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Die Welt von Morgen gehört der Belgischen Grunge Rock-Sensation BLACK MIRRORS!
Mit ihrer beeindruckenden Debüt EP, Funky Queen, eroberte die Brüsseler Rock-Sensation BLACK MIRRORS 2017 im Sturm die Szene. Frenetisch gefeierte Live Auftritte sowie ein Festival-Showcase später,
unterschrieb die Band rund um Sängerin Marcella Di Troia einen weltweiten Vertrag mit dem führenden
Rock- und Metal Imperium Napalm Records. Ihr darauffolgender, erster Longplayer Look Into The Black
Mirror wurde von Fans als auch Kritikern gleichermaßen hoch gelobt und BLACK MIRRORS zählten längst
nicht mehr zu einem der bestgehütesten Rockgeheimnisse Belgiens. Der unaufhaltsame Vierer übertrifft
weiterhin alle Erwartungen und steht mit dem neuen Meisterwerk Tomorrow Will Be Without Us in den
Startlöchern, welches sich ohne Frage als eines DER Rock Highlights im Jahr 2022 beweisen wird!
Im Gegensatz zum Album Titel und seinen alarmierenden Themen über die heutige Gesellschaft in einer
Welt, die dem Untergang geweiht ist, gehört die Zukunft BLACK MIRRORS – denn es besteht kein Zweifel,
dass diese Band uns noch die nächsten Jahrzehnte mit grandiosem Heavy Rock, groovigem Power Grunge
und melodischer Bravour beehren werden, einem Sound, den die Welt von morgen unbedingt braucht!
Eines ist jedenfalls sicher, die Rockwelt von morgen wäre ohne BLACK MIRRORS ein einsamer Ort, und
mit Tomorrow Will Be Without Us hat sich die Band einen festen Platz in ihr verdient.

Die amerikanische Sängerin, Bassistin, Songschreiberin und Schauspielerin Suzi Quatro veröffentlicht die
”Suzi Quatro: Uncovered EP”. In den 1970er Jahren hatte sie eine Reihe von Hitsingles, die in Europa
und Australien noch erfolgreicher waren als in ihrem Heimatland. Mit ihren Singles ”Can the Can” (1973)
und ”Devil Gate Drive” (1974) erreichte sie im Vereinigten Königreich, in anderen europäischen Ländern
und in Australien Platz 1. Quatro veröffentlichte 1973 ihr selbstbetiteltes Debütalbum. Seitdem hat
sie fünfzehn Studioalben, zehn Kompilationsalben und ein Live-Album veröffentlicht. Zu ihren weiteren
Solo-Hits gehören ”48 Crash”, ”Daytona Demon”, ”The Wild One” und ”Your Mama Won’t Like Me”.

Neue Musik für die Fortsetzung eines absoluten Hollywood-Klassikers. Top Gun: Maverick, der zweite Teil
der Filmreihe aus dem Jahr 1986 ist in den deutschen Kinos. Wieder dabei, Tom Cruise in der Hauptrolle.
Für die passende musikalische Begleitung sorgt Hans Zimmer, legendärer Filmmusikproduzent, zusammen
mit hochkarätigen Pop-Stars wie Lady Gaga oder OneRepublic. So können sich Fans aus musikalischer
Sicht unter anderem auf die neue Singlse „Hold My Hand“ von Lady Gaga und den Track „I Ain’t Worried“
von OneRepublic freuen.
Der Original Soundtrack aus dem Jahr 1986 zählt bis heute zu einem der meistverkauften Soundtracks
weltweit.
Unterstützt wird der Soundtrack zusätzlich von dem deutschen Komponisten Harold Faltermeyer. Ebenfalls
inklusive: eine Neuauflage der Songs „Danger Zone“ und „Great Balls Of Fire“ welche bereits seit mehreren
Jahrzehnten mit Top Gun assoziiert werden und Klassiker der Musikszene sind.
Erhältlich ist der Soundtrack zum Film als Coloured White Vinyl (1LP).

Sein Ruf eilt ihm voraus: unerschrocken, brillant, ein Grenzgänger. Als einer von wenigen Künstlern
wurde er in Klassik und Pop gleich mehrfach mit einem ECHO ausgezeichnet. Nun kehrt der Stargeiger
David Garrett mit einer neuen Aufnahme zurück – Iconic. Sie erscheint als Deluxe-Edition (1 CD) mit
drei Bonustracks und bietet ein 12-seitiges Booklet, das den Violinisten in Wort und Bild in seiner Kunst
präsentiert. David Garrett zollt hier den großen Geigern des Goldenen Zeitalters Tribut – Legenden des 20.
Jahrhunderts wie Heifetz, Kreisler und Menuhin. Seine persönliche Auswahl bringt Perlen der Klassik zu
Gehör. Es sind atmosphärische Miniaturen und glanzvolle Virtuosenstücke, von Bach oder Mendelssohn,
Schumann oder Dvořák, Gluck oder Kreisler und vielen mehr. Eigens für Violine, Gitarre und Orchester
arrangiert, erhalten diese Stücke eine neue, einzigartige und intime Note. David Garrett wird begleitet
von seinem Gitarristen Franck van der Heijden, der auch das Orchester The Prezent dirigiert. ”Ich habe
selbst schon viele virtuose Alben aufgenommen”, sagt David Garrett, ”aber diesmal wollte ich mich aufs
Wesentliche konzentrieren, auf das, was zu Herzen geht.” In Duo-Arrangements ist David Garrett mit
seinem ehemaligen Lehrer Itzhak Perlman, dem Startenor Andrea Bocelli, der Flötistin Cocomi und dem
Trompeter Till Brönner zu erleben.

Ursprünglich 2009 veröffentlicht, das erste Weihnachtsalbum des Superstar-Tenors Andrea Bocelli, ist nun
ebenfalls als limitierte weiße Doppel-LP erhältlich. Das Album ist eine herzerwärmende Sammlung von
Songs, die dazu bestimmt sind, in den kommenden Jahren zu einem Weihnachtsklassiker zu werden. Produziert von dem legendären Grammy-Preisträger David Foster, bietet das Album neben Duetten mit seinen
besonderen Gästen auch die unverwechselbare, erhabene Stimme des Sängers.

Was vor rund einem halben Jahrhundert mit Straßenmusik irgendwo in der spanischen Provinz begann, das
hat sich längst zum weltweiten Kult entwickelt.
Nachdem die Kellys mit den beiden Top 1-Alben „We Got Love“ (2017, 5-fach Gold) und „25 Years Later“
(2019) vor wenigen Jahren ihre triumphale Rückkehr ins Rampenlicht feiern konnten, schlagen Kathy, Patricia, Jimmy, Joey, John und Paul nun mit ihrem kommenden Longplayer „Christmas Party“ (04.11.) das
nächste Kapitel in der Geschichte der Kelly Family auf. Das erste Weihnachtsalbum seit 1994! Das Album
wird 16 Tracks enthalten: Neue Kelly Weihnachtssongs, traditionelle Weihnachtslieder und natürlich auch
ein paar Kelly Klassiker neu aufgenommen und modern arrangiert! Das perfekte Weihnachtsalbum für
die ganze Familie. Mit den beiden selbst geschriebenen Singles „Peace On Earth“ und „Those Were The
Days“ haben die Kellys in den letzten Monaten bereits zwei stimmungsvolle Vorboten ihres neuen Albums
veröffentlicht. Als drittes Outtake erscheint am 21.10. „Grateful“ gemeinsam mit Musiker-Legende Ronan
Keating, mit dem die Kelly Family ihrem Publikum positive Gedanken in einer besonderen Zeit schenken
möchte. ”‘Grateful‘ heißt ‘dankbar‘ - wir wollen damit das in den Fokus stellen, was wir haben. Nicht das,
was uns fehlt. Erst, wenn man anfängt über Dankbarkeit nachzudenken, wird einem richtig bewusst, was
man eigentlich hat im Leben.” (Patricia Kelly)

Dieser Titel kann nur ironisch verstanden werden. Mit seinem sechsten Album „Vergiss mein nicht“ unterstrich Andreas Gabalier erneut seine Bestimmung als Gipfelstürmer. Platz eins in Deutschland, Österreich
und der Schweiz waren die Folge. Inzwischen mit sieben Amadeus Awards dekoriert, hatte Andreas Gabalier
in nur neun Jahren eine Album-Karriere hingelegt, die nur als kometenhaft beschrieben werden kann, von
seinem unbestrittenen Status als Bühnen-Schwerarbeiter ganz zu schweigen. Sollte jemand nun – vier Jahre
sind schließlich ins Land gezogen – auf die Idee kommen, dies dennoch zu vergessen, erhält „Vergiss mein
nicht“ nun als krönender Abschluss einer gesamten Serie aller seiner Alben eine Neuauflage auf edlem 180
Gramm-Vinyl, mit der sein Label Electrola/Universal eine konkurrenzlose Zusammenarbeit würdigt.

Mit seinem Debütalbum „Da komm‘ ich her“ hielt er sich sagenhafte 33 Wochen in den deutschen Charts
und beinah absurde 295 Wochen in den österreichischen. Über 315.000x ging das kometenhafte Debüt von
Andreas Gabalier physisch über die Ladentheke. Volksmusik und Rock‘n’Roll hatten scheinbar plötzlich im
Alpenvorland eine Fusion gefunden, die noch niemanden erahnen ließ, was daraus erwachsen würde. Nun
erscheint „Da komm‘ ich her“ als Neuauflage auf Vinyl. Längst hat das Debütalbum einer Karriere diesen
Ausmaßes Klassiker-Status verdient. Jetzt dreht es sich endlich auch auf einem Plattenteller in einem
Tonträgerformat wie es einem Andreas Gabalier und seiner Vision gerecht wird.
Auf 180 Gramm-Vinyl erscheint „Da komm‘ ich her“ als Neuauflage via Electrola im Vertrieb von Universal Music und legt den Grundstein einer ganzen Serie an analogen Neuveröffentlichungen die die ‚Volks
Rock’n’Roll“- Idee vollständig manifestieren.

Andreas Gabaliers zweites Album „Herzwerk“ war eben dies, es entsprang direkt aus seinem Herzen. Und
es wurde ihm gebührend gedankt. 10x Platin und beinahe eine Million abgesetzte Einheiten machten
dem Steyrer Arbeitstier klar, dass er die sprichwörtliche Nadel im Heuhaufen war. Gabalier hatte seine
Stimme gefunden und „Herzwerk“ beinhaltete einige Hits, die natürlich bis heute fester Bestandteil seiner
fulminanten Liveshows sind. Natürlich verdienen die Bergbauernbuam eine Reissue auf Vinyl, die nun auf
180 Gramm-Vinyl nun via Electrola/Universal erscheinen.

2011 manifestierte Andreas Gabalier sich selbst als Marke. Der Steyrer hatte endgültig sein Selbstverständnis und seinen einzigartigen Stil gefunden und entsprechend getauft. Er war und ist der „VolksRock’n’Roller“! Sein drittes Album stieg in seiner Heimat Österreich – wie schon der Vorgänger – direkt
auf der Poleposition ein und wurde allein dort 8x mit Platin ausgezeichnet. Dieser Klassiker in seiner
Diskografie erscheint nun auf 180 Gramm-Vinyl. Die artgerechte Haltung von Rock‘n’Roll ist traditionell
die LP, da gehört der „Volks Rock’n’Roller“ erst recht auf Vinyl genossen. Electrola/Universal kommt dem
nun nach und legt dieses Album old-school neu auf, als festen Bestandteil der kompletten Neuauflage von
Andreas Gabaliers Album-Diskografie.

2013 legte Andreas Gabalier in rasanter Taktung sein viertes, bis dato erfolgreichstes Album „Home Sweet
Home“ vor, welches von einem Amadeus Award in der Kategorie „Volkstümliche Musik“ begleitet wurde.
Beinahe schon traditionell enterte es aus dem Stand in Österreich Platz eins der Charts und stand dem
in Deutschland und der Schweiz nur wenig nach. Weit über hundert Wochen hielt es sich in den Charts,
die dazugehörige Tour führte ihn durch die größten Hallen und fand einen sensationellen, hochemotionalen
Abschluss in Wien. „Home Sweet Home“ wird nun von seinem Label Electrola/Universal neu aufgelegt, in
einem Format, das die Heimat aller Musikformate darstellt: Vinyl. Hier als Doppel-Vinyl in 180g Qualität!
Als essentieller Bestandteil einer Serie seiner kompletten Album-Diskografie darf „Home Sweet Home“
natürlich nicht fehlen.

Mit seinen Erfolgsalben „Symphonie meines Lebens 1 & 2“ wurden Howard´s größte Hits gemeinsam
mit dem „Royal Philharmonic Orchestra“ neu inszeniert. Symphonischer Sound trifft auf kommerzielle
Arrangements. Aufgenommen wurden die Alben in den alt-ehrwürdigen Abbey Road Studios in London.
Die beiden Alben runden eine einzigartige Kariere ab und machen Howard Carpendale zu einer lebenden
Legende.
Waren die 2 Alben bisher auf Vinyl exklusiv nur in seiner im Dezember 2020 erschienen Lebenswerkbox
enthalten, sind diese nun erstmals separat erhältlich. In hochwertiger 180g Vinyl-Qualität und limitiert auf
1.000 Exemplare.

Suomi, so der finnische Name der Nation hoch im Norden Europas, ist nicht nur das sogenannte ”Land der
Tausend Seen”, sondern seit Jahrzehnten auch ein steter Quell hochinteressanter Rockmusik. Einer der
erfolgreichsten Acts aus Finnland ist die Mitte der 1990er ins Leben gerufene Symphonic Rock-Formation
Nightwish, die allein in den deutschen Charts mehrere Alben auf Rang 1 platzieren konnte. Sängerin Tarja
Turunen, ausgebildete Sopranistin und zugleich Gründungsmitglied der Gruppe, stieg rund zehn Jahre später
aus und veröffentlichte ab 2006 Musik unter dem eigenen Vornamen. Zunächst in ihrer Heimatsprache
das eher traditionelle Album ”Henkäys Ikuisuudesta” und 2007 ihr Rock-Opus ”My Winter Storm”, das
hierzulande Chartsplatz 3 eroberte, Gold-Status erreichte und als ihr eigentliches Solo-Debüt gilt. Aus
Anlass des 15jährigen Jubiläums wird dieser monumentale Erstling am 04.11.2022 erstmals und exklusiv
als limitierte Doppel-LP auf blauem Vinyl wiederveröffentlicht.
Die jetzt neu aufgelegte Edition auf blauem Vinyl wartet auch mit einigen zusätzlichen Tracks auf, die
auf der allerersten CD-Ausgabe nicht enthalten waren. Zum einem ”The Seer” sowohl im Tarja-eigenen
Original als auch im Duett mit der deutschen Rock-Shouterin Doro Pesch, dazu die fiebrige Metal-Nummer
”Enough” mit dem brasilianischen Gitarristen Kiko Loureiro (Megadeth) und die atmosphärische Ballade
”Wisdom Of Wind”, aufgenommen in China, mit fantastischen Sopran-Kaskaden. Der Wintersturm kann
kommen ...

Am 4. November veröffentlicht Carla Bruni ihr millionenfach verkauftes Album „Quelqu’un m’a dit” zum
20. Jubiläum erneut.
Das Album schrieb Carla selbst und komponierte den Großteil der Titel allein. Mit ihrer verschleierten
und magnetischen Stimme und ebenso mit ihren Worten und ihrer Musik knüpft Carla eine Verbindung
zu ihren Fans. Dieses Album ist ein Muss für alle, die ein seltenes Album entdecken möchten und dessen
Einfluss auch nach 20 Jahren noch spürbar ist. Zusätzlich enthält dieses Sammelstück ein 20-seitiges
Deluxe-Booklet mit wunderschönen und bisher unveröffentlichten Fotos.
Das Album ist als 1LP erhältlich.

John Mellencamp veröffentlicht sein achtes Studioalbum „Scarecrow“ am 4. November erneut.
Das Album wurde neu gemixed und gemastert und enthält die drei Hits “R.O.C.K. in the U.S.A.”, “Small
Town” und “Lonely Ol’ Night”. Zusätzlich können Fans zwei zuvor unveröffentlichte Bonustracks „Carolina
Shag” und „Smart Guys” und weitere Alternativ-Versionen hören.
Das Album ist als 2CD, 1LP und Deluxe LP Box, auf 180g gepresst, erhältlich. Das Box Set enthält zudem
Lithos, Poster, ein Booklet mit seltenen Fotos und neuen Linernotes von Anthony DeCurtis.

Erstmalige Vinyl-Wiederveröffentlichung des 2009 erschienenen Albums ”Imidiwan: Companions” der gefeierten
saharauischen Tuareg-Gruppe Tinariwen. Das auf schwerem 180-Gramm-Vinyl gepresste Album vermischt
auf hypnotische Weise malischen Wüstenblues mit zuckenden, gitarrengeführten Tichumaren-Agitationen
und schafft so einen ganz eigenen Sound.

Erstmalige Vinyl-Wiederveröffentlichung des von der Kritik gefeierten dritten Albums der saharauischen
Tuareg-Gruppe Tinariwen, ”Aman Iman: Water is Life”. Das 2007 international veröffentlichte und hier
auf 180 Gramm schwerem Vinyl wiederveröffentlichte Album wurde von dem langjährigen Partner Justin
Adams produziert und enthält die Stimme und Gitarre des Gründungsmitglieds Mohammed Ag Itlale. Das
mit dem GRAMMY Award ausgezeichnete Kollektiv spielt einen gitarrenbetonten Zweig der malischen
Musik, der als Tishoumaren bekannt ist, einen perkussiven, rockorientierten Wüstenblues.
Das Album erscheint als 2LP.

Endlich ist am 4. November das Album „Can’t Buy A Thrill” von Steely Dan wieder auf Vinyl erhältlich.
Das Album enthält die bahnbrechenden Hits „Do It Again”, „Reelin’ in the Years” und das kürzlich viral
gegangene „Dirty Work”. Dieses Album ist der Start der Vinyl-Reissue-Reihe von Steely Dan, welchem
jährliche Veröffentlichungen folgen werden.
Das Album erscheint als 1LP, auf 180g gepresst.

Multiple-GRAMMY® Award-winning singer/songwriter Rob Thomas has released his debut holiday album, something about christmas time – available now via Atlantic Records. The 10-track collection, produced by Gregg Wattenberg, features a mix of new originals, classic covers and show-stopping duets with Ingrid Michaelson, BeBe Winans, Brad Paisley & Abby Anderson. The album is led by new single “small town christmas,” arriving alongside a touchingmemory-filled music video companion directed by David “Doc” Abbott.
Thomas also gives his long-beloved “A New York Christmas” a 2021 update for the project, nearly 20 years after the single’s original release. The reimagined version will be featured in the all new Hallmark Channel movie “A Royal Queens Christmas” – airing as part of their Countdown to Christmas programming with all new holiday movies airing every Friday, Saturday & Sunday at 8/7c. something about christmas time marks Thomas’ fifth solo album release, his latest following 2019’s Chip Tooth Smile. He most recently reunited with Santana for collaborative single “Move” (the first since their explosive #1 smash “Smooth”) & will hit the road once again in May 2022 with Matchbox Twenty.
ABOUT ROB THOMAS:
Rob Thomas is one of the most distinctive artists of this or any other era – a gifted vocalist, spellbinding performer, and acclaimed songwriter known worldwide as lead singer and primary composer with Matchbox Twenty as well as for his multi-platinum certified solo work and chart-topping collaborations with other artists. Among his countless hits are solo classics like “Lonely No More,” “Little Wonders,” “This Is How A Heart Breaks,” and “Streetcorner Symphony,” Matchbox Twenty favorites including “Push,” “3AM,” “If You’re Gone,” “Bent” and “How Far We’ve Come,” and of course the Billboard number 2 song of all time “Smooth,” his 3x RIAA platinum certified and 3x GRAMMY Award winning worldwide hit collaboration with Santana. The first artist to be honored with the Songwriters Hall of Fame’s prestigious “Hal David Starlight Award” and recipient of numerous BMI and ASCAP Awards, Thomas has contributed to sales of more than 80 million records.
A charismatic, engaging, and indefatigable live performer, Thomas has spent much of the past two decades on the road, fronting massive world treks with Matchbox Twenty and on his own as well as a series of intimate acoustic shows. Thomas is also a dedicated philanthropist, establishing Sidewalk Angels Foundation with his wife Marisol Thomas in 2003 and having raised millions for no-kill animal shelters and rescues across the US.

Slade were unstoppable throughout the seventies becoming one of Europe's biggest bands, releasing 6 smash hit albums, including three UK No-1’s, a run of 17 consecutive Top 20 singles and their hits are synonymous with the glam era. First released in 1973, this splatter vinyl of ‘Sladest’ hears the band smash through a series of hits and covers including Cum On Feel The Noize, Mama Weer All Crazee Now and Coz I Luv You

Learn To Let This Go acts as a diary of sorts, documenting the rare highs but more common lows of the last few years. It feels like trying to let go of pieces of the past while also being too afraid to face the future. Tracks such as ‘Peachy Keen, Avril Lavigne’ and ‘Crawl’ also address ongoing struggles, adding to the weight of trying to begin a new chapter in your life despite not knowing how to, whereas others, such as ‘Delightfully Devilish’ and ‘Calm Before The Storm’, try to shine a light through the pessimism that is rooted in most of The Losing Score’s catalogue. Combining the catchy instrumentation and massive singalong choruses of pop punk with emo's anxious lyricism about daily life and growing up, the album feels like a step up from previous releases, developing the band’s sound and confidently establishing the beginning of a new era for The Losing Score. Produced by Sam Bloor, Learn To Let This Go is the band's debut full length album and first release on Counter Intuitive Records.

Metal Blade Records is proud to announce the signing of British death metal band, Ingested, to its global roster. The flagbearers of modern UK death metal recently celebrated the band's 15th anniversary, as well as the 10th anniversary of their sophomore effort "The Surreption" with "The Surreption II," a complete re-recording of the album earlier this summer. Ingested was founded in 2006 in Manchester, England and have since toured extensively with Cannibal Corpse, The Black Dahlia Murder, Nile, Carnifex, Revocation, and have been seen on European festival stages including Summer Breeze Open Air. The band earned Billboard chart entries in 2018 with their album "The Level Above Human," including: #35 Independent Albums, #16 Hard Rock Albums, #135 Top 200. The band saw chart action again with their 2020 release "Where Only Gods May Tread" including #4 Current Hard Music Albums, #10 Top new Artist Albums, #139 Billboard Top Albums and #15 on the UK Rock & Metal Albums, and #50 UK Independent Albums chart. With an already extensive release and touring history, Ingested are eagerly anticipating an exciting new era as part of the Metal Blade Records roster.

The Dangerous Summer signed their first record deal as high school seniors and quickly established themselves among the alt-rock world’s elite. Passionate delivery, confessional authenticity, and deeply resonant musical storytelling define their sound. The band writes hooks that serve as soundtracks for important life moments for a diverse group of listeners spread across the globe. The audience is more family than a fanbase. The community feeling is apparent at every gig, from Slam Dunk to Riot Fest, from touring with State Champs to headlining shows. Reach for the Sun is the record that “shot them into the pop-punk pantheon” (Kerrang!). Powered by unshakeable, enduring alt-rock anthems, the Ellicott City, Maryland band’s debut album made them heroes of the Warped Tour world, all while they carved their own unique path. 2011’s War Paint was a sophomore-slump-smashing follow-up. Grantland likened the “tall and wide” riffs of 2013’s Golden Record to The Hold Steady and U2. (“Catholic Girls” even earned The Danger Summer praise from the famously discerning Pitchfork.) Alternative Press saluted The Dangerous Summer as a group that stayed true to their sound, praising the songs on their 2018 self-titled comeback album as equal parts charismatic and addictive. 2019’s Mother Nature conjured an emotional storm, with an uplifting bent. Underoath’s Aaron Gillespie appeared on the 2020 EP, All That Is Left Of The Blue Sky. Produced by Will Beasley (Turnstile, Asking Alexandria), 2022’s Coming Home ushers in a new era for TDS. The Dangerous Summer never sacrificed their unique, diverse sonic identity, one that appeals to fans of everything from Kings Of Leon and Coldplay to Jimmy Eat World and Bright Eyes. Coming Home is a triumphant summary of what The Dangerous Summer is all about, past, present, and future.

Seit ihrem Durchbruch mit dem umjubelten Debütalbum Black Holes haben die Blue Stones mitreißende Live-Shows abgeliefert, die die Gesetze
der Physik außer Kraft setzen und allein durch die beiden Bandmitglieder einen unfassbar massiven Sound erzeugen.
Auf ihrem dritten Album Pretty Monster fängt das Duo das kontrollierte Chaos und die brennende Energie ihres Live-Sets zum ersten Mal vollständig
ein - und baut dabei auf dem starken Songwriting und dem klanglichen Einfallsreichtum auf, den sie auf Black Holes (eine Veröffentlichung aus dem
Jahr 2018, die ihnen eine JUNO-Award-Nominierung als "Breakthrough Group of the Year" einbrachte) und dem 2021 folgenden Hidden Gems (eine
JUNO-Nominierung als "Rock Album of the Year") gezeigt haben. Trotz des kolossalen Wachstums, das sie seit ihren Anfängen in den Spelunken ihrer
kleinen Heimatstadt erfahren haben, versprühen The Blue Stones in jedem Stück gleichermaßen ungebremste Leidenschaft und einen fröhlichen
Abenteuergeist.
Pretty Monster wurde hauptsächlich vom mehrfachen GRAMMY-Preisträger Joe Chiccarelli (The White Stripes, The Strokes, Spoon) produziert und
entstand in 35 aufeinanderfolgenden Aufnahmetagen in einem Studio in Kingston, Ontario. In dieser Zeit arbeiteten Sänger/Gitarrist Tarek Jafar und
Schlagzeuger/Backing-Sänger Justin Tessier unermüdlich daran, die rohe Vitalität der Demos des Albums zu bewahren und gleichzeitig jeden Song
mit so vielen unerwarteten Details zu versehen (düstere Beats, rastlose Grooves, elegant frenetische Texturen). Das Ergebnis ist ein triumphales
Werk, das sich von dem eher atmosphärischen Sound von Hidden Gems abhebt (ein weithin gelobtes Werk, das drei Top-5-Radiohits in Kanada
hervorbrachte) und die harte Dynamik des Rock'n'Roll mit den unauslöschlichen Ohrwürmern des Pop verbindet

Sieben Jahre nach ihrem sehr erfolgreichen dritten Album HURRICANE kehren sie mit ihrem neuen Meisterwerk ROCK AND ROLL BONES
zurück!
Die Pause war das Ergebnis intensiver Tourneen, des Schreibens des neuen Albums und der Pandemie! ROCK AND ROLL BONES wurde von Gitarrist Paul Hurst und seinem Partner Anthony Brady produziert, der auch das Album gemischt hat! Es ist ein Album voller herrlicher, flüssiger
Lead-Gitarren-Licks, lebendiger, ausdrucksstarker Vocals, grooviger Basslinien und knackiger, krachender Drums sowie einer Menge eingängiger
Hooklines. Sie klingen wie eine gesunde Mischung aus CHICKENFOOT, AC/DC und THE BLACK CROWES. THE JOKERS, die aus dem Nordwesten
Englands stammen, wurden 2006 mit dem Ziel gegründet, die größte Rock'n'Roll-Band der Welt zu gründen. Ihr 2009er Debütalbum THE BIG
ROCK & ROLL SHOW wurde von Mike Fraser in Vancouver gemischt, direkt nachdem er das über 10 Millionen Mal verkaufte BLACK ICE-Album von
AC/DC gemischt hatte. Nach der Veröffentlichung verbrachte die Band zwei Jahre auf der Straße und baute eine beachtliche Fanbase auf, als man
mit Größen wie HAWKWIND, Y&T, JOE ELLIOT, ARGENT, ANVIL und FOZZY unterwegs war. Danach taten sie sich mit Produzent Andy Macpherson
(ERIC CLAPTON, THE WHO, BARCLAY JAMES HARVEST, THE BUZZCOCKS, etc.) zusammen und begannen ihr zweites Album ROCK 'N' ROLL IS ALIVE
zu schreiben, welches im September 2013 veröffentlicht wurde.
Exzessives Touren war damals schon ihr Ziel. Sie spielten jede Show, die sie bekommen konnten und machten ihre erste Headliner-Tour in Spanien
mit 17 Shows, bevor sie auf mehreren Festivals in Großbritannien spielten.
Ihr drittes Album HURRICANE erblickte 2015 das Licht der Welt. Gefolgt von Tourneen, Tourneen, Tourneen. 2018 begannen sie ROCK AND ROLL
BONES zu schreiben und aufzunehmen. Aber der Beginn der Pandemie machte alle Pläne der Veröffentlichung zunichte. Deshalb beschlossen
sie mit der Veröffentlichung zu warten bis dies vorbei war und sie nach der Veröffentlichung das tun können, was sie am besten können, nämlich
touren!

Steve Thomas Lacy-Moya ist ein amerikanischer Sänger, Musiker, Songwriter und Producer. Er wurde als Gitarrist der alternativen R&B-Band The Internet bekannt. Sein zweites Album GEMINI RIGHTS ist endlich auf Vinyl erhältlich.

The Microphones, Bon Iver, Lomelda, Vegyn, Hovvdy, Dijon. “Lemon Cream” vinyl is for Indies Only. Follow up to 2019’s critically acclaimed ‘bunny’. Sam Hall’s new album as ghost orchard, ‘rainbow music’, is a collage of patience and meditation. It’s filled with nuances as quietly imperceptible as the seasons, or the profound movement of time, where one day looking back you realize your whole spirit has shifted. Where 2019’s critically revered ‘bunny’ was a love letter to a romantic relationship, ‘rainbow music’ documents the culmination of Hall’s first personal experience with loss in several forms. At the end of 2020, his longterm childhood pet passed away, and with it the last continuing threads of familiarity between being a kid and adulthood. Still based in the Grand Rapids, Michigan town he’d grown up in, the static ease of familiar living seemed to be coming apart at the seams, as friends moved on to bigger cities, relationships shapeshifted and in a short period of time, another kitten he’d adopted passed away prematurely, leaving Hall to question the trajectory in which he himself was headed. Like “songs in the key of life,” the title ‘rainbow music’ refers to the myriad of colors and qualities within Hall that are refracted throughout. It’s a symbolization of hope and the aftermath, the flickering light at the end of the tunnel (or “when a rainbow shows up after a big storm”). “Wish I could have fun anymore,” Hall ruminates on “dancing”, as well as confessing he “wish he made more upbeat bangers.” But reality packs more of a punch, and this collection of songs sees him finally be at peace with the current state of affairs. Relatable to anyone who has contemplated what it means to settle down, or even just catch your breath in an era where anguish is commonplace, the release of ‘rainbow music’ is a happy ending in its own right, a marker of survival that remains close to the bone. // Ghost Orchard’s “bunny” is a blushing, beatific beat. - The FADER // Fluttering and transportive, a swirl of beats and plucky guitar and strings that feels like a cocoon. - Stereogum // Hip-hop inflected, stream-of-consciousness confessionals that’ll have you swooning in the lazy summer sunlight. – Paste // Track listing: 01. Rest 02. Jessamine 03. Cursive 04. Maisy 05. Cut 06. soot 07. memory storage 08. Dancing 09. bruise 10. sweet song 11. comfort (rainbow)

The Microphones, Bon Iver, Lomelda, Vegyn, Hovvdy, Dijon. “Lemon Cream” vinyl is for Indies Only. Follow up to 2019’s critically acclaimed ‘bunny’. Sam Hall’s new album as ghost orchard, ‘rainbow music’, is a collage of patience and meditation. It’s filled with nuances as quietly imperceptible as the seasons, or the profound movement of time, where one day looking back you realize your whole spirit has shifted. Where 2019’s critically revered ‘bunny’ was a love letter to a romantic relationship, ‘rainbow music’ documents the culmination of Hall’s first personal experience with loss in several forms. At the end of 2020, his longterm childhood pet passed away, and with it the last continuing threads of familiarity between being a kid and adulthood. Still based in the Grand Rapids, Michigan town he’d grown up in, the static ease of familiar living seemed to be coming apart at the seams, as friends moved on to bigger cities, relationships shapeshifted and in a short period of time, another kitten he’d adopted passed away prematurely, leaving Hall to question the trajectory in which he himself was headed. Like “songs in the key of life,” the title ‘rainbow music’ refers to the myriad of colors and qualities within Hall that are refracted throughout. It’s a symbolization of hope and the aftermath, the flickering light at the end of the tunnel (or “when a rainbow shows up after a big storm”). “Wish I could have fun anymore,” Hall ruminates on “dancing”, as well as confessing he “wish he made more upbeat bangers.” But reality packs more of a punch, and this collection of songs sees him finally be at peace with the current state of affairs. Relatable to anyone who has contemplated what it means to settle down, or even just catch your breath in an era where anguish is commonplace, the release of ‘rainbow music’ is a happy ending in its own right, a marker of survival that remains close to the bone. // Ghost Orchard’s “bunny” is a blushing, beatific beat. - The FADER // Fluttering and transportive, a swirl of beats and plucky guitar and strings that feels like a cocoon. - Stereogum // Hip-hop inflected, stream-of-consciousness confessionals that’ll have you swooning in the lazy summer sunlight. – Paste // Track listing: 01. Rest 02. Jessamine 03. Cursive 04. Maisy 05. Cut 06. soot 07. memory storage 08. Dancing 09. bruise 10. sweet song 11. comfort (rainbow)

The Microphones, Bon Iver, Lomelda, Vegyn, Hovvdy, Dijon. “Lemon Cream” vinyl is for Indies Only. Follow up to 2019’s critically acclaimed ‘bunny’. Sam Hall’s new album as ghost orchard, ‘rainbow music’, is a collage of patience and meditation. It’s filled with nuances as quietly imperceptible as the seasons, or the profound movement of time, where one day looking back you realize your whole spirit has shifted. Where 2019’s critically revered ‘bunny’ was a love letter to a romantic relationship, ‘rainbow music’ documents the culmination of Hall’s first personal experience with loss in several forms. At the end of 2020, his longterm childhood pet passed away, and with it the last continuing threads of familiarity between being a kid and adulthood. Still based in the Grand Rapids, Michigan town he’d grown up in, the static ease of familiar living seemed to be coming apart at the seams, as friends moved on to bigger cities, relationships shapeshifted and in a short period of time, another kitten he’d adopted passed away prematurely, leaving Hall to question the trajectory in which he himself was headed. Like “songs in the key of life,” the title ‘rainbow music’ refers to the myriad of colors and qualities within Hall that are refracted throughout. It’s a symbolization of hope and the aftermath, the flickering light at the end of the tunnel (or “when a rainbow shows up after a big storm”). “Wish I could have fun anymore,” Hall ruminates on “dancing”, as well as confessing he “wish he made more upbeat bangers.” But reality packs more of a punch, and this collection of songs sees him finally be at peace with the current state of affairs. Relatable to anyone who has contemplated what it means to settle down, or even just catch your breath in an era where anguish is commonplace, the release of ‘rainbow music’ is a happy ending in its own right, a marker of survival that remains close to the bone. // Ghost Orchard’s “bunny” is a blushing, beatific beat. - The FADER // Fluttering and transportive, a swirl of beats and plucky guitar and strings that feels like a cocoon. - Stereogum // Hip-hop inflected, stream-of-consciousness confessionals that’ll have you swooning in the lazy summer sunlight. – Paste // Track listing: 01. Rest 02. Jessamine 03. Cursive 04. Maisy 05. Cut 06. soot 07. memory storage 08. Dancing 09. bruise 10. sweet song 11. comfort (rainbow)

Puckered with ruggedly pointillist swagger and evoking discrete worlds hidden in plain sight, »Traditional Music of South London« is a riveting masterwork by experimental music’s distinctive and cherished modernist, Dale Cornish. It is a concrète grimoire of recent and ancient folklore that binds Dale’s music, lyrics, and background into a strikingly personal synecdoche of South London.

Since emerging as part of London’s shouty electroclash movement in the mid ‘00s, and assuming the role of deconstructed rave pioneer and poet in 2011, Dale Cornish has been (lo)key to new movements in electronic music’s underbelly for the best part of this century. His 12th LP, proper, »Traditional Music of South London« is Dale’s definitive record; a confident testament to artistic maturity that comes with doing your thing against the grain over decades, and a potent expansion on ideas chiselled during his run of releases with the inspirational (now sadly defunct) label, Entr’acte, who helped foster Dale’s explorations of concrète rave and industrial pop tropes during the ‘10s.

On one level the album reads as a deep topography or psychosexual-geography of London’s lost gay club haunts, with the meat-motoring deep house of ‘Great Storm’ recalling DJ Sprinkles taking Loefah to the darkroom in its concrète carved and flesh trembling 8:08 perfection; or more literally in »Foxhole«, with Dale’s deliciously Croydon-toned accent describing urban gay mythologies with pungent lyrics about rotten fox cadavers synced to drily ricocheting hand claps, while the tight swinge of his “requiem for all the dead gay venues” in the gut-level bass of »Hoist Crash Fort«, and the playful evocation of “internecine conflict within the gays - live!” on »Palace Intrigue« just utterly slap like nothing else.

Yet it’s in the LP’s slower, bloozier and folky vocal bits that Dale’s dare- to-differ character comes into its own. The clandestine skulk of ‘My Geography’ portrays him like a modern Jandek traversing London’s brutalist- meets-semi rural meridian, and at its gooier core flashes of folk-classical brilliance such as the groggy ‘Norman Lewis’ give way to the writhing foley orgy of »Crowd Scene«, while the naked, one-take end of szn paean of »SCY BFR HNH« and slurred, Tricky-esque confessional »Shout Outs« consolidate and temper the conflicting aspects of his persona with a deep burning pathos in the LP’s fading phosphorescence.

In an era of overproduction and imitation-not-innovation, Dale’s strikingly original, sensually brutalist industro-folk-dance-pop critically cocks a snook at conventional, careerist music while embracing its heartical truths. An extremely personal record certain to resonate with those who believe art in music still matters.

2 Jahre nach ihrem ersten Album "Toï Toï" (mit Gold ausgezeichnet), einem französischen Grammy Award und einer Reise über viele Bühnen in Europa, ist Suzane mit ihrem zweiten Album zurück. Die Sängerin Océane Colom alias Suzane ist eine der profiliertesten Künstlerinnen der Electro-Szene Frankreichs. hre Songs handeln - wie sie es selbst beschreibt - von wahren Szene-Geschichten. Ihre Musik regt zum Tanzen an, ihre Texte zum Nachdenken an.

Originally produced in 1998 for exclusive use in his own Logical Progression sets , Blame comes with two unreleased tracks from the golden era of Drum and Bass. Taken from the original DAT and lovingly remastered by Simon Davey at The Exchange this release consists of 'Whirlpool' which was a feature of Blame's sets with DRS and Conrad and In My Dreams is a powerful sonic Amen-break workout with atmospherics to take you on a journey of the mind. Both tracks have been highly sought after for many years and they now make their debut on the wax to the delight of vinyl lovers and collectors.

Cantina Cuts welcomes Eruption FM's DJ Uplift to the label with four heavy jungle and hardcore tracks.

If the ideal greatest hits collection captures the fundamental truth about an artist, Eric Kupper’s – 'A Lifetime In Dance Music' highlights an envious catalogue, extraordinary production skills and ultimately reveals a passionate maven of house music.

The 24-track compilation celebrates the vast work and revered career of Eric Kupper and is a collectable occasion to re-acknowledge his influence and golden touch as a remixer for over five decades.

Within this first volume you’ll find signature and standout remixes for all-time greats such as Diana Ross, Depeche Mode and Degrees of Motion alongside Kupper classics both new and old under his own name and the legendary K-Scope alias.

'A Lifetime In Dance Music' will be available across three separate vinyl and digital release packages including a full collectors CD release in 2023.

Emblematic of an iconic nightlife and reflecting on the sheer scale of his work for seminal artists including Curtis Mayfield, Diana Ross, Earth Wind & Fire, Gloria Gaynor and Donna Summer, this ultimate collection serves as a reminder of Kupper’s astounding blend of studio power, control, and agility as a producer and remixer. As the writing and production partner of the late godfather of house music, Frankie Knuckles, Kupper is a true musician and multi-instrumentalist who has played on, remixed, produced or engineered over 2,000 records spanning a wide range of contemporary musical genres.

Having worked on over 100 Billboard #1 ‘Dance’ records and mixed two records that have received the ‘Dance Record of the Year’ Grammy award, it is safe to say Eric Kupper’s hugely successful career underpins house music.

Emotional Rescue reaches its 100th reissue in its 10th year with a landmark, a collection of previously unreleased songs from Brenda Ray. Encouraged and cajoled since the label's inception, Brenda Ray's (Kenny) music has gone from cult curio to cult status in that time, as her mix of DIY/post punk, dub reggae, jazz and pop transcends reached admiring audiences.

Following the completion of Naafi Sandwich in 1985 and the subsequent recordings as Brenda And The Beach Balls - the sought after Volume 1 LP in 1986 and three singles on Siren/Virgin in 1987/88 - her releases might of stopped for almost two decades but she never stopped recording.

The 10 songs show not only continuous activity in her North-West home studio, but to be consistently creative, moving forward and relevant. Hip-Hop, Street Soul and House all feature alongside Brenda's unmistakeable Be-Pop-Dub-Pop song writing. Working as always with partner Gerry Kenny aka Sir Freddie Viadukt, plus a cohort of friends joining across the sphere.

Starting with 'Universal Purpose', poet and friend Eugene Lange delivers a lanquid breakbeat-dub sermon on struggle and love, as Brenda's vocals accompany. 'Spirit's So High' captures House music's dawning optimism to perfection, a swirling, uplifting 4.30 minutes as you'll ever hear. The doo-wop shuffle of 'MMMMoon Warp' experiments with Coldcut-lite sampledlica cut ups, alongside Brenda's unmistakable breathing-singing delivery, before 'Love's The Most' and 'Hope' are classic Ray love sentimental paeans, backed with latter day Balearic musicality.

Eugene Lange returns with the rap attack of 'Dancehall Exocet'. A conscious poetic stream over "Minister of Noise" industrial beats with backing and counter from Brenda, shows the breadth she was exploring at this time. Crude synth bass and chiming 4/4 percussion follow on 'This Was No Dream' with soft, humming vocals encapsulating some proto-house romantic escapism, before Eastern influences mix with flute, strings, bells and a doo-wop skiffle on the aptly named 'Tequila Sam'.

The album closes with a nod to what's gone before, in 'Return Of The Theme From A Tall Dark Stranger', an update on her "Volume 1" classic, all is replayed, overlayed and "mad"-mixed, Brenda's studio mastery shining through. An acoustic return of 'Love's The Most' bring the album to completion, but this is by no means the end but hopefully, the start of more undiscovered and discovered mini-masterpieces from Brenda Ray and friends to see the light of day.

For over two decades Bjørke has cut his own path, as a solo artist and enthusiastic collaborator. Bjørke’s Copenhagen home may be one of Europe’s great cultural hubs, and he’s certainly added a paragraph or two to that story, but his music is distinctly international. Even a cursory listen exposes an impressive, ever-evolving career. However, few expected him to initiate the collaborative ambient / neo-classical project Kasper Bjørke Quartet. In 2018 The Fifty Eleven Project was released on Kompakt Records, a deeply personal record that musically documents Bjørkes encounter with, and triumph over, cancer. The album topped many critics' lists, and was included among The Guardian’s Best Contemporary Albums of the year.

Mother, which will be released on October 28th, represents a quantum leap forward. Literally, when you consider the terrestrial shifts that informed it. Six compositions explore what the evolution of our planet sounds like. While Holst may have gotten there first, Mother singularly focuses on the orb where we reside, from its formation, to its likely conclusion. Other artists have tackled song cycles that parallel a day, a year, or even a lifetime. Mother spans a timeframe from 4.5 billion years ago up to humankind’s impending demise. It hints at how that may be sooner than we think, as well as the earth’s resilience, and the promise of another chapter.

Additional gravity comes courtesy of evocative choir arrangements - - and marimba recorded at the Copenhagen Opera House. “Formation” condenses 20 million years of runaway accretion into 20 minutes. It is sublimely padded by feature artist Sofie Birch’s gentle synths. “Abiogenesis” intimates a different type of emergence: the first life to inhabit our nascent planet. The entire cosmos is condensed into the layered vocals of Philip|Schneider. Birch returns on “Miocene,” which signals the divergence of proto-humans from primates not with foreboding, but rather cascaded notes and swells adumbrating a pure and curious being, revealing nothing of what the Catch-22 of knowledge will bring. That’s addressed in the diptych of “Anthropocene” and “Tipping Points,” respectively marking the dawn and foreshadowing the probable downfall of homosapians, through wondrous advancements and their climate damaging byproducts. It’s tempting to think the album’s finale, “Requiem,” implies only a dark conclusion, owing to its sparkling verrillon’s coronach, and the return of Philip|Schneider’s empyrean vocals, but its juxtaposition with revolving, enigmatic piano chords infers the earth will enter its next act.

Mother is a staggering achievement, encouraging contemplative thought. The album is released October 28th on Kompakt Records, both digitally and on limited edition double vinyl. The atwork is designed by multidisciplinary artist Trevor Jackson.

Seit mehr als zwei Jahrzehnten folgt Kasper Bjørke seinem ganz eigenen Weg, sowohl als Solokünstler als auch als umtriebiger Kollaborateur, während er gleichzeitig das Beste aus Techno, Pop, Elektro, New Wave, House, Ambient, Italo und klassischer Disco aufgreift und in seinen Produktionen zusammenfügt. Bjørke’s Heimat Kopenhagen gilt als eines der großen kulturellen Zentren Europas, und die Stadt hat dieser Geschichte sicherlich den einen oder anderen Absatz hinzugefügt, aber Kasper’s Musik ist eindeutig international. Schon ein flüchtiges Hineinhören gibt den Blick frei auf eine beeindruckende, sich ständig weiterentwickelnde Karriere. Nur wenige hätten jedoch erwartet, dass dieser Werdegang 2018 in der Gründung eines neoklassischen Quartetts gipfeln würde. In diesem Jahr wurde “The Fifty Eleven Project” auf KOMPAKT veröffentlicht. Ein sehr persönliches Album, das musikalisch dokumentierte, wie Bjørke seinen Kampf gegen den Krebs gewonnen hatte. Es wurde unter anderem in die Liste der besten zeitgenössischen Klassik-Alben des Jahres von The Guardian aufgenommen.

“Mother”, das am 28. Oktober erscheint, ist ein Quantensprung für das Kasper Bjørke Quartett. Im wahrsten Sinne des Wortes, wenn man die tektonischen Bewegungen bedenkt, die dem Album zugrunde liegen. Sechs Kompositionen erforschen, wie sich die Evolution unseres Planeten anhört. Gustav Holst (englischer Komponist, dessen bekanntestes Werk die Orchestersuite “Die Planeten” darstellt; Anm. des Übersetzers) war vielleicht zuerst da, aber “Mother” konzentriert sich ausschließlich auf die Erdkugel, auf der wir uns befinden, von ihrer Entstehung bis zu ihrem wahrscheinlichen Ende. Andere Künstler haben sich mit Songzyklen beschäftigt, die einen Tag, ein Jahr oder sogar ein ganzes Leben abdecken. “Mother” umfasst etwa 4,5 Milliarden Jahre, vom Anfang aller Zeit bis zum bevorstehenden Untergang der Menschheit. Das Werk deutet an, dass dies schneller geschehen könnte, als wir alle denken, aber auch die Widerstandsfähigkeit der Erde und das Versprechen auf ein neues Kapitel.

Für zusätzliche Erdanziehung sorgen stimmungsvolle Chor Arrangements und eine Marimba-Sektion, die im Kopenhagener Opernhaus aufgenommen wurde. "Formation" verdichtet 20 Millionen Jahre unkontrollierter Akkumulation in 20 Minuten, subtil untermalt von den sanften Klängen der Ambient-Künstlerin Sofie Birch. "Abiogenesis" beschreibt das erste Leben, das entsteht und unseren Planeten besiedelt. Der gesamte Kosmos verdichtet sich hier in den vielschichtigen Vocals von Philip|Schneider. Birch taucht erneut im Track "Miocene" auf, in dem das evolutionäre Streben des Proto-Menschen weg vom Primaten noch keine böse Vorahnung enthält, sondern mit kaskadenartigen Sounds und langsam anschwellenden Klängen musikalisch vom reinen und neugierigen Wesen des Menschen erzählt, in dem noch nichts von der Zwickmühle zum Vorschein kommt, in die ihn sein Wissen bringen wird.

Das wird im Diptychon "Anthropocene" und "Tipping Points" thematisiert, die den Anfang vom Ende, den Beginn des wahrscheinlichen Untergangs des Homo sapiens durch die Folgen des Fortschritts und seiner klimaschädlichen Nebenprodukte vorhersagen. Es ist naheliegend zu denken, dass das Finale des Albums, "Requiem", nur das düstere Ende von allem darstellt. Doch as funkelnde Glockenspiel und Philip|Schneiders eindringlicher Gesang in Gegenüberstellung mit sich windenden und erratischen Klavierakkorden deuten an, dass die Geschichte der Erde ein neues Kapitel aufschlagen wird.

Mother ist eine beeindruckende Performance, die zum Nachdenken anregt.

Rolando Simmons - a revered name in certain acidic circles - joins Utter for the 'Human Remains' EP, a wildly inventive 8-track adventure that deftly dabbles in rave, IDM, Techno and beyond in classic RS style. The project is the creative brainchild of Mattias Östling, who has been on a prolific production streak since the late 2000s, firstly under the name Trackermatte before settling into work under his current moniker.

This particular release is a missing puzzle-piece of sorts, compiled and sequenced by Utter's Alex Egan from a self-released digital collection titled 'Human Touch' which initially surfaced on Bandcamp during the producer's golden 2016 'Walk On Strawberries' and 'World Building' era.

'Human Touch' was a curious selection of unmastered oddities - the first Östling made using audio signal processing environment Cecilia5 - which remained largely overlooked due to its digital limbo. The tracklist itself shifted, with bonus tracks appearing then disappearing. While the excellent Dutch label 030303 cherry-picked the original version of the title track for a 2019 2xLP of the same name, the rest of the material remained frustratingly unavailable on vinyl and elsewhere, including the elusive bonus track which prompted Egan to reach out to Östling in the first place, the stunning 'sq1_mc4_iloveu03a_149unedit'.

That track is firmly at the core of this new EP, under its new title 'Nueva Traditional', as well as the alternative CV Beszállás edit of 'Human Touch'. They are surrounded by every other un-pilfered gem that originally appeared alongside them - however briefly - with all material freshly mastered and cut by Anne Taegert at D&M. The artwork and large fold-out poster (included with the 12") were designed by the Timpani Mystique Agency.

No stone left unturned!

Emotional Rescue finally gets around to reissuing some House music with the start of a 3 x 12 series from Miami's Dancefloor Records. Covering House and Freestyle, this is music as worthy as any other explored to date.Founded by British ex-pat Jeffery Collins in 1983, Dancefloor Records was the culmination of a music industry journeyman's long career from swinging sixties London to bohemian seventies NYC before relocating to the sunnier climbs of Miami.Taking in the City's unique mix of American, Latin and Caribbean sounds, Dancefloors early success came via a long association with reggae turned disco star King Sporty. While his legacy will be looked at in future, this series concentrates on Dancefloor's shift to the growing club sounds emanating from Chicago and NYC.First is the little is known Eighth Ray. As often the case, a project by a group of musician friends who went on to release under various pseudonyms. From the opening spoken word intro of Axis Of Love, the spaced-out 4/4 and spiritual, pulsing arps, this could be mistaken for the then in-vogue 'Italian House'. With Rimini in its sights, the vocals are the journey, underpinned by simple, up'n'back bass and Mateo and Matos style keys, pure 6am sunrise. Backed with the deeper 8th Ray, the EP eschews the bumpin' House then coming from NYC and looks to the sound system vibes out across the Atlantic. Deep House before the term had grabbed hold, been twisted and contorted and donned head-to-toe in black. Simply, real House music.

If you ever wondered what ambient music of the 21st century could sound like, then you should explore the musical spheres of "ifsonever". This colorful debut-album draws a blueprint of an urban ambient club record of a parallel universe. A collage of beautifully improvised pieces, strictly recorded in "one takes". A gripping fusion that brings together the warm analog textures of classic vintage synthesizers and electronic urban ambiences.

Trying to appreciate the recent times of silence and deceleration, Daniel Helmer aka ifsonever has quickly developed a tonal language as a solo artist. With a non-compromising approach he would visit his studio, a cozy garden shed, to record one new track a day in strictly analog fashion as "one takes". His aim for this project was to capture the innocence and instinctive creative energy of the present moment. These 9 timeless pieces invite the listener to explore hypnotic and meditative atmospheres such as on the opener "transpose" or on "jonesy dreams of birds", as well as gloomy and almost mystical sounding tracks such as "total global" or "an unexpected error has occurred". ifsonever is a wonderful amalgamation of organic, laid-back sounds and electronic, club oriented elements.

Recorded at a time when social contact was forbidden and culture was at a standstill, many professional musicians felt challenged not to feel useless when performances and sessions in public were cancelled, while the need for expression, participation and communication persisted. What happens when you've read all your books, when you're tired of looking at screens, and when you're digitally saturated? Then the unbearable lightness of being will begin. Daniel Helmer decided to let his creativity flow into a picture depicting that moment in time. He gave himself the opportunity to reflect this period through the creation of music. Not always an easy thing to do when the only social interactions would be cats passing by or the sound of children playing nearby. However that can be exactly the perfect tranquil surrounding to ground oneself in the here and now and draw inspiration from the inside. This self titled album reflects a peaceful journey from start to finish.

Two old friends have been invited to contribute overdubs in hindsight. MillianX is a film composer and noise artist, a colleague from the viennese filmacademy. Both worked together on the film score for the science fiction movie "Rubikon" while the album was in its final stages. So a collaboration was an obvious choice. The creamy arpeggiated synthline created for "jonesy dreams of birds"' was extended by Millianx with some field recordings and a big cloudy synthwave that dips into a vast sea of noise.

Guido Spannocchi is a london based jazz musician. Both knew each other for several years but never had the chance to work together. When Daniel Helmer wrote "an unknown error has occured" he imagined a saxophone layer to accompany the existing synthline. But when the two musicians finally got together to record in the legendary jazz club "Porgy & Bess", Guido just let his creativity flow and jammed freely to the track with a totally unique jazz vibe.

Between film, music & sound Daniel Helmer is continuously searching for a spot to call his own. Expanding boundaries, pursuing the unheard and breaking genre definitions are byproducts of his curiosity and his drive to avoid repetition. Daniel Helmer resides in Vienna where he studied at the local film academy. He became one of the founding members of the techno-punk band "Gudrun von Laxenburg" with album releases on the legendary Skint label, collaborated with Sam Irl on "International Major Label" as the production duo "Mantra Mantra" and released an album as "Yogtze" on Gerd Janson's imprint "Running Back Incantations", together with Feater. At the moment he is focusing on his work as a film composer and is currently working on two feature films in Austria.

"ifsonever" offers a timeless ambience to help you slow down, reflect and enjoy the beauty of nothingness. It might help us to learn and accept a state of being unutilized without feeling futile and benefit from this rare silence.

The cover artwork is a collaboration between Jazz & Milk graphic designer Tim Schmitt and photographer Frank Hulsbömer. A scan of the artist's head, hand and foot was 3D printed, photographed and transformed into an otherworldly scenery that visualizes the musical atmosphere.

Hitting play on SEAMOSS2, the latest missive from Portland noisetinkerers Sea Moss, is like punching the big red button on a cartoon
bomb before it explodes into a multicolored mushroom cloud
From the second Nap Time revs up, vocalist Noa Ver and drummer Zach
D'Agostino absolutely clobber the listener with a distorted hodgepodge of sounds
as raw and violent as they are winkingly playful, as if Black Dice and Melt-Banana
were caught in the middle of some kind of psychotic square dance together.The
duo's setup "which involves a primitive assemblage of hacked feedback
oscillators, colorful Rococo tin boxes, and a contact mic plugged directly onto
Ver's neck to capture her barking intonations " harkens back to an era of DIY
where live performance meant everything. Blurring the line between reckless
improvisation and tightly- knit compositions, the band achieves a disorientingly
complex interplay. Though Sea Moss's music may initially seem to be an act of
pure blunt force, the duo's true prowess lies in the intricacy of their rhythmic
interplay. As freeform as it all might seem, SEAMOSS2 contains the band's most
potent, precise compositions yet, refining the distinct style they forged on
disorienting releases like Bread Bored and Bidet Dreaming into a thrilling act of
controlled chaos.
In an era where the communal spirit of DIY feels more difficult to achieve than
ever, Sea Moss embody the classic ethos of weirdo punk music in all its absurdity
and wonder. It's this same sense of scrappiness that's earned them attention
from legends like Lightning Bolt and Machine Girl, and SEAMOSS2 illustrates why
they're every bit as deserving of their own trophy in the noise-rock hall of fame
one adorned in broken contact mics and scuffed-up scratches from one too many
bloody basement shows.