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Transparent Orange Vinyl)

Gold Vinyl

Recorded in Hollywood, California between two sessions in December 1956 and January 1957, Art Pepper’s Modern Art for the Intro label featured his melodic alto saxophone flights atop cool jazz, bebop, and blues in the company of a quartet with Russ Freeman on piano, Ben Tucker on bass, and Chuck Flores on drums. This mono Tone Poet Vinyl Edition was produced by Joe Harley, mastered by Kevin Gray from the original analog master tapes, pressed on 180g vinyl at RTI, and packaged in a deluxe tip-on jacket.

Bethesda Game Studios und Laced Records haben sich zusammengetan, um die Musik von 'Starfield' auf Deluxe-Vinyl zu bringen.

In allen Titeln der Bethesda Game Studios ist die Musik ein wesentlicher Bestandteil der Reise des Spielers und ein ständiger Begleiter während seines Abenteuers. Die langjährige Zusammenarbeit zwischen dem Komponisten Inon Zur und dem Studio begann bereits 2008 mit der Veröffentlichung von Fallout 3. Die Musik zu 'Starfield' sollte sowohl die Weite des Weltraums als auch die Neugier der Menschen auf das Unbekannte zum Ausdruck bringen. So verwob Zur traditionelle und nicht-traditionelle orchestrale und elektronische Klänge zu einem Klangteppich aus Organischem und Synthetischem.

Während der Entwicklung hat das Team ein eklektisches Spektrum an Referenzpunkten durchlaufen: Es begann bei den Sci-Fi-Grundsäulen von John Williams und Jerry Goldsmith, durchquerte einen klassischen Nebel von Debussy, Ravel und Prokofiev, flog an Vangelis' überragendem Synthesizerwerk vorbei und warf einen Blick auf die experimentellen Arbeiten der Einstürzenden Neubauten und von John Cage.

In den Orchesterstücken von Starfield, die vom Budapester Filmorchester eingespielt wurden, beschwören verschiedene Instrumentalgruppen oft imaginäre Aspekte des Weltraums herauf. Schnelle, sich wiederholende Sequenzen in den Holzbläsern stellen Partikel dar. Streicher, die wellenförmige Akkorde spielen, imitieren lange Wellen interstellarer Energie. Die Blechbläser werden zum Leuchtfeuer der Melodie, das über die Galaxie hinaus strahlt. In ähnlicher Weise erhalten die eher elektronischen Cues ein Gefühl von Erhabenheit durch schwere Synthesizerflächen, die kryptische, sich wiederholende Muster und ungewöhnliche perkussive Schläge untermauern.

Aeralie Brighton (DEATHLOOP, Ori-Serie) ist auf dem Soundtrack als Sängerin zu hören.

Hyldon, Brasiliens hochverehrter Sänger, Musiker und Produzent, hat sich mit Adrian Younge zusammengetan, um ein neues psychedelisches Soul-Album, HYLDON JID023, zu kreieren. Das Duo, das sich von Hyldons bahnbrechenden Arbeiten der 60er und 70er Jahre inspirieren ließ, lässt den Geist dieser Epoche wieder aufleben und schafft gleichzeitig einen modernen Klassiker. Hyldons einzigartige Stimme und lyrische Tiefe, kombiniert mit Younge's innovativer, analoger Produktion, sorgen dafür, dass dieses Album nicht in Vergessenheit geraten wird. JID023 ist eine der letzten Aufnahmen mit Hyldons langjährigem Mitarbeiter und Freund, dem verstorbenen Schlagzeuger Ivan ,Mamao" Conti von Azymuth.

Hyldon, Brasiliens hochverehrter Sänger, Musiker und Produzent, hat sich mit Adrian Younge zusammengetan, um ein neues psychedelisches Soul-Album, HYLDON JID023, zu kreieren. Das Duo, das sich von Hyldons bahnbrechenden Arbeiten der 60er und 70er Jahre inspirieren ließ, lässt den Geist dieser Epoche wieder aufleben und schafft gleichzeitig einen modernen Klassiker. Hyldons einzigartige Stimme und lyrische Tiefe, kombiniert mit Younge's innovativer, analoger Produktion, sorgen dafür, dass dieses Album nicht in Vergessenheit geraten wird. JID023 ist eine der letzten Aufnahmen mit Hyldons langjährigem Mitarbeiter und Freund, dem verstorbenen Schlagzeuger Ivan ,Mamao" Conti von Azymuth.

Barker's debutalbum Utility (on Berghain's Ostgut Ton label) was something of a sensation in the world of electronic music when it was released. Utility made numerous Best of 2019 year's end lists, including Pitchfork (8,2 review), The Quietus, DJ Mag, Resident Advisor (Recommends) and others. It also earned title of Mixmag's Album of The Year 2019. Now its finally time for the follow-up Stochastic Drift on Smalltown Supersound. And where Barker on Utility was "using ambient materials to remake techno" as Pitchfork's Philip Sherburne wrote, he takes this approach even further here creating - as the title suggests - a dreamy stochastic drift and beautiful freeform float.

Barker's debutalbum Utility (on Berghain's Ostgut Ton label) was something of a sensation in the world of electronic music when it was released. Utility made numerous Best of 2019 year's end lists, including Pitchfork (8,2 review), The Quietus, DJ Mag, Resident Advisor (Recommends) and others. It also earned title of Mixmag's Album of The Year 2019. Now its finally time for the follow-up Stochastic Drift on Smalltown Supersound. And where Barker on Utility was "using ambient materials to remake techno" as Pitchfork's Philip Sherburne wrote, he takes this approach even further here creating - as the title suggests - a dreamy stochastic drift and beautiful freeform float.

Posture and Sparkly Pony have joined forces on Sweat Repetition, a fresh 5-track split EP featuring remixes by Irelands finest Eoin DJ and dancefloor troublemaker 131bpm.

Dive into laid-back, soothing soundscapes combined with energetic drum workouts that will get your hips swinging.

Posture and Sparkly Pony have joined forces on Sweat Repetition, a fresh 5-track split EP featuring remixes by Irelands finest Eoin DJ and dancefloor troublemaker 131bpm.

Dive into laid-back, soothing soundscapes combined with energetic drum workouts that will get your hips swinging.

Laura Nyro's album “Walk the Dog & Light the Light” was released on August 17, 1993, marking her return to studio recordings after a nine-year hiatus since “Mother’s Spiritual” in 1984. This album is notable as it was the last collection of original material she released during her lifetime. The album features a mix of original compositions and covers, showcasing Nyro's distinctive blend of pop, soul, and jazz influences. Notably, the track "Broken Rainbow" was previously featured in the Academy Award-winning documentary of the same name, which addressed the relocation of the Navajo people. Musicians contributing to the album include Bernard Purdie on drums, Freddie Washington on bass guitar, and guitarists Elliott Randall, Michael Landau, and Ira Siegel. The album was co-produced by Nyro and Gary Katz, known for his work with Steely Dan. The sound is smooth and soulful, with Nyro's rich and smokier vocals singing her lyrics concerning topics such as feminism, animal rights and Native American rights.

With Leaving It All to Chance, Roomer don't quite leave everything up to fate. The Berlin outfit's debut album hums with guitar-driven heartbreak, pairing mind-splitting noise with seductive melodies. Capturing the gritty yet emotive energy of their live performances, the album welcomes in the occasional ear-candy, staying true to the raw physicality of a hazy club show all while sharpening its edges-crafted in true DIY spirit and released by Munich's Squama Recordings.
Roomer is the meeting point of four distinct creative forces in the European music scene, united through long-standing friendships and years of collaboration across projects ranging from avant-garde free improv to ethereal folk and ambient electronica. Inevitably-if surprisingly late-the question arose: why not start a band? In their hands, the rock band format became a canvas for their many musical worlds to collide.

Nicolás Melmann (born in Buenos Aires and now based in Barcelona) explores sound's social and poetic dimensions through transdisciplinary projects. Drawing inspiration from Erik Satie's concept of "furniture music," Melmann's compositions transform the listening experience into havens of calm and contemplation.

Música Aperta is a fusion of acoustic and electronic sounds, rich in beautiful harmonies, where carefully soft elements interplay with delicate raspiness. Made up of three parts, the music unfolds slowly, immersing the listener in time. Música Aperta resonates with echoes of Satie, the meditative minimalism of Arvo Pärt, the roughness of Phill Niblock, and the nostalgic reflections of Richard Skelton.

Another way of listening to Música Aperta is through its digital encore – an extension of the album experience that brings the concept of open music to life – "a work that remains unfinished and open to transformation." The website features a reactive audiovisual interface where images dynamically respond to the music's behavior, translating electroacoustic frequencies into real-time cinematic landscapes. The album blends instrumental and electronic textures while allowing listeners to interact with different layers through a virtual mixer, enabling them to create unique sound combinations and personal sonic experiences.

All songs written and performed by Nicolás Melmann in Château Éphémère.
Mastered by Rafael Anton Irisarri at Black Knoll Studio, NY.
Artwork by Daniel Castrejón.

Da sind sie wieder: Gewohnt prachtvoll reiht sich "Setzen, Sekt!", das neueste Album der Monsters of Liedermaching in ihre an Glanzlichtern reichhaltige Diskographie. In 12 neuen Perlen reflektieren sie die Wirren des Daseins und ihre Rollen darin. Ob Agenten mit Hundewelpen oder musikhassende Katzen, die eigenen Karriereziele als Torhüter oder Entscheidungsfragen zur Tapetenfarbe, ist dabei zweitrangig. Das Leben stellt die Reibungspunkte und die Monsters ölen sie mit Poesie. In ihrem charakteristischen Liedermacherstil zwischen Punk und Popappeal präsentieren sie sich in gar reizender Ausgelassenheit und begegnen dem Wahnsinn der Welt mit einem Lächeln, denn das Ventil heißt Humor und die Monsters sind eine blühende Oase des Glücks.

Da sind sie wieder: Gewohnt prachtvoll reiht sich "Setzen, Sekt!", das neueste Album der Monsters of Liedermaching in ihre an Glanzlichtern reichhaltige Diskographie. In 12 neuen Perlen reflektieren sie die Wirren des Daseins und ihre Rollen darin. Ob Agenten mit Hundewelpen oder musikhassende Katzen, die eigenen Karriereziele als Torhüter oder Entscheidungsfragen zur Tapetenfarbe, ist dabei zweitrangig. Das Leben stellt die Reibungspunkte und die Monsters ölen sie mit Poesie. In ihrem charakteristischen Liedermacherstil zwischen Punk und Popappeal präsentieren sie sich in gar reizender Ausgelassenheit und begegnen dem Wahnsinn der Welt mit einem Lächeln, denn das Ventil heißt Humor und die Monsters sind eine blühende Oase des Glücks.

Second volume of tributes from Kutmah.
A beat tape for the brotha from anotha planet, the most high Ras G & the Afrikan Space Program
All beats by Kutmah / Cover Photos By Kevin Ramos

"BODIES marks a bold evolution in our ever-developing sound. HEROINE was defined by its meticulously crafted and tightly woven concept, but the weight of this careful construction sometimes overshadowed the energy of the music itself, leaving some listeners feeling disconnected. With BODIES, we have embraced a more immediate, unfiltered approach that feels like a lightning bolt, looking to capture the energy of “Thornhill right now.” The album thrives on spontaneity and freedom, foregoing rigid concepts in favor of pure, in-your-face authenticity. It’s less about delivering a carefully constructed narrative and more about creating a visceral, open-ended experience. BODIES serves as a sonic moodboard—a collection of feelings and vibes—intentionally left open to interpretation. It has an upbeat and almost celebratory, party energy at times, but also retains all the emotion and intensity Thornhill are known for, making it our heaviest and most explosive work to date. With BODIES, we invite listeners to connect on their own terms. It’s raw, personal, and unapologetically immediate—a record that thrives in the moment, capturing our band at our most authentic and free."

PITCHFORK “This ‘Director’s Cut’ is the way it was always intended to be heard” - Patterson Hood In 2004 the Drive-By Truckers released what would become the best selling album in their illustrious catalog. The Dirty South is a concept album that examines the state of the South, and unveils the hypocrisy, irony, and tragedy that continues to exist. The album features live show staples like, “Tornadoes”, “Where The Devil Don’t Stay” and “Puttin’ People On The Moon” as well as rarities like “Goode’s Field Road” and “Daddy’s Cup.” The Complete Dirty South is a band-led rework of the original album. Principal member, Patterson Hood, took the reins and reimagined this record as it was originally intended. The complete version features resequenced audio, three additional tracks, four remixes along with updated vocals. The packaging comes with a perfect bound book featuring liner notes from Patterson Hood, track by track descriptions from Mike Cooley and Jason Isbell as well as never before seen photos along with updated artwork from the late Wes Freed.

Das fünfte, den Durchbruch für Evan Dando bringende, Lemonheads-Album 'It's A Shame About Ray', wird zum 33-jährigen Jubiläum wieder als Single Vinyl in klassisch schwarz mit der Original-Tracklist nachgepresst (mit Download Card für die zusätzlichen Bonustracks der Deluxe Edition von 2022). Beschrieben von Musikjournalist und Autor Everett True als "Ein 30-minütiger Einblick in das, was es heißt, hart und schnell und locker und glücklich mit gleichgesinnten Kumpels zu leben, angetrieben von einer gemeinsamen Liebe zu ähnlichen Bands und Drogen und Alkohol und Freiheit". It's A Shame About Ray" hatte in jenen berauschenden, sorglosen Tagen des Jahres '92 eine beträchtliche Wirkung. Die Platte fängt perfekt Dandos Fähigkeit ein, die Sehnsucht und Lust der Teenager mühelos in einem zweiminütigen Popsong zu verpacken. Singles wie "My Drug Buddy" und der luftig-perfekte Pop des Titeltracks mögen herausstechen, aber die eigentliche Stärke des Albums liegt in den Tracks dazwischen; das wirklich fantastische 'Confetti' (über die Scheidung von Evans Eltern) und die atemberaubend lässige Akustik-Coverversion von 'Frank Mills' (aus dem Hippie-Musical Hair), eine Version, in der jedes Quäntchen Pathos und Gefühl für die verlorene Generation der 1960er mitzuschwingen scheint. Wenn Evan Dando Zeilen wie "I love him/but it embarrasses me/To walk down the street with him/He lives in Brooklyn somewhere/And he wears his white crash helmet" singt, weiß man erst richtig zu schätzen, wie wunderbar und verlockend Popmusik sein kann. Und dann gibt es da noch den Ansturm von Aufsässigkeit und Unverfrorenheit im wunderbar verkürzten 'Bit Part'; das aufgedrehte 'Ceiling Fan In My Spoon'... das war Jungs/Teenager-Popmusik mit Stil auf einem Niveau mit The Kinks, den frühen Undertones und den Wipers. "Ray sounds revelatory in its restlessness, mixing college pop with country flair and relocating Gus Van Sant's Portland atmosphere to New England." Pitchfork *****½ (Download only adiitional extras: 1 Mrs Robinson 2 Shakey Ground 3 My Drug Buddy (KCRW Session, 1992) 4 Knowing Me, Knowing You (Acoustic) 5 Confetti (Acoustic) 6 Alison's Starting To Happen (Acoustic) 7 Divan. Demo Recordings - Download only. 8 It's A Shame About Ray (Demo) 9 Rockin' Stroll (Demo) 10 My Drug Buddy (Demo) 11 Hannah & Gabi (Demo) 12 Kitchen (Demo) 13 Bit Part (Demo) 14 Rudderless (Demo) 15 Ceiling Fan In My Spoon (Demo) 16 Confetti (Demo))

THE NIGHTINGALES veröffentlichen ihr erstes Studioalbum seit dem viel gelobten Vorgänger "The Last Laugh" von 2022. Ihr neues Album "The Awful Truth", das am 4. April bei Fire Records erscheint, ist eine moderne Music-Hall-Interpretation mit Popsongs und 80er Nostalgie. Gefeiert in dem exzellenten, von Stewart Lee erzählten Film "King Rocker of 2020", in dem der Vorhang für die Magie des "altgedienten Punk/Alternative-Rock-Freiwilligen" (The Quietus) Robert Lloyd gelüftet wurde, sind THE NIGHTINGALES so aktuell wie eh und je, denn sie veröffentlichen eine scharfes Statement-Album auf die moderne Zeit, die zu Recht als "The Awful Truth" betitelt wird. Das Eröffnungsstück "The New Emperor's New Clothes" ist ein beschwingter, mitreißender Ausbruch mit einem dröhnenden Klavier, das den Song einleitend begleitet und dann in wilder, improvisierter Popmusik endet. Die Band über den Track: "A stream of consciousness. Initially inspired by the tawdry but tractable trend of the vacant, voluntarily egged on by ego hungry politicians, pop stars, beauties, ballers, ingrowing haters and hard-nosed influencers. One hundred percent on point with the nonsense of neo populism and savagely edited to fit the music, it is far from silky, it is futile and silly. Real rock 'n' roll." In den frühen 80er Jahren genossen sie Kultstatus als Lieblinge der glaubwürdigen Musikszene und wurden von John Peel angepriesen, der über sie sagte: ,Ihre Auftritte werden dazu dienen, ihre Exzellenz zu bestätigen, wenn wir weit genug von den 1980er Jahren entfernt sind, um diese Zeit rational zu betrachten, und andere, unendlich viel bekanntere Bands als Scharlatane entlarvt werden." Ihre Zeit ist in der Tat gekommen. The Nightingales sind Robert Lloyd, Andreas Schmid (Faust) am Bass, Fliss Kitson (Violet Violet) am Schlagzeug und Gitarrist James Smith (Damo Suzuki). "They genuinely sound more vital than ever." Uncut - "One of rock's unsung heroes" Esquire - "Still stunningly relevant" London Evening Standard - "Lloyd is the most underestimated songwriter of his generation" The Independent

Legendary producer Ant, best known for his work with Atmosphere, proves once again how irreplaceable he is with Collection of Sounds: Vol. 4. This latest release showcases the lifetime of dedication behind his craft, blending his unparalleled skills with a fresh, expanded vision. With previous volumes in the Collection of Sounds series, Ant has traced his musical evolution, spanning hip-hop, funk, reggae and more, all influenced and inspired by extensive travel dating back to his youth. Vol. 4 deepens this exploration, introducing rock-inspired elements—guitars that wail, gnaw, and groove—while maintaining his signature sound.

Despite these genre experiments, Vol. 4 is firmly grounded in hip-hop. The opening track, “Hearing In Dark Colors,” sets the tone, evoking long drives up desolate highways in the dead of night. Tracks like “Created With a Heavy Brush” and “Just Another Three A.M.” reveal a mastery of diverse soundscapes, while the triumphant “Day After 2010" takes listeners on an unexpected journey. As the album circles back to hip-hop on tracks like “A Pinch Brighter” and “Prelude Revisited,” it leaves listeners transformed, further solidifying Ant’s status as a visionary artist.

Bethesda Game Studios und Laced Records haben sich zusammengetan, um die Musik von 'Starfield' auf Deluxe-Vinyl zu bringen.

In allen Titeln der Bethesda Game Studios ist die Musik ein wesentlicher Bestandteil der Reise des Spielers und ein ständiger Begleiter während seines Abenteuers. Die langjährige Zusammenarbeit zwischen dem Komponisten Inon Zur und dem Studio begann bereits 2008 mit der Veröffentlichung von Fallout 3. Die Musik zu 'Starfield' sollte sowohl die Weite des Weltraums als auch die Neugier der Menschen auf das Unbekannte zum Ausdruck bringen. So verwob Zur traditionelle und nicht-traditionelle orchestrale und elektronische Klänge zu einem Klangteppich aus Organischem und Synthetischem.

Während der Entwicklung hat das Team ein eklektisches Spektrum an Referenzpunkten durchlaufen: Es begann bei den Sci-Fi-Grundsäulen von John Williams und Jerry Goldsmith, durchquerte einen klassischen Nebel von Debussy, Ravel und Prokofiev, flog an Vangelis' überragendem Synthesizerwerk vorbei und warf einen Blick auf die experimentellen Arbeiten der Einstürzenden Neubauten und von John Cage.

In den Orchesterstücken von Starfield, die vom Budapester Filmorchester eingespielt wurden, beschwören verschiedene Instrumentalgruppen oft imaginäre Aspekte des Weltraums herauf. Schnelle, sich wiederholende Sequenzen in den Holzbläsern stellen Partikel dar. Streicher, die wellenförmige Akkorde spielen, imitieren lange Wellen interstellarer Energie. Die Blechbläser werden zum Leuchtfeuer der Melodie, das über die Galaxie hinaus strahlt. In ähnlicher Weise erhalten die eher elektronischen Cues ein Gefühl von Erhabenheit durch schwere Synthesizerflächen, die kryptische, sich wiederholende Muster und ungewöhnliche perkussive Schläge untermauern.

Aeralie Brighton (DEATHLOOP, Ori-Serie) ist auf dem Soundtrack als Sängerin zu hören.

Die Berliner Post-Punk-Band The Underground Youth um den Musiker und Autor Craig Dyer meldet sich mit ihrem zwölften Studioalbum „Décollage“
zurück. Das von Dyer selbst geschriebene, aufgenommene und produzierte Album ist eine Übung in künstlerischer Dekonstruktion, sowohl im Namen
als auch in der Form, und markiert eine entscheidende musikalische Wende. „Décollage ist die Kunst, ein Bild zu erschaffen, indem man Teile eines
bereits existierenden Werks herausreißt, abreißt oder entfernt. Meine Idee war es, diese Technik auf die Musik anzuwenden“, erklärt er. „Ich baute
Wände aus statisch überzogenen Hip-Hop-Drum-Samples, Schichten von Streicherarrangements im Stil von Lee Hazlewood und von Serge Gainsbourg
inspirierten Mellotron-Melodien auf, dann begann ich, diese schönen, chaotischen Wände aus Lärm abzureißen und legte einen neuen Sound für The
Underground Youth frei.“
Von Momenten geisterhaften Minimalismus bis hin zu ausladenden Crescendos aus Lärm und Melodie haben die Songs hier eine schattenhafte,
traumhafte Qualität. Neben Dyer besteht The Underground Youth aus der Schlagzeugerin und bildenden Künstlerin Olya Dyer, dem Gitarristen
Leonard Kaage (der auch bei der Postproduktion des Albums mitwirkte) und der Bassistin Samira Zahidi. Ursprünglich als Soloprojekt von Dyer im Jahr
2008 gegründet, hat die Band inzwischen 11 - mittlerweile 12 - Studioalben und 4 EPs veröffentlicht und dabei einen einzigartigen Sound entwickelt,
der im Laufe der Jahre von cineastischer Lo-Fi-Psychedelia über rauen, melancholischen Post-Punk bis hin zu Gothic-Folk-Noir reichte.

The term Miao is a very ancient Chinese misleading pseudo-ethnic categorisation, what we call the Hmong in western languages, a term recognised by colonial French Indochina. Miao became a generic term which does not reveal the diversity of 38 subgroups or 9 million people, mostly in Southern China Guizhou Province.

China having moved towards the market economy, a large number of minority regions have marketed a commodity available only to them: their ethnicity itself. Ethnic tourism has developed in a big way in China since the 1990s for Chinese and foreign tourists, and is often promoted as the way to create income in those areas for development. I usually stay away from ethnotouristic shows and try to get music which is not a commodity! I was based in Dali, Yunnan, China between 2006 and 2013.

Ein argentinisch-baskischer Grrrl-Powerpunkpop-Split! LAS VIN UP wurden 2008 im Süden von Buenos Aires gegründet. Die Band besteht aus drei Frauen und einem Gitarristen. Die Musik ist ein melodischer Mix aus RAMONES und MUFFS-Parts die Songs sind Ohrwürmer von den man nicht genug bekommen kann. Die Band ist ein fester Bestandteil der Buenos Aires-Punkszene, ihre Konzerte werden frenetisch vom Publikum gefeiert. LARRU BELTZAK kommen aus Onati, einer kleinen Stadt im Baskenland in Spanien. Die Band wurde 2020 gegründet, aber alle Musiker haben vorher schon in diversen Bands gespielt. Die Musikstil ist Punk mit unglaublichen melodischen Gitarren, dazu ein sehr ausdrucksstarker Gesang von Sängerin Naiara. Die Band singt auf baskisch. Die beiden CDs, die die Band bisher veröffentlicht hat, genießen Kultstatus in Spanien Die LP kommt eingeschweißt mit Einleger und vielen Infos. Pop Punkrock/Punkrock für Fans von RAMONES/RAMONAS, MUFFS, 77er Powerpop/Punkrock

EDEL begrüsst das Hamburger Jazz Label SKIP Records und freut sich, dass zum Start der neuen Zusammenarbeit und dem 25. jährigen Firmenjubiläum des Labels ein neues Album des schwedischen Trios von Emil Brandqvist erscheinen wird. Das skandinavische Trio verzichtet auf Gäste und präsentiert seine Musik in reiner Trio-Besetzung. Der Opener "A Visit To Reality" hebt die solistischen Fähigkeiten aller Mitglieder hervor. Emil Brandqvist glänzt mit melodiösen Kompositionen wie "Endless Like The Sea". Tuomas A. Turunen beeindruckt mit "Shades Of Leaving" und einem Klaviersolo. Max Thornberg setzt mit "Evening Land" den Schlusspunkt. "Poems For Travellers" ist ein weiteres Highlight der Bandgeschichte und wird sicher auch als brandneues Projekt bei der stetig wachsenden Fangemeinde überzeugen und gut ankommen.

die ärzte liefern mal wieder – das kann man beim besten Willen kaum präziser formulieren – the nuttiest
sound around. Und Schwarz ist selbstverständlich beautiful. Vor allem mit Weiß. In Karos. Shake your
Willy! Skank in the name of Jah!
BelaFarinRod sind – auch das hätte man schon früher wissen können – evilous men, denen nichts heilig
ist, vor allem nicht das eigene Werk. Zumindest, wenn sich ein Offbeat drunter oder ein Rockabilly-Lick
drüber legen lässt. Oder beides.
Frei nach der Regel, ein Lied ist erst dann gut, wenn er auch als Ska oder Rock-a-billy funktioniert, finden
wir hier zwölf Songs mit hohem Wiedererkennungsfaktor auf Vinyl und exklusiv zur Buffalo Billy-Tour.
Mutig mutwillige Variationen von neuen und einem alten Song der besten Roots-a-Billy-Band der Welt
(elt….elt…elt)!!!!
Eine Skank-de-force durch den ganz normalen Wahnsinn von Shakin’ B, Rudy Urlaub und Desmond
González. Du kannst gehen, aber dein Lieblingslied bleibt nicht ungeschoren!
NUMMUS CECIDIT setzt der Besten Band der Welt jedoch nicht nur in Inhalt, sondern auch in der
Form ein würdiges Denkmal: als Weltneuheit präsentieren die ärzte eine 11-inch!!!! Mehr Vinyl braucht es
nicht. (nur etwas weniger)
NUMMUS CECIDIT von die ärzte ist als 11”-Vinyl mit Downloadcode für Tracks und Lyrics erhältlich –
aber nur, solange der Vorrat reicht. Also zieh dir dein Kettenhemd über und jag das Teil. Haile boppin’!
Selassi möge mit dir sein. Denn auch du bist Ska
(selbst wenn du Billy bist)

die ärzte liefern mal wieder – das kann man beim besten Willen kaum präziser formulieren – the nuttiest
sound around. Und Schwarz ist selbstverständlich beautiful. Vor allem mit Weiß. In Karos. Shake your
Willy! Skank in the name of Jah!
BelaFarinRod sind – auch das hätte man schon früher wissen können – evilous men, denen nichts heilig
ist, vor allem nicht das eigene Werk. Zumindest, wenn sich ein Offbeat drunter oder ein Rockabilly-Lick
drüber legen lässt. Oder beides.
Frei nach der Regel, ein Lied ist erst dann gut, wenn er auch als Ska oder Rock-a-billy funktioniert, finden
wir hier zwölf Songs mit hohem Wiedererkennungsfaktor auf Vinyl und exklusiv zur Buffalo Billy-Tour.
Mutig mutwillige Variationen von neuen und einem alten Song der besten Roots-a-Billy-Band der Welt
(elt….elt…elt)!!!!
Eine Skank-de-force durch den ganz normalen Wahnsinn von Shakin’ B, Rudy Urlaub und Desmond
González. Du kannst gehen, aber dein Lieblingslied bleibt nicht ungeschoren!
NUMMUS CECIDIT setzt der Besten Band der Welt jedoch nicht nur in Inhalt, sondern auch in der
Form ein würdiges Denkmal: als Weltneuheit präsentieren die ärzte eine 11-inch!!!! Mehr Vinyl braucht es
nicht. (nur etwas weniger)
NUMMUS CECIDIT von die ärzte ist als 11”-Vinyl mit Downloadcode für Tracks und Lyrics erhältlich –
aber nur, solange der Vorrat reicht. Also zieh dir dein Kettenhemd über und jag das Teil. Haile boppin’!
Selassi möge mit dir sein. Denn auch du bist Ska
(selbst wenn du Billy bist)

Liz Stringer has been a steadfast and captivating feature of the Australian musical landscape over a six album career. Venerated by her musical peers and devoted fanbase alike, Stringer's world-class vocals, multi-instrumental prowess, notoriously powerful live performances and story-rich, genre-defying songs place her among the most important songwriters of her era. Mirroring the scope and complexity of Stringer's sensibilities and accomplishment as an artist, The Second High draws from Stringer's wider influences of jazz, funk and soul, and takes her ability to dissect the minutiae of the human condition through song - and connect with her audience - to a new level. The album is redolent with motifs of self-actualisation, lessons learned, sharp and ever-relevant commentary on social issues, and a strong and consistent focus on justice and equality. Fuelled by keys-driven grooves ranging from poignant grand piano lamentations (When You Met Me), the Rhodes-led jazz odyssey of On the Level, hip-hop flavoured keys brightening the bottom-heavy and deeply funky The Second High, to virtuosic keys that dance between strings and soaring multi-layered vocals in To Survive, Stringer's seventh studio album is a fresh and engaging ride to a destination yet uncharted, even by Stringer's standards - thrilling, stark and transformative. If 2021's First Time Really Feeling was an excavation, The Second High is an exorcism.

During the pandemic, The Ophelias transformed uncertainty into Spring Grove, their fourth album and most dynamic offering yet. Named after a Cincinnati cemetery, the album blends nostalgia with fresh perspective, reflecting on themes of relationships, identity, and power dynamics. Singer-songwriter Spencer Peppet draws from her OCD diagnosis during the pandemic and the clarity that comes with growing older, resulting in lyrics that explore the cracks and complexities of human connection.

Produced by Julien Baker, who adds lush textures and harmonies, Spring Grove marks a turning point in the band’s evolution. Recorded at Young Avenue Sound in Memphis, the album centers on the core quartet—Peppet, violinist Andrea Gutmann Fuentes, bassist Jo Shaffer, and drummer Mic Adams—with arrangements that balance cinematic intensity and delicacy. Gutmann Fuentes’s violin provides striking countermelodies, while Shaffer’s bass lines, inspired by doom metal, explore melodic depth. Adams’s drumming reflects his first project after transitioning, offering nuanced rhythms that blend power and tenderness.

With one queer and two trans members, the band has moved beyond the reductive label of an “all-girl” group, delving deeply into themes of womanhood and identity. Tracks like “Salome” and “Parade” examine power dynamics and friendship, while nature imagery in songs like “Cumulonimbus” and “Vulture Tree” mirrors lived experience. Across 13 tracks, the album’s cinematic and introspective journey scavenges the past for meaning, ultimately embracing transformation. On the closing track, “Shapes,” Peppet reaches serene acceptance, singing, “I see what’s coming after... a reflection in the water. I am rippling forever.”

Spring Grove captures the band’s evolution, offering a transcendent meditation on self-awareness, identity, and growth, leaving listeners with a sense of profound discovery.

This is a recorded document performed by Mark Holub, Johanna Pärli and Sofía Salvo.

As a trio, they had not met until sound-checking for their gig at Berlin’s Cashmere Radio on September 1, 2023 — a fact that may be concealed by their immediate understanding as a musical entity but is obvious by their artistic freedom and curiosity towards each hoc encounters, flexible and steadfast in its performance, and that culminated in an experience that shook the floor of the radio station’s headquarters.

The day after, Sofía, Johanna and Mark gathered in Adam Asnan’s studio and deepened their quest for a communal language. They ignored any musical fetters or conventions, enjoyed the possibilities of a wider time frame without a live audience — and exceeded all hopes of what three personalities can achieve when they are given the space and time to experiment, detached from any restrictions.

Mark Holub is a drummer of outstanding versatility and responsiveness, full of ideas and quick on his feet. Through his playing as well as his experience as a band-leader and composer he is able to steer this coequal group towards thundering crescendo, but sits equally comfortable in the centre of complex and fine rhythm probing in response to impulses thrown in by his companions.

Johanna Pärli makes use of her double bass’s entire body, extracting an armada of multi- layered sounds with an immensely high sonic spectrum that is also reflected in the diversity of her musical projects. She is both patient and wildly adventurous in her performance, and in this trio her contribution wanders from considerate bow work to brisk fingerpicking, gnarly string strikes and pedal use to startling effects.

Sofía Salvo unleashes the full unbounded potential of her voice by taking advantage of her baritone saxophone’s broad range of possibilities. She is one of Berlin’s most singular musicians and her widely proven capabilities cover gentle additions to support and underline pulsive interplay just as masterfully as rapid licks and roaring bursts of noise, spurring the collective to unpredictable intensity.

If music of this particular kind often gives the impression of a constant search, this international trio certainly managed to find common ground and capture a special moment in time for listeners to (re-)discover. Contrary to what frequent misconception sometimes suggests, it’s also tremendous fun.

NERR — Filling Open Spaces was instantly composed and performed live in studio by Mark Holub on drums, Johanna Pärli on double bass and Sofía Salvo on baritone saxophone, recorded in Berlin on September 2, 2023 and mixed by Adam Asnan. Mastered and cut by Rashad Becker, vinyl pressed at Pallas. Artwork and design by Stefan Lingg, produced by Christoph Berg and Stefan Lingg.

"1984 was a truly incredible year in pop music, and we have included a fabulous selection of tracks on the 1984 Yearbook and the 80-84 Final Chapter as part of our appreciation of the year.
Those tracks were generally the bigger hits of the year, with their chart achievement a factor in their inclusion. However, that’s not the whole singles story of the year, and our celebration of 1984 wouldn’t be complete without shining a light on some of the years’ singles that have been compiled much less frequently over the past 40 years…Welcome to THE VAULT for 1984… Some of the tracks included were Top 40 hits, some missed the chart completely. Some were representative of massive selling albums, and some were big hits in the U.S. and not in the U.K…. but all are part of the wonderful pop story of 1984. Released on a LTD edition pressing of a stunning 3LP transparent blue vinyl with 45 tracks.

Remember: Rod loves you! Es ist 1995. Die Welt ist schlecht aber alle lieben die ärzte. Also kniet nieder!

Denn nur nochmal für’s Protokoll: die ärzte sind aus Berlin (aus Berlin!) und sie sind zurück. Mit Hits, Hits … und noch ein paar Hits.
„Planet Punk“ ist das gewohnt großmäulige Statement der Besten Band der Welt und vier mal Onanieren und eine explodierte Freundin später ist klar: Dies ist eines der kurzweiligsten Alben, das die an Kurzweiligkeit nicht gerade darbenden die ärzte bis dato abliefern. Da fällt der teils brutal, schnell, laut in Szene gesetzte Metal-Sound zwischendrin fast gar nicht auf. Denn es gibt die gnadenlos abseitige Obskur-Avantgarde um Nasenkoteletts, den Rumba-Hüftschwung inklusive Querflöte und Flamenco-Gitarre, den schamfrei in Haudrauf-Manier hinballadierten Freud-Penis-Overkill mit passiv-aggressivem Schlafzimmer-Blick und die ebenso sozialrealistische wie hemmungslos zynische Loser-Hymne. die ärzte: Jetzt mit Friedrichstadtpalast und Friede, Freude, Eierkuchen. Sowie einem der schönsten hässlichen Band-T-Shirts der Popgeschichte, das sich noch Jahrzehnte später als Klassiker am MerchStand behaupten wird. Und „Schunder-Song“. „Planet Punk“ erscheint ausschließlich als Doppelvinylalbum (inklusive Downloadcode) am 7. Oktober
2022.

Es ist ein Fall von popkultureller Archäologie. Eine Spurensuche der elektronischen Musik. Nach über 30 Jahren tauchen verschollene Tapes von Holger Czukay wieder auf, die er einst "zur freien Verfügung" eingespielt hatte. Eine Sound-Meditation von 1997, die nun erstmals neu gemastert im Original und in einer "Version" von die ANGEL (Ilpo Väisänen / Dirk Dresselhaus) und Zappi W. Diermaier von der Krautrock-Legende Faust vorliegt.

Die Arbeiten aus dem Czukay-Studio sind eigenwillige Klangstrukturen, die Mastering-Ingenieur Dresselhaus alias Schneider TM einschätzt als "futuristisches Kleinod, das für seine Entstehungszeit musikalisch weit vorne ist." Für ein abstraktes Klanggebilde "tief und emotional" wie er sagt. Eine Komposition, die mit Avantgarde oder Neue Musik nur unzureichend beschrieben ist. Ein echter Czukay eben. Die Genese dieser Aufnahmen führt in die freigeistigen 1990er, als Holger Czukay in Köln mit jüngeren Techno-Kollegen wie Dr. Walker von Air Liquide mit Beats experimentierte und sich ansonsten sehr für die leise Explosion der digitalen Medien interessierte.

Es war der Tech-Pionier und Medienkünstler Arthur Schmidt alias Gvoon, der ihn in langen Gesprächen auf die (damals futuristische) Data-Maschine "RealityEngine" brachte, mit der sich virtuelle Welten erschaffen ließen. Vom Full-Body-Tracking-System bis zum gemeinsamen Prototyp eines "Internet-TV-Senders". Darauf liefen experimentelle Czukay-Videos, die er mit neuen Samples und Klangfragmenten ausstattete. Später wurde eine kontemporäre Show namens "Czukay/Gvoon:Magazine" daraus und auch die "Can-Live-Soloprojekts" im März 1999, ausgestattet mit der Body-Tracker-Technik von Gvoon. Die DDR-Vergangenheit seines Tech-Sparringspartners Schmidt, der ihm von seiner Zeit in Stasi-Haftanstalten erzählte, setzte in Czukay einen kreativen Prozess frei. Er setzte dieses Trauma in Töne um und machte ihm ein musikalisches Geschenk. "Gvoon-Brennung 1", eine Gabe, die Schmidt "irgendwann" einmal verwenden könne. Einfach so. Ein Soundtrack, der ganz profan auf Digital Audio Tape übergeben wurde.

Über 20 Jahre später brachte Schmidt das "Czukay-Geschenk" für eine zum Kunstwerk umfunktionierte Verhörzelle des Ministeriums für Staatssicherheit (MfS) wieder zum Einsatz. Als Installation für einen stockfinsteren, bedrückenden Raum mit Gummiwänden. Hier stieß wiederum Dresselhaus auf das Material. Ihm wurde klar, dass er dort mehr hörte als irgendwelche 1990er-Fragmente: "Es ist irgendwie Blues-mäßig, auf eine kybernetische und abstrakte Art." "Mit einem sehr langsamen Groove, der einen die gesamte Strecke aufmerksam hält", sagt Dresselhaus. Er beschreibt den Mastering-Prozess sowie die Neubearbeitung in Form der "Gvoon-Version 1" als Balanceakt zwischen Respekt vor dem historischen Material und einer zeitgemäßen Studio-Bearbeitung.

Eine respektvolle Verbeugung zum 87sten Geburtstag von Holger Czukay im März 2025.

Hüma Utku returns to Editions Mego with her new album. The title Dracones makes reference to the mediaeval latin term "Hic sunt dracones" (Here be dragons), marking the unexplored, dangerous places on world maps, expressing the fear of chaos, the unexpected and the unknown.

This new work by the Istanbul sound artist is a sonic journal of an expedition into uncharted territory, one which occupies self and domesticity. Inspired by Utku’s experience of matrescence, Dracones explores the themes of familial demonology, metamorphosis and homecoming as well as human relationship to the experience of love woven layers of euphoria, alienation and consumption.

Musically, Dracones traverses a wide array of sonic tools whereby industrial sounds are imbedded with certain psychological angles, this is an album where, all matter meshes into a sly snapshot of the human experience with a tension and release exposure occurring frequently with dark corners opening up to bright layers of electronic experimentation.

The haunting opening track ‘A World Between Worlds’ tackles pregnancy, of which Utku was experiencing when making this record. The emotional, physical, spiritual and mental experience of this journey is all documented here.. This track features the ‘Lyraei’, an electromagnetic string instrument and modern interpretation of the ancient lyre, that was built and played by Mihalis Shammas. ‘Comfort of The Shadows’ moves from within to without, what was once hidden is now exposed. Utku’s ability to conjure the visual in the sonic is at the forefront as howling electronics give a distinct impression of movement. ‘A Familial Curse’ presents a desire to break the cycle of generational trauma with a creeping sense of dread that rolls into an industrial rhythm prior to landing in a beautiful place represented with shimmering guitar tones. ‘Here be Dragons’ is a rich and dark evocation, a spooked surrender to the themes of the record whereby Utku’s wildly distorted voice beckons all manner of phantasmagoria over cello and recordings of her ultrasound. ‘Care in Consume’ engages in further sonic exploration as a means of conjuring ‘matriphagy’, with its unique psychic energy coursing through electronic veins. ‘A House within a House’ could also be read as a body within a body as the pulse of ultrasound audio rattle amongst a cage of thudding rhythms and swirling electronics, one also ending in optimism as an exquisite melody is born from the prior fire. The striking journey ends with the more soothing ‘Ayaz’a’, a track embracing love and all the hardships that a period of fundamental metamorphosis brings, this is a heartfelt dedication to her son and concludes an album draped in life, experience, joy and pain.

Dracones is a deeply visual journey through inner and outer worlds, a space where symbolic evocation is supreme and passive listening is not an option.

All tracks composed,performed and recorded by Hüma Utku
Buchla 100, vocals, cello, electric guitar performed by Hüma Utku
‘’A World Between Worlds’’ features the ‘Lyraei’ built, played and recorded by Mihalis Shammas
Buchla 100 recorded in EMS Stockholm 2022-2023

Mixed by Enyang Urbiks
Mastered by Heba Kadry, NYC
Cover Artwork by Marco Ciceri
Design by Tina Frank

Chris Ryan Williams (trumpet & electronics) and Lester St. Louis (cello & electronics) work together as HxH (H by H). Their skills have seen them move smoothly across various situations, constantly carving out new terrain and working in new configurations of musicians at a rapid pace. While worth reading, their biographies capture only a part of their complex rhizome.

HxH started about three years ago. The project is a direct response to all their activity with others and more importantly all their future leaning sonic desires. Their debut album STARK PHENOMENA is both their first studio recording and their first physical release. The album is appropriately set to be released by KMRU on his growing label OFNOT. It’s an ideal introduction to their sound world and their approach.

HxH describe their music as “electroacoustic,” but until recently the presence of Black musicians in this field has been greatly overlooked and largely ignored, making this phrase only partially appropriate. What HxH do really is to always be unpredictable. Every gig is a new soundscape. Sometimes you might hear echoes of Autechre or Robert Hood but then the sound-field will open up into a new terrain all their own. Chris and Lester bring together techniques from across the sound spectrum of electronic music and also draw on their deep backgrounds in Jazz, Improvisation, Classical and Noise scenes to create a sound that is true to them. After all, these two have worked with the likes of Bennie Maupin and the music of Black Fluxus artist Ben Patterson. Their rhizome is deep.

One of the ways that their unique approach manifests is in their merging of both acoustic instruments and electronic instruments in real time. This is something few have managed to do – but their spontaneous leanings work in both complex and accessible ways because of their deep understanding of landscape crafting. You can hear this clearly on the track “Pyrex Vision.” Their approach makes it tempting to compare their music to Sun Ra jamming with Laurel Halo – a comparison that would be only partly accurate.

Chris and Lester note that the sounds on STARK PHENOMENA are “imbued with such hopeful, gracious care; one that is far flung from obsessive carefulness or fuck the world carelessness, but more a caring embrace without the fuzziness of nostalgia.”

They note that when they began working together, they would “always come back to speaking on our concepts of an architecture of the expanse,” noting that their live sets often take on the joyfully noisy task of “dreaming big.” For HxH it was essential that STARK PHENOMENA have a quality that is “almost sculptural.” They consider the album “an object to be viewed from all sides.” This kind of thinking has resulted in them directly engaging with numerous sculptors and artists including Torkwase Dyson. Shape wise HxH’s sound fields work in a parallel to Dyson’s black architectural works.

They also note that the opening cut “BEACH” (the opening and longest track from the album) was “written weeks after our first gig in a studio session donated to us by our dear friend jaimie branch.” And that Pyrex Vision “was continually being edited months after sending our ‘final mixes’ to KMRU.” Their sound sources and samples come from studio sessions, live gigs, durational installations, 3am improvised downloads and more.

KMRU notes: "I think there is an in-between layer on this record. I was first caught by the Pyrex Vision track which organically flows between monologue, subtle field recording, and instrumentation. It's such a beautiful track, evoking deep emotion through simplicity. STARK PHENOMENA effortlessly glides in between imaginative mosaics of sounds — free yet complex — unlocking memories within its layers."

Bells Are Ringing is the debut EP by Melbourne Funk 10 piece outfit Mondo Freaks, released following on from the single of the same name and a thrilling Dub Version by Harvey Sutherland.

Mondo Freaks formed originally as a concept band, equipped with an ever-evolving setlist of late '70s and early '80s Funk classics, their journey has seen them invited to be the backing band for the Australian tours of such luminaries as Leroy Burgess (the producer and artist behind Boogie and Disco favourites Black Ivory, Logg, Aleem, Inner Life, and Universal Robot Band) and the iconic Evelyn "Champagne" King. Having performed at the iconic local Meredith Music, Golden Plains and Panama festivals and at numerous residencies Mondo Freaks have carved their mark, returning now to ring in a new era of groove-soaked original music.

The band revolves around the rhythm section of in demand session bassist Luke Hodgson and drummer Graeme Pogson (GL, The Bamboos). Gathering some of the finest musicians from Melbourne's legendary Soul scene, they're accompanied by five incredible vocalists including Jade McRae, Susie Goble, Francisco Tavares, Aaron Mendoza and Jason Heerah.

New tracks on the EP include "Find A Way", which hits straight away with a percussion and synth hook, blending Jade McCrae's vocal delivery with an uplifting message about finding hope in trying times.

Also included is the Harvey Sutherland Vocal Mix of "Bells Are Ringing", which keeps much of the spaced out Larry Levan, Shep Pettibone re-edit approach that was on his much lauded Dub Version.

It's easy to see why his remix skills have been in demand and utilised by Disclosure, Khruangbin, BadBadNotGood, Tycho, Boston Bun, Lucius, Jungle Giants, Genesis Owusu and Franc Moody. On his own releases Sutherland has collaborated with the likes of DāM FunK and Nubya Garcia.Tightening its hold on the dancefloor, the beefed-up rhythm section rolls deep into the nocturnal hours, as mesmerising reverb loops elevate the track skywards.

Luke and Graeme got to know Harvey Sutherland when they played together backing Leroy Burgesson his Australian tour in 2018. After that Luke and Graeme played in Harvey's live band across the world and then contributed his 'BOY' album. "We were thrilled when he turned in his Dub of "Bells"", Luke said. "A kind of 'what would Shep Pettibone or Larry Levan do?' moment. It's like being transported to Compass Point Studios in '81!"

Mondo Freaks make Funk inspired by late '70s / early '80s era as it gently moved beyond Disco. That era has continued to inspire many artists, but what sets Mondo Freaks apart is their live instrumentation plus a focus on vocals and great songwriting, creating something beyond simply instrumental grooves.In the studio and in their full live lineup Mondo Freaks are a formidable ensemble who take their sound beyond mere homage, without a hint of irony or any knowing winks. Mondo Freaks simply breathe life into a timeless sound and make it feel more relevant than ever.

*REPRESS* 2x12"

Poland's finest reggae dubstep export is back to guide us through the long dark winter with his highly anticipated second studio
album, Subconcious. Mat Miller solidified his position as one of the most exciting global ambassadors for the sound with his 2011
debut album and he returns to the mighty Moonshine Recordings with another killer full length selection of thick dread bassweight
and proper roots vibes. Matt's influences have always been varied, and his music's rich diversity is in full effect across the LP as he
adeptly shifts between tempos and moods, utilising his ear for melody and rhythm to create an absorbing collection of timeless
sounds. The ground shaking sub-frequencies central to each track are built to challenge soundsystems and ignite dancefloors,
whether it's on the livewire rhythms of his jungle indebted track 'Wicked Dub', the driving sonic force of the drum and bass styled
'Different Dub' or the dubbed out, skank-ready movements of tracks like 'Earthwalker' and 'Indra'. As well as the all-powerful bass
pressure, Radikal Guru works with a colourful array of instrumentation, and brings in characterful vocalists YT, Danman and Echo
Ranks to provide melodic lead and reggae lyricism on 'Stay Calm', 'Know Yourself' and 'Warning!' respectively. The final result is
shining example of modern roots/ reggae-centred music in 2013, executed brilliantly and certain to last the test of time.

dreamcastmoe is the recording project of singer, songwriter, producer, and DJ Davon Bryant, a lifelong resident of Washington, DC. His music moves freely between moods and modes, hypnotic, romantic, traversing electronic, R&B, funk, soul, and hip-hop... Resident Advisor dubs it "soulful, cross-genre dance music." This ability to adapt and finesse, to twist in different directions while staying true and coherent in vision, can be traced to his home city and its complex cultural history. "Most Black kids in DC don't ever get to this point," he says. "This is what I am making this music for, in the DC tradition of soul and empathy and love that is rooted in this city. My music is for real people dealing with shit every day." A versatile, modern artist and collaborator, dreamcastmoe has thrived in the underground since his first uploads to Soundcloud and Bandcamp in 2017 and subsequent releases with labels like People's Potential Unlimited, Trading Places, and In Real Life Music. Bryant's laid-back personality, emotional honesty, and infectious energy shine through his work and how he talks about it, as Crack Magazine notes in their 2021 Rising feature: "a steady combination of confidence, creativity, and calmness." He grew up playing drums in church; he's worked dead-end jobs, had ups and downs, even sold off all his gear one time, but never stopped reinvesting in himself. He is quick to praise his co-producers, rattle off influences _ the visual feel of NBA 2K, the comedic timing of Bernie Mac, the savvy legacy of Duke Ellington, for starters _ and credit resourceful DC breakouts like Ankhlejohn that showed him the roadmap. His voice, a steady instrument, seemingly connects it all, capable of slow falsetto flow, swaggering talk-rap, and outright croon. His storytelling style is choppy yet fluid, like a mixtape, which is how Bryant sees Sound Is Like Water, his debut on Ghostly's International's freeform label, Spectral Sound. The two-part project culminates as a full-length LP release in November 2022. The first side, released as Part I, opens on the blurred beats of "El Dorado," which dreamcastmoe dedicates to his journey. It's a head-nodder, an off-kilter earworm co-produced by Max D (Future Times, RVNG Intl, etc.), with Bryant harmonizing hooks with synth jabs and a pitched-down presence. "Complicated" is the slow jam, delivered smoothly from a Saturday night crossroads. dreamcastmoe is contemplative and committed... gliding and locking ad-libs into skittering rhythms courtesy of co-producer Zackary Dawson _ but also willing to let something go, "acknowledging that everything in life IS NOT easy." "RU Ready" takes off from the jump as a tribute, challenge, and promise to his partner and his city ("The times you sat with me when I needed you the most / Told me the things that I needed to see / Young black man, really trying to be what I can be / And I'm really from DC). In its potent two-plus minutes, the sonics (co-produced by ZDBT) press the message, all cymbal crashes, breakbeats, and serrated synth lines. "Cloudy Weather, Wear Boots" is a blitzing dance-punk track made in collaboration with Jordan GCZ on Bryant's first trip to Amsterdam. The album's flipside opens on "Much More," the first of two synth-and-beat ballads co-produced by ZDBT. Later on "Long Songz," he claims, "I'm not writing love songs no more," prioritizing the vibe with "all my day ones." He calls it "a cry for more normal moments. Everything doesn't have to be a fantasy love story, more time spent getting to the money, growing, and making a way." He saves two of his most propulsive cuts for the finale, co-produced by Sami, co-founder of DC dance label 1432 R. As their titles suggest, "Take A Moment" and "Make Ya Mind" operate as anthems for movement, with Bryant free-flowing commands above wildly-styled percussion. Per Bryant, the latter is both "wake & bake jam" and a "dance floor bomb." His parting line: "Action / You got to show me action / Reaction." The world of dreamcastmoe straddles virtual reality and the realness of DC, images both imagined and lived-in. Bryant has a knack for unexpected melodies but what makes his music so exciting is his capacity to defy the expectations of genre and image. A fluid ingenuity and vulnerability bottled by Sound Is Like Water, and this is just the beginning.

Dogma, die treuen Wahrheitssucher, veröffentlichen ihr selbstbetiteltes Debütalbum jetzt auf CD und LP. Das Album erzählt eine kraftvolle
musikalische Geschichte, die tief in die menschliche Psyche eindringt. Frontfrau Lilith sagt: „Auf unserem Debütalbum enthüllen wir eine rohe und
unverblümte Erzählung, die den Kampf gegen aufgezwungenen Glauben, ungerechte Zensur und die Befreiung von unlogischen Überzeugungen
beleuchtet. Es ist eine Reise durch verlorene Unschuld und eine Rebellion gegen archaische Zwänge. Ein kühnes Statement, das die Auflehnung gegen
gesellschaftliche Normen einfängt. Es geht darum, sich zu befreien, unsere Wahrheit anzunehmen und die uns auferlegten Beschränkungen
herauszufordern.“
Lilith führte weiter aus: „Visuell ist das Album-Artwork eine gewagte Reflexion der Allgegenwart der Lust in der Menschheit, unabhängig von allen
Bedingungen. Es dient als kühnes visuelles Testament, das die Wahrheit entlarvt, dass Lust ein inhärenter Teil unserer Natur ist, frei von jeglichen
auferlegten Beschränkungen wie falscher Moral und unlogischem Glauben.“ Dogma fordert uns auf, die Rebellion anzunehmen und unsere fleischlich
Gelüste zu entfesseln. Sie werfen die Ketten der Bescheidenheit beiseite und beschwören einen Sturm der Sinnlichkeit herauf, der unerschütterliche
Aufmerksamkeit und leidenschaftliches Mitmachen verlangt