Rafael Marín, best known as Rapha Mundi, is back on Buenobueno Discos with a solid 6 track EP titled Bonanza. The super prolific, hard working hero from the small town of Murchante, in Spain, keeps pushing boundaries on his personal journey through music.
On this record Rapha explores the deeper sides of House and Techno with a minimalistic production and a truly amazing sense for hypnotic grooves. Always club ready, always dj friendly. He also even delivers a beautiful ambient track called 'Otra Luz' as the cherry on top.
Also don't miss his show 'Slaps U' on Relativa Radio where he shines as an incredible record selector.
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Rødhåd presents: Solara Melfera - the second compilation on WSNWG - BACK TO ZERO will be released on April 4th. This Compilation features a selection of the finest contemporary techno music.
Each characterized by a vigorous commitment to the dance floor.
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"Underground EP" is an immersive dub experience from Domino Vibes. It's the third release from theyoung but promising romanian label, that stays true to its groovy dub-techno sound.
Especially tailored for the clubgoer, the opener "Soirée Privée" is an odissey into
monotonal synth themes played in a echo chamber, a pumping kick accompanied by syncopatedperccussion accents lost in delay reflections.The whole rhythmic construction drives the dance forward to a hypnotic state that finally locks in an endless loop.
"Night Drive" is recorded with a playful wit, using synth pads with rich chord harmonics all packaged with a rolling beat that drives the dancer to a realm of happiness. A must have for the DJs from the romanian underground scene, "Get Real" is the true banger of the release that will fill any Floor. It is an uncompromising crowd pleaser, with a punching kick, thick bass lines and rich synth chords ready to impress any clubgoer and guaranteed to lead you in a memorable epic state at the peak of afters. The ending act "Warmness Inc." is constructed around a solid groove, a relentless beat, a deep bass line, and a warm synth theme that carries you to an euphoric state of mind.
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IZIPHO SOUL is thrilled to announce that the soulful gospel anthem TRAVELIN’ ON is coming your way on a 7” single - for the first time!
There are not enough superlatives to describe this transcendent piece of music - it’s significance within the U.K. modern soul scene should not be overlooked; cited by many as the track they want played at their funeral - a morbid request? Certainly not, more like a song that has resonated in hearts and minds, seen as a celebration and empowerment of travelin’ to a better place
Presented on vinyl are both the radio edit and LP version, which is cut at 33RPM for a full six and a half minutes of heavenly bliss.
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Ein Jahrzehnt lang hatte Pharoah Sanders als Sideman von John und Alice Coltrane sowie mit seinen
eigenen Alben den revolutionären Sound von Impulse! Records entscheidend mitgeprägt. Auf “Love In Us
All”, seinem vorletzten Album für das Label, zog der Saxofonist 1974 noch einmal alle Register mit zwei
grandiosen, epischen Nummern, die jeweils eine ganze LP-Seite füllen und die Zuhörer vom ersten bis zum
letzten Ton in ihren Bann ziehen.
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The compositions of Miłosz Kędra (b. 2001) explore synthetic sound, electroacoustic music, and self-built acoustic instruments, seeking diverse timbres, tunings, and textures. His main field of work is the pipe organ. Through minimalist motifs, he has transported the instrument’s sound beyond the church space by synthetically processing its tones. He is currently pursuing a Master’s degree in New Media Music at the Academy of Music in Poznań and recently completed a Bachelor’s degree in Electroacoustic Composition, during which he built his own pipe organ from scavenged pipes.
~ Liner notes ~
Miłosz Kędra - "their internal diapasons"
The pipes that Miłosz Kędra used to craft his own organ emulator have lived many lives. They come from churches scattered across Greater Poland—some trimmed for a more presentable façade, others left to gather dust in parish houses until, stripped of purpose, they were cast away. Their first voices have faded, their inner resonance unsettled, yet with patience, one can teach them to sound again—to sing in their altered state, to be gently coaxed out of silence.
Audiomancy—the conjuring of lost sounds—is the word that lingers when I try to grasp the lore crystallizing with Kędra’s second album.
The resolve with which the musician and composer has inhabited his self-built instrument recalls Witold Szalonek and his search for “unexploited properties of wind instruments in classical music.” Szalonek sought to map these hidden voices into a system of multiphonics, revealing over 160 on the oboe alone by 1968. Some sound eerily alike, yet emerge through distinct gestures—“a particular breath, a precise choreography of levers and apertures, the seamless fusion of the two.”
The splitting of a single note into its spectral fragments—allowing a melodic instrument to speak in two, three, even four voices at once—enabled Szalonek to bend the rigid structures of Western music. "their internal diapasons" follows a similar path: an aesthetic bypass through which Kędra taps into the sacred gravity of the church organ, only to reveal it as a domesticated echo of something far older—the primal theater of transformation. To listen closely to an instrument is to learn its flaws, to turn its imperfections into a new way of speaking.
Each of the nine compositions on "their Internal diapasons" is an invitation—to approach the material world with the intent of letting it speak beyond expectation. An instrument that is at once a sculpture, a performance, and a manifesto of voicing the discarded suggests that its creator—following the path of Didier Eribon (Returning to Reims)—might take as his motto, a principle of asceticism, Sartre’s words: “What matters is not what is made of us, but what we ourselves make of what is made of us.”
Credit 00 is still doing his thing with PUT THE FUNK BACK IN 2 TECHNO, saving you from the horrors of today's life with a bunch of stirring tracks to dance against oppression. On his seventh EP for Uncanny Valley the Leipzig based funkster finds solace in his craft, doing what he does best. And that is to make dance music that is both undeniably catchy and blessed with an ever-surprising range of ideas and styles. What all the tracks have in common is that they have been written by someone who is deeply committed to the roots of dance music. On top of that, he has the enviable ability to find titles that already give you a hunch of sound and message of the tracks, even before you listen to them. Be it the title track with its wild Detroit rhythms and piano sound bits or the closer YOU NEED 2 CHILL, a still highly danceable ode to 90s chill out floors. While the stomping BRAZILIAN BUTT LIFT gets use of Credit 00's own voice, the chords heavy CHURCH FOR THE RENEGADES is a perfect example of inventive use of vocal samples. All in all, it's music you pretty much can't help but love. Also, don't miss a closer look at the front and back cover, which are full of references and iconographies from the history of dance music. In typical Credit 00 style, it's a super entertaining way for the artist to give credit to a lot of his influences.
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MM Discos presents 'Freedom Spirit' by Pleasure Voyage: a sonic journey into the essence of Balearic Beat From the sunniest corners of the Balearic imagination, MM Discos opens the doors to a new musical expedition with Freedom Spirit, the highly anticipated vinyl release by Pleasure Voyage. A tribute to freedom, nature, and the connection to the ethereal, this EP encapsulates the spirit of eternal summer with six carefully crafted tracks that move between ambient landscapes, hypnotic downtempo, and immersive grooves. This work is a testament to Pleasure Voyage's talent for capturing the magic of the sea breeze and the ebb and flow of the waves in sound form. From the first chord of Cloud Waves (New Age Balearic Mix) to the deep reflection of Cloud Waves (Ambient Meditation Mix), each track is a gateway to a state of escape and immersive enjoyment. Side A kicks off with Cloud Waves (New Age Balearic Mix), an enveloping anthem with celestial pads and floating arpeggios, followed by Surf Meditation, an ode to the ocean with pulsating basslines and ethereal percussion. Verano Española closes the A-side with a warm groove and guitars that evoke golden sunsets and cocktails by the sea.
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A boldly nonconformist Japanese singer, songwriter, composer and producer. Based in London, Mieko Shimizu has released numerous albums and singles, as she continues to make her mark on avant-garde and experimental genres.
Cenk Esens Name ist in der Londoner Jazzszene allgegenwärtig, wo er sich als gefragter Keyboarder etablierte. Der Sohn des wegweisenden türkischen Jazz-Fusion-Keyboarders Aydin Esen studierte am renommierten Berklee College of Music, zog nach London, und entwicklete sich zu einem der beeindruckendsten Pianisten der Szene, mit Auftritten u.a. im Kultclub Ronnie Scott. Nach mehreren hochgelobten Singles und seinem jüngsten Album "Chaos In The CBD", präsentiert Cenk nun sein neues Meisterwerk, die LP "Endlessly". Aufgenommen in den weltberühmten Air Studios mit den Weltklasse-Musikern MckNasty (drums) und Tom Driessler (bass), gelingt ihm ein wahrhaft fesselndes Hörerlebnis.
Orchid Mantis, by Michelle Helene Mackenzie and Stefan Maier, is a work that draws its inspiration from the history of the Sanzhi Pod City, in northern Taiwan. Sanzhi Pod City was built from 1978 onwards, made up of buildings constructed from assemblages of `pods' inspired by the futuro houses of Finnish architect Matti Suuronen. The project was abandoned in 1980, following a number of accidents during construction and persistent rumours that the site was haunted. However, this wasteland of a city has allowed insects to proliferate, in particular five species of orchid mantis. It is this strange environment, made up of utopian buildings, proliferating insects and vegetation reclaiming the site, that serves as the imaginary space for Michelle Helene Mackenzie and Stefan Maier's music, a music of carefully designed pace and progression, drawing, through resonance and stridulation, subtle sonic materials that guide and accompany us into multiple worlds with admirable ease and grace. Breach, by American composer Olivia Block, engages in a dialogue between field recordings and synthesised sounds, creating a vibrant plea for wild spaces that face an ever-growing threat to their survival from human activities. The work is based on recordings collected in the San Ignacio lagoon in the Mexican part of Southern California. This lagoon is known as a breeding ground for eastern Pacific grey whales. With the help of precise electronics, the music unfolds like a drift, depicting the subjective soundscape of whales caught up in the noise of the Anthropocene. The composer uses otoacoustic emissions in particular, representing the sound saturation caused by humans in the habitat of these large marine mammals. Going beyond a merely descriptive dimension, Olivia Block manages to transcend her subject to offer a fascinating musical form that engages the listener in a constantly renewed way.
With Ylh Bye Bye, Swiss-Moroccan producer Sami Galbi delivers a raw and electrifying debut album after the succes of his first single Dakchi Hani / Rruina. Merging North African folk, chaâbi, and trap with forward-thinking electronic club music, his punk energy and DIY ethos stem from years immersed in Lausanne’s underground squat scene, shaping a sound that’s both deeply personal and politically charged.
Driven by infectious North African melodic loops, heavy basslines, and percussive textures—blending bendir drums, karkabas, and analog synths—Ylh Bye Bye pulses with urgency. From high-energy dancefloor anthems to dreamy acid pop ballads, the album explores themes of migration, identity, and belonging. Galbi’s Arabic vocals oscillate between auto-tuned harmonies and spoken word, capturing the tensions of diaspora life.
"Fimbulvinter" by Bjorn Riis: A Journey Through Darkness and Light... Named after the legendary long winter that heralds Ragnarok, a time of both destruction and rebirth. Bjorn Riis' new album Fimbulvinter is a profound and deeply personal work. Drawing from his own experiences with anxiety, Bjorn explores themes of hopelessness, paranoia, and despair, ultimately finding a spark of hope and gratitude in the darkness. "This isn't an autobiographical album," Bjorn explains, "but I wanted to share parts of my own journey and address a subject that I feel is both deeply important and still somewhat taboo." Musically, Fimbulvinter reflects Bjorn's diverse influences, blending the atmospheric and introspective tones of progressive rock with the energy and swagger of the hard rock bands he grew up with in the early '80s. Fans of Kiss, Black Sabbath, and classic progressive acts will find much to love in the album's rich soundscapes. From the driving, anthemic energy of "Gone" - a track made for blasting on the open road - to moments of introspection and monumental heaviness, Fimbulvinter is a dynamic journey through darkness and light. Bjorn takes centre stage on the album, performing all instruments and vocals, while also enlisting contributions from talented collaborators, including Henrik Bergan Fossum (Airbag), Arild Broter (Pymlico) and Kai Christoffersen on drums. Longtime partner and co-producer Vegard Kleftås Sleipnes also returns, ensuring the album's production is as impeccable as its compositions. With Fimbulvinter, Bjorn Riis once again demonstrates why he is a cornerstone of the progressive rock scene, delivering music that is as emotionally resonant as it is sonically captivating.
"Fimbulvinter" by Bjorn Riis: A Journey Through Darkness and Light... Named after the legendary long winter that heralds Ragnarok, a time of both destruction and rebirth. Bjorn Riis' new album Fimbulvinter is a profound and deeply personal work. Drawing from his own experiences with anxiety, Bjorn explores themes of hopelessness, paranoia, and despair, ultimately finding a spark of hope and gratitude in the darkness. "This isn't an autobiographical album," Bjorn explains, "but I wanted to share parts of my own journey and address a subject that I feel is both deeply important and still somewhat taboo." Musically, Fimbulvinter reflects Bjorn's diverse influences, blending the atmospheric and introspective tones of progressive rock with the energy and swagger of the hard rock bands he grew up with in the early '80s. Fans of Kiss, Black Sabbath, and classic progressive acts will find much to love in the album's rich soundscapes. From the driving, anthemic energy of "Gone" - a track made for blasting on the open road - to moments of introspection and monumental heaviness, Fimbulvinter is a dynamic journey through darkness and light. Bjorn takes centre stage on the album, performing all instruments and vocals, while also enlisting contributions from talented collaborators, including Henrik Bergan Fossum (Airbag), Arild Broter (Pymlico) and Kai Christoffersen on drums. Longtime partner and co-producer Vegard Kleftås Sleipnes also returns, ensuring the album's production is as impeccable as its compositions. With Fimbulvinter, Bjorn Riis once again demonstrates why he is a cornerstone of the progressive rock scene, delivering music that is as emotionally resonant as it is sonically captivating.
Discover the groundbreaking sound of Los Texao, a legendary Peruvian rock band that helped shape the music scene in the 1970s. Born in the culturally rich city of Arequipa, Los Texao's journey to stardom was paved with innovation, passion, and an undeniable connection to their roots. Their music fused the energy of psychedelic rock with Latin American influences, captivating audiences across their native Peru, Los Texao's psychedelic phase was marked by experimentation with new sounds and instruments. This release comprises their complete recordings, including all their singles and also covers of some of the most influential rock bands of the era, most of them previously unavailable on vinyl. Formed in 1969, the band took their name from Arequipa's emblematic flower, the nasturtium, and made an immediate impact with their debut at a local band contest. Soon after, they recorded their first 45 RPM single, which included covers of tracks by Chilean group Los Beat 4. But it was in the early 70s when Los Texao truly found their voice. With a dynamic lineup, including the talented Fernando "Feño" Humbser and Juan Núñez on guitar, Víctor Dibán on vocals and bass, and Edgar "Chito" Manrique on drums, their musical evolution began to take shape. The addition of Julio Torres, a keyboardist and guitarist from the iconic bands Los Beatniks and Los Dig It, further elevated their sound. Los Texao's psychedelic phase was marked by experimentation with new sounds and instruments. They embraced the emerging trend of playing rock in English, despite the language barrier, and incorporated cutting-edge gear. With the help of the legendary Peruvian jazz musician Jaime Delgado Aparicio, they created hypnotic tracks like 'Algún día' and 'Nunca cambias,' capturing the essence of 70s rock with swirling textures and atmospheric vibes. But it wasn't just the melodies that set them apart - their electrifying rhythms and powerful arrangements, like those heard in 'Stone' and 'La pelea del gobernador,' showcased their refined musicianship and intense dedication. Los Texao quickly became a sensation in Peru, performing in cities like Puno, Moquegua, and Arica (Chile), and sharing stages with iconic bands like Los Shain's, Traffic Sound, and Telegraph Avenue. Their infamous hit 'La pelea del gobernador' tells a tale of generational conflict and rebellious youth, captured in a live performance that still resonates with audiences today. The band's wild live shows became the stuff of legend, with fans packing into intimate venues to experience the raw energy of their loud, unapologetic rock. In addition to their 45s, Los Texao also recorded covers of some of the most influential rock bands of the era, including Cream, Steppenwolf, and The Guess Who, showcasing their versatility and love for classic rock. Unfortunately, this session remained lost for years and some of these covers have never been available on vinyl before. Despite their growing success, Los Texao eventually disbanded in 1975 due to personal and professional challenges. But their legacy never faded.
Limited edition milky-clear 2LP of The Adicts’ only official live album for RSD2025.
First time on vinyl for 35 years; now with bonus disc with 13 additional tracks!
Remastered, and with improved packaging with previously unseen photos.
The Adicts came from Ipswich on the east coast of England, dressed in white in an amalgam of The Joker and Clockwork Orange imagery. Their previous studio albums had made a big impact in the UK, with singles entering the lower reaches of the national charts on Sire Records – (who insisted they change their provocative punky name to ADX or The Fun Adicts for children's TV!).
With catchy, glam-punk singalong tunes and theatrical shows, they were dramatic and exciting live – the best way to experience them. The Adicts still continue to grow their audience and regularly tour the USA, UK and Europe.
Recorded live at the Alabama Halle, Munich, Germany. Mixed from multitrack by The Adicts.
DESCRIPTION
The boundaries between contemporary art music and folk music are pushed as Apneseth and his all-star ensemble invite listeners into their very own musical universe. Hardanger fiddle player Erlend Apneseth, with his distinctive playing style, a long list of critically acclaimed Hubro releases, and explorative musical collaborations, has achieved the rare feat of becoming a favorite among audiences and critics in the worlds of folk music, jazz, and contemporary music. His latest album, Song over Støv, will be released on Hubro on April 4th, and the band he has assembled for the occasion can only be described as a supergroup made up of some of the most influential musicians on today’s Norwegian music scene. The project originated as a commissioned work for Oslo World and Riksscenen in 2023. As a composer, Apneseth has spent recent years working with orchestras and larger ensembles, and after being a member of Frode Haltli’s Avant Folkfor several years, he was inspired to write for a large band himself. For this project, he brought together 11 fantastic musicians, creating an immense musical playground. The commissioned work matured over time before Apneseth took the ensemble into Amper Tone studio in August 2024, with Bård Ingebrigtsen at the controls. Ingebrigtsen also mixed the album, which was produced by Anja Lauvdal and Apneseth himself
Johnny's Disk Record Ist Ein Unabhängiges Jazz-label, Das Vom Inhaber Des Jazz-cafés Kaiunbashi In Der Stadt Rikuzentakata In Der Präfektur Iwate, Japan, Betrieben Wird.
Das Legendäre Label Veröffentlichte Eine Reihe Von Alben Mit Hochwertiger, Aber Bodenständiger Musik, Die Von Modernem, Avantgardistischem Jazz Bis Hin Zum Leftfield-pop Reicht. Alben Wie "johnny / Left Alone" Und "aya's Samba" Haben Bei Den Fans Kultstatus Erreicht Und Gehören Zu Den Besten Werken Der Japanischen Jazzszene.
Dieses Debutalbum Des Drummers Und Schauspielers Mitsuaki Katayama Ist Ein Japanisches Jazz Meisterwerk.
Bestehend Aus Fünf Eigenkompositionen, Enthält Das No-filler-album Die Tracks "unknown Point", Einen Tanzbaren Jazz-samba Mit Engem Und Kraftvollem Schlagzeug, Den Melancholischen "arizona High Way", Ein Stück, Das Perfekt Verkörpert, Worum Es Beim Japanischen Jazz Geht, "it's Over", Mit Wunderschönem Klavierwerk Von Kichiro Sugino - Einem Vielversprechenden Pianisten, Der Tragischerweise Einer Chronischen Krankheit Erlag Und Sein Potenzial Nicht Voll Ausschöpfen Konnte, "louis" Und "first Flight", Ein Jazziger Dance-schnitt Mit Einer Funky Bassline.
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Combines Northern Soul, Psychedelia, 90s Indie Rock and an orchestral soundtrack feel into a homogenous, convincing work that looks promising and feels damn good in a not so rosy time.
The fourth album by the Frank Popp Ensemble, will be released on Unique Records. Written. recorded and produced in Spain in 2024. As with the predecessor ,Shifting", various guest singers can be heard on the lI brand new tracks.
Gerry Love, once the lead singer of the legendary Teenage Fanclub, who, according to Popp, wrote and sang almost al of the Glasgow cult band's favorite songs. lends his captivating voice to an orchestral, soulful version of "Save", a rather unknown but brilliant piece that Love wrote for the Scots in 2004. Gerard Love already contributed a cover of Frank Popp's "The World Is Waiting" to the "Under Covers" compilation and has now done another wonderful job on Waves.
Another hero from Popp's record collection is Nicke Andersson. Formerly a drummer with the death &rollers Entombed. then singer of the incomparable Hellacopters and mastermind behind other top bands such as The Solution, Imperial State Electric, Lucifer, etc., can be heard on "Caught In AWeb". A Northern Soul stomper in classic "Magic Touch" mania.
Emma Noble, an up-and-coming soul singer from London sings on the girl-groupish soul anthem "Unstoppable". The second single from the album has what it takes to be the next UK floor filler and was already played and praised on Craig Charles' Soul Show on BBC a t the end of 2024.
An absolutely exceptional artist is J Mahon, who can be heard on 5 tracks on the album and contributed significantly to the album. His sweet voice works on his songs as well as on "Going Going Gone", which is the first single release and is reminiscent of certain young Motown artists in the early 70s with its catchy brass hooks and j's androgynous soul vocals.
Audrey Ollesen from Cologne, an old buddy from the Rhineland mod scene, joined by chance after Popp became aware of her singing skills through private recordings. On "Common Stranger" Audrey can be heard on a recording for the first time.
On "Waves" Frank Popp combines Northern Soul, Psychedelia, 90s Indie Rock and an orchestral soundtrack feel into a homogenous, convincing work that looks promising and feels damn good in a not so rosy time. We are all excited...
f Heartbreak (In A Really Good Way) [feat. J Mahon]
[f] Heartbreak (In A Really Good Way) [feat. J Mahon]
Process of Elimination explores sickness as a teacher for anti-capitalist modes of being; a rewilding of the self. The product of an attempt to be indestructible, this sickness has an unknown diagnosis. The only route to determine the indeterminable is via a process of elimination. Eliminate the noise so it may quieten and make space for listening to what whispers underneath, allowing a return to the present moment. Slowness and queerness as technologies, questions as answers and mysticism as a path to healing when science alone does not suffice.
London-based multidisciplinary artist El Hardwick’s sophomore album follows their experience of becoming chronically ill after years of treating their body like a machine. El explains: “After failing to receive a diagnosis, which is only given via a lengthy process of elimination, I instead turned to autonomous modes of healing rooted in mysticism and herbalism; putting aside the need to be defined. My journey towards accepting my disability is told in parallel to my coming-out as trans. I also see my non-binary identity as a process of elimination: I am neither gender, both, in-between. It is through rewilding myself from capitalism and gender normativity that I learn how to connect to my body and the earth; no longer allowing either’s energy to be extracted from. The less I sought answers, language, metrics and analysis, the more peace I found.”
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Halo Studios und Laced Records haben sich zusammengetan, um die ikonische Musik der ursprünglichen Halo-Trilogie zum ersten Mal auf Vinyl zu veröffentlichen.
Dieses 3-teilige LP-Set enthält die Musik des monumentalen Sequel, die speziell für Vinyl neu gemastert und auf Heavyweight-LPs gepresst wurde. Die Platten befinden sich in einer breitrandigen Außenhülle und drei bedruckten Innenhüllen.
Das Original-Cover-Artwork stammt von Art Director und Concept Artist Isaac Hannaford (alias Rhizus / Space Ship Guru), dem ehemaligen Lead Concept Artist und Mitwirkenden an Halo 3, Halo 3: ODST und Halo Reach. Das zusätzliche Artwork des Sets wurde von der Grafikdesignerin Maren Landsnes erstellt.
Für Halo 2 haben sich die Komponisten mit hochkarätigen Musikern zusammengetan und dem Halo-Thema mit dem neuen „Mjolnir Mix“ ein Heavy-Metal-Makeover verpasst. Es war auch der erste Soundtrack zu einem Videospiel, der es in die Billboard 200 schaffte.
- 26 speziell remasterte Titel aus dem Spiel von 2004
- Cover-Artwork von Isaac Hannaford (ehemaliger Lead Concept Artist bei Bungie)
Halo Studios und Laced Records haben sich zusammengetan, um die ikonische Musik der ursprünglichen Halo-Trilogie zum ersten Mal auf Vinyl zu veröffentlichen.
Diese drei LPs enthalten die Musik des legendären dritten Teils des Erfolgs-Konsolen-Ego-Shooters, die speziell für Vinyl neu gemastert und auf heavyweight LPs gepresst wurde. Die Schallplatten befinden sich in einer breitrandigen Außenhülle und drei bedruckten Innenhüllen.
Das Original-Cover-Artwork stammt von Art Director und Concept Artist Isaac Hannaford (alias Rhizus / Space Ship Guru), dem ehemaligen Lead Concept Artist und Mitwirkenden an Halo 3, Halo 3: ODST und Halo Reach. Das zusätzliche Artwork des Sets wurde von der Grafikdesignerin Maren Landsnes erstellt.
Halo 3 zeichnet sich durch Tribal-Drums und Prog-Rock-Refrains aus, während Klaviermelodien neben einem 60-köpfigen Orchester und einem 24-stimmigen Chor dem Soundtrack emotionale Tiefe verleihen.
- 31 speziell remasterte Titel aus dem Spiel von 2007
- Cover-Artwork von Isaac Hannaford (ehemaliger Lead Concept Artist bei Bungie)
Mit zwei Singles Ende 2024 weckten Slung das Interesse anspruchsvoller Ohren in der Branche und im Netz. Nun folgt mit "In Ways" das Debütalbum der Band aus Brighton mit der traumatisch-herzzerreissenden ersten Single "Laughter". Ihr Klanguniversum – bestehend aus der Kraft der feurigen Riffs des Gitarristen Ali Johnson, der beneidenswert-dynamischen Bandbreite der Sängerin Katie Oldham, den wellenförmigen und doch erdenden Basslinien von Vlad Matveikov und der fachmännisch-rhythmischen Interpunktion des Drummers Ravi Martin – ist eine wahre musikalische Supernova. Die Einflüsse innerhalb des Slung-Lagers sind weitreichend - von Deftones und Baroness über Wednesday und MJ Lenderman bis zu Queens Of The Stone Age und sogar einer Prise Chappell Roan und Fleetwood Mac.
For the quartet led by NIGHTRAGE frontman Konstantinos Togas, 2025 is shaping up to be a stellar year. In February, Greek progressive metallers HERTA toured Eastern Europe. On May 2, 2025, the playful Athens-based group will release their debut album, “Crossing The Illusion” (LIFEFORCE RECORDS). HERTA’s sound is characterized by groove- and rhythm-driven compositions that continually offer surprises and fresh impressions. Despite the complexity and technical prowess of their music, the songs remain accessible and catchy. The band’s keen sense of atmosphere and melody shines through, creating ten eventful tracks that captivate listeners from start to finish. “Crossing The Illusion” immediately enchants with its sophisticated creativity. The band delivers impressively majestic songs that blend heaviness and pathos in a compelling mix. Guest appearances by Sakis Tolis (ROTTING CHRIST) and George Prokopiou (POEM/MOTHER OF MILLIONS) further attest to HERTA’s approach to expanding the variability and complexity of their prog metal continuously. The album was produced and mixed by Fotis Benardo at Devasoundz Studios and mastered by Johann Meyer at Silver Cord Studios. FFO: GOJIRA, LAMB OF GOD, MASTODON and MACHINE HEAD
Mutant, in partnership with Back Lot Music, are proud to present the premiere physical release of Benjamin Wallfisch's incredible score to the 2025 Wolf Man. Leigh Whannell (Invisible Man, Upload) continues exploring the classic Universal monster series, and with Wolf Man hw again teams up with composer Benjamin Wallfisch for the score. Ben's score evokes the lush classic sounds of the original 1940s movie. It's a beautifully light score featuring incredible orchestration, evoking the mystery within the woods. The score is scary and brutal but also delicate and human when necessary. It's evocative and rich and helps add grounding to this very contemporary telling of this tale.
f You Asked For A Picture', das zweite Album von Sabrina Teitelbaum alias Blondshell, ist ein triumphales Album, das den unabschließbaren Prozess der Selbstfindung einfängt. Zu klug, um eine endgültige Antwort zu geben. Wie auch schon auf ihrem 2023 erschienenen selbstbetitelten Debütalbum angedeutet, dessen Eigenwilligkeit, Selbsterforschung und lässiger Humor sie zu einer der am meisten gefeierten neuen Künstlerinnen der letzten Zeit gemacht haben, strotzt das Album nur so vor Dringlichkeit, Ambition und zerstörerischer Kraft.
"Kein Hinterfragen, kein Überdenken. Ich möchte mein Leben so leben, dass ich die Dinge tue, die mir wichtig sind, und ich denke, dass jeder so leben sollte", sagt Mei Semones über ihr gestärktes Selbstvertrauen. Die 24-jährige Songwriterin und Gitarristin aus Brooklyn hat sich durch die kontinuierliche Verfeinerung ihrer unverwechselbaren Mischung aus Indierock, Bossa Nova, Jazz und Kammerpop, die ihre technischen Fähigkeiten auf der Gitarre unterstreicht, schnell als innovative musikalische Kraft etabliert. Seit der Veröffentlichung ihrer hochgelobten "Kabutomushi"-EP im Jahr 2024, einer Reihe von üppig instrumentierten Reflexionen über die Liebe in ihren vielen Phasen, ist Mei ausgiebig durch die USA getourt, hat sich dort eine treue Fangemeinde aufgebaut und ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum "Animaru" geschrieben und aufgenommen. Animaru bedeutet ,Tier' auf Japanisch und ist die Verkörperung von Meis tieferem Vertrauen in ihre Instinkte - eine Sammlung von musikalisch beeindruckenden Tracks, die Mei abenteuerlicher, verletzlicher und selbstbewusster klingen lassen als je zuvor. Meis neues Selbstbewusstsein ist zum Teil auf die Erfahrungen des vergangenen Jahres zurückzuführen, denn 2024 war ein Jahr der Veränderung für die Band Mei Semones. Sie traten unter anderem mit Liana Flores, Elephant Gym und Kara Jackson auf, und Mei ging dazu über, Vollzeit Musik zu machen. Inmitten der häufigen Tourneen nahmen Mei und ihre fünfköpfige Band das Album im Sommer 2024 in der Ashlawn Recording Company auf, einem Farmstudio in Connecticut, das von ihrem Freund Charles Dahlke betrieben wird. Zu diesen Sessions brachte sie eine Reihe von Stücken mit, die, nicht anders als Kabutomushi, raffinierte Erklärungen einer nicht-romantischen Liebe sind: Liebe zum Leben ("Dumb Feeling"), Liebe zur Familie ("Zarigani"), Liebe zur Musik und zu ihrer Gitarre ("Tora Moyo"). Animaru veranschaulicht Meis bezaubernde Bandbreite als Songwriterin und Musikerin und enthält einige der anspruchsvollsten und einfachsten Lieder, die Mei je geschrieben hat. Die schlichteren Momente auf Animaru sind ebenso fesselnd wie wenn Mei auf der Gitarre schreddert oder ihre Bandkollegen ein kompliziertes Arrangement ausführen. "Donguri", eine reduzierte Jazz-Duo-Performance zwischen Akustikgitarre und Kontrabass, ist der einfachste Song, den Mei je geschrieben hat. Er wird von Mei zum Leben erweckt, indem sie auf süße Weise (meist auf Japanisch) beschreibt, wie sie sich das Leben als Waldbewohner vorstellt. Das vorletzte Stück des Albums, das helle, spritzige "Zarigani", ist eine nostalgische Liebeserklärung an ihre Zwillingsschwester, in der Mei singt: "We'll always have each other / I love you like my guitar / I love you like no other". Obwohl "Animaru" ein Statement für Meis Autonomie und Selbstvertrauen an diesem Punkt in ihrem Leben ist, sind es die verschiedenen Lieben, mit denen sie sich umgibt - ihre Familie, ihre Freunde, ihre Band, ihre Musik - die sie dazu befähigen, Dinge zu tun, die sie sich wünscht.
"Kein Hinterfragen, kein Überdenken. Ich möchte mein Leben so leben, dass ich die Dinge tue, die mir wichtig sind, und ich denke, dass jeder so leben sollte", sagt Mei Semones über ihr gestärktes Selbstvertrauen. Die 24-jährige Songwriterin und Gitarristin aus Brooklyn hat sich durch die kontinuierliche Verfeinerung ihrer unverwechselbaren Mischung aus Indierock, Bossa Nova, Jazz und Kammerpop, die ihre technischen Fähigkeiten auf der Gitarre unterstreicht, schnell als innovative musikalische Kraft etabliert. Seit der Veröffentlichung ihrer hochgelobten "Kabutomushi"-EP im Jahr 2024, einer Reihe von üppig instrumentierten Reflexionen über die Liebe in ihren vielen Phasen, ist Mei ausgiebig durch die USA getourt, hat sich dort eine treue Fangemeinde aufgebaut und ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum "Animaru" geschrieben und aufgenommen. Animaru bedeutet ,Tier' auf Japanisch und ist die Verkörperung von Meis tieferem Vertrauen in ihre Instinkte - eine Sammlung von musikalisch beeindruckenden Tracks, die Mei abenteuerlicher, verletzlicher und selbstbewusster klingen lassen als je zuvor. Meis neues Selbstbewusstsein ist zum Teil auf die Erfahrungen des vergangenen Jahres zurückzuführen, denn 2024 war ein Jahr der Veränderung für die Band Mei Semones. Sie traten unter anderem mit Liana Flores, Elephant Gym und Kara Jackson auf, und Mei ging dazu über, Vollzeit Musik zu machen. Inmitten der häufigen Tourneen nahmen Mei und ihre fünfköpfige Band das Album im Sommer 2024 in der Ashlawn Recording Company auf, einem Farmstudio in Connecticut, das von ihrem Freund Charles Dahlke betrieben wird. Zu diesen Sessions brachte sie eine Reihe von Stücken mit, die, nicht anders als Kabutomushi, raffinierte Erklärungen einer nicht-romantischen Liebe sind: Liebe zum Leben ("Dumb Feeling"), Liebe zur Familie ("Zarigani"), Liebe zur Musik und zu ihrer Gitarre ("Tora Moyo"). Animaru veranschaulicht Meis bezaubernde Bandbreite als Songwriterin und Musikerin und enthält einige der anspruchsvollsten und einfachsten Lieder, die Mei je geschrieben hat. Die schlichteren Momente auf Animaru sind ebenso fesselnd wie wenn Mei auf der Gitarre schreddert oder ihre Bandkollegen ein kompliziertes Arrangement ausführen. "Donguri", eine reduzierte Jazz-Duo-Performance zwischen Akustikgitarre und Kontrabass, ist der einfachste Song, den Mei je geschrieben hat. Er wird von Mei zum Leben erweckt, indem sie auf süße Weise (meist auf Japanisch) beschreibt, wie sie sich das Leben als Waldbewohner vorstellt. Das vorletzte Stück des Albums, das helle, spritzige "Zarigani", ist eine nostalgische Liebeserklärung an ihre Zwillingsschwester, in der Mei singt: "We'll always have each other / I love you like my guitar / I love you like no other". Obwohl "Animaru" ein Statement für Meis Autonomie und Selbstvertrauen an diesem Punkt in ihrem Leben ist, sind es die verschiedenen Lieben, mit denen sie sich umgibt - ihre Familie, ihre Freunde, ihre Band, ihre Musik - die sie dazu befähigen, Dinge zu tun, die sie sich wünscht.
Mit 'Ten Crowns' schlägt Andy Bell (Erasure) ein neues Kapitel auf - kraftvoll, verspielt und zutiefst persönlich. Das Soloalbum umfasst zehn brandneue Songs, in denen Bell seine Liebe zu tanzbarem, emotionalem Pop voll auslebt. Gospel-Vibes treffen auf Dancefloor-Glitzer, mitreißende Hooks auf feinfühlige Melodien - eine berauschende Mischung, die sich gleichzeitig frisch und vertraut anfühlt.
Produziert vom Grammy-prämierten DJ, Remixer und Produzenten Dave Audé (u. a. Beyoncé, Lady Gaga), entfaltet 'Ten Crowns' eine strahlende Klangwelt, die Andy Bells Stimme in all ihrer emotionalen Bandbreite glänzen lässt. Audé war dabei nicht nur für den Sound verantwortlich, sondern auch als Co-Autor tief in den kreativen Prozess eingebunden.
Ein besonderes Highlight: Die Kollaboration mit Andy Bells langjährigem Idol Debbie Harry - ein generationsübergreifendes Pop-Treffen mit Gänsehautmomenten.
Andy Bell ist seit Jahrzehnten eine der markantesten Stimmen des internationalen Pop. Mit Erasure, einem der erfolgreichsten und einflussreichsten Synthpop-Duos aller Zeiten, hat er Musikgeschichte geschrieben. Über 25 Alben, unzählige Hits wie 'A Little Respect', 'Always' oder 'Love To Hate You' - und ein 40-jähriges Bandjubiläum, das 2026 gefeiert wird. Mit 'Ten Crowns' beweist Bell nun erneut, dass große Popmusik keine Frage des Alters, sondern der Haltung ist.
Seit ihrer Gründung im Jahr 1991 gehören Nightfall neben Rotting Christ und Septicflesh zu den Pionieren des griechischen Metal. Die legendäre Death-Metal-Band aus Athen klingt so rachsüchtig wie eh und je. Doch unterstützt von einer monumentalen Produktion und einer kraftvollen Botschaft ist ihr elftes Studioalbum ihr bisher düsterstes und epischstes Werk.
Wie ihre Zeitgenossen verweben Nightfall Gothic-Melodien mit geschwärztem Death Metal. Children of Eve enthält die infektiöseste Sammlung von Hooks, die die Band je geschaffen hat, dank des Mixings und Masterings von Jacob Hansen. Der maskierte Frontmann Efthimis Karadimas, bewaffnet mit Mantel und Dolch, befehligt die Leadsingle "I Hate" hinter Blastbeats, die wie ein Schwarm Pfeile fliegen.
Aber Children of Eve wäre nicht Nightfall, wenn sie nicht auch eine tiefere Botschaft hätten. Während "The Cannibal" vor göttlichem Tremolo-Picking nur so strotzt, geht es im Text darum, wie religiöse Strukturen und Fanatismus einen verschlingen können. "I hold the power / to explain your screams", heult Efthimis mit abschreckender Intensität.
Seit ihrer Gründung im Jahr 1991 gehören Nightfall neben Rotting Christ und Septicflesh zu den Pionieren des griechischen Metal. Die legendäre Death-Metal-Band aus Athen klingt so rachsüchtig wie eh und je. Doch unterstützt von einer monumentalen Produktion und einer kraftvollen Botschaft ist ihr elftes Studioalbum ihr bisher düsterstes und epischstes Werk.
Wie ihre Zeitgenossen verweben Nightfall Gothic-Melodien mit geschwärztem Death Metal. Children of Eve enthält die infektiöseste Sammlung von Hooks, die die Band je geschaffen hat, dank des Mixings und Masterings von Jacob Hansen. Der maskierte Frontmann Efthimis Karadimas, bewaffnet mit Mantel und Dolch, befehligt die Leadsingle "I Hate" hinter Blastbeats, die wie ein Schwarm Pfeile fliegen.
Aber Children of Eve wäre nicht Nightfall, wenn sie nicht auch eine tiefere Botschaft hätten. Während "The Cannibal" vor göttlichem Tremolo-Picking nur so strotzt, geht es im Text darum, wie religiöse Strukturen und Fanatismus einen verschlingen können. "I hold the power / to explain your screams", heult Efthimis mit abschreckender Intensität.
Oi Va Voi verbinden Dance-Grooves, Singer/Songwriter-Sensibilitäten und kosmopolitische Rhythmen aus Osteuropa und Nahost. Trotz (oder gerade wegen) der zerrissenen Zeiten strahlt ihr neues Album "The Water's Edge" Optimismus aus und weckt Erinnerungen an ihr bahnbrechendes Debüt "Laughter Through Tears" (BBC World Music Award, NYT Top 10 Alben 2003). Oi Va Voi sind bekannt für prominente Kollaborationen wie mit KT Tunstall, Bridgette Amofah (Rudimental) oder der Violinistin Anna Phoebe. "The Water's Edge" wurde zum Teil von Mike Spencer (Rudimental, Tom Walker, Ellie Goulding) produziert und erscheint auf dem eigenen Label Parallel Skies. Es ignoriert Kategorisierungen zugunsten dauerhafter musikalischer und sozialer Werte und ist ein Ausdruck der Notwendigkeit, Spaltungen hinter sich zu lassen und eine gemeinsame Menschlichkeit zu finden.
Oi Va Voi fuse dance grooves, singer-songwriter sensitivity and a rock’n’roll sensibility with the group’s Jewish cultural heritage and a cosmopolitan rhythmic inspiration drawn from Eastern Europe, the Middle East and beyond. Despite the fractured times we are living in, a theme of optimism through pain is there throughout Oi Va Voi’s new album ‘The Waters Edge’.
We’re reminded of the title of the breakthrough first album, Laughter Through Tears. The Bacon & Quarmby-produced debut won a BBC World Music Award, was listed as a New York Times Top Ten Album Of The Year, and launched the career of a young KT Tunstall. The tradition of world-class musicianship continued with Bridgette Amofah (Rudimental) as the featured vocalist on Travelling the Face of The Globe, and noted violinist Anna Phoebe, who recorded and performed with the band for over a decade.
Every member evolves the Oi Va Voi sound; but through each change, the core themes and vision have remained constant. 2018’s album, Memory Drop, introduced the unique voice of Zohara Niddam, and it’s Zohara who returns here on The Water’s Edge, featuring on ‘Shine A Light’, ‘Lay Your Head’ and ‘Wave’. Also featuring across the new album is composer, violinist and singer Sarah Anderson, who co-wrote seven tracks on the album, with her emotionally poignant lyrics, evocative layered vocals and uplifting violin parts. Guitarist John Matts and Trumpeter David Orchant also return, with Orchant bringing deep colour and expression to the stirring waltz ‘Oceans’.
The album opener ‘Sad Dance’ was written after the devastating earthquake that struck Turkey and Syria in early 2023 impacting many of the band’s friends, fans and colleagues. Finding themselves in the studio the day after the tragedy, the band searched for ways to respond. Sarah’’s mournful, pulsating violins create an ever evolving soundscape on top of which her own vocal, and Steve’s earthy clarinet express sorrow and hope. Says Sarah - “It’s about human connection - a metaphorical hand held through trauma, and the preservation of ‘old worlds’ through relics, reminding us of where we came from”.
‘Shine a Light’ was also a chance to welcome back producer Mike Spencer (Rudimental, Tom Walker, Ellie Goulding), who produced their second album. Here his Pop experience can be felt in the hooky dance loop, which you can hear becoming one of Oi Va Voi’s trademark live encores. Along with the melodic pop sheen of ‘Lay Your Head’, this song shows the band in an uplifting mood, pointing at the years of high-energy tours which have become their signature. These tracks, and the poignant ‘Josephine’, offer a release - a more escapist mood and a sign of the hope underneath everything.
Oi Va Voi have never been easy to categorise, and they’ve made a point of ignoring genre in favour of more enduring musical and social values. The Water’s Edge is the first album to be released on the band’s own Parallel Skies label, which will sign artists from a diversity of cultures, nations and musics in the coming years. The album title refers to an old custom from the Jewish New Year of going down to the waterside - casting off the baggage of the past, and letting it wash away on the tide. As the first release on this label it’s an expression of the need to put divisions behind us, and find a shared humanity.
Sextile, das in Los Angeles beheimatete Duo, das für seinen unbeugsamen, elektronischen Punk-Sound gefeiert wird, hat Details zu ihrem kommenden, starken Album „Yes, please.“ bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Sacred Bones erscheint, sowie Pläne für eine umfangreiche Europatournee in diesem Sommer geteilt. Sextile, die sich derzeit mit ihren Labelkollegen Molchat Doma auf einer großen US-Tournee befinden, kündigen ihr neues Album mit der Single „Freak Eyes“ an, die ihren dunklen, pulsierenden Sound in neue Höhen treibt. Der Song beginnt mit einem fiesen Bass-Growl, das abrupt in einen Techno-Beat übergeht, der mit klirrender Kuhglocke und scharfer Hi-Hat gespickt ist. „I feel the pressure / Man the pressure I feel when we're together“, singt Sänger Brady Keehn kühl, aber bestimmt, in den ersten Zeilen. Inspiriert von der Art und Weise, wie Druck sowohl Herausforderungen als auch Verbesserungen hervorrufen kann, beschwört „Freak Eyes“ elektrisierende Bilder von schäbigen Hinterzimmern auf dem Sunset Strip und von in Leder gekleideten Tanzflächen in Lagerhäusern herauf.
Manche Bands finden ihren Groove und bleiben dabei, andere erfinden sich ständig neu. Sextile gehört zu den letzteren, die den Nervenkitzel einer sich ständig verändernden Landkarte genießen. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles macht Musik mit Lebenslust und lässt sich dabei von No Wave bis Hardstyle inspirieren. Ihr neuestes Album „yes, please.“ stößt in kühnes Neuland vor, indem es anarchisches Elektro-Feuer mit rohen persönlichen Erinnerungen verbindet - und mit genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Boxen zum Platzen zu bringen. „yes, please.“ ist ein Album der Kontraste: eine verletzliche Platte, die ihre Seele ebenso entblößt wie sie im Exzess schwelgt und zeigt, wie weit man seinen Sound treiben kann, wenn man seine Hemmungen abschüttelt. Zusammen verraten die beiden ein Selbstvertrauen, das niemals schwankt, und machen einen kühnen Spritzer auf dem schnellen Intro mit einer Rave-Sirene, die aus einer New Yorker Hausparty der `00er oder einem verschwitzten Brooklyn-Lagerhaus stammt. Auch der Geist des Electroclash pirscht sich an das Gebäude heran, zeigt seine Identität bei den mit Kuhglocken gespickten Donnerschlägen von „Freak Eyes“ und „Rearrange“ und sorgt mit „Women Respond to Bass“ für eine schmutzige Dancefloor-Bombe. „Push Ups“ - mit dem Gesang von Jehnny Beth - ist pure Muskelmusik, gestärkt durch einen wummernden Bass und ergänzt durch Synthies, die so hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach. Aber hinter den Slogans, der Frechheit und der monstermäßigen Tanzenergie verbirgt sich eine Intimität, die man nur finden kann, wenn man sich über schmerzhafte, lebensverändernde Ereignisse öffnet. „Hospital“ und ‚Soggy Newports‘ reflektieren Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. „Resist“ befasst sich mit Abtreibungsrechten, während ‚Penny Rose‘ das amerikanische Bildungswesen, künstliche Intelligenz und zukünftige Generationen thematisiert. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall, von den messerscharfen Synthesizern von „S is For“ bis zu den Trance-Pop-Höhen von „Kids“ mit Izzy Glaudini von Automatic. „yes, please.“ ist eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, aber im gleichen Atemzug auch ein Zeugnis dafür, zu leben und niemals zurückzuschauen. Indem sie sich für eine neue, „befreiende“ Art des Musikmachens öffnen, haben Sextile ihr bisher kreativstes Werk geschaffen. Bisher, denn man spürt einfach, dass sie noch so viel mehr zu geben haben.
Heavy, mind-warping techno built for the late-night sessions. Kosh delivers deep, rolling basslines and spaced-out textures with pure underground energy. A must-have for selectors who like it deep and driving.
Radio Slave (Rekids) : Feeling "Whiplash"...
Laurent Garnier : cool EP
Ben Sims : Now downloading. Will check asap!
Marcel Dettmann : thx
Enzo Siragusa (FUSE) : Really nice EP!
Raresh (ar:pi:ar) : thanks
Archie Hamilton (Microhertz / FUSE) : Lovely stuff
Dorian Paic (Raum Musik) : No Exit is the one for me. Thx for the promo.
Truncate : Nice cuts
KT (Space Dust / Sisu) : Belter EP
Jerome Sydenham (Ibadan) : Downloaded for Jerome Sydenham
Domenic Cappello (Subclub) : nice release
Chloé Caillet (Smile Records) : love this!
Italojohnson (Italojohnson) : No exit for me
Darko Esser / Tripeo (Balans / Clone) : Kosh always delivers. Straight in the bag!
Mystic Bill (Classic / Trax / Relief) : Great release here, thanks!
Fred Everything (Lazy Days Music / 20:20 Vision) : Enjoying the dubby Whiplash, thanks!
Ame (Innervisions) : thanks
Ryan Elliott (Faith Beat) : Whiplash!!
Bill Brewster (NTS) : Lost in change is v good.
Harri (Sub Club) : nice, will play and support
Tal Fussman (Survival Tactics / Innervisions / Cod3QR / Drumpoet / Rekids) : nice one!!
Greg Gow (Restructured / Transmat / KMS) : great vibes will play out
Bake (All Caps/Rinse FM) : sick. thank you!
Enrica Falqui (ERIS, Plexus 4) : Love it!
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Bacao Rhythm & Steel Band, das mysteriöse Steel-Pan-Outfit aus Hamburg, machte 2024 von sich reden, als der französische Film „Anatomy of a Fall“ einen Oscar für das beste Originaldrehbuch gewann. Bacaos Cover von 50 Cents „PIMP“ war prominent in dem Film vertreten und spielte eine so große Rolle in der Handlung, dass es zum Synonym für den Erfolg des Films wurde. Später sorgten sie dafür, dass bei der Oscar-Verleihung zum ersten Mal Steel Pans im Orchestergraben auftauchten, um die Melodie zu spielen, als die Regisseurin Justine Triet die Bühne betrat, um den Preis entgegenzunehmen. All dies brachte Bacao eine Menge neuer Fans und ließ die Streaming-Zahlen von „PIMP“ auf weit über 40 Millionen steigen. Der Song erschien erstmals 2008 auf dem eigenen Mocambo-Imprint von Bandleader Bjorn Wagner und wird oft mit dem Original-Sample verwechselt, aus dem 50 Cent seinen Hit gemacht hat. Abgesehen von den Auszeichnungen und internationalem Ruhm ist „PIMP“ buchstäblich nur die Spitze des Eisbergs von Bacao. Mit vier Alben und einem großen Stapel 7"-Singles, die zu Grundnahrungsmitteln für DJs auf der ganzen Welt geworden sind, sind sie, seit sie bei Big Crown unter Vertrag stehen, sehr produktiv gewesen. Trotz der ständigen Veröffentlichungen und des umfangreichen Katalogs hat jede Aufnahmesession mehr Früchte getragen, als auf ein Album passen, so dass mehr als nur eine Handvoll Songs im Tresor lagert. „Big Crown Vaults Vol. 4“ gibt den meisten dieser Stücke eine angemessene Pressung und Veröffentlichung. Das Album beginnt mit ihrer Coverversion des Bob James Klassikers „Nautilus“, ein „Must Have“ für alle Hip-Hop- und Breakbeat-Fans. Sie bleiben auf dem Gaspedal und geben dem Khruangbin-Klassiker „Maria También“ die BRSB-Behandlung mit ihren charakteristischen basslastigen Drums, die die Energie des Stücks in eine völlig neue Dimension bringen. Berühmt dafür, bei der Neuinterpretation von Material tief in den Kisten zu wühlen, nehmen sie sich als nächstes den von J Dilla produzierten Royce Da 5'9"' Track ‚Let's Grow‘ vor. Dann gibt es „PIMP (Version)“, ursprünglich die B-Seite der Erstpressung von „PIMP“, auf der sie ihrer Originalaufnahme eine ordentliche Dub-Behandlung mit Melodica und Bandecho verpassen. Sie erhöhen das Tempo und den Funk mit „Great To Be Here“ von den Jackson 5 und tauchen mit dem Billy-Jones-Tanzflächenbrenner „Lookout Baby (Here I Come)“ wieder tief in die Dunkelheit ein. Während ein Teil des Reizes eines neuen Bacao Rhythm & Steel Band-Albums darin besteht, herauszufinden, welche Coversongs sie aufnehmen werden, ist es ebenso faszinierend zu sehen, welche originellen Melodien sie ausgearbeitet haben. „BCR Vaults Vol. 4“ enthält zwar nur ein einziges Original, „Kaiso Noir“, aber es ist ein Up-Tempo-Kracher, der wie eine Mischung aus einem B-Boy-Break und einem James-Bond-Score klingt. Diese Sammlung von Songs umfasst den Zeitraum von 2008 bis 2023 und lässt eine Vielzahl von Genres von Hip-Hop über Jazz bis hin zu Soul und Pop durch die Bacao-Linse laufen. Die Band arbeitet bereits an ihrem 5. Studioalbum, und diese Zusammenstellung dürfte die perfekte Überbrückung für die Fans sein, bis es erscheint.
Lael Neale's minimalist drone pop draws inspiration from the Transcendentalists, the alienation of modern life, and a rich array of musical influences-ranging from Dionne Warwick and John Lennon to primitive American gospel and Spacemen 3. Her expansive new record, Altogether Stranger, due May 2, was written and recorded in the early morning quiet of Los Angeles. Clocking in at just 32 minutes, the 9-song LP covers an unexpected breadth of musical and lyrical terrain-from garage rock nursery rhymes and creation myths to Motorik dance dirges and solitary Omnichord meditations. A brilliant lyricist, Neale has a unique ability to uncover the extraordinary within the mundane, tackling themes of polarity that recur throughout her work-country vs. city, humanity vs. technology, isolation vs. society. This album is her third collaboration with producer Guy Blakeslee who helps expand the tonal palette while staying true to Neale's commitment to the raw immediacy and hand-made intimacy of home recording. Altogether Stranger - a stunning album filled with dreamlike reverie, Neale's crystalline voice, and echoes of the Velvet Underground - was conceived after four years of oscillating between rural solitude and urban chaos. It finds Neale perched at the piano in a hilltop bungalow, looking down on a rare curve of Sunset Blvd. Here, in this daily ritual of writing, singing, and painting-what David Lynch referred to as "the Art Life"-she creates the space for her most adventurous work to date. Born and raised in Virginia's idyllic countryside, Neale brought the high-lonesome sound of her home state with her when she moved to California to pursue music. After years of writing songs on guitar and playing small venues in Los Angeles, she discovered the Omnichord in 2019, which sparked a new creative direction. This led to her 2021 Sub Pop debut album, Acquainted With Night. That album's 2023 follow-up, Star Eaters Delight, deepened the collaboration with Blakeslee, infusing minimalist soundscapes with a heightened electric energy. The album found a devoted audience, and Neale's subsequent tour included sold-out shows in Los Angeles, New York City, London, and Paris, multiple trips across Europe, and a West Coast run supporting kindred spirit Weyes Blood. This marked yet another return to Los Angeles. Indeed, Los Angeles is not just the backdrop of Altogether Stranger but a lead character. The album's accompanying film - created with Neale's faithful Sony Handycam - builds on her ongoing series of videos, telling the story of Neale as an alien in a suit of mirrors stranded on Earth. Wandering through modern-day LA, she finds both absurdity and beauty in our fragile, untenable way of life. Over the long year it took to write Altogether Stranger, Neale vacillated between childlike optimism and existential melancholy. While she may not have been able to reconcile these opposing states, Altogether Stranger represents an ambitious breakthrough for this singular, self-sufficient artist.
Das Album "The Scholars" spielt auf dem fiktiven Campus der Parnassus Universität. Die Songs des Albums erzählen von Studierenden und Dozierenden sowie deren Erlebnissen als lose Erzählung über Leben, Tod und Wiedergeburt. Die erste Single "Gethsemane" gibt einen Vorgeschmack auf die spirituelle Reise, die das komplette Album prägt. Im Mai 2020 veröffentlichten Car Seat Headrest (Sänger Will Toledo, Gitarrist Ethan Ives, Schlagzeuger Andrew Katz und Bassist Seth Dalby) ihr experimentelles, beatlastiges Album "Making a Door Less Open" - just in dem Moment, als die Welt zum Stillstand kam. Die darauffolgende Phase der erzwungenen Pause zog sich über Jahre. Als sie 2022 endlich wieder auf Tour gehen konnten, waren sie überrascht und erfreut, dass ihr Publikum jünger war als je zuvor. Dank des unerwarteten viralen Erfolgs von "It"s Only Sex" und "Sober to Death" hatte eine neue Generation ihre Coming-of-Age-Klassiker "Teens of Denial" und "Twin Fantasy" für sich entdeckt. "The Scholars" wurde von Toledo produziert und größtenteils analog aufgenommen. Für die Lyrics und die erzählerische Struktur ließ sich Toledo durch Klassiker inspirieren - von Shakespeare über Mozart bis hin zu Opernmusik. Musikalisch orientiert sich "The Scholars" behutsam an großen Rock-Opern und Konzeptalben wie "Tommy" von The Who oder "Ziggy Stardust" von David Bowie. Die erste Albumhälfte dreht sich um Studierende und ihre spirituellen und persönlichen Krisen, während die zweite Hälfte von einer epischen Auseinandersetzung zwischen Tradition und Aufbruch handelt. "Ein Problem vieler Rock-Opern ist, dass die einzelnen Songs der Story untergeordnet werden und dadurch weniger für sich stehen", sagt Toledo. "Ich wollte einen Mittelweg finden, bei dem jeder Song als eigenständiger Charakter funktioniert - als würde er auf die Bühne treten und seinen großen Moment haben." Auf Sound lag diesmal ein besonderer Fokus. Ethan Ives übernahm eine aktivere Rolle in der Soundgestaltung, was zu einer dichten, vielschichtigen Produktion führte. Neben Stücken wie dem 19-minütigen "Planet Desperation" enthält das Album auch eingängige Songs wie "The Catastrophe (Good Luck With That Man)", das an den Folk-Pop der 60er Jahre erinnert. Car Seat Headrest sehen in "The Scholars" eine neue Ära ihrer Bandgeschichte, die weit über die Anfänge des ehemaligen Soloprojekts hinausgewachsen ist. Das Album erscheint als CD und auf Vinyl als Doppel-LP mit 28-seitigem Booklet.
