protest about the delights of pollution and asthma. Then comes the sublime `Sniffing Glue', a near-perfect punk love song that would be a huge hit if not for its subject matter. `Ordinary Girl' is punk-pop perfection brimming with hook lines and harmonies, warmly mocking the life that could have been chosen instead of the grindstone at the sharp end of the music industry. `The World Is Wrong' is anthemic, joyous, and wonderfully contrary, and one would expect nothing less from a band that has soldiered on and grown through the decades. It's always great when bands lead by example. In these increasingly tough times where our survival is threatened by the gargantuan greed of a few individuals, it's important to continuously stick two fingers up to the grabbers and spoilers. 'The World Is Wrong' does just that in an impassioned, melodic, and optimistic style. 'Hold your head up, stand your ground, and don't let the bastards grind you down.' Then we roar into the final single Beki wrote with original and now sadly deceased guitarist Dave Bateman, `Citizen', and continue with another teenage opus, the quite brutal `Scarred For Life'. `Voice of the People' is a bulldozer of a song, all swagger and ballsy riffs, and the chorus, `Freedom of speech is against the law; now we're all criminals,' snarls its derision at red-handed red tape. `Punk Police' sneers over a catchy-as-COVID guitar riff, and the lyrics, `Regulation cut, you must measure up, down on the street, PR companies, monied families, running the scene,' call out the hierarchies that now permeate Punk. Baritone guitars add extra darkness to one of the first-ever animal rights songs, `Humane', and I'm struck by how relevant the older songs are. Chocks away, and the awesome 'Spitfire' takes flight like Motörhead on extra amphetamines. Merlin engines fade into `Born In A War', the second in the triumvirate of conflict-themed songs, an absolute stonker with huge muscular riffs and lyrics that roar pure outrage. Then comes the ominous Last Rockers, with all the angst of the original plus added depth and resonance. Beki: ' "Last Rockers" is a typically depressive adolescent song about nuclear war and being too young to die but too late to live. I believed Punks were the `Last Rockers', the final youth cult before the Apocalypse. I was obsessed with punk, and all I wanted to do was sing in a band and be part of the movement, so I would often romanticise the idea of punk in my lyrics.'

1981 erschien mit Hit and Run das zweite Studioalbum von Girlschool.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums des Albums veröffentlichte die Band eine Neuaufnahme unter dem Titel Hit and Run: Revisited.

Die LP Neuauflage 2025 der Revisited Edition erscheint als rote LP.

"Isolation Boulevard" ist eine Sammlung von 12 Re-Recordings aus dem umfangreichen Fundus an Sweet-Klassikern. Die Aufnahmen entstanden 2020 während der Corona-Pandemie. Vor diesem Hintergrund ist die Gesamtleistung aller Beteiligten umso beeindruckender, vom treibenden Schlagzeug und Bass bis hin zu den „in your face“-Gitarren und dem stratosphärischen Gesang.

"New Messiahs" vereint halsbrecherische Riffs, atmosphärische Zwischenspiele und die dunklen, gefühlvollen Töne, nach denen sich Fans sehnen. Das Album bringt neue Kollaborationen mit sich, darunter Kyle Taylor am Schlagzeug, meisterhafte Soli von Charlie Honig und Craig Blackwell und ein eindringliches BonusCover mit Todd La Torre (Queensryche). Ashes of Ares zeigen handwerkliches Können der Spitzenklasse. Zusammen mit dem atemberaubenden Artwork von Kamil Pietruczynik ist diese Veröffentlichung mehr als nur Musik - sie ist ein Statement.

Bereits als 16-Jährige machte Shaw Taylor auf sich aufmerksam: „… habe ich etwas erlebt, das ich mir nie hätte träumen lassen: ein Mädel aus England spielt den Blues auf der Gitarre so beseelt und leidenschaftlich, dass ich eine Gänsehaut kriege, die gar nicht mehr weƽeht!“ Als Dave Stewart (Eurythmics) diese Worte sprach, holte er sie in sein Bandprojekt D.U.P. Mit ihrem 2009er Solodebüt legte sie den Grundstein für eine starke Karriere, die mehrere Chartalben hervorbrachte – darunter vier in Deutschland.

Mit ”Would You Still Love Me If You Really Knew Me?” veröffentlicht LQBTQ+-Ikone FLETCHER ihr
bisher persönlichstes Album – eine intime Reise durch Selbstzweifel, Mut und emotionale Heilung. Entstanden in der Reflexion auf eine zerrissene Tour-Erfahrung und den inneren Druck, zeigt sie sich so verletzlich wie nie. Produziert von Jennifer Decilveo, verbindet das Album Balladen mit tiefem Storytelling.

Ron 'Bumblefoot' Thal is a celebrated guitarist, producer, composer, and educator with a career spanning over 30 years. Known for his groundbreaking techniques, Bumblefoothas performed with bands such as Guns N' Roses, Asia, Sons of Apollo, and Whom Gods Destroy. He is back with a brand-new instrumental album, 'Bumblefoot ...Returns!'. Thirty years after his debut solo instrumental album, BUMBLEFOOT revisits his roots with a 14-track masterpiece that spans genres from metal to orchestral to blues. 'Bumblefoot ...Returns!' features collaborations with iconic musicians, including Brian May, Steve Vai, Guthrie Govan, Derek Sherinian, and others, showcasing BUMBLEFOOT's innovative guitar techniques, such as his signature fretless guitar and "thimble technique." The limited edition double vinyl includes a UV-printed d-side, CD is a digi-sleeve with a single disc and a 4-panel square foldout poster, with double-sided art.

Quebecois Death Metallers Sedimentum formed back in 2018, giving us a magnificent debut album and several equally formidable shorter releases alongside it. Now they return with an even more doomy, eldritch mini-album for your listening displeasures…
Following some otherworldly ambience, those charnel guitars bring in a truly crushing spectacle of doomed extremity. Grotesque vocals and strong drums permeate the thick, tarry stringed arrangements. Their sinister and inhuman music has sunken even further into the pits of putrefying grave matter to conjure spectral apparitions of the dead. Those of you who already know this superb band will definitely recognise their unique sound while appreciating that the more low-register, slower tempo rumble of this cacophonous rot is even more intense than ever. Never afraid to blast out viscerally gripping savagery, the old school way, there is plenty of those more traditional moments tied into the abhorrent affair. However you like it, Sedimentum master Death Metal…
At a mere three songs, one could foolishly assume this record is lacking. But listen for yourself to discover three majestic pieces of masterful musical torment. In little over twenty minutes, Sedimentum grasp your soul with their ghoulish atmospherics and sepulchral hammering force. Exhuming the ancient spirits, this mini-LP is a must-listen for all true die-hards of the Death Metal underground who value both atmosphere and brutality in equal measure. There is no denying this band has a perfect grapple of both as these new constructions of contorting morbidity prove beyond doubt. Enter the ossuaries of Quebec with one of the finest bands of the underground as its lumbering corpse staggers toward you with only malicious intentions…

Vice Squad are 100% DIY and record everything in their home studio with guitarist/riffmaster Paul Rooney engineering and mixing. There is nothing sloppy here; the whole album is concise and intelligent with lightning-speed diction, passion, and intent. The glorious ‘If I Knew What I Know Now’ and ‘The World Is Wrong’ are examples of Vice Squad’s ability to write instantly catchy, witty songs, and the more gut-wrenching material from their last album, ‘Battle of Britain’, showcases some enormous riffs and a voice that is a million decibels from Beki's untried teen vocals. The album opens with the deliciously effervescent ‘If I Knew What I Know Now’, followed by the sparkling old-school tongue-twister ‘Out of Reach’. Next up is the visceral ‘Get A Life’, an angry anti-suicide note to the desperate, originally the title track from their 1998 comeback album. This is followed by a shimmering version of Vice Squad's old-school classic ‘Resurrection’. While the treatment of the old songs remains true to the original teenage renditions, the upgraded versions pack more of a punch with detuned guitars and growling bass. The tribal tom-toms of ‘Allergy’ underpin just over two minutes of punk protest about the delights of pollution and asthma. Then comes the sublime ‘Sniffing Glue’, a near-perfect punk love song that would be a huge hit if not for its subject matter. ‘Ordinary Girl’ is punk-pop perfection brimming with hook lines and harmonies, warmly mocking the life that could have been chosen instead of the grindstone at the sharp end of the music industry. ‘The World Is Wrong’ is anthemic, joyous, and wonderfully contrary, and one would expect nothing less from a band that has soldiered on and grown through the decades. It’s always great when bands lead by example. In these increasingly tough times where our survival is threatened by the gargantuan greed of a few individuals, it's important to continuously stick two fingers up to the grabbers and spoilers. 'The World Is Wrong' does just that in an impassioned, melodic, and optimistic style. 'Hold your head up, stand your ground, and don't let the bastards grind you down.' Then we roar into the final single Beki wrote with original and now sadly deceased guitarist Dave Bateman, ‘Citizen’, and continue with another teenage opus, the quite brutal ‘Scarred For Life’. ‘Voice of the People’ is a bulldozer of a song, all swagger and ballsy riffs, and the chorus, ‘Freedom of speech is against the law; now we’re all criminals,’ snarls its derision at red-handed red tape. ‘Punk Police’ sneers over a catchy-as-COVID guitar riff, and the lyrics, ‘Regulation cut, you must measure up, down on the street, PR companies, monied families, running the scene,’ call out the hierarchies that now permeate Punk. Baritone guitars add extra darkness to one of the first-ever animal rights songs, ‘Humane’, and I’m struck by how relevant the older songs are. Chocks away, and the awesome ’Spitfire’ takes flight like Motörhead on extra amphetamines. Merlin engines fade into ‘Born In A War’, the second in the triumvirate of conflict-themed songs, an absolute stonker with huge muscular riffs and lyrics that roar pure outrage. Then comes the ominous Last Rockers, with all the angst of the original plus added depth and resonance. Beki: ' "Last Rockers" is a typically depressive adolescent song about nuclear war and being too young to die but too late to live. I believed Punks were the ‘Last Rockers’, the final youth cult before the Apocalypse. I was obsessed with punk, and all I wanted to do was sing in a band and be part of the movement, so I would often romanticise the idea of punk in my lyrics.' The four bonus CD tracks kick off with ‘Coward’, another teen Bateman/Bond composition. ‘No You Don’t’ is just over two minutes of vocal acrobatics over a Dexedrine-driven Devo-esque chord sequence, and the frantically brilliant ‘I Dare To Breathe’ from ‘Battle of Britain’ continues the aural assault. Then the final sombre entreaty of ‘You Can’t Buy Back The Dead’ warns us that ‘Enough’s never enough; absolute power will corrupt; the war machine still rumbles on’ before fading into the future.

Mit »Schicksalsmelodien« schenken Eisbrecher 14 Songs aus vergangenen Tagen ein neues Leben. Aus knapp 3 Jahrzehnten werden hier Klassiker von Spider Murphy Gangs »Skandal im Sperrbezirk«, über Die Ärzte (»Bitte, Bitte«) bis Powerwolf (»Stoßgebet«) und ASP (»Schwarzes Blut«) in Eisbrecher-typischem Klangkosmos neu interpretiert. So zollt Eisbrecher Hommage an Bands, deren Songs wirklich »Schicksalsmelodien« für sie und bestimmt auch für viele Fans sind und waren.

Im Sommer 1968 traf sich der 18-jährige Genesis P-Orridge (damals Neil Andrew Megson) mit Freunden in einem bescheidenen Dachgeschoss, um mit Klängen zu experimentieren. Das Ergebnis war "Early Worm", eine Sammlung von Aufnahmen, die die aufkeimende Kreativität eines Künstlers einfing, der später eine Schlüsselfigur der Avantgarde-Musik werden sollte. Diese Sessions, die 1969 auf ein einziges Acetat gepresst wurden, zeigen eine furchtlose Erforschung von Geräuschen, Improvisationen und Tonbandexperimenten, die Einflüsse von Psychedelia, Fluxus, John Cage und Beatnik Bohemia widerspiegeln. "Early Worm" ist ein Zeugnis für P-Orridges frühes Engagement, musikalische Grenzen zu überschreiten. Die rohen und ungefilterten Klanglandschaften des Albums bieten dem Hörer einen seltenen Einblick in die Gründungsmomente, die schließlich zur Gründung von COUM Transmissions, Throbbing Gristle und Psychic TV führen sollten. Remastered und in einer limitierten Vinyl-Pressung, mit Linernotes geschrieben von Genesis Breyer P-Orridge, die den Zeitgeist des UK Undergrounds der späten 60er Jahre in Erinnerung rufen. "If nothing else, (Early Worm) revealed that P-Orridge's approach to music was defiantly left-field from the start: noise, improvisations and tape experiments that sounded a little like a more chaotic version psychedelic folkies the Incredible String Band." . The Guardian

Wet Leg sind endlich zurück – und veröffentlichen am 11. Juli ihr neues Album moisturizer. Parallel dazu erscheint eine 7-Inch-Vinyl mit zwei Songs daraus: „davina mccall“ und „CPR“. Beide Tracks stammen aus dem mit Spannung erwarteten zweiten Album und zeigen erneut die stilistische Vielseitigkeit der Band. „davina mccall“ glänzt als bittersüße Ballade, in der Popkultur-Referenzen auf echten Herzschmerz treffen – irgendwo zwischen Shakira und britischem Reality-TV. „CPR“ hingegen ist ein ironisch gebrochenes Liebeslied mit düsterem Unterton: „Is it love, or suicide?“, fragt Rhian Teasdale im Refrain. Der Song beginnt zurückhaltend und entlädt sich in einer kraftvollen Hook – ganz im typischen Wet-Leg-Stil: scharf, verspielt, unvorhersehbar.

The Pretty Reckless haben dem Rock 'n' Roll den nötigen Schwung für eine neue Generation gegeben, und sie haben es auf ihre ganz eigene Weise geschafft. Seit 2008 haben sie sich als die ungewöhnlichste Naturgewalt entpuppt, die in INTERVIEW Magazine, Nylon, ELLE, Good Morning America und Entertainment Tonight erscheinen kann - und sich eine Bühne mit Guns N' Roses und Soundgarden teilt. Zusammen mit dem verstorbenen Produzenten Kato Khandwala entfachten sie diese Flamme auf Light Me Up 2010 und Going To Hell 2014. Letzteres enthielt drei Nummer-1-Hits - das Platin-zertifizierte "Heaven Knows" (der größte Rocksong des Jahres 2014), "Fucked Up World" und "Follow Me Down". Nach "Who You Selling For" von 2016 stieg "Take Me Down" auf Platz 1 der US Mainstream Rock Songs Chart und machte die Band laut Billboard zur "ersten Band, die ihre ersten vier Singles auf Platz 1 der Charts schickte". Im Jahr 2021 wurden sie mit dem Album "Death By Rock and Roll" in den Himmel gehoben. Die vierköpfige Band ging in die Geschichte ein als "die erste von einer Frau angeführte Band, die zwei Mal hintereinander auf Platz 1 der aktiven Rock-Charts stand" und "die erste von einer Frau angeführte Band, die sieben Mal auf Platz 1 der Billboard Rock Radio Charts stand". Das Album wurde nicht nur vom V Magazine, Spin und anderen gelobt, sondern landete auch auf Platz 1 der Billboard Top Album Sales Chart. Bemerkenswert ist auch die Zusammenarbeit mit Legenden wie Matt Cameron und Kim Thayil von Soundgarden bei "Only Love Can Save Me Now" und Tom Morello von Rage Against the Machine bei "And So It Went". Diese Grenzenlosigkeit treibt "Other Worlds" Fearless Records an, wo sie ihre ersten richtigen akustischen Aufnahmen, unerwartete Covers und andere Neuinterpretationen abliefern und einmal mehr Neuland betreten.

Martin Scorsese ist einer der wichtigsten Filmregisseure der New-Hollywood-Ära. Dank Filmen wie »Taxi Driver« (1976), »Raging Bull« (1980), »The Wolf of Wallstreet« (1986), »Goodfellas« (1990), »Casino« (1995) und »The Irishman« (2019).

Außerdem erhielt Scorsese zahlreiche Auszeichnungen, darunter einen Academy Award, vier BAFTA Awards, drei Emmy Awards, einen Grammy Award und drei Golden Globe Awards. Hier sind Songs von Dean Martin, Frank Sinatra über Ella Fitzgerald, Dinah Washington, sowie Howlin Wolf und John Lee Hooker vertreten. Auf dem vorliegenden Soundtrack-Album sind somit 21 Stücke aus der Filmmusik der erfolgreichsten Scorseses Film-Meisterwerke enthalten.








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Underoath sind seit fast zwei Jahrzehnten eine wegweisende Stimme im progressiven Heavy Rock. Nur sehr
wenige können mit ihnen mithalten, wenn es darum geht, immer wieder an die Grenzen zu gehen oder sich
kreativ weiterzuentwickeln. „Voyeurist“ ist eine Rückkehr zu Underoaths Heavy-Metalcore-Wurzeln, die sie
in den 2000er Jahren zu einer der größten Bands in der Metal-Welt machten. „Voyeurist“ ist ihr neuntes
Album und das erste, das die Band komplett selbst produziert hat. Es wurde im Studio von Gitarrist Tim
in Tampa, FL aufgenommen und enthält 10 Tracks, die schwer, aber dennoch experimentell und manchmal
wunderschön sind. Während das letzte Album „Erase Me“ aus dem Jahr 2018 eine Abkehr von ihrem
Sound war und eher ein geradliniges Rock-Album, kehrt dieses zu den beliebten Metalcore-Wurzeln der
Band zurück, von denen die Fans so begeistert sein.

Jede Compilation-Serie hat ein Ende. Nach 10 grandiosen Ausgaben verabschieden wir uns nach diesem 11. Teil von der unter Sammlern und Musikliebhabern hoch geschätzten Praise Poems Reihe. Ganz bewusst wagen wir uns mit diesem letzten Teil an ein Genre heran welches wir bis dato nur in Ausnahmen mit einbezogen haben: Power Pop der späten 1970er und frühen 80er.

Los geht’s mit „Real Proof“, einem unveröffentlichten Song der ursprünglich aus Boulder, Colorado stammenden Band The Nails die einige Jahre später sogar unter Vertrag eines Major-Labels standen. Obwohl die Fingerprints ein ganzes Album aufgenommen haben hat es über 45 Jahre gedauert bis dieses schließlich 2022 veröffentlicht wurde. „Wasted On You“ stammt von einer der drei Singles die zwischen 1978 und 1980 veröffentlicht wurden. Ganz im Gegensatz zu den Fingerprints sind die Original-Singles von Naked Rush extrem selten. Dies ist wohl mit ein Grund warum keiner ihrer Songs bis dato auf einer Compilation zu finden ist. Schön, dass wir dies nun ändern. Dies gilt übrigens für die Mehrzahl der Songs auf diesem Album und generell für alle unserer Compilation-Alben. Fritz, Blue Rain, oder Holidaye machen hier keine Ausnahme. Speziell erwähnen möchten wir noch zwei Songs. Zum einen „Don’t Quit“ von The Scam der von William Garrett produziert wurde. Garrett war von 2016 bis 2023 bei Spotify als Senior Music Producer für die Einführung von Spotify Singles zuständig und hat in dieser Zeit mit Künstlern wie Elton John, Ed Sheeran, John Legend und vielen weiteren zusammengearbeitet. Zum anderen gibt’s eine tolle Geschichte zu Animal Logic. 1989 erfuhr die Band, dass Stuart Copeland von The Police eine neue Band gründete. Der Name? Animal Logic! Nachdem Bitten, den Namen nicht zu verwenden, ignoriert wurden, sahen sich die Jungs von Animal Logic gezwungen, die Angelegenheit vor Gericht zu bringen, und verkauften schließlich den Namen an Copeland. Noch viel mehr weitere, spannende Geschichten rund um die Bands gibt’s im Begleitheft der CD bzw. der LP-Beilage.

Mit “A journey into raw, energetic power pop from the 1980s” beenden wir nun unsere 10-jährige Entdeckungsreise durch die Musikgeschichte unter dem „Praise Poems“ Schirm. Wir hoffen sehr, dass euch unsere akribische Arbeit viel Freude bereitet hat. Geht eine Tür zu, geht eine andere auf. So wird es auch hier sein. Es gibt noch so unglaublich viel zu entdecken und so freuen wir uns jetzt schon auf viele weitere Veröffentlichungen!

A Study of Losses", das siebte Studioalbum von Beirut, ist eine Odyssee mit 18 Tracks. Das Projekt entstand im Frühjahr 2023, als Viktoria Dalborg, Direktorin des schwedischen Zirkus Kompani Giraff, Condon fragte, ob er Interesse hätte, die Musik für ihr nächstes Projekt zu liefern, eine Show, die auf einer Adaption eines Romans der deutschen Autorin Judith Schalansky basiert. Die Hauptthemen in Schalanskys Buch "Verzeichnis einiger Verluste" und in der Adaption für die Zirkusshow befassen sich mit dem Konzept des Verlusts und der Vergänglichkeit von allem, was uns bekannt ist: von ausgestorbenen Tierarten, verlorenen architektonischen und literarischen Schätzen bis hin zu abstrakteren Konzepten des Verlusts durch den Prozess des Alterns. "A Study of Losses" reist durch elf Songs und sieben erweiterte instrumentale Themen, die nach den Mondmeeren benannt und von der erschreckenden Geschichte eines Mannes inspiriert sind, der davon besessen ist, alle verlorenen Gedanken und Schöpfungen der Menschheit zu archivieren. Musikalisch jedoch taucht er wieder in Chorgesang, Renaissance und andere Stile ein, die seine frühe Arbeiten inspiriert haben, sowie in Variationen von Klängen und Ideen, die sich auf eine seiner Lieblingsplatten, "69 Love Songs" von The Magnetic Fields, beziehen. Mit einer Länge von fast einer Stunde ist es das bei weitem umfangreichste Album, das Beirut je gemacht hat, und es gehört fraglos zu Condons bisher schönsten Arbeiten. "A Study of Losses" ist das zweite neue Beirut-Album innerhalb von nur zwei Jahren und die Fortsetzung eines weiteren, charakteristisch produktiven Kapitels für Zach Condon. Nach einem halben Jahrzehnt, das er damit verbrachte, sich von hartnäckigen Halsproblemen und einem drohenden mentalen Zusammenbruch zu erholen - was ihn daran zweifeln ließ, ob er jemals wieder vor Publikum auftreten würde - folgt "A Study of Losses" auf "Hadsel", das "einen neuen Anfang für Beirut" markierte, lobte Pitchfork und nannte es "eine aus Verzweiflung und Einsamkeit geborene Platte, die sich dennoch voller Leben anfühlt". Während sich "Hadsel" um eine gewaltige, antike Kirchenorgel drehte, die Condon während eines dunklen arktischen Winters in Nordnorwegen entdeckte, wird "A Study of Losses" durch Streichquartette und Arrangements der Cellistin und "No No No"-Mitarbeiterin Clarice Jensen aufgehellt. Geschrieben und aufgenommen von Zach Condon in Berlin (DE) und Stokmarknes (NO), wobei die Wurzeln des Albums in Schweden und Deutschland liegen, erweitert "A Study of Losses" auch die weite Welt, die er durch die Musik von Beirut aufgebaut hat, seit er das Projekt als neugieriger und umherziehender 14-Jähriger begonnen hat. "Als ich zum ersten Mal angesprochen wurde, einen Soundtrack für einen Zirkus zu schreiben, kam zunächst ein gewisses Trauma der 'Elephant Gun'-Ära hoch", erklärt Condon, als er Ende 2024 ,Caspian Tiger' von "A Study of Losses" vorstellt. "Ich war jahrelang in eine Schublade gesteckt worden, in der ich ein skurriles Zirkuskind war, voller sepiafarbener Bilder von Groschenromanen und vielleicht Löwendompteuren mit Schnurrbärten. Es hätte nicht weiter davon entfernt sein können, wie ich mir die Musik vorstellte, die ich machte. Es ist also eine Ironie, dass ich das Projekt von Kompani Giraff so verlockend fand."

Jessica Winters Debüt ist ein vollendetes, mutiges und hinterfragendes Album voller Persönlichkeit, das irgendwo zwischen Therapie und Tanzfläche angesiedelt ist. Musikalisch finden sich Anklänge an Kylie Minogue und dem Glanz der 80er-Jahre-Madonna, der Extravaganz von Prince und Queen, der Energie und des gelegentlichen Knurren des Punk und der verträumt hochgezogenen Augenbraue der Psychedelia. In einer Welt, in der maximalistischer Pop zurück ist und Therapie-Memes das Mass aller Dinge sind, ist "My First Album" der perfekte Soundtrack.

Jessica Winter ist eine britische Sängerin, Songwriterin und Produzentin, bekannt für ihre experimentelle Popmusik, die Elemente verschiedener Genres wie Pop, Industrial und Indie vereint. Bisher hat Jessica eine Reihe von EPs veröffentlicht, die ihre Fähigkeit, unkonventionelle Themen und introspektive Texte in Popsongstrukturen einfließen zu lassen, unter Beweis stellen. Zusätzlich zu ihrem Soloprojekt verfügt Winter über eine umfangreiche Liste an Referenzen als Co-Autorin und Produzentin, die mit Künstlern wie The Horrors, The Big Moon, Jazmin Bean, Phoebe Green, Lauren Auder, Pre Goblin, Sundara Karma, Walt Disco und Brodka zusammenarbeitete.

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Das anglo-australische Indiepop-Quartett Allo Darlin' meldet sich nach über zehn Jahren mit dem neuen Album ,Bright Nights" zurück. Es ist die Rückkehr ihrer intelligenten, schönen Popmusik mit Texten, in denen Erfahrung mitschwingt, und Melodien, die klingen, widerhallen und schweben. Da sie sich und die Musik, die sie zusammen gemacht haben, vermissten, kündigten Allo Darlin' an im Oktober 2023 ein paar Konzerte in UK zu spielen, und die Reaktion der Fans war überwältigend. Die Tickets waren innerhalb Minuten ausverkauft, und die Fans reisten aus der ganzen Welt an, so dass die Band ihr Konzert in London in einen doppelt so große Halle verlegen musste. Es schien, als hätten ihre Fans Allo Darlin' genauso vermisst wie sie sich selbst. In diesem Jahr war die Band außerdem Headliner einer exklusiven Deutschland-Show auf dem Cologne Pop Fest und antwortete auf die herzliche Einladung mit einem speziellen Song mit dem Titel "Cologne". Bright Nights folgt den emotionalen Gezeiten der vorangegangenen zehn Jahre: "Es ist ein Album, das von Herzen kommt und sich mit Themen wie Liebe, Geburt und Tod beschäftigt - "Dinge, über die wir mehr nachdenken als bei unserem ersten Album. Ich hoffe, dass das Album zeitlos und fröhlich klingt, aber auch nachdenklich und emotional", sagt Songschreiberin und Sängerin Elizabeth Morris Innset. Inspiriert von einer Mischung aus klassischem (Indie-Guitar) Pop, Folk und Country, knüpft Bright Nights dort an, wo Allo Darlin' mit dem We Come From The Same Place von 2014 aufgehört hat, und erinnert an den selbstbewussten und anspruchsvollen Sound ihres zweiten Albums Europe. "Wenn ich es höre, denke ich an die Wüste, aber ich kann das Meer sehen. Die süßen Klänge der hellen Sommernächte in der nördlichen Hemisphäre, aber auch das Bewusstsein, dass der Winter eines Tages zurückkehren wird". Die Aufnahmen auf dem Album sind Live-Aufnahmen, die nach Meinung der Band die beste Art war, diese neuen Songs aufzunehmen. Allo Darlin' bringen uns an einen Ort, an dem wir uns geliebt fühlen. In einer wechselhaften Welt ist die warme Umarmung ihres neuen Albums ebenso notwendig wie willkommen. "Breezy rom-pop brilliance." 8/10, NME - "Classic indie pop... doesn't rewrite the formula for wistful bedsit charm as much as show that it can still be carried out masterfully." Pitchfork - "A masterclass of modern cult pop." The Guardian - "Terrific, witty and heartfelt, like a less moody Belle & Sebastian." The New York Times

Das anglo-australische Indiepop-Quartett Allo Darlin' meldet sich nach über zehn Jahren mit dem neuen Album ,Bright Nights" zurück. Es ist die Rückkehr ihrer intelligenten, schönen Popmusik mit Texten, in denen Erfahrung mitschwingt, und Melodien, die klingen, widerhallen und schweben. Da sie sich und die Musik, die sie zusammen gemacht haben, vermissten, kündigten Allo Darlin' an im Oktober 2023 ein paar Konzerte in UK zu spielen, und die Reaktion der Fans war überwältigend. Die Tickets waren innerhalb Minuten ausverkauft, und die Fans reisten aus der ganzen Welt an, so dass die Band ihr Konzert in London in einen doppelt so große Halle verlegen musste. Es schien, als hätten ihre Fans Allo Darlin' genauso vermisst wie sie sich selbst. In diesem Jahr war die Band außerdem Headliner einer exklusiven Deutschland-Show auf dem Cologne Pop Fest und antwortete auf die herzliche Einladung mit einem speziellen Song mit dem Titel "Cologne". Bright Nights folgt den emotionalen Gezeiten der vorangegangenen zehn Jahre: "Es ist ein Album, das von Herzen kommt und sich mit Themen wie Liebe, Geburt und Tod beschäftigt - "Dinge, über die wir mehr nachdenken als bei unserem ersten Album. Ich hoffe, dass das Album zeitlos und fröhlich klingt, aber auch nachdenklich und emotional", sagt Songschreiberin und Sängerin Elizabeth Morris Innset. Inspiriert von einer Mischung aus klassischem (Indie-Guitar) Pop, Folk und Country, knüpft Bright Nights dort an, wo Allo Darlin' mit dem We Come From The Same Place von 2014 aufgehört hat, und erinnert an den selbstbewussten und anspruchsvollen Sound ihres zweiten Albums Europe. "Wenn ich es höre, denke ich an die Wüste, aber ich kann das Meer sehen. Die süßen Klänge der hellen Sommernächte in der nördlichen Hemisphäre, aber auch das Bewusstsein, dass der Winter eines Tages zurückkehren wird". Die Aufnahmen auf dem Album sind Live-Aufnahmen, die nach Meinung der Band die beste Art war, diese neuen Songs aufzunehmen. Allo Darlin' bringen uns an einen Ort, an dem wir uns geliebt fühlen. In einer wechselhaften Welt ist die warme Umarmung ihres neuen Albums ebenso notwendig wie willkommen. "Breezy rom-pop brilliance." 8/10, NME - "Classic indie pop... doesn't rewrite the formula for wistful bedsit charm as much as show that it can still be carried out masterfully." Pitchfork - "A masterclass of modern cult pop." The Guardian - "Terrific, witty and heartfelt, like a less moody Belle & Sebastian." The New York Times

'A Necessary Escape' ist der Soundtrack zum demnächst erscheinenden Film 'Dakar: Race Against The Desert'. Die physischen Formate umfassen CD, Vinyl und eine limitierte Farbvinyl-Edition in Curacao-Blau. Es ist der vierte Album-Soundtrack von M83 und wurde in Frankreich und den USA von M83s Anthony Gonzalez zusammen mit den regelmäßigen M83-Mitwirkenden Joe Berry und Clement Libes aufgenommen. Der Film erscheint am 12. Mai digital bei Universal Pictures und feiert seine weltweite Kinopremiere am 26. Juni in der MK2 Bibliothèque in Paris. Unter der Regie des französischen Schauspielers und Regisseurs Jalil Lespert wird hier die weltberühmte Rallye Dakar begleitet - ein Event, das seit 45 Jahren die ultimative Bewährungsprobe für Belastbarkeit, Können und Ausdauer im Motorsport darstellt. Das 9.000 Kilometer lange Rennen dauert 14 strapaziöse Tage durch raues Wüstengelände. Mit beispiellosem Zugang taucht dieser Film in das härteste Autorennen der Welt ein. Begleitet wird dies von einem wunderbaren Score den Gonzalez perfekt auf den Film zugeschnitten hat. Ambient trifft auf sphärische Klangcollagen und ist damit der perfekte Ausgleich zu den im Film dokumentierten Strapazen um die berühmte Rallye. Nach dem fantastischen 'Fantasy'-Album von 2023 oder dem 2011er Klassiker 'Hurry Up, We're Dreaming' ein weiterer Geniestreich des französischen Sound-Magiers und seinem M83-Projekt!

'moisturizer' ist das mutige zweite Album von Wet Leg, der fünfköpfigen Band von der Isle of Wight, die von Rhian Teasdale und Hester Chambers gegründet wurde. Zusammen mit Ellis Durand, Henry Holmes und Joshua Mobaraki hat Wet Leg die letzten Jahre auf der Straße verbracht und sich zu einer wilden, elektrisierenden Live-Band entwickelt. Das neue Album fängt diese Energie ein und liefert einen Sound, der straffer, mutiger und selbstbewusster ist, aber immer noch vor dem gleichen schnellen Witz und der rohen, ungeschliffenen Energie strotzt.



Isoliert in einem abgelegenen Haus auf dem Lande entstand 'moisturizer' in einem kreativen Rausch, der sich mit Themen wie Besessenheit und alles verzehrender Liebe befasst. Während ihr Debüt aus dem Jahr 2022 mit zwei Grammys ausgezeichnet wurde und die Charts stürmte, bringt 'moisturizer' den nötigen Biss mit: schrille Gitarren, schwere Beats und eine furchtlose Hingabe, alles auf einmal zu fühlen.

Ltd Edition!

'moisturizer' ist das mutige zweite Album von Wet Leg, der fünfköpfigen Band von der Isle of Wight, die von Rhian Teasdale und Hester Chambers gegründet wurde. Zusammen mit Ellis Durand, Henry Holmes und Joshua Mobaraki hat Wet Leg die letzten Jahre auf der Straße verbracht und sich zu einer wilden, elektrisierenden Live-Band entwickelt. Das neue Album fängt diese Energie ein und liefert einen Sound, der straffer, mutiger und selbstbewusster ist, aber immer noch vor dem gleichen schnellen Witz und der rohen, ungeschliffenen Energie strotzt.



Isoliert in einem abgelegenen Haus auf dem Lande entstand 'moisturizer' in einem kreativen Rausch, der sich mit Themen wie Besessenheit und alles verzehrender Liebe befasst. Während ihr Debüt aus dem Jahr 2022 mit zwei Grammys ausgezeichnet wurde und die Charts stürmte, bringt 'moisturizer' den nötigen Biss mit: schrille Gitarren, schwere Beats und eine furchtlose Hingabe, alles auf einmal zu fühlen.

Die queere Singer-Songwriterin jasmine.4.t ist die erste britische Künstlerin, die bei Phoebe Bridgers' Label Saddest Factory unter Vertrag steht. Ihr Debütalbum wurde komplett von Julien Baker, Phoebe Bridgers und Lucy Dacus, auch bekannt als Boygenius, produziert. Jasmine und ihre Band sind nach L.A gereist, um das Album in den Sound City Studios aufzunehmen und haben das innerhalb von 12 Tagen fertiggestellt. Die Songs des Albums entstanden inmitten persönlicher Umbrüche im Jahr 2021: ""I came out as trans to my nearest and dearest. Some did not accept me, but some did." Trotz der schmerzhaften Erfahrungen, bietet "You Are The Morning" einen persönlichen Einblick auf ihr Liebesleben. Jasmine lernte Gitarre spielen, als ihr Onkel, ihr sein altes Instrument geschenkt hatte. Sie spielte zunächst Songs Ihrer Lieblingsmusiker nach, doch Musik spielen und Texte schreiben gehörte für sie immer schon zusammen. Der Titeltrack paart Jasmines gezupfte Gitarre mit Streichern, die ein Gefühl von Leichtigkeit und Sicherheit vermitteln. Textlich handelt der Song von Zugehörigkeit und Verbundenheit. Auf dem abschließenden Track "Woman" wird sie von dem Trans Chorus of Los Angeles unterstützt. Dieser generationenübergreifende Chor besteht aus Transpersonen, die genau wie Jasmine ihre Stimme als Quelle für Zusammenhalt benutzen. Der Song beginnt mit einer Solonummer, die in eine Gruppenperformance aufblüht und handelt von der inneren Kraft, die daraus entspringt zu wissen, wer man im tiefsten inneren ist: "I am, in my soul, a woman". Für jasmine.4.t sind Aktivismus und Performance eng miteinander verbunden. Mit ihrer Plattform sammelt sie weiterhin Spenden und macht auf die Trans Mutual Aid Manchester aufmerksam, eine Organisation, für die sie sich ehrenamtlich engagiert hat. Sie möchte Gleichgesinnten etwas zurückgeben. Um ihre Geschichte auf "You Are The Morning" zu erzählen, bezieht sie sich immer wieder auf dunkle Aspekte Ihres Lebens. Umgeben von Freunden, war der Aufnahmeprozess jedoch voller Hoffnung. Durch ihre Auftritte, ihren Aktivismus und ihr künstlerisches Schaffen läutet jasmine.4.t eine neue Ära ein.

20 Jahre - das letzte Studioalbum der britischen Death-Metal-LegendeThose Once Loyal ist das siebte und letzte Studioalbum der britischen Death-Metal-Band Bolt Thrower. Ursprünglich 2005 veröffentlicht, zählt es bis heute zu den stärksten Werken der Band. Mit präzisem Songwriting, markanten Riffs und einer kompromisslosen Produktion verkörpert das Album alles, wofür Bolt Thrower bekannt sind: kraftvoller, schnörkelloser Death Metal mit Haltung.Die Texte behandeln Themen wie Loyalität, Erinnerung und die Auswirkungen von Krieg - ernst, reflektiert und ohne Klischees. Musikalisch bleibt die Band sich treu: midtempo-lastige Songs, eingängige Gitarrenarbeit und ein wuchtiger Sound, der auch nach zwei Jahrzehnten nichts an Wirkung verloren hat. Ein Album, das sich nicht nur an Fans der Band richtet, sondern auch an alle, die klassischen Death Metal mit Substanz schätzen.Jetzt erhältlich als 20th Anniversary Edition in der neuen Farbe Military Green.01. At First Light - 4:0202. Entrenched - 3:4203. The Killchain - 4:5704. Granite Wall - 3:4705. Those Once Loyal - 4:1706. Anti-Tank (Dead Armour) - 4:1507. Last Stand of Humanity - 3:2308. Salvo - 5:3209. When Cannons Fade - 5:44

Whitechapel - A New Era of Corruption (2010)15 Jahre - das kraftvolle dritte Album der US-Deathcore-PioniereMit A New Era of Corruption veröffentlichte Whitechapel im Jahr 2010 ihr drittes Studioalbum - ein zentraler Meilenstein in der Entwicklung der Band und ein fester Bestandteil der modernen Deathcore-Geschichte.Das Album markiert eine dunklere, intensivere Phase im Sound der Band. Technisch versierte Gitarrenarbeit, tiefgestimmte Riffs und eine durchgehend aggressive Atmosphäre prägen das Gesamtbild. Sänger Phil Bozeman überzeugt mit brutalem, aber kontrolliertem Gesang, der zwischen Growls und Screams kraftvoll variiert.Im Vergleich zu den Vorgängern geht A New Era of Corruption stärker in Richtung Groove und strukturierterem Songwriting, ohne an Härte zu verlieren. Mit Gastauftritten von Vincent Bennett (The Acacia Strain) und Chino Moreno (Deftones) wird das Klangspektrum zusätzlich erweitert.Ein Album für Fans kompromissloser Härte, das auch 15 Jahre nach Veröffentlichung nichts von seiner Durchschlagskraft eingebüßt hat.

Über Jahrzehnte hinweg erwarb sich George Harrison den Ruf eines der rätselhaftesten und kreativsten
Rock’n’Roll-Menschen. Wie bei jedem ehemaligen Beatle wurde Georges Loslösung von der Band durch
die anhaltende und manchmal obsessive Liebe der Welt zu den Beatles als eigenständiger Einheit gebremst.
Doch wie die Veröffentlichung seines epischen Albums „All Things Must Pass“ im Jahr 1970 zeigte, war
er ein Mann mit einer ganz eigenen Geschichte. Songs wie „My Sweet Lord“ und „What Is Life“ fanden
Eingang in eine umfangreiche Sammlung, die bis heute zu den großen Werken der Album-Ära zählt. Heute
erinnert man sich an George als jemanden, der seinen Leidenschaften bis zu bemerkenswerten Schlussfolgerungen folgte, als einen Mann der Widersprüche, dessen ungewöhnliche Balance aus spiritueller Hingabe,
trockenem Humor und echtem Mitgefühl das Leben vieler Menschen berührte.

The Kinks kündigen den dritten und letzten Teil ihrer ganz besonderen Anthologie-Reihe an: „The Journey
– Part 3“.
„Part 3“ behandelt ihre transformative RCA/Arista-Zeit von 1977 bis 1984, eine Zeit, in der die Band
endgültig in Amerika durchbrach, ihre legendären Pop- und Experimentalphasen hinter sich ließ und zu
einem frischen und prägnanten Stil des klassischen Songwritings zurückkehrte, der von ihrem eigenen,
ausgeprägten britischen Selbstverständnis zeugt.
CD 1 / LP 1 enthält Klassiker und Hits aus dieser Zeit, persönlich von der Band ausgewählt und von den
Original-Sampler- und Produktionsbändern remastert, darunter „Come Dancing“, „Destroyer“ und „Living
On A Thin Line“.
CD 2 / LP 2 enthält bisher unveröffentlichte Aufnahmen des Hit-reichen Auftritts der Band in der Royal
Albert Hall im Juli 1993, darunter fesselnde Interpretationen von „You Really Got Me“ und „Till The End
of the Day“ und vielen anderen.
Sowohl unsere 180-g-Doppel-LP als auch die Doppel-CD enthalten Track-by-Track-Kommentare der Band
sowie neue Linernotes von Phil Alexander.

Nach drei triumphalen, ausverkauften Konzerten im legendären Londoner Hammersmith Apollo im vergangenen Jahr haben die Teskey Brothers ihr neues Album „Live At The Hammersmith Apollo“ angekündigt –
es erscheint am Freitag, den 11. Juli, und ist ab sofort vorbestellbar. Das Live-Album ist eine umfassende
Erweiterung des umfangreichen und beliebten Katalogs der Band und enthält Songs aus ihrem dritten Album „The Winding Way“, das auf Platz 1 der ARIA-Charts landete, ein kraftvolles Cover von Otis Reddings
„Try A Little Tenderness“ (ab heute überall erhältlich) und erstmals auf Vinyl/CD einen ihrer frühen Hits,
„Forever You and Me“ (über 150 Millionen Streams).
„Live At The Hammersmith Apollo“ wird im Anschluss an ihren Auftritt im Londoner Alexandra Palace
vor über 10.000 Fans (dem bisher größten Auftritt) am Donnerstag, den 10. Juli 2025, veröffentlicht.
Ganz im Sinne der Liebe der Band zum Analogen wurde „Live At The Hammersmith Apollo“ vollständig
auf Band aufgenommen, genau wie Livealben von Bruce Springsteen (’75), David Bowie (Ziggy Stardust ’73) und zahllosen anderen im selben Raum aufgenommen worden wären. Der in London ansässige
Produzent/Toningenieur Declan Gaffney wurde mit der technischen Seite beauftragt, nachdem er zuvor
Livealben für U2 und die Rolling Stones produziert und gemischt hatte.

Barry Can't Swim veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album, „Loner“ auf Ninja Tune!

In „Loner“ sehen wir Barry Can't Swim dabei zu, wie er die Welt, in der er sich befindet, erkundet. Geprägt vom überwältigenden Erfolg von Barry Can't Swims ausverkauften Liveshows auf der ganzen Welt, bleibt es seinen Wurzeln verhaftet, während er über Identität und Bodenständigkeit nachdenkt. Barry Can’t Swims hochgelobtes Debütalbum, „When Will We Land?“, das im Oktober 2023 veröffentlicht wurde und derzeit mehr als 100 Millionen Streams verzeichnet, erhielt unendlich viel Lob, darunter auch die Nominierung für den Mercury Music Prize 2024, neben Künstler:innen wie Charli xcx, Beth Gibbons, English Teacher, Ghetts und The Last Dinner Party. Barry Can’t Swim ist nun stolz darauf, neben Aphex Twin, Nia Archives, Burial, Jamie xx, Fred again.. oder Jon Hopkins als in die engere Auswahl für den prestigeträchtigen Preis gekommen zu sein - was als elektronischer Solokünstler eher seltener vorkommt. Darüber hinaus wurde er bei den BRIT Awards 2024 in der Kategorie „Dance Act“ nominiert und stand auf der Shortlist für das schottische Album des Jahres.

Barry Can't Swim veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album, „Loner“ auf Ninja Tune!

In „Loner“ sehen wir Barry Can't Swim dabei zu, wie er die Welt, in der er sich befindet, erkundet. Geprägt vom überwältigenden Erfolg von Barry Can't Swims ausverkauften Liveshows auf der ganzen Welt, bleibt es seinen Wurzeln verhaftet, während er über Identität und Bodenständigkeit nachdenkt. Barry Can’t Swims hochgelobtes Debütalbum, „When Will We Land?“, das im Oktober 2023 veröffentlicht wurde und derzeit mehr als 100 Millionen Streams verzeichnet, erhielt unendlich viel Lob, darunter auch die Nominierung für den Mercury Music Prize 2024, neben Künstler:innen wie Charli xcx, Beth Gibbons, English Teacher, Ghetts und The Last Dinner Party. Barry Can’t Swim ist nun stolz darauf, neben Aphex Twin, Nia Archives, Burial, Jamie xx, Fred again.. oder Jon Hopkins als in die engere Auswahl für den prestigeträchtigen Preis gekommen zu sein - was als elektronischer Solokünstler eher seltener vorkommt. Darüber hinaus wurde er bei den BRIT Awards 2024 in der Kategorie „Dance Act“ nominiert und stand auf der Shortlist für das schottische Album des Jahres.

Schweiengötter nehmen menschliche Gestalt an und veröffentlichen ,Debütalbum"? Wenn man in einer Kleinstadt aufwächst, muss man entweder seine Freizeit kreativ gestalten oder man radikalisiert sich im Internet. Über dem San Fernando Valley von Los Angeles erhebt sich der süße, schwüle Sound von The Toxhards. Mit halb Psych, halb Prog, halb Rocktheater und halb Indie (das sind vier Hälften) hauchen The Toxhards dem längst obsoleten Genre des ROCK 'n' Roll neues Leben ein. Von ,existenziellen Doom-Bops" bis zu mitreißenden Hymnen über Schweinegötter, bieten The Toxhards einen genreübergreifenden, elektrischen und exzentrischen neuen alternativen Sound. Ihre Musik wird bereits auf TikTok Reels millionenfach angeklickt, ihre unterhaltsamen Bits und Sketche millionenfach geschaut (135k Follower auf TikTok, 75k Follower auf Instagram und 13k auf YouTube). Im Laufe der zwölf Tracks plus vier Zwischenspielen folgt ,Your Neighborhood" dem Protagonisten Adam und seiner Unzufriedenheit mit dem Leben - er hat Freundin verloren, ihm fehlt der Mut, seinen Ambitionen zu folgen - und er beginnt, die schlimmste Version seiner selbst zu werden, die er nur sein kann: ein unsicheres, reaktionäres Individuum, das Trost darin findet, sich in dunklen Online-Ecken über ,andere" zu beschweren. Ursprünglich aus dem Midwestern, nun in der smoggefüllten Höllenlandschaft des San Fernando Valley von Los Angeles lebend, ist die Band auch für ihre unterhaltsamen und mitreißenden Live-Auftritte bekannt, bei denen sie aufblasbare Schweinekostüme tragen, T-Shirts verschenken, unveröffentlichte Songs präsentieren, Kaffeepausen einlegen, Instrumente tauschen und gelegentlich einer ausgedehnten Jam (oder zwei oder drei oder...) fröhnen. Mit jeder neuen Veröffentlichung und bei jeder Show beweisen sie, dass sie die Zukunft von was auch immer sind. The Toxhards haben uns viel zu erzählen und zu bieten. 2023 bei Hopeless Records unterschrieben und direkt ihre erste Single "(The) Coffee Song / October" veröffentlicht.2024 gab's die limitierte und aktuell ausverkaufte Vinyl-Compilation ihrer bisherigen Songs und Singles zwischen 2022 und 2024. Obwohl es sich um eine Zusammenstellung handelt, betrachtet die Band es als ihr "eigentliches Debütalbum", aber nun ist "Your Neighborhood" dran! Für Fans von Ween, Car Seat Headrest, White Reaper, Pigeons Playing Ping Pong, symphonischen Weezer, Indie-Prog, Alterntive Pomp, Psychpunk....

Nach 6 jähriger Pause ist die Rockband Heisskalt wieder zurück. Dass die Fans das sehnsüchtig erwartet haben, merkt man nicht nur an den
Streamingzahlen, die in 6 Jahren Inaktivität beständig hoch waren, sondern auch an der kürzlichen Ankündigung der ersten Tour, die innerhalb
kürzester Zeit zu großen Teilen ausverkauft war und hochverlegt wurde.
Die Single "Wasser, Luft und Licht", mit der Heisskalt ihr kommendes Album "Vom Tun und Lassen" ankündigen, lässt keine Fragen offen und lädt mit
großem Ohrwurm-Potenzial direkt zum Tanzen ein. Doch wie es typisch ist für die Band, die zu den einflussreichten der letzten 10 Jahre im Deutschen
Band-Markt gehört, steckt dahinter auch eine tiefere Message:
"Es geht um einen Prozess des sich Gewahr werdens, dass alles irgendwie doch eins ist, auch wenn es für uns einfacher scheint, zu trennen und
voneinander zu unterscheiden. Wir atmen alle die selbe Atmosphäre, trinken das selbe Wasser, wärmen uns am selben Licht. Wenn wir uns als Teil
dessen erkennen, dann ist das ganz schön friedlich. Und es braucht Frieden."

Die international gefeierte Harfenistin Alina Bzhezhinska und der auf Ibiza lebende Produzent Tulshi präsentieren ihr gemeinsames Album "Whispers Of Rain", Alinas Einstand bei Tru Thoughts. Das Album befasst sich mit der Architektur von Erinnerungen und menschlichen Emotionen und nutzt Regen als zentrale Metapher für die Zyklen des Lebens: die Reinigung von Verlust, das Aufblühen von Erneuerung und die tiefe innere Stärke, die in Momenten gelassener Selbstbesinnung entsteht. Als Komponistin, Bandleaderin und Kollaborateurin arbeitete Bzhezhinska mit Legenden wie Brian Jackson, Chaka Khan, Shabaka Hutchings, DJ Spinna und Slide Johnson zusammen. Ihr HipHarpCollective wurde bei den Parliamentary Jazz Awards 2024 zum besten Ensemble des Jahres gekürt, ihr von der Kritik gefeiertes Doppelalbum "Reflections" (BBE) wurde von Presto Music als bestes Album 2023 ausgezeichnet.

Der mehrfach mit Platin und siebenmal mit Diamant ausgezeichnete R&B- und Popstar The Weeknd
kommt mit seinem Album „Hurry Up Tomorrow“ zurück.
Nach seinem 2020 erschienenen Erfolgsalbum „After Hours“, welches auch das am häufigsten gestreamte
R&B-Album aller Zeiten ist, und dem 2022 veröffentlichten Album „Dawn FM“ bringt The Weeknd die
Trilogie mit „Hurry Up Tomorrow“ zu ihrem Höhepunkt. Dieses Album hebt seine künstlerischen Erzählungen auf ein neues Level und fängt existenzielle und selbstreferenzielle Themen des Sängers ein. Titel
wie „Dancing In The Flames“, „Timeless“ mit Playboi Carti und “Sao Paulo” mit Anitta werden bereits
seit dem Sao Paulo Konzert von den Fans gefeiert. Im Jahr 2023 wurde The Weeknd vom Guinness-Buch
der Rekorde zum „Beliebtesten Künstler der Welt“ ernannt.
nun erscheint Ltd. Score CD und Score LP

Hellgrüne Vinyl Version, von Hand nummeriert und mit bedrucktem Inlay. Montreal bewiesen einmal mehr ihr Standing in der deutschsprachigen Punkrock-Szene mit dem 2019 veröffentlichten Album voller Charme, hintergründiger Ernsthaftigkeit und natürlich Spaß.

Dom Salvador, der unscheinbare Pate der brasilianischen Soulmusik, hat mit seiner einzigartigen Fusion aus Jazz, Soul, Funk, Samba und brasilianischen Rhythmen unauslöschliche Spuren hinterlassen. Sein Vermächtnis wird mit Dom Salvador JIDO24 fortgesetzt, das von Adrian Younge und Ali Shaheed Muhammad produziert wurde. Das Album ehrt Salvadors bahnbrechenden Sound, setzt den lebendigen Dialog zwischen brasilianischer und amerikanischer Musik fort und lädt die Hörer ein, seinen reichen, bahnbrechenden Stil zu erleben.

Amy Macdonald hat großen internationalen Erfolg erzielt, indem sie konsequent ihren eigenen Weg geht.
Welttourneen vor 5 Millionen Menschen, über eine Milliarde Streams, fünf Top-5-Studioalben in ganz
Europa, darunter zwei Nr. 1-Hits in Großbritannien und drei in Deutschland, sechs Millionen verkaufte Alben
und der bahnbrechende Hit „This Is The Life“, der in zehn Ländern die Charts anführte und 2023 ein virales
TikTok-Comeback erlebte, bei dem Hunderttausende von Kreationen sie einem neuen Publikum zugänglich
machten. Sie hat ihren Ruf als weibliche Springsteen mit generationsübergreifender und internationaler
Anziehungskraft gefestigt.

Fünf lange, meditative Titel zwischen Jazz, Ambient und World Music präsentiert „Openness Trio“, das
Blue-Note-Debüt eines einzigartigen musikalischen Kollektivs, bestehend aus Gitarrist und Produzent Nate
Mercereau, Saxophonist Josh Johnson und Schlagzeuger Carlos Niño. Die drei Künstler bringen umfassende
Erfahrungen aus der Zusammenarbeit mit Künstlern wie André 3000, Meshell Ndegeocello, Kamasi Washington, Shabaka, Jeff Parker, Makaya McCraven und vielen anderen in das gemeinsame Projekt ein.
Die Musik von Nate Mercereau, Josh Johnson und Carlos Niño ist mal überwältigend und bildhaft („Hawk
Dreams“), mal abstrakt und voll subtiler Stimmungen („Elsewhere“). Alle Titel verbindet die intensive
Kommunikation der drei Künstler, die eindringliche Emotionalität und die Faszination gemeinsamer Erkundungen und Entdeckungen. Die Aufnahmen entstanden in fünf verschiedenen Sessions in Los Angeles und
Ventura County – unter freiem Himmel in den Hügeln von Ojai mit Blick auf die Topatopa Mountains, in
einem stimmungsvollen Wohnzimmer im Elysian Park, in einer „Oak Tree Cathedral“ im Churchill Orchard
in Ojai, inmitten einer Sammlung elektronischer Instrumente im Hof eines Hauses in Echo Park und unter
einem Pfefferbaum in Elsewhere / Topanga Canyon

Los Angeles trio sunking marry hip hop, and electronic influences on their 2nd album I DON"T LIKE MY TELEPHONE. Childhood friends Bobby Granfelt, a jazz drummer and self-proclaimed hip-hop head, Antoine Martel, a synthesist and composer, branched off their mainstay High Pulp to explore their polar opposite tastes and make music as sunking in addition to multi-instrumentalist Victory Nguyen. Their 2022 debut Smug, was more jazz-influenced, while I DON"T LIKE MY TELEPHONE is akin to the early work of beat-driven artists Thundercat, Madlib, and Flying Lotus. They hand selected artists Salami Rose Joe Louis, Niki Randa, Deradoorian, and Takoda to lend vocals and help capture that spirit. I DON"T LIKE MY TELEPHONE as a series of self-contained "micro-compositions," built around Granfelt"s drum loops and Martel"s new gear. In addition to, they were fueled by an increasing love for electronic music artists like Galcher Lustwerk, The Field, and Susumu Yokota, whose 1994 cult classic Acid Mt. Fuji they cite as a particular inspiration. The result is a record as vibrant as a kaleidoscope, and compact as one too, shuffling through more styles and ideas in neat, three-minute chunks of virtuosity.

Der 80er-Jahre-Hardrock mit einer Prise AOR und Melodic Metal aus den 90ern kam auf Anhieb fantastisch an, was nicht nur an Sängerin Elkie Gee liegt, die über eine beachtliche Bandbreite verfügt und sich mit ihrer Stimmfarbe von der Masse abhebt. Das neue Album "Running Out Of Time", erneut gekonnt von Achim Köhler (Primal Fear, Brainstorm u.a.) produziert, bietet einige echte Knaller und präsentiert einen bunten Strauß toller Songs mit Ohrwurmgarantie und Überraschungsmomenten.