Source Code Memory is a deep and hypnotc house journey built around rhythm, memory and reconnecton. With this new EP, Marcus Raute explores the point where body, mind and dancefoor energy meet, shaping four tracks that move between spiritual refecton, raw groove and soulful release.
Opening track “Reconnect” features legendary Detroit visionary Abu Qadim Haqq, whose spoken words bring a symbolic and cosmic dimension to the record. Hypnotc percussion, warm organ textures and jazzy piano lines create a deep house atmosphere where storytelling and rhythm become one.
“Body Code” moves into a more direct dancefoor space, driven by stripped-back drums, rolling grooves and old-school house energy. On the B-side, “Inner Transmission” brings a warmer and more emotonal tone, with rich chords, vocal cuts and live Rhodes and organ improvisatons inspired by the depth of 90s deep house.
Closing the EP, Giomini reworks “Inner Transmission” into a powerful, tmeless house remix, keeping the soulful spirit of the original while pushing it further into club territory.
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Mit "1993“ veröffentlichen die Saarländer am 11.09.2026 ihr mittlerweile elftes Studioalbum – zehn neue Songs, roh, ehrlich und direkt aus der Brust. Ohne Umwege! Ohne Ausreden!
Wuchtige Riffs treffen auf eingängige Melodien, getragen vom unverkennbaren Gesang von Frontmann Pascal. Dazu Texte, die nicht gefallen wollen – sondern treffen. Die anecken, provozieren und Haltung zeigen. Kein unnötiger Schnickschnack, keine weichgespülten Floskeln.
"1993“ sagt, was gesagt werden muss – laut, klar und kompromisslos.
Seit Jahren zählen die "KrawallBrüder" zu den prägendsten Bands der deutschsprachigen Rockszene. Auch mit diesem Album machen sie unmissverständlich klar, warum ihr Name Gewicht hat.
Die Songs gehen sofort ins Ohr, bleiben im Kopf – und tragen genau das in sich, wofür die Band steht: Wut, Stolz und Zusammenhalt.
"1993“ ist mehr als nur ein Album – es ist ein Lebensgefühl, das nie verloren gegangen ist. Eine Haltung, die sich durch jeden Song zieht und live genauso explodiert wie auf Platte.
Lückenfüller? Fehlanzeige! Hier kommt ein Album, das brennt!
Die LP erscheint limitiert auf 500 Einheiten auf rot/schwarzem Vinyl in einem Inside-Out Gatefold-Cover.
Auf diesem Tonträger mit dem für "KrawallBrüder" eher ungewöhnlichen Namen „Stories of our life“ erwarten Euch 10 Songs, darunter einige der größten Hits der KB-Ära – komplett neu interpretiert in englischer Sprache.
Die Songtexte wurden von "Tim Steinfort" (Haymaker/Discharger) standesgemäß ins Englische übersetzt und von den Brüdern komplett neu eingesungen, wodurch die Songs eine ganz eigene, frische Atmosphäre bekommen, ohne ihre ursprüngliche Kraft zu verlieren.
Ein neues Kapitel in der Geschichte der vier Jungs aus dem Saarland? Wohl eher nicht! Dafür aber die logische Konsequenz auf die inzwischen auch international wachsende Fangemeinde.
Ein besonderes Sammlerstück für die geneigten Hörer – Streng limitiert und sicher schnell vergriffen!
Die LP streng limitiert auf 400 Einheiten auf weiss/blau/rot marmoriertem Vinyl im Inside-Out Gatefold Cover.
Klar, die Mitglieder von Pegboy waren schon in anderen Bands. Manche würden sie vielleicht sogar als ,wegweisend" bezeichnen. Man würde erwarten, dass Pegboy allein aufgrund ihres Werdegangs beträchtliche Aufmerksamkeit auf sich ziehen würden (Gitarrist John Haggerty war bei Naked Raygun, Schlagzeuger Joe Haggerty spielte bei Bloodsport und Effigies, und Sänger Larry Damore sowie Bassist Steve Saylors waren bei den Bhopal Stiffs). Ihr erstes Album ,Strong Reaction", das ursprünglich 1991 erschien, zeigte, dass die Band ihr beachtliches Gespür für knallharten, melodischen Punk in Songs wie ,Superstar" und ,What To Do" verfeinerte und sich gleichzeitig an ein mitreißendes Instrumental wie ,Locomotivelung" wagte - so würden Slayer klingen, wenn sie sich die Haare schneiden lassen und einen Job annehmen würden.
Originally released in 2013 this beautifully marbled limited edition 7“ sees Leipzig's longstanding underground activist Tlic explore rather frosty sonic territories, combining expertly
shaped glitched-out Electronica x IDM structures with Cold Ambient-infused atmospheres and heavy Industrial x Rhythm Industrial structures for all those who reference heavy cuts
like 'Dodeccaheedron' or 'Isoprophlex' as some of the best tracks ever written by Aphex Twin. Only the headstrong survive.
Never officially distributed before and available limited quantities only.
Limited edition of 300 copies. 33 rpm. Light blue marbled vinyl. Special die-cut polar bear
fold cover
Entstanden aus nächtlichen Harmonien, geteilten Sprachmemos und einer langjährigen Freundschaft, die auf gegenseitiger Bewunderung basiert, haben Haley Blais und Sam Lynch die Supergroup True Mountain Laurel gegründet. Ihr Debütalbum ,Angel So Bad" ist eine zarte, staubige Erkundung all der Gefühle, die durch die Maschen fallen. Das Projekt, das zu gleichen Teilen aus folkiger Träumerei und countryhafter Sehnsucht besteht, schöpft aus ihren jeweiligen Solokarrieren. Sams poetische Selbstreflexion und Haleys messerscharfe, intime Texte verschmelzen zu etwas Sanfterem, Seltsamerem und ganz Eigenem. Beeinflusst von Künstlern wie Gillian Welch, Lucinda Williams und kanadischen Singer-Songwritern der frühen 2000er geht es bei dem Projekt weniger um das Genre als vielmehr um das Gefühl. Akustikgitarren, mit Besen gespielte Drums, Pedal Steel und gelegentlich klirrendes Klavier untermalen Texte, die wie Tagebucheinträge wirken, ohne bekenntnishaft zu sein: Sie fangen den Schmerz des Älterwerdens ein, das seltsame Gefühl, immer noch mehr zu wollen, und die Freude, in der Stimme eines anderen ein Zuhause zu finden. Diese Songs haben eine Lässigkeit, die bewusst wirkt. Während Sams Solowerke eher filmisch und atmosphärisch sind und Haleys eher clever und orchestral, treffen sie sich hier in der Mitte: warm, minimalistisch und ein bisschen rau an den Kanten. Live nimmt das Projekt eine noch intimere Form an - ohne Setlists oder starre Arrangements. Einfach zwei Freunde, die die Wahrheit singen, so wie sie sie an diesem Abend empfinden.
Nach 17 Jahren Band-Bestehen veröffentlichen Suralin ihre erste 7-Inch. Zeitgemäß, möchte man zynisch anmerken, aber darum hat sich die Chemnitzer Band generell nie geschert. Every Day Slices Me enthält vier neue Songs, getragen vom Motorik-Beat im Spannungsfeld von krautig-stringentem Postpunk-Pop-Etc. Ein kompaktes, stimmiges Release, das den Facetten- Reichtum der Band zeigt. Das sanft treibende "The Sentiment's a Lie", gehüllt in eine warme, süßliche Decke aus Melancholie, begleitet von Zeilen zwischenmenschlicher Entfremdung, steht Songs wie dem fordernden "Driving Home" gegenüber, dass auf dem Weg nach Hause den Tod findet. Es sind die gegensätzlichen Emotionen und Stilmittel, die Suralin in den vier Songs verbindet und daraus eine ganz eigene Spannung und Intensität entstehen lässt.
Swedish speed/thrash metal newcomers XION are set to release their second album, *When Stars Collide*, on 11 September via Fireflash Records. XION’s fresh blend of speed and thrash metal sounds unique, and you can clearly sense the power, dedication, boundless energy and ambition of this young band.
The quintet was formed in 2022, when some of the members were still under 18, yet they were already playing with the same precision and energy as more established metal bands. Since then, the band from Falun – the hometown of acts such as SABATON, BROTHERS OF METAL, TWILIGHT FORCE and others – has taken the world by storm. The combination of the members’ young age and their extremely precise and virtuosic musical skills has made XION one of the most interesting and promising newcomers on the Swedish metal scene in many years.
Mit der auf Metalville erschienenen LP "Godslave Limited Clear W Orangegreen Marble Vinyl Edition" präsentiert Godslave das nächste Level seiner Kreativität, bleibt aber im Großen und Ganzen seinem Stil treu. Godslave sind eine deutsche Thrash‑Metal‑Band, die sich durch geradlinige, riffgetriebene Kompositionen und eine ausgeprägte Nähe zur klassischen Teutonen‑Thrash‑Tradition auszeichnet; prägnante Lead‑Parts, treibende Rhythmusgitarren und rauer Gesang prägen das Klangbild. Die Arrangements setzen auf klare Strukturen, schnelle Tempiwechsel und gezielte melodische Einsprengsel, wodurch die Stücke zugleich eingängig und kraftvoll wirken. Live hat die Gruppe einen Ruf für energetische Auftritte, die die rohe Aggressivität der Studioaufnahmen unmittelbar transportieren. Auf ihren Veröffentlichungen bei Metalville zeigt die Band immer wieder, wie sich traditioneller Thrashsound mit moderner Produktion verbinden lässt, ohne die ursprüngliche Direktheit zu verwässern. Diese Edition wendet sich an Hörer/innen, die Wert auf handfeste Gitarrenarbeit und unverblümte Songstruktur legen.
Florida Punx & Skins - Working Class Oi! with Rock'n'Roll Attitude. Ihr Debütalbum nun auch in Europa. Manche Bands brauchen Jahrzehnte, um ihren Sound zu finden. ACTA NON VERBA hatten ihn vom ersten Song an. Zwar erst 2023 gegründet, bringen die vier Musiker zusammen weit über zwanzig Jahre Erfahrung aus der Oi!- und Streetpunk-Szene mit. Das Ergebnis ist ein Debüt, das klingt, als hätte es nie einen anderen Weg geben können. Working Class Oi! aus Florida trifft auf europäische Vinyl-Leidenschaft. Nach dem US-Release ist das selbstbetitelte Debüt nun erstmals auch offiziell in Europa erhältlich. 9 Track LP, 300 Stück 180 gr. weisses Vinyl, handnummeriert, mit Einleger
Diese Neuauflagen enthalten neu remastertes Audiomaterial: Toningenieur Kevin Vanbergen hat sich erneut die ursprünglichen analogen Bänder der Band vorgenommen, um atemberaubende neue Master zu erstellen, die auf spannende Art und Weise weitere Facetten dieser absoluten Klassiker der Musikgeschichte offenbaren. "Bossanova" ist das dritte Album der Pixies. Die Band arbeitete weiterhin mit Gil Norton zusammen, nachdem die Zusammenarbeit an ihrem mit Platin ausgezeichneten zweiten Album "Doolittle" so erfolgreich verlaufen war. Als ihr drittes Album in ebenso vielen Jahren war das Jahr 1990 eine besonders fruchtbare Zeit für die Band, da Kim Deal auch mit The Breeders Erfolg hatte, die ihr Debütalbum "Pod" nur wenige Monate zuvor veröffentlicht hatten. Mit den Singles "Allison" (eine Hommage an den Jazz- und Blues-Pianisten Mose Allison), "Dig For Fire" und "Velouria" sowie dem ersten Cover-Song auf einem ihrer Alben, "Cecilia Ann" (im Original von The Surftones), zeigte "Bossanova" eine weniger ursprüngliche Seite der Band, wobei Surf- und Space-Rock in den Vordergrund traten. Textlich ist Black Francis noch rätselhafter, mit einem wiederkehrenden Science-Fiction-Thema, das sich durch das gesamte Album zieht und wiederum Vaughan Olivers klassisches Planetendesign für das Cover beeinflusste.
Vor 16 Jahren erstveröffentlicht, seit über 10 Jahren ausverkauft und nun endlich wieder auf Vinyl erhältlich: das "aktuelle" Album der unverwechselbaren Hotknives mit einer Tüte voller zuckersüßer Ska und Reggae-Bonbons, die süchtig machen. Ja, es wäre auch mal wieder "About Time" für ein neues Album, aber die 1982 formierte Brightoner Ska-Legende hat in fast 45 Jahren nur vier Studioalben veröffentlicht. Manchmal ist weniger mehr und jedes ihrer Werke besitzt zurecht weltweit Kultstatus bei Ska-Fans. Der 'Melody Maker' wählte das Quartett nicht umsonst unter die 5 wichtigsten britischen Ska-Bands überhaupt! Für "About Time" hat sich die Band nach Jahrzehnten wieder Verstärkung geholt und den typischen, Hammond-Orgellastigen "Happy Hotknives"-Sound mit druckvollen Bläsern auf ein neues Level gebracht. Der Opener "Harsh Reality" ist seitdem auch live das Startsignal für schweisstreibende Parties, zusammen mit sechs anderen Songs des Albums fester Bestandteil der Setlist und unterstreicht die Bedeutung des Albums bei Band und Fans der "Holsten Boys". Die 13 Songs sind dabei perfekt aufeinander abgestimmt und bieten eine enorme Vielfalt mit vielen musikalischen Einflüssen. Temporeiche Tanzflächenkracher im "typical british vibe" mit ihren Roots aus der zweiten Ska-Welle ("Bloody Beautiful", "Doing Alright"), jamaikanischer Rocksteady oder poppige Reggae-Nummern wie "Communication" (feat Dr. Ring Ding). Allen gemein ist jedoch die hochmelodisch, bittersüße und manchmal auch melancholische Ohrwurmgarantie, aufwendig und fett produziert von King Glover (Bad Manners, The Wailers). "The Hotknves" . "About Time" erscheint als 180g Collector's Edition in klassisch schwarzem oder farbigem Swirl Vinyl.
One year earlier, 50 years ago this December, THE HEARTBREAKERS arrived in London to join the Sex Pistols on the "Anarchy" tour. They spent most of 1977 there, recording "L.A.M.F." and cementing their status as elder statesmen of the punk movement. This last date of their 1977 European tour was to be their very last as a band - until the reunions. Drummer Jerry Nolan had already jumped ship; his substitute is The Clash"s Terry Chimes. The gig was filmed for a movie that was never to be - this is the soundtrack recording.
Diese Neuauflagen enthalten neu remastertes Audiomaterial: Toningenieur Kevin Vanbergen hat sich erneut die ursprünglichen analogen Bänder der Band vorgenommen, um atemberaubende neue Master zu erstellen, die auf spannende Art und Weise weitere Facetten dieser absoluten Klassiker der Musikgeschichte offenbaren. "Trompe le Monde" bildete den Abschluss einer goldenen Serie bahnbrechender Alben, die in rascher Folge erschienen und die Pixies als eine der besten Bands ihrer Generation etablierten. Der Titel "Trompe le Monde" bedeutet auf Französisch so viel wie "die Welt täuschen" und zeigte, dass die Band nach wie vor unermüdlich daran arbeitete, ihren Sound weiterzuentwickeln. Mit Produzent Gil Norton erneut am Ruder ist ihr viertes Album wohl ihr verspieltestes, mit Black Francis" Texten über UFOs und Verschwörungstheorien sorgen für eine schräge Atmosphäre, während sich Power-Pop einschleicht, um den auf dem Vorgängeralbum "Bossanova" etablierten Space-Rock zu verstärken. "Trompe le Monde" mit seinen 15 Tracks, ist eine 40-minütige Salve an Indierock, das heute zu den Klassikern des Genres gehört. Es erwies sich als das Ende des ersten Akts für die Band, die sich über ein Jahrzehnt Zeit nahm, bevor sie gemeinsam auf die Bühne zurückkehrte.
Vor 16 Jahren erstveröffentlicht, seit über 10 Jahren ausverkauft und nun endlich wieder auf Vinyl erhältlich: das "aktuelle" Album der unverwechselbaren Hotknives mit einer Tüte voller zuckersüßer Ska und Reggae-Bonbons, die süchtig machen. Ja, es wäre auch mal wieder "About Time" für ein neues Album, aber die 1982 formierte Brightoner Ska-Legende hat in fast 45 Jahren nur vier Studioalben veröffentlicht. Manchmal ist weniger mehr und jedes ihrer Werke besitzt zurecht weltweit Kultstatus bei Ska-Fans. Der 'Melody Maker' wählte das Quartett nicht umsonst unter die 5 wichtigsten britischen Ska-Bands überhaupt! Für "About Time" hat sich die Band nach Jahrzehnten wieder Verstärkung geholt und den typischen, Hammond-Orgellastigen "Happy Hotknives"-Sound mit druckvollen Bläsern auf ein neues Level gebracht. Der Opener "Harsh Reality" ist seitdem auch live das Startsignal für schweisstreibende Parties, zusammen mit sechs anderen Songs des Albums fester Bestandteil der Setlist und unterstreicht die Bedeutung des Albums bei Band und Fans der "Holsten Boys". Die 13 Songs sind dabei perfekt aufeinander abgestimmt und bieten eine enorme Vielfalt mit vielen musikalischen Einflüssen. Temporeiche Tanzflächenkracher im "typical british vibe" mit ihren Roots aus der zweiten Ska-Welle ("Bloody Beautiful", "Doing Alright"), jamaikanischer Rocksteady oder poppige Reggae-Nummern wie "Communication" (feat Dr. Ring Ding). Allen gemein ist jedoch die hochmelodisch, bittersüße und manchmal auch melancholische Ohrwurmgarantie, aufwendig und fett produziert von King Glover (Bad Manners, The Wailers). "The Hotknves" . "About Time" erscheint als 180g Collector's Edition in klassisch schwarzem oder farbigem Swirl Vinyl.
A first-generation Nigerian-American hailing from Katy, TX, singer-songwriter Blessing Jolie creates pop music that straddles the line between introspective indie-folk and R&B. Like Tracy Chapman and Alanis Morissette before her, her songs are stories steeped in the vulnerability and messiness of a young woman growing up– from experiencing love for the first time to the effects of imposter syndrome to finding your place in between cultures and expectations. "I watched all my old friends graduate college while I was still chasing a dream. I wondered who I would’ve been if I took the same four-year route—but I’m learning to stand by myself through clarity, mistakes, and every detour. My life is mine to build and experiment with however my heart leads." - Blessing Jolie on Software Developer "Software Developer" is the third single leading up to Blessing Jolie's debut album with Thirty Tigers, 20Teens.
Wenn man nur eine Coltrane-LP haben kann, sollte es diese sein!
Wie fasst man das Werk von John Coltrane zusammen? Eigentlich gar nicht. Zu groß ist die Spannweite zwischen Ballade und Ekstase, zwischen Blues, harmonischer Forschung, modaler Freiheit und jener
spirituellen Suche, die insbesondere sein späteres Werk bestimmte. Coltranes Vermächtnis sprengt alle
Grenzen. Von seinen Anfängen in Philadelphia bis zu seinen ekstatischen Vorstößen in musikalisches Neuland erweiterte Coltrane die moderne Musik immer wieder um neue Dimensionen.
Auf dem Impulse!-Label finden sich seine aufregendsten Werke. „Essential John Coltrane“ versammelt
jetzt auf zwei LPs im Gatefold-Sleeve beispielhafte Aufnahmen aus einem an Sensationen reichen Katalog
und nimmt den Hörer mit auf eine Reise durch die Impulse!-Klassiker „John Coltrane and Johnny Hartman“ (1963), „Impressions“ (1963), „Crescent“ (1964), „Live at Birdland“ (1964), „Duke Ellington & John
Coltrane“ (1963) und natürlich „A Love Supreme“ (1965). Hochinteressante Linernotes steuert Marcus J.
Moore bei, Autor von Büchern über Kendrick Lamar und De La Soul
Die Shubert Alley ist eine Straße im Theaterviertel von Manhattan in New York City und gilt als Zentrum
der Broadway-Theater. Für sein Album “Swings Shubert Alley” griff der Sänger Mel Tormé 1960 natürlich auf das Repertoire der vielen bekannten Kompositionen zurück, die Cole Porter, Stephen Sondheim,
Leonard Bernstein, Harold Arlen und andere Koryphäen des Genres für Broadway-Aufführungen geschrieben
hatten. Obwohl er dabei auch einige etwas balladeskere Nummern interpretiert, ist die allgemeine Stimmung von ungezügelter Begeisterung geprägt. Dazu trägt nicht zuletzt das fulminant swingende, elfköpfige
Orchester des Pianisten und Spitzen-Arrangeurs Marty Paich bei, mit dem Tormé hier so meisterhaft um
die Wette eifert. Die agile Band, in der hochkarätige Solisten wie der Altsaxofonist Art Pepper und der
Posaunist Frank Rosolino spielen, wird von dem Bassisten Joe Mondragon und dem Schlagzeuger Mel Lewis
angetrieben.
Neun Songs, gepresst auf 100 einseitig bespielte 12 Inches mit bedruckter B-Seite. New tricks by old pricks. Schnell, dreckig und verdammt eingängig - Gen-Y-Punk-Hymnen für Fans von Amphetaminen und all den großartigen Bands, deren Name mit "The" beginnt. Das namenlose Debüt ist der perfekte Einstieg in die Welt von Cheap Shots. Neun Songs voller Energie, rotziger Hooks und Melodien, die sich sofort im Kopf festsetzen. Die Band verbindet Punk, Garage und Power Pop zu einem Sound, der gleichermaßen vertraut wie eigenständig wirkt - als hätte man ihn schon einmal gehört, ohne genau sagen zu können, wann:
Born and raised in Kanagawa (Japan) Iu Takahashi is a sound artist based in Tokyo. She produces her own musical worldview mainly using synthesizers, ambient sounds, and voices.
Previously, Iu Takahashi pursued a career as a singer and since 2018, she has focused primarily on creating ambient music and provides her tracks to serve as background music for exhibitions or promotional videos.
Inspired by Japanese ambient music such as Hiroshi Yoshimura and Satoshi Ashikawa, Iu Takahashi creates some sounds works based on Japanese ambient music. As part of the "soundscape" concept, she always takes care to offer music that takes the listener’s thoughts and feelings into account, as well as music that resonates with the subconscious.
Symbiotical Records brings together Paris-based producer Dust Yard, whose classically trained background feeds into a sound spanning deep tech house and minimal dub, with Finnish dub techno veteran TM Shuffle, head of Vuo Records, who steps in for the remix. A tight, atmospheric EP rooted in dub house and deep house. Pressed on 140g black vinyl.
Zum 100. Geburtstag des legendären Komponisten Peter Thomas erscheint mit DER KOMMISSAR eine außergewöhnliche Sammlung seiner Musik für die gleichnamige ZDF-Kultserie (1969-1976) - jetzt auf exklusivem grünem Vinyl. Die stilprägende Serie gilt als Meilenstein der deutschen Fernsehgeschichte und überzeugt bis heute durch ihre atmosphärische Dichte und musikalische Vielfalt. Thomas verbindet klassische Filmmusik mit Beat, Soul und avantgardistischen Klangexperimenten zu einem einzigartigen Soundtrack. Neben bekannten Themes enthält die Veröffentlichung zahlreiche erstmals verfügbare Aufnahmen, darunter der Hit "Du lebst in deiner Welt". Ein faszinierendes Zeitdokument zwischen Krimi, Popkultur und musikalischer Innovation - ein Must-have für Sammler und Soundtrack-Liebhaber.
Houston/Denver's cumbia psicodélica architect reimagines two of the most loved songs in the global crate, Manu Chao's "Me Gustas Tú" (2001) and Childish Gambino's "Redbone" (2016), as a hypnotic dancefloor weapon spanning two eras in one groove. Limited to 300 copies on black wax, one pressing only, zero repress.
Fejd entstand 2001 aus einer einzigartigen Fusion des Folk-Duos Rimmerfors und Mitgliedern der Metal-Bands Pathos und Nostradameus. Verwurzelt in mittelalterlich angehauchten Folk-Traditionen, die mit alten akustischen Instrumenten gespielt werden, schloss sich Rimmerfors mit ihren Freunden aus Kindertagen zusammen, um einen Sound zu kreieren, der zwei Welten verbindet – indem er die Kraft des Heavy Metal mit den reichhaltigen Melodien und dem melancholischen Geist der nordischen Volksmusik verschmilzt. Nach Jahren der Vorfreude kehrt Fejd nun mit ihrem fünften Album „Nifelheim“ zurück. Von der ersten Note an werden die Zuhörer in eine Welt alter Legenden entführt, getragen von kraftvollen Arrangements und der bildhaften Sprache nordischer Melancholie. Mit ihrem charakteristischen Einsatz traditioneller Folk-Instrumente bekräftigt Fejd einmal mehr ihren Platz als einer der führenden Namen im Folk Metal.
Fejd entstand 2001 aus einer einzigartigen Fusion des Folk-Duos Rimmerfors und Mitgliedern der Metal-Bands Pathos und Nostradameus. Verwurzelt in mittelalterlich angehauchten Folk-Traditionen, die mit alten akustischen Instrumenten gespielt werden, schloss sich Rimmerfors mit ihren Freunden aus Kindertagen zusammen, um einen Sound zu kreieren, der zwei Welten verbindet – indem er die Kraft des Heavy Metal mit den reichhaltigen Melodien und dem melancholischen Geist der nordischen Volksmusik verschmilzt. Nach Jahren der Vorfreude kehrt Fejd nun mit ihrem fünften Album „Nifelheim“ zurück. Von der ersten Note an werden die Zuhörer in eine Welt alter Legenden entführt, getragen von kraftvollen Arrangements und der bildhaften Sprache nordischer Melancholie. Mit ihrem charakteristischen Einsatz traditioneller Folk-Instrumente bekräftigt Fejd einmal mehr ihren Platz als einer der führenden Namen im Folk Metal.
„Break or Breakthrough“ zeigt Zahna in Höchstform – mit kraftvollen Riffs, mitreißendem Gesang und der Durchbruch-Single „Defiler“ ft. Brian „Head“ Welch (Korn). Mit über 22 Millionen Streams und vier Wochen in den Top 40 der Active-Rock-Charts ist dies der erste Chart-Hit von XOVR Records. Das von Kellen McGregor (Memphis May Fire) produzierte Album liefert explosiven, cineastischen Hardrock.
One of Australia’s unsung house heroes Jeremy Joshua (AKA Avon Stringer) returns in time for Summer with a brand new vinyl-only release - 4 The Heads EP. From Latin groovers to Filtered Disco & Soulful House, these 4 joints will work poolside just as much as in the club.
7" collaboration between Felix Kubin and Bound By Endogamy who first met in 2024 at a Bongo Joe Records night at Petit Bain in Paris. Stück I explores the failures of a mechanical woman dreaming of perfection - or perhaps the reverse. Stück II takes the form of a prayer glorifying pesticides and those who generously distribute them.
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Flashbaxx returns to Groovers Traxx with the groove-packed “Birthday Party EP”, a four-track Disco House
journey built for the dancefloor. Blending classic House roots, soulful textures and infectious rhythms, the EP
showcases his most confident and groove-driven sound to date. This is timeless Disco House for late-night
moments and sweaty dancefloors.
Birthday Party EP dives headfirst into the groove, delivering four straight-up feel-good Disco House cuts built for
the dancefloor. Rooted in classic House traditions, the EP showcases his signature blend of groove-heavy
rhythms, soulful textures and infectious energy. The result of a year spent playing live, absorbing new
influences, digging deep in the crates, and sharpening studio craft, this EP captures Flashbaxx at his most
confident and groove-driven.
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There is a pivotal scene in “August in the Water” (dir. Sōgo Ishii, 1995) where the surface of a pool turns into a stone wall. The water that gave the protagonist's life its meaning becomes a threat. As you fall through this stone wall, you appear in a set of underwater coral-reef corridors, and one of the most beautiful musical themes begins to play: Aquatic Ambience, composed by David Wise for Donkey Kong Country (1994). It's a theme that represents the weightless vibe of your new deep-sea life, where you go about your mundane errands, collecting bananas while driving on a swordfish, or, as HerzMayhem put it: "Poor monkey... always swimming, never going anywhere..."
Synthetic Water Music is the second of three compilations, following Synthetic Bird Music and timed to mappa's 10th anniversary. As with the birds, it gathers friends of the label, artists who have released with mappa or played our shows. Most of the music is new, made to measure for this compilation, much of it from Central and Eastern European hands. Birds and water mix well, so please feel invited to play them together, creating your own environments.
Where the birds were in one flock, water is dispersed across four chapters. You live your life as a droppity drop: vapour in the heavens, condensing in clouds, falling into a swamp, trickling into the deepest sea.
Tlālōcān (Cassette 1, Side A)
A place of eternal spring, of aquatic energy that nourishes everything and allows all things to bloom. Bubbly and splishy-sploshy, it is full of dripping sounds and moist caverns (“Emerald Pool” by Pauline Anna Strom), a landscape filled with living fountains (“Oh, to be a Fountain” by Eva Sajanová) and winding streams that flow through the area, forming part of its organic architecture. It is also a paradise reserved for those whose deaths were water-related, where the aquatic and terrestrial beings live in symbiosis and perspectives shift rapidly, from observing a single droplet (Shakali, Lau Nau) to dew (Feronia Wennborg & Lucy Duncombe) and on to flowing currents (Visible Cloaks) that gradually transform into river music (Ursula K. Le Guin & Todd Barton).
Nephelora (Cassette 1, Side B)
A celestial anti-gravity sound world made of evaporation, steam and the formation of clouds, as if looking at “The Sky At The Bottom of the Well” (by Natalia Beylis) or at “The Cloud That Never Rains” (by Henrique Vaz).
If a cloud never rains,
it is not a cloud at all, but a veil that parches the earth with its gaze.
It generates only its own shadow —
a looming mass of suspended longing,
a sky that hoards but never yields,
a reservoir that swallows every river and returns nothing but echoes.
The water in this world is often invisible but sometimes all the more present, as Bint Mbareh describes it: “Recently been obsessed with invisible waters because I come from a place where you have to imagine the water is there even though you cannot see a river, a sea, usually no rain, so water is in the air, the voice and the imaginal realm, drought is imagined to be negotiable.”
Žaboglach Zha-bo-glahch (Cassette 2, Side A)
A fusion of Scottish lochs and Slovak ponds: a misty, foul-smelling, swampy realm, the kind of place that swallowed Artax from The NeverEnding Story. Stagnant waters full of decay become a blooming habitat for sirens (“thereby losing the weightless delight of being swept along with it” by Adam Badí Donoval) and beings straddling the line between fauna and flora, inventing their own communication systems (“Water-lily phase” by Action Pyramid).
R'lyeh (Cassette 2, Side B)
A brooding sunken city at the bottom of the ocean. It’s a journey to get there. Let this chapter guide you, from the shore down to the depths, to the gates of an unexplored world that is inherently dark, unfathomable, and beyond the limits of human perception: starting with seasickness ("Seasick" by Nikolaienko), passing through a classic Poe-esque maelstrom ("Flurry at the Whirl-pull" by Atte Elias Kantonen), a gateway into the darkness and emptiness of the ocean floor, and finally traversing the city itself (“last waves of 2025” by Jules Reidy).
But what is pulling you to a place like this that only a few explore and even fewer leave? Maybe “the darkness that water can contain, the expanse of things we don't know and that can trigger fear instincts even as we try to rationalise them and think we are in control of the rest of nature” (“supercritical fluids” by Diane Barbé).
Dive in and surface wherever you like. Always swimming, never going anywhere. Just don’t forget to take water breaks.
P.S. Birds, then water, can you guess what comes next? Synthetic Soil Music, an elegy for insects and worms? Synthetic Glaciers, or maybe Pollinators? Which sounds would you miss the most if they disappeared? Or what if the third one never comes at all, and somebody, or something, makes Synthetic mappa Music instead. Don't you worry, with the right training data, it can all be replicated, better than the real thing.
The compositions recorded here are a product of work with computers in synthetic speech, song and vocal sounds and were created between 1972 and 1975. The music was realized on two different computer music systems and takes advantage of, and attempts to extend and explore their features. The system employed to realize speech songs was created at the Bell Telephone Laboratories for research in synthetic speech and speech communication. Since the system was not designed for musical purposes, its limitations were severe and its musical use a great (and often rewarding) challenge. The system used for In Celebration and The Story of Our Lives was designed with the expressed purpose of creating synthetic musical voices, and was therefore much better suited to the task at hand. As with any high technology project, there was extensive collaboration in the production of the works.
The works on this disk are called computer music because the sounds were created numerically in a computer before reaching magnetic tape and loudspeakers. The computer did not compose the music. However, it was only used as a sound synthesis and analysis medium. In order to hear the sounds which are represented in the computer as successions of numbers it was necessary to attach a digital-to-analogue converter to the computer. The converter transformed the succession of numbers into a fluctuating voltage which was recorded directly on to audio tape.
The technique used to create the synthetic voices is called speech synthesis-by-analysis. For this method of speech synthesis, only those words, phrases and sentences which have been spoken into the computer previously (via an analogue-to-digital converter) may be synthesized. First the digitally-recorded speech is analyzed by programs which extract the attributes (parameters) of the speech for short time segments (.01 sec.). From these parameters the speech may be recreated in a form which resembles the original recording very closely. But for musical purposes the parameters are most often altered before synthesis. It is possible, for example, to change the natural pitch contour of the speech into a melodic line or to change the speech speed without altering the natural pitch level.
The variety of musical patterns which may be created from the analytic parameters is limited only by the composer's imagination. Most of the speech sounds on the recording were created by changing the pitch and duration attributes of the original on resynthesis, but for a few, the resonances (the formants) of the speech were altered as well. The voice of the book in The Story of Our Lives was created by replacing the program which simulates the sound of the human vocal cords with one consisting of 64 sine tones glissandoing at different rates. All the textures in which more than one voice is heard were obtained by mixing the synthetic voices together digitally.
Bei ihrer Ankunft in den USA anlässlich der ersten landesweiten Tournee von The Tubs sagte Frontmann Owen Williams gegenüber dem ,New Yorker": ,Wir sind hier, um das Land zu vereinen. Wir werden so etwa dreimal kommen. Bis dann, denke ich, wird dieser Ort anfangen zu heilen." Und genau das taten sie dann auch voller Freude: Sie quetschten sich in einen Transporter und durchquerten die Vereinigten Staaten kreuz und quer, um den Massen ihren literarischen, verschlafenen, lebensmüden, ,Nacht-deines-Lebens`- Hochseilakt zu präsentieren, als dieser am dringendsten gebraucht wurde. Den Tubs hat es nie an Ehrgeiz gefehlt - auf ,Hard Life" geht es ihnen darum, das ,Tub-ullar"-Erlebnis zu verkomplizieren. Nachdem sie ihre Chemie über zwei vorherige Alben, Hunderte von Auftritten und ein ständig wachsendes Universum von Bands aus dem Londoner Gob Nation Collective (The TSG, Sniffany & The Nits, Spike und Garden Centre) perfektioniert haben, dringt die in London ansässige keltische Jangle-Boyband - Williams (Gesang, Gitarre, Keyboards, Bass), Dan Lucas (Gitarre), Taylor Stewart (Schlagzeug) und Max Warren (Bass) - dringen noch tiefer in das schillernde Herz des virtuosen Indie-Rocks vor. Zu ihnen gesellen sich die regelmäßigen Mitstreiter Lan McArdle (Gesang), George Nicholls (Gitarre) und Rachel Kenedy (Keyboards), die alle schon seit den Tagen von Joanna Gruesome an verschiedenen Projekten im Umfeld von ,The Tubs" mitgewirkt haben; doch das Geheimnis der Üppigkeit von ,Hard Life" ist die Mitwirkung des Geigers Chris Haigh, eines Musiklehrers und Session-Musikers, der mit dem Steps-Hit ,5, 6, 7, 8" unauslöschliche Spuren im britischen Pop hinterlassen hat. In Anlehnung an Williams' Einsatz von Trillern in den Gesangsmelodien untermalt Haighs Geige den wehmütigen Gesang des Sängers wie ein blauer Fleck. Bei ,Stoop to Me", dem folkigsten und klimperndsten Popsong des Albums, ergänzen Haighs Licks Williams in seinen selbstironischsten Momenten - das schiefe Lächeln eines Mannes, der versucht, nicht zu zeigen, wie sehr ihn die unerwiderte Liebe verletzt. Beim Album-Opener und Titelsong ,Hard Life" ist es die Süße der aufsteigenden Geigenlinien im Mix, die die Härte von Williams' Texten mit den mitreißenden Hymnen von The Tubs verbindet. Die harte Linie, die Williams hier und an anderen Stellen auf ,Hard Life" einschlägt, stellt die Vorstellung vom typischen Tubs-Song weiter auf den Kopf. Die Figur, die den Hörern von ,Cotton Crown" und ,Dead Meat" vertraut ist - um Williams: ,die Nabelschau über romantische Erniedrigung, Londoner Elend und die Demütigungen von Trauer und Zwangsstörungen" - ist nach wie vor präsent, doch ebenso gibt es eine zweite Stimme, die härter und erfahrener ist. ,Die zweite Figur hat nicht viel Zeit für die erste", erklärt Williams, ,und hält ihm oft seine Selbstgefälligkeit und Unreife vor; manchmal zu Recht, manchmal zu Unrecht." Es ist dieser Nörgler, der auf der Lead-Single ,Who's Gonna Love You Now?" im Mittelpunkt steht. Seine Fragen - von der im Titel genannten bis hin zu konkreteren Sorgen wie ,Wer bezahlt die Miete?" - stehen in spöttischem Gegensatz zu Ideen wie dem Umzug in die Stadt und dem Beginn eines wirklich erfüllten Lebens. Obwohl Williams den Griesgram spielt, ist der Song ein echter Raver, bei dem Gitarren über einem von Orgelklängen erhellten Horizont erklingen. ,Es ist dein Leben", singt Williams, während das Leben unter ihm vor sich hin tuckert und dabei außerordentlich lebhaft klingt. Er hätte wohl wenig Mitgefühl für den liebeskranken Williams aus ,If You Don't Love Me" - verdammt, seine gesamte Existenz wirkt wie eine Warnung, dass die Art von romantischen Verstrickungen, unter denen man in jungen Jahren leidet, in Einsamkeit, Scheitern und einem Posteingang enden wird, der mit ungelesenen Substacks überfüllt ist. Auf ,Hard Life" streiten diese Stimmen, bedrängen sich gegenseitig, verschmelzen miteinander und lösen sich wieder voneinander, manchmal sogar im Laufe eines einzigen Songs. Sie sind zwei Seiten derselben Medaille, Menschen, die Trauer, Enttäuschung, Reue und Scham erlebt haben und als veränderte Menschen aus den Trümmern hervorgehen. ,Mich interessiert, wie Mitgefühl und Geduld für jemanden, der leidet, immer irgendwann zu Ende gehen", sagt Williams. ,Wie das sowohl etwas Gutes und Befreiendes als auch etwas Trauriges und Brutales sein kann. Aber im Grunde sind es einfach nur Popsongs." Exquisite, unwiderstehliche Popsongs. Man höre sie sich so lange an, bis die Heilung beginnt, und dann noch einmal.
Bei ihrer Ankunft in den USA anlässlich der ersten landesweiten Tournee von The Tubs sagte Frontmann Owen Williams gegenüber dem ,New Yorker": ,Wir sind hier, um das Land zu vereinen. Wir werden so etwa dreimal kommen. Bis dann, denke ich, wird dieser Ort anfangen zu heilen." Und genau das taten sie dann auch voller Freude: Sie quetschten sich in einen Transporter und durchquerten die Vereinigten Staaten kreuz und quer, um den Massen ihren literarischen, verschlafenen, lebensmüden, ,Nacht-deines-Lebens`- Hochseilakt zu präsentieren, als dieser am dringendsten gebraucht wurde. Den Tubs hat es nie an Ehrgeiz gefehlt - auf ,Hard Life" geht es ihnen darum, das ,Tub-ullar"-Erlebnis zu verkomplizieren. Nachdem sie ihre Chemie über zwei vorherige Alben, Hunderte von Auftritten und ein ständig wachsendes Universum von Bands aus dem Londoner Gob Nation Collective (The TSG, Sniffany & The Nits, Spike und Garden Centre) perfektioniert haben, dringt die in London ansässige keltische Jangle-Boyband - Williams (Gesang, Gitarre, Keyboards, Bass), Dan Lucas (Gitarre), Taylor Stewart (Schlagzeug) und Max Warren (Bass) - dringen noch tiefer in das schillernde Herz des virtuosen Indie-Rocks vor. Zu ihnen gesellen sich die regelmäßigen Mitstreiter Lan McArdle (Gesang), George Nicholls (Gitarre) und Rachel Kenedy (Keyboards), die alle schon seit den Tagen von Joanna Gruesome an verschiedenen Projekten im Umfeld von ,The Tubs" mitgewirkt haben; doch das Geheimnis der Üppigkeit von ,Hard Life" ist die Mitwirkung des Geigers Chris Haigh, eines Musiklehrers und Session-Musikers, der mit dem Steps-Hit ,5, 6, 7, 8" unauslöschliche Spuren im britischen Pop hinterlassen hat. In Anlehnung an Williams' Einsatz von Trillern in den Gesangsmelodien untermalt Haighs Geige den wehmütigen Gesang des Sängers wie ein blauer Fleck. Bei ,Stoop to Me", dem folkigsten und klimperndsten Popsong des Albums, ergänzen Haighs Licks Williams in seinen selbstironischsten Momenten - das schiefe Lächeln eines Mannes, der versucht, nicht zu zeigen, wie sehr ihn die unerwiderte Liebe verletzt. Beim Album-Opener und Titelsong ,Hard Life" ist es die Süße der aufsteigenden Geigenlinien im Mix, die die Härte von Williams' Texten mit den mitreißenden Hymnen von The Tubs verbindet. Die harte Linie, die Williams hier und an anderen Stellen auf ,Hard Life" einschlägt, stellt die Vorstellung vom typischen Tubs-Song weiter auf den Kopf. Die Figur, die den Hörern von ,Cotton Crown" und ,Dead Meat" vertraut ist - um Williams: ,die Nabelschau über romantische Erniedrigung, Londoner Elend und die Demütigungen von Trauer und Zwangsstörungen" - ist nach wie vor präsent, doch ebenso gibt es eine zweite Stimme, die härter und erfahrener ist. ,Die zweite Figur hat nicht viel Zeit für die erste", erklärt Williams, ,und hält ihm oft seine Selbstgefälligkeit und Unreife vor; manchmal zu Recht, manchmal zu Unrecht." Es ist dieser Nörgler, der auf der Lead-Single ,Who's Gonna Love You Now?" im Mittelpunkt steht. Seine Fragen - von der im Titel genannten bis hin zu konkreteren Sorgen wie ,Wer bezahlt die Miete?" - stehen in spöttischem Gegensatz zu Ideen wie dem Umzug in die Stadt und dem Beginn eines wirklich erfüllten Lebens. Obwohl Williams den Griesgram spielt, ist der Song ein echter Raver, bei dem Gitarren über einem von Orgelklängen erhellten Horizont erklingen. ,Es ist dein Leben", singt Williams, während das Leben unter ihm vor sich hin tuckert und dabei außerordentlich lebhaft klingt. Er hätte wohl wenig Mitgefühl für den liebeskranken Williams aus ,If You Don't Love Me" - verdammt, seine gesamte Existenz wirkt wie eine Warnung, dass die Art von romantischen Verstrickungen, unter denen man in jungen Jahren leidet, in Einsamkeit, Scheitern und einem Posteingang enden wird, der mit ungelesenen Substacks überfüllt ist. Auf ,Hard Life" streiten diese Stimmen, bedrängen sich gegenseitig, verschmelzen miteinander und lösen sich wieder voneinander, manchmal sogar im Laufe eines einzigen Songs. Sie sind zwei Seiten derselben Medaille, Menschen, die Trauer, Enttäuschung, Reue und Scham erlebt haben und als veränderte Menschen aus den Trümmern hervorgehen. ,Mich interessiert, wie Mitgefühl und Geduld für jemanden, der leidet, immer irgendwann zu Ende gehen", sagt Williams. ,Wie das sowohl etwas Gutes und Befreiendes als auch etwas Trauriges und Brutales sein kann. Aber im Grunde sind es einfach nur Popsongs." Exquisite, unwiderstehliche Popsongs. Man höre sie sich so lange an, bis die Heilung beginnt, und dann noch einmal.
2020 album from Colorado’s freewheelin’ melodist Josephine Foster. Revolving between her adopted Spain and her native American West, Josephine was stationed this spring in Nashville with maverick guitarist and comrade-in-arms Matthew Schneider. The result: ‘No Harm Done’, a spacious and enveloping love letter of an album. Eight new slow-burning songs branch forth from idiosyncratic country folk blues, sung with sibylline wit and a hint of the absurd, awash in sensually anachronic lyricism. “The Wheel of Fortune”, nearly a title track by virtue of its refrain: 'No harm will come/if there's no harm done', are words of a homebound wanderer finding refuge in healing stillness with her beloved, having 'time to kill' in the midst of 'hard times to feel at home'. All delivered with calm sagacity upon the pedestal of Mr. Schneider's pedal steel and underscored by a knowing trebled chorus in Foster's lower register. Going nowhere never felt like so righteous of a destination before. Devotion in all its permutations, spiritual to carnal, are seamlessly explored. In 'Conjugal Bliss', overtones of the 12-string and autoharp gently interplay, sounding like some unearthed Carter family wedding hymn (it bears the subversive subtitle '69' ) while 'How come, Honeycomb?' bounces low in the hips like a sultry old music hall number à la Harry Nilsson. The obliquely sapphic 'Leonine', it's unquiet harp scaling right out of ancient Lesbos, dreams of a kingless land; in 'Sure Am Devilish', a stargazer humbly confesses to a lowercase lord. 'Old Saw', the mesmeric album closer, is a medium's petition to cross the threshold and merge with the holy spirit. Josephine's enigmatic voice captured once more by frequent co-producer Andrija Tokic in his analog Bomb Shelter studio, where layers of her guitar, piano, organ entwine with Schneider's 12-string, pedal steel and electric bass to rouse a spectral yet full blooded band. The ensuing cycle of songs pulse and glow within the ruins and deep fundamental roots of American song. “Remarkable, ghostly music” The Guardian.
Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.
Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.
Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.
Tommy McCook was not only a founding member of the legendary Jamaican Ska group The Skatalites, but also a brilliant musical arranger. His informed understanding of Jazz, R&B and in fact most music styles would always add another layer to any song put his way. This made him the go to guy for most of the Jamaican producers, who would use his arrangement skills to pepper up their latest tunes.
Tommy McCook, (b1927, Havana, Cuba) came to Jamaica with his mother from Cuba aged 11 and entered renowned Alpha Boys School for underprivileged children, a school that placed great emphasis on musical tuition. At the tender of 14, such was his talent he has left to join Eric Deans Orchestra and took on stints with other bands led by Don Hinchman and Roy Coburn. All the bands played in the Swing and Jazz style of the times. He relocated to the Bahamas in 1954 where he further developed his Jazz technique and upon his return to Jamaica in 1962 began working Coxsone Dodd’s Studio One and became involved in the development of Ska. His knowledge of Jazz, R& B and Jamaican musical forms helped set the tone for the group of musicians he was working with and would name the Skatalites. The group, consisting of Don Drummond (Trombone), Roland Alphonso (Tenor Saxophone), Jackie Mitoo (Piano), Lloyd Brevett (Bass), Lloyd Knibbs (Drums), alongside Tommy himself on Tenor Saxophone. The group would back all the major Ska vocalists pf the day and would also go on to cut a catalogue of instrumental music. The Skatalites split up in 1965 and Tommy McCook moved over to work with Duke Reid’s Treasure Isle Studios where he formed The Supersonics. A set of musicians under his guidance that consisted of Lynn Tait and Ernest Ranglin (Guitar), Neville Hinds and Winston Wright (Organ), Gladstone “Gladdy” Anderson (Piano), Hugh Malcolm and Arkland “Drumbago” Parks (Drums), Clifton “Jackie” Jackson (Bass), and Tommy and Hernon Marquis (Saxophone). The more laid back sounds from 1966-1968 would be given the name Rocksteady of which again McCook was at the forefront. The top producers like Bunny Lee would use the musicianship of Tommy McCook and his arrangement skills to enhance this new sound.
We have compiled a great selection of rhythms that featured McCook blowing over tracks stripped of their vocals and replaced with some fantastic lead lines played by Tommy and some of his fellow horns men.
We hope you agree like we do that they do this in fine style.
Finnish prog-psych masterpiece Harvest Time by Elonkorjuu reissued in September The original pressing of Elonkorjuu's debut album Harvest Time is among the most valuable collector’s items in Finnish rock; its average price in 2026 is over 1200 euros, and even 1500 euros have been paid for a mint copy. Recorded almost entirely live and originally released in 1972, Harvest Time is a best kept secret for many Scandinavian Prog aficionados. Inspired by groups like Cream and Free with a more progressive and free-jam style, Elonkorjuu is one of the few bands that successfully progressed the whole heavy Blues/Psych Rock style in a way that made them unique and ahead of their time. Drawing influences initially from the schools of bands like Sabbath and Colosseum but expanding them with soulful church organ and cutting guitar from bandleader Jukka Syrenius, Harvest Time is entirely worth its reputation as a sought after treasure. A killer album from beginning to end. Heavy guitar work all over with great vocals sung in English, which is rare for a Finnish band of this era. After the sold out 2017 and 2021 reissues by Svart and due to a constant high demand, Harvest Time will be available on wax and CD again in September. If you have a place in your heart for the shadowy and mysterious world of early heavy progressive rock, then it’s probably Harvest Time for you!
Finnish prog-psych masterpiece Harvest Time by Elonkorjuu reissued in September The original pressing of Elonkorjuu's debut album Harvest Time is among the most valuable collector’s items in Finnish rock; its average price in 2026 is over 1200 euros, and even 1500 euros have been paid for a mint copy. Recorded almost entirely live and originally released in 1972, Harvest Time is a best kept secret for many Scandinavian Prog aficionados. Inspired by groups like Cream and Free with a more progressive and free-jam style, Elonkorjuu is one of the few bands that successfully progressed the whole heavy Blues/Psych Rock style in a way that made them unique and ahead of their time. Drawing influences initially from the schools of bands like Sabbath and Colosseum but expanding them with soulful church organ and cutting guitar from bandleader Jukka Syrenius, Harvest Time is entirely worth its reputation as a sought after treasure. A killer album from beginning to end. Heavy guitar work all over with great vocals sung in English, which is rare for a Finnish band of this era. After the sold out 2017 and 2021 reissues by Svart and due to a constant high demand, Harvest Time will be available on wax and CD again in September. If you have a place in your heart for the shadowy and mysterious world of early heavy progressive rock, then it’s probably Harvest Time for you!
