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Oxblood & Gold Vinyl. Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet. Eine spezielle farbige Vinyl-Edition wird auf "Oxblood"-Wachs (A/B-Seite) und "Gold"-Wachs (C/D-Seite) gepresst.

Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet.

France-based, prog-rock power trio LIZZARD are out to reclaim the creative, collaborative energy that has fueled them for over a decade. On `Mesh', the band's fifth full length album, LIZZARD capture the energetic, lightning-in-a-bottle optimism of the late `90s post-punk/art-rock scene and reinvigorate it as something empowering, inspiring and simmering with potential. Recorded by the band in the abandoned factory they use as their creative base and produced again by now long-time friend and collaborator Peter Junge, `Mesh' is LIZZARD unleashing the raw, spontaneous might of their pent up live sound through the production precision of their studio experience. As such, themes of duality and control, whether it's regaining it or letting it go, run right through the album. Resounding with Elwell's inimitable, thundering drums and a barrage of colossal riffs, `Black Sheep' explores the dichotomy of body and mind, of black and white, that we all wrestle with on a daily basis whilst the mellow polyrhythms and plaintive melodies of `Mad Hatters' ask pressing questions of the people who are supposedly in charge of society. Epic album closer `The Beholder' captures the reinvigorated LIZZARD at their bracing best; bittersweet guitar refrains are bolstered by Will Knox's signature driving basslines and crashing half-time grooves as frontman Ricou considers the great cycle of life from his own perspective. Testament to the band's formidable compositional prowess, `The Beholder' ends as it starts, a closed loop. With only Ricou's playful, pithy refrain of "What goes around, comes around" left ringing in our ears, LIZZARD masterfully frame `Mesh' as both a poignant conclusion to the last chapter and as a bright new beginning.

Die umjubelelten, schrill-bunten Rockerinnen von The Hot Damn! sind mit einem Paukenschlag zurück und veröffentlichen ihre elektrisierende neue Single Can You Hear Me Now? zusammen mit der Ankündigung ihres mit Spannung erwarteten Debütalbums Dancing on the Milky Way, das am Freitag, den 27. September 2024, über Fat Earth Records erscheinen wird. Die vierköpfige britische Rockband wird als das ,farbenfrohe Chaos" des Rock bezeichnet und bringt mit jedem Song, jedem Video und einer energischen Live-Show nach der anderen wieder Farbe in die Musikszene. Mit knackigen Riffs und wilden Harmonien bringen The Hot Damn! dich zum Tanzen, bevor du es merkst. Die vier temperamentvollen Damen, die unter anderem von Kerrang!, Planet Rock und BBC Radio 2, BBC Radio 6 und Radio BOB gelobt wurden, sind keine Unbekannten in der Musikszene. entstand die Band u.a. aus der Asche von The Amorettes und Tequila Mockingbyrd und besteht aus den Talenten von Gill Montgomery (The Amorettes), Josie O'Toole (Tequila Mockingbyrd), Laurie Buchanan (Aaron Buchanan and the Cult Classics) und Lzi Hayes (New Device/Sophie Lloyd Band).The Hot Damn! aus Marlow, Buckinghamshire, mögen es laut, aber sie machen nicht nur mit ihrer Musik auf sich aufmerksam, sondern auch auf ein Thema, das ihnen am Herzen liegt - den Gehörschutz. Da die Band erkannt hat, wie wichtig die Gesundheit des Gehörs sowohl für das Publikum als auch für die Musiker ist, hat sie sich dazu verpflichtet, bei all ihren Konzerten Einweg-Ohrstöpsel anzubieten. Neben einzelnen Headline-Gigs reisen The Hot Damn! im November 2024 als Support von D-A-D durch Deutschland um ihr hart rockendes Werk zu präsentieren. CD mit zwei Akustik-Bonustracks, LP als Sunshine Yellow Vinyl!

Wer sich in den letzten Jahren mit deutschsprachiger Metal- & Rockmusik beschäftigt hat, der kam an HERBST nicht vorbei. Nachdem die 4 Berliner mit ihrer ersten EP und dem Debütalbum „Ein letzter Abend“ ein ersten Achtungserfolg landen konnten, ging es auch direkt in den Tourbus mit ENGST quer durch die Republik.
Mit „Spiegel“ (VÖ: 20.09.24) folgt nun der neue, mitreißende Longplayer der Band. Treibend, mit krachenden Gitarren und Mörder-Hooklines, entfesseln die 10 neuen Tracks auf "Spiegel" eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Das Feature mit Ex-Annisokay Shouter Dave Grunewald und Alles Mit Stil zeigt eine der vielen Facetten des neuen Albums! So geht moderner, deutschsprachiger Metal im Jahr 2024!

Sam Grant, Gitarrist von Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, macht mit dem zweiten Album seines verrückten Psych-Projekts Rubber Oh dort weiter, wo er mit dem Debüt "Strange Craft" 2021 aufhörte. Kaleidoskopische Melodien schweben über dichte Rhythmen und dunklen, schweren Riffs, die in eine weite cineastische Landschaft ausbrechen. Ein faszinierender Klangraum zwischen Leichtigkeit und Härte mit für Chor und Streicher komponierten Arrangements. Feat. Rozi Plain, Voka Gentle und Me Lost Me & Ceitidh Mac. Limitierte Auflage auf rotem Splatter-Vinyl.

Den Titel für sein Album "Classical Soul Volume One" hat Pianist und Komponist Alexis Ffrench an klassische Hip Hop-Mixtapes angelehnt. Kurze Melodie-Fragmente aus Soul-Hymnen wie "Ain't No Sunshine" und "A Change Is Gonna Come" verbindet er, wie "Samples" im Hip Hop, mit seinen eigenen Kompositionen. Diese sind von persönlichen Momenten und Erinnerungen inspiriert. Alexis Ffrench sagt: "Dieses Projekt hat etwas von einem Rundumblick und ist auch das Ergebnis eines '360°-Prozess', bei dem ich zurückgeschaut, aber auch nach vorne geblickt habe". Der Tod seines Vaters war ein fundamentaler Einschnitt, ein Verlust, der nachhallte und Alexis neu auf sein Leben blicken ließ. Eine Auszeit in der Natur, in den Highlands von Schottland, brachte ihm Ruhe und Zeit zur Reflexion. "Diese Erfahrungen veranlassen dich, darüber nachzudenken, was man hat und wirklich liebt", erklärt er. Insofern ist "Classical Soul Volume One" auch eine universelle Erzählung von Verlust und Liebe und dabei eine Feier des Lebens.

"Flood" ist eine Platte und eine Wiedergeburt, für die die Band aus Minnesota fünf Jahre Arbeit aufgegeben hat, um schließlich 13 Tracks in nur 10 Tagen an der texanischen Grenze aufzunehmen. Während die aufschlussreichen Sessions im letzten Jahr auf der Sonic Ranch mit den langjährigen Produzenten Caleb Wright (Charly Bliss, Samia) und Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) stattfanden, begann der Entstehungsprozess des Albums vor gefühlt einer Ewigkeit. In derselben Nacht, in der Hippo Campus ihre letzte Platte "LP3" feierten, erfuhren sie, dass jemand, den sie liebten, unerwartet verstorben war. Die Peitschenhiebe des Erwachsenwerdens wurden durch die Auswirkungen von Tod, Niedergeschlagenheit, Sucht und Angst noch verstärkt, so dass sie sich dem überwältigenden Ziel verschrieben, etwas Tiefgreifendes und Lebensveränderndes zu schaffen. Sie wurden gemeinsam nüchtern, nahmen regelmäßig an Gruppentherapien teil, schrieben mehr als 100 Songs, traten einen Schritt zurück und stellten plötzlich fest, dass ihnen das, was sie machten, eigentlich keinen Spaß brachte. Für eine Band, die eine Milliarde Streams überschritten hat, historische Veranstaltungsorte wie Red Rocks ausverkauft hat, auf Festivalbühnen auf der ganzen Welt aufgetreten ist - und das alles dank des unwiderstehlichen, frühlingshaften Songwritings, das ihre Reihe von experimentellen Pop- und emphatischen Rockalben füllt - wussten sie, dass das, was sie dieses Mal machten, einfach nicht gut genug war. Gemeinsam mit Wright und Cook räumten sie auf und warfen alle Vorurteile darüber über Bord, wie sie zu klingen gedachten. Sie versuchten nicht mehr, ein sogenanntes Meisterwerk zu erzwingen, und verpflichteten sich gegenseitig, das zu schneiden, was ihnen am besten gefiel: kein Hinterfragen oder Zurückhören, nur ein Mantra des Vorwärtsdrangs. Weniger als zwei Wochen später hatten Sänger Jake Luppen, Gitarrist Nathan Stocker, Schlagzeuger Whistler Allen und Bassist Zach Sutton "Flood" fertig. Auf "Flood" liefern Hippo Campus dicht gedrängte Thesen über Selbstkritik und Selbstvergebung, Ermächtigung und das Zurückbleiben hinter den Erwartungen, gescheiterte Beziehungen und das Finden eines Weges nach vorne. Die Gefühle sind roh, echt und ungeschützt, unterstützt von subtilen Tonartwechseln und Tempowechseln und der angeborenen Raffinesse, die sie so mühelos präsentieren können.

Das Best Of Album von Christina Stürmer zum ersten Mal auf VINYL, als LIMITED EDITION, 2 LP
mit zwei unterschiedlichen Vinylfarben passend zum Artwork, Gatefold und bedruckten Innensleeves. Auf
”Gestern.Heute. verewigt die charmante Österreicherin ihre Klassiker und persönlichen musikalischen Highlights. Von Radiohits wie ”Ich lebe” oder ”Millionen Lichter” bis hin zu Balladen wie ”Mama Ana Ahabak”
oder ”Mehr als Perfekt” nehmen die Titel den Zuhörer mit auf eine kleine feine Zeitreise.

MENSCHENFRESSER" heißt das aktuelle Album von RAWSIDE, mit dem die Band es sogar auf die #81 in den deutschen Albumcharts geschafft hat. Deshalb muss nun auch eine Nachpressung sein. Ink Spot Vinyl bedeuted knallroter Kern und außenrum schwarz-rot gemischt. Fünf Jahre nach dem wahrscheinlich persönlichsten Album "Your Life Gets Crushed" gibt es neue Songs der Hardcore-Punks aus Coburg. Songs, die wieder politischer, wütender und angriffslustiger sind. Menschefresser meint hier emotionalen Kannibalismus, psychischer Druck, der ausgeübt wird, wie Menschen sich verhalten, Ellbogen auspacken wenn sie nur versuchen, sich ihren eigenen Vorteil zu verschaffen. Oder Menschen, die denken, sie wären der Mittelpunkt der Welt. RAWSIDE werden nicht müde, den Finger in die Wunde zu legen und sich mit korrupten Wirtschaftsbossen, selbsternannten Verschwörungstheoretikern, rechten Politikern oder stumpfen Wutbürgern anzulegen. Die 13 neuen Songs von RAWSIDE sind eine volle Breitseite, musikalisch kommt es laut und fordernd zwischen Hardcore, Metal und Punk daher. Die Wucht der Songs hat seit dem letzten Album ein neues Level erreicht. Das liegt vielleicht auch an der Frischzellenkur in der Besetzung. Sänger/Shouter Henne ist das einzig verbliebene Gründungsmitglied nach mehr als 30 Jahren Bandgeschichte. Seit Sohn Justin am Schlagzeug ist gerade mal 23 Jahre alt. "RAWSIDE ist zum Glück keine One-Man-Show", sagt Henne. "Das waren wir nie und wollen wir auch nicht sein. 2024 hat die Band beim LOIKAEMIE-Label Fettfleck angeheuert. "Für uns war es ein Schritt in Richtung Selbstverantwortung", erklärt Henne. Bei Fettfleck sind wir in alle Prozesse eingebunden. Und das ist doch die Idee, die hinter dem ganzen Punk- und Hardcore- Gedanken steckt. So bleiben RAWSIDE auch nach über 30 Jahren Bandgeschichte ein Grundpfeiler der deutschen HC/Punkszene. "Menschenfresser" ist ein Biest von einem Album, dass die Vorfreude auf die Open Air-Saison nochmal steigert. Wir lassen schon mal das Dosenbier zischen. - Wolfram Hanke (Ox, Zündfunk, Der kosmische Penis)

Mark Templeton is a Canadian media artist and the founder of Graphical, an audiovisual label dedicated to publishing his own musical and image based experiments. Mark’s audio compositions are constructed from reel-to-reel tape loops and sampled cassettes that are contrasted with contemporary sound techniques. In his published photobooks, he incorporates his own 35mm pictures and found images, focusing on intangible fantasies and realities. During his audiovisual performances, he utilizes digital instruments while projecting his own photographs, VHS footage, Super 8 film, and other sampled video.


Mark Templeton’s reinterpretation of outdated media as musical instruments makes him a compelling artist for the Faitiche label roster. For his debut on Faitiche, he browsed his old hard drives and invited Andrew Pekler to listen through and co-produce a selection of Mark’s unreleased works. The compositions act as a series of snapshots: a look back at a decade of archived sounds, re-envisioned and re-imaged for Faitiche.
The album contains nine tracks that follow an AB song structure. Each piece begins with verse A, transitions into verse B, and then ends. This simple formula creates a dichotomy that is also present in Mark’s diptych photographs, featured in the artwork. Throughout the album, both juxtaposition and inherent connections are simultaneously at play. One way or another, Two Verses provides a beginner’s guide to Mark Templeton's highly idiosyncratic catalog.

Die Compilation "Das schöne Leben des Herrn K." präsentiert 13 Neuinterpretionen aus dem Manfred Krug Oeuvre. Künstlerinnen und Künstler aus allen Ecken des deutschsprachigen Pop- und Indiekosmos erklärten sich bereit, ein Krug-Stück ihrer Wahl beizusteuern. Und so wie die Zusammenstellung der Platte verlief, so klingt sie nun auch: organisch und stimmig, dabei abwechslungsreich, und, obwohl die aktive Krug-Ära nun doch schon seit Längerem in der Vergangenheit ruht, enorm zeitgemäß.

Das vierte Studioalbum von Robert Alfons alias TR/ST (fka Trust), Performance, taucht noch tiefer in das Synthie-Pop-Psychodrama ein, das das Projekt in über einem Jahrzehnt der Entwicklung erschaffen und schließlich perfektioniert hat. Aufgenommen in Los Angeles, brodeln die Songs vor Angst, Lust, Abrechnung und Hingabe, beleuchtet von der Lichtverschmutzung tausender Sackgassen. Alfons hat "Performance" zusammen mit dem vielseitigen Komponisten und Produzenten Nightfeelings aufgenommen und dabei eine dichte, rauchige Balance aus unheimlichen Synthesizern, Nebelmaschinen-Tiefbässen und einer gequälten, krächzenden Stimme geschaffen. Der Titel ist eine Anspielung auf die beiläufige Bemerkung eines Freundes über Alfons' intrinsisch performative Natur. Der Opener "Soon" schwillt mit hymnischer Elektronik zum Leben an, bevor er mit einer riesigen New-Wave-Hook die Tanzfläche stürmt, gespickt mit ätzenden Kiss-off-Texten ("Asleep I still say it aloud / Scared stiff it's all around / We never did call it off, now our organs dried / Scared stiff to stone, you liar"). Die Musik bewegt sich zwischen Schönheit und Bitterkeit, Hymne und Qual, dem Klang einer wuchtig gewordenen Melancholie. Auf einem Track nach dem anderen setzt Alfons Pop-Dynamik und grüblerische Produktionskunst wie eine Waffe ein und schraubt sich durch eine Reihe von Singles - "All At Once", "The Shore", "Dark Day", "Boys of LA". Überall ist ein Gefühl von emotionalem Aufruhr zu spüren, der sich in seltsame Höhen steigert, befleckt von Schuld und Geistern und der Erinnerung an diejenigen, denen Unrecht getan wurde und die immer noch nicht vergeben haben. Als eine Welt für sich ist Performance überzeugend, mitreißend und berauschend, an der Schwelle zwischen aufwühlend und verstörend. Alfons' Stimme ist der Anker im Sturm, er singt eine Collage aus Eindrücken und Bekenntnissen mit einer verschmierten, bewusstseinsverändernden Logik. Er ist sowohl Beobachter als auch Anstifter, Performer und Dramatiker, befreit von der Bühne und der Nacht: "Now we see the rotten mind / It's eye to eye and mysteries/ Sail your boat for shore / I sit by the window waiting for it."

Following their acclaimed debut album from 2022 on Alien Transistor Records, What Are People For? now release their first 7" single from the upcoming album, with a dark ambient R’n’B banger "Criminals" on the A-side, telling tales of snoozing criminals and tantalising promises of "Someday we will all be rich".

The already legendary B-Side features a charming smokefilled-bubblegum Spanish & English cover of the Cypress Hill song "Illusions", together with The Notwist, which they developed whilst on tour together last year. Obviously, a product of the recent legalisation of marijuana in Germany: Ich liebe dich Marianne.

Auf 300 Exemplare limitiertes s/w Split-Vinyl.


Mit "Perpaura" erscheint die Debüt-EP von Privot Miller, dem neuen Alias von Young Meyerlack aka Ali Whales aka B&DBBB. Zwischen Trap, 2000er RNB und Avantgarde-Pop werden Licht und Schatten von Beziehungsfragen und Selbstzweifeln reflektiert. Assistenz in der Produktion gibt es von Hamburger Lo-Fi Legende Plusma. Über Babygroove in Kollaboration mit ETR kommt eine streng limitierte Sammler Vinyl Version in s/w Split Design mit Instrumental B Seite.

Die südkalifornische Shoegaze-Truppe Cold Gawd kehrt zurück zu Dais mit ihrer zweiten und bisher besten Suite von erdrückender Downer-Seligkeit: "I'll Drown On This Earth". Vom trotzigen Schrei, mit dem das Eröffnungsstück "Gorgeous" beginnt, reißt das Album mit, was Sänger und Haupt-Songwriter Matthew Wainwright als "Go for it"-Modus beschreibt: Nichts zurückhalten, keine Zeit verschwenden. Obwohl der Großteil der Songs im Jahr 2022 geschrieben wurde, waren die Aufnahmesessions nicht vor März 2024 gebucht, so dass genügend Zeit zur Verfeinerung und Destillierung der Hooks, die Schwere und den Dunst der Musik war. Das Ergebnis ist ein perfekter Sturm aus Verzerrung und Dream-Pop, zerrissene Liebeslieder, die sich in schwindelerregende Wände aus Lärm legen. Aufgenommen bei Paradise Recorders in Anaheim, Kalifornien, mit Colin Knight (von der Post-Punk-Band Object of Affection), spielte Wainwright die Streicher ein, während Cameron Fonacier das Schlagzeug bediente. Der Prozess war effizient und effektiv, geschärft durch jahrelange Performance. Songs wie "Portland", "All My Life, My Heart Has Yearned For A Thing I Cannot Name" und "Malibu Beach House" klingen dynamisch und gehen den Musikern in Fleisch und Blut über. Die Texte von Wainwright wurden nur eine Woche vor der Aufnahme geschrieben. Stimmungen der Surrealität, Verliebtheit und Melancholie flackern und verblassen in einem Nebel aus Erinnerung und Hall. Wie auf "God Get Me The Fuck Out Of Here" von 2022 manifestiert sich die zeitgemäße Vision des Shoegazevon Cold Gawd auf faszinierende Weise in Momenten, wie der gedämpften, strudelnden Träumerei von "Tappan", oder dem dunstigen, schleppenden Downtempo von ""Nudism"" (mit königlichem Klavier-Outro). Ihre Muse ist so lebendig wie vielfältig, sie reicht von "Loveless" von My Bloody Valentine über Drake, Post-Hardcore und Beach House. "I'll Drown On This Earth" erweitert auf eindrucksvolle Weise den Kanon von Cold Gawd, dicht an Riffs und Entrückung, Flucht und und Offenbarung, kanalisiert durch gestapelte Verstärker und versteckte Kräfte: "Give praise / to whatever / I got time for / hallelujah."

Die südkalifornische Shoegaze-Truppe Cold Gawd kehrt zurück zu Dais mit ihrer zweiten und bisher besten Suite von erdrückender Downer-Seligkeit: "I'll Drown On This Earth". Vom trotzigen Schrei, mit dem das Eröffnungsstück "Gorgeous" beginnt, reißt das Album mit, was Sänger und Haupt-Songwriter Matthew Wainwright als "Go for it"-Modus beschreibt: Nichts zurückhalten, keine Zeit verschwenden. Obwohl der Großteil der Songs im Jahr 2022 geschrieben wurde, waren die Aufnahmesessions nicht vor März 2024 gebucht, so dass genügend Zeit zur Verfeinerung und Destillierung der Hooks, die Schwere und den Dunst der Musik war. Das Ergebnis ist ein perfekter Sturm aus Verzerrung und Dream-Pop, zerrissene Liebeslieder, die sich in schwindelerregende Wände aus Lärm legen. Aufgenommen bei Paradise Recorders in Anaheim, Kalifornien, mit Colin Knight (von der Post-Punk-Band Object of Affection), spielte Wainwright die Streicher ein, während Cameron Fonacier das Schlagzeug bediente. Der Prozess war effizient und effektiv, geschärft durch jahrelange Performance. Songs wie "Portland", "All My Life, My Heart Has Yearned For A Thing I Cannot Name" und "Malibu Beach House" klingen dynamisch und gehen den Musikern in Fleisch und Blut über. Die Texte von Wainwright wurden nur eine Woche vor der Aufnahme geschrieben. Stimmungen der Surrealität, Verliebtheit und Melancholie flackern und verblassen in einem Nebel aus Erinnerung und Hall. Wie auf "God Get Me The Fuck Out Of Here" von 2022 manifestiert sich die zeitgemäße Vision des Shoegazevon Cold Gawd auf faszinierende Weise in Momenten, wie der gedämpften, strudelnden Träumerei von "Tappan", oder dem dunstigen, schleppenden Downtempo von ""Nudism"" (mit königlichem Klavier-Outro). Ihre Muse ist so lebendig wie vielfältig, sie reicht von "Loveless" von My Bloody Valentine über Drake, Post-Hardcore und Beach House. "I'll Drown On This Earth" erweitert auf eindrucksvolle Weise den Kanon von Cold Gawd, dicht an Riffs und Entrückung, Flucht und und Offenbarung, kanalisiert durch gestapelte Verstärker und versteckte Kräfte: "Give praise / to whatever / I got time for / hallelujah."

Das Debütalbum ”The Dichotomy” von David Kushner erforscht die menschliche Existenz anhand von zwei
Gegensätzen. Das 17 Songs umfassende Werk untersucht das Zusammenspiel von Licht und Dunkelheit,
Glück und Traurigkeit, Wut und Liebe, Helden und Schurken, sowie die Dichotomie unserer inneren Dä-
monen und Engel. Durch die Verschmelzung von introspektiven Texten fängt David Kushner die Essenz
emotionaler Erfahrungen ein und schafft Verbindungen zu allen Lebensbereichen. Das Album entstand
in Kooperation mit einer Reihe Künstlern und Produzenten, darunter Wesley Schultz von The Lumineers,
David Baron (Shania Twain) und der zweimalige Grammy-Award-Nominierte Rob Kirwan (Hozier, U2).
David Kushner, der aus Chicago-stammende Singer/Songwriter, schaffte 2023 den weltweiten Durchbruch
mit seiner Single ”Daylight”, die hierzulande die Top 5 der Singlecharts erreichte und mit Gold ausgezeichnet ist. Neben ”Daylight” sind auch die Nachfolgesingles ”Dead Man”, ”Skin and Bones” und ”Hero” auf
seinem Debüt ”The Dichotomy” zu finden.

Gilligan Moss - das aus Brooklyn stammende Duo, bestehend aus den Kindesfreunden Ben und Evan - ist mit seinem neuen Album “Speak Across Time” zurück auf ODESZA’s Foreign Family Collective!

Auf „Speaking Across Time“ kapselt jeder der zwölf Tracks des Albums persönliche Momente durch eine Linse der Zeitlosigkeit ein. 90er-Jahre-Rave, Old Country, 70er-Jahre-Soul, Honky-Tonk-Piano-House und sogar ein Sample des Dichters und langjährigen Mentors, David Mason, kollidieren unter Gilligan Moss' gekonnter Einbindung von Samples und moderner Tanzmusikproduktion.
Die Band arbeitete mit der bildenden Künstlerin, Orly Anan, in Mexiko-Stadt zusammen, um farbenfrohe Kostüme und Masken für das Single- und Album-Artwork zu kreieren. Das Kunstwerk ist eine Erkundung von Dualität, Spaltung, Zwillingsschaft und Zusammengehörigkeit. Orly war von entscheidender Bedeutung für diese Aufgabe.
Das Duo trat bereits auf namhaften Festivals wie Coachella, Pitchfork Paris und Electric Forest auf und spielte im Vorprogramm von u.a. Glass Animals, Toro Y Moi, Tourist, Chromeo, ODESZA, Elderbrook und vielen mehr.

Begib dich auf ein musikalisches Abenteuer mit der Musik aus Disneys Die kleine Meerjungfrau. Feiern Sie
das 35-jährige Jubiläum mit klassischen Songs und der Filmmusik!

Die New Yorker Pop-Experten Charly Bliss möchten, dass ihre neue LP Dich unter der Last purer Gefühle erdrückt. Sie wollen Dich in einen Herzschmerz-Hurrikan stürzen. Sie möchten, dass Du beim Mitsingen bei ihren Gigs und allein in Deinem Schlafzimmer Deine Seele ausschüttest. Kurz gesagt, so Sängerin Eva Hendricks, wollen sie Dich zerstören … aber auf eine unterhaltsame Art und Weise. Co-produziert von Jake Luppen (Hippo Campus) und Caleb Wright (Samia) ist "Forever" Charly Bliss' bisher grösste und hellste Power-Pop-Charge. Voller klanglich dichter, emotional aufgeladener Songs, die die Lustzentren in Deinem Gehirn aktivieren, egal ob allein per Kopfhörer oder bei einer überfüllten Liveshow. Die Songs schimmern und explodieren wie ein Feuerwerk.
LP auf Transparent Clear Vinyl im Gatefold samt Lyrics-Einlage

Die New Yorker Pop-Experten Charly Bliss möchten, dass ihre neue LP Dich unter der Last purer Gefühle erdrückt. Sie wollen Dich in einen Herzschmerz-Hurrikan stürzen. Sie möchten, dass Du beim Mitsingen bei ihren Gigs und allein in Deinem Schlafzimmer Deine Seele ausschüttest. Kurz gesagt, so Sängerin Eva Hendricks, wollen sie Dich zerstören … aber auf eine unterhaltsame Art und Weise. Co-produziert von Jake Luppen (Hippo Campus) und Caleb Wright (Samia) ist "Forever" Charly Bliss' bisher grösste und hellste Power-Pop-Charge. Voller klanglich dichter, emotional aufgeladener Songs, die die Lustzentren in Deinem Gehirn aktivieren, egal ob allein per Kopfhörer oder bei einer überfüllten Liveshow. Die Songs schimmern und explodieren wie ein Feuerwerk.
LP auf Transparent Clear Vinyl im Gatefold samt Lyrics-Einlage

Die atemberaubend schöne, aber auch manchmal etwas deprimierend miefige Idylle des schönen Bodensees ist die Kulisse für das kommende Sommerloch-Album von Schmutzki. In ihrer alten Heimat haben die drei Punkrocker aus Stuttgart 13 herz- und hirnerweichende Anekdoten aus dem mockenden Schlamm des ,Schwäbischen Meers" gezogen. Mal heiter, mal nachdenklich werden hier so einige Wurzeln ausgegraben, die man längst abgestorben glaubte. Doch als Kind vom See kannst du soweit wegrennen wie du willst, irgendwann holt er dich ein und es heißt: Bodensee Calling!

keiyaA ist eine in New York lebende Singer-Songwriterin, Produzentin und Multiinstrumentalistin. Aufgewachsen in Chicagos South Side, verbindet keiyaA ihre Jazz-Ausbildung, ihre R&B-Sensibilität und ihre Hip-Hop-Erziehung, um neue Soul-Sounds zu kreieren, die von ihrer kraftvollen, schwülen Stimme und ihrer dichten Lyrik überflutet werden. Ihr Ziel ist es, die Erzählung und den Intellekt der schwarzen Frau in der spätkapitalistischen Welt in den Mittelpunkt zu stellen. Forever, Ya Girl" fand großen Anklang und landete auf mehreren Best of the Year"-Listen, was sie an die kulturelle Spitze katapultierte und ihr das Lob von Künstlern wie Solange, Jay-Z, Earl Sweatshirt, Blood Orange und Moses Sumney einbrachte und die Aufmerksamkeit von Marken wie Apple, Nike und Chanel erregte, die alle in Kampagnen auf keiyaA und ihre Arbeit aufmerksam machten. Seit ihrer Veröffentlichung ist keiyaA zu einer gefragten Kollaborateurin geworden und hat mit MIKE, Armand Hammer, Loraine James, Nilüfer Yanya, Bartees Strange, Nick Hakim, Mount Kimbie, Nubya Garcia und vielen anderen zusammengearbeitet.

On 9 August, 2024, Merge Records reissues David Kilgour's A Feather in the Engine, remastered and pressed on vinyl for the very first time. Originally released in 2002, A Feather in the Engine followed two full-band efforts_1997's David Kilgour & the Heavy Eights and The Clean's 2001 album Getaway_and is thus almost startling in its intimacy. Recorded at home and mostly alone (The Verlaines' Graeme Downes provides lush string arrangements), Kilgour once called A Feather in the Engine "the most solo LP I've made." Interpolating his genius for guitar pop through acoustic guitars and gorgeous instrumentals, its melodies unfold gently, suggesting that the 13 songs here, written over the course of four years, were searching Kilgour as much as he was searching them. The dichotomy between A Feather in the Engine's pop songs and instrumentals fascinates the ear, drawing the listener closer and closer to Kilgour's virtuosic guitar playing when his lyrics aren't imparting his breezy charm. The depth of style he achieves_the psych pop of "Today Is Gonna Be Mine," the Velvet Underground-esque churn of "All the Rest," the chamber folk of "The Perfect Watch"_is daunting; listening to it now, every song feels capable of generating a dozen playlists, or like the spawning point of a new microgenre. Perhaps anomalous upon release, it's A Feather in the Engine's instrumentals that feel weightiest in this regard now. "Sept. 98" and "Backwards Forwards," respectively the opening and closing tracks of the album, are elegant, pastoral epics that call out into the yawning expanse, presaging the simmering ambient country of William Tyler and SUSS, while "Instra 2" pushes out the boundaries of Eastern-influenced psychedelia. Lovingly remastered (and in some cases remixed) from the original tapes by Tom Bell at Port Chalmers Recording Services, the vinyl reissue of A Feather in the Engine is a crucial opportunity to rediscover one of David Kilgour's best records, a handcrafted gem that perfects guitar pop's past while pointing to its future, idiosyncratic in its making and tantalizing in its potential. There is good reason for David Kilgour to be your favorite musician's favorite musician. A Feather in the Engine is good reason for him to become yours.

New Orleans Voodoo Psych Fuzz Boogie Blues aus einer finnischen Irrenanstalt in Helsinki, drei Jungs flogen über das Kuckucksnest und machten dieses erstaunlich schräge Album... früher spielten sie in Black Magic Six und Cosmo Jones Beat Machine, für Fans von Captain Beefheart und Chuck E. Weiss oder Dr. John GOBLIN SHARK ist ein Hybrid aus einem finnischen Irrenhaus, einer transsexuellen Göttin und einer verkommenen, dunklen After-Hour-Blues-Rock'n'Roll-Fuzz-Psych-Voodoo-bar in New Orleans. Sie alle treffen sich in Helsinki, Finnland, um ihre Musik zu machen, Taskinen spielt in Bands wie Black Magic Six, Heavy Breathers oder Disgrace, der zweite, noch verrücktere Gitarrist und Meister selbstgebauter Mini-Gefängnisgitarren Pharaoh Pirttikangas veröffentlichte zahlreiche Soloalben und war mit Cosmo Jones Beat Machine unterwegs, Nubialaiset und Astro Can Caravan unterwegs, dann kommt Neuvonen, er ist ein Black-Metal-Schlagzeuger aus Tempere, Jeder liebt den Blues und die verwirrende Seite des Lebens aus finnischer Sicht, wenn Sie wissen, was ich meine. Kann man ihre Musik in Richtung Captain Beefheart und Chuck E. Weiss mit der rohen Kraft der Stooges oder Dr. John einordnen. Ich weiß es nicht. Aber ich habe sie 2023 auf meiner Tour in Helsinki getroffen und war von ihrer Performance, ihrer Musik und dem anschließenden Bier in einem Helsinkier Bierclub so begeistert, dass wir beschlossen, GOBLIN SHARK auf Voodoo Rhythm zu veröffentlichen. Taskinen hatte bereits einen Trip in die Schweiz von Black Magic Six gemacht und Robert Butler (der von den Miracle Workers) getroffen und sind seitdem befreundet, so dass es Sinn machte, dass Robert 'Mr. Butler' das Artwork des Covers für die Band entwarf und es wurde so, wie es sein musste... ein komplette Hirnschmelze , und so sind auch die 10 Songs, die dich wegblasen werden wie nichts anderes - dies ist verwirrter dreckiger Blues Rock'n'Roll der außerirdischten dritten Art. Tiefschwarzes Vinyl, bedruckte Innenhülle, gratis Download Code oder Digisleeve-CD mit Booklet.

In Craig Charles' eigenen Worten enthält "The Craig Charles Trunk Of Funk Volume 3" "19 der feinsten Stücke von super-slinky Soul, boot shaking Blues und Boogie, schillernde Discosongs und feine funky rump shakers!"

Als Dichter, Schauspieler, Radio- und Fernsehstar (u. a. in der Science-Fiction-Comedy "Red Dwarf" und der Seifenoper "Coronation Street") ist er seit seiner Jugend berühmt, und seit über 22 Jahren predigt er in seinen weltberühmten BBC 6 Music-Wochenend- und Tagesshows für den guten Groove, legt in Clubs und auf Festivals rund um den Globus auf - sein Ruf als einer der profiliertesten Botschafter für alles, was Soul und Funky ist, ist unbestritten.

Craigs neueste Kollektion mischt Up-Tempo-Club-Klassiker mit frischer Musik von der Creme de la Creme der zeitgenössischen Soul- und Funk-Szene mit einer Prise Oldschool-Klassikern. Das Ergebnis ist so, als ob Craig persönlich als DJ auflegen würde - eine Mischung aus modernem und klassischem Soul, Disco, Deep Funk und beatlastigem Rhythm and Blues.

Seit fast zwei Jahrzehnten streben American Aquarium nach der raren Form von Rock'n'Roll, die in jeder Hinsicht eine Offenbarung ist. "Für uns ist der
Punkt erreicht, an dem du eine Rockband hast, die dich dazu bringt, jedes Wort mitzuschreien, und erst, wenn du nachts um drei Uhr zu Bett gehst,
merkst du, dass diese Worte etwas Wahres über dein Leben aussagen", sagt Frontmann BJ Barham.
Auf ihrem neuen Album The Fear of Standing Still verkörpert die aus North Carolina stammende Band diese Dynamik mit größerer Intensität als je
zuvor, indem sie ihre düstere Art von Country-Rock mit Barhams bisher mutigstem und prägnantestem Songwriting verbindet.
The Fear of Standing Still ist die zweite Zusammenarbeit von American Aquarium mit dem Produzenten Shooter Jennings - einem dreifachen
Grammy-Gewinner, der auch für die Produktion des Albums Lamentations aus dem Jahr 2020 sowie für Alben von Brandi Carlile und Tanya Tucker
verantwortlich war.

Der US-amerikanische Rapper Vince Staples gehört ”neben Kendrick Lamar zu den anerkanntesten und
versiertesten ”Story-Teller” / Rap-Erzählern zurzeit”, schreibt der SPIEGEL.
Auf seinem sechsten Studioalbum ”Dark Times” (Blacksmith Records / Def Jam Recordings) verfeinert
der 30-jährige kalifornische Musiker alle Elemente, die seinen Katalog im letzten Jahrzehnt auszeichneten:
dichte, melancholische Lyrik, voll von Beobachtungen über das Leben, dargeboten auf üppigen vielschichtigen Beats, die Lichtnischen in der endlosen Dunkelheit suchen.

Das ist schon ein historischer Moment: Exile On Mainstream bringt erstmalig eine Wiederveröffentlichung einer Platte, die seit Jahren restlos ausverkauft ist und am 25. April 2008 nur auf CD erschien. Erstmalig auf Vinyl, remastered: Heavy Zooo von BEEHOOVER. Die Band schreibt dazu: "Endlich! Oft gewünscht, drüber nachgedacht und wieder verworfen. Aber jetzt, endlich, kann mit Hilfe unseres Lieblingslabels Heavy Zooo so kommen, wie wir uns das die letzten 15 Jahre gewünscht haben: auf Vinyl!" Ist es Metal? Ist es Stoner Rock? Ist es Jazz oder gar Avantgarde? Weißt du was? Vergiss doch einfach mal die ganzen Schubladen in deinem Kopf und beantworte folgende Frage: Wann hat das letzte Mal jemand versucht, die Melvins zu klassifizieren? Oder Primus? Siehst du! Ladies & Gentlemen - der Heavy Zooo öffnet seine Tore! Treten sie ein und bestaunen sie eine Sammlung der unglaublichsten Geschöpfe dieses Planeten. Schimären aus Groove und Intelligenz. Sounds, so vertraut und doch so neu. Nichts hier ist eindimensional. Nur mit Bass und Drums schaffen Beehoover die Quadratur des Kreises - verrückte Arrangements mit Arsch, die dir das Tanzbein zucken lassen, dich aber trotzdem große Augen machen lassen. Damit sind die Eckpfeiler gemauert, zwischen denen sich die Sounds einer der wohl außergewöhnlichsten deutschen Bands dieser Tage spannen. Eine Kategorisierung erscheint unmöglich, wenn auch Beehoover Einflüsse aus traditionellen Stilen miteinander verweben. Im wahrsten Sinne des Wortes - das Ergebnis ist ein Teppich aus Bass und Drums, aus emotionalen Ausbrüchen und psychotischer Melancholie. Claus-Peter Hamisch (Drums) und Ingmar Peterson (Bass) versuchen dabei konsequent herkömmliche Strukturen zu vermeiden und neue Wege zu gehen, ohne jedoch den Song aus dem Auge zu verlieren. Ihre Herangehensweise ist avantgardistisch, das Ergebnis aber trotzdem melodisch. Ihre Auseinandersetzung mit Sounds ist intelligent und Kopf-betont. Das Resultat hingegen geht direkt in den Bauch - eine Wirkung, die heute nicht viele Bands erzielen können. Die Presse schrieb im April 2008: Dieses Duo ist ein echter Geheimtipp! ... ein echtes Original! ... Einfach nur großartig! (Eclipsed) Ein erneut bärenstarkes Album! (Rock Hard) Amtlicher Irrendoom, nur mit Ballerbass und Drums fabriziert. Ein herrlicher, fachmännisch fröhlicher Krach. Funktioniert eins a, absolut nicht zu klassifizieren.(Intro) ... die schwäbische Antwort auf die Melvins ... brachial-tighte Riffmaschine unter Dampf ... fette Prog-Schwarte, nie affektiert oder klugscheißend, sondern immer mitreißend komplex. (VISIONS) _ eine Mischung aus der Verrücktheit und technischen Brillianz von Primus, dem feinsinnigen Humor und der Vielseitigkeit der Melvins, der Heaviness und Brachialität von Neurosis und der Rhythmik von Kyuss (METAL HAMMER) Beehoover sind sie der lebende Beweis dafür, dass ein Bass, ein Schlagzeug und ein gepflegter Testosteronüberhang ausreichen, um die Musikgeschichte auf Lightning Bolt, Led Zeppelin, Melvins und Unsane einzudampfen und dein Trommelfell inklusive allem was dahinter liegt in die ewigen Jagdgründe zu schicken. (VICE) _ Es grenzt an ein Wunder ... Heavy Zooo steht als untrüglicher Beweis dafür, dass musikalischer Minimalismus tatsächlich maximale Brachialität und Wirkung erzielen kann (Legacy)

Godless Savage Garden ist eine starke EP - ursprünglich 1998 veröffentlicht - die einiges zu bieten hat. Es gibt zwei brandneue Songs, einen Coversong von Accept, zwei Wiederveröffentlichungen und Remaster von Songs des Debüts und vier Live-Aufnahmen. Jetzt erhältlich als Ltd. Edition im schwarz-grünen Splatter-Gatefold!

Dimmu Borgir, eine der einflussreichsten Bands der Symphonic Black Metal-Szene, hat mit "Godless Savage Garden" einen weiteren Meilenstein in ihrer Diskografie gesetzt. Diese EP, veröffentlicht 1998, besticht durch eine brillante Mischung aus Aggressivität und Melodie, die die Vielseitigkeit und das musikalische Können der Band eindrucksvoll unter Beweis stellt.

Von Beginn an wird der Hörer mit einem Sturm aus kraftvollen Riffs und majestätischen Orchesterarrangements begrüßt. Der Eröffnungstrack "Moonchild Domain" zeigt sofort die typische Klangsignatur von Dimmu Borgir: eine perfekte Symbiose aus gnadenloser Härte und epischer Atmosphäre. Shagrath's unbarmherzige Vocals verleihen dem Song eine dunkle Intensität, die durch die klangliche Dichte der Instrumentierung noch verstärkt wird.

Ein Highlight der EP ist zweifellos das Cover von Bathorys "Satan My Master". Dimmu Borgir schaffen es, dem Klassiker ihren eigenen Stempel aufzudrücken, ohne den ursprünglichen Geist des Songs zu verlieren. Dies spricht für das tiefe Verständnis und den Respekt der Band gegenüber den Pionieren des Genres

Der in Island geborene und in Berlin lebende Singer/Songwriter Máni Orrason setzt auf seinem neuen Album "Blue Skies Motel" fast ausschliesslich auf seine akustische Gitarre, seine Stimme und seine Geschichten - und punktet mit allen. "Viele Songs kreisen um das, was ich jetzt manchmal meine 'dark Berlin years' nenne." Dass er diese nun jedoch hinter sich lassen konnte, lag vielleicht auch ein Stück weit an all diesen wunderschönen, traurigen Songs, die er für "Blue Skies Motel" daraus destillierte und die bei den Hörer:innen Begriffe wie Aura, Atmosphäre und Authentizität auslösen.

Máni Orrason ist einer der Künstler, die seit Jahren einen Proberaum im alten Funkhaus in der Nalepastraße in Berlin haben. Die ursprünglichen Radiostudios der DDR sind seit Mitte der 2000er eine beliebte Adresse für zahlreiche Musiker:innen. "Blue Skies Motel" ist nach dem gleichnamigen Gedicht von Robert Creeley benannt, dass Máni Orrason in einer Anthologie amerikanischer Dichter:innen fand – ein Buch, das in seinem Proberaum einen festen Platz hat und ihm immer wieder Inspiration liefert.

- "Man fühlt sich schnell, als lausche man hier einer intimen Beichte – vorgetragen im Schummerlicht, mit Akustikgitarre und einer angebrochenen Flasche Wein an der Seite." - mister-mixmania

Das Berliner Projekt Sprung Aus Den Wolken gehörte Anfang der 1980er Jahre zusammen mit den Einstrüzenden Neubauten und Mechanik Destrktiw Komandh zur Bewegung der "Genialen Dilletanten". Die Band veröffentlichte 1981 zunächst eine EP auf ZickZack, gefolgt von 1982 und 1983 folgten weitere Veröffentlichungen auf dem bandeigenen Label Faux Pas, dann auf dem französischen Vertrieb Les Disques Du Soleil Et De L"Acier bis 1991. Der Titel "Pas Attendre" war Teil des Soundtracks von Wim Wenders Film "Der Himmel über Berlin" und wurde so zu einem Underground-Hit. Bureau B freut sich, die Debüt-EP unter dem Titel "1981 West Berlin" mit weiteren Songs aus den Anfangstagen der Band wieder zu veröffentlichen, die sorgfältig von den Original-Kassetten remastert wurden.

BLØF is een van Nederlands bekendste rockbands en zijn afkomstig uit Zeeland. In 1998 braken ze door bij het grote publiek met de single ""Liefs uit London"", waarna er vele hits volgden. Al 30 jaar zingt Nederland uit volle borst mee op nummers als ""Aan De Kust"", ""Wat Zou Je Doen"", ""Dansen Aan Zee"" en ""Harder Dan Ik Hebben Kan"". Ook heeft de band verschillende succesvolle samenwerkingen op hun naam staan, met onder andere Counting Crows (""Holiday In Spain""), Geike Arnaert (""Zoutelande""), Sabrina Starke (""Meer Kan Het Niet Zijn""), Typhoon (""Wereld Van Verschil"") en KODO (""Aanzoek Zonder Ringen""), en S10 (""Laat Me Los""). 30 (We Doen Wat We Kunnen) is een oeuvre overzicht van de band en bevat hun mooiste nummers van 1992 tot nu. Deze 3LP is beschikbaar als gelimiteerde oplage op transparant groen gekleurd vinyl en is verpakt in een trifold sleeve.

Re-Release of Rammstein's second studio album "Sehnsucht" including global hit singles such as "Du hast" and "Engel" with new 2023 mix of "Spiel mit mur". Includes 40pg booklet, spot gloss varnish, perfect bound sewn booklet on 150gsm matt coated paper, hot foil printing with standard silver foil on the front & on the spine of the outer wrap. Formats; CD, LP. The CD comes in a Blu-ray-sized 8-panel digipak with a 40-page booklet and an embossed silver foil slipcase. The 40-page booklet features numerous unpublished and re-edited portrait photographs by artist Gottfried Helnwein. The black 2LP comes in a triple gatefold with a 40-page booklet and an embossed silver foil slipcase. The 40-page booklet features numerous unpublished and re-edited portrait photographs by artist Gottfried Helnwein.

ltd clear Vinyl, Die Musik der 22-jährigen Berlinerin in ihrer Essenz zu erfassen, bedeutet, sie zu hören; zu vielschichtig und dicht erscheint das gewebte Netz von Geschichten aus der Großstadt.

Nach "Die Drift" erscheint mit "Kenne Keine Töne" nun das zweite Studioalbum der in Wien lebenden Künstlerin Conny Frischauf. Zwischen Pop und Experiment begibt sie sich auf die Suche nach dem Momenthaften, den Übergängen und sonorischen Schwellenräumen und schafft so mit "Kenne Keine Töne" ein faszinierendes Klanglabor, das uns einlädt, unsere Hörgewohnheiten neu zu adjustieren. Die Phänomene um uns herum sind nicht so, wie wir sie sehen, und so führt sie uns in ihr synästhetisches Klanglabor, wo sie Steine, Wind, Wasser und andere Phänomene als Schallereignisse akusmatisch erforscht und gepaart mit zarten Pop-Anleihen hörbar und zu wahren Wunderstücken macht. In den sechzehn Stücken ihres aktuellen Albums spielt Frischauf mit unseren Sinnen. Fieldrecordings, sorgfältig mikrofonierte Perkussionsinstrumente, Aerophone, Händeklatschen sowie heimelige Synthiesounds werden auf diesem Album zu fein ausbalancierten Antagonisten, die sich tief in unsere Gehörgänge graben. Im Innenohr angekommen beginnt die Musik uns zu kitzeln, uns anzustoßen, uns von Innen haptisch zu berühren, dass wir an unsere Ohren fassen, sie mit unseren Händen betasten möchten, um uns zu vergewissern, und uns fragen: Ist es denn möglich, sich auf beiden Seiten des Hörtrichters gleichzeitig zu befinden?

THE OMEGA SWARM, eine atmosphärische Death-Metal-Band aus Deutschland, begann im Jahr 2022, sehr bescheiden, sehr zurückgezogen. T., der bereits vier großartige Alben mit Sulphur Aeon veröffentlicht hat, hatte keinen vollwertigen Live-Act im Sinn, als er frühe Demos komponierte und das Skelett seiner - damals noch namenlosen - neuen Kreatur formte. Im Herzen ein wahrer Schöpfer, umarmt T. die akribische Arbeit an Riffs, Tönen, Klängen, den abenteuerlichen Geist des Aufbaus und der Verwirklichung von Ideen, das Experimentieren mit seinen geliebten Gitarren und Synthesizern, um erstaunliche Vibes und Songs zu produzieren, die bedeutungsvoll und doch extrem, melodisch und doch hart sind und sich in THE OMEGA SWARMs Debütalbum vereinen, einer Platte, einem Zeugnis, das der Essenz der Kunst selbst gewidmet ist.

So bodenständig T. auch ist, er ist nicht der Typ Mensch, der sich an eine Klangformel hält, er sucht nach "etwas mehr", "etwas anderem". Nachdem Sulphur Aeon mit dem monumentalen "Seven Crowns and Seven Seals" von 2023 vorerst abgeschlossen haben, was sie ausdrücken wollten, sind THE OMEGA SWARM jetzt sein Hauptaugenmerk, und das Line-up der Band, das von Sänger Christian Schettler (bekannt durch seine Arbeit bei den Labelkollegen Wound) und Schlagzeuger Max Scheefeldt (ex Misanthrope Monarch) komplettiert wird, passt perfekt zusammen. Musikalisch entstanden THE OMEGA SWARM aus T.s Experimenten mit rhythmischen Mustern, übereinanderliegenden Synthesizern, ausgefeilten Leads und etwas technischeren Riffingstrukturen.

Die wohl einzigen offensichtlichen Parallelen zu Sulphur Aeon sind die Betonung einer dichten, fesselnden Atmosphäre, epische Elemente und eine übergreifende Dunkelheit sowie die Erkenntnis nach der Fertigstellung der ersten Aufnahmen, dass auch THE OMEGA SWARM die Qualität besitzen, mehr als nur ein 'Schlafzimmerprojekt' zu sein.
Aufgenommen in den Studios von Feire Records und s/w records, gemischt und produziert von Langzeitpartner Simon Werner, wurde V. Santura (Triptykon, Dark Fortress) für das Mastering angeheuert und sorgte für den letzten Schliff von "Crimson Demise", einem Album, das stolz und mühelos zwischen Death und Black Metal changiert und von einer herausragenden Gesangsleistung abgerundet wird, bei der Chris eine ähnliche Bandbreite an Growls, Screams und cleanen Parts erreicht wie Peter Tägtgren in seinen besten Zeiten.

Vom Konzept her verzichtet die Gruppe auf uralte Lovecraft'sche Schrecken und wendet sich stattdessen geradlinigen apokalyptischen Themen zu. Ob Viren, bösartige Bakterien, verrückte Diktatoren, Klimawandel, religiöse und politische Ideologien, korrupte Technologie, Terrorismus oder Krieg, die Menschheit hat sich selbst für den Untergang gezeichnet - in leuchtenden Neonfarben, damit selbst eine außerirdische Spezies, die Galaxien entfernt ist, erkennen kann, was für Narren wir wirklich sind. "Die Menschheit kann sich nicht auf eine gemeinsame Wahrheit einigen, geschweige denn auf eine Strategie zur Lösung ihrer mannigfaltigen Probleme", erklärt Chris, "und bildet somit überhaupt keine Einheit. Der einzige gemeinsame Nenner, der uns alle eint, ist unsere Zerstörungswut, die irgendwann die gesamte Existenz der Menschheit gefährden könnte. Die Utopie wurde durch dystopische Szenarien ersetzt. Welche Formen des negativen menschlichen Verhaltens uns und die Gesellschaft derzeit beeinflussen und letztlich in eine zukünftige Endzeit führen, ist Teil des lyrischen Konzepts von THE OMEGA SWARM."
Aber keine Angst, bevor die Weltuntergangsuhr zum letzten Mal schlägt, soll euch das Vergnügen vergönnt sein, ein abwechslungsreiches, intensives und fesselndes Stück Metal zu erleben, das das neu formierte Trio aus dem Schlafzimmer auf die Bühne bringen will!