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Mit Selbstbewusstsein und Präzision kehrt der sich ständig weiterentwickelnde Musiker, Produzent und Rapper Ishmael Butler als Shabazz Palaces mit It's a Style Sport zurück. It's a Style Sport bleibt dem Stil von Shabazz Palaces treu - mit seiner gewagten Mischung aus experimentellem Hip-Hop und freier Poesie - und offenbart gleichzeitig eine nachdenklichere und direktere Seite des Musikers aus Seattle. ,It's a Style Sport" zeigt, wie Butler das, was er in seiner legendären Karriere gelernt hat, zu einem verspielten, schillernden Portal zusammenfügt und sich damit erneut als Künstler mit chamäleonartigem Ehrgeiz beweist, angetrieben von Neugier, Mut und grenzenloser Fantasie. Das Album ist das Ergebnis einer gemeinschaftlichen Zusammenarbeit mit vielen Mitgliedern von Butlers Tourband: Evan Flory-Barnes am Kontrabass und E-Bass; Thaddeus Turner an Gitarre, Keyboards und Gesang; Kassa Overall am Schlagzeug; Gerald Turner am Bass und Gesang; Marquetta Miller am Gesang; und Carlos Overall am Saxophon. Butlers langjähriger Freund und Mitstreiter Erik Blood übernahm Instrumentierung, Produktion und Abmischung. Auf It's a Style Sport wird ein Bild von Butlers früheren Leben als Rapper und Performer seiner heutigen Persönlichkeit gegenübergestellt - provokativ und aufschlussreich zugleich. Im Kern ist It's a Style Sport eine Ode an die Rap-Szene vergangener Jahre, als der spielerisch-wettbewerbsorientierte Ehrgeiz das Genre dazu trieb, seine Kollegen stets zu übertrumpfen, zu überholen und an Raffinesse zu übertreffen.

The third and final full-length, double album from the Elephant 6 Recording Co. co-founders. Their first record in 27 years from the Athens, GA band. A legend is a heavy thing to carry. It has been 27 years since the last album by The Olivia Tremor Control. In that time, they have influenced countless bands, been the subject of documentaries and biographies, and now, finally, improbably, there is a third Olivia Tremor Control album. In the 1990s, The Olivia Tremor Control released two albums of experimental and psychedelic pop genius, Music from the Unrealized Script: Dusk at Cubist Castle (1996), and Black Foliage: Animation Music Vol. 1 (1999). As founding members of the Elephant 6 collective, they redefined the US underground scene, injecting bright paisley colors and sonic adventure into a scene weighed down by grim irony and a fear of pretension. Work began on the album as far back as 2005 but progress was slowed by other projects, other responsibilities, but in 2010, the band of Hart, Doss, John Fernandes, Pete Erchick, Eric Harris, and Derek Almstead began to record. By 2011 The Olivia Tremor Control had reemerged as a fully active band and added AJ Griffin to the lineup as well as touring members Scott Spillane and Robbie Cucchario. The band was now recording constantly and were fast on their way to completing the album. Then in the summer of 2012, Bill Doss suddenly, tragically passed away. With everyone still in shock and grieving, work on The Same Place came to a halt. Every attempt to resume the project stalled until 2023, when, after watching the Elephant 6 Documentary, Athens producer/musician Jason NeSmith came on board to help. In 2024, with the album nearly finished, Will Hart unexpectedly passed away. Drawing on Will's extensive collections of notes, The Same Place was finally completed by the surviving band members, the broader Elephant 6 community, and producers Derek Almstead, Jason NeSmith, and Ron Kwasman. The Same Place does everything The Olivia Tremor Control ever did well. It also does it better, and goes further, than anyone could have imagined was possible.

Die chaotische Kometenreise des Polka Dot Girl geht weiter Ihr Jangle-Sound kommt in vielen Farben daher, denn ,This and That" vereint triumphale, liebeskranke Ohrwürmer mit selbstreferenzieller Lyrik. Durchdrungen von texanischer Tradition, mit Umwegen über Dunedin, Glasgow und Olympia. Ich liebe die Shaker und die Beckenklänge. Die Akkordwechsel und die Girl-Group-Einlagen sind genau richtig. Das erinnert an die Titelmelodie einer Kindersendung. 10 Songs, 33 U/min.

Wie Amerika selbst ist auch die Geschichte von Chess Records eine Geschichte von Chancen in neuen Ländern, in denen Grenzen zwischen Hautfarbe und Kultur überwunden wurden, um Rhythm and Blues-Musik
zu schaffen, die Zuhörer auf der ganzen Welt beeinflusste. Das beeindruckende Künstleraufgebot von Chess
– und seine Gründer – haben den Blues von Volksmusik zu populärem Sound weiterentwickelt und verändert.
Chess Records wurde 1950 von den polnischen Einwanderern Leonard und Phil Chess gegründet und entstand im Süden Chicagos, aber der Einfluss ist weltweit und über Generationen der Popmusik hinweg spürbar
– von Acts der British Invasion wie den Beatles, den Rolling Stones und Eric Clapton, die Chess-Künstler
als ihre Vorbilder nannten, bis hin zu den heutigen Stars wie Beyoncé, Jack White, Questlove und Bruce
Springsteen.
Die fortlaufende monatliche Serie wird Veröffentlichungen von legendären Künstlern aus dem renommierten
Chess-Kader präsentieren, diesmal Chuck Berry ”Back Home” und Muddy Waters ”Sing ”Big Bill” Broonzy.

Wie Amerika selbst ist auch die Geschichte von Chess Records eine Geschichte von Chancen in neuen Ländern, in denen Grenzen zwischen Hautfarbe und Kultur überwunden wurden, um Rhythm and Blues-Musik
zu schaffen, die Zuhörer auf der ganzen Welt beeinflusste. Das beeindruckende Künstleraufgebot von Chess
– und seine Gründer – haben den Blues von Volksmusik zu populärem Sound weiterentwickelt und verändert.
Chess Records wurde 1950 von den polnischen Einwanderern Leonard und Phil Chess gegründet und entstand im Süden Chicagos, aber der Einfluss ist weltweit und über Generationen der Popmusik hinweg spürbar
– von Acts der British Invasion wie den Beatles, den Rolling Stones und Eric Clapton, die Chess-Künstler
als ihre Vorbilder nannten, bis hin zu den heutigen Stars wie Beyoncé, Jack White, Questlove und Bruce
Springsteen.
Die fortlaufende monatliche Serie wird Veröffentlichungen von legendären Künstlern aus dem renommierten
Chess-Kader präsentieren, diesmal Chuck Berry ”Back Home” und Muddy Waters ”Sing ”Big Bill” Broonzy.

Der legendäre Dance-Klassiker „Bla Bla Bla“ von Gigi D‘Agostino erscheint jetzt als hochwertige 12“ Picture Vinyl – ein echtes Highlight für Sammler und Fans elektronischer Musik.

Diese exklusive Edition vereint insgesamt fünf verschiedene Versionen des weltbekannten Club-Hits, der mit seinem unverwechselbaren Sound und Kultstatus bis heute die Tanzflächen begeistert. Das aufwendig gestaltete
Picture Vinyl macht diese Veröffentlichung nicht nur zu einem musikalischen, sondern auch zu einem optischen Sammlerstück.

Ob als Erinnerung an die goldene Zeit der Dance-Musik oder als besondere Ergänzung jeder Vinyl-Sammlung – „Bla Bla Bla“ auf 12“ Picture Vinyl ist ein Muss für alle Fans von Gigi D‘Agostino und zeitlosen Club-Klassikern

“Simply put, it’s unlikely we’ll encounter a mix that leaves a cultural footprint and defines the sound of a generation quite like Northern Exposure again. Both mixes are absolutely 100% astoundingly brilliant”

DJ Mag

“Their best-loved mix CD is a trippy traipse through the verdant world of progressive house, a genre with one foot in the rave and the other somewhere in the great beyond” Rolling Stone - The 30 Greatest EDM

Albums Of All Time

Originally released on 27th September 1996, ‘Northern Exposure’ is widely regarded as one of the greatest mix compilations ever made. Thirty years on, it sounds as vital as ever - a testament to the fearless vision that went into its creation.

At a time when DJ culture was still writing its own rules, Sasha and John Digweed pushed against the grain. Drawing on sounds discovered during early trips to America - from Rabbit in the Moon to Future Sound of London - they built something that prioritised atmosphere over dancefloor convention. DJ Mag panned it on release. History changed their tune.

Northern Exposure Redux marks the 30th anniversary with a definitive reissue of both original mixes. The CD version also includes a newly created ambient mix. Shaped by the spirit of Bill Laswell and Mad Professor, it explores the deeper, more hypnotic DNA that always ran beneath the surface. Northern Exposure Redux North includes classic tracks by Keiichi Suzuki, The Future Sound Of London, and Banco de Gaia. Northern Exposure Redux South includes classic tracks by Dope On Plastic, Pete Lazonby, and a newly recreated version of ‘Dark And Long (Dark Train)’ by none other than Darren Emerson himself. Both vinyl versions also include a download code for both the North And South mixes, as well as the individual tracks.

Canonical then. Essential now.

Energy Exchange Ensemble follow-up on the acclaimed 'Vol.1' continuing the legacy of label-curated studio sessions by in-house production duo, Lewis Moody and Ziggy Zeitgeist.

Offering a unique take on the 'Various Artist' compilation in the sense that the production team have enlisted an A list of players in informal jam sessions, gracefully guiding the sessions into their own unique brand of dancefloor and spiritual jazz.

In the spirit of cultural exchange and spontaneity the sessions are gathered over the course of a few years between Berlin, London and Melbourne. Naturally boasting a long list of collaborators including Erica Tucceri (Deep Matter), King Owusu (Jembaa Groove), Oscar Jerome, Hurcules (Kokoroko), Nathan Haines (ChilliFunk records) to name a few.

This is a unique and creative setting for the duo to explore a more intimate and exploratory approach in the studio further cementing their reputation as a dynamic and innovative team in contemporary jazz crossover.

The seminal psych-rock classic The Evil One by Roky Erickson And The Aliens is reissued by Fire Records in a deluxe 15-track edition, restoring the original front cover from San Francisco’s 415 Records release for the first time since 1981. Presented across two LPs cut at 45 rpm for maximum sonic depth and clarity, the release brings together the complete recordings from the legendary 1978 and 1979 sessions. The package includes a collector’s booklet with liner notes by acclaimed Austin music journalist Joe Nick Patoski, who attended a recording session for The Evil One in 1979. Alongside rare photographs and archival images from the collection of Roky’s then manager, Craig Luckin.

Following his release from Rusk State Hospital in 1974, Erickson formed The Aliens and channelled his experiences and fascination with horror and science fiction into a singular new sound. Moving beyond the psychedelic garage blues of the 13th Floor Elevators, the band created harder, more ferocious rock built around jagged guitars, strange melodies and a propulsive rhythm section.

Produced by Creedence Clearwater Revival bassist Stu Cook, The Evil One includes some of Erickson’s most celebrated recordings, including ‘Two Headed Dog’, ‘I Walked With A Zombie’ and ‘It’s A Cold Night For Alligators’. Erickson’s unmistakable voice and surreal lyrics, populated by zombies, demons, vampires and atomic monsters, gave the album a character unlike anything else in rock. Both the LP and CD editions feature rare photographs and images from the archive of Erickson’s then manager and the sessions’ executive producer, Craig Luckin.

The Evil One has since become a landmark of cult rock, with its songs covered by generations of artists and its influence extending across punk, alternative and psychedelic music. As Craig Luckin recalls, “Roky considers The Evil One to be his favourite album that he ever recorded. He really loves that album.”

Austin music journalist Joe Nick Patoski, who attended one of the album’s 1979 sessions, contributes a new essay to the LP and CD packaging, exploring Erickson’s extraordinary career, enduring influence and place in Texas rock history.

More than a standalone reissue, this deluxe edition of The Evil One opens an exciting new series honouring Roky Erickson’s extraordinary body of work, with Gremlins Have Pictures and Don’t Slander Me to follow in 2027.

The seminal psych-rock classic The Evil One by Roky Erickson And The Aliens is reissued by Fire Records in a deluxe 15-track edition, restoring the original front cover from San Francisco’s 415 Records release for the first time since 1981. Presented across two LPs cut at 45 rpm for maximum sonic depth and clarity, the release brings together the complete recordings from the legendary 1978 and 1979 sessions. The package includes a collector’s booklet with liner notes by acclaimed Austin music journalist Joe Nick Patoski, who attended a recording session for The Evil One in 1979. Alongside rare photographs and archival images from the collection of Roky’s then manager, Craig Luckin.

Following his release from Rusk State Hospital in 1974, Erickson formed The Aliens and channelled his experiences and fascination with horror and science fiction into a singular new sound. Moving beyond the psychedelic garage blues of the 13th Floor Elevators, the band created harder, more ferocious rock built around jagged guitars, strange melodies and a propulsive rhythm section.

Produced by Creedence Clearwater Revival bassist Stu Cook, The Evil One includes some of Erickson’s most celebrated recordings, including ‘Two Headed Dog’, ‘I Walked With A Zombie’ and ‘It’s A Cold Night For Alligators’. Erickson’s unmistakable voice and surreal lyrics, populated by zombies, demons, vampires and atomic monsters, gave the album a character unlike anything else in rock. Both the LP and CD editions feature rare photographs and images from the archive of Erickson’s then manager and the sessions’ executive producer, Craig Luckin.

The Evil One has since become a landmark of cult rock, with its songs covered by generations of artists and its influence extending across punk, alternative and psychedelic music. As Craig Luckin recalls, “Roky considers The Evil One to be his favourite album that he ever recorded. He really loves that album.”

Austin music journalist Joe Nick Patoski, who attended one of the album’s 1979 sessions, contributes a new essay to the LP and CD packaging, exploring Erickson’s extraordinary career, enduring influence and place in Texas rock history.

More than a standalone reissue, this deluxe edition of The Evil One opens an exciting new series honouring Roky Erickson’s extraordinary body of work, with Gremlins Have Pictures and Don’t Slander Me to follow in 2027.

Info Deutsch:

Nach „EBM“ aus dem Jahr 2022, einer Zusammenarbeit mit dem Elektronik-Produzenten Benjamin John Power alias Blanck Mass, haben Editors auf „Surface, Echo & Sound“ völlig neue Wege eingeschlagen. Als sich die Band im Sommer 2025 wieder zusammenfand, um an einem Nachfolger zu arbeiten – nachdem die drei vorangegangenen Alben weitgehend als Studio-Projekte geschrieben und aufgenommen worden waren –, hatten die Editors das Bedürfnis, zu einem natürlicheren Ansatz zurückzukehren, der an ihre Anfänge erinnerte: als sie in einem Proberaum in Stafford saßen und sich gegenseitig gegenüberstanden, während sie gemeinsam an den Songs arbeiteten.



Ähnlich wie bei seinem letztjährigen Soloalbum „There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light“ verfolgte Frontmann Tom Smith auch bei dem neuen Material der Editors einen ähnlich reduzierten, akustikbasierten Ansatz: Er brachte eine Auswahl an Songs zur Band, damit sie diese gemeinsam spielen konnten, probierte verschiedene Dinge aus und schaute, wohin die Reise ging. Was die Entstehung des Albums angeht, „war es ein sehr produktiver Sommer“, sagt Smith. „Die Sonne schien die meiste Zeit, wir waren im grünen Gloucestershire, nicht weit von meinem Wohnort entfernt, in diesem unscheinbaren kleinen Gewerbegebiet – es war so ziemlich das Gegenteil von Berghain!“

„Surface, Echo & Sound“ ist als LP, Ltd. Col.LP CD und digital über Play It Again Sam erhältlich.



Info Englisch:

Following on from 2022’s EBM, a collaboration with electronic producer Benjamin John Power, aka Blanck Mass, on Surface, Echo & Sound, Editors have found themselves somewhere new entirely. When the band regrouped in summer 2025 to work on a follow-up, after three albums written and recorded very much as in-the-studio projects, Editors felt they wanted to go back to a more natural approach, something that harked back to their earliest days, sat in a practice room in Stafford, facing each other as they worked through songs together.



Like on last year’s solo record There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light, frontman Tom Smith took a similar stripped back, acoustic-based approach to the new Editors material, bringing a selection of songs to the band for them to play together, trying different things out, and seeing where they went. In terms of creating the record, “It was a very productive summer,” says Smith. “The sun was out for the most part, we were in greenest Gloucestershire, not far from where I live, on this innocuous little industrial estate – it was pretty much the opposite of being in Berghain!”



Surface, Echo & Sound is available on LP, Ltd. Col. LP and CD & Digital via Play It Again Sam.

Info Deutsch:

Nach „EBM“ aus dem Jahr 2022, einer Zusammenarbeit mit dem Elektronik-Produzenten Benjamin John Power alias Blanck Mass, haben Editors auf „Surface, Echo & Sound“ völlig neue Wege eingeschlagen. Als sich die Band im Sommer 2025 wieder zusammenfand, um an einem Nachfolger zu arbeiten – nachdem die drei vorangegangenen Alben weitgehend als Studio-Projekte geschrieben und aufgenommen worden waren –, hatten die Editors das Bedürfnis, zu einem natürlicheren Ansatz zurückzukehren, der an ihre Anfänge erinnerte: als sie in einem Proberaum in Stafford saßen und sich gegenseitig gegenüberstanden, während sie gemeinsam an den Songs arbeiteten.



Ähnlich wie bei seinem letztjährigen Soloalbum „There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light“ verfolgte Frontmann Tom Smith auch bei dem neuen Material der Editors einen ähnlich reduzierten, akustikbasierten Ansatz: Er brachte eine Auswahl an Songs zur Band, damit sie diese gemeinsam spielen konnten, probierte verschiedene Dinge aus und schaute, wohin die Reise ging. Was die Entstehung des Albums angeht, „war es ein sehr produktiver Sommer“, sagt Smith. „Die Sonne schien die meiste Zeit, wir waren im grünen Gloucestershire, nicht weit von meinem Wohnort entfernt, in diesem unscheinbaren kleinen Gewerbegebiet – es war so ziemlich das Gegenteil von Berghain!“

„Surface, Echo & Sound“ ist als LP, Ltd. Col.LP CD und digital über Play It Again Sam erhältlich.



Info Englisch:

Following on from 2022’s EBM, a collaboration with electronic producer Benjamin John Power, aka Blanck Mass, on Surface, Echo & Sound, Editors have found themselves somewhere new entirely. When the band regrouped in summer 2025 to work on a follow-up, after three albums written and recorded very much as in-the-studio projects, Editors felt they wanted to go back to a more natural approach, something that harked back to their earliest days, sat in a practice room in Stafford, facing each other as they worked through songs together.



Like on last year’s solo record There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light, frontman Tom Smith took a similar stripped back, acoustic-based approach to the new Editors material, bringing a selection of songs to the band for them to play together, trying different things out, and seeing where they went. In terms of creating the record, “It was a very productive summer,” says Smith. “The sun was out for the most part, we were in greenest Gloucestershire, not far from where I live, on this innocuous little industrial estate – it was pretty much the opposite of being in Berghain!”



Surface, Echo & Sound is available on LP, Ltd. Col. LP and CD & Digital via Play It Again Sam.

Yr Knives is a Chicago instrumental quartet built around two very different guitar voices. The band came together sideways: composer Paul Karner wanted guitarists Andrew Trim and Brian Sulpizio to play disparate parts on a recording of his own, and when the two finally rehearsed together, a band fell into focus. Trim leads the groups Hanami and Retroreflector; Sulpizio is the constant behind Health and Beauty. Anchoring them are two Chicago mainstays, bassist Douglas McCombs (Tortoise, Eleventh Dream Day) and drummer Quin Kirchner. Two of them come up as rock and roll players, two as jazz players, and the music lives in how closely they listen across those languages.

Their debut, Begin Yr Singing, centers on two overdriven guitars merging into something neither could produce alone, over a rhythm section that can lock a groove or let it drift. The result is exploratory but grounded, "a searching music," in Trim's words, that asks questions it doesn't always answer and shifts from one performance to the next. Recorded live in a single room at Chicago's Palisade studio with Nick Broste engineering and mixed by Cooper Crain with Sulpizio, the six tracks draw on Sonny Sharrock, Neil Young and Crazy Horse, Albert Ayler, Erik Satie, and Television. The band has toured supporting The Messthetics.

Elena Tonra belebt ihr Soloprojekt Ex:Re neu und prasentiert mit "Save As" ein tief emotionales, atmospharisches Album. Hypnotische Gitarren, intime Erinnerungen und Tonras unverwechselbare Stimme formen Songs, die wie innere Reisen wirken. Die Single "Radio Station" zeigt ihre Fahigkeit, personliche Fragmente in eindringliche Klangwelten zu verwandeln. "Save As" knupft an die rohe Intensitat ihres Debuts an und offnet erneut einen Raum fur radikale Ehrlichkeit und beruhrende Selbstreflexion.

,Tidals" ist das Debütalbum der US-Band Spotlights und wird zum 10-jährigen Jubiläum am 30. Oktober 2026 erstmals breit als remasterte Vinyl- und Digitalversion neu veröffentlicht. Das Album legte den Grundstein für die Karriere der Band und erregte sogar die Aufmerksamkeit der Deftones, die Spotlights früh auf Tour mitnahmen. Das Trio um Mario Quintero, Sarah Quintero und Chris Enriquez verbindet auf ,Tidals" atmosphärischen Shoegaze, Doom, Sludge und melodischen Alternative Rock zu einem Sound, der ebenso heavy wie wie eindringlich ist. Die Jubiläumsausgabe erscheint als limitierte ,Deep Space Splatter"-Vinylauflage und erinnert an den Beginn einer Band, die heute zu den wichtigsten Vertretern moderner, melodischer Heavy-Musik zählt.

Elena Tonra belebt ihr Soloprojekt Ex:Re neu und prasentiert mit "Save As" ein tief emotionales, atmospharisches Album. Hypnotische Gitarren, intime Erinnerungen und Tonras unverwechselbare Stimme formen Songs, die wie innere Reisen wirken. Die Single "Radio Station" zeigt ihre Fahigkeit, personliche Fragmente in eindringliche Klangwelten zu verwandeln. "Save As" knupft an die rohe Intensitat ihres Debuts an und offnet erneut einen Raum fur radikale Ehrlichkeit und beruhrende Selbstreflexion.

Amazing Album! Following his remix on Massiel's Echoform, Nicolas Barnes returns to Devilish Affair for his first full EP on the label, joining Genning for the label's first double LP. Each producer contributes three original tracks before remixing one another, bringing together eight tracks that showcase two different but complementary approaches to deep electronic music. While Barnes leans into darker, dubby grooves, Genning brings a brighter, more driving energy, giving the record a natural balance from beginning to end. The artwork features a photograph taken by Devilish Affair founder Eric Louis while hiking through The Narrows in Zion National Park. A winding stream cuts between shadow and sunlight beneath towering canyon walls, creating a scene that feels right at home alongside the music. Whether you're listening at home or deep into a late-night set, Through the Narrows is meant to be experienced as a complete journey across four sides of vinyl

Pure loveliness. Proper music-making,
DIY Classical, but nothing slapdash or posey. Intimate and tentative, seamed with risk, occasional mis-steps, dodgy tuning, minor technical fuck-ups; but driven by gripping, stilled dedication and deep musical understanding.
Double bass, electric guitar, flute, melodica, singing; recorded at home in NYC, on dodgy gear, with snug, woody, shhshh-ing, analogue-style ambience.
The trio hovers between cheerful relish - who’s that giggling at the back - and hushed, humble reverence, basking in the processes of musical communion and learning. They play like they are gingerly passing on a precious, fragile gift; but without prissy conceit.
Luminous selections from the last six hundred years - John of Dunstable meets Friedrich Nietzsche - are lovingly arranged by the group, with a bent for stripped-to-the-bone, emotionally restrained sublimity, steady as she blows.
Very warmly recommended. Soul food.

Ein Deluxe-Box-Set zum 45. Jubiläum von Mötley Crües Debütalbum „Too Fast For Love“. Es enthält den
„Heiligen Gral“ für alle Fans: die ursprüngliche Version des Albums von Leathür Records. Sie unterscheidet
sich durch einen anderen Mix und eine abweichende Tracklist. Ebenfalls enthalten sind die Version von
Elektra Records aus dem Jahr 1982, die legendären, bislang unveröffentlichten Live-Aufnahmen aus dem
Perkins Palace (1982), ihre allererste Studiosession vom März 1981 sowie eine Demo-Session – ergänzt
durch Nachbildungen ihrer ursprünglichen 7-Zoll-Single und der Demo-Kassette. Ein 100-seitiges Fotobuch
im Hardcover-Format (ca. 30 x 30 cm) präsentiert zahlreiche bisher unveröffentlichte Fotos von Don Adkin
und Kevin Estrada, engen Vertrauten der Band, sowie Aufnahmen seltener Erinnerungsstücke aus dem Jahr
1981. Zudem sind Nachbildungen der frühen Pressemappe, eines Songtextbuchs, eines Posters und eines
Autoaufklebers enthalten.

„The Who By Numbers“, das Anfang Oktober 1975 erschien, ist das siebte Studioalbum von The Who
und stellte einen Wendepunkt für die Band dar, da die Songs größtenteils introspektiver und persönlicher
waren als ihre bisherigen Veröffentlichungen. Das Album war ein kommerzieller Erfolg und erreichte Platz
8 der US-Billboard-Charts sowie Platz 7 in Großbritannien, was zum Teil auf den Erfolg eines der leichteren
Stücke des Albums zurückzuführen war: „Squeeze Box“ wurde zu einem internationalen Hit und schaffte
es in Großbritannien in die Top Ten, in den USA in die Top 20 und in Kanada auf Platz 1.
50 Jahre später wird „The Who By Numbers“ im Oktober dieses Jahres als Super-Deluxe-Edition-Box
mit 5 CDs und 1 Blu-ray neu aufgelegt. Diese enthält ein 100-seitiges Hardcover-Buch mit Fotos, Erinnerungsstücken und exklusiven Anmerkungen von Pete Townshend und dem Who-Experten Andy Neill, 92
unveröffentlichte Titel und Mixe, brandneue Atmos-, 5.1- und Stereo-Mixe von Pete Townshend, 11 von
Petes Original-Demos für das Album, Aufnahmesessions aus den Ramport- und Shepperton-Studios, frühe
Mixe, Guide-Vocals, die bislang umfassendste Version von „Live At Vetch Field, Swansea, Wales, 12. Juni
1976“ sowie auf der Blu-ray Audio- und Videomaterial von einem bisher unveröffentlichten Who-Konzert,
das auf 2-Zoll-Videoband im Metropolitan Stadium in Pontiac, Michigan, aufgenommen wurde.

This is Acid – for the deep, driving, uplifting after-hours. It's also a pure Acid remedy, sorely needed to elevate today's Techno dancefloors. With absolutely hands-in-the-air stabs, the Moon Creator EP nods to the best of the '90s Dutch club scene, while always staying true to the Acid game with its continuous double-303 sequencing. Swedish trio The Sysop – aka Pascal Mayet, Jonas Månsson, and Erik Jäähalli (of Börft Records) – present a beautifully melodic EP. In the right hands, this will impress dancers with their eyes closed.

'You & Me', 'The Ballad of John Henry' and 'Live from the Royal Albert Hall'.
It is in a live setting where Joe Bonamassa the performer really thrives and in May
2009, he played the historic Royal Albert Hall in London. It was an incredible
memory for everyone present and one of his greatest live performances has been
remastered on high- quality 180g heavyweight triple vinyl for the first time. The
majestic evening saw him glide through his back catalogue of original hits as well
as inspired covers and featured guest performances from Eric Clapton and Paul
Jones – truly a special night to savour.
With 25 #1 albums, yearly sold-out tours worldwide and custom annual cruises,
he's a hard act to beat. These albums are a testament to his credentials and a
toast to his longtime fans who remember them originally and new fans who can
experience them for the first time. It's Joe Bonamassa at his finest, ready to rock.

The third 7" box set from We Jazz Records, including five 7" releases from 2020-2021 (WJ0711-WJ0715) and including a sheet with release info plus a We Jazz sticker. Features The Stance Brothers, Antti Lötjönen, Koma Saxo, Eric Malmberg, Otis Sandsjö and Tampo.

,Every Martyr Is A Universe" ist das Constellation-Debüt des palästinensisch-kanadischen Gitarristen, Komponisten und Community-Organisators Bilal Nasser. Das Album entstand während der studentischen Protestbewegungen gegen den Krieg in Gaza und setzt sich mit der Frage auseinander, welche Bedeutung Kunst in Zeiten von Gewalt, Verlust und politischer Krise haben kann. Daraus entwickelt Nasser eine musikalische Reflexion über Trauer, Solidarität, Erinnerung und Widerstand. Bekannt für seine Verbindung von klassischer Gitarre, Folk-Traditionen und zeitgenössischen Einflüssen erweitert Nasser auf diesem Album seinen bisherigen Solosound erstmals um ein größeres Ensemble. Gemeinsam mit neun Musikerinnen und Musikern aus seinem kreativen Umfeld in Windsor, Ontario, schuf er vielschichtige Arrangements für Streicher, Bläser, Elektronik und Gitarren, die dem Album eine orchestrale und zugleich intime Atmosphäre verleihen. Das Ergebnis ist ein tiefgründiges, emotionales und ambitioniertes Werk, das klassische Komposition, Folk, Post-Rock und experimentelle Klänge miteinander verbindet. ,Every Martyr Is A Universe" ist zugleich persönliches Statement und kollektiver Ausdruck von Erinnerung, Hoffnung und Widerstandskraft.

*Originally pressed in 2021 - this is a brand new master and cut.**

In partnership with Analogue Foundation, Oshu Records is proud to present the exclusive vinyl repress of "Laroyê" in a thick cardboard tip-on gatefold jacket on 2x 180g vinyl.

Acclaimed Hungarian, Berlin-based producer, composer and pianist Àbáse (AKA Szabolcs Bognár) returns, sharing a special, 5 anniversary remaster of his breakthrough project 'Laroyê'. Releasing on Friday 1 May via Bridge The Gap & Oshu Records, this sensitive exploration of Afro-Brazilian culture originally began as an audio diary, documenting Szabolcs’ travels and collaborations in Brazil through a collection of voice memos, fragmented beats, sketches and field recordings. As his journey progressed, and his collaborations and research deepened, the music project started to take on its own life:

"Laroyê evolved through weeks and months of research and collaborations into the album that it is now. That means that all the sessions were done in different apartments, small studios, often with borrowed equipment, which all adds to the character, but makes the creation of a coherent sound a challenge. Benjamin Tierney, Erik Breuer and Analogue Foundation did an incredible job with the mixes and with this new remaster. I truly believe that we are able to hear the tracks in a new light, with even more depth and clarity."

Coming from the West African Yoruban language, Àbáse stands for "collaboration" – a key element of the music perfectly encapsulated on 'Laroyê'. Recorded in Rio de Janeiro and Salvador, Àbáse spent five months working with diverse artists, from young talents to veterans of the Brazilian scene including Letieres Leite, Luciane Dom, Dofono d'Omolu, Afrojazz and more. The album explores the rich heritage of afro-brasilian culture through samba, MPB and Candomblé, mixing these with broken beat, hip hop and afrobeat, creating a contemporary homage to the classic Brazilian sound. Szabolcs shares:

"Despite already leading and managing musical projects that are close to my hearth, I always felt that one day I would like to start a solo project, where I could take full responsibility for the artistic direction and the music would reflect a truly personal vision. In 2017, I decided to take five months to fulfil a childhood dream and travel to Brazil to expand my creative horizon and expose myself to new influences."

An album standout is the bass-heavy, afro-brazilian ‘Agangatolú, which Àbáse describes as "best exemplifying the story and concept of Laroye as a collaborative effort - a research project exploring the rich heritage of Afro Brazilian culture through my own lens." The track features singers and percussion players Jadson Xabla and Gabriel Santana - two artists based out of one of the oldest terreiros (houses of worship) in Bahia, whilst drummer Jorge Dubman is an integral part of one of the most famous afrobeat bands from Salvador IFA. The contributions of one of Szabolcsoldest collaborators - Hungarian flautist Fanni Zahar - also made the track a full-circle moment.

On a quest for cosmic grooves of unity, Àbáses music pulls from an eclectic blend of global reference points, including modal jazz, Hungarian folk, West African, Brazilian, hiphop and underground electronic music. His work has drawn widespread critical acclaim from the likes of MOJO, Songlines, Soulection and The Guardian, and been supported by key tastemakers including Gilles Peterson, Jamz Supernova and BAMBII. As a keyboard player, Szabolcs has also collaborated with the likes of Wayne Snow, Dele Sosimi, Patti Smith, Emmanuel Wilkins, Gulty Simpson and Zeitgeist Freedom Energy Exchange.

'Laroyê' (2026 Remaster) will release on Friday 1st May via Bridge The Gap & Oshu Records.

- 2026 Edition, gepresst auf apricotfarbenem Vinyl - Erweitertes Gatefold-Cover - Enthält ein 20-seitiges Booklet mit seltenen Fotos und Liner Notes von Lenny Kaye sowie Beiträgen von Nick Cave und Devendra Banhart. Karen Daltons Album ,In My Own Time" aus dem Jahr 1971 gilt als wahres Meisterwerk einer der geheimnisvollsten, rätselhaftesten und nachhaltig einflussreichsten Künstlerinnen der Musikgeschichte. Das neu erweiterte, 20-seitige LP-Booklet mit selten gezeigten Fotos, Liner Notes des Musikers und Autors Lenny Kaye sowie Beiträgen von Nick Cave und Devendra Banhart rundet das Paket ab. Die in Oklahoma aufgewachsene Karen Dalton (1937-1993) brachte eine Vielzahl von Einflüssen in ihr Werk ein. Wie Lenny Kaye in den Liner Notes schreibt, hört man den Jazz von Ella Fitzgerald und Billie Holiday, die Intensität von Nina Simone, den Appalachen-Gesang von Jean Ritchie sowie den R&B und Country, die auf ihrem Weg nach New York unweigerlich in ihre Musik einflossen. Ausgestattet mit einem Langhalsbanjo und einer 12-saitigen Gitarre hob sich Dalton durch ihren unverwechselbaren, lebensmüden Gesang von ihren Kollegen ab. In den frühen 60er Jahren wurde sie zu einer festen Größe in der Folk-Szene von Greenwich Village, wo sie traditionelles Material, Blues-Standards und die Songs ihrer Zeitgenossen interpretierte, darunter Tim Hardin, Fred Neil und Richard Tucker, den sie später heiratete. Bob Dylan war unterdessen sofort von ihrer Kunst begeistert. ,Meine Lieblingssängerin dort war Karen Dalton", erinnerte er sich in *Chronicles: Volume One* (Simon & Schuster, 2004). ,Karen hatte eine Stimme wie Billie Holiday und spielte Gitarre wie Jimmy Reed." Wer Dalton kannte, wusste, dass sie kein Interesse daran hatte, sich den Launen der Plattenindustrie zu beugen. Auf der Bühne interagierte sie kaum mit dem Publikum. Im Studio fühlte sie sich beim Aufnahmeprozess ebenso unwohl. Ihr Debütalbum von 1969, *It's So Hard to Tell Who's Going To Love You The Best*, das 2009 von Light in the Attic neu aufgelegt wurde, entstand heimlich, als Dalton dachte, sie würde nur Songs proben. Als Michael Lang, Mitveranstalter von Woodstock, Dalton ansprach, ob sie ein Folgealbum für sein neues Label ,Just Sunshine" aufnehmen wolle, war sie, gelinde gesagt, skeptisch. Das Album musste nach ihren eigenen Bedingungen und in ihrem eigenen Tempo entstehen. Daraus wurde ein sechsmonatiger Aufenthalt in den Bearsville Studios in Woodstock, New York. Produziert wurde das Album von dem Bassisten Harvey Brooks, der bereits auf ,It's So Hard to Tell Who's Going To Love You The Best" an Daltons Seite gespielt hatte. Brooks, der stolz darauf war, unkompliziert, zuverlässig und unterstützend zu sein, verstand Daltons Arbeitsweise, war aber auch bereit, sie sanft zu ermutigen und die Künstlerin dazu herauszufordern, ihre kreativen Grenzen zu erweitern. ,Ich habe versucht, ihr einen flexiblen Rahmen zu bieten", erzählte er Kaye. ,Ich habe die Entscheidungen ihr überlassen - das Tempo, das Feeling festzulegen." Sie war sehr zurückhaltend, und ich habe ihr alles vorgelegt; wenn sie mehr brauchte, habe ich ihr Optionen angeboten. Alle gingen einfühlsam auf sie ein. Sie war die Anführerin. Dalton, die selten ihre eigenen Kompositionen aufführte, wählte eine Reihe von Stücken zur Interpretation aus - von traditionellen Liedern wie ,Katie Cruel" und ,Same Old Man" bis hin zu Paul Butterfields ,In My Own Dream" und Richard Tuckers ,Are You Leaving For The Country". Außerdem erweiterte sie ihr übliches Repertoire und fügte R&B-Hits wie ,When a Man Loves a Woman" und ,How Sweet It Is" hinzu. Im Gegensatz zu ihrer vorherigen LP bot Daltons neue Aufnahme vollere, poporientiertere Arrangements, an denen eine ganze Reihe talentierter Studiomusiker mitwirkte. Auch wenn das Publikum der 70er Jahre vielleicht noch nicht bereit für Daltons Musik war, stand eine neue Generation kurz davor, ihr Werk zu entdecken. In den Jahrzehnten nach ihrem Tod nannten viele Künstler Karen Dalton als Einfluss, darunter Lucinda Williams, Joanna Newsom, Nick Cave, Angel Olsen, Devendra Banhart, Sharon Van Etten, Courtney Barnett und Adele. In dem kürzlich gefeierten Dokumentarfilm ,Karen Dalton: In My Own Time" sinniert Cave über Daltons einzigartige Anziehungskraft: ,Es wird eine Art Anspruch an den Zuhörer gestellt", erklärt er. Ob man es mag oder nicht, man muss in ihre Welt eintauchen. Und es ist eine Welt voller Verzweiflung. Peter Walker, der ebenfalls im Film zu sehen ist, führt diesen Gedanken weiter aus: ,Wenn sie in ihrer Musik ein bestimmtes Gefühl empfinden und es so rüberbringen kann, dass man dieses Gefühl auch spürt, dann ist das wirklich das Magischste, was man tun kann." Er fügt hinzu: ,Sie hatte eine tiefe, tiefgründige und liebevolle Seele - das hört man in ihrer Musik."

,Smoking the Bunny" ist das zweite Album einer geplanten Trilogie von Wilder Maker und verbindet Avant-Pop, Indie-Rock, Free Jazz und Ambient zu einem vielschichtigen, nächtlichen Klangbild. Bandleader Gabriel Birnbaum setzt auf experimentelle Kompositionen, die aus improvisierten Bandsessions entstanden und anschließend kreativ neu zusammengesetzt wurden. Die 17 Songs begleiten eine Figur durch eine Nacht voller Erinnerungen, Selbstreflexion und Rauschzustände. Inhaltlich kreist das Album um Themen wie Familie, Identität, Vergänglichkeit und das Älterwerden. Mit zahlreichen Gastmusikern und einem atmosphärischen, genreübergreifenden Sound präsentiert sich ,Smoking the Bunny" als ambitioniertes und emotionales Werk, das 2027 mit dem dritten Teil der Trilogie seinen Abschluss finden soll.

,Bread & Butter" ist das zehnte Album des Brooklyn-Rappers Your Old Droog und verbindet persönliche Erinnerungen mit scharfem Storytelling und komplexen Reimen. Inspiriert von seiner ukrainischen Einwandererfamilie, die aus einfachen Mitteln das Beste machte, reflektiert Droog über Herkunft, Erfolg und Durchhaltevermögen. Unterstützt von Produzenten wie Flying Lotus und Conductor Williams sowie Gästen wie Evidence, Oddisee und Masta Ace vereint das Album intelligente Texte mit vielseitigen Hip-Hop-Beats. Das Ergebnis ist ein selbstbewusstes und persönliches Werk, das Your Old Droogs Ruf als eine der interessantesten Stimmen des modernen Hip-Hop unterstreicht.

This 1981 album marks the debut of the most revered and iconic figure in Peruvian chicha: Chacalón. His music combines fuzz- and wah-wah-drenched distorted electric guitars with tropical percussion and even elements of huayno. This passion for electric guitars also fueled his admiration for the British band Cream -- and, of course, Eric Clapton -- which ultimately inspired the name of his band: La Nueva Crema.


His songs speak to the working classes who migrated from rural areas to the major cities in search of better employment opportunities and portray the hardships they faced. The lyrics tell stories of heartbreak, drunken nights amid everyday struggles, and marginalization -- common experiences in the poorer communities of Peru. Chacalón became a cult figure among the most disadvantaged sectors of Peruvian society, a devotion that remains strong years after his death. The album is essential listening for anyone interested in psychedelic cumbia and the roots of Peruvian chicha. This reissue preserves the album's original artwork as it appeared on Discos Horóscopo and includes liner notes by genre expert Víctor Zela (La cumbia de mis viejos).

DJ Support: Carlita, Husky, David Penn, Claptone, DJ Dove, Jonas Blue, Sam Feldt, Hutch, Illyus Barrientos, Mark Knight & more.

Fool’s Paradise’s latest Sampler sees 4 big releases from Soul Avengerz, Sian-Lee, OFFAIAH, David Penn, Thando, Eric B Turner, Tenacious, Jay Vegas & Olav Basoski.

We have reached the final chapter of Kontra-Musik Records' 20th-anniversary celebrations - a busy and rewarding year filled with new releases, represses, club nights, festival appearances and tours. To bring the year to a fitting close, Andreas Tilliander, aka TM404, has once again teamed up with label head Ulf Eriksson for a new limited, vinyl-only 12-inch. Entitled Tjugo (Twenty), the EP sees the duo return to their dusty, machine-driven sound. It opens with Navet, a deep techno track built around rolling stabs, a melancholic organ chord and a solid bassline. From there, it moves into Ravet, a hissing, propulsive piece of minimal techno. The B-side is given over to Sjuhundrasjuttiosjuan, a slow, acidic bonnadub, to close of the year and the record.

2026 Repress

Supported by Cio D'Or, Deepbass, Etapp Kyle, Mattias Fridell, Ness, Samuli Kemppi, Svreca, Takaaki Itoh, Unam Zetineb, Exium, Alessio Pili, Antonio de Angelis, Artefakt, Edit/Select, Jonas Kopp, Kwartz, Mod21, Reggy van Oers, Juho Kahilainen, Eric Cloutier, Johanna Knutsson, Tom Bonaty, Arnaud le Texier, Brando Lupi, I/Y, Iori, MTD, Nima Khak, Par Grindvik, SNTS, The Noisemaker, VSK, Attemporal, Casual Violence, Rasmus Hedlund, Sleeparchive, Terence Fixmer, Eastern Renaissance, Victor Martinez and many, many more.
Luigi Tozzi / Deepbass / Claudio Prc - Deep Blue

2026 Repress

Pianeti Sintetici ('synthetic planets' in Italian) is a new conceptual project by Davide Perrone (Primal Code) that draws inspiration from the factories of Magrathea, a planet in Douglas Adams' classic space opera The Hitchhiker's Guide to the Galaxy, where artificial planets are manufactured on commission.

'This concept has always fascinated me, and I chose the name to frame a hypothetical future of synthetic worlds, told with sound,' Davide says. 'I like to imagine the howls of creatures inhabiting solar systems outside our own. Rarefied atmospheres, alien sequences, and unfamiliar tonal scales. So, I see Pianeti Sintetici as an open-ended design research project where I can explore these inspirations.'

Esplora I ('explore') is the first record in a trilogy scheduled for release in 2023. It comes wrapped in a custom-cut embossed sleeve adorned with a captivating interpretation by Hypnus' visual artist Gabriella Holmstrom.

Early support from Brando Lupi, Iori, Takaaki Itoh, Unjin, Eric Cloutier, Forest on Stasys, Konduku, and Saphileaum.

John Weldon "J.J." Cale was an American guitarist, singer, and songwriter. Though he avoided the limelight (being temperamentally averse to celebrity), his influence as a musical artist has been widely acknowledged by artists like Mark Knopfler, Neil Young, and Eric Clapton, who described him as one of the most important artists in the history of rock.

J.J. Cale is considered to be one of the originators of the Tulsa Sound, a loose genre drawing on blues, rockabilly, country, and jazz. Cale unfortunately passed away in 2013, but his legacy lives on. Number 10 is Cale’s 10th album and contains another wonderful and laid back/mellow collection of typical J.J. Cale tunes. "Traces", "Artificial Paradise", "Low Rides" and "Jailer" are considered part of his best 1990s songs.

Number 10 is available as a limited edition of 1000 numbered copies on turquoise vinyl, and includes an insert.

California’s beloved Brainstory returns with a new EP celebrating the end of an era. Shoebox Days is an homage to the time spent and the recordings made at their now defunct Long Beach studio, aptly named Shoebox. As the name suggests, the space was tiny and stuffed with gear. While charming, it was riddled with constraints. But, as has been proven time and time again, great art often comes from difficult circumstances, and this new 7 song EP is further proof. The first track, “The Watchers,” opens with an earworm horn melody that immediately pulls you in. The crunchy drums and G Funk bass tones put a bop on it, lush orchestration weaves in and out and sets a mellow vibe. “Blend,” one of only two vocal tracks on the EP, is a California sunshine soaked love song walking the lines of psych rock ballad and B side soul. ”Twin Kitchen” leans you right back into your seat, with Eric Hagstrom’s in-the-pocket drumming carrying the tune.

“Home Alone” is singer Kevin Martin’s ever so relatable tribute to time by himself, time by today’s standards as “disconnected,” but in reality, much more connected… The fellas let some of the jazz background take front stage on “Lone Traveler,” starting out with an air tight groove, and letting loose over it as the track progresses. “Gravity Hill” named after the famed California oddity begins the ending of the EP as Brainstory takes it deep and brings us with them. “Necessary Loss” serves as the closer to this gorgeous journey.

California’s beloved Brainstory returns with a new EP celebrating the end of an era. Shoebox Days is an homage to the time spent and the recordings made at their now defunct Long Beach studio, aptly named Shoebox. As the name suggests, the space was tiny and stuffed with gear. While charming, it was riddled with constraints. But, as has been proven time and time again, great art often comes from difficult circumstances, and this new 7 song EP is further proof. The first track, “The Watchers,” opens with an earworm horn melody that immediately pulls you in.

The crunchy drums and G Funk bass tones put a bop on it, lush orchestration weaves in and out and sets a mellow vibe. “Blend,” one of only two vocal tracks on the EP, is a California sunshine soaked love song walking the lines of psych rock ballad and B side soul. ”Twin Kitchen” leans you right back into your seat, with Eric Hagstrom’s in-the-pocket drumming carrying the tune. “Home Alone” is singer Kevin Martin’s ever so relatable tribute to time by himself, time by today’s standards as “disconnected,” but in reality, much more connected… The fellas let some of the jazz background take front stage on “Lone Traveler,” starting out with an air tight groove, and letting loose over it as the track progresses. “Gravity Hill” named after the famed California oddity begins the ending of the EP as Brainstory takes it deep and brings us with them. “Necessary Loss” serves as the closer to this gorgeous journey.

Mit ihrem Solodebut "No Human Tongue Can Tell" gelingt Radie Peat eine eindrucksvolle Auseinandersetzung mit der Essenz der Folk Music. Die Sangerin von Lankum zahlt zu den pragenden Stimmen der sogenannten "Irish Green Wave" und verbindet auf diesem Album ihre außergewohnliche Kontra-Alt-Stimme mit tiefem Respekt fur die irische Gesangstradition. Als Interpretin und Multiinstrumentalistin haucht sie uberlieferten Liedern neues Leben ein und macht sie fur die Gegenwart relevant. Die ausgewahlten Songs erzahlen von Liebe, Verrat, ungewollter Schwangerschaft, Gewalt, Verlust und Widerstandskraft. In Stucken wie "The Moon and Stars" oder "Willow Garden" ruckt Peat weibliche Perspektiven in den Mittelpunkt und verleiht historischen Erzahlungen neue emotionale Kraft. Ihre prazise Stimmfuhrung, vielschichtigen Harmonien und sparsam eingesetzten Arrangements schaffen einen Raum, in dem individuelle Erfahrungen zu universellen Geschichten werden. Zugleich versteht Peat Folk als generationsubergreifenden Speicher menschlicher Erinnerung. Die Lieder tragen Spuren zahlloser Leben in sich, und genau diese Verbindung macht sie zeitlos. Atmospharische Stucke wie "Luisne", das melancholische "Same Old Man" oder das historische "Dark Horse on the Wind" zeigen ihre Fahigkeit, Tradition, Geschichte und personliche Interpretation miteinander zu verweben. Ein weiterer Hohepunkt ist "Still I Love Him", das die Ambivalenz von Liebe und Leid beleuchtet und aus einer Geschichte emotionaler Abhangigkeit eine Erzahlung uber Starke und Selbstbestimmung macht. Auch "Bonnie Boy" und das abschließende Triptychon "Cailin Deas" kreisen um weibliche Autonomie, gesellschaftliche Erwartungen und den Wert personlicher Freiheit. So entsteht ein Album, das archaisch und zeitgenossisch zugleich wirkt. Mit großer Empathie, musikalischer Raffinesse und kunstlerischer Eigenstandigkeit macht Radie Peat die Stimmen vergangener Generationen horbar und schafft eine Sammlung von Liedern, die Trost, Erkenntnis und Verbundenheit vermitteln. "No Human Tongue Can Tell" ist damit weit mehr als eine Bewahrung von Tradition: Es ist deren lebendige Weiterentwicklung.

Mit ihrem Solodebut "No Human Tongue Can Tell" gelingt Radie Peat eine eindrucksvolle Auseinandersetzung mit der Essenz der Folk Music. Die Sangerin von Lankum zahlt zu den pragenden Stimmen der sogenannten "Irish Green Wave" und verbindet auf diesem Album ihre außergewohnliche Kontra-Alt-Stimme mit tiefem Respekt fur die irische Gesangstradition. Als Interpretin und Multiinstrumentalistin haucht sie uberlieferten Liedern neues Leben ein und macht sie fur die Gegenwart relevant. Die ausgewahlten Songs erzahlen von Liebe, Verrat, ungewollter Schwangerschaft, Gewalt, Verlust und Widerstandskraft. In Stucken wie "The Moon and Stars" oder "Willow Garden" ruckt Peat weibliche Perspektiven in den Mittelpunkt und verleiht historischen Erzahlungen neue emotionale Kraft. Ihre prazise Stimmfuhrung, vielschichtigen Harmonien und sparsam eingesetzten Arrangements schaffen einen Raum, in dem individuelle Erfahrungen zu universellen Geschichten werden. Zugleich versteht Peat Folk als generationsubergreifenden Speicher menschlicher Erinnerung. Die Lieder tragen Spuren zahlloser Leben in sich, und genau diese Verbindung macht sie zeitlos. Atmospharische Stucke wie "Luisne", das melancholische "Same Old Man" oder das historische "Dark Horse on the Wind" zeigen ihre Fahigkeit, Tradition, Geschichte und personliche Interpretation miteinander zu verweben. Ein weiterer Hohepunkt ist "Still I Love Him", das die Ambivalenz von Liebe und Leid beleuchtet und aus einer Geschichte emotionaler Abhangigkeit eine Erzahlung uber Starke und Selbstbestimmung macht. Auch "Bonnie Boy" und das abschließende Triptychon "Cailin Deas" kreisen um weibliche Autonomie, gesellschaftliche Erwartungen und den Wert personlicher Freiheit. So entsteht ein Album, das archaisch und zeitgenossisch zugleich wirkt. Mit großer Empathie, musikalischer Raffinesse und kunstlerischer Eigenstandigkeit macht Radie Peat die Stimmen vergangener Generationen horbar und schafft eine Sammlung von Liedern, die Trost, Erkenntnis und Verbundenheit vermitteln. "No Human Tongue Can Tell" ist damit weit mehr als eine Bewahrung von Tradition: Es ist deren lebendige Weiterentwicklung.

Sean Thompson hat mehr als ein Jahrzehnt damit verbracht, sich zu einem der vielseitigsten Gitarristen in Nashville zu entwickeln. Derzeit ist er als Gitarrist für Margo Price auf Tour, und sein flinkes, lyrisches Spiel hat Bands unter der Leitung von Erin Rae sowie einer ganzen Reihe von Größen der ,Music City" geprägt. Außerdem ist er neben Rich Ruth und Spencer Cullum ein Drittel des kosmischen Trios Shrunken Elvis, dessen gefeiertes, selbstbetiteltes Debütalbum 2025 bei Western Vinyl erschien. Mit ,Inner Principles", seinem ersten rein instrumentalen Album, bündelt Thompson all diese Instinkte zu etwas, das sich wie ein echtes neues Kapitel anfühlt. Es ist ein Jazz-Fusion-Album im reichhaltigsten Sinne des Wortes: virtuos, aber schnörkellos, experimentierfreudig und stilistisch von einem Titel zum nächsten unruhig. Die acht Stücke bewegen sich mühelos zwischen ECM-artiger Weite im Geiste von John Abercrombie, rauchigem Akustik-Picking, lockeren Late-Night-Boogies und eleganten Post-Rock-Abenteuern, mit Synthesizern, die hin und wieder in Richtung Jan-Hammer-Territorium blitzen. Man könnte meinen, ein Großteil dieser Musik stamme aus dem Jahr 1978 oder 1983, und genau diese Zeitlosigkeit ist der springende Punkt. Thompson spielt ein rasantes Spiel namens ,Finde den Einfluss" und zieht dann weiter, ohne sich jemals lange genug an einem Ort niederzulassen, um wie eine Hommage zu klingen. Im Kern ist das Album ein Trio aus Thompson, Eric Slick am Schlagzeug und Alec Newman am Bass, ergänzt durch eine Handvoll bewährter Mitstreiter: Jake Davis, der produzierte, als Tontechniker fungierte, abmischte und Synthesizer beisteuerte; sein ,Shrunken Elvis"-Bandkollege Rich Ruth an der Gitarre; sowie Jo Schornikow am Keyboard. Dieses Zusammenspiel des Ensembles ist das Herzstück der Platte, und trotz aller technischen Meisterschaft ruht sich ,Inner Principles" nie auf seinem Können aus. Jeder Track strahlt echtes Gefühl aus, vom weitläufigen, treibenden ,Underwater Way" bis zum zarten ,Waltz For Mama". Thompson hat ,Inner Principles" digital in Eigenregie veröffentlicht und das Material live beim BigEars-Festival vorgestellt. Western Vinyl presst es nun zum ersten Mal auf Vinyl und verschafft damit einem der stillen, aber unverzichtbaren Musiker Nashvilles sein bisher umfassendstes Statement.