quête:immer

Erstmals auf Vinyl: Das On-U Sound-Album des legendären Trompeters Harry Beckett, einer Schlüsselfigur der britischen und europäischen Jazzszene, das 2008 nur als CD erschien. Kein geringerer als Charles Mingus nahm Beckett in seine Band auf, es kam zu Kollaborationen mit Zeitgenossen wie Dudu Pukwana, Graham Collier, Mike Westbrook und Ian Carr, Beckett inspirierte eine ganze Generation jüngerer Musiker (Courtney Pine) und Trendsetter (Gilles Peterson). Teilnehmende Musiker waren Junior Delgado (mit starker Vocalperformance), Carlton "Bubblers" Ogilvie (Veteran der UK-Reggae-Szene) und Alan Glen (Yardbirds!).

- "Becketts Genialität besteht darin, dass er sich selbst immer treu bleibt, egal mit wem er auftritt. Seine sprudelnden, sprudelnden, improvisierten Melodien heben immer die Stimmung. „The Modern Sound Of Harry Beckett“ ist ein großartiger Klanggenuss." - The Guardian

- "Sherwoods Produktionsstil schafft hier eine perfekte Balance zwischen klanglicher Kreativität und respektvoller Zurückhaltung, und Beckett selbst ist brillant und kreiert Bläserlinien, die sich durch die Rillen schlängeln und schlängeln, anstatt auf ihnen zu reiten. Etablierte On-U Sound-Fans werden dies als unterhaltsame Kuriosität empfinden; Harry Beckett-Fans werden es vielleicht aufschlussreich finden."

2024 Repress

Seasons are changing - energy is shifting. The next Frenzy release is here, presenting the next-best-local talent on the block: Levzon. This born-to-be gearhead from the outskirts of Amsterdam began experimenting with electronic music as a youngster. Immersing himself in a variety of genres throughout his early years, he decided to take the next step and provide an output for his vision on techno as 'Levzon'. For our next Frenzy adventure, he is going all out for the first time, profiling his sound through a 4-track heavy-hitting EP with old-school-induced cuts and loopy basslines, including two remixes by like-minded associates.

Imagine an era where speed has no limit and the night knows no dawn. That's about the atmosphere 'Mambata' is creating at the start of the A-side. Followed by drum-led 'Bang the Drums', Levzon continues to ride the wave of heat, pressure, and movement. The adventure doesn't end here yet: talent on the rise Phil Berg is providing a perfectly executed dubby remix of 'Bang The Drums' Enter the B-side where a body-heavy peak time experience is awaiting you with 'Baraa'. A true weapon on the dancefloor. At the end of his story, Levzon leaves us with the beautifully composed 'Baila', casting a subtle rhythm of basslines with funk-induced vocals within a more subtle tempo. To close off the record in style, Ruiz OSC1' provides a remix of 'Baila' - throwing her 90s rave techniques into the battle.

Boudica is proud to present their first record of 2024, featuring an artist who holds a special place within the platform - none other than DJ and producer Wallis.
DJ, live-act and former mastering engineer, Wallis speaks for a generation searching for novelty and emotion in the electronic music realm.
Sharp engineering skills coupled with a unique approach to sound design allowed her to develop a trademark sound. Using an array of synthesisers, effects units, and experimental studio techniques, Wallis produces melancholic electronic music rapidly shifting between different patterns and atmospheres.
She tours as a DJ and Live Act around the world, having played large festivals such as DGTL or renowned clubs like Berghain, and will happily play at a large stage one day but at a small intimate sweaty basement the next.
In 2024, she started producing music for fashion shows and debuted that project by creating the music for the entire Natasha Zinko runway show at London Fashion Week February 2024.
The EP's opening track, "Hell is a Girl from Before (Rainy Summer Mix)," introduces a stirring blend of emotions. Starting with an emotional melody, accompanied by synths and a plucked instrument, it swiftly transitions into energetic segments driven by the drums. Vocals emerge, their words almost imperceptible, adding an intimate layer to the experience. The track maintains a steady pace, evoking the ambience of a rainy summer day. This creates a melancholic yet hopeful mood, transporting listeners through a journey of introspection.
As "Protect Me From My Friends" unfolds, it feels like being whisked away to a new dimension, greeted by otherworldly, robotic sounds. The introspective journey of the previous track mutates into raw emotions, driven forward by a relentless bassline. Clear vocals take the forefront, guiding the listener through the sonic landscape, only to be interrupted by the commanding presence of the bassline, which assumes the main character role.

In "Sleeping Pills Are Gone," an atmospheric and gloomy introduction is abruptly interrupted by an acid and hefty bassline that dynamically evolves throughout the track, plunging the listener into an eyes-open dream born of a sleepless night. The vocals echo the track's title, creating a haunting repetition. Wallis strategically grants brief breaks, constructing a powerful crescendo that heightens the experience. These are momentary escapes before immersing the listener once more into the hypnotic trance induced by the solid four-to-the-floor march.
Closing the EP with a striking finale, "Teenage Apocalypse" introduces a clunky melody that encapsulates the signature sound of the record. Characteristic vocals weave throughout, guiding the listener towards the track's crescendo. Driven by a flawless fusion of drums, the song transitions seamlessly into a powerful breakbeat moment, accompanied by yet another impeccable bassline. True to its title, it evokes the intensity of a day of judgment, leaving a lasting impact as the EP draws to a close.
This EP is a testament to Wallis's growth as a producer and her fantastic storytelling ability through sound.
In the artist's words: "Sometimes life takes a weird turn. Angry, confused and dealing with moral: this EP targets the pain and absurdity of attachment and strongly themes Gregg Araki's teenage apocalypse trilogy. The artwork poem plastered on the wall was written by wallis."

Was haben Purcell und Mozart gemeinsam - die Ostinati, Melodien und Tänze des englischen Barockkomponisten einerseits und die Klavierwerke der Wiener Klassik andererseits? Eine ganze Menge, wenn sie von
Grigory Sokolov gespielt werden. Seine jährlichen Frühjahrstourneen sind zu Pilgerreisen für seine Fans
geworden. Die gesamte Saison 2022/23 widmete er Purcell und Mozart (ergänzt durch fünf Zugaben), und
dieses Live-Album offenbart ihre überraschenden Ähnlichkeiten in Charme und Melancholie. Die Presse war
begeistert: „Sokolov behandelt jede Note wie ein kostbares Juwel, entführt seine Zuhörer in eine andere
Zeit und bleibt dabei zeitlos“ (Der Standard). „Unendlich fesselnd“ (Süddeutsche Zeitung); „Sein Anschlag: exquisit, konzentriert, funkelnd, leuchtend“ (rbb online); „Dieser kolossale Künstler verblüfft immer
wieder.“ (Scherzo).

Never say never! Because it's time for TURMOIL - a surprising landmark album comeback for RICO PUESTEL defining a musical and personal turning point with a completely new and re-invented artistry. About time!

4U opens the Pandora's Box of TURMOIL with inimitable meditative beauty, descending into the metaphorical and tonal SLICES OF LIFE that unleashes a complex chain of energy while WHERETO even overcomes this high voltage setup with a deadly infective loop and the only reminiscences of something to call Techno on this album in its fading conclusion.
Before HEART OF GOLD defines the probably most immersive peak on TURMOIL with its vast soundscape and mantra-like piano shuffle, QUESTIONS floats in Dubstep'ish ways to actually raise two questions to the listener while this train keeps on going.
FIVE SIGNS speeds up the pace on the album's second half, culminating in the mesmerizingly driven groove and words of HIGH HOPE and the powerful Upbeat drenched into ambient soundscapes on NEWTON.
Nearing the end of TURMOIL, DUMB delivers the longest vocal verses on this album and proceeds with the most pervasive and powerful layers of beats, violins and synth stabs.
Closing and re-starting all of it, EVERENDING grooves into infinity with its yoga-like theme and spreads some true love.

Without a doubt, TURMOIL happens to be the most accomplished work by RICO PUESTEL melting so many of his artistic worlds into one unique piece of art!

"Immense Intense Suspense" war und ist immer noch ein Meilenstein des Death Metal, heute noch genauso relevant wie 1994!Was erhält man, wenn
man Demilich, das erste Album/EP von At The Gates und Nocturnus in einen Mixer gibt, um sie in ein gewaltiges, abscheuliches Monster zu
verwandeln, das die Majorsciences zum Weinen bringt und sie sich fragen lässt, warum man etwas erschaffen hat, das sie so herausfordert? Nun...
dies. In der Tat scheint dies das Einzige zu sein, was einer auditiven Form von Cthulhu nahe kommt... Das Full-Length-Debüt dieser
Doom/Avantgarde-Metal-Band bietet sowohl Originalität als auch Integrität und wird als klassisches Album angesehen.Phlebotomized begannen als
Grindcore-ähnliche DeathMetal-Band und veröffentlichten ihre frühen Demos, die so klangen. Irgendwann beschloss die Band, ihren Stil zu ändern,
denn "Immense, Intense, Suspense" legt Wert auf Melodien und symphonische Passagen. Das tat der bösen, bedrückenden Stimmung, die sich durch
die Musik zieht, keinen Abbruch. Das Album nimmt auf, was Demilich auf "Nespithe" geschrieben hat und baut darauf auf.

Der Multi-Instrumentalist Nate Mercereau hat sein neues Album Excellent Traveler auf Third Man Records angekündigt. Das phantasievolle Album
besteht aus einer Vielzahl von Sounds, die Mercereau auf seinen Reisen, in seinem Alltag und bei seinen Studiosessions mit Künstlern wie André
3000, Shabaka Hutchings, Kamasi Washington, Carlos Niño und anderen aufgenommen hat.
Als kreativer Künstler an der Spitze des modernen Klangs setzt Mercereau gitarrengesteuerte Samples und Synthesizer ein, um eindringliche,
multidimensionale Landschaften zu schaffen, und lädt den Hörer ein, unendliche Räume der Möglichkeiten zu erkunden.

Die Band, die ihre ursprünglichen Wurzeln im Thrash-Metal und Screamo immer noch stolz auf ihren Ärmeln trägt, hat ihren Sound stetig weiterentwickelt und euphorische Elemente aus Post-Rock und Shoegaze mit spektakulärem Effekt eingebaut. "Eunoia", ein Wort, das das gegenseitige Wohlwollen zwischen einem Redner und seinem Publikum beschreibt, nimmt diese Dichotomie von Ruhe und Chaos auf und destilliert sie noch weiter, indem es die Band wirklich in ihrem Element zeigt, sowohl auf der Bühne als auch im Studio. Das Album besteht nur aus Songs, die die Band auf der Bühne spielen kann und will. Es wurde um die Idee herum geschrieben, nach Hoffnung und Inspiration im täglichen Leben zu suchen, während man sich machtlos gegen das Gewicht der Welt fühlt. Die Leadsingle ,Beyond the Raindrops" war einer der ersten Songs, die für das Projekt geschrieben wurden, wurde aber erst in letzter Minute aufgenommen. Der epische Halftime-Groove und die schwebenden, klangvollen Gitarren sind ebenso melancholisch wie großartig, und Tetsus zu Herzen gehender Text wurde im Moment geschrieben, als ehrliche Antwort auf die eindringliche Melodie des Songs. In anderen Stücken wie Whiteout" werden die frenetischen Ursprünge von Envy mit einem pochenden Schlagzeugsolo, das eine stakkatoartige Post-Hardcore-Gitarrenarbeit einleitet, und einem Gesang, der wild zwischen gutturalem Gebrüll und einem Ansturm von gesprochenen Worten schwankt, kanalisiert. Der Eröffnungstrack 'Imagination and Creation' wird von ENVY als ,ein Schritt vorwärts in die Zukunft, der die Vergangenheit als Nahrung nutzt" beschrieben. Blastbeat-Drums und kreischende Gitarren treiben eine trotzige und ansteckend hoffnungsvolle Gesangsmelodie ins Ungewisse, während eine Band mit einer so geschichtsträchtigen Vergangenheit lernt, das Jetzt zu schätzen, um sich für das zu wappnen, was als nächstes passiert. "Eunoia", ENVYs achtes Album, ist wahrhaftig ein Meilenstein; die perfekte Balance zwischen Aggression und Begeisterung, in der das wiederbelebte Lineup der Band ein latentes Gefühl der Machtlosigkeit angesichts einer zerbrochenen und zunehmend gespaltenen Welt erforscht.

Die Band, die ihre ursprünglichen Wurzeln im Thrash-Metal und Screamo immer noch stolz auf ihren Ärmeln trägt, hat ihren Sound stetig weiterentwickelt und euphorische Elemente aus Post-Rock und Shoegaze mit spektakulärem Effekt eingebaut. "Eunoia", ein Wort, das das gegenseitige Wohlwollen zwischen einem Redner und seinem Publikum beschreibt, nimmt diese Dichotomie von Ruhe und Chaos auf und destilliert sie noch weiter, indem es die Band wirklich in ihrem Element zeigt, sowohl auf der Bühne als auch im Studio. Das Album besteht nur aus Songs, die die Band auf der Bühne spielen kann und will. Es wurde um die Idee herum geschrieben, nach Hoffnung und Inspiration im täglichen Leben zu suchen, während man sich machtlos gegen das Gewicht der Welt fühlt. Die Leadsingle ,Beyond the Raindrops" war einer der ersten Songs, die für das Projekt geschrieben wurden, wurde aber erst in letzter Minute aufgenommen. Der epische Halftime-Groove und die schwebenden, klangvollen Gitarren sind ebenso melancholisch wie großartig, und Tetsus zu Herzen gehender Text wurde im Moment geschrieben, als ehrliche Antwort auf die eindringliche Melodie des Songs. In anderen Stücken wie Whiteout" werden die frenetischen Ursprünge von Envy mit einem pochenden Schlagzeugsolo, das eine stakkatoartige Post-Hardcore-Gitarrenarbeit einleitet, und einem Gesang, der wild zwischen gutturalem Gebrüll und einem Ansturm von gesprochenen Worten schwankt, kanalisiert. Der Eröffnungstrack 'Imagination and Creation' wird von ENVY als ,ein Schritt vorwärts in die Zukunft, der die Vergangenheit als Nahrung nutzt" beschrieben. Blastbeat-Drums und kreischende Gitarren treiben eine trotzige und ansteckend hoffnungsvolle Gesangsmelodie ins Ungewisse, während eine Band mit einer so geschichtsträchtigen Vergangenheit lernt, das Jetzt zu schätzen, um sich für das zu wappnen, was als nächstes passiert. "Eunoia", ENVYs achtes Album, ist wahrhaftig ein Meilenstein; die perfekte Balance zwischen Aggression und Begeisterung, in der das wiederbelebte Lineup der Band ein latentes Gefühl der Machtlosigkeit angesichts einer zerbrochenen und zunehmend gespaltenen Welt erforscht.

Einmal im Jahr muss uns GOAT den Weg weisen - das selbstbetitelte neue Album im Oktober 2024! Der Ouroborus - also das Symbol der Schlange oder des Drachens, der seinen eigenen Schwanz frisst - erscheint den einen als Ausdruck der Brutalität der Natur. Für andere, die gnostisch veranlagt sind, symbolisiert er die Dualität des Göttlichen und des Irdischen im Menschen. Am häufigsten wird er jedoch einfach als Symbol für die endlosen Zyklen von Tod und Wiedergeburt verstanden, die das Leben auf diesem Planeten kennzeichnen. In der Welt von Goat, dem geheimnisvollen und immer wieder neu belebenden Kollektiv, das mit seinem neuesten Album ein weiteres Abenteuer jenseits dieser Ebene der Realität erlebt, ist dieses Bild von großer Bedeutung: Die Band, die bereits Alben mit den Titeln Requiem und Oh Death veröffentlicht hat, beweist mit ihrem gleichnamigen Album erneut, dass Transzendenz und Metamorphose ihre Leitmotive sind. Mit Goat beschwört die stets unberechenbare Band rhythmisch getriebene Rituale in einem unverwechselbaren, erhebenden und schillernden Stil herauf, der die Tanzfläche ebenso wie den Geist zu beflügeln vermag. "One More Death" und "Goatbrain` sind spektakuläre Vorboten, die einen hedonistischen Geist verkörpern, der von prägnantem Funk angetrieben wird und von einer gnadenlosen Fuzz/Wah-getränkten Gitarre besessen ist. An anderer Stelle ist die Liebe der Band zum Hip-Hop der Treibstoff für den epischen Albumabschluss ,Ourobourus", der ansteckenden Gesang mit atemloser Breakbeat-Action im Stil von Lalo Schifrin verbindet. Und das bedeutet auch, dass wir am Ende, wie das älteste allegorische Symbol der Alchemie, wieder dort sind, wo wir angefangen haben. Wie Brad Dourifs Figur Hazel Moates in dem Film Wiseblood von 1979 sagt: ,Wo du herkamst, ist nicht mehr da. wo du dachtest, dass du hingehst, war niemals. Und wo du bist, ist es nicht gut, es sei denn, du kannst davon wegkommen". In Goats ewigem Jetzt der Erneuerung und Offenbarung gab es nie ein wirksameres Mittel zur Flucht. Limitiertes, schwarzes Vinyl!

Nach langer Wartezeit ist "Scott Matthew" - das selbstbenannte Debut des Singer-Songwriters aus 2007 nun endlich wieder erhältlich; und zwar nicht einfach nur wieder da, sondern als limitierte Special Edition in Blue colored Vinyl. Mit diesem Album wurde Scott Matthew schlagartig zu dem Namen, den man kennen muss - die FAZ sprach sofort von einer Ausnahmeerscheinung, der Rolling Stone zog den Vergleich mit dem frühen David Bowie, die Süddeutsche Zeitung fand diese Musik sanft, entrückt und hoch fliegend und ging soweit zu schreiben, hier ziele jemand auf das Universelle. Dass diese Einschätzungen richtig waren, kann man heute auch daran erkennen, wie gut diese Musik gealtert ist, nämlich gar nicht. Immer noch enthalten diese 11 Songs die Quintessenz dessen, was guter Pop-Musik ihren Unterhaltungs- und kulturellen Wert gibt: dass sie eingängig ist und gleichzeitig Tiefgang hat, dass sie Authentizität mit musikalischer Qualität verbindet, dass sie kleine und große Gefühle anspricht und aber sich und uns die Didaktik erspart. "Scott Matthew" ist zudem Startpunkt und Zeugnis dessen, was diesen Musiker zum Unikat macht - wir finden die sensiblen Arrangements, die traurig schönen Balladen-Texte, das tief-persönliche, die Ukulele, das akustische zarte und die Streicher, die Eleganz und den Schwulst und das Bescheidene, das Langsame. Eigentlich kann man Scott Matthew nicht verstehen, wenn man dieses Album nicht kennt. Und es ist zudem der heimliche Star und quasi Soundtrack des Films "Shortbus", der inzwischen zu einem Lieblings-Kultfilm der Independent-LGBTQ+ und Sex Positivity-Szene avanciert ist und zudem die Hommage an die Arty-Community des New York der Nuller-Jahre ist (und damit heute bereits nostalgiegeschwängertes Retro-Kino). Damit ist dieses Album Musik in seiner reinsten Form. Aber zugleich auch das Bindeglied zwischen Musik und Kunst und Popkultur und New York-Sehnsucht und Nostalgie und Cinema und LGBTQ+ und Mainstream und Arthouse. Und welches Album kann das schon von sich sagen. Und dabei so bescheiden bleiben.

Following a run of chamber recordings, Samuel Reinhard returns with a suite of electroacoustic collages.

"Movement", the New York–based composer’s latest offering, is built from notes softly held. In his ongoing investigation of musical duration, perception, and attention, Reinhard deemphasizes progress through an embrace of repetition and negative space, inviting listeners to linger in time. Instrumental recordings are arranged according to a predetermined system, iterating fragments of sound in overlapping intervals of various sizes. Delicately layered snippets of decaying piano are joined by cello (Leila Bordreuil), bass flute (John Also Bennett), double bass (Vincent Yuen Ruiz), baritone sax (Michael Biel), and harp (Shelley Burgon). This breadth of instrumentation, arriving as individual notes stretched and overlapped, is treated not as an opportunity for immersive coalescence, but rather a gentle augmentation of texture, free-floating counterpoint. Notes are accompanied by the traces of the bodies and actions that produce them: a hand pressing a key or an arm keeping a bow aloft; breath filling an instrument’s body or glancing off its surface; a string vibrating and then softening to stillness. In sum, we hear resonance in the process of being sustained, as well as in the release that follows.

The thirteenth drop from Curtis Electronix comes courtesy of veteran of the electronic music scene. Edward Upton has been producing music since 1994 and much has changed since he unveiled his debut release under the DMX Krew alias. Warp Zone LP showcases the great mastery of his studio, his technical expertise and his exceptional ability to create monolithic soundscapes using very few elements. Each layer contributes to a rich, immersive experience, each element resonates with depth, highlighting his deep understanding of club music, sonic texture and space.

»Chromacolor« is one of those records that immediately feels like home even though it is hard to locate stylistically. Written and recorded by Hanno Leichtmann in Berlin and Madeira between 2020 and 2022, it draws on rhythmic minimalism as a guiding principle and might call to mind organic, instrument-based ambient music, but also incorporates jazzy moments as well as Annie Garlids multi-layered vocals that permeate through these nine pieces.

The foundation for Leichtmann’s Chromacolor project was laid when the prolific Berlin-based producer, musician, and drummer borrowed a vibraphone and a Fender Rhodes from two friends. Combining their unique sonic affordances with those of a Guitaret, an electric lamellophone, he further expanded his sound palette by inviting other musicians—Anthea Caddy, Sabine Vogel, Tobias Delius, Els Vandeweyer, Sabine Ercklentz, Mike Majkowski, Andrei Ladeishchikov, Oona Farchy, Gonçalo Caboz as well as Rafael and Hugo Andrade—to play small but vital parts in the production of the album.

The opener »Kisses and Wine« masterfully sets the tone for an album that is as inviting as it is challenging. Working with relaxed repetitive rhythms, Garlid’s anthemic vocals and a sprinkle of saxophone and flute tones courtesy of Delius and Vogel, respectively, as well as tender piano notes played by Leichtmann, it evokes a lot with only few means: a certain melancholy, but also an elevated atmosphere that feels both exuberant and restrained.

Leichtmann’s elegant study of the power of repetition, minute rhythmic shifts and subtle use of melodic and harmonic elements creates ambiguities and polyvalences like these throughout the entire record, up until its understated finale, aptly titled »A Beautiful Day«—a drone-jazz piece, if you will, both longing and joyful.

As an album, »Chromacolor« is hard to pigeonhole, but rich and rewarding. All it takes is immersing yourself in it.

Mit The Hard Quartet hat sich eine Band zusammengetan, der man mit Blick auf ihre Mitglieder wohl den ein oder anderen Superlativ zuschreiben kann. Immerhin tummeln sich hier mit Stephen Malkmus, Matt Sweeney, Emmett Kelly und Jim White vier Musiker und Songwriter, die mit prägenden Größen des Indierocks assoziiert werden: Pavement, Chavez, Ty Segall, The Cairo Gang, Bonnie "Prince" Billy, Guided By Voices, Cat Power, Dirty Three und Bill Callahan sind nur ein Bruchteil der musikalischen Institutionen, bei denen die vier ihre Finger (und Stimmen) im Spiel haben. Über das selbstbetitelte Debüt von The Hard Quartet wird m Netz schon seit Bekanntwerden der Gründung der Band angeregt spekuliert: "Es ist einfach ein vertrauensvolles Umfeld, in dem alle bereit sind zu sagen: Komm wir werfen unseren ganzen Kram in einen Topf und machen daraus etwas Größeres", so die Band dazu. Dass es trotz der getrennten musikalischen Biographien so gut läuft, ist aber sicher auch der Tatsache zu verdanken, dass sich die Wege der Vier schon zuvor immer wieder gekreuzt hatten. "Ich habe eine geradezu vorzeitliche Geschichte mit Stephen und Jim", so Matt Sweeney. "Nun, zumindest reicht sie bis in die Neunziger. In jüngerer Vergangenheit war es dann Emmett, der einen wirklich tiefen Eindruck bei mir hinterlassen hat. So sehr, dass es die Art verändert hat, wie ich übers Spielen denke." Das Album vereint die Stärken von Malkmus, Sweeney, Kelly und White, oszilliert zwischen sonnigem Slacker-Rock und Noise-Experimenten und dürfte alle mit einem Faible für die goldene Ära des US-Indierock begeistern.

“Worldwide Heavy Industries Vol.1: A Bold New Vinyl Release fromFlux Musical Art and Brutal Forms Flux Musical Art and Brutal Forms have teamed up to release Worldwide Heavy Industries Vol.1, a groundbreaking vinyl that promises to push the boundaries of industrial and rhythmic music. This limited edition release, available in just 300 copies, offers an immersive exploration of mechanized soundscapes and futuristic themes. An Industrial Sonic Journey The album presents a compelling journey through industrial rhythms and dystopian landscapes, with each track showcasing a unique interpretation of the genre. On side A, Dominik Müller opens with “Too Many Posers,” delivering an intricate and immersive soundscape characterized by his signature depth and complexity. Following this, Ryuji Takeuchi’s “In Your Mind” introduces innovative rhythmic structures, adding a fresh and dynamic dimension to the release. The B-side features a powerful collaboration: 6SISS and Hypnoskull’s “Losss” combines intense rhythms with a raw, industrial edge, creating a track that is both abrasive and compelling. Low Order’s “Taste My Venom” delves into the darker and more experimental aspects of industrial music, bringing a raw, experimental touch. Closing the release is Skumring’s “CorpseRidden,” which blends precise rhythms with expansive sound design, offering a rich atmospheric quality that reflects his role as co-founder of Brutal Forms. With only 300 copies available, this limited edition vinyl is a coveted collector’s item. Each record features bespoke artwork that complements the album’s industrial theme. *Worldwide Heavy Industries Vol.1* is set to reach a global audience of dedicated collectors and fans. This release is more than just a vinyl; it’s a journey into a futuristic world through the lens of industrial music. For further details on track listings and purchasing options, visit Flux Webzine or the official websites of Flux Musical Art and Brutal Forms. Dive into this cutting-edge release and experience the forefront of industrial music with Worldwide Heavy Industries Vol.1.”
Hardware Emotions

With a remix and a compilation cameo already under his belt, Canadian figurehead Priori makes his Kalahari return for the debut proper. 3 squelchy incursions complete with a hefty remix from fellow Oyster Cult acolyte Sansibar.

Known for traversing breezy, horizontal zones, the NAFF co-founder sets downbeat and ambient concerns aside for the direct and propulsive. Expect insistent, urgent forays down the wormhole as nocturnal jaunts made of ritual and darkroom throb coalesce with meditative, essential rhythm.

This is fractal gear born from the the traditions of European, Japanese and American Mid-West techno; tunnelling and immersive, conjuring moments of ascension for the gathered masses.

Finishing on Sansibar’s meaty refit, the one-two punch of seismic kick and dry-as-bone snare propels Priori’s original in a whole new direction. .

We are excited to announce the creation of Dentelles Records, a new sub-label of Diki Records, founded by Greg All, the visionary behind the Les Dentelles Electroniques festival, known for its festive atmosphere and resounding successes.

To mark this debut release, Dentelles Records highlights the La Fontaine concept, a flagship event of Les Dentelles Electroniques, centered around House, Tech House, and Afro House sounds. This vinyl features four tracks created by the La Fontaine residents: Francesco Marra, Laurent Top, DJ Steven, and Greg All himself, capturing the very essence of the rhythms that make the most energetic parties come alive.

With this first vinyl, Dentelles Records immerses the listener in festive and enchanting grooves, reflecting the unique atmosphere of La Fontaine and offering a true dive into the world of these parties.

Kreaturen der Nacht sehnen sich in die 80er Jahre des letzten Jahrhunderts zurück. Post-Punk und New Wave stiegen zu glorreichen Höhen auf und diese epische Erforschung dunkler Klangwelten auf der Basis von harten Gitarren und treibender Elektronik fand auf allen alternativen Tanzflächen statt. Klangvolle Namen wie SISTERS OF MERCY, FIELDS OF THE NEPHILIM, DEPECHE MODE, JOY DIVISION, THE HUMAN LEAGUE, ULTRAVOX und viele andere funkeln noch immer in einem magischen Glanz. Zum Glück sind all die subtile Erotik, elektrisierende Spannung und die düstere musikalische Leidenschaft nicht für alle Zeiten verloren gegangen: Die Rettung naht mit SOROR DOLOROSA auf schwarzen Schwingen. Das vierte Album der Franzosen mit dem vielsagenden Titel "Mond" hat musikalische Reißzähne, die schon beim ersten Durchgang köstliches Klangblut sprudeln lassen. Der klassisch-dunkle Post-Punk findet sich ebenso wieder wie Wave-Elemente und ein überwältigender Drang, die Füße in ekstatischen Tänzen unter dem namensgebenden Mond bewegen zu müssen. Doch SOROR DOLOROSA gehen dabei keineswegs mit abgestandenem Nostalgie-Schlangenöl hausieren. Die nach Paris umgezogenen Veteranen haben das klassische Feeling mit dem massiven Sound des neuen Jahrtausends für einen neuen Höhenflug aufgerüstet. Die Idee, den Mix und das Mastering von "Mond" James Kent anzuvertrauen, erweist sich als hervorragender Schachzug. Der PERTURBATOR-Vordenker hat die üppige Produktion dieses epischen Albums mit einer vibrierenden Power und wohltuenden ätherischen Kühle aufpoliert. Textlich bleiben SOROR DOLOROSA dem seit ihrer Gründung im Jahr 2001 in der südfranzösischen Stadt Toulouse eingeschlagenen Weg treu. Die erstmals mit der "Severance" (2009) Debüt-EP manifestierten dunkel-romantischen und kathartischen Gefühlslandschaften lassen noch immer das Herz der Band schlagen. Die Inspiration für "Mond" stammt unter anderen aus den Federn von Dichtern und Schriftstellern wie William Blake und Edgar Alan Poe.