quête:er

Entstanden aus einem Live-Auftritt, offenbart ,unfamiliar music (paris)" das Wesen der Obsessionen und des Klanguniversums von Giuseppe Ielasi - einem Musiker, dessen Zurückhaltung nur von seinem Talent und seiner grenzenlosen Hingabe an das musikalische Schaffen seit fast 30 Jahren übertroffen wird. unfamiliar music (paris) ist ein bemerkenswerter Ausdruck von Ielasis Herangehensweise, einer Herangehensweise, in der Feinfühligkeit, manchmal Nostalgie und Emotionen es verstehen, mit Zurückhaltung ein Klanguniversum zu durchdringen, das um Polyphonie und Reminiszenz herum aufgebaut ist, um Texturen und Motive, die sich mit Anmut und Inspiration verflechten, verbinden und gegenseitig antreiben. ,Sparkling or Silent" des Duos Crys Cole und Oren Ambarchi ist ein eigenständiger Moment in ihren jeweiligen künstlerischen Ansätzen, ein Schritt zur Seite, der einen Fixpunkt um eine elektroakustische Methode markiert, die zwar in beiden Werken stets latent vorhanden war, sich hier jedoch als zentrale Kompositionsmodalität durchsetzt. Der elektroakustische Ansatz wird hier jedoch nicht aus formalen Gründen herangezogen, geschweige denn als ästhetische Leitlinie. Im Gegenteil, er wird als Kompositionswerkzeug betrachtet, offen für alle klanglichen Möglichkeiten, ein Werkzeug, das es dem Künstler ermöglicht, innerhalb des Klangs selbst einen verwobenen Raum zu entwerfen, in dem Erinnerungen, Eindrücke und Empfindungen eine Erzählung am Rande der Vorstellungskraft und der gemeinsam erlebten Momente weben - eine Erzählung, in die eine komplexe und sensible Klangschicht eingebettet ist, die die Grenzen zwischen künstlerischem Projekt, intimer Reise und geteilten Träumen verschwimmen lässt.

In ,Library Copy Do Not Remove" präsentiert JJ Weihl von Discovery Zone eine digitale Verzauberung der Realität, in der er das Materielle und das Immaterielle miteinander verwebt, um zu zeigen, dass es sich dabei tatsächlich um zwei Aspekte ein und desselben handelt. In Weihls Welt sind Natur und Technologie keine Feinde, sondern erschaffen sich gegenseitig in einem unendlichen Tanz aus Bedeutung und Reflexion. Ursprünglich als Raumsound für das Zeiss-Groß-Planetarium in Berlin geschaffen, ist ,Library Copy Do Not Remove" eine Schöpfungsmythologie für das simulierte Universum. Dabei handelt es sich jedoch nicht um eine trockene, bostromische, maskuline Fantasie einer digitalen Realität, der die Geheimnisse der Natur fehlen. Stattdessen fordert Weihl den Zuhörer auf, im Rahmen einer Simulation Raum für die beeindruckende Realität der natürlichen Welt zu lassen. Wenn unsere Welt simuliert ist, dann muss die Simulation in der Lage sein, die Schönheit und Pracht der Natur zu erschaffen. Auf diese Weise betreibt Weihl eine ambient-artige Alchemie, die eine große Versöhnung von Natur und Technologie fordert, während sie uns auffordert, darüber nachzudenken, wie und wo die Erfahrung transzendenten menschlichen Bewusstseins zwischen ihnen existieren könnte. Die Songs auf ,Library Copy Do Not Remove" entstanden, während Weihl gleichzeitig ihr zweites Album ,Quantum Web" fertigstellte, und spiegeln einen weitreichenden, inspirierenden Zustand aus Aufregung und Angst wider, der mit der Aufgabe einherging, Musik für einen so einzigartigen Raum zu komponieren. Die Songs selbst wurden durch Ambisonics geformt, ein spezielles Format für räumliches Audio, das direktional ist, anstatt auf Kanälen zu basieren (wie Stereo), und wurden über ein Mosaik aus 49 Lautsprechern übertragen. Da es für Live-Auftritte geschrieben wurde, war ,Library Copy Do Not Remove" nie als Album im eigentlichen Sinne gedacht, sondern als dreidimensionales Ereignis. Auf diese Weise spiegelte die Klanginszenierung wider, wie wir Klang in unserem Alltag wahrnehmen: uns aus allen Richtungen umgebend. Für diese Albumveröffentlichung hat Weihl alle Songs gemeinsam mit ihrem langjährigen Produzenten E/T von Grund auf neu abgemischt und die Konstellation der Tracks für ein Stereoerlebnis neu konzipiert und überarbeitet. Inspiriert von den Werken von James Gleick, LD Deutsch, Johannes Kepler und Jorge Luis Borges, erforscht ,Library Copy Do Not Remove" die kreative Spannung zwischen Realität und Wahrnehmung, Information und Mythologie, Harmonie und Unordnung. Im gesamten Album fragt Weihl, wie wir als Menschen das Universum um uns herum und den zugrunde liegenden Code, der es belebt, verstehen lernen. Was dabei entsteht, ist ein klanglicher Mythos, der von spiralförmigen digitalen Universen erzählt, die ineinander verschachtelt sind und in denen jeder teilnehmende Akteur gleichzeitig sowohl Teil als auch das Ganze der Realität ist. Auf diese Weise ist ,Library Copy Do Not Remove" ein cyber-Ausdruck zeitloser Weisheit: Anstelle von ,wie oben, so unten" könnte Weihl vorschlagen: ,wie der Input, so der Output".

Collector's Reissue der auserkauften OHL-Veröffentlichungen "Der Feind Meines Feindes" sowie der Mini-LP "Adrenalin" im Doppel-10inch Vinylformat. Erstauflage streng limitiert auf 333 Exemplare, davon 200 in klassisch schwarzem Vinyl und 133 als farbiges Vinyl im special red-black propeller design. Wiederveröffentlichung des 2017er Hammer-Albums, gekoppelt mit der ein Jahr später erschienen (damals auf 500 Stück limitierten) Adrenalin Mini-LP. Schließt nahtlos an die gnadenlose Härte der "1000 Kreuze"-Ära an, aber es gibt auch Überraschendes zu entdecken, der Song "Adrenalin" ist persönlich statt politisch. 16 OHL-Songs, die auch nach fast 10 Jahren in einer Welt voller Kriege, Einschrüänkungen der freiheitliche Grundwerte und religiösem Fanatismus leider nichts von ihrer Aktualität eingebüßt haben. Unbequem, provokant und politisch hochbrisant! Eben typisch OHL! Die 2017er/18er OHL-VÖs jetzt zusammen als Doppel-10" (limitiert) wieder erhältlich.

Collector's Reissue der auserkauften OHL-Veröffentlichungen "Der Feind Meines Feindes" sowie der Mini-LP "Adrenalin" im Doppel-10inch Vinylformat. Erstauflage streng limitiert auf 333 Exemplare, davon 200 in klassisch schwarzem Vinyl und 133 als farbiges Vinyl im special red-black propeller design. Wiederveröffentlichung des 2017er Hammer-Albums, gekoppelt mit der ein Jahr später erschienen (damals auf 500 Stück limitierten) Adrenalin Mini-LP. Schließt nahtlos an die gnadenlose Härte der "1000 Kreuze"-Ära an, aber es gibt auch Überraschendes zu entdecken, der Song "Adrenalin" ist persönlich statt politisch. 16 OHL-Songs, die auch nach fast 10 Jahren in einer Welt voller Kriege, Einschrüänkungen der freiheitliche Grundwerte und religiösem Fanatismus leider nichts von ihrer Aktualität eingebüßt haben. Unbequem, provokant und politisch hochbrisant! Eben typisch OHL! Die 2017er/18er OHL-VÖs jetzt zusammen als Doppel-10" (limitiert) wieder erhältlich.

Eine Italo Disco Rarität aus dem Jahre 1985 jetzt wieder als farbige 12“ Maxi Single erhältlich:

Hysterical Fit - - Come And Make Me High

Zusätzlich zu den raren Original Versionen, gibt es als Highlight auf Seite B zwei neue und exklusive Remixe von Flemming Dalum und Rey David Diaz

POMPEII // UTILITY vereint zwei seelenverwandte Rapper von entgegengesetzten Küsten mit dem weltgestalterischen Genie der SURF GANG. Als echtes Doppelalbum – MIKE auf der einen, Earl auf der anderen Seite – entfaltet sich POMPEII // UTILITY durch eine wechselnde Besetzung von Nebengästen und Charakteren innerhalb seines gemeinsamen kreativen Ökosystems. Jadasea, Anysia Kym, Niontay, Na-Kel Smith und Lerado Khalil treten alle auf und durchstreifen die weitläufige Klangwelt des Albums, während im Hintergrund die SURF GANG-Produzenten Harrison, EvilGiane, Elipropperr und Flea Diamonds (mit Unterstützung weiterer Producer) die rauen, dynamischen Beats erzeugen, die dem Album seinen Rahmen geben. Zu den früheren SURG GANG-Produktionen gehören Baby Keem, Kendrick Lamar, A$AP Rocky und Playboi Carti. POMPEII // UTILITY, das nach den 2025er Soloalben beider Rapper erscheint, wirkt wie eine triumphale Ehrenrunde, die ihre über 10-jährige Freundschaft nachzeichnet. Wo ein Rap-Battle sonst Rivalität oder Vergleiche hervorrufen könnte, bietet POMPEII // UTILITY etwas Verwurzeltes und Gemeinsames – ein geteiltes Verständnis von Fürsorge, Freude, Trauer, Verarbeitungsprozessen und Verantwortung gegenüber etwas Größerem. Ein gemeinsamer Release über die jeweiligen Labels der drei Künstler: 10k, Tan Cressida und Surf Gang Records.

Das neueste Projekt von SPEED, ,ALL MY ANGELS", ist eine EP mit drei Titeln, die dem Tod dreier enger Freunde in den letzten Jahren gewidmet ist. Diese Ereignisse haben ihrer Community großen Kummer bereitet, aber mit der Zeit haben sie das unterstrichen, was SPEED schon immer als ihr zentrales Credo angesehen haben: bedingungslos zu lieben, ohne Angst oder Reue. In den Jahren vor ,ALL MY ANGELS" kämpfte die Band mit ihrer gemeinsamen Trauer und dem Leben auf Tour. Momente der Trauer fanden auf Tour statt, in engen Transportern, die durch fremde Länder fuhren; eingeklemmt zwischen SPEED-Auftritten, auf grandiosen Festivalbühnen vor 15.000 Fans. Während die Band eine Auszeichnung und einen Erfolg nach dem anderen verbuchte - einer außergewöhnlicher als der andere -, hielt der Schmerz hartnäckig an.Auf ALL MY ANGELS hat genau diese gemeinsame Trauer die fünf Freunde näher zusammengebracht; sie ermutigt sie, ihr Leben mit größerer Klarheit zu leben, und verschafft ihnen eine fundiertere Perspektive darauf, woran es sich wirklich lohnt festzuhalten. Die Texte auf der EP thematisieren die ernüchternde Realität des Verlusts und enthalten Gedanken über die Sterblichkeit - verletzlicher und unverfälschter als je zuvor. Der Titeltrack endet mit einer direkten Absichtserklärung: ,All my angels, I can't give up."

Seven years after the haunting resonance of Voids, electronic pioneer Martyn returns to the album format with Music For Existing. Arriving on 15 May 2026, the record is more than a collection of tracks; it is a profound exploration of what it means to remain devoted to a craft in an era of relentless noise.

The album’s announcement is heralded by the lead single "Heavy Sound." The track serves as the perfect bridge between Martyn’s past and present - a masterclass in tension and release that previews the album’s dialogue between the producer, the musicians, and the audience. We live inside a culture that has prioritised and monetised restlessness. The modern apparatus runs on the continuous production of "next," driven by algorithms that value novelty over depth.

Music For Existing serves as a love letter to the communal act of making music - something that is both healing and inherently defiant. For Martyn, a musician often finds solace in musical conversation with others; in the moment we press record, we simply exist together. This record is an invitation to build human infrastructure around what we love, leaning into the fluid nature of community and seeing exactly where the music takes us when we choose to listen.

The album is a sprawling, "off-the-grid" tapestry that echoes Martyn’s profound appreciation for jazz - free, instinctive, and bursting in every sonic direction. This collection features an expansive cast of collaborators, including Duval Timothy, Dan Only, Lucinda Chua, and Mark Cisneros. The record is further elevated by the contributions of jazz talents Mischa Porte and Cees Bruinsma, alongside the evocative words of writer and poet Musa Okwonga.

While the acoustic textures and improvisational spirit of this record may feel like a departure, they represent a homecoming. Jazz has always been ingrained in Martyn’s work; even in his most stripped-back club tracks, the DNA of swing, syncopation, and free-form structure was always present, if not always visible.

Music For Existing marks the beginning of an exciting journey that will continue from the studio to the stage, celebrating the radical act of existing in the moment.

Que Sakamoto is one of those rare artists who sounds like noone else — and PSNA003 is the latest proof of that. Four tracks written and produced during his time in Manchester, brought to life by NT's vocals which are woven through each twist and turn. It's full of playful samples, timeless melodies and classic drums that weave through traditional 4x4 to experimental breakbeat.

Each track designed to bring life to the dancefloor.

Enjoy!

SURFILMUSIC, ein Dokumentarfilm, der Johnsons Entwicklung vom Surfer zum Filmemacher und schließlich
zum weltbekannten Musiker nachzeichnet, begleitet ihn bei der Entstehung seiner legendären Surf-Filme
”Thicker Than Water” (1999) und ”The September Sessions” (2000). Diese Klassiker offenbarten Johnsons
künstlerische Sichtweise durch seine Kamera und seine Gitarre und begründeten letztlich seine Musikkarriere.
Der neue Film feiert die lebenslangen Freundschaften und die vom Meer geprägte Gemeinschaft, die Johnsons Weg geprägt haben, und zeigt viele der Surfer, die in den Originalfilmen zu sehen waren, darunter Kelly
Slater, Rob Machado und die Malloy-Brüder. Er fängt auch den gemeinsamen Geist der Entdeckungslust
und Kreativität ein, der seine Musik und seinen Umweltschutz bis heute inspiriert.
Für den Soundtrack schlossen sich Hermanos Gutiérrez, langjährige Bewunderer von Johnsons Musik und
Surf-Filmen, ihm im Studio an, wo Johnson auch wieder mit dem Produzenten Mario Caldato Jr. (Beastie
Boys, Seu Jorge, Beck) zusammenkam, der mehrere von Johnsons beliebtesten Alben, darunter ”In Between
Dreams” und ”Sleep Through the Static”, co-produziert hatte. Was als gegenseitige Wertschätzung begann, entwickelte sich schnell zu einer kreativen Verbindung und Freundschaft, aus der ein wunderschöner
neuer Song, „Hold On To The Light“, und eine originelle Filmmusik hervorgingen. Ihre Zusammenarbeit
wird sich auch auf die Bühne erstrecken, wo die Brüder an vielen Terminen als Vorgruppe für Johnson
auftreten werden.
Außerdem enthält das Album 4 einzigartige Tracks, welche Johnson in den 1990er Jahren auf seinem 4-
Spur-Kassettenrekorder aufgenommen hat.

„Ihr erstes Solo-Recital, und es ist ein Triumph!“, lautete das Fazit der Tageszeitung The Times in ihrer
5-Sterne-Rezension eines der 20 besten Klassikalben des Jahres 2024.
Die Künstlerin hat es sich zur Aufgabe gemacht, ein vollständigeres Bild der englischen Renaissancemusik
zu zeichnen. Mishka Rushdie Momen beschreibt ihre Erfahrung beim Spielen von Werken für Tasteninstrumente der Tudorzeit als „Begegnung mit einem Palast voller Reichtümer“. Von diesen Werken ist hier eine
vielfältige Auswahl zu hören. Das chartstürmende Debütalbum ist ein starkes Plädoyer dafür, diese frühen
Klavierwerke mit der ganzen Ausdruckskraft eines modernen Steinways zu spielen.
Der Titel erscheint als limitierte 180-g-LP in einer vollfarbigen Gatefold-Hülle und enthält umfangreiche
Begleittexte. Erstmals innerhalb dieser Reihe wurden die Aufnahmen von Sidney Claire Meyer in den Emil
Berliner Studios (EBS) gemastert – dem renommierten Team hinter den Serien „Original Source“ (DG)
und „Pure Analogue“ (Decca).

Stephen Houghs vier Klavierkonzerte von Sergei Rachmaninoff gelten seit Langem als Maßstab für dieses
bedeutende Repertoire. Unterstützt vom Dallas Symphony Orchestra unter Andrew Litton kehrte Hough
bewusst zur raschen und schlanken Aufführungstradition des Komponisten selbst zurück. Damit vermeidet
er den sentimentalen „Hollywood“-Ansatz, der für diesen preisgekrönten Rachmaninoff-Zyklus weit verbreitet ist.
Der Titel erscheint als limitierte Edition auf drei 180-g-LPs in einer vollfarbigen Gatefold-Hülle und enthält umfangreiche Begleittexte. Erstmals innerhalb dieser Reihe wurden die Aufnahmen von Sidney Claire
Meyer in den Emil Berliner Studios (EBS) gemastert – dem renommierten Team hinter den Serien „Original
Source“ (DG) und „Pure Analogue“ (Decca).

Nach den vielfach gelobten Aufnahmen von Bachs Johannespassion und dem Weihnachtsoratorium widmete
sich der renommierte Chorleiter Stephen Layton 2018 mit seinem Chor des Trinity College Cambridge Bachs
unvergleichlicher h-Moll-Messe. Dabei wurde er vom Orchestra of the Age of Enlightenment und den
Solisten Helen Charlston, Katherine Watson, Iestyn Davies, Gwilym Bowen und Neal Davies unterstützt.
Der Titel erscheint als limitierte Ausgabe auf zwei 180-g-LPs in einer vollfarbigen Gatefold-Hülle und
enthält umfangreiche Begleittexte. Erstmals innerhalb dieser Reihe wurden die Aufnahmen von Sidney
Claire Meyer in den Emil Berliner Studios (EBS) gemastert – dem renommierten Team hinter den Serien
„Original Source“ (DG) und „Pure Analogue“ (Decca).

LP aus der ”Luminessence” Serie.
Ein wesentlicher Meilenstein des europäischen Jazz der 1970er Jahre und zugleich eine Aufnahme, die
auch heute noch großartig klingt: Balladyna übte einen nachhaltigen Einfluss auf nachfolgende Generationen improvisierender Musiker aus – vor allem in Polen und Finnland, aber auch darüber hinaus. Wie
Tomasz Stańko selbst einmal sagte: „Mein internationaler Name wurde durch Balladyna geprägt.“ Auf der
Aufnahme wird der polnische Trompeter von seinem engen Weggefährten Edward Vesala am Schlagzeug
begleitet („Wir waren wie Brüder“, sagte Stanko später), sowie von Saxophonist Tomasz Szukalski und
Basslegende Dave Holland, den Produzent Manfred Eicher zu der Session eingeladen hatte. Obwohl es das
Debüt des Trompeters für das Label war, präsentiert die Aufnahme Stankos unverwechselbare melodische
Stimme bereits in einem ausgereiften Rahmen, während seine früheren, freieren Einflüsse noch im explosiven
Unterstrom der Band mitschwingen. Das Quartett erkundet die sieben Eigenkompositionen des Albums
mit großer rhythmischer Dynamik und melodischer Neugier. Balladyna wurde 1975 im Tonstudio Bauer
aufgenommen und von Manfred Eicher produziert.
Neu aufgelegt im Rahmen von ECM’s Luminessence-Reihe, erscheint Balladyna in einer Tip-on-GatefoldHülle mit neuen Linernotes und Fotos aus dem Archiv

Darauf haben die Fans gewartet: Tank and the Bangas lassen nach “Green Balloon“ (2019) und “Red
Balloon” (2022) mit “The Last Balloon” jetzt den dritten, besonders energiegeladenen und tanzbaren
Albumballon steigen. Die Band aus New Orleans wird von der charismatischen Frontfrau und Lyrikerin
Tarriona ”Tank“ Ball angeführt und gewann letztes Jahr den Grammy für das ”Best Spoken Word Poetry”-
Album.
“The Last Balloon” ist erneut ein knallbunter Mix aus Soul, Hip-Hop, R&B und Jazz und präsentiert Kollaborationen mit den Sängerinnen Ledisi und Jelly Joseph, der Musikerin Iman Omari und dem Pianisten Tane
Runo. Das Album balanciert zwischen Momenten tiefer Verletzlichkeit und Ausbrüchen überschäumender
Energie – ganz im Sinne der legendär dynamischen Live-Auftritte der Gruppe.

Nachdem er Mitte der 1950er Jahre mit “Afro-Cuban” und “‘Round About Midnight at the Café Bohemia” zwei frühe Klassiker für Blue Note aufgenommen hatte, feierte Trompeter Kenny Dorham 1961 mit
“Whistle Stop” ein fulminantes Comeback bei dem Label. Das Album, eingespielt mit einem erstklassigen
Hard-Bop-Quintett, enthält sieben Originale aus Dorhams Feder, die seine erstaunliche Vielfalt als Komponist unterstreichen. Scott Yanow gab der Aufnahme bei AllMusic 4,5 von 5 Sternen und schrieb: “Dorham
präsentiert hier lebhafte, frische und durchweg swingende Musik. Dies ist ein allgemein übersehenes, fast
schon klassisches Album.”

Port Noir ist eine dynamische und musikalische Grenzen überschreitende schwedische Progressive-Metal-Band, die 2013 die Szene im Sturm erobert hat. Das Trio aus Stockholm kreiert einen Sound, der ebenso intensiv wie fesselnd ist und Heavy Metal, Präzision, Atmosphäre und einen großartigen Groove gleichermaßen vereint. Bekannt für ihre mitreißenden und intensiven Live-Shows, haben sie sich einen Ruf als eine der interessantesten Bands des modernen Rock & Metal erworben.

Mit ihrem Debütalbum "Puls" aus dem Jahr 2014 haben sich Port Noir sofort von anderen Bands abgehoben und einen kühnen und einzigartigen Sound präsentiert, der sowohl heavy als auch komplex ist. Ihre Folgealben "Any Way the Wind Carries" (2017), "The New Routine" (2020) und "Cuts" (2022) haben ihre kreativen Grenzen noch weiter verschoben. Ihre Musik zeichnet sich durch kreative Kompositionen, minimalistische und kraftvolle Arrangements mit einem unverkennbaren Groove aus, der jeden Track mit Intensität und Energie vorantreibt.

Port Noirs Ambitionen sind unbestreitbar - sie folgen nicht einfach nur Trends, sondern wollen die Zukunft der Heavy-Musik mitgestalten. Ihr neues Album "The Dark We Keep" verspricht noch härter zu werden als ihre bisherigen Veröffentlichungen. Die Band hat einen aggressiveren und intensiveren Sound angekündigt, bei dem ihre charakteristische Mischung aus Alternative Metal und progressiven Einflüssen neue Extreme erreicht. Mit ihrem wachsenden Ehrgeiz und ihrer Experimentierfreudigkeit wird dieses nächste Kapitel ihrer musikalischen Reise sicherlich einen bleibenden Eindruck bei ihrer ständig wachsenden Fangemeinde hinterlassen.

"The Dark We Keep" ist als limitiertes Digipak, limitierte ultraklare LP und digitales Album erhältlich.

Das kanadische Progressive-Rock-Duo Crown Lands hat sich nach und nach zu einer der ambitioniertesten modernen Stimmen des Genres entwickelt und kehrt 2026 mit seinem bislang anspruchsvollsten und ausgereiftesten Werk zurück - "Apocalypse". Auf diesem Album hat die Band mit den renommierten Produzenten Nick Raskulinecz und David Bottrill (beide bekannt für ihre Arbeit mit Rush) zusammengearbeitet, deren gegensätzliche Ansätze die Entstehung des Albums geprägt haben.

Konzeptionell ist "Apocalypse" als vollständiges, narratives Erlebnis designed, das unter Berücksichtigung des klassischen Albumformats gestaltet wurde und sich als zusammenhängende Geschichte entfaltet, die im selben Universum wie ihr 2023 erschienenes Album "Fearless" spielt. Im Mittelpunkt des Albums steht der 19-minütige Titeltrack, ein ausuferndes Epos, das das Album sowohl musikalisch als auch narrativ verankert.

Letztendlich handelt "Apocalypse" von Veränderung, vom Ende einer Sache und dem ungewissen Beginn einer anderen. Dieses Thema findet nicht nur in der Science-Fiction-Erzählung des Albums Widerhall, sondern auch in der Entwicklung von Crown Lands selbst, die eine Band zeigen, die ihre Vision vollkommen beherrscht und bereit ist, alle bisher gesetzten Grenzen zu überschreiten.

Erhältlich als limitierte CD-Edition, Gatefold-LP in Neongelb und als digitales Album.

Rythm Of Paradise launches his brand new label “Ritmo Adriatico” with "Divina EP", a sonic manifesto of Italian house music. This four-track journey blends the power of main stages with the warm intimacy of clubs, always driven by a profoundly Mediterranean soul. A first release that doesn't just present a sound, but tells a story.

The EP opens with main track "Divina" , powerful and immediate groove built for the dance floor, wrapped in warm atmospheres and bright pads that create a sense of high energy, with emotional breaks that reminds French Kiss sound.

Followed by its remixed version of Divina by St. David where he reimagined and elevate the impact on main stages. The bass becomes more prominent, the groove expands, and the voice became more hypnotice, without ever falling into cliché.

B1. Italia Novanta is where, Ritmo Adriatico reveals its beating heart. "Italia novanta " is a respectful and modern tribute to the golden era of Italo House, diving into the Mediterranean soul of the 90s, reinterpreted with today's power.

Closing with B2. Te Quiero where takes the dreamy atmospheres and immerses them in a deep, meditative dub treatment of spacious bass lines and captivating Italo house piano licks.

Written and Produced by Michele Lamacchia.
Mixed & Mastered by St. David

Never Sleep charity tape series lands in the Athens on Spree for an era defying multi genre workout from 2005.

Prototype Reaktor methodologist Errorsmith blows the dub techno expectations away with a mix released on his website and limited CDR that aligns itself as much with early Jackmaster or Diplo sensibilities as much as it does "Ron Hardy - Live at the AKA" purist panache.

Recorded rapid fire Errorsmith sets the trends with liquid gold Dancehall, Jitterbug club, Grime and acidic Ragga.

Challenging any Traxsource ambassadorship, complex concordance for the Soulsee pundit. Covalent bonding tones with granular paced blends, mystical loop rearrangements, combilising genre metamorphosis and "DANCE ON THE KITCHEN TABLE" NRG. Errorsmith switches gears, sets the expectations high and flows like the river Fuldas on a summer's evening

A beautiful nano moment that allowed Berlin to breathe from a different musical atmosphere and dance to a less fixated rhythm.

All proceeds go to Médecins Sans Frontières (MSF) who provide humanitarian care in crisis situations across the globe.