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Geschmiedet aus demselben Sheffield-Stahl wie Def Leppard, entstiegen auch Crimes Of Passion dieser Stadt mit der Leidenschaft und dem Ziel, unseren Vorbildern auf dem Weg an die Musikspitze folgen. Eine Band, die das Glück hatte, die einflussreiche Ära von Dio, Ratt, Queensryche und Journey miterlebt zu haben, aber keineswegs zu sehr in der Vergangenheit zu stecken, um das Songwriting vom damaligen Emo/Metalcore-Sound beeinflussen zu lassen.

Es war offensichtlich, dass Crimes Of Passion das gewisse „etwas" hatten, denn innerhalb eines Monats nach der Gründung und dem Schreiben der Songs für das erste Album ging die Band auf Tour mit Bands wie Tyketto, White Lion, Great White, Gotthard und durfte auch bereits auf mehreren Festivals auf dem ganzen Kontinent spielen - die Stahlkugel aus Sheffield kam tatsächlich

Wenn der 18-fache Grammy-Preisträger Béla Fleck über seine jahrelange Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Pianisten Chick Corea spricht, klingt er manchmal wie ein schüchterner Musikstudent, der noch immer Ehrfurcht vor dem Jazz-Titan hat, dessen Einfluss ihn als Teenager in den 70er Jahren veränderte.

Remembrance, ein neues Doppelalbum, das am 10. Mai erscheint, ist ein bewegendes letztes Dokument der tiefen kreativen und persönlichen Beziehung, die Fleck und Corea erstmals auf Albumlänge mit dem 2007 mit dem Latin Grammy ausgezeichneten The Enchantment unter Beweis gestellt haben. Es ist auch eine wichtige Ergänzung zu Coreas Vermächtnis und enthält drei bisher unveröffentlichte Corea-Kompositionen sowie fünf kurze freie Improvisationen oder Impromptus, die Fleck mit selbst komponierter Musik unterlegt hat.

Coreas Tod im Jahr 2021, als er im Alter von 79 Jahren an Krebs starb, erschütterte die Jazzgemeinde, die in dem Pianisten eine ständige
internationale Präsenz sah, einen lebendigen Musiker, der nie aufhörte zu touren und Aufnahmen zu machen.

Das in Antwerpen und Hamburg lebende und arbeitende Dream Pop / Indie Rock-Duo THE DAY veröffentlicht im Mai 2024 das zweite Album 'The Kids Are Alright', und lotet darauf unterschiedliche Schattierungen von Einsamkeit aus.

The Day haben ein Album aufgenommen, das in seinen düsteren Bereichen Momente der Unsicherheit und Anspannung inmitten multipler Krisen fotografiert. Das in seinen nostalgischen Zügen der Selbstvergewisserung dient, und Mut zusprechen will. Und das an seinen wütenden Rändern nicht mehr warten will.

Sind die Kids alright? Bestimmt!

- Col. LP: (weißes Vinyl, 4c Innersleeve, Inside/Out-Druck)

Cherry Red Vinyl, limitiert auf 1000 Exemplare. Die Punk-Veteranen von Hot Water Music freuen sich, die Veröffentlichung ihren brandneuen Albums Vows anzukündigen, welches am 10.05.2024 via End Hits Records erscheint. Unter der Leitung des erfahrenen Produzenten Brian McTernan gibt es auf Vows hochkarätige Gastauftritte von Thrice, Dallas Green (City and Colour // Alexisonfire), The Interrupters, Daniel Fang und Brendan Yates (Turnstile) und Popeye Vogelsang (Calling Hours // ex-Farside). Drei Jahrzehnte, 10 Alben und immer noch ein fester Pfeiler des amerikanischen Punks - Hot Water Music sind nach wie vor eine Quelle des Einflusses und der Inspiration für Bands auf der ganzen Welt. Auf dem kommenden Album Vows bleibt das Ziel der Band dasselbe wie immer: kontinuierliche Weiterentwicklung mit einem scharfen Blick in die Zukunft. "Das Thema, das während der Arbeit an diesem Album immer wieder auftauchte, war das Wachstum - wie das Schreiben eines Songs, die Aufnahme eines Albums oder das Dasein in einer Band so ist, als würde man einen Samen pflanzen und ihm beim Wachsen helfen", so die Band. "Wir denken, dass das viel damit zu tun hat, dass wir zurückblicken und erkennen, dass wir es in 30 Jahren geschafft haben, etwas Besonderes zu schaffen, das wir alle wirklich lieben" Darüber hinaus markiert "Vows" ein weiteres brillantes Kapitel in der fortgesetzten Zusammenarbeit mit dem gefeierten Produzenten und Hardcore-Legende Brian McTernan, der mit der Band an "A Flight And A Crash" (2001), "Caution" (2002) und "The New What Next" (2004) gearbeitet hat, die oft als Hot Water Music-Klassiker bezeichnet werden. Ohne zu wissen, wie es weitergeht, begann die Band mit dem Schreiben der neuen Songs mit der einfachen Absicht, Musik zu veröffentlichen, um diesen hart erarbeiteten Meilenstein zu feiern, sei es eine Single, eine EP oder ein ganzes Album. Sie waren sich jedoch absolut sicher, dass sie keine neue Platte nur um der Sache willen machen wollten; diese Platte musste aufregend, unerbittlich und vor allem notwendig sein. "Jeder hat viel Zeit damit verbracht, über die Reise nachzudenken, die uns hierher gebracht hat, und darüber nachzudenken, was wir von nun an tun wollen, während wir dieses Album machen", fasst die Band zusammen. "Wir hoffen, dass sich dieses Album für jeden, der es hört, wie eine Feier unserer Geschichte und Zukunft anfühlt. Das ist es definitiv und so fühlt es sich für uns an."

Der amerikanische Roots-Sänger und Songwriter aus Mid-Coast Maine - Pokey Lafarge - präsentiert sein 10. Album "Rhumba Country". Für dieses neue Werk entwickelte LaFarge einen kaleidoskopischen Sound, der Mambo, Tropicália, Rocksteady und amerikanischen Rock'n'Roll aus der Mitte des Jahrhunderts umfasst. Das Album, produziert von Chris Seefried und Elliot Bergman und in L.A. aufgenommen, lädt dazu ein, das Leben und die Liebe zu feiern. Nachdem er im letzten halben Jahrzehnt auf der Suche nach einem Zuhause durch das ganze Land gezogen war, fand Pokey LaFarge seine Heimat in Mid-Coast Maine. Nach seiner Ankunft vollzog der in Illinois geborene Sänger, Songwriter und Schauspieler eine grundlegende Veränderung in seinem Leben, indem er 12 Stunden am Tag auf einer örtlichen Farm arbeitete - eine Wendung, die einen außergewöhnlichen Kreativitätsschub auslöste und seinen Sinn als Künstler neu definierte. "Rhumba Country" wurde ursprünglich aus Material geformt, das entstand, während LaFarge in die Arbeit auf der Farm vertieft war. "Ich schob einen Pflug oder streute Saatgut aus, und die Lieder kamen einfach zu mir", erinnert er sich. "Das war ungeheuer inspirierend und machte mir klar, dass die Landwirtschaft neben dem Singen vielleicht die älteste menschliche Kunstform ist". Während seiner Arbeit als Landwirt begann LaFarge, einen kaleidoskopischen Sound zu entwickeln, der von seiner Liebe zu Musik aus den verschiedensten Epochen und Ecken der Welt geprägt ist, darunter Mambo, Tropicália, Rocksteady und amerikanischer Rock'n'Roll aus der Mitte des Jahrhunderts. "Die Lieder, die mir in den Sinn kommen, sind beschwingt und laden zum Tanzen oder zumindest zum Mitwippen ein - sie sind alle sehr farbenfroh", sagt LaFarge. "Früher habe ich meine Musik in Dunkelblau gesehen, aber jetzt sehe ich sie in Technicolor". Das gemeinsam mit Chris Seefried und Elliot Bergman produzierte und in L.A. aufgenommene Album Rhumba Country ist eine Einladung, zusammenzukommen und das Leben und die Liebe zu feiern.

Die britische Elektronik-Band Morcheeba veröffentlichte ihr sechstes Studio Album „Dive Deep“, das zweite Album ohne die ehemalige Lead-Sängerin Skye Edwards. Stattdessen haben die Bandmitglieder (und Brüder) Ross und Paul Godfrey für die Aufnahmen mit mehreren Gastmusikern zusammengearbeitet, darunter der Rapper Coo Calm Pete, der norwegische Alternative-Sänger und Songwriter Thomas Dybdahl, die französische Sängerin Manda Zamolo und die gefeierte Pop/Rock-Sängerin Judie Tzuke Zwei Singles wurden bereits vor der Veröffentlichung des Albums veröffentlicht, "Enjoy The Ride" und "Gained The World".

Inspiriert durch Duas eigene Selbstfindung, Radical Optimism ist ein Album, das die pure Freude und das Glück widerspiegelt, Klarheit in Situationen zu haben, die einst unmöglich zu bewältigen schienen. Die schweren Abschiede und verletzlichen Anfänge, die zuvor drohten, deine Seele zu belasten, werden zu Meilensteinen, wenn du dich für Optimismus entscheidest und beginnst, dich mit Anmut durch das Chaos zu bewegen. Durchdrungen von der Energie von Duas Heimatstadt London, verkörpert das Album die Unverfälschtheit, Ehrlichkeit, das Selbstbewusstsein und die Freiheit des Britpop der 90er Jahre. Radical Optimism entführt den Hörer in eine verträumte Popwelt, die reich an Musikalität, lyrisch kompromisslos und klanglich befreiend ist. Dua arbeitete während des gesamten Projekts mit einem Team von Kollaborateuren zusammen, darunter Caroline Ailin, Danny L. Harle, Tobias Jesso Jr. und Kevin Parker.

Mexican sensation Pahua comes to Razor-N-Tape via a huge remix project featuring some of the hottest producer names in current outer-national dance music. This special 7 inch version features two newcomers to the RNT remix roster.

On the A side, global groove merchant Poirer delivers a stripped down and hypnotic mix in his signature style Pahua’s uptempo anthem ‘Espantapájaros”.

On the B side, Detroit Latin production legend John Beltran adorns the melancholic ‘Flor de Jazmin’ with a samba-inflected rhythmic foundation and a lush horn arrangement that transports you straight to Cafe del Mar, Ibiza.

This package honors the essence of the original music, while flipping it in quintessential RNT club-ready fashion.

Inspiriert durch Duas eigene Selbstfindung, Radical Optimism ist ein Album, das die pure Freude und das Glück widerspiegelt, Klarheit in Situationen zu haben, die einst unmöglich zu bewältigen schienen. Die schweren Abschiede und verletzlichen Anfänge, die zuvor drohten, deine Seele zu belasten, werden zu Meilensteinen, wenn du dich für Optimismus entscheidest und beginnst, dich mit Anmut durch das Chaos zu bewegen. Durchdrungen von der Energie von Duas Heimatstadt London, verkörpert das Album die Unverfälschtheit, Ehrlichkeit, das Selbstbewusstsein und die Freiheit des Britpop der 90er Jahre. Radical Optimism entführt den Hörer in eine verträumte Popwelt, die reich an Musikalität, lyrisch kompromisslos und klanglich befreiend ist. Dua arbeitete während des gesamten Projekts mit einem Team von Kollaborateuren zusammen, darunter Caroline Ailin, Danny L. Harle, Tobias Jesso Jr. und Kevin Parker.

Kee Avil's music is both adventurous and intimate, intellectually challenging and emotionally resonant. The Montréal guitarist and producer's 2022 debut LP Crease garnered plaudits from outlets like The Wire, The Quietus, Mojo and Foxy Digitalis, picking up a Canadian Juno Award nomination and Bandcamp Album Of The Day and Albums Of The Year along the way. Its intricate construction, unnerving atmospheres, and knife-edge take on avant-pop prompted comparisons to early PJ Harvey, This Heat, and Gazelle Twin. A remix EP with work by claire rousay, Ami Dang, Cecile Believe, and Pelada brought collaborative perspectives to four Crease tracks, offering new pathways within those songs. With Spine, Kee Avil strips back her heavily textured compositions, opening up a much rawer sound. She calls it folk—and while traditionalists might scoff, this is urgent music that reflects the precarity of modern life, as well as the jarring mixture of electronic and real-world interactions that have become the fabric of our day-to-day experiences. There's a hypnotic post-punk somnambulance to it all, using the repetition and fracturing of melodic phrases interwoven with delicate electronics to create curious and persistent hooks. While not a concept album, themes of time's passage, remembrance, and decay crop up across multiple tracks. Each track intentionally only has four elements—guitar, electronics, and two other instruments, with Kee's voice and guitar pushed to the front. Within this minimalist framework, the juxtaposition of beauty and discomfort that is key to the Kee Avil sound stands out in skin-prickling relief. "We're shaped by many versions of ourselves," says Avil. "I was looking back at these versions of myself and what could have been, what didn't end up being and what did end up being, and going back like that through time. Seeing the future, the past." Spine was written in Kee Avil's home studio after a lapse in writing while touring Crease and working on other projects. She is a well-known and respected member of the Montréal experimental scene, and formerly ran Concrete Sound Studio with Zach Scholes, who continues to work with her as a producer on Spine. Compared to the three years that went into making her debut, Spine emerged in a matter of months—a process that may also be a factor in its intensity and sharpness: "This record was much harder, like it was really discovering everything from scratch." In her desire to not simply replicate or extend the sound of Crease, she felt she had to rip up the rule book, write in a different way, and pare back songs against her usual instincts. Sometimes, when we work against our ingrained habits, we get to the core of who we really are. Spine is an exercise in that process. Without over-intellectualizing or being didactic, it hits immediately and emotionally, especially if you are a person who has spent much time in the process of self-examination. Kee's voice hisses, whispers, and chants; her guitar bends and rings; electronics skitter and crackle; violin creaks like a door in the wind. There is something so evocative about the atmospheres she creates that it's easy to overlay one's own feelings onto her work, but to do that wholly would be to overlook one of the most important things about Spine: Kee Avil's clear and thoughtful vision. This isn't just the next step forward in her artistic trajectory; it's a stunner of a record that stands on its own, a bracing and thrilling listen that has much to reveal about the contradictions inherent in being human. — jj skolnik.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums der ursprünglichen Veröffentlichung im Oktober 1999 wird das mehrfach mit Platin ausgezeichnete Genesis-Album "Turn It On Again: The Hits' zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich sein. Das Album enthält 18 Tracks, die die gesamte Karriere der Band umfassen. Von ihren Anfängen mit Titeln wie "I Know What I Like (In Your Wardrobe)" und "The Carpet Crawlers" bis hin zu ihren weltweiten Hits der frühen 80er Jahre wie "Turn It On Again" und "Mama" und ihren großen Hits in diesem Jahrzehnt und in den frühen 90er Jahren mit "Invisible Touch" und "I Can't Dance". Das Artwork des Albums bleibt dem Original treu: Der Schriftzug GENESIS ist verschiedenen Albumcovern der Band entnommen und die berüchtigte "I Can't Dance"-Silhouette von Tony Banks, Phil Collins und Mike Rutherford stammt aus dem Video zum Song. Genesis sind eine der weltweit erfolgreichsten und meistverkauften Bands aller Zeiten. Sie haben schätzungsweise 100 Millionen Alben verkauft und spielen seit Jahrzehnten in ausverkauften Stadien und Arenen auf der ganzen Welt, zuletzt mit ihrer weltweit ausverkauften Last Domino? Tournee durch die Jahre 2021 und 2022. Die Entwicklung von Genesis ist einzigartig, ihr Sound hat sich im Laufe ihrer Karriere immer weiter entwickelt und verbessert. Nach mehreren Besetzungswechseln in den späten 60er Jahren kurz nach der Gründung war die Band Anfang der 70er Jahre mit den Originalmitgliedern Tony Banks, Peter Gabriel und Mike Rutherford sowie Steve Hackett und Phil Collins etabliert und erlangte weltweite Bekanntheit, bevor Gabriel 74' und Hackett 77 die Band verließen. Als Collins nach Gabriels Ausstieg zum Frontmann wurde, bildete sich ein Kern aus Banks, Collins und Rutherford, der bis heute besteht und weltweit große Anerkennung und kommerziellen Erfolg erlangt hat.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums der ursprünglichen Veröffentlichung im Oktober 1999 wird das mehrfach mit Platin ausgezeichnete Genesis-Album "Turn It On Again: The Hits' zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich sein. Das Album enthält 18 Tracks, die die gesamte Karriere der Band umfassen. Von ihren Anfängen mit Titeln wie "I Know What I Like (In Your Wardrobe)" und "The Carpet Crawlers" bis hin zu ihren weltweiten Hits der frühen 80er Jahre wie "Turn It On Again" und "Mama" und ihren großen Hits in diesem Jahrzehnt und in den frühen 90er Jahren mit "Invisible Touch" und "I Can't Dance". Das Artwork des Albums bleibt dem Original treu: Der Schriftzug GENESIS ist verschiedenen Albumcovern der Band entnommen und die berüchtigte "I Can't Dance"-Silhouette von Tony Banks, Phil Collins und Mike Rutherford stammt aus dem Video zum Song. Genesis sind eine der weltweit erfolgreichsten und meistverkauften Bands aller Zeiten. Sie haben schätzungsweise 100 Millionen Alben verkauft und spielen seit Jahrzehnten in ausverkauften Stadien und Arenen auf der ganzen Welt, zuletzt mit ihrer weltweit ausverkauften Last Domino? Tournee durch die Jahre 2021 und 2022. Die Entwicklung von Genesis ist einzigartig, ihr Sound hat sich im Laufe ihrer Karriere immer weiter entwickelt und verbessert. Nach mehreren Besetzungswechseln in den späten 60er Jahren kurz nach der Gründung war die Band Anfang der 70er Jahre mit den Originalmitgliedern Tony Banks, Peter Gabriel und Mike Rutherford sowie Steve Hackett und Phil Collins etabliert und erlangte weltweite Bekanntheit, bevor Gabriel 74' und Hackett 77 die Band verließen. Als Collins nach Gabriels Ausstieg zum Frontmann wurde, bildete sich ein Kern aus Banks, Collins und Rutherford, der bis heute besteht und weltweit große Anerkennung und kommerziellen Erfolg erlangt hat.

Das elektronische Musik-Trio Keys N Krates legt mit IN:TENSION sein drittes Studioalbum vor, ein prägnantes Werk, auf dem die Band aus Toronto ihre lebenslangen Einflüsse und ihre vielseitigen
produktionsfähigkeiten zu einem leidenschaftlichen Projekt voller Talente verschmilzt. IN:TENSION enthält Tracks mit R&B-Superstar Ciara, der Sängerin Lion Babe sowie den aufstrebenden Sängern Taite Imogen, Dana Williams und dem verstorbenen, großartigen Sänger Aaron Carl.

Seit ihrer Gründung vor über einem Jahrzehnt haben Keys N Krates ihren eigenen Weg in der Musik gefunden, indem sie die Bereiche Hip-Hop,
Elektronik und mehr miteinander verschmolzen haben. Die Gruppe - bestehend aus dem Schlagzeuger Adam Tune, dem Keyboarder David Matisse
und dem Turntablist Greg Dawson - hat sich durch ihre Instrumentierung auf der Bühne und ihre energiegeladenen Sets einen ehrwürdigen Ruf als
einer der führenden Live-Elektronik-Acts unserer Zeit erarbeitet.

The Red Clay Strays haben in acht Tagen zwölf Songs aufgenommen, die ihre Americana-Seele besser präsentieren als alles zuvor.
In einer digitalen Welt, die auf Perfektion ausgerichtet ist und in der Autotune und elektronische Instrumente in den Studios überhand nehmen, kann es schwierig sein, in der heutigen Zeit noch Authentizität in der Musik zu finden. Die Ära der Alben, die als echte Hörerlebnisse gestaltet wurden, ist auf der Strecke geblieben, doch die Red Clay Strays haben sie mit ihrem Debütalbum Moment of Truth kunstvoll wieder aufleben lassen. Das Ergebnis ist in mehrfacher Hinsicht ihr Moment der Wahrheit.

"Charismatic Leaders" ist das dritte Studioalbum und gleichzeitig das InsideOutMusic-Debüt der finnischen Progressive Metaller Wheel aus Helsinki, Finnland. Seit ihrer Gründung im Jahr 2015 haben sich Wheel schnell von Underdogs zu einer internationalen Tour de Force entwickelt. Die kantigen Riffs, unvergessliche Melodien und die abenteuerliche Bandbreite des Trios auf ihrem Debütalbum "Moving Backwards" (2019) wurden von Fans der Megastars von TOOL bis COHEED & CAMBRIA spontan verehrt. Der Nachfolger "Resident Human" (2021) erhielt begeisterte Kritiken von Medien auf der ganzen Welt, die die klangliche Weiterentwicklung und die mutigen dystopischen Themen lobten. "Charismatic Leaders" wurde akribisch ausgearbeitet, um Wheel's immer höheren Maßstäben gerecht zu werden, wobei das Songwriting bis ins Jahr 2020 zurückreicht und die Aufnahmen sich von August bis Dezember 2023 erstreckten. "Das ist unser Heavy Album", erklärt Lascelles. "Für die Leute, die Metal mögen und auf Wheel-Musik stehen, ist es genau das Richtige. Es ist nicht so, dass wir zu einer Karikatur der vorherigen Alben geworden sind, aber wir haben uns definitiv in eine Metal-Richtung bewegt, und wir wollten ein Metal-Album machen." Charismatic Leaders" ist dazu bestimmt, ein Manifest zu werden, das seine Hörer gleichermaßen begeistert und sie zum Nachdenken über die Welt um sie herum anregt.

Die Liverpooler YOBS veröffentlichen ihr selbstbetiteltes Debütalbum am 3. Mai 2024 über Fuzz Club und folgen damit ihrer ersten Doppelsingle "Fortune Teller b/w Cemetery Man", mit der die vierköpfige Band die Szene mit einem herrlich schmutzigen und hedonistischen Feuerwerk betrat.

Das Clash Magazine schrieb über YOBS: "Schädelzerschmetternde Riffs und halluzinogene Effekte". YOBS liefern primitive Garage-Punk/Noise-Rock-Salven, die mit erschlagender Intensität vorbeirasen. Auf den zehn Tracks des Albums und der
rasanten 26-minütigen Spielzeit schwelgt die Band in einem rauen, spaßigen Rock'n'Roll, der deine Knochen genauso zum Vibrieren bringt wie deine Lautsprecher. YOBS, die aus den Trümmern der inzwischen aufgelösten Liverpooler Bands Weird Sex und Ohmns entstanden sind, wurden 2022 gegründet und bestehen aus Joey Ackland (Gesang), Alex Smith (Bass/Gesang), Michael Quinlan (Gitarre/Gesang) und George Gebbie (Schlagzeug).

Ihr Debütalbum, das sie in vier Tagen in den Hackney Road Studios mit James Aparicio aufgenommen haben, ist das Ergebnis eines Jahres 2023, in dem sie mit Bands wie A Place To Bury Strangers, Mark Sultan, C.O.F.F.I.N, Alien Nosejob und anderen raue, ohrenbetäubende Shows gespielt haben.

The Red Clay Strays haben in acht Tagen zwölf Songs aufgenommen, die ihre Americana-Seele besser präsentieren als alles zuvor.
In einer digitalen Welt, die auf Perfektion ausgerichtet ist und in der Autotune und elektronische Instrumente in den Studios überhand nehmen, kann es schwierig sein, in der heutigen Zeit noch Authentizität in der Musik zu finden. Die Ära der Alben, die als echte Hörerlebnisse gestaltet wurden, ist auf der Strecke geblieben, doch die Red Clay Strays haben sie mit ihrem Debütalbum Moment of Truth kunstvoll wieder aufleben lassen. Das Ergebnis ist in mehrfacher Hinsicht ihr Moment der Wahrheit.

LANY haben im Alleingang den Mainstream geknackt - als eine der allgegenwärtigsten, unberechenbarsten und unverzichtbarsten Alternative-Rock-Bands dieser Zeit. Ihre energiegeladene, mitreißende und sich ständig weiterentwickelnde Live-Show zieht Fans auf allen Kontinenten in ihren Bann und ist weltweit ein Publikumsmagnet. Für ihr lang erwartetes fünftes Album hat sich die Band wieder mit dem legendären Produzenten Mike Crossey zusammengetan.

Die Londoner Band Home Counties veröffentlicht nach ersten EPs ihr Debütalbum 'Exactly As It Seems', produziert von Bandgitarrist Conor Kearney und gemischt von Andy Savors (Black Country New Road, Rina Sawayama, Sorry). Home Counties haben sich als eine der wichtigsten neuen Alternative-Bands Großbritanniens etabliert, die mit Shame, Psychedelic Porn Crumpets, FEET, Courting und bdrmm auftraten und von BBC Radio-DJs sowie Elton John (Apple 1) unterstützt werden. Der Band gelingt es, lyrische Offenheit über die besch******* Details des modernen Lebens und musikalischen Schwung mit Begeisterung in Einklang zu bringen. Nach dem treffenden Motto: 'Mein Leben ist ruiniert, weil ich mir die Miete nicht leisten kann, aber ich werde darüber tanzen.'

Die britische Instrumentalband MAYBESHEWILL feiert das 10-jährige Jubiläum ihres vierten Studioalbums "Fair Youth" mit einer brandneuen Vinyl-Edition. Neu abgemischt und remastered von Jamie Ward erscheint diese Ausgabe in einer limitierten pink-schwarz marmorierten Edition (180g Vinyl), die auch digital erhältlich sein wird. Wie Jamie erklärt: "Fair Youth ist ein ziemlich ehrgeiziges Album. Die Arrangements sind maximalistisch, und mit der Instrumentierung haben wir Neuland betreten. Für diese Wiederveröffentlichung zum 10-jährigen Jubiläum hatte ich das Gefühl, dass ich mit einem kompletten Remix mehr aus dem Album herausholen kann als mit einem einfachen Remaster. Mit 10 Jahren mehr Erfahrung beim Abmischen fühle ich mich nun besser in der Lage, die Klangwand zu überwinden und die Instrumente etwas besser voneinander zu trennen, um die Details der Arrangements wirklich zur Geltung zu bringen. Generell habe ich mich bemüht, die Dinge ein wenig härter zu machen und ein bisschen lebendiger und farbenfroher zu sein." Bei der ursprünglichen Veröffentlichung im Jahr 2014 sagte das DIY Magazine, dass die Band "nie besser geklungen hat", während Rocksound das Album als "ein unbestreitbar fesselndes Hörerlebnis" bezeichnete. Und diese neue Version bietet jetzt eine neue Möglichkeit, die Musik zu erleben.

Seit der Veröffentlichung des ersten Terminal Nation-Albums "Holocene Extinction" im Jahr 2020 haben sich die Spaltungen in den USA nur noch vergrößert, die Fronten verhärtet und Kompromisse sind keine Option mehr. Das brandheiße neue Album "Echoes Of The Devil's Den" der Band verkörpert diese kochende Wut und erscheint einmal mehr am Vorabend eines wiederkehrenden Albtraum-Wahlzyklus mit fossilen Relikten aus dem 20 Jahrhundert.

Die Esenz von Terminal Nation besteht im Kern aus unverschämt heavy Midtempo-Riffing und Bulldozer-Breakdowns, die auf ein neues Niveau extremer Brutalität gebracht wurden - über denen Stan Liszewskis giftige Stimme die brodelnde Wut einer Bevölkerung ausstrahlt, die mit ihrer Geduld am Ende ist.

Doch jenseits dieses Unterbaus hat sich Terminal Nation's Songwriting beträchtlich weiterentwickelt, was sich in Songs wie 'Embers of Humanity' zeigt, der ein episches Heavy Metal-Flair in seine Balladen einbaut und sich zu einem Stadion-Banger steigert. Auf der Single 'Merchants of Bloodshed' streut die Band hymnischen, fast schon radiotauglichen Clean-Gesang von Jesse Leach (Killswitch Engage) ein - nur einer von vielen Gastauftritten auf dem Album.

Textlich predigt die Band in "Echoes of the Devil's Den" sowohl mit der vernichtenden Gesellschaftskritik, für die sie bekannt ist, als auch mit einer eher intimen, reflektierenden Erzählung, die sich auf einige massive persönliche Umwälzungen bezieht, die sie in den vorangegangenen Jahren durchgemacht hat. Geschmiedet in den Feuern einer schwelenden Frustration, greift Terminal Nation's "Echoes of the Devil's Den" mit der Kraft eines ausbrechenden Vulkans an und verbrennt die Falschheit unseres Zeitalters zu Asche!

Additional Vocals auf "Written by The Victor" by Todd Jones of Nails
Additional Vocals auf "Merchants of Bloodshed" by Jesse Leach of Killswitch Engage
Additional Vocals auf "Cemetery of Imposters" by K. Kennedy of Sex Prisoner
Additional Vocals auf "Spikes Under the Bridge" by Zak Vargas of Elysia
Additional Vocals auf "Release the Serpents" by Dwid Hellion of Integrity
Additional Drums auf "Written by the Victor" and "Dying Alive" by Juan Cebreros

Seit der Veröffentlichung des ersten Terminal Nation-Albums "Holocene Extinction" im Jahr 2020 haben sich die Spaltungen in den USA nur noch vergrößert, die Fronten verhärtet und Kompromisse sind keine Option mehr. Das brandheiße neue Album "Echoes Of The Devil's Den" der Band verkörpert diese kochende Wut und erscheint einmal mehr am Vorabend eines wiederkehrenden Albtraum-Wahlzyklus mit fossilen Relikten aus dem 20 Jahrhundert.

Die Esenz von Terminal Nation besteht im Kern aus unverschämt heavy Midtempo-Riffing und Bulldozer-Breakdowns, die auf ein neues Niveau extremer Brutalität gebracht wurden - über denen Stan Liszewskis giftige Stimme die brodelnde Wut einer Bevölkerung ausstrahlt, die mit ihrer Geduld am Ende ist.

Doch jenseits dieses Unterbaus hat sich Terminal Nation's Songwriting beträchtlich weiterentwickelt, was sich in Songs wie 'Embers of Humanity' zeigt, der ein episches Heavy Metal-Flair in seine Balladen einbaut und sich zu einem Stadion-Banger steigert. Auf der Single 'Merchants of Bloodshed' streut die Band hymnischen, fast schon radiotauglichen Clean-Gesang von Jesse Leach (Killswitch Engage) ein - nur einer von vielen Gastauftritten auf dem Album.

Textlich predigt die Band in "Echoes of the Devil's Den" sowohl mit der vernichtenden Gesellschaftskritik, für die sie bekannt ist, als auch mit einer eher intimen, reflektierenden Erzählung, die sich auf einige massive persönliche Umwälzungen bezieht, die sie in den vorangegangenen Jahren durchgemacht hat. Geschmiedet in den Feuern einer schwelenden Frustration, greift Terminal Nation's "Echoes of the Devil's Den" mit der Kraft eines ausbrechenden Vulkans an und verbrennt die Falschheit unseres Zeitalters zu Asche!

Additional Vocals auf "Written by The Victor" by Todd Jones of Nails
Additional Vocals auf "Merchants of Bloodshed" by Jesse Leach of Killswitch Engage
Additional Vocals auf "Cemetery of Imposters" by K. Kennedy of Sex Prisoner
Additional Vocals auf "Spikes Under the Bridge" by Zak Vargas of Elysia
Additional Vocals auf "Release the Serpents" by Dwid Hellion of Integrity
Additional Drums auf "Written by the Victor" and "Dying Alive" by Juan Cebreros

"Pull The Rope", das neue Album von IBIBIO SOUND MACHINE, rückt die von Eno Williams und Max Grunhard geleitete Band in ein neues Licht. Die Hoffnung, die Freude und der Sexappeal ihrer Musik sind geblieben, aber die Verbindung, die sie mit ihrem hochgelobten Album "Electricity" (2022) herstellen wollen, hat den Schauplatz gewechselt, von der sonnigen Beschwingtheit eines sonnenbeschienenen Festivals zu einem schweißgetränkten, nächtelangen Tanzclub. Die Atmosphäre hat sich geändert, aber man hat immer noch die beste Zeit seines Lebens. Williams und Grunhard führen diese Veränderung auf die Zusammenarbeit mit dem in Sheffield ansässigen Produzenten Ross Orton (ARCTIC MONKEYS, M.I.A.) zurück, mit dem sie "Pull The Rope" innerhalb von zwei Wochen aufnahmen. Die Art und Weise, wie die beiden Songs schrieben, änderte sich erheblich - anstatt dass Eno die Texte zu der Musik schrieb, die Max und Co. beim Jammen kreierten, begann Orton damit, dass Eno und Max gemeinsam schrieben, bevor sie die Band hinzufügten. Mit weniger Zeit im Studio und einer neuen Art, über die Entstehung von Songs nachzudenken, gelang es dem Duo, Entscheidungen über den Sound von "Pull The Rope" schneller und instinktiv zu treffen als zuvor. Bei der Verschmelzung ihres Songwriting-Prozesses haben Grunhard und Williams das Kunststück vollbracht, IBIBIO SOUND MACHINE zu einer strafferen Band als je zuvor zu machen, die sich von ihrem Kern aus in einer Weise entwickelt, die die elektrisierende Gruppe von Musikern, mit denen sie spielen, hervorhebt. Anstatt mit der gesamten Band im Raum aufzunehmen, wurde "Pull The Rope" von Grunhard, Williams und Orton geformt, Elemente hinzugefügt und während des Prozesses endgültig gestaltet. Die Botschaft ihres fantastischen neuen Albums "Pull The Rope" ist Hoffnung in der Dunkelheit, Glückseligkeit trotz Tristesse. Wieder einmal sind IBIBIO SOUND MACHINE hier, um den Soundtrack für die beste Nacht deines Lebens und die bessere Welt zu liefern.

Karate Boogaloo aus Melbourne, Australien präsentieren mit Stolz "Hold Your Horses", ihre fesselnde neue Langspielplatte mit originalen Instrumentalstücken. Henry Jenkins, Hudson Whitlock, Callum Riley und Darvid Thor sind das Herzstück von Melbournes aufkeimender Instrumental-Soul-Bewegung und machen seit ihrer Schulzeit gemeinsam Musik. Die vier Freunde lernten sich in der Highschool kennen und haben die großen Instrumental-Bands wie Booker T & The MG's und The Meters genau studiert. "Hold Your Horses" ist Karate Boogaloos eigene Interpretation von instrumentalem Funk. Eine echte Reise vom Anfang bis zum Ende, bei der jedes Stück nahtlos in das nächste übergeht und eine Welt mit kinematischen Momenten, skurrilen Melodien und unheimlichen Dissonanzen erschafft, und von unbestreitbarem Super Heavyfunk untermauert wird. Alle Songs für "Hold Your Horses" wurden gemeinsam im Studio geschrieben, ohne dass eines der Mitglieder vorgefertigtes Material einbrachte. Es ist ein Prozess, der speziell darauf ausgelegt ist, die Stärken der Band und ihre Beziehung zueinander zu maximieren. Um das Erlebnis noch zu verstärken, erzeugt das LP-Cover (entworfen von dem in Melbourne lebenden visuellen Künstler Drez) ein interaktives optisches Kunsterlebnis, wenn die Innenhülle aus dem Umschlag entfernt wird. Karate Boogaloo ist ein Quartett, das mehr ist als die Summe seiner Teile; und die Teile allein sind sehr, sehr gut.

Der Schweizer Sänger, Musiker, Songwriter und Produzent Dino Brandão veröffentlicht sein lang erwartetes Debütalbum 'Self-Inclusion'!

Dino Brandão ist gefühlt schon seit Jahren präsent, hat längst nicht nur in der Schweiz umjubelte Konzerte gespielt.
Bis 2019 war er Sänger und Gitarrist der Band Frank Powers, 2020 kam die schweizerdeutsche Liebeserklärung 'Ich liebe dich' mit Faber und Sophie Hunger, und die Debüt-EP 'Bouncy Castle' hat inzwischen auch schon über zwei Jahre auf dem Buckel.
Aber wie heisst es so schön im vergnüglich klingenden, aber lyrisch tiefschürfenden Titeltrack der EP: 'Life’s a bouncy castle / Filled with tears and laughter'.
Das trifft im Falle von Dino Brandão umso mehr zu. Er hatte in den letzten Jahren, in denen er sein Solodebüt aufnehmen wollte, nicht nur mit der Pandemie zu kämpfen wie wir alle, sondern musste sich auch einer Multiple-Sklerose-Diagnose stellen und verbrachte einige Zeit in einer psychiatrischen Einrichtung.
Dass sein Debütalbum 'Self-Inclusion' nun mit einem Song namens 'Sweet Madness' beginnt und mit der Aussenseiter:innen-Hymne 'Loser' endet, die ebenfalls in einer solchen Klinik spielt, ist also kein Zufall.
Was hier jetzt nach einem ziemlichen Brocken klingt, musikalisch erstaunlicherweise aber dermassen leicht in die Füsse, die Hüfte, das Herz und dann eben auch in den Kopf geht, dass man Dino Brandão geradezu diabolische, oder vielleicht gar sirenen-artige Kräfte zu schreiben könnte.
Dino Brandão sagt selbst: 'Ich habe früh für mich entschieden, da ganz offen zu sein und alles, was mich umtreibt, zu erzählen. Vielleicht hilft es auch ein wenig, das zu entstigmatisieren. Ich hoffe nur, dass ich nicht immer auf diese Themen reduziert werde.'
Das dürfte sein tolles Debütalbum 'Self-Inclusion' zu vermeiden wissen.

Nach zwei von der Kritik hochgelobten Alben, zahlreichen Mini-LPs, EPs und Singles kehrt das Londoner Trio Girls In Synthesis mit seinem neuen Statement, dem dritten Album "Sublimation", zurück. Wenn du dachtest, du kennst GIS bereits, dann irrst Du Dich diesmal vielleicht.GIS gehen weiter und haben eine düstere und intensive, aber dennoch melodische Sammlung von Tracks erschaffen, ihre Interpretation einer kantigen Pop-Platte. Der Opener 'Lights Out' besteht aus zwei Teilen; der erste ist ein Barrett-eskes Gesangs- und Gitarren-Lamento über Schlafmangel, das über eine von 'Faust Tapes' beeinflusste Freeform-Noise-Sektion in einen stampfenden, hochintensiven Showdown übergeht. In Songs wie "Deceit", "We Are Here" und "Picking Things Out Of The Air" zeigt sich die Gruppe von ihrer melodischsten Seite, indem sie einige der chaotischen Noise-Elemente ihres charakteristischen Sounds auf ein Minimum reduziert und leidenschaftliche, schwebende Vocals und Keyboard-Melodien in den Vordergrund stellt. Ihr Markenzeichen, das treibende Schlagzeug und der Bass, ist besonders bei den Stücken "I Judge Myself" und "Corrupting Memories" zu hören, wird aber durch intensive, vom frühen Gothic beeinflusste Keyboardlinien ergänzt, die Einflüsse aus den späten 1970ern/frühen 1980ern mit der zeitgenössischen GIS-Intensität in Einklang bringen. Die langsam sich steigernden Tracks 'I Was Never There' und 'The Prefix' bauen mit spärlichen Arrangements und kreisenden, spiralförmigen Outros Spannung und Atmosphäre auf, während die Band im abschließenden 'A Damning Lesson' zu ihrer intensiven, knüppelnden Soundwand zurückkehrt, nur um sie in eine verschwommene, hallende Drum-Machine zu schicken, die an die frühen Arbeiten von Cabaret Voltaire erinnert. Nächstes Kapitel, nächstes Level für GIS!

Nach zwei von der Kritik hochgelobten Alben, zahlreichen Mini-LPs, EPs und Singles kehrt das Londoner Trio Girls In Synthesis mit seinem neuen Statement, dem dritten Album "Sublimation", zurück. Wenn du dachtest, du kennst GIS bereits, dann irrst Du Dich diesmal vielleicht.GIS gehen weiter und haben eine düstere und intensive, aber dennoch melodische Sammlung von Tracks erschaffen, ihre Interpretation einer kantigen Pop-Platte. Der Opener 'Lights Out' besteht aus zwei Teilen; der erste ist ein Barrett-eskes Gesangs- und Gitarren-Lamento über Schlafmangel, das über eine von 'Faust Tapes' beeinflusste Freeform-Noise-Sektion in einen stampfenden, hochintensiven Showdown übergeht. In Songs wie "Deceit", "We Are Here" und "Picking Things Out Of The Air" zeigt sich die Gruppe von ihrer melodischsten Seite, indem sie einige der chaotischen Noise-Elemente ihres charakteristischen Sounds auf ein Minimum reduziert und leidenschaftliche, schwebende Vocals und Keyboard-Melodien in den Vordergrund stellt. Ihr Markenzeichen, das treibende Schlagzeug und der Bass, ist besonders bei den Stücken "I Judge Myself" und "Corrupting Memories" zu hören, wird aber durch intensive, vom frühen Gothic beeinflusste Keyboardlinien ergänzt, die Einflüsse aus den späten 1970ern/frühen 1980ern mit der zeitgenössischen GIS-Intensität in Einklang bringen. Die langsam sich steigernden Tracks 'I Was Never There' und 'The Prefix' bauen mit spärlichen Arrangements und kreisenden, spiralförmigen Outros Spannung und Atmosphäre auf, während die Band im abschließenden 'A Damning Lesson' zu ihrer intensiven, knüppelnden Soundwand zurückkehrt, nur um sie in eine verschwommene, hallende Drum-Machine zu schicken, die an die frühen Arbeiten von Cabaret Voltaire erinnert. Nächstes Kapitel, nächstes Level für GIS!

"Rantanplan" sind seit fast 30 Jahren eine feste Institution und das schon lange nicht mehr "nur" innerhalb der Subkulturen, haben mit ihrem letzten Album "AHOI" 2023 nur knapp die Top Ten verfehlt (Platz 11 / 03.03.2023). Mit dem unveröffentlichten und exklusiv auf Vinyl erhältlichen Song "Am Meer" meldet die Band sich auf Sunny Bastards Records zurück. "Am Meer" ist genau der richtige Ohrwurm "um am Strand zwischen 3 Elementen zu liegen" und gut gelaunt den Sommer mit einem kühlen Bier zu genießen! Extrem tanzbarer Ska-Punk und klarer Hit von der Waterkant! Die B-Seite "Sand am Meer" greift nur vordergründig das unbeschwingte Sommergefühl auf, denn Rantanplan waren schon immer mehr als nur eine Spaßkapelle und verpacken ihre gesellschaftspolitischen Botschaften subtil statt plakativ in ihre Musik. "Idioten gibt's wie Sand am Meer"_wer will da schon widersprechen? Bislang nur online aus "Ahoi"-Sessions als Single Digital 2021 veröffentlicht, gibt es den Song jetzt endlich auch erstmals auf Vinyl! Streng limitiert auf insgesamt 500 Exemplare erscheint die 7" im Hardcover in bunter Vielfalt als red'n'white inside out und clear with blue & black splatter vinyl (je 200 copies ww). Für Puristen natürlich auch als black vinyl (100 copies ww) erhältlich.

"Rantanplan" sind seit fast 30 Jahren eine feste Institution und das schon lange nicht mehr "nur" innerhalb der Subkulturen, haben mit ihrem letzten Album "AHOI" 2023 nur knapp die Top Ten verfehlt (Platz 11 / 03.03.2023). Mit dem unveröffentlichten und exklusiv auf Vinyl erhältlichen Song "Am Meer" meldet die Band sich auf Sunny Bastards Records zurück. "Am Meer" ist genau der richtige Ohrwurm "um am Strand zwischen 3 Elementen zu liegen" und gut gelaunt den Sommer mit einem kühlen Bier zu genießen! Extrem tanzbarer Ska-Punk und klarer Hit von der Waterkant! Die B-Seite "Sand am Meer" greift nur vordergründig das unbeschwingte Sommergefühl auf, denn Rantanplan waren schon immer mehr als nur eine Spaßkapelle und verpacken ihre gesellschaftspolitischen Botschaften subtil statt plakativ in ihre Musik. "Idioten gibt's wie Sand am Meer"_wer will da schon widersprechen? Bislang nur online aus "Ahoi"-Sessions als Single Digital 2021 veröffentlicht, gibt es den Song jetzt endlich auch erstmals auf Vinyl! Streng limitiert auf insgesamt 500 Exemplare erscheint die 7" im Hardcover in bunter Vielfalt als red'n'white inside out und clear with blue & black splatter vinyl (je 200 copies ww). Für Puristen natürlich auch als black vinyl (100 copies ww) erhältlich.

"Rantanplan" sind seit fast 30 Jahren eine feste Institution und das schon lange nicht mehr "nur" innerhalb der Subkulturen, haben mit ihrem letzten Album "AHOI" 2023 nur knapp die Top Ten verfehlt (Platz 11 / 03.03.2023). Mit dem unveröffentlichten und exklusiv auf Vinyl erhältlichen Song "Am Meer" meldet die Band sich auf Sunny Bastards Records zurück. "Am Meer" ist genau der richtige Ohrwurm "um am Strand zwischen 3 Elementen zu liegen" und gut gelaunt den Sommer mit einem kühlen Bier zu genießen! Extrem tanzbarer Ska-Punk und klarer Hit von der Waterkant! Die B-Seite "Sand am Meer" greift nur vordergründig das unbeschwingte Sommergefühl auf, denn Rantanplan waren schon immer mehr als nur eine Spaßkapelle und verpacken ihre gesellschaftspolitischen Botschaften subtil statt plakativ in ihre Musik. "Idioten gibt's wie Sand am Meer"_wer will da schon widersprechen? Bislang nur online aus "Ahoi"-Sessions als Single Digital 2021 veröffentlicht, gibt es den Song jetzt endlich auch erstmals auf Vinyl! Streng limitiert auf insgesamt 500 Exemplare erscheint die 7" im Hardcover in bunter Vielfalt als red'n'white inside out und clear with blue & black splatter vinyl (je 200 copies ww). Für Puristen natürlich auch als black vinyl (100 copies ww) erhältlich.

a1. Do One Feat. Donots
b1. All Night Crew

Frank Turner kündigt mit "Undefeated" das zehnte Album seiner Solo-Karriere an. Der britische Punkrock-Singer/Songwriter hat immer noch viel zusagen, und tut dies auch.
Zu seiner ersten Single erzählt er: "Do One" ist der letzte Song, den ich für das neue Album geschrieben habe, und der erste Song auf dem Album,sowie die erste Single. Es ist also eine Zusammenfassung dessen, was ich mit diesem Album sagen will, ein Album über das Überleben und den Trotz,aber auch ein Album mit einem Sinn für Spaß und Selbstironie. Nach 19 Jahren Solokarriere stehe ich immer noch auf und bringe einige meinerbesten Arbeiten heraus. Das fühlt sich gut an."
Für deutsche Fans gibt es ein spezielles Feature: Die Single "Do One" erscheint als Version mit den Donots.

Dachböden haben schon immer eine unwiderstehliche Anziehungskraft auf David Js Fantasie ausgeübt. Sie können leuchtende Juwelen zum Vorschein bringen, die durch Zeit und Staub verloren schienen. Mit "Tracks from the Attic" lädt uns der Bauhaus- und Love and Rockets-Mitbegründer ein, mit ihm die Leiter hinaufzuklettern.

Es beginnt eine faszinierende Reise: Wir durchstöbern Kisten mit Tonbändern und lernen einen Künstler wieder kennen, den wir schon lange kennen - doch die intimen Songs, die er über drei Jahrzehnte hinweg in Einsamkeit aufgenommen hat, offenbaren neue Seiten an ihm. Selbst als er mit seinen beiden legendären Gruppen beschäftigt war, sprudelte David J. nur so vor Liedern. Dies ist eine aufregende Auswahl von Aufnahmen, die er zwischen 1983 und 2004 gemacht hat, einige im Studio und die meisten zu Hause, nur mit der Hilfe seiner Muse, einem Aufnahmegerät und einer brennenden Kerze. Wie alle guten Dachbodenfunde wurden auch diese Songs auf Band aufgenommen und gerieten fast in Vergessenheit - erst als ein Fan vorschlug, seine Digitalisierungskünste anzubieten, dachte David J daran, sie wieder aufleben zu lassen. Alle, mit Ausnahme des Titels "This Town", waren zuvor noch nie zu hören.

Die Tatsache, dass die meisten dieser Stücke nicht zu beliebten Klassikern geworden sind (etwas, mit dem sich die Ohren kaum abfinden können, wenn man erst einmal auf Play gedrückt hat), ist nur ein Zeichen für David Js emsiges Schaffen. Die größtenteils auf der Akustikgitarre komponierten Stücke werden langjährigen Fans unerwartete Offenbarungen bieten, da sie Facetten seines musikalischen Selbst ans Licht bringen, die in einem Bandkontext nicht vollständig zum Ausdruck gebracht werden konnten. Es ist in der Tat faszinierend, die Entwicklung von David Js Umgang mit Songs über die Jahrzehnte hinweg zu verfolgen, von den beobachtenden lyrischen Montagen der frühen Tage bis hin zu einer späteren, selbstbewussten Umarmung des zutiefst Persönlichen. Gleichzeitig kann "Tracks from the Attic" auch als eindrucksvolle Einführung für Neulinge gesehen werden - es fühlt sich tatsächlich so an, als würde man einen der großen britischen Singer-Songwriter zum ersten Mal treffen. 'Oh No! Not Another Songwriter!", ruft einer der Höhepunkte des Boxsets frech aus. Nun, dieses Box-Set wirft ein, dass dies nicht irgendein Songwriter ist

Das Noise-Kollektiv Knives aus Bristol hat die britische Alternative-Szene mit ihrer poppigen Mischung aus Post-Punk, Hardcore, Rap und Noise im Sturm erobert. Die Band kehrt mit ihrem Mini-Album "What We See In Their Eyes" zurück, um ihre Unzufriedenheit mit bestimmten Personen aus Bristol zum Ausdruck zu bringt, die dem einladenden Image der Stadt widersprechen. Die EP ist ein vertontes Spiegelbild und lädt den Hörer dazu ein, sich in die Lage der Unzufriedenen zu versetzen. Die Knives haben eine beeindruckende Resonanz zu ihren Live Shows erfahren. Vom ausverkauften Rough Trade Bristol bis hin zu Auftritten an der Seite von Bands wie Mclusky, CLT DRP, Tokky Horror, LIFE und Enola Gay - ihr chaotisches Liveset zieht jeden im Publikum in seinen Bann. 2024 wird ein aufregendes Jahr für die Knives werden, denn sie versprechen weitere schreiende Hymnen, die unsere gesellschaftlichen Herausforderungen kritisieren, sowie viele weitere Shows in ganz Großbritannien und der EU.

Ltd 140G Crystal-Clear-White Marbled Vinyl und 140G schwarzes Vinyl erhältlich!

Ltd Edition!

Das Noise-Kollektiv Knives aus Bristol hat die britische Alternative-Szene mit ihrer poppigen Mischung aus Post-Punk, Hardcore, Rap und Noise im Sturm erobert. Die Band kehrt mit ihrem Mini-Album "What We See In Their Eyes" zurück, um ihre Unzufriedenheit mit bestimmten Personen aus Bristol zum Ausdruck zu bringt, die dem einladenden Image der Stadt widersprechen. Die EP ist ein vertontes Spiegelbild und lädt den Hörer dazu ein, sich in die Lage der Unzufriedenen zu versetzen. Die Knives haben eine beeindruckende Resonanz zu ihren Live Shows erfahren. Vom ausverkauften Rough Trade Bristol bis hin zu Auftritten an der Seite von Bands wie Mclusky, CLT DRP, Tokky Horror, LIFE und Enola Gay - ihr chaotisches Liveset zieht jeden im Publikum in seinen Bann. 2024 wird ein aufregendes Jahr für die Knives werden, denn sie versprechen weitere schreiende Hymnen, die unsere gesellschaftlichen Herausforderungen kritisieren, sowie viele weitere Shows in ganz Großbritannien und der EU.

Ltd 140G Crystal-Clear-White Marbled Vinyl und 140G schwarzes Vinyl erhältlich!

Yellow Vinyl

Bacao Rhythm & Steel Band, die mysteriöse Steel Pan Band aus Hamburg, hat sich weltweit einen Kultstatus erspielt. Mit einer Reihe von klassischen 7" Singles und drei hochgelobten Alben haben sie die Messlatte für sich selbst hoch gelegt, die sie mit diesem neuen Werk noch weiter nach oben schieben wollen. Auf ihrem vierten Album BRSB sind Bacao zurück mit mehr vom Gleichen, aber mehr vom Gleichen ist bei ihnen von Natur aus anders. Sie covern Songs aus verschiedenen Genres, von Megahits bis hin zu Underground-Songs, und machen sie sich mit ihrer einzigartigen Herangehensweise an die traditionellen Steel Pans aus Trinidad und Tobago zu eigen. Während ein Teil des Reizes eines neuen Bacao Rhythm & Steel Band-Albums darin besteht, herauszufinden, welche Songs sie covern, ist es ebenso faszinierend zu sehen, welche originellen Melodien sie ausgeheckt haben – denn dieses Album ist ebenso voller herausragender Originale. Der Opener des Albums, "In The Crosshairs", ist ein rauer und harter Midtempo-Kopfnicker, während "Grilled" und "Treasure Quest" das Tempo mit starken afrikanischen Funk-Einflüssen anziehen. Bacao geht mit "Hazy Memories", einem basslastigen Slowburner, der zwischen Hypnose und Hype wandelt, in die Tiefe. Diese Originale sind ein Beweis dafür, dass der Begriff "Coverband" ein Schuh ist, der niemals zu Bacao passen könnte. Und doch gibt es auch dieses Mal in der Tradition der Steel-Pan-Musik eine Reihe Coverversionen. Der große West Coast Hip Hop Einfluss wird offenbar mit Covers von Game & 50 Cent's "How We Do", Dr. Dre & Snoop Dogg's "Nuthin But A G Thang" und Tupac's "Got My Mind Made Up”, die alle eine neue Energie bekommen und sich für die BRSB Stahlbehandlung eignen. Mit ihrem Covern von Claudja Barrys Disco-Klassiker "Love For The Sake Of Love", die sie in eine synchronisierte Version umwandeln und sogar den Titel in "Love For The Sake Of Dub" ändern, fügen Bacao ihrem Lebenslauf einen weiteren zertifizierten Dance-Floor-Filler hinzu. Aus dem Bereich der zeitgenössischen Smash-Hits covern sie Drakes "Hotline Bling" und "Love$ick" von Mura Masa & A$AP Rocky. Dann gehen sie mit dem "Stranger Things Theme" einen sehr unerwarteten Weg, indem sie den Synthie-lastigen Titelsong der Hit-Show nehmen und ihm einen hypnotischeren Ton geben als dem Original. Wenn BRSB fertig ist, hat die Bacao Rhythm & Steel Band den Hörer auf eine Reise mitgenommen, die eine Vielzahl von Energien, Tempi und Stimmungen umfasst, aber alles unter einem Dach hält.

Tanz ist das zentrale Thema des fünften Studioalbums "Fearless Movement" von Kamasi Washington. Dass er sich dem Tanz zuwendet und das Publikum mitnimmt, ist eine natürliche Weiterentwicklung von Washingtons fortwährender Beschäftigung mit Musik als Mittel der zwischenmenschlichen Verbindung. "The Epic" von 2015 und "Heaven and Earth" von 2018 waren Alben, die Genregrenzen überwunden haben und eine neue Generation in die Jazz Musik einführte. Beide Platten waren musikalischen Epen mit viel Chor und Streichern, "Fearless Movement" hingegen bietet etwas anderes. Es klingt immer noch gewaltig, aber rhythmischer - denn dieses Mal hat er den Rap in seinen musikalischen Kosmos geholt. "Die Welt ist stehen geblieben, aber ich habe definitiv nicht aufgehört", sagt Washington. "Fearless Movement" begann in den Tagen der globalen Pandemie. "Meine Tochter wurde genau in der Mitte davon geboren. Das sind zwei ziemlich große und monumentale Dinge, die gleichzeitig passieren". Das Elternsein hat Washington ein neues Gefühl der Dankbarkeit gegeben. Während die Tourneen pausierten, verbrachten sie die ersten Jahre damit, gemeinsam Washingtons Lieblingsplatten von John Coltrane, Ornette Coleman und Eric Dolphy zu hören. "Ich wollte ihr all die beste Musik zeigen", sagt er. Und eines Tages, als sie knapp zwei Jahre alt war, fiel ihr eine Melodie ein. "Wir spielten auf dem Klavier, und sie spielte sie einfach immer wieder", sagt er. Aus dieser Melodie wurde der Song "Asha The First". Washington und seine langjährigen Bandmitglieder nahmen die Melodie auf und ließen einige Lücken offen, die ein potenzieller Gast füllen sollte. " In Leimert Park, wo ich aufgewachsen bin, ist die Schnittmenge zwischen Jazz und Hip-Hop sehr groß". Also zog er Taj und Ras Austin hinzu, das Rap-Duo Coast Contra und Söhne des L.A.-Rappers Ras Kass, die er beim Herumstöbern auf YouTube entdeckt hatte. Washingtons langjähriger Freund und Kollaborateur Thundercat ist ebenfalls auf "Asha The First" zu hören. Washington ist nicht der Einzige, der auf "Fearless Movement" mit den Konventionen bricht. Andre 3000, der vielleicht beste Stilist des Rap, spielt sein allererstes Flötenfeature auf "Dream State". "Fearless Movement" vermittelt ein Gefühl der Verbundenheit, das Washingtons Arbeit über die Zeit hinweg mit der Black Music in L.A. verbindet - von der Vergangenheit über die Gegenwart bis zur Zukunft. Auf dem entspannten und funkigen "Get Lit", bei dem es darum geht, das Licht in jedem von uns zu nutzen, um unsere Gemeinschaften aufzubauen, bringt Washington den legendären Bandleader George Clinton und den Rapper D Smoke für einen der coolsten Tracks des Albums zusammen. Dieses Ethos der Elastizität und der Möglichkeiten erstreckt sich auch auf die Mitglieder von Washingtons Band, von denen einige auf dem Album zu hören sind. Unter ihnen auch Sängerin Patrice Quinn, Saxophonist Terrace Martin, Bassist Thundercat und Schlagzeuger Ronald Bruner Jr., DJ Battlecat und BJ The Chicago Kid. Die stetige Bewegung und Flexibiltät verleiht den neuen Songs eine gewisse Geschmeidigkeit, sowohl thematisch als auch musikalisch.

Tanz ist das zentrale Thema des fünften Studioalbums "Fearless Movement" von Kamasi Washington. Dass er sich dem Tanz zuwendet und das Publikum mitnimmt, ist eine natürliche Weiterentwicklung von Washingtons fortwährender Beschäftigung mit Musik als Mittel der zwischenmenschlichen Verbindung. "The Epic" von 2015 und "Heaven and Earth" von 2018 waren Alben, die Genregrenzen überwunden haben und eine neue Generation in die Jazz Musik einführte. Beide Platten waren musikalischen Epen mit viel Chor und Streichern, "Fearless Movement" hingegen bietet etwas anderes. Es klingt immer noch gewaltig, aber rhythmischer - denn dieses Mal hat er den Rap in seinen musikalischen Kosmos geholt. "Die Welt ist stehen geblieben, aber ich habe definitiv nicht aufgehört", sagt Washington. "Fearless Movement" begann in den Tagen der globalen Pandemie. "Meine Tochter wurde genau in der Mitte davon geboren. Das sind zwei ziemlich große und monumentale Dinge, die gleichzeitig passieren". Das Elternsein hat Washington ein neues Gefühl der Dankbarkeit gegeben. Während die Tourneen pausierten, verbrachten sie die ersten Jahre damit, gemeinsam Washingtons Lieblingsplatten von John Coltrane, Ornette Coleman und Eric Dolphy zu hören. "Ich wollte ihr all die beste Musik zeigen", sagt er. Und eines Tages, als sie knapp zwei Jahre alt war, fiel ihr eine Melodie ein. "Wir spielten auf dem Klavier, und sie spielte sie einfach immer wieder", sagt er. Aus dieser Melodie wurde der Song "Asha The First". Washington und seine langjährigen Bandmitglieder nahmen die Melodie auf und ließen einige Lücken offen, die ein potenzieller Gast füllen sollte. " In Leimert Park, wo ich aufgewachsen bin, ist die Schnittmenge zwischen Jazz und Hip-Hop sehr groß". Also zog er Taj und Ras Austin hinzu, das Rap-Duo Coast Contra und Söhne des L.A.-Rappers Ras Kass, die er beim Herumstöbern auf YouTube entdeckt hatte. Washingtons langjähriger Freund und Kollaborateur Thundercat ist ebenfalls auf "Asha The First" zu hören. Washington ist nicht der Einzige, der auf "Fearless Movement" mit den Konventionen bricht. Andre 3000, der vielleicht beste Stilist des Rap, spielt sein allererstes Flötenfeature auf "Dream State". "Fearless Movement" vermittelt ein Gefühl der Verbundenheit, das Washingtons Arbeit über die Zeit hinweg mit der Black Music in L.A. verbindet - von der Vergangenheit über die Gegenwart bis zur Zukunft. Auf dem entspannten und funkigen "Get Lit", bei dem es darum geht, das Licht in jedem von uns zu nutzen, um unsere Gemeinschaften aufzubauen, bringt Washington den legendären Bandleader George Clinton und den Rapper D Smoke für einen der coolsten Tracks des Albums zusammen. Dieses Ethos der Elastizität und der Möglichkeiten erstreckt sich auch auf die Mitglieder von Washingtons Band, von denen einige auf dem Album zu hören sind. Unter ihnen auch Sängerin Patrice Quinn, Saxophonist Terrace Martin, Bassist Thundercat und Schlagzeuger Ronald Bruner Jr., DJ Battlecat und BJ The Chicago Kid. Die stetige Bewegung und Flexibiltät verleiht den neuen Songs eine gewisse Geschmeidigkeit, sowohl thematisch als auch musikalisch.

METAL HAMMER - 8/10 review. FOR FANS OF : Lustmord, Om, Sunn O))) . “An exercise in freeform ambience, ritualistic repetition and the rapturous, womb-like power of bass…strange and affecting. We remain lucky to share in the great man’s vision.”

It’s a dream diary narrating a passage through Summer Isle where Flying Saucer Attack are wafting out of a window, a distant Fairport Convention are being remixed by dub master Adrian Sherwood, celestial scanners Tangerine Dream are trying to drown out Bert Jansch and Hawkwind are playing Steeleye Span covers, all prised out of time yet bound to its singularity.

Released periodically on three of 2024’s full moons – April 23rd’s Pink Moon, July 21st’s Buck Moon and October 17th’s Hunter Moon – the three-album cycle, “Triptych”, is (Steve Von Till from Neurosis) Harvestman’s most ambitious undertaking yet.

Guest musicians including Al Cisneros of Sleep / OM who plays bass on one track for each LP, of which he will also mix a dub version on the B-Side of each LP. Dave French of Yob, Sanford Parker and Wayne from Petbrick all make appearances.


Released periodically on three of 2024’s full moons – April 23rd’s Pink Moon, July 21st’s Buck Moon and October 17th’s Hunter Moon – the three-album cycle, “Triptych”, is (Steve Von Till from Neurosis) Harvestman’s most ambitious undertaking yet.

Guest musicians including Al Cisneros of Sleep / OM who plays bass on one track for each LP, of which he will also mix a dub version on the B-Side of each LP. Dave French of Yob, Sanford Parker and Wayne from Petbrick all make appearances.

It’s a dream diary narrating a passage through Summer Isle where Flying Saucer Attack are wafting out of a window, a distant Fairport Convention are being remixed by dub master Adrian Sherwood, celestial scanners Tangerine Dream are trying to drown out Bert Jansch and Hawkwind are playing Steeleye Span covers, all prised out of time yet bound to its singularity.

Bone White opaque + Black Galaxy effect vinyl in dub style jacket (jacket sleeve with centre hole cut out so label shows throug
Drawn to the megaliths, ruins and ancient sites mapped out along the British and European mainland’s geographical and psychic landscapes, the folklore and apocrypha forever resurfacing as portals from a rational world, “Triptych” is a meditation forged from traces and residues, and an hallucinatory recollection of artists who have tapped into that enduring otherworldliness embedded within us all.

Woven together from home studio recordings that span two decades, this fifth outing as Harvestman finds parallels with nature’s cycles not just in its release dates but in the repeated structure that binds each album, like an imprint refracted though three separate strata. “Part One”, as with the forthcoming Parts Two and Three, starts on a collaboration with Om bassist and long-term friend of Steve’s, Al Cisneros, with a dub take opening the B-Side. Here, the opening track “Psilosynth" orbits a grandfather-clock mechanism passing through a nebula haze, all waved on by an acid-fried deity. From there on, “Part One” journeys through the elegiac “Give Your Heart To The Hawk”, with the sampled poetry like a documentary retrieved from a long-lost world, Philip Glass wistfully attending a rescue beacon from the far corner of the universe on Coma, as well as percussion recordings performed by Steve and friend Dave French (drummer of Yob) on a rusted torn open stock tank outside Steve’s barn, treated bagpipes and old reel-to-reel recordings, all reiterated across the next volumes in ever more out-there contexts.

If “Triptych” is a multi- and extra-sensory experience, it extends to the remarkable glyph-style artwork of Henry Hablak, a map of correspondences from a long-forgotten ancient and advanced civilization. As with “Triptych” itself, it’s an echo from another time, an act of binding, a guide to be endlessly reinterpreted, and a signpost to the sacred that might not indicate where to look, but how.

Das vierte Album Forgiveness Is Yours der Fat White Family um die Brüder Lias und Nathan Saoudi ist ein eklektisches, chaotisches und doch immer kohärentes Album, das keine Gefangenen macht.

Fat White Family sind zurück. Das lang erwartete vierte Album der Kultband aus dem Süden Londons, Forgiveness Is Yours, hat sie, wie alles, was sie bisher gemacht haben, noch mehr an die Grenzen ihres kreativen Talents, hrer Gesundheit, ihres Verstandes und ihrer eigenen Existenz gebracht. Die äußeren Feinde haben sich aufgelöst - vielleicht waren sie die ganze Zeit nur Halluzinationen. Nach der Veröffentlichung von "Serfs Up!" zementierten Fat White Family ihren Ruf als archetypische britische Post-Punk-Band des 21. Jahrhunderts - und brachten eine ganze Generation von Außenseiter-Punkrock-Gruppen hervor, von Shame und Black Country über New Road bis hin zu Black Midi und Fontaines DC, ganz zu schweigen von ihrer berüchtigten Live-Show, die es irgendwie schafft, Empörung und Chaos mit Gelassenheit und Schönheit zu verbinden. Das vierte Album Forgiveness Is Yours der Fat White Family um die Brüder Lias und Nathan Saoudi ist ein eklektisches, chaotisches und doch immer kohärentes Album, das keine Gefangenen macht.

Das vierte Album Forgiveness Is Yours der Fat White Family um die Brüder Lias und Nathan Saoudi ist ein eklektisches, chaotisches und doch immer kohärentes Album, das keine Gefangenen macht.

Fat White Family sind zurück. Das lang erwartete vierte Album der Kultband aus dem Süden Londons, Forgiveness Is Yours, hat sie, wie alles, was sie bisher gemacht haben, noch mehr an die Grenzen ihres kreativen Talents, hrer Gesundheit, ihres Verstandes und ihrer eigenen Existenz gebracht. Die äußeren Feinde haben sich aufgelöst - vielleicht waren sie die ganze Zeit nur Halluzinationen. Nach der Veröffentlichung von "Serfs Up!" zementierten Fat White Family ihren Ruf als archetypische britische Post-Punk-Band des 21. Jahrhunderts - und brachten eine ganze Generation von Außenseiter-Punkrock-Gruppen hervor, von Shame und Black Country über New Road bis hin zu Black Midi und Fontaines DC, ganz zu schweigen von ihrer berüchtigten Live-Show, die es irgendwie schafft, Empörung und Chaos mit Gelassenheit und Schönheit zu verbinden. Das vierte Album Forgiveness Is Yours der Fat White Family um die Brüder Lias und Nathan Saoudi ist ein eklektisches, chaotisches und doch immer kohärentes Album, das keine Gefangenen macht.