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A premium series of limited edition Japanese pressed 7"s - featuring unreleased and impossibly hard to find gems from the Duke Reid archives.Side A : Never Released. Early Ska Vocal.1961 Recording At Federal Studio. Unknown Duke Reid's Duo Artist. Side B : Recoding At Federal Studio 1961. Great Ska Instrumental. This One Was Recording Before "You're So Delightful" By Skatalites In Jamaica.

Francesco Sotgiu has forged a unique and very swinging project of songs. With a quintet consisting of Luigi Bonafede on piano, Emanuele Cisi and Riccardo Luppi on woodwinds, Salvatore Maiore on bass, Francesco on drums, and with special guest Paolo Fresu on trumpet to cap off this heartfelt collection. There is also a nice diversity of groups within this larger collection. A nice trio piece called “Calm” featuring Paolo Birro sitting in with Marco Micheli and Francesco. And one called “Lotus Blossom” where Francesco shows his considerable skills and soul on violin. But the bulk of the material is straight-ahead jazz and is totally swinging and soulful, proving that jazz has no borders and is a worldwide language to which Francesco has added to that tradition with this project and all the great voices he has included here. Bravo maestro.

This is the comment of Gil Goldstein, American accordion player who won 5 Grammys and collaborated with giants such as Gil Evans, Wayne Shorter, and Michel Petrucciani.

This record was recorded in the middle of the pandemic times, and most of the work for preparing this record took place via the telephone: the selection of the songs on paper, the exchange of ideas on arrangements, staff and instruments, a sort of “phone rehearsal” of the structure of the songs, with the choice of a solo; everything else, everything that will happen in the recording sessions, is the result of a controlled improvisation, a jam session masterfully captured in the studio through the use of well-positioned ribbon microphones.

This is why “Passing,” literally “passing” or “crossing”: because the musicians have gone through listening to these songs as teenagers, and find themselves today, as a mature meeting of old friends who create an informal game made of nostalgic fun, great personality, confrontation, and deep spirituality. In the classic “Caravan” by Ellington and Tizol or “Afro Blue” by Mongo Santamaria, Coltrane toning, the Latin accent of the rhythm section supports the interpretation of the theme and the interplay in the solos between the soprano and tenor saxophones by Cisi & Luppi, and the piano by Bonafede.

A certain elegance in the execution distinguishes pieces such as Duke Ellington’s “Sound of Love,” yet another tribute by Mingus to the Duke, with a calibrated solo on the double bass of Maiore and the flute by Luppi, the immortal “Take Five” by Paul Desmond, with the highlighted soprano by Cisi, “Wishes,” “7th Street,” and the eponymous “Passing,” all pieces composed by Sotgiu, characterized by the precise medium/fast drive of the drums and a certain “cinematic” taste of the main themes.

In songs such as “Black Bats and Poles,” composed by trumpeter Jack Walrath for the Mingus Orchestra, and in “Stranatole,” an original piece in which Sotgiu writes a theme of Monk’s influence and enjoys overturning the traditional “Anatole Jazz” structure, the quintet opts for an effective hard bop language, with exciting moments of dazzling virtuosity in Bonafede’s solo. While in Coltrane’s “Wise One” and McCoy Tyner’s “Ballad for Aisha,” we enter a modal, mystical, and ceremonial jazz, of a cosmic depth, which seems to hover in the sweet volume of the great hall of the recording studio. These are truly magnificent interpretations.

A special separate mention for two classics such as “My Foolish Heart” by Victor Young, performed in trio by Sotgiu, Maiore, and the unmistakable trumpet by Paolo Fresu, and the (unfortunately very short) “Lotus Blossom” by Billy Strayhorn and Duke Ellington, which in the piano-violin duo of Birro and Sotgiu, in a minute gives a suspended momentary magic, sums up the roots of African-American jazz music, and also referencing an old-fashioned Italian musical sensitivity, typical of Nino Rota’s music for Federico Fellini’s films.

Selten hat Tenorsaxofonist Archie Shepp so radikal und furios geklungen wie im Titelstück von ”The Magic
Of Ju-Ju”. Angetrieben von den hypnotisierenden Rhythmen eines fünfköpfigen Percussion-Ensembles
beginnt Shepp das Album mit einer schier atemberaubenden, über 18-minütigen Tour de Force an der
Schnittstelle zwischen Free Jazz, Panafrikanismus und Spiritual Jazz. Im Kontrast dazu wirken die drei
Stücke der zweiten Seite des Albums, die ebenfalls aus der Feder des Tenorsaxofonisten stammen, fast
hon traditionell jazzig - soweit das bei Shepp überhaupt möglich ist

Unter Federführung des neuen Labelpartners RPM-ROAR steht am 14.03.2025 nun die Veröffentlichung des 3. Albums mit dem verheißungsvollen Titel "Resurrection" an. Auf 10 Tracks bieten BLACK & DAMNED wieder eine einzigartige Mischung aus melodischem Power Metal und düster stimmungsvollen Klängen.
Brachiale Gitarrenriffs, intensive Rhythmen, kombiniert mit den für die Band charakteristischen, eingängigen Gesangslinien - ein Sturm aus Kraft und Emotionen. Erneut sind Daniel Galmarini und Sven Vöhri als Gäste vertreten. Der fantastische Albumsound entstand erstmals unter der Regie von Stefan Leibing (Ex-PrimalFear).

2025 Repress
Echospace Detroit’s cv313 aka Stephen Hitchell joins forces with Federsen for the second instalment on the latter’s newly minted Alt Dub label with the ‘Skyspace’ EP. Over the past decade and a half San Francisco based artist Federsen has been making his mark on the dub infused techno and house sound, delivering his vintage tape delay and analogue gear driven sound via the likes of Mixcult, Greyscale, Lempuyang and Ohm Series among others. In May this year Federsen inaugurated his own Alt Dub label with a split EP from himself and Hidden Sequence, and here the story continues following the split format with more original material from himself and cv313, accompanied by both artists remixing each other to run alongside their originals across the 12’’. cv313’s original mix of ‘Skycrossing’ opens the release and in typical Hitchellfashion treats us to eight and a half minutes of deep soundscapes, spiralling dub echoes, muted drums and a subtly unfurling feel throughout. Federsen’s ‘Dub’ remix of ‘Skycrossing’ then follows, offering a more refined and reduced feel with subby pulsations and crisp drums intertwined with dubby fragments of the original tracks. On the flip-side Federsen’s original ‘Skyway’ leads, employing a sturdy rhythm section with nuanced dub echoes and rumbling low-end swells. To conclude the release cv313 offers up his ‘Dub’ interpretation of ‘Skyway’, stamping his mark on things with phasing atmospherics, intricate oscillations and fluttering percussion

Bandler Ching makes a bold return from within the vibrant, Brussels music scene with their sophomore album, Mercurial. In this latest offering, the band edges even closer to the ever-evolving world of electronics and dance music while retaining the improvisational spirit that has always defined their sound at its core.
On Mercurial, the band navigates the fringes of industrial trap, while expertly bending and pushing the possibilities of their instruments. Ambroos De Schepper's saxophone transcends its traditional role even more, becoming a dynamic, shapeshifting entity capable of evoking haunting melodies one moment and otherworldly harmonies the next. Federico Pecoraro's bass transforms into ethereal ambient pads that drift through the mix like vapor, adding depth. Meanwhile, Olivier Penu's drums form the rhythmic backbone, laying down eclectic grooves that defy the constraints of any single genre, merging seamlessly from trap to electronica, hip-hop, and beyond.
Known for their ability to blend disparate genres and experiment with textures, Bandler Ching forges a new instrumental language, one that feels untethered to convention and free from classification. It's not a genre-crossing experiment-but a daring move towards a new instrumental genre in the digital age.
Fans of experimental electronic icons like Aphex Twin, Squarepusher, and Ceephax Acid Crew will find much to admire in the upcoming Mercurial album- it's a next step in pushing to a new musical territory and boldly casting off the jazz genre in the process.
It's been two years since Bandler Ching first released their debut album Coaxial on Sdban Ultra. Kicking off the album campaign with an album release show in Volta, the Brussels hotbed for a new generation of Belgian artists. What followed was a series of concerts in key venues and festivals across Belgium and the Netherlands to honorable reviews in national and specialized press.

Sibelius und Barber: Sternstunden des Repertoires

Auf seinem neuen Album vereint Renaud Capuçon zwei Meisterwerke des 20. Jahrhunderts, geliebt von allen Geigern für ihre klang- und effektvollen Möglichkeiten, das eigene Können zu zeigen, und gleichzeitig gefürchtet für ihre Herausforderungen: das Violinkonzert des Finnen Jean Sibelius und das 30 Jahre später entstandene Gegenstück aus der Feder des Amerikaners Samuel Barber. Nordische Schwermut trifft hier auf die schwelgende Unbesorgtheit eines jungen Genies, verbunden durch ein Höchstmaß an Virtuosität – und damit ideales Repertoire für einen Ausnahmemusiker wie Renaud Capuçon.

Michelle Vagi, known artistically as Michelle, makes a powerful return after a two-year hiatus, unveiling what may be her most developed work yet. This four-track EP is crafted to capture a range of moods, showcasing her artistry and growth. A striking release from a standout artist, marking Element of Impact’s first release with style. TIP!

"Blackbirds and the Sun of October" von Pianist und Komponist Federico Albanese ist inspiriert von seiner Heimat Monferrato im Norden Italiens, wo das Album vollständig geschrieben und aufgenommen wurde. "Es ist ein Album über Heimkehr, vor allem aber über Herkunft und Erbe", sagt der Pianist, Komponist und Produzent.Nachdem er mehrere Jahre in Berlin gelebt hatte, kehrte Federico Albanese mit seiner Familie im Herbst 2022 in seine Heimat zurück - in eine malerische Landschaft und mit der Empfindung, wie er sagt, "tief mit diesem Ort verbunden zu sein". Dies erwies sich auf vielerlei Weise als inspirierend. "Es ist ein Gefühl der Freiheit, das mit der Rückkehr einhergeht und in alles einfließt, was man tut - auch in die Musik." Seine Kompositionen spiegeln die tiefe, natürliche Schönheit seiner Umgebung wider - die Farben, die Tierwelt, den Wechsel der Jahreszeiten, aber auch die reiche Geschichte und die vielen Mythen und Legenden, die über Jahrtausende hinweg von Generation zu Generation weitergegeben wurden. "Dieser Ort atmet Geschichte", fügt er hinzu. "Es ist sehr romantisch in diesem Sinne."Während seine früheren Alben sich oft um Erinnerungen, innere Welten und imaginäre Landschaften drehten, schöpft "Blackbirds and the Sun of October" aus der konkreten, physischen Welt um ihn herum - aus der Geschichte, der Natur und der Schönheit. "Ich spüre die Freiheit in dieser Musik", sagt er, "und es steckt mehr Positivität darin. Ich merke, dass etwas anders ist als zuvor."

"577 Records’ The Sea, The Space, and Egypt, Vol. 1 is what happened when old friends and a new connection united in the name of music. A heartfelt tribute to the great Sun Ra, the otherworldly album debuts the collaborative gifts of Michael Sarian (on the trumpet), Matthew Putman (on the keys), Federico Ughi (on the drums), and up-and-coming Cuban bassist Ledian Mola.

Sure, most of these musicians have played together in the past. Sarian and Putman have made many albums together, while Putman and Ughi have conspired on melodies for fifteen years. However, we guarantee you have never heard them all in one spot like this.

Alabama’s Sun Ra rose to the top of the Chicago music scene in the 1940s with something unprecedented. A cosmic pioneer of Afrofuturism, he became known for his diverse and unique avant-garde experimentalism. Modern artists champion him as a true innovator.

The new band revives the late Sun Ra’s magic in this appropriately named new release. Matthew Putman even plays the same keyboard model as the experimental music icon (the Rocksichord). Even the cover art is a nod to Sun Ra's ancient Egyptian influences, featuring an upside-down pyramid over a galactic setting created by Robert Mirolo.

Meanwhile, Ledian Mola adds vocals inspired by Cuban folklore to these incredible improvisations. The album marks Mola’s first time recording with the other artists in the group (and 577 Records), but you would never know it. Their abstract rhythms sound like they’ve been playing together for a lifetime! He was hand-chosen for this project from 577 Records’ 2022 SOF music residency in Italy and has performed at several of the New York Forward Festival's live events."

Trumpet by Michael Sarian.
Keyboards by Matthew Putman.
Bass by Ledian Mola.
Drums by Federico Ughi.

Federsen inaugurates his new imprint Alt Dub this May with a split EP comprised of original cuts from himself and Hidden Sequence and a remix of each by the opposing artist.

Over the past decade and a half San Francisco based artist Federsen has been making his mark on the dub infused techno and house sound, delivering his vintage tape delay and analogue gear driven sound via the likes of Silent Season, Greyscale, Lempuyang and Ohm Series among others. Here though, Federsen opens a new chapter with the launch of his own imprint, Alt Dub, which kicks off here with music from himself and Federsen / Hidden Sequence - Positive Charge EP

Köln, Germany duo Hidden Sequence, whose music has found a home on the likes of Mosaic, Lempuyang and more.

Hidden Sequence’s ‘Switch’ leads the release and sees the duo smoothly blending an amalgamation of airy chord sequences, swelling pads, spiralling dub echoes and bumpy bass grooves with a shuffled, stripped back rhythm. Federsen’s ‘Polarity’ follows and dives into darker realms via expansive dub chords, intricately intertwined percussive reverberations, cascading bass flutters and crisp, minimalistic drums.

Opening the flip-side, Federsen interprets Hidden Sequence’s ‘Switch’, shifting the original’s ethereal aesthetic into a haze of billowing atmospherics, delayed percussion and vacillating low-end pulsations. The Hidden Sequence remix of ‘Polarity’ then rounds things out, upping the energy levels with a more upfront, robust rhythmic drive being intertwined with fragments of the original’s haunting textures and subtly unfurling feel.

The Soultrend Orchestra is a side project of the producer and musician Nerio ‘Papik’ Poggi.
Owner of the main project, Papik, Nerio Poggi has been one of the most internationally renowned Italian producers for the Nu Jazz
Lounge sound for over ten years, with around forty albums under his own name and those produced by him with solo artists or
with monothematic collections such as the ‘Cocktail’ series.
With the project The Soultrend Orchestra, Nerio Poggi has dedicated himself in particular to the Soul Jazz and Disco sound, with
a particular eye on the 70s/80s sound that starts from artists such as Roy Ayers, George Benson and Donald Byrd to arrive at the
Acid Jazz sound of Incognito and The Brand New Heavies.
The first album '84 King Street', released in 2017, was the one most dedicated to the Disco sound, also for the title that reports the
address of the legendary New York club Paradise Garage from where Disco music in the late 70s was definitively launched all over
the world by the deejays David Mancuso and Larry Levan in primis.
With the second album of 2022 'Live For Funk' the sound ranges more towards Soul and Jazz thanks to some songs that have driven it such as About Love openly inspired by the sound of Roy Ayers.
This third album, produced like the second Live For Funk together with Peter De Girolamo (aka P.A. Jeron) is due out at the beginning of 2025 and is titled Non Imagine where he continues in the search for these same sounds.
With some of his closest collaborators such as Alfredo Bochicchio, Massimo Guerra, Simone ‘Federicuccio’ Talone and vocalists
Laura Lanzillo, Erika Scherlin and Anna Fondi, the album as always also has other illustrious guests such as Wendy D. Lewis, Ely
Bruna, Nadyne Rush, Filippo Perbellini, Stevie Biondi and Nicole Magolie on lead vocals.
In the tracking list we also find some covers in this album: Lost In Music, a symbolic song of Disco by Neil Rodgers and Bernad
Edwards (Chic) made famous in the 70s by Sister Sledge, and Summer Madness, a very particular song by Kool And The Gang,
famous for its magical atmosphere here perfectly rendered by Peter De Girolamo's keyboards and Anna Fondi's voice.

Celebrating the 10th Anniversary of “Unorthodox Jukebox”, a limited Dark Red Vinyl edition will be released on the 17th June, with the pre-order going live on the 19th May. “Unorthodox Jukebox” is the second studio album by American singer and songwriter Bruno Mars. It debuted at #2 on the US Billboard 200, The record also reached #1 in Australia, Canada, Switzerland, and the U.K.. It became Mars's fastest-selling album in the latter country in 2012, the third best-selling album in Australia in 2013, and the fifth best-selling in the United States in 2013. The International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) reported that Unorthodox Jukebox was globally the fourth best-selling album in 2013. “Unorthodox Jukebox” also won the Grammy Award for Best Pop Vocal Album at the 56th Grammy Awards.
Bruno Mars is a 21-time GRAMMY Award nominee and multi-GRAMMY winner. The celebrated singer, songwriter, producer, musician has sold over 171 million singles worldwide, making him one of the best-selling artists of all time. His most recent critically acclaimed and RIAA certified platinum album, “24K Magic,” made an impressive debut atop the Top Digital Albums and R&B/Hip-Hop Albums charts. Additionally, the album and its lead single, “24K Magic,” simultaneously hit No. 1 on the iTunes Overall Albums and Overall Songs charts week of release. The single has since climbed to No. 4 on the Billboard Hot 100 and has also officially been certified Platinum by the RIAA.

Celebrating the 10th Anniversary of “Unorthodox Jukebox”, a limited Dark Red Vinyl edition will be released on the 17th June, with the pre-order going live on the 19th May. “Unorthodox Jukebox” is the second studio album by American singer and songwriter Bruno Mars. It debuted at #2 on the US Billboard 200, The record also reached #1 in Australia, Canada, Switzerland, and the U.K.. It became Mars's fastest-selling album in the latter country in 2012, the third best-selling album in Australia in 2013, and the fifth best-selling in the United States in 2013. The International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) reported that Unorthodox Jukebox was globally the fourth best-selling album in 2013. “Unorthodox Jukebox” also won the Grammy Award for Best Pop Vocal Album at the 56th Grammy Awards.
Bruno Mars is a 21-time GRAMMY Award nominee and multi-GRAMMY winner. The celebrated singer, songwriter, producer, musician has sold over 171 million singles worldwide, making him one of the best-selling artists of all time. His most recent critically acclaimed and RIAA certified platinum album, “24K Magic,” made an impressive debut atop the Top Digital Albums and R&B/Hip-Hop Albums charts. Additionally, the album and its lead single, “24K Magic,” simultaneously hit No. 1 on the iTunes Overall Albums and Overall Songs charts week of release. The single has since climbed to No. 4 on the Billboard Hot 100 and has also officially been certified Platinum by the RIAA.

Giulio Campagnolo, born in 1986, is an accomplished Italian jazz pianist and Hammond organ specialist whose
musical journey spans over two decades. His passion for music ignited at the age of 8 when he began studying
piano, and by 14, he had already delved into jazz under the guidance of masters D. Memoli and M. Polga. At
20, Campagnolo further honed his skills at the prestigious Siena Jazz summer seminars, while simultaneously
intensifying his concert activities with various jazz, blues, and soul ensembles. In 2012, he made a pivotal
shift in his career, dedicating himself exclusively to the Hammond organ and perfecting his craft with A. Marsico. The following year marked the beginning of his teaching career at the "Filarmonica Bassanese" Association in Bassano del Grappa, where he continues to instruct piano, organ, and ensemble music.
Campagnolo's formal education culminated in 2020 when he graduated with honors from the Conservatory
"A. Pedrollo" in Vicenza under the tutelage of maestro P. Birro. Throughout his career, Campagnolo has made
significant contributions to the music world, recording about ten albums as a sideman and four as a co-leader.
His debut solo album, scheduled for release in autumn 2024, is eagerly anticipated. Campagnolo's talents
have allowed him to collaborate with a diverse array of acclaimed musicians in both the jazz and blues scenes,
including Y. Silberstein, W. Bernard, N. Hempton, E. Martin, S. Waterstown, and U. Porcaro, among others. His
musical prowess has taken him across Europe, performing at jazz and blues clubs and festivals in Italy, Spain,
Switzerland, France, Germany, and beyond, establishing him as a truly international artist. Currently, Campagnolo leads his own quintet, featuring Piero Bittolo-Bon, Michele Polga, Federico Pierantoni, and Adam Pache,
for which he composes and arranges the repertoire, showcasing his skills not only as a performer but also as
a bandleader and composer.

Mutant, in partnership with Hollywood Records and 20th Century Studios, is proud to present the premiere physical release of Benjamin Wallfisch’s score to ALIEN: ROMULUS.

It is hard to overstate just how successful, on every level, ALIEN: ROMULUS and its score are at returning longtime fans to the world Ridley Scott, Dan O'Bannon, Jerry Goldsmith (and so many other brilliant artists) created back in 1979. But spend just a few minutes with Benjamin Wallfisch's masterful score, and you can feel the attention to detail in the craft of every choice.

Doing the impossible task of bridging the gap between sequels and prequels, Wallfisch takes the dissonant, atonal and truly horrifying soundscapes that Goldsmith defined the genre with and makes peace with the melodies and monsters of subsequent films - all while making his own voice heard throughout, creating a truly remarkable piece of film music.

This limited edition physical release features liner notes by director Fede Álvarez and original artwork by illustrator Kilian Eng, continuing his ongoing ALIEN soundtrack series and is pressed on 2x 140gm black vinyl.

Der Soundtrack zum Disney Kino Highlight ”MUFASA: DER KÖNIG DER LÖWEN”
Die Lieder des Films stammen aus der Feder des preisgekrönten Songwriters Lin-Manuel Miranda, produziert
wurden diese von Mark Mancina und Miranda, weitere Musik steuert Lebo M bei. Dazu sagt Miranda:
„Elton John, Tim Rice, Hans Zimmer, Lebo M, Mark Mancina, Beyoncé, Labrinth, Ilya Salmanzadeh, Beau
Black, Ford Riley, das wunderbare Musikteam von „Die Garde der Löwen“, und so viele weitere Künstler
waren in all den Jahren beteiligt: „Der König der Löwen“ bringt ein unglaubliches musikalisches Erbe mit
sich, darunter Musik von einigen der größten Songwriter aller Zeiten, und ich fühle mich geehrt und bin
stolz, Teil davon zu sein. Es war mir eine große Freude, zusammen mit Barry Jenkins zu arbeiten, und
Mufasas Geschichte zum Leben zu erwecken. Wir können es kaum erwarten, bis das Publikum diesen Film
endlich in den Kinos sehen wird.“

S-Tone Inc., one of the most acclaimed artists on Schema Records, with +300.000 monthly listeners and millions of plays on Spotify, is back with a full rework of his previous full-length "Body & Soul", a homage to the late '70s / early '80s disco music that the artist used to immerse in during those adventurous years. Early '90s British acid jazz, '70s soul, Brazilian and jazz music are here reworked in a nu-disco key, with the exception of the downbeat tracks "Flying Away" and "Midnight Sun" and the 'spacey' "Odoya", rearranged by The Invisible Session without mining the overall mood of this release.

Indulge in the smooth vibes of Luke Beats' latest album, 'Cream', dropping now on Little Beat More.
Inspired by the Italian saying 'ci sta una crema' ('as good as cream'), which indicates the utmost satisfaction, this work is the perfect dessert for your musical gluttony, kneaded by the skilful hands of Luke Beats for all hip hop lovers. In a world where the saying 'Cash rules everything around me' (once again: C.R.E.A.M!) still resonates loudly from the days when Method Man and the Wu-Tang rapped it, the love and passion for music can continue to shine.
With nods to sounds that have defined this genre in its origins, especially in the melodic and synthesiser parts, 'Cream' blends tradition and novelty, love for the classic and curiosity for the contemporary, creating a dreamy, mellow atmosphere that takes listeners on a creamy journey.
The 18-track album features the collaboration of drummer Federico Romeo on '404 Fun 4 Days' and guitarist Danny Bronzini on 'JamDilla', while Luke Beats himself played bass parts on 'P.T.H', 'JamDilla', 'Cookin' and 'The D'.

Once again, Matteo Baracco's artwork adorns the EP, with a closed but squashed tube of tempera, which perfectly complements the nostalgic yet fresh sounds within, telling of an approach to production and beatmaking still anchored in the “old school” sound craft principles in which getting one's hands dirty is the prerogative needed to shape a sound that is personal and respectful of its history.

A further tribute to the golden era of hip hop is provided by the format of the release, in an iconic timeless audio cassette to dust off your ghettoblaster!

Erstmals als Vinyl, 2009

Unangenehme Ereignisse neigen dazu, die wesentlich bedeutsameren glücklichen Momente in den Schatten zu stellen, - dieser Gedanke liegt Johannes Oerding's neuer Single "Engel" zugrunde. Und mal Hand aufs Herz: Braucht nicht jeder Mensch einen "Engel"? Ein Wesen, auf das er vertrauen kann, das einem Mut macht und in schlechten Tagen an die schönen Dinge des Lebens erinnert? Johannes Oerding hat diesen Engel offenbar gefunden. Wie sonst ist zu erklären, dass der charismatische Musiker mit seiner dritten Single ein derartig emotionales und lebensbejahendes Meisterstück in die Umlaufbahn schießt.
"Ich habe soviel Glück gehabt im Leben, dass ich mich einfach gefragt habe, wem ich das zu verdanken habe.", erklärt er über die Entstehung seines Songs. Nur wenige Wochen lagen zwischen den ersten Textzeilen aus Johannes Oerding's Feder und der finalen Produktion dieses Songs. Unterstützung bekam der moderne Singer/ Songwriter von den Produzenten Mark Smith und Sven Bünger.
Und wer sich jetzt fragt, wo oder wer sein ganz persönlicher Engel ist, der sollte seinem Gefühl folgen und die Sinne schärfen - "denn Engel haben ihre Flügel gut versteckt!"

This is one of Ray Pérez’s most highly sought-after albums, not only for its strong salsa dura anthems and funky boogaloo numbers but also for its brave, quirky eclecticism and youthful, rebellious spirit, all of which are reflections of “El Loco” Ray’s unique genius, making him a beloved figure in rare record collector circles everywhere.

The original is not that easy to find today and carries a hefty price. Thankfully, it has been remastered from the original tapes, fully licensed, with the original artwork, preserving and presenting the legacy of this great Venezuelan music for today’s generation.


DESCRIPTION
The late 1960s was a very busy time when Pérez was juggling several different studio bands: Los Dementes, Los Calvos and Los Kenya.

The daring experiment Pérez created with Los Calvos laid the basis for Los Kenya, an actual working band that released six albums between 1968 and 1972. Despite being titled “Los Kenya, Vol. 2” because it was the second released by Discomoda, the record actually represents Los Kenya’s third album, and is perhaps the most mature, well-rounded venture in the lot.

In February 1969, on Discomoda, came “Los Kenya, Vol. 2” focused on the upcoming carnival season and was calculated to compete with rival bands Federico Y Su Combo Latino and Sexteto Juventud for the plethora of gigs offered at that time of year.

The album, like all Ray Pérez releases of the time, is short and powerful, with five tracks per side, showcasing a variety of singers, genres, rhythms, influences and arrangements, making this one of his more eccentric and interesting efforts. 1960s California “sunshine pop” rock (often referred to as ‘surf’ on Los Kenya records), guajiras, boogaloos, descargas and even Mexican mariachi corridos are all added to the pot of salsa cooked up by “El Loco Ray” and his band.

The album has been rescued from obscurity and lovingly restored, remastered from the original tapes, fully licensed, with its original artwork intact, preserving and presenting the legacy of this great Venezuelan music for today’s generation of global salsa dura fans.

Neue Farbe des 2019 Album in BABY BLUE / OLIVE GREEN MERGE Vinyl!

The Peace Chant compilation series is a Temple, a reliquary of sacred harmonious statements made by enlightened artists throughout time. With Tramp Records' latest offerings, "Peace Chant, Raw Deep and Spiritual Jazz volumes 5 & 6, deeper, darker, and even more remote chambers of this already exalted temple are brought to light. The team at Tramp, with their torch of love and with reverence for those builders who came before, have returned from their quest with musical treasures unfathomable. Indeed, some of these tracks sound as if they may have literally been plucked from the ancient hands of some towering golden idol. But this quest was no looting effort, no. The Gods, as well as the artists and their families were fairly compensated through Tramp Records' rigorous and historically conscious licensing efforts.

Some of the treasures herein include, from Volume 5, a German gospel/modal jazz hybrid replete with flutes and vibes (and even a surprise gospel choir) reminding us not to 'speak when we should be silent' called "Ich Rede Wenn Ich Schweigen Sollte"; Indian jazz/rock fusion outfit Jazz Yatra Sextette's literal peace chant, "Shanti" led by Louis Banks (real name Dambar Bahadur Budaprithi), who worked with Embryo and John Maclaughlin; and Ron Wilson Trio's walking meditation and study on the beauty and rhythm of "Zimbabwe" in 3/4.

Aussie techno innovator Alpharisc returns to Mutual Rytm for a second standout EP.

Shane Yates, aka Alpharisc, has been living and breathing techno for over 30 years. He first began producing in the mid-90s and has amassed a fine hardware collection that lends his sounds a raw, rugged feel. After breaking through with the Wetmusik party and label collective, he has let his music do the talking and isn't afraid of colouring it with a hint of nostalgia. Previous material has come via several notable labels over the years, but his most recent outings have been on SHDW's Mutual Rytm imprint, with his solo EP 'Ram Face' from 2023 becoming an underground favourite alongside a fine outing as part of the label's 'Federation Of Rytm II' and 'Federation Of Rytm III' compilations. Once again, he returns in style, uncovering an impactful selection of gems across his new 'Remain Seated' EP.

The opener 'Peace Be With You' is a straight-up techno weapon with urgent synth flashes peeling off the groove like a police siren. The drums hit hard in true Alpharisc style before 'Hail' builds on that with a more hard-edge groove topped with frosty waves of white noise that electrify the dance floor. 'Remain Seated' brings a hint of trance-leaning energy with its bright sheets of synth lighting up the driving drums and saw-tooth bass loops. Next, 'Look At This' is another brilliantly forceful techno sound with slamming drums and rusty synth loops, layering melancholic pads up top and adding a cerebral edge, while closer 'In Your Mind' is from the Jeff Mills school of synth-laced and serene deep techno with lush pads radiating cosmic light. As a bonus, digital-only cut 'Expedition' brings some backlit celestial synth work to a rubbery and pummelling drum pattern for pure techno escapism.

Sechzehn Jahre sind zwar vergangen, seit Isaac Hayes im Alter von nur 65 Jahren viel zu früh verstarb, aber er bleibt einer der beliebtesten und kultigsten Singer/Songwriter/Arrangeure in der Geschichte der Soul-Musik. Die Alben, die Hayes für Stax' Enterprise-Label produzierte, bleiben der Maßstab in Sachen "Symphonic Soul" und klingen auch heute noch genauso atemberaubend brillant wie damals, als sie neu veröffentlicht wurden. Hayes gehörte nicht nur zu einer kleinen Gruppe von Künstlern, die das Wachstum des Soul-Album-Marktes ('Hot Buttered Soul') vorangetrieben haben, sondern war auch ein durchweg erfolgreicher Single-Künstler, der zwischen 1969 und 1976 sechzehn aufeinanderfolgende Singles in den R&B-Charts platzierte - die meisten davon schafften es auch in die Pop-Szene. Die größten Hits wurden bereits früher in Anthologien zusammengestellt, aber 'Hot Buttered Singles' ist die Compilation, die die A- und B-Seiten aller 45er von Hayes aus der "Yellow Stax"-Ära in chronologischer Reihenfolge und in ihren Original-Singleversionen präsentiert. Einige davon sind zuvor noch nie auf CD erschienen. Viele dieser famosen Soul-Tracks gehören zu seinen beliebtesten Aufnahmen, die auch das Soul- und Pop-Radio revolutionierten, darunter das mit Wah-Wah-Intro befeuerte 'Theme From Shaft', 'The Look Of Love', 'Never Can Say Goodbye', 'Walk On By' oder 'By The Time I Get To Phoenix' aus der Feder von Jimmy Webb.
Ausführlich kommentiert und schön illustriert im Booklet und auf CD sowie Doppelvinyl erhältlich!
Die Fortsetzung der Isaac Hayes' Single-Geschichte bis 1977 mit allen frühen Singles auf Ikes eigenem HBS-Label erscheint 2025.

Ihr perfekt harmonierendes Duo setzt auf starke Kontraste und lebt von Empathie und intensivem Austausch. – Deutschlandfunk
Nachdem sie bereits bei mehreren Aufnahmen von Louis Sclavis für ECM zusammengearbeitet hatten,
darunter das letzte Album des Klarinettisten, betitelt Characters On A Wall, konzentrierten sich Sclavis
und der Pianist Benjamin Moussay in den letzten Jahren zunehmend auf ihre Duo-Kommunikation und
spielten in dieser Konstellation ausgedehnte und vielbeachtete Konzerte in ganz Europa. Mit einem Programm, das zu zwei Dritteln aus der Feder des Pianisten und zu einem Drittel aus der des Klarinettisten
stammt, erschafft das französische Duo eine Welt der kammermusikalischen Konversation, in der sich
lyrische Kontemplation und skurriler Erfindungsreichtum in einer fröhlichen, konzentrierten Zusammenarbeit abwechseln. Nachdenklich hüllt das Duo heikle Themen in warme Improvisationen, die nie überstürzt,
sondern geduldig das geschriebene Material mit seltener Kreativität und in fließenden Dialogen erkunden.
Unfolding wurde in den Studios La Buissonne, Südfrankreich im März 2024 aufgenommen und von Manfred
Eicher produziert.

Das neue Album der erfahrenen Soul-Funker The Brooks, welche seit Anfang der 2010er Jahre zusammen grooven, ist eine deepe Funk-Soul-Party. Von ihren Anfängen bei Dièse Onze bis hin zu den großen internationalen Bühnen verbinden sie Spielfreude, künstlerische Freiheit und kreative Synergie. Ihre elektrisierende Musik, eine Kreuzung aus Funk, Soul, R'n'B, Afrobeat und Jazz, wird von federnden Rhythmen, extravaganten Bläsern, einfallsreichen Keyboards und betörenden Gitarren angetrieben. Ihr kommendes Album ,Soon As I Can" verspricht, ihre Grooves in neue Höhen zu treiben. Inspiriert von Legenden wie James Brown, Fela Kuti und Herbie Hancock, navigieren The Brooks nahtlos durch Funk, Soul, R'n'B, Afrobeat und Jazz und haben sich einen weltweiten Ruf als unbestreitbare Groove-Maschine erspielt. Die Gruppe ist viel mehr als die Summe ihrer Teile und zelebriert mehr als 50 Jahre afroamerikanische Musikgeschichte und -entwicklung, wobei sie ihre Wurzeln nicht aus den Augen verliert und gleichzeitig in der Gegenwart verankert bleibt.

"In the mood for love"
A bohemian atmosphere caught between Paris and Rio. Melodies and Harmonics that have a french taste and rhythms rooted in Brazil. Laura Fedele the time stopping voice.

"Take 4"
Up tempo track characterized by a soprano sax that swirls out melodies making you feel like you have travel back to the 70's. The jazzy guitar riffs opposed to flutes makes the picture complete; all weaved by S-tone inc. 's hand.

"Rendez-vous à minuit"
A Bossa Lounge motif with Wes Montgomery guitar riffs combined to scat voices all packed in relaxin' cruise formation.

"Vai Ser Bom"
Dedicated to Iemanjà, Brazilian sea god. A dreamy rhythmic atmosphere sweatened by the tender voice of Adi Souza and acoustic guitars inpired to Baden Powell.

"La Boca del Rio"
The acoustic bass distinguishes this up tempo track that creates great ambience. The acoustic piano duets the keyboards enriched by strings. The rhythms falling between house and bossa nova.

"Limbe"
A scent of India in a down tempo track, a bit psychedelic with sitars and tablas making the background for a French melody. Velvet voice of Laura Fedele gives the track that extra dimension.

"Memphis Freeway"
Funky track with a 70's taste starting with the flute that plays the theme with horns 'Temptations' style. The beat is a straight 4/4 kick with a groovy bass.

"Entre o Ceus e a Terra"
Like the dualism in the title, the track is divided between the tension of the spoken riff and the solarity of the melody both moved by a "bossy" up tempo base.

"Effetto Notte"
A cinematic feel for a soothing chill out theme on the keyboard alternating with dreamy orchestrations.

Mit seinem dritten Studioalbum ”Don’t Mind If I Do” liefert Riley Green mehr von seinem unverwechselbaren Sound, von dem die Fans nicht genug bekommen können. Er setzt den Weg fort, den er mit
”Ain’t My Last Rodeo” eingeschlagen hat, und lässt sich noch mehr von seinem Leben in der Kleinstadt im
ländlichen Alabama inspirieren, um ein ehrliches, nachvollziehbares 18-Track-Album zu schaffen. Green,
der derzeit eine unglaubliche Glückssträhne hat, zeigt sein wohlverdientes Vertrauen in seiner Arbeit, denn
fünf der Tracks stammen aus eigener Feder, darunter auch das herausragende „Don’t Mind If I Do“.

Harlem Street Singer ist das 1960 erschienene Album von Reverend Gary Davis, das ursprünglich bei Prestige
Records’ Bluesville Imprint veröffentlicht wurde. Das Album enthält eine Kombination aus Titeln aus Davis’
Feder, darunter „Death Don’t Have No Mercy“, und Standards wie „Samson and Delilah“. All Music
erklärte, das Album sei „ein Muss für Fans von Country-Blues und Gospel“. Diese Wiederveröffentlichung
wurde bei QRP auf 180-Gramm-Vinyl gepresst und mit einer Replika-Hülle versehen.

Kreaturen der Nacht sehnen sich in die 80er Jahre des letzten Jahrhunderts zurück. Post-Punk und New Wave stiegen zu glorreichen Höhen auf und diese epische Erforschung dunkler Klangwelten auf der Basis von harten Gitarren und treibender Elektronik fand auf allen alternativen Tanzflächen statt. Klangvolle Namen wie SISTERS OF MERCY, FIELDS OF THE NEPHILIM, DEPECHE MODE, JOY DIVISION, THE HUMAN LEAGUE, ULTRAVOX und viele andere funkeln noch immer in einem magischen Glanz. Zum Glück sind all die subtile Erotik, elektrisierende Spannung und die düstere musikalische Leidenschaft nicht für alle Zeiten verloren gegangen: Die Rettung naht mit SOROR DOLOROSA auf schwarzen Schwingen. Das vierte Album der Franzosen mit dem vielsagenden Titel "Mond" hat musikalische Reißzähne, die schon beim ersten Durchgang köstliches Klangblut sprudeln lassen. Der klassisch-dunkle Post-Punk findet sich ebenso wieder wie Wave-Elemente und ein überwältigender Drang, die Füße in ekstatischen Tänzen unter dem namensgebenden Mond bewegen zu müssen. Doch SOROR DOLOROSA gehen dabei keineswegs mit abgestandenem Nostalgie-Schlangenöl hausieren. Die nach Paris umgezogenen Veteranen haben das klassische Feeling mit dem massiven Sound des neuen Jahrtausends für einen neuen Höhenflug aufgerüstet. Die Idee, den Mix und das Mastering von "Mond" James Kent anzuvertrauen, erweist sich als hervorragender Schachzug. Der PERTURBATOR-Vordenker hat die üppige Produktion dieses epischen Albums mit einer vibrierenden Power und wohltuenden ätherischen Kühle aufpoliert. Textlich bleiben SOROR DOLOROSA dem seit ihrer Gründung im Jahr 2001 in der südfranzösischen Stadt Toulouse eingeschlagenen Weg treu. Die erstmals mit der "Severance" (2009) Debüt-EP manifestierten dunkel-romantischen und kathartischen Gefühlslandschaften lassen noch immer das Herz der Band schlagen. Die Inspiration für "Mond" stammt unter anderen aus den Federn von Dichtern und Schriftstellern wie William Blake und Edgar Alan Poe.

Born and raised in Sicily but now based in Berlin, SLV is known for his innovative approach to techno and its various shades. He has released on revered labels like Soma and received support from key industry players who respect his ability to blend old-school vibes with modern production techniques. Away from the club, he also produces music for film soundtracks, adding a sense of cinematic edge to his techno cuts and is a master of both analog and digital technologies - a true audio engineer who crafts unique, compelling sounds. Having previously featured on the labels Federation of Rytm III compilation, he returns to SHDWs Mutual Rytm imprint with his Night Echoes EP to open up October.

Graustufen opens with punch drum programming and scintillating percussion that dances atop the groove as booming bass brings serious weight down low. The superb Grand Cayman is another potent techno weapon, this time with icy synth atmospheres and eerie moods pervading the tightly programmed drums and bass to deliver an unstoppable force. Voids brings urgent funk with its hunched-over, closely stacked kicks and suspensory pads, which never let up and keep you locked in the moment, while Elastik Pho echoes a classic Detroit sound with its soul-drenched beats and serene, uplifting, beautiful hi-tek style. Last but not least, That Night shows SLVs extraordinary range as it brings some soulful vocal loops and optimistic chords over thunderous drums, which are sure to power dance floors through to euphoria. The EP includes two digital bonus cuts: Basic Uno, which is a raw, percussive and heads-down banger, and Persistence Of Memory, which is stripped-back, glitchy and dubby techno for strobe-lit warehouses.

Oxblood & Gold Vinyl. Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet. Eine spezielle farbige Vinyl-Edition wird auf "Oxblood"-Wachs (A/B-Seite) und "Gold"-Wachs (C/D-Seite) gepresst.

Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet.

Dieses 2-CD bzw 2LP-Set mit dem Titel Early Home Recordings versammelt 27 alte Aufnahmen aus den 1960er Jahren (hauptsächlich 1966-67) der Vor-Fairport Convention Sandy Denny. Sorgfältig remastered, enthält dieses Paket ein exklusives neues Essay des Fairport Convention-Biographen Patrick Humphries - der Sandy persönlich kannte. Enthalten sind zwei verschiedene seltene Demos ihres Klassikers 'Who Knows Where the Time Goes' von 1967 (bevor sie ihn mit den Strawbs aufnahm) und ein weiteres von 1968. Sie hatte dieses unglaubliche Talent, diese unglaubliche Stimme - sie spielte 'Who Knows Where the Time Goes', und ich fiel fast vom Stuhl. - Linda Thompson. Außerdem gibt es eine Reihe von Liedern aus Sandys Feder, darunter 'Boxful Of Treasures', das später in den Song 'Fotheringay' umgeschrieben wurde (von Fairport Convention's What We Did On Our Holidays Album). Fotheringay" erscheint hier auch in Demoform. ,Sie muss neu bewertet werden. Sie hat eine Art von Song geschrieben, die heute nur noch sehr selten geschrieben wird - emotional, musikalisch interessant, wirklich gut gesungen - ernsthaftes Songwriting. Sie war dem Rest haushoch überlegen. Und das bleibt sie auch." - Ashley Hutchings (Gründer von Fairport Convention). Außerdem gibt es gefühlvolle Coverversionen von Jackson C. Frank, Fred Neil, Anne Briggs, Dylan und vielen traditionellen Folksongs. Die endgültige Sammlung von Dennys frühen Demos, die von ihrem Nachlass autorisiert wurden, mit Sandys Tochter Georgia Lucas' eigenen charmanten Zeichnungen ihrer Mutter, die zum ersten Mal auf einer offiziellen Denny-Veröffentlichung erscheinen, sowie bisher unveröffentlichten Bildern Sandys der 1960er Jahre. Linernotes von Reissue-Produzent Pat Thomas.

Limited to 500 copies! No repress! Transparent red vinyl! Hype sticker on front! 1961 schwappten die ersten Tropfen der neuen Surf-Welle in den Äther. Eine Gruppe kalifornischer Teenager namens The Belairs veröffentlichten mit "Mr. Moto" das ersten lupenreine Surf-Instrumental und viele weitere sollten folgen. Es war ein Lebensgefühl, es ging um Freiheit, Rebellion gegen die miefigen 50er, um Party und natürlich um die nächste Welle. All das spielte sich vorzugsweise im sonnigen Kalifornien ab. Der erste Hit des Genres war "Misirlou" von Dick Dale, das 1962 veröffentlicht wurde. Der Track stellt deutlich die drei Hauptkomponenten des Surf heraus: ein tragendes Gitarren-Thema (eben kein Gesang!), exotische Harmonien und Akkordfolgen sowie ein gehöriges Maß an Wildheit und Lautstärke! Leo Fender entwickelte dann für Dick Dale zwei Innovationen, ohne die die Surf-Musik nicht das geworden wäre, was sie ist: Den Fender Reverb - ein separates Federhall-Gerät - und den Fender-Showman-Verstärker. Dieses Equipment gehört gerade für Puristen auch heute noch zur Grundausstattung eines Surf-Gitarristen, der seinen Job ernst nimmt. Natürlich gab es jede Menge Bands, die nur eine oder zwei 7"-Singles veröffentlichten, die lokal verteilt oder bei Gigs verkauft wurden. Man braucht schon einen Mann mit Spürnase, um die Juwelen rauszupicken und die entsprechenden Preise für das Kleinvinyl zu zahlen. Unser Mann heißt DJ Crille, seinerseits Resident im Komet! Club in Hamburg (nahe Reeperbahn), und anerkannter Surf-Spezialist. Nebenher ist er auch für die Vocal Group Madness! LP und die Born To Hula Doppel-LP in der DJ Set Serie -beide auf Stag-O-Leeverantwortlich. Surfin Burt"s Surfin Safari! - Vol. 2 ist praktisch die perfekte Welle.

Celebrating the 10th Anniversary of “Unorthodox Jukebox”, a limited Dark Red Vinyl edition will be released on the 17th June, with the pre-order going live on the 19th May. “Unorthodox Jukebox” is the second studio album by American singer and songwriter Bruno Mars. It debuted at #2 on the US Billboard 200, The record also reached #1 in Australia, Canada, Switzerland, and the U.K.. It became Mars's fastest-selling album in the latter country in 2012, the third best-selling album in Australia in 2013, and the fifth best-selling in the United States in 2013. The International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) reported that Unorthodox Jukebox was globally the fourth best-selling album in 2013. “Unorthodox Jukebox” also won the Grammy Award for Best Pop Vocal Album at the 56th Grammy Awards.
Bruno Mars is a 21-time GRAMMY Award nominee and multi-GRAMMY winner. The celebrated singer, songwriter, producer, musician has sold over 171 million singles worldwide, making him one of the best-selling artists of all time. His most recent critically acclaimed and RIAA certified platinum album, “24K Magic,” made an impressive debut atop the Top Digital Albums and R&B/Hip-Hop Albums charts. Additionally, the album and its lead single, “24K Magic,” simultaneously hit No. 1 on the iTunes Overall Albums and Overall Songs charts week of release. The single has since climbed to No. 4 on the Billboard Hot 100 and has also officially been certified Platinum by the RIAA.

2024 Repress

One foot in the nineties and another in the future, New Yorker Holden Federico's music updates the funk and grit of techno's formative era for modern dance floors. The four tracks on Inner Order, his second EP for the SK11X series, squeeze maximum power out of few elements, with peak-time cuts presented on the A-side and his deeper work on the flip. Heavily road tested in label boss Setaoc Mass' DJ sets, this EP is proven to do the business on a big stage, while still paying tribute to techno's musical roots.

Ever-evolving the mythologies and magic of Dialect's sonic sphere, Andrew PM Hunt returns with Atlas of Green, elegantly molding unexacting details of memory and mistranslation into the framework of the British musician and composer's creative pursuit. The album imagines a young musician named Green working in a future dawning era where lost signals and enduring impulses are unearthed from the sediments of technology and time. Across twelve compositions, Green becomes the compass in an epoch of transition; one shaded with pastoral patinas and studded with the fragments of allegorical ruin. As tattered as it is tender, Atlas of Green is a patchwork of scavenged relics and bygone hues, cast through the iridescent shimmers of a mid-future in flux. Growing up on the Wirral Peninsula in North West England, Hunt was surrounded by stone age landmarks and rock carvings that infused the landscape with legend. It was beside those carvings on a residency at Bidston Artistic Research Center where he began the journey of Atlas of Green, experimenting with tape loops and exploring the center's library of sci-fi. Here Hunt also encountered the work of Italian philosopher Federico Campagna, a writer who believes we're at the end of our current world. This encouraged Hunt's exploration of how the fabric and fantasies of our current era might endure into the future of Green, as they try to make sense of the riddles of the past, utilizing broken electronics and simple acoustic instruments to create new mythic forms. This question of endurance led Hunt to inscribe Atlas of Green with its own lucid markings - sometimes almost anthemic adornments - which unfurl through the album's melancholic air as possible new metaphors for how the human spirit might persist through dark days and regain lost wisdom. As Hunt reflects, "We're not just on an endless procession through constantly better worlds. Our lack of action (on climate and inequality) feels hopeless at times. I find some comfort in the idea that maybe the world needs a new song in order to tell a new story about itself". The image of Green as a journeying adolescent in-between eras developed out of a burgeoning interest in the fantasy writing of Ursula K. Le Guin and Gene Wolfe and occurred at a point in Hunt's life where the question of starting a family was looming. Green became a device for thinking about the future, or futures, putting someone in another world and granting access to a slightly longer timeframe than one's own life. What would this person, in this as-yet-unsung world do with something as powerful as music? As Hunt notes, "I imagined them doing what we've always done with music - using it to build a map of feeling, providing boundaries and tracing the edges of our emotions, defining a space of possibility and giving voice to our intuition. This is an alternative future to the one of endless growth but one which still holds space for hopes and dreams." Mapping new folds in the passage of time, Atlas of Green is traced with an aura of sonic urgency which arises through its process-led construction. Following a series of live shows in early 2023, the record was created with an assemblage of analogue electronics and acoustic instruments, including scratched records and a broken four track, collaging studio work with recorded live recordings featuring work in progress. Where the indeterminate energies of Under~Between (2021) appeared through digital processing, Atlas of Green embraces chance encounters within the malfunctions of physical media and glitching gear. Within these interwoven clusters of organic and blemished sound, Dialect reclaims the joyfulness of the inner amateur and creates a soft landing for new seeds of magical possibility - rooted in the bounds and abundance of realism. "As a planet of people we have to deal one way or another with our finite existence. We have to deal with that loss with hope still in our hearts - our capacity to love cannot be contingent on things lasting forever, and so this image of Green is not a vision of dystopia, nor utopia but an expression of trust and an acceptance of limits."

Swiss intergalactic 3 piece experimentalists lean on a Dadaist theme for their late-night, jam-inspired, and smokey beat laden trip to the cosmos.

Distilling surf rock, jazz and ambience, energised and patched together with spoken word samples, wind instruments and, blunted hip hop beats, ali dada’s album SUM is their invitation to dadaversum’ - their eccentric universe of sound and emotion.

Featuring Orlando Ludens (guitar & ambient soundscapes), Rulla (beats & field recordings) and Max Licht (brass & trombone), experimentation is the trio’s constant and SUM is the result of jams and associative distillation’ always with a fluid sense of genre.

Whilst SUM clearly takes new and furtive steps, ali dada’s sound is wholly their own. Nothing feels rigid here and rules don’t apply. Improvisation lingers in the air, even after the last note fades. A series of sound sketches, dense in detail, stylistically rich, SUM gives licence to couch-melt, sungaze or for those used to wintry climes, add another log on the fire.

“The songs often emerge from imperfect elements or mistakes, like from a loop or glitch. or something I played that wasn’t quite clean and building on that becomes the challenge ” recalls Orlando. Rulla adds “I play a lot of instruments, very, very badly and in music production, I’m trained to craft something awesome out of wonky sounds. That’s how songs emerge from unusual sounds”.

As for who played the double bass, no one remembers. Who belongs to the band and who doesn’t is open to interpretation. Though a core group exists the spotlight remains on experimentation through jam sessions. ali dada is a construct, a dadaverse.

Highlights include the album’s opener 'abolish the police', a mix of guitars, weirded-out wind instruments and Häuserfrau’s ever chilled vocal presence. 'tone print' is the band’s first single from the album, which combines sliding guitar, the infamous psychedelic Tim as a narrator, some early CPU game sound-splats and a meteoric dope beat, providing the head nodding groove. 'ohnedi'’s ambient charm features some gorgeous manipulated choir moments and some fidgety electronic synths.

FRAGMENTS geht in die zweite Runde. Im Fokus steht dieses Mal die französische Komponistin Lili
Boulanger. Die mit dem Prix de Rome ausgezeichnete Multiinstrumentalistin schrieb Musik, die zwischen
Tradition und Avantgarde oszillierte. „Lili Boulanger war eines der größten musikalischen Talente ihrer
Zeit. … Ihr immenses Talent ermöglichte es ihr, sich mit Mut und Autorität einen Platz in einer damals
noch sehr männlichen Sphäre zu erkämpfen“, schreibt die renommierte Boulanger- Expertin Alexandra
Laederich vom Centre international Nadia et Lili Boulanger, aus deren Feder auch der Booklettext für das
Album stammt. 13 zeitgenössische MusikerInnen und Künstler-Duos haben Lilis Werke neubearbeitet u.a.
Niklas Paschburg, Rodriguez Jr., Joplyn und Anja Schneider. Das Ergebnis ist ein hochmodernes und
facettenreiches Album, das als CD und hochwertige 180gr. Vinyl-Pressung erscheint

ERIN Collective is an ensemble of musicians from the Bologna scene born in March 2022 from an idea/project by Gionata Lazzari
shared over time by Valentino Pirino, Filippo Cassani, Andrea Lazzari, Marcello Pala, Federico Magazzeni, Giuseppe Sardina and
Francesco Antico. Their repertoire, inspired by the Afrobeat of the 70s, is composed of original songs written by Pirino/Lazzari and
arranged together with the other members of the group. The style looks to Afrobeat and some of its artists such as Fela Kuti, and
Ebo Taylor, but also focuses on contemporaneity and other artists such as Antibalas, Budos Band, Tony Allen and other sounds from
other areas of Africa. “Alternative Positive”, anticipated by the singles “Kalam Layl” and “Alafia” is their first LP, which follows the
release of the Ep “Same Blood” in 2023 and which marks the meeting between the band and the label Irma Records. The album,
strongly influenced by Afrobeat sounds with funk nuances, contains 8 original songs written by Pirino / Lazzari and arranged together with the other members of the group, three of which are instrumental, 4 sung by the Nigerian artist Devon Miles and one by the
Moroccan artist Reda Zine. The songs on “Alternative Positive” all have a social value: for ERIN Collective, music takes a stand
against inequalities and tries to break down borders and barriers, calling on everyone to commit themselves to rights for peace for
resistance to racism and inequalities of all kinds. All this requires commitment and a choice. Music makes you dance, makes you
smile, raises your spirits, creates bonds. ÈRÍN means smile, laughter in Yoruba language and it is through this attitude that one can
meet the other and that one can defeat fears, borders, cultural differences, hatred and wars. The titles and the meaning of the lyrics
of this debut album recall this horizon.

Part two of this outstanding release brings on board the remix talents of Mosaic head honcho Steve O'Sullivan for an A1 cut aimed squarely at the dancefloor. Hidden Sequence member Stefano Ugliano provides a solo outing under 6884, and the B-side features some heavyweight vibes from Fletcher and Federsen. Essential release!

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

Die deutschen Swe-Death-Metal-Freaks DENOMINATION sind mit ihrem zweiten Album in Bestform zurück. Hört euch 'The Last Companion' an und schnuppert den authentisch, fauligen Gestank des skandinavischen Death Metals der frühen 90er. Sehr empfehlenswert für Fans von NIHILIST, CARNAGE, ENTOMBED, DISMEMBER etc.
DENOMINATION halten die Fahne des Boss HM-2 Buzzsaw-Gitarrensounds hoch und präsentieren auf ‚The Last Companion' 10 neue Songs (+Intros), die euch ordentlich das Knochenmark durchwirbeln werden.
Aufgenommen, gemixt und gemastert wurde dieses fiese Werk bei Mike Utah´s Audio Ranch, von Jörn Michutta (u.a. auch MORGOTH' "Ungod"). Das thematisch düster-moderig umgesetzte Cover- Artwork stammt aus der Feder bzw. Pinsel von Timon Kokott (u.a. auch EVOKED, ILLDISPOSED)

Entdecken Sie zum ersten Mal auf Vinyl, das 4. Album der großartigen Crew von Yellow Productions: Africanism All Stars. Unter der Leitung von Bob Sinclar und mit dJ Spen, Federico Scavo, Roger Sanchez, Eddie Amador, Bt&Baker, Martin Solveig, DJ Gregory...

Italian artist Fedele unveils exciting upcoming album ‘Depth Of Being’ which again finds him exploring all new electronic music realms. The 11 track album arrives on his own label Obscura and is his first since going solo. Fedele is a key part of the underground scene and has been working alone for the last three years since his departure from Agents of Time.

He has truly made his mark in that time with music on the likes of Ellum Audio, Tiga’s Turbo Recordings and his own Obscura. This superb new album is a mix of stylish progression from the signature sound Fedele is known for while the other side of the album dives more into the experimental world, using more vocals than before.

Das unerbittliche Debütalbum von EDGE OF SANITY, "Nothing But Death Remains", ist 33 Jahre nach seiner Entstehung wieder zu haben. Aus der Feder von Songwriter/Frontmann/Produzent Dan Swanö (Bloodbath, Dissection, Incantation) kriecht "Nothing But Death Remains" in drei Formen bedrohlich ans Licht: als remasterte Original-Albumversion (LP, CD, Digital), als spezieller 2024-Remix (CD Bonus und Digital) und als eine nie zuvor veröffentlichte Rough-Mix-Version von 1991 in alternativer Reihenfolge (CD Bonus). Das 1991 erstmals veröffentlichte Death-Thrash-Meisterwerk von EDGE OF SANITY enthält die brutalen Angriffe von "Human Aberration", "The Dead", "Immortal Souls" und das unnachahmliche "Tales...". Erhältlich als Limited Deluxe 2CD Jewelcase mit O-Card und in 180g Vinyl, finden langjährige Fans und neue Anhänger von EDGE OF SANITY "Nothing But Death Remains" in seinen ultimativen Konfigurationen.

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

It's difficult to ''label'' the songs of this authoritative and necessary official reissue (after the shameful fake of 10 years ago). ''Zombi'' and ''In the Land of the Zombi'' are two electro disco-funks from 1979, therefore from three years before was born the ''Italo-Disco'' style, certainly more powerful, aggressive and more electronic than the ''Made in Italy'' disco style of the 2nd half of the 70s (Fratelli La Bionda, Pino Presti, Claudio Simonetti, Celso Valli and others.). The creation of the original 7" by Salvatore Ida, great musician and bandleader - to whom this excellent reissue is dedicated - was a sort of game for the authors of the two pieces: Federico Ida and Massimo Ida, were protagonists 4 years before of the Italian progressive rock scene with the sister Silvana Ida, Marcello Surace and Franco Vinci thanks to the immeasurable and acclaimed album ''Apoteosi''. So The Zombies were destined to pair with another easy '79 joke by the Ida brothers: ''Let's Go'' and ''Mustang'' by Sandwich, also reissued on 12inch by Best Record Italy. The Zombies comes out with the original artwork of the time, but in a full embossed picture sleeve and released in the classic black vinyl and on red vinyl with black shades (limited edition with red copies numbered manually (1/250: 2/250 and so on...) What else to add except that: the two long versions of ''Zombi'' and ''In the Land of the Zombi'' were re-edited by Massimo Berardi, always diligent and active, as well as tidy and aware of where he was putting his hands, are fundamental in order to complete this 12" fully remastered by Dom Scuteri.

Guadeloupe’s Manix is a self taught musician drawing inspiration from traditional Caribbean Folk and Beguine, to Salsa, Reggae and beyond. In 1980 Manix met the group ‘Tamtam 2000’ in Mulhouse, France. Embarking on many worldwide tours, Manix cemented his place in the group with 'Ti Cherie’ becoming a global hit beloved throughout the Antilles, Cape Verde, and La Réunion. Describing his singular philosophy of inciting joy ”At this moment I realised quickly that the simple act of playing wasn't just about one’s own satisfaction, but rather the need to create and share music”.

Browsing the French Football Federation's website, Dijon’s ‘Under Radaar’ was able to track down Manix as he was once the match report coordinator for his club ‘Red Star Richwiller’. It’s now our pleasure to share his music once again.

Words from Manix:
"Now in my 70s, what a joy it is to discover my songs now being loved in new parts of the world that I could never have imagined them spreading to in the mad 80s. A reissue is like a renaissance, a second wind that reaffirms my believe that both music and love will never die”

We are so excited to share our debut release which has already received support from Antal, Hunee and Palms Trax.

Die Musik zur Netflix Serie von Mike Myers. Aus der Feder von Paul & Phil Hartnoll, den legendären, kultigen, britischen Elektronik-Pionieren ORBITAL.
ORBITAL hat Musik beigesteuert zu: The Saint, Event Horizon, xXx, Spawn, Test Drive 4, Mortal Kombat, Mean Girls, Peaky Blinders, The Beach, Wipeout, Hackers, Teen Spirit, American Ultra und vielen mehr.

Doppel-LP gepresst auf Metallic Gold & Schwarzem Vinyl.

"Can’t Stop Coming Around is The Shivas’ 10th full-length album. Recorded by the band themselves in their home studio ‘FFF’ in Portland, Oregon, and mixed by dear friend Collin Hegna (Brian Jonestown Massacre, Federale), Can’t Stop Coming Around showcases the many soundscapes that the Shivas traverse.

Psychedelia, garage, surf, girl group harmonies, and a punk ethos are all on display in this true to form full-length. Between reverb drenched vocals and catchy guitar hooks, Can’t Stop Coming Around encapsulates the emotions, hardwork and musicianship cultivated from almost two decades of rockin’ all over the world together.

Ranging from brooding and vulnerable to lively and maniacal - and every facet in between - Can’t Stop Coming Around comes from a place of honesty and certainty. It is certain that The Shivas will always be making music and it’s certain that they will always be pouring their honest selves into it. "

"Té De Flores Silvestres" is the result of the dialogue between the Belgium photographer Michael Roemers and the Argentinian musician Federico Durand initiated by IIKKI, between February 2023 and May 2024.

Federico Durand’s music is a weave of sound searching introspection and delight through simple melodies, made in the heart of Argentina. Federico likes music, gardens, John Keats’ poetry, collecting stamps and Earl Grey tea. Since 2010 he has been released on some labels such as 12k, Home Normal, IIKKI, Spekk, White Paddy Mountain, LAAPS and more.

Michael Roemers, a child of the borders, was born in 1987 in the Belgian village of Plombières, studying sound at the Institute of Broadcasting Arts in 2008. He discovered the power of the image, and became passionate about photography. He began his photographic career following Belgian underground music bands as they toured Europe, capturing crazy moments on stage and backstage. Then, he decided to devote himself to a personal project, to capture his native Wallonie region, highlighting the richness and a part of these Belgian traditions region while exploring the themes of identity, memory and membership.
Since 2021, Michael Roemers has added a new string to his bow by running the Vice Versa podcast with his partner Sébastien Van Malleghem. This podcast explores the themes of photography, art and culture by giving voice to renowned guests in these fields. Té De Flores Silvestres is his first book.

Fine Art Book, Ltd. to 400 copies:
Hardcover book printed on Glossy Modern Paper 170g/m2 // 80 pages, 19cm x 22.5cm, 50 photos // Front cover points and back cover logo embossed // Selective UV varnish // Hand-numbered.

2024 Repress

Berlin techno talent Regent is next up on Mutual Rytm as he returns with a compelling new five-track 12" titled 'Coral Knife', plus a digital bonus cut.

Regent emerged only in 2020, but has fired out quality tunes on Planet Rhythm Records, Arts Collective and Warg Records since then. His already extensive catalogue of standout releases combines tough and rapid grooves with cerebral qualities and a real depth of writing and sound design, resulting in timeless yet avant-garde material optimised for the dance floor. For that reason, he is one of the new forces emerging from the German capital and why his next EP, 'Coral Knife', sees him find a perfect home on SHDW's Mutual Rytm imprint as he returns with his first 12" on the label following his appearance on the 'Federation Of Rhythm II' compilation earlier this year.

The tight and funky 'Brickyard' opens with a high-speed groove and a taught synth riff darting about the mix to seductive effect, before 'Driftage' gets more raw with rickety percussion over bulky drums. The synths are dubby and liquid as they get smeared about the mix to bring dynamism to the groove. There is then darkness and heaviness to 'Nocta' with weighty kicks and alluring vocal sounds drifting through the late-night airwaves.
Title track 'Coral Knife' cannot fail to sweep dancers off their feet with its fizzing synths and smooth drum loops overlaid with icy hi-hats that get you into a meditative state, while 'Encoder' layers up bleeps and squeaks over a signature linear groove that is detailed with muffled vocals and distant cosmic stars.

As always with Mutual Rytm, the package rounded out with an impressive digital bonus in the form of 'Multiversa' - a driving and thunderous techno cut that closes the show emphatically.

2024 Repress

Mutual Rytm is back with more searing techno, this time in the form of a welcome return to wax from venerated Aussie mainstay Shane Yates, aka Alpharisc.

Melbourne's Alpharisc has been making music since 1993, initially with humble tools like the Commodore 64 and Amiga 500, before putting together and building a growing collection of hardware. He has always maintained a somewhat reclusive character since breaking through with the city's renowned Wetmusik party and label collective following the release of his first EP in 1999 and has always kept a nostalgic touch in his music alongside his signature Alpharisc sound. Following a string of digital EPs on the likes of Future Retro Music, this is his first vinyl 12" in two decades as he returns to Mutual Rytm following his appearance on the Federation Of Rytm II compilation, serving up his bustling 'Ram Face' EP.

The powerful 'Formation Filter' opens up with a powerful techno groove built from rock-solid kicks and rumbling bass that will rattle walls. Snares and synth rolls peel off the drums as they race onwards and grow ever wilder and more intense for maximum destruction. 'Circus Fear' is another stylish linear workout with lithe synth details and loopy drums peppered with coarse claps and hits to up the ante, while 'Hot Morning' brings even more fire with its big, churning percussive clatter and supersized hi-hats racing along over more bulky beats.

Things get more unhinged with the hard-edged 'Ram Face', which has pummelling drums and scraping hits forming a barrage of industrialised sound; a lead from a SID chip will bring a smile to those who are familiar with its sound playing a hypnotic lead over the top. The final track on wax, 'The Old One', builds up cosmic tension, haunting synth lines and howling solar winds into another peak time techno weapon. As always with the label, a digital bonus cut 'Hairyman' provides a special treat and delivers another frosty techno roller with pent-up energy and compelling drum programming.

Da Best Riddim Eternal Action Krew ! Here is the mission that DA BREAK has given itself for this 3rd album : To drop a new
opus of great quality, which will remain eternally engraved in the memories of Soul Music... BOOM! As simple as that! ;)
Jennifer "Hawa" Zonou & Rémy Kaprielan, founding members of the group, have decided to tighten the ranks and clarify
the content of their music: an aesthetic still anchored in their dear 90's Soul Hip Hop culture, but also with a sharpened ear,
attentive to today's world and sounds, always searching for federating grooves and warm vibes.
DA BREAK has entrusted the production of the LP to Pierre Vadon (also the band's Live keyboard player) who has already
proved the quality of his compositions and arrangements on the second album LET IT SHINE. The mission remains
unchanged: to gather, in the line of the social values defended in the 90s urban music, crib of their inspiration. Grounded,
conscious, questioning, celebrating, comforting, staying open to the world and to each other. Each song is a painting, a
story, a reflection...
Composed during an intense period on the emotional level, this album is a subtile mixture of musical influences: from the
most old school Hip Hop beat to the most contemporary flow, going from West Coast vibes to Caribbean colors. DA BREAK
IS BACK and its key word remains the same: GROOVE.

Over the last 20 years, Portland, Oregon's Federale has carved out a unique niche within the indie music landscape, blending their signature spaghetti-Western instrumental sound with increasing doses of moody vocal arrangements in the spirit of Lee Hazlewood or later-period Leonard Cohen. Still, through it all songwriter (and lead singer, when there is one) Collin Hegna has maintained a strictly retro vibe, and Federale's records have always sounded period-correct for an alternate-universe 1971 where rock and roll never caught on.

Reverb & Seduction, Federale’s sixth studio album, marks the band’s 20th anniversary, and finds them beginning to color outside those Ennio Morricone lines. Perhaps Hegna—who also spent the last 20 years as a dues-paying member of The Brian Jonestown Massacre—has finally decided to give his psych-rock alter ego a seat at the Federale table.

“Before, I'd have an idea and think, ‘Well, that can't be a Federale song’, because it had distorted guitars or whatever,” says Hegna. “But then I thought, 'Well, why not?’” This openness to a broader palette of influences allows Reverb and Seduction to veer into psychedelic and even gothic territory—think Love and Rockets or Sisters of Mercy—that the 2010s Federale might have considered off limits.

The album's first single “Heaven Forgive Me,” for example, draws on Goblin (the Italian prog-rockers who scored Suspiria) and perhaps even a little Depeche Mode, while “Advice from a Stranger” borrows the fuzz and feedback of DIG!-era BJM and The Electric Prunes.

Im Januar wurde bekannt, dass Thom Yorke den Soundtrack für Daniele Luchettis Film "Confidenza“ komponiert hat, eine Adaption des italienischen Dramas, das auf dem gleichnamigen Roman von Domenico Starnone basiert. Der Film feierte seine Premiere auf dem Internationalen Filmfestival in Rotterdam und wird am 24. April in die italienischen Kinos kommen. Produziert wurde der Film von Indiana Production und Vision Distribution, der Vertrieb erfolgt durch Vision Distribution. Erscheinen wird der Soundtrack am 26. April zuerst digital. Am 12. Juli folgt die Veröffentlichung auf Vinyl und CD. Schon heute erscheint das Musikvideo zur Single "Knife Edge" mit Elio Germano und Federica Rosellini in den Hauptrollen, das eine neu geschnittene Sequenz aus dem Film sowie einen B-Seiten-Track mit dem Titel "Prize Giving" enthält. Der Intro-Track "The Big City" wurde von Yorke im Februar in seiner Playlist für BBC 6 angeteasert.

"Confidenza“ folgt auf Yorkes vorherigen Score zum "Suspiria“-Remake. Dafür erhielt Yorke eine GRAMMY-Nominierung für den besten Song für visuelle Medien erhielt. Produziert von Sam Petts-Davies (Suspiria, The Smile Wall Of Eyes), arbeiten Petts-Davies und Yorke bei "Confidenza“ erneut mit dem London Contemporary Orchestra und einem Jazz-Ensemble zusammen, zu dem auch Robert Stillman und sein Bandkollege von The Smile, Tom Skinner, gehören. 2019 steuerte Yorke Musik zu Edward Nortons "Motherless Brooklyn“ bei und 2022 schrieb er zwei Songs für das Serienfinale von "Peaky Blinders“.

Zuletzt war Yorke mit The Smile (Tom Skinner, Jonny Greenwood, Thom Yorke) auf Tour, die im Januar ihr zweites Studioalbum "Wall Of Eyes“ veröffentlichten,
das auf das 2022 erschienene Debütalbum "A Light For Attracting Attention“ folgt.

Die Multi-Platin-Rockband MR. BIG veröffentlicht ihr zehntes Studioalbum mit dem treffenden Titel "Ten"! Inmitten ihrer letzten Tournee - THE BIG FINISH - wollten sich MR. BIG, inspiriert von den unzähligen Fans, die im vergangenen Jahr ihren Abschied mit ihnen teilten, mit einem brandneuen Studioalbum verabschieden. Nach mehr als drei Jahrzehnten musikalischer Partnerschaft zünden Martin,
Gilbert und Sheehan mit Hilfe des Newcomers Nick D'Virgilio noch einmal den Funken und nehmen mit dem kommenden "Ten" eine neue Form an.

Das gesamte Album wurde sowohl live im Studio als auch im Tourbus aufgenommen. Die erste Single und das dazugehörige Video aus "Ten", "Good Luck Trying", ist ein lauter, rauer 70er-Jahre-Blues-"Rock"-Song, der Einflüsse von MR. BIGs frühesten musikalischen Inspirationen, gefolgt von dem aus der Feder von Paul Gilbert stammenden Up On You" - ein geradliniger Stomp-Rocker!

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von
den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing),
wattierte Innenhülle.
Als Altsaxofonist Sonny Stitt Anfang der 1940er seine Karriere begann, wurde er von manchen Kritikern zu Unrecht als Charlie-Parker-Klon abgestempelt. Dass er tatsächlich ein ganz eigenes Profil besaß,
bewies er schon bald mit Aufnahmen, auf denen er als Tenor- oder sogar Baritonsaxofonist zu hören war.
Für “Blows The Blues” griff er 1959 aber wieder ausschließlich zum Altsaxofon. Der Titel des Albums
ist dabei Programm: mit seinem exzellenten und bestens eingespielten Quartett präsentiert Stitt hier acht
großartige Nummern (sechs davon aus eigener Feder) in unterschiedlichen Blues-Schattierungen.

Im Januar wurde bekannt, dass Thom Yorke den Soundtrack für Daniele Luchettis Film "Confidenza“ komponiert hat, eine Adaption des italienischen Dramas, das auf dem gleichnamigen Roman von Domenico Starnone basiert. Der Film feierte seine Premiere auf dem Internationalen Filmfestival in Rotterdam und wird am 24. April in die italienischen Kinos kommen. Produziert wurde der Film von Indiana Production und Vision Distribution, der Vertrieb erfolgt durch Vision Distribution. Erscheinen wird der Soundtrack am 26. April zuerst digital. Am 12. Juli folgt die Veröffentlichung auf Vinyl und CD. Schon heute erscheint das Musikvideo zur Single "Knife Edge" mit Elio Germano und Federica Rosellini in den Hauptrollen, das eine neu geschnittene Sequenz aus dem Film sowie einen B-Seiten-Track mit dem Titel "Prize Giving" enthält. Der Intro-Track "The Big City" wurde von Yorke im Februar in seiner Playlist für BBC 6 angeteasert.

"Confidenza“ folgt auf Yorkes vorherigen Score zum "Suspiria“-Remake. Dafür erhielt Yorke eine GRAMMY-Nominierung für den besten Song für visuelle Medien erhielt. Produziert von Sam Petts-Davies (Suspiria, The Smile Wall Of Eyes), arbeiten Petts-Davies und Yorke bei "Confidenza“ erneut mit dem London Contemporary Orchestra und einem Jazz-Ensemble zusammen, zu dem auch Robert Stillman und sein Bandkollege von The Smile, Tom Skinner, gehören. 2019 steuerte Yorke Musik zu Edward Nortons "Motherless Brooklyn“ bei und 2022 schrieb er zwei Songs für das Serienfinale von "Peaky Blinders“.

Zuletzt war Yorke mit The Smile (Tom Skinner, Jonny Greenwood, Thom Yorke) auf Tour, die im Januar ihr zweites Studioalbum "Wall Of Eyes“ veröffentlichten,
das auf das 2022 erschienene Debütalbum "A Light For Attracting Attention“ folgt.

Bereiten Sie sich darauf vor, mit der kommenden Veröffentlichung von Iptamenos Discos aus Berlin in ein Reich der klanglichen Verzauberung entführt zu werden. Boys' Shorts, das dynamische Queer-Duo aus Griechenland, bestehend aus Vangelis (ehemals LAGASTA) und dem in London lebenden Tareq, wird seine neue "Something To Forget" EP veröffentlichen, begleitet von fesselnden Remixen von Gabe Gurnsey und Whitesquare.

Nach ihrer von der Presse hochgelobten "New Era" EP, welche bei RBB Radioeins Monatelang auf höchster Rotation lief, und dem Remix für Local Suicide’s "Eros Anikate" sind Boys' Shorts mit "Something To Forget" zurück auf Iptamenos Discos. Das Duo besteht aus Vangelis und Tareq, die seit über einem Jahrzehnt befreundet sind und ein äusserst erfolgreiches Jahr hinter sich haben, mit einer Reihe von Veröffentlichungen auf Permanent Vacation, Live At Robert Johnson, HE.SHE.THEY & Pets Recordings und DJ-Sets in angesehenen Venues wie dem Londoner E1 und dem Berliner Berghain sowie einem offiziellen Remix für Alison Goldfrapp und als Support auf ihrer Tour. "Something To Forget", die erste Single und gleichzeitig Titeltrack, beginnt mit einem starken Kick und einer markanten Snare, die durch den Mix drückt und zu einer treibenden Kraft wird, die den Track verankert. Die federnde und energiegeladene Bassline steht im Kontrast zu den Texten, die etwas melancholisch sind, jedoch auf eine Art und Weise vorgetragen werden, die ihnen ein unterschwelliges Gefühl von Optimismus verleiht.
Der äußerst talentierte Produzent Gabe Gurnsey, ein regelmäßiger Gast bei Phantasy Sound und Mitglied von Factory Floor, legt einen tanzflächenorientierten Remix von "Something To Forget" vor, der das Tempo erhöht und den Fokus auf die Bassline verlagert, wobei er die Vocals anfangs nur bruchstückhaft anreißt und sie erst nach dem Break für einen Moment in voller Länge erklingen und entfalten lässt. "Flying Away" zeichnet sich durch verwaschene Synthesizer mit viel Hall und verträumte, emotionale Vocals aus, die einem im Kopf herumschwirren und zwischen fröhlich und traurig schwanken, wobei sie nie ganz auf einer der beiden Seiten landen und es dem Hörer überlassen, sie zu interpretieren. Der in Rom ansässige DJ und Produzent Whitesquare ist für den grandiosen Remix von "Flying Away" verantwortlich und wirft mit der Einführung einer euphorischen und nostalgischen Pianomelodie im Breakdown, die jedem ein Lächeln ins Gesicht und eine Welle positiver Energie auf die Tanzfläche zaubert, alle Fragen über den weiteren Verlauf des Tracks weg.
Die komplette EP mit beiden Remixen wird am 14. Juni 2024 auf allen Digital-/Streaming-Plattformen verfügbar sein und zusätzlich auf weissem 12"-Vinyl (gestempelt & nummeriert) erscheinen.

Format: Limitiertes nummeriertes & gestempeltes Color-Vinyl (weiss) im schwarzen Outersleeve mit Sticker

Next Polyamore Recs release comes from Costariva, a really interesting project from Bologna (ITA).

‘Pantera’ intended to transport the listener into the midst of the vibrant paths of a dancing journey to the sound of Italo-disco rhythms, bringing body and soul back to the belle époque of Italian disco music.

“Miscela originale” is a blend of Catchy bass lines and shimmering melodies, amalgamated by the colours of strings and synths, the track is the result of the artistic blend between the music produced and arranged by Federico Franciosi and the words skilfully framed with an ironic and boisterous vein by Giorgio Michele Longo (aka Giargo) and Francesco Zaniboni (aka Dj Rou).

“Rivisitazione adriatica” has a catchy, sexy groove and a horns part that let you go on summer nights.

“Sam Ruffillo Rework” is a dancefloor ready track for your best peak-time in the next summer season festival.

‘Pantera’ is also intended as a veiled homage to one of the greatest and most underrated innovators on the Italian and international music scene, Pino D’Angiò.

With its infectious rhythm and playful spirit, ‘Pantera’ promises to make listeners dance and smile, instilling a little healthy and amused nostalgia in all travellers of the night.

Foundation ska from the cradle of Jamaican music...

Federal Recording Studios nurtured the talents of innumerable Jamaican artists in the early sixties... this set showcases seriously sought after rarities and previously un-released tracks from Don Drummond, The Maytals , Lynn Taitt and many more

Im Rahmen der BLUE NOTE CLASSIC VINYL EDITION erscheinen in der neuesten Staffel zwei moderne Klassiker. Beide Alben gab es bisher nicht auf Vinyl und diese Doppel-LPs enthalten nun auch die bislang nur in Japan veröffentlichen Bonustracks . Stereo, von Kevin Gray von den Original-Masterbändern gemastert, bei Optimal auf 180g-Vinyl gepresst, Gatefold-Sleeves. Nachdem er zuvor auf drei Blue-Note-Alben des Trompeters Terence Blanchard auf sich aufmerksam gemacht hatte, erhielt Pianist Aaron Parks 2008 die Chance, mit “Invisible Cinema” sein erstes eigenes Album für das Label einspielen. Zu hören ist er hier mit einem exzellenten Quartett und einem Programm von durchweg eigenen Kompositionen, die allerdings musikalische Einflüsse von Wayne Shorter bis Radiohead verraten. Jetzt erscheint “Invisible Cinema” zum ersten Mal als Doppelalbum auf Vinyl. Mit “Ten”, seinem achten Album für Blue Note, feierte der Pianist Jason Moran 2010 das zehnjährige Jubiläum seines Trios The Bandwagon. Das noch heute in unveränderter Besetzung spielende Trio hat - ähnlich wie z.B. The Bad Plus oder das Robert Glasper Trio - das Image des klassischen Piano-Trios radikal modernisiert. Auf “Ten”, das nun erstmals als Doppelalbum auf Vinyl veröffentlicht wird, bietet The Bandwagon neben Originalen von Moran auch einzigartige Interpretationen von Stücken aus der Feder von Thelonious Monk, Jaki Byard und Conlon Nancarrow.

2025 Repress

Operation Sole like the summer, hopefully, imminent; “Operazione Sole” like the 1967 song by Peppino Di Capri, considered, perhaps wrongly, the first ska in Italy, but certainly the first to talk about Jamaica and upbeat rhythms.
The record you have in your hand is intended to be a testimony to how much the sounds born in Kingston between the '60s and '70s had a significant influence on local pop.
With the first explosion of reggae in England between 1968 and 1970, as well as with the rise of Bob Marley to a worldwide cult phenomenon, parallel to the all-English phenomenon of Two Tone and the ska revival, Italy, always attracted by the new trends not only English, he certainly couldn't stay on the sidelines.
Therefore these innovative and unknown upbeat sounds, derived from the blues of the 1950s and mixed with a Caribbean sauce, have also taken hold in the Bel Paese.
It began as early as 1959 with the song “Nessuno” by Mina, considered to all intents and purposes a Jamaican shuffle, to arrive in a few years at blue-beat (I4 di Lucca, Claudio Casavecchi) and ska (Margherita, Peppino Di Capri , Silvano Silvi, Renzo and Virginia) and be exposed to the first reggae (for example Jo Fedeli and his Italian version of “Israelites” by Desmond Dekker). Thus, we quickly reach the end of the decade of the economic boom and the culture, styles, references change: everything becomes more busy (on a cultural, artistic and political level).
After a stalemate phase that lasted more than five years, Bob Marley's reggae (considered a sort of new Messiah) conquers the planet, including Italy: the producers and artists, even at a high level, for a few years do not remain at all indifferent to this novelty and decide to introduce the "upbeat", primarily reggae, into the various pop repertoires: well-known names such as
Loredana Bertè, Mario Lavezzi, Rino Gaetano, Ivano Fossati, Ilona Staller, Adriano Celentano, Edoardo Bennato throw themselves headlong into new sonic adventures, in a pioneering way, but often with excellent results.
The "Operazione Sole" collection wants to take the credit, instead, of proposing and discovering lesser-known artists (with the exception of Gino Santercole, former associate and relative of Il Molleggiato), often real meteors in the Italian musical panorama, who have tried to achieve (or achieve again) success by adapting the pop that was so popular in those years to the new black sounds prevailing in the West.
We are in the early 80s and we range from the most classic reggae, to Italo-disco contaminated by dub up to the true Neapolitan style which, on more than one occasion, in its being endemically "black" and full of groove, has wrung out the watch out for agreements made in Kingston and London.
“Operation Sun”: a pleasant philological work, but surrounded by an equally pleasant aura of disengagement.

Beinahe 50 Jahre lang war Johnny Hodges der vielleicht wichtigste Solist im Orchester von Duke Ellington. Parallel unternahm der Altsaxophonist natürlich auch immer wieder erfolgreiche Soloausflüge, so wie 1958 auf dem Verve-Album “Blues A-Plenty”. Mit einem All-Star-Septett, in dem gleich vier weitere prominente Ellington-Musiker versammelt waren, präsentiert Hodges hier neben fünf eigenen Kompositionen u.a. auch zwei Nummern aus der Feder seines Bosses

Die US Metal-Legende Warlord wurde im Jahre 1981 von Mark Zonder und William J. Tsamis gegründet. Ein Jahr später, 1982, erschien der Song "Lucifer's Hammer" (basierend auf einem Roman von Larry Niven und Jerry Pournelle) auf der prestigeträchtigen Compilation "Metal Massacre II". Als Resultat unterzeichneten Warlord einen Kontrakt bei Metal Blade Records und nahmen ihre erste Mini-LP auf. "Deliver Us" erblickte 1983 das Licht der Welt und gilt heute als Blaupause des "Epic Metal" (zusammen mit Manilla Road, Cirith Ungol und Brocas Helm gelten Warlord als Erfinder jenes Stils). Nach zwischenzeitlicher Auflösung erschien im Jahre 2002 das starke Comeback-Album "Rising Out Of The Ashes", erst elf Jahre später gefolgt von "The Holy Empire". "The Holy Empire" sollte das letzte Warlord-Studioalbum mit neuem Songmaterial bleiben, denn Bandgründer William J. Tsamis verstarb am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren. Allerdings erschien danach noch ein weiteres Warlord-Album, nämlich "The Hunt For Damien" im Jahre 2015. Darauf zu hören ist als Sänger Nicholas Leptos (u.a. auch bei Astronomikon, Prodigal Earth, Gangland und Diphteria tätig). Das jetzt erscheinende "Free Spirit Soar", welches auch zwei überarbeitete Nummern von Lordian Guard enthält, ist ein Tribut von Sänger Giles Lavery an das musikalische Erbe von Bill Tsamis. Er wird dabei unterstützt von Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards/Synthesizer), Phillip Bynoe (Bass) sowie Eric Juris (Gitarre). Alle Songs wurden zwischen März und September 2023 aufgenommen.

Giles Lavery, der auch als Produzent fungierte, erklärt die Entstehungsgeschichte des Albums im Detail: "Unser erklärtes Ziel als Band war es, diese Musik für Bill fertigstellen. Und das vorliegende Material erschien uns ohne Frage stark genug, um uns dazu zu inspirieren. Bill ist bei allen Gitarrenparts zu hören, bei denen es uns möglich war, sie von den ursprünglichen Demo-Recordings zu isolieren - ganz so wie die verbliebenen Beatles die Stimme von John Lennon vom einem alten Demo-Tape zu retten in der Lage waren. Der Großteil der Gitarrenpassagen auf "Free Spirit Soar" wird zwar von Eric gespielt, aber die gesamte Musik stammt aus der Feder von Bill. Und wir haben uns wirklich sehr darum bemüht, seine Arrangements möglichst originalgetreu umzusetzen."

Line-up: Giles Lavery - vocals Eric Juris - guitars Philip Bynoe - bass Jimmy Waldo - keys Mark Zonder - drums

Die US Metal-Legende Warlord wurde im Jahre 1981 von Mark Zonder und William J. Tsamis gegründet. Ein Jahr später, 1982, erschien der Song "Lucifer's Hammer" (basierend auf einem Roman von Larry Niven und Jerry Pournelle) auf der prestigeträchtigen Compilation "Metal Massacre II". Als Resultat unterzeichneten Warlord einen Kontrakt bei Metal Blade Records und nahmen ihre erste Mini-LP auf. "Deliver Us" erblickte 1983 das Licht der Welt und gilt heute als Blaupause des "Epic Metal" (zusammen mit Manilla Road, Cirith Ungol und Brocas Helm gelten Warlord als Erfinder jenes Stils). Nach zwischenzeitlicher Auflösung erschien im Jahre 2002 das starke Comeback-Album "Rising Out Of The Ashes", erst elf Jahre später gefolgt von "The Holy Empire". "The Holy Empire" sollte das letzte Warlord-Studioalbum mit neuem Songmaterial bleiben, denn Bandgründer William J. Tsamis verstarb am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren. Allerdings erschien danach noch ein weiteres Warlord-Album, nämlich "The Hunt For Damien" im Jahre 2015. Darauf zu hören ist als Sänger Nicholas Leptos (u.a. auch bei Astronomikon, Prodigal Earth, Gangland und Diphteria tätig). Das jetzt erscheinende "Free Spirit Soar", welches auch zwei überarbeitete Nummern von Lordian Guard enthält, ist ein Tribut von Sänger Giles Lavery an das musikalische Erbe von Bill Tsamis. Er wird dabei unterstützt von Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards/Synthesizer), Phillip Bynoe (Bass) sowie Eric Juris (Gitarre). Alle Songs wurden zwischen März und September 2023 aufgenommen.

Giles Lavery, der auch als Produzent fungierte, erklärt die Entstehungsgeschichte des Albums im Detail: "Unser erklärtes Ziel als Band war es, diese Musik für Bill fertigstellen. Und das vorliegende Material erschien uns ohne Frage stark genug, um uns dazu zu inspirieren. Bill ist bei allen Gitarrenparts zu hören, bei denen es uns möglich war, sie von den ursprünglichen Demo-Recordings zu isolieren - ganz so wie die verbliebenen Beatles die Stimme von John Lennon vom einem alten Demo-Tape zu retten in der Lage waren. Der Großteil der Gitarrenpassagen auf "Free Spirit Soar" wird zwar von Eric gespielt, aber die gesamte Musik stammt aus der Feder von Bill. Und wir haben uns wirklich sehr darum bemüht, seine Arrangements möglichst originalgetreu umzusetzen."

Line-up: Giles Lavery - vocals Eric Juris - guitars Philip Bynoe - bass Jimmy Waldo - keys Mark Zonder - drums

“On August 5th 1962, after 300 years of British rule, which had soaked the earth of the island in blood, Jamaica was finally independent. The country that the British left behind was certainly a place of widespread poverty and deep inequality, but there seems to have been a real burst of confidence that came with independence. Newsreels of the day show well-dressed crowds reacting with enthusiasm and excitement, and the era found its perfect soundtrack in the boldness and exuberance of ska music, which was erupting all over the island.

This optimistic mood found probably its greatest artistic expression in the music of the Skatalites, who formed in June 1964 as a kind of Jamaican supergroup. Philip “Justin” Yap was a young, upcoming producer who had used members of the Skatalites for his first tunes, recorded either at RJR (Radio Jamaica and Redifussion) or at Federal studios. As Steve Barrow documented in the sleevenotes for Pressure Sounds’ reissue of the classic “Ska-Boo-Da-Ba” album, Justin had also befriended Clement “Coxsone” Dodd, and when Coxsone opened his own Studio One facility in December 1963, Justin immediately switched most of his production work to this new recording room. Studio One opened just in time to catch the formation of the Skatalites, and is where Justin recorded most of his classic Skatalites sides. He also recorded lots of excellent instrumentals with a smaller brass section, still mainly using members of the Skatalites, but crediting instead the composer or arranger of the tune. Combined with Coxsone’s own recordings, these productions for Justin’s Top Deck and Tuneico labels really captured the members of the Skatalites at their magnificent best in the unique atmosphere of Studio One.”

The inspiration to record this Album came from a difficult period in Zito's life when he was dealing with the death of his late wife Laura. A outpouring of emotion expressing the vulnerability and longing associated with the love and heartbreak surrounding the passing of Mike's wife Laura. Recorded at the legendary Sunset Sound Studios in Hollywood, California, under the watchful eyes of producers Joe Bonamassa and Josh Smith, "Life Is Hard is a complete work of
art for me. I believe this is the best album I've ever made in my life. My wife Laura and I planned this idea of pouring my heart out in music after her death from cancer." - Mike Zito


Mike is a chart topping Contemporary Blues artist racking up numerous independent, international and Billboard No.1 Albums. 'Life Is Hard' was officially released 23rd of February 2024 and achieved six weeks in the top 5 on the US Billboard Blues Chart!

Alongside this Mike has consistently received accolades from the likes of the Blues Federation and The Blues Music Awards, this year Mike is nominated for "Best Blues Rock Artist" and "Best Blues Rock Album". Gulf Coast Records will be rolling out adverts in Blues Matters, Classic Rock, Living Blues and Mojo.

Viele von uns werden sich täglich daran erinnern müssen, dass es nicht mehr 1967 ist. "We All Belong" von DR. DOG ist eines dieser Meisterwerke, dass eine Standleitung zu der Quelle hat, an der sich seinerzeit auch Brian Wilson, Neil Young, Robbie Robertson, John Lennon und Paul McCartney gütlich taten, um so erfrischt einige der besten Songs der Geschichte zu schreiben. DR. DOG haben damit einen Klassiker geschaffen, der nicht nur absolut zeitlos, sondern reich an Seele, voll von purem Rock'n'Roll und manchmal auf so unheimliche Weise vertraut ist, dass man sich sofort zu Hause fühlt - trotzdem jedoch bleibt der Sound auf ,We All Belong" einzigartig. Die Produktion steht ebenso in der Schuld von George "The 5th BEATLE" Martin wie auch Jeff Mangum (NEUTRAL MILK HOTEL). Die Songs, die da regelrecht aus der Feder und den Instrumenten von DR. DOG fließen, sind auf der einen Seite eine große Hommage an die Brillanz vergangener Zeiten und auf der anderen Seite der Weckruf einer Generation, der vom müden Indie ihrer Zeit ganz schläfrig zumute ist. An den Trompeten des Weckrufs: DR. DOG, deren Appeal durchaus noch weitere 40 Jahre bestehen könnte.

The wait is over and the underground viennese label Leap Records serves a brand new international VA vinyl record and celebrates its 10th release. On board are Federsen, Anton Kubikov, Mantsche and co-chef Alexander Wirth.
Side A is opened by viennese dub techno producer Mantsche. He released a 4-track EP on Leap Records in 2021 and is known for his timeless and reggae-influenced records. Ras Tawny accompanies him vocally.
In addition, the internationally renowned artist Federsen, based in San Francisco, is featured on the A side. Federsen is a household name for everyone in the scene and
with his analogue equipment and wide music knowledge he brings the Maurizio flavor back to the present.
Side B represents Anton Kubikov. His music career started in 1994 and Anton Kubikov has many vinyl releases to date, for example on the labels Tracks, Trapez,
Salo and many others. At this time Anton Kubikov shares the beauty of dub techno chords, accompanied with a crisp and juicy bass drum.
The last track is a mix of the co-founder of the well-known Innsbruck club Tante Emma Alexander Wirth and Mantsche. In this case, the Alpine Innsbruck and Vienna
meet and the result is a mix of sunrise dub house with soulful vocals and the extra vibe of the Round one to five series, which has its origins in the 90s.

"The Border" ist das 75. Solo-Studioalbum des legendären Country-Künstlers Willie Nelson mit neuem Material. Produziert von Willies langjährigem Mitarbeiter Buddy Cannon, enthält "The Border" vier neue Titel aus der Feder der beiden, kombiniert mit einem halben Dutzend Songs von einigen ihrer Lieblingssongwriter, darunter zwei, die von Rodney Crowell sowie Shawn Camp, Mike Reid und Bobby Tomberlin geschrieben wurden. Unterstützt von einigen der besten Musiker Nashvilles ist das Album ein weiterer sofortiger Klassiker, der auf sein letztes Album mit neuem Material "A Beautiful Time" folgt, das bei den Grammys 2023 als bestes Country-Album ausgezeichnet wurde.

"Espontaneamente se Tenta: Aventuras Sonoras de Djalma Corrêa is an album of deeply exploratory pieces by legendary percussionist and composer Djalma Corrêa. This double-LP set features previously unreleased recordings that cover a wide range of sonic experiments, revealing an unknown side of the prolific and groundbreaking Brazilian artist. Most of the tracks on this album were digitized for the first time – directly from the original tapes – and were compiled in collaboration with Corrêa just before he passed.

The result is a wild and unsettling collage that shows us just how original and intense Corrêa could be: from the unorthodox electroacoustic piece Evolução (Para Fita e Filme), which channels ancestral African inspirations to create a sonic cosmogonical narrative, to the proto-mixtape Exemplo de Sintetizadores, in which he transitions from transcendental drones to astral cha-cha-chas.

While the compilation might seem disjointed at first listen, it is in fact the most accurate translation or representation of his central concept: spontaneous music. Djalma's relationship with sound was always guided by his fearless approach to listening, and by his audacious and dynamic interaction with both musicians and equipment, which enabled him to work across a wide array of genres: from jazz to completely abstract music, always through a personal DIY ethic.

Corrêa developed a strong bond with experimentalist and inventor Walter Smetak, with whom he shared a studio during his formative years at Universidade Federal da Bahia. Suite Contagotas, featured in this collection, is no less than a sonic materialization of that bond: an experiment revolving around dripping water and its randomness – a tentative exploration of the ideas and possibilities envisioned by Smetak for his audacious, albeit unrealized, Estúdio OVO.

Djalma, however, is best known for his studio work in historical albums, including many by Caetano Veloso, Gilberto Gil and Jorge Ben, and for his own polyrhythmic opus Baiafro. The last track is an early recording called Bossa 2000 dC, first performed by Djalma at the 1964 Nós, Por Exemplo concert, an event which is often cited as marking the beginning of the Tropicalia movement. At the time, he was the only artist in the lineup using electronic devices to create sounds, e.g. medical oscillators and contact mics to augment his percussive palette.

The artwork is an amalgamation of material found in the Djalma Corrêa Archive (currently managed by his son Caetano Corrêa) and other material created during the period in which the record was being put together. The intention is to guide the listeners through this possibly tempestuous soundscape, giving them additional resources so that they may draw their own meanings and make their own sense of this extremely immersive and original experience – which is like nothing we've ever heard before."

Released only eight months after his exhilarating debut, Bruce Springsteen's The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle contains rousing dispatches from the boardwalk, the street, the beach, and the bedroom. It explodes with energy, dares to dream, teases with humour, crackles with tragedy, clings to hope, and overflows with discovery, youthfulness, and personality. It features an unforgettable cast of characters — corner boys, teenage hustlers, doomed lovers, jazz men, junk men, factory girls, fortune tellers, alley cats, pimps, escorts, and more — illuminated by vivid colour, breathtaking detail, and poetic action.

Musically, the heartfelt 1973 record is inhabited by sympathetic vignettes and cinematic arrangements steeped in rock 'n' roll, soul, jazz, and R&B. It finds the New Jersey native looking beyond the parameters of his preceding record and seeking to move on from environments he knows well (and chronicles here) by rushing headlong toward unknown territories, adventures, and people. Underpinned by the singer-guitarist's ambitious poetic enterprise and will to succeed, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle is the album on which Springsteen becomes the Boss.

Mastered on Mobile Fidelity's renowned mastering system, pressed at RTI on MoFi SuperVinyl, and strictly limited to 7,500 numbered copies, Mobile Fidelity's UltraDisc One-Step 180g 33RPM LP set is the definitive-sounding version of Springsteen's sophomore record. Benefitting from SuperVinyl’s nearly non-existent noise floor, superb groove definition, and dead-quiet surfaces, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle plays with a clarity, energy, presence, and openness that complement the expressiveness, dynamics, and scope of the seven restless songs that comprise a work Rolling Stone ranked the 345th Greatest Album of All Time.

Beyond the audiophile sonics that practically place you behind the console at 914 Sound Studios — listen to the separation between the instruments, natural decay of the notes, interplay within the widescreen soundstaging, and nothing-to-lose youthfulness of Springsteen’s voice — this reissue takes seriously this record’s influential merit by presenting it in packaging that underlines its status. Tucked in a beautiful slipcase, the LP is housed in a special foil-stamped jacket with faithful-to-the-original graphics. This reissue is made for listeners who prize sound quality and who want to engage themselves in everything involved with the invigorating set that busted Springsteen loose from the club circuit and landed him on the radio

Determined to liberate anyone within earshot and unafraid to come on strong, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle serves as the debut of the E Street Band — not only heard but seen for the first time by most of the public courtesy of the back-cover photograph. This is where saxophonist Clarence Clemons, organist-accordionist Danny Federici, and pianist David Sancious step out of the shadows — and drummer Vini Lopez and bassist Garry Tallent again stoke a fiery rhythmic engine that helps drive the untamed, reimagined big-band swing of “Kitty’s Back,” breathless R&B thrust of “Rosalita (Come Out Tonight),” and carefree dance steps of the funky “The E Street Shuffle.”

Of course, the main attraction remains a then-24-year-old visionary on the precipice of becoming a sensation and turning a then-bloated rock scene on its head. Recorded over three months while Springsteen and company were busy touring his debut LP, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle reflects the high-octane approach the vocalist embraced onstage and drifts away from the label-dictated acoustic-based frameworks of his debut. The set also witnesses Springsteen deepening his observational skills, with narratives such as the romantically tinged “4th of July, Asbury Park (Sandy)” and redemptive epic “Incident on 57th Street” mirroring changes taking place in the singer’s own life, small towns, and America at large.

A thrilling collision of memories, reflections, and composites — Sandy, Rosalita, and the latter’s parents are all based on actual people Springsteen knew, as is the community depicted in the opening track — the aptly titled The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle resonates decades on due to its truths, authenticity, and spirit. Those characteristics — as well as the fact that many of its lengthy songs come on as the equivalent of sweaty, feverish soul revue that won’t stop until you’ve been exhausted — also explain how this now-iconic album triumphed over the reservations of industry “experts” that both demanded Springsteen re-record it and instructed deejays not to play it.



Yet there’d be no stopping a record that saw the past, present, and future, a band whose will would not be denied, and a phenomenon who was born to run. A never-ending invitation to act real cool and stay up all night, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle always feels alright.

1966 soundtrack from Ennio Morricone Pressed on Transparent Green Vinyl & includes a 30x30cm insert First ever release of four tracks on vinyl! “Come imparai ad amare le donne” (How I learned to love women) is a 1966 romantic comedy directed by Luciano Salce; the cast includes internationally renowned actors such as Anita Ekberg, Michèle Mercier and Robert Hoffman, as well as a very young Romina Power who was only 14 years old at the time. The beginning of the artistic collaboration between Ennio Morricone and Salce dates back to 1961, with one of the Maestro’s very first soundtracks, “Il federale” (The Fascist); the partnership then continued with “La voglia matta” (Crazy Desire), “La cuccagna” (A Girl… and a Million), “Le monachine” (The Little Nuns), “Slalom”, “El Greco” and, finally, “Come imparai ad amare le donne”.

For this film, Ennio Morricone composed a soundtrack that is a true hymn to love, with an elegant and refined atmosphere led by the beat ballad “Pioggia sul tuo viso” performed by the English group The Sorrows, and by various romantic themes such as “La diva”, “La donna gattina” and “La donna romantica” that alternate with classical compositions such as “Alta moda” and “Alla corte di Luigi Xvi”. The love theme returns in a danceable version in the opening credits.

Originally released in 1966 and reissued in 1985, this soundtrack is finally reissued on clear green vinyl LP with a new artwork and a 30x30cm insert. In addition, four tracks are here released on vinyl for the first time. Liner notes and audio remastered by Claudio Fuiano.

A reissue of the wonderful female vocal LP released by FEDERAL in 1977! Mellow reggae with covers of classics by Patti Austin, Albert Hammond, Bob Marley, and more. Marcia Griffiths participates on backing vocals.

Few years before the international hit Uptown Top Ranking', made with his friend Donna, Althea Forrest recorded Hey Mister' for famous producer (and singer) Derrick Harriott.

Mid 1970's, Derrick Harriott is the best reggae-soul producer in Jamaica. He's made tons of US soul cover with Jamaican artists. Hey Mister' was recorded at Federal studios (Tuff Gong nowadays) and didn't get an international audience, not even in Jamaica, probably because it was not a cover!

For the first time since 1976, Hey Mister' is now available on a Maxi vinyl 12'' to offer the best sound quality. Thanks to Derrick Harriott's master tapes and to the original artwork, now you can play this tune in the perfect condition.