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,Warmer Than Gold", das neue Album von Ben Cooks Projekt GUV, ist ein Dokument eines Lebens in der Musik, ein kritischer und feierlicher Reisebericht, ein Versuch, die homogenen und statusbesessenen Zustände der heutigen Welt durch den Einsatz von großen Beats, großen Refrains und Verzerrung zu überwinden. Es ist ein Album, das unterwegs entstanden ist und überall Sinn ergibt. Vor allem aber leitet es mit seiner erweiterten Klangpalette und der Betonung von Breakbeats eine neue Ära eines Künstlers ein, der nie aufgehört hat, sich weiterzuentwickeln. Cook, der zwischen Toronto und England aufgewachsen ist, verfügt über eine angloamerikanische Authentizität, die ihn von der wachsenden Schar von Hardcore-Kids mit Windjacken und Pilzköpfen unterscheidet. Zwei der ersten Konzerte, die er im Alter von 12 Jahren besuchte, waren Oasis und Neil Young. Nach dem Konzert, erinnert er sich, dachte er: ,Ja, ich werde für immer Musik machen." Kurz nachdem er Hardcore und Punk für sich entdeckt hatte, ging es los, zuerst mit seiner geliebten Hardcore-Band No Warning (mit der er bis heute spielt), dann als Mitglied der Punk-Experimentalisten Fucked Up, die er 2006 gründete. Er war ein Teil der Underground-Szene, die sich in den 90er Jahren in Kanada Kurz darauf entdeckte er Hardcore und Punk, und schon ging es los, zunächst mit seiner geliebten Hardcore-Band No Warning (mit der er bis heute spielt), dann als Mitglied der Punk-Experimentalisten Fucked Up von 2007 bis 2021 - und währenddessen baute er sich ein umfangreiches und beeindruckendes Repertoire an Soloarbeiten auf, zunächst als Young Governor, dann als Young Guv und jetzt einfach als GUV (,Ich bin nicht mehr so jung, Drei-Buchstaben-Bandnamen sind cool, und ich bin es leid, mit einem Rapper verwechselt zu werden", bemerkt Cook). Warmer Than Gold ist die großformatige Krönung all dieser Stränge. Die Musik des Albums behält den eingängigen Geist von Cooks früheren Alben bei, wie den gefeierten Doppelalben GUVI & II und GUV III & IV, fügt jedoch ein ausgeprägtes rhythmisches Element hinzu, das von klassischem Madchester und Britpop geprägt ist. Es verschmiert und schwebt, es fühlt sich an, als würde man um Mitternacht die Autobahn M1 entlangrasen, angetrieben von einer Dringlichkeit, die in Cooks anderen Werken nicht zu finden ist. Was jedoch von diesen früheren Power-Pop-Veröffentlichungen beibehalten wurde, ist das ausgeprägte Gespür des Künstlers für eingängige Melodien. In Kombination mit einer neuen Produktionssensibilität, die von den Beastie Boys über The Field Mice bis hin zu Primal Scream inspiriert ist, gelingt es Cook, die zentralen lyrischen Themen des Projekts musikalisch zu untermalen: die globale Verflachung der Kultur, das Vergehen der Zeit in der materiellen Welt und die Rolle des Künstlers in all dem.

,Warmer Than Gold", das neue Album von Ben Cooks Projekt GUV, ist ein Dokument eines Lebens in der Musik, ein kritischer und feierlicher Reisebericht, ein Versuch, die homogenen und statusbesessenen Zustände der heutigen Welt durch den Einsatz von großen Beats, großen Refrains und Verzerrung zu überwinden. Es ist ein Album, das unterwegs entstanden ist und überall Sinn ergibt. Vor allem aber leitet es mit seiner erweiterten Klangpalette und der Betonung von Breakbeats eine neue Ära eines Künstlers ein, der nie aufgehört hat, sich weiterzuentwickeln. Cook, der zwischen Toronto und England aufgewachsen ist, verfügt über eine angloamerikanische Authentizität, die ihn von der wachsenden Schar von Hardcore-Kids mit Windjacken und Pilzköpfen unterscheidet. Zwei der ersten Konzerte, die er im Alter von 12 Jahren besuchte, waren Oasis und Neil Young. Nach dem Konzert, erinnert er sich, dachte er: ,Ja, ich werde für immer Musik machen." Kurz nachdem er Hardcore und Punk für sich entdeckt hatte, ging es los, zuerst mit seiner geliebten Hardcore-Band No Warning (mit der er bis heute spielt), dann als Mitglied der Punk-Experimentalisten Fucked Up, die er 2006 gründete. Er war ein Teil der Underground-Szene, die sich in den 90er Jahren in Kanada Kurz darauf entdeckte er Hardcore und Punk, und schon ging es los, zunächst mit seiner geliebten Hardcore-Band No Warning (mit der er bis heute spielt), dann als Mitglied der Punk-Experimentalisten Fucked Up von 2007 bis 2021 - und währenddessen baute er sich ein umfangreiches und beeindruckendes Repertoire an Soloarbeiten auf, zunächst als Young Governor, dann als Young Guv und jetzt einfach als GUV (,Ich bin nicht mehr so jung, Drei-Buchstaben-Bandnamen sind cool, und ich bin es leid, mit einem Rapper verwechselt zu werden", bemerkt Cook). Warmer Than Gold ist die großformatige Krönung all dieser Stränge. Die Musik des Albums behält den eingängigen Geist von Cooks früheren Alben bei, wie den gefeierten Doppelalben GUVI & II und GUV III & IV, fügt jedoch ein ausgeprägtes rhythmisches Element hinzu, das von klassischem Madchester und Britpop geprägt ist. Es verschmiert und schwebt, es fühlt sich an, als würde man um Mitternacht die Autobahn M1 entlangrasen, angetrieben von einer Dringlichkeit, die in Cooks anderen Werken nicht zu finden ist. Was jedoch von diesen früheren Power-Pop-Veröffentlichungen beibehalten wurde, ist das ausgeprägte Gespür des Künstlers für eingängige Melodien. In Kombination mit einer neuen Produktionssensibilität, die von den Beastie Boys über The Field Mice bis hin zu Primal Scream inspiriert ist, gelingt es Cook, die zentralen lyrischen Themen des Projekts musikalisch zu untermalen: die globale Verflachung der Kultur, das Vergehen der Zeit in der materiellen Welt und die Rolle des Künstlers in all dem.

CRO ist ein Phänomen und hat es geschafft dabei ein Phantom zu bleiben. Deutschlands erfolgreichster
Raopper ist ein „Superstar Inkognito“. Obwohl inzwischen jeder etwas über ihn zu berichten hat, weiß
man relativ wenig über den Ausnahmekünstler. Vom Beginn an seiner Karriere trägt er eine Maske um
unerkannt zu bleiben. Seine Kunst soll im Vordergrund stehen, nicht seine Person.
Für sein drittes Studioalbum hat sich CRO zurückgezogen und eine Auszeit gegönnt. Er hat alles was
seit der Veröffentlichung von EASY passiert ist versucht zu verarbeiten. CRO geht ins Studio und stellt
sich der Herausforderung seiner selbst gerecht zu werden. Er macht aus der Not eine Tugend und arbeitet
mit dieser neuen Energie. Er beschäftigt sich mit der Vergänglichkeit und stellt sich die Frage worauf es
im Leben wirklich ankommt und was am Ende bleibt. Während diesem Prozess entsteht die Single “Unendlichkeit” und ist tiefer als alles was er bisher produziert hat. Die Songs auf tru. fügen sich zu CROs
coming of Age Album zusammen: Sein eigenes, kleines „808s and heartbreak“ und der erste offzielle Blick
hinter die Maske.
Im Anschluss an die CRONICLES Tour 2025 ist „tru.“ jetzt endlich wieder auf weißem Vinyl erhältlich!

Was ist Krautrock? Genre, Provokation oder Mythos? Diese Compilation liefert keine endgültige Antwort - aber zwölf ausgewählte Tracks aus fünf Jahrzehnten musikalischer Grenzüberschreitung. In Zusammenarbeit mit Bureau B entstanden, versammelt diese Platte Highlights aus einer größeren, kommentierten Diskografie. Kein Kanon, sondern ein Impuls: zum Wiederhören, Weiterdenken, Diskutieren. Krautrock bleibt Streitfall - und genau das macht ihn lebendig. Jetzt auf transparentem Vinyl - limitiert und unverzichtbar.

Alan Vegas selbstbetiteltes Debüt-Soloalbum kam 1980 raus, zur gleichen Zeit, als Suicide ihr zweites Album "Suicide: Alan Vega and Martin Rev" veröffentlichten. Während Suicides Plattenlabel ZE Records das Duo in Richtung eines synthetischen Disco-Sounds drängen wollte, der von Moroders Produktion von Donna Summers "I Feel Love" inspiriert war, zog es Vega in eine andere Richtung. Er wollte tiefer in die Wurzeln seiner eigenen musikalischen Identität eintauchen, die von Blues, Rockabilly, frühem Rock ,n' Roll und seiner anhaltenden Liebe zu Elvis Presley geprägt war. Vega nutzte die Zeit zwischen den Aufnahmen mit Suicide, um seine selbst geschriebenen Songs auszuarbeiten, begann mit der Produktion seines ersten Albums und trat live auf, um diesen Sound weiterzuentwickeln. Wie auch in seiner bildenden Kunst schichtete Vega Klänge auf minimalistische, dynamische und bewusste Weise. Das Ergebnis war ein einzigartiges Album, das aus rohen Materialien entstand und tief in Vegas künstlerischer Vision verwurzelt war. Tracks wie die klassische Hymne "Jukebox Babe" mit ihrem schwungvollen Rhythmus und ihrer minimalistischen Selbstsicherheit fingen diesen Ansatz perfekt ein und wurden in Frankreich zu einem Hit. "Kung Foo Cowboy" hat einen südstaatlichen Touch und lehnt sich stark an den Blues an, während der goldene Pop-Glanz von "Ice Drummer" mit melodischem, aber klagendem Gesang, marschierenden Trommeln und einem geschmackvollen Mundharmonika-Solo überzeugt. "Bye Bye Bayou" ist ein eindringlicher Mutant-Rockabilly-Song, der den Rock der 50er Jahre mit Vegas exzentrischem Performance-Stil verbindet und später in der Coverversion von LCD Soundsystem aus dem Jahr 2009 neu interpretiert wurde, wodurch Vegas Solowerk einer neuen Generation vorgestellt wurde. In ähnlicher Weise würdigte die Coverversion von "Ice Drummer" durch The Flaming Lips Vegas Außenseitergeist. Jetzt von Josh Bonati anhand der Originalbänder neu gemastert und erstmals auf Streaming-Diensten verfügbar, wurde Alan Vega von Sacred Bones Records originalgetreu neu aufgelegt, wobei die rohe Intensität von Vegas Originalaufnahmen erhalten blieb und sie gleichzeitig für Hörer auf der ganzen Welt neu zugänglich gemacht wurden. "Alan Vega" ist mehr als ein Solo-Debüt, es ist eine Erklärung der künstlerischen Unabhängigkeit und Freiheit eines der einflussreichsten und kompromisslosesten Künstler New Yorks. Ohne die intensive Elektronik von Suicide, aber mit Vegas Außenseiter-Energie und Schärfe, übersetzt das Album den frühen Rock 'n' Roll durch einen Art-Punk-Filter, der sich als eigenständiges Kult-Meisterwerk bewährt hat.

Alan Vegas selbstbetiteltes Debüt-Soloalbum kam 1980 raus, zur gleichen Zeit, als Suicide ihr zweites Album "Suicide: Alan Vega and Martin Rev" veröffentlichten. Während Suicides Plattenlabel ZE Records das Duo in Richtung eines synthetischen Disco-Sounds drängen wollte, der von Moroders Produktion von Donna Summers "I Feel Love" inspiriert war, zog es Vega in eine andere Richtung. Er wollte tiefer in die Wurzeln seiner eigenen musikalischen Identität eintauchen, die von Blues, Rockabilly, frühem Rock ,n' Roll und seiner anhaltenden Liebe zu Elvis Presley geprägt war. Vega nutzte die Zeit zwischen den Aufnahmen mit Suicide, um seine selbst geschriebenen Songs auszuarbeiten, begann mit der Produktion seines ersten Albums und trat live auf, um diesen Sound weiterzuentwickeln. Wie auch in seiner bildenden Kunst schichtete Vega Klänge auf minimalistische, dynamische und bewusste Weise. Das Ergebnis war ein einzigartiges Album, das aus rohen Materialien entstand und tief in Vegas künstlerischer Vision verwurzelt war. Tracks wie die klassische Hymne "Jukebox Babe" mit ihrem schwungvollen Rhythmus und ihrer minimalistischen Selbstsicherheit fingen diesen Ansatz perfekt ein und wurden in Frankreich zu einem Hit. "Kung Foo Cowboy" hat einen südstaatlichen Touch und lehnt sich stark an den Blues an, während der goldene Pop-Glanz von "Ice Drummer" mit melodischem, aber klagendem Gesang, marschierenden Trommeln und einem geschmackvollen Mundharmonika-Solo überzeugt. "Bye Bye Bayou" ist ein eindringlicher Mutant-Rockabilly-Song, der den Rock der 50er Jahre mit Vegas exzentrischem Performance-Stil verbindet und später in der Coverversion von LCD Soundsystem aus dem Jahr 2009 neu interpretiert wurde, wodurch Vegas Solowerk einer neuen Generation vorgestellt wurde. In ähnlicher Weise würdigte die Coverversion von "Ice Drummer" durch The Flaming Lips Vegas Außenseitergeist. Jetzt von Josh Bonati anhand der Originalbänder neu gemastert und erstmals auf Streaming-Diensten verfügbar, wurde Alan Vega von Sacred Bones Records originalgetreu neu aufgelegt, wobei die rohe Intensität von Vegas Originalaufnahmen erhalten blieb und sie gleichzeitig für Hörer auf der ganzen Welt neu zugänglich gemacht wurden. "Alan Vega" ist mehr als ein Solo-Debüt, es ist eine Erklärung der künstlerischen Unabhängigkeit und Freiheit eines der einflussreichsten und kompromisslosesten Künstler New Yorks. Ohne die intensive Elektronik von Suicide, aber mit Vegas Außenseiter-Energie und Schärfe, übersetzt das Album den frühen Rock 'n' Roll durch einen Art-Punk-Filter, der sich als eigenständiges Kult-Meisterwerk bewährt hat.

Das legendäre Kultalbum „Bastards“ aus dem Jahr 1993 ist endlich zurück – und das in einer limitierten, farbigen VinylEdition!

Mit brachialer Energie, kompromisslosem Sound und Lemmy‘s unverkennbarer Stimme gilt Bastards für viele Fans als das beste Motörhead-Album aller Zeiten. Klassiker wie Burner, Born to Raise Hell und I Am the Sword zeigen die Band auf ihrem absoluten Höhepunkt – roh, direkt und voller Wut und Herzblut.

Diese Sonderauflage ist ein Muss für jeden Rock- und MetalFan: Ein Stück Rockgeschichte, das in keiner Sammlung fehlen darf – Motörhead – Bastards, jetzt als exklusive Vinyl-Edition!

The legendary cult album ‘Bastards’ from 1993 is finally back – in a limited edition coloured vinyl release!

With its brutal energy, uncompromising sound and Lemmy‘s unmistakable voice, Bastards is considered by many fans to be the best Motörhead album of all time. Classics such as Burner, Born to Raise Hell and I Am the Sword showcase the band at their absolute peak – raw, direct and full of rage and passion.

This special edition is a must-have for every rock and metal fan: A piece of rock history that no collection should be without – Motörhead – Bastards, now available as an exclusive vinyl edition!

GAVIAL sind zurück. Deutlicher. Verletzlicher. Größer als je zuvor. Fast drei Jahre sind vergangen, seit Gavial mit "VOR" ein kraftvolles Statement abgegeben haben. Drei Jahre voller politischer Brüche, gesellschaftlicher Abgründe und persönlicher Erschütterungen. Drei Jahre, die Spuren hinterlassen haben - hörbar, fühlbar, unausweichlich. Jetzt kehrt das Quartett aus Dresden/Leipzig/Berlin mit einem neuen Album zurück. Hier prallen Soul und Gospel auf Country, Psychedelic-Blues auf pure, unverstellte Emotion. Gavial erschaffen Klangwelten, in denen Gitarren, Bass und Stimme zu etwas Größerem verschmelzen. Melancholie, die nachhallt. Hypnose durch Klang. Energie, die nicht mehr loslässt. Mit Vehemenz präsentieren sich Gavial so roh und kompromisslos wie noch nie. Ihre Songs sind Spiegel - von allem, was brennt: Eine Welt, die sich selbst zerfrisst. Gesellschaften, die verlernt haben zuzuhören. Technologien, die uns überholen. Militarismus, der zurückkehrt. Menschenrechte, die zu Worthülsen verkommen. Institutionen, die versagen. Und Egoismus, der gedeiht. "Thanks, I Hate It" ist keine Kapitulation. Es ist ein Soundtrack zu einer Zeit, die uns täglich prüft. Gavial sind hier, um uns zu erinnern: Wir sind noch da. Wir fühlen noch. Wir hören noch zu. Und manchmal lautet die einzig ehrliche Antwort auf diese Welt: Thanks, I Hate It.

Die Grammy-nominierte Sängerin Ari Lennox veröffentlicht am 23.01.2026 ihr drittes Studioalbum ”Vacancy”. Mit Titeln wie ”Soft Girl Era” und ”Under The Moon” fängt Ari ein neues Kapitel an, das
dem klassischen R&B einen zeitgemäßen Twist gibt. Dieses 2-LP-Set ist auf marshmallow-farbenem Vinyl
gepresst und ist ab jetzt für die Vorbestellung verfügbar.

The Final Album recorded by Nikki Sudden release posthumously by friends o Now after consultation with all band members and producer John Rivers the album has been re assembled re mixed and re mastered to create the best sound it's ever been o Lavishly designed by Dave Twist includes notes by band members and photos from the sessions o The Lp comes in de luxe gatefold sleeve with printed inner bags o Contains bonus tracks and has been reordered to the last email nikki sent on the subject

In 2023 Ace Records released the album “28 Little Bangers From Richard Hawley’s Jukebox” where the acclaimed Sheffield musician, singer and songwriter compiled together some of his favourite records. These were instrumentals and vocals records that he had collected over the years and found musically addictive. The album received fantastic reviews and allowed his
extensive fanbase to discover and enjoy tracks like Ronny Kae’s ‘Swinging Drums’ and King Curtis’ ‘Hot-Rod’ that were on the juke box in his home.

Now, three years later, Richard has lifted the lid, taken those 7” out and replaced them with another favoured selection. One again, this second version of “Little Bangers” is full of cracking records such as Chet Atkins ‘Boo Boo Stick Beat’, Frank Minion’s ‘Watermelon’, Johnny Todd’s ‘Pink Cadillac’, Sunshine Theatre’s ‘Mountain’, Jet Harris’ ‘Man From Nowhere’, Tracy Rogers ‘Baby’ and the Ventures ‘Fuzzy And Wild’.

A with the first album there are 28 tracks spread across two albums or shoehorned onto one CD. The extensive liner notes see Richard discussing each and every track and what the record or artist meant to him. As he states himself in the introduction, “the record you hold in your hand is the result of a lifetime obsession.”
Listen for yourself and you will discover that this was time well spent.

Vor 25 Jahren: Today's Empires, Tomorrow's Ashes ist das einflussreiche dritte Studioalbum der kanadischen Punkband Propagandhi, das 2001 auf ihrem Label G7 Welcoming Committee Records (und außerhalb Kanadas bei Fat Wreck Chords) veröffentlicht wurde. Es zeichnet sich durch schnellen, politisch aufgeladenen, metallischen Punk mit kraftvollen Texten und Riffs aus und wurde 2021 zum 20-jährigen Jubiläum überarbeitet (Remaster, neuer Mix). Seit 2021 als CD erhältlich, jetzt wieder auf schwarzem und farbigem Vinyl. Eine der besten politischen Punkbands seit den 90ern! 14 Tracks (plus 4 Bonustracks auf CD) mit nachhallenden Donner auf einem umwerfenden Album! Wissen ist Macht. Seid bereit.

„Weihnachten ist wirklich die schönste Zeit des Jahres“! „Im Laufe der Jahre habe ich viele originelle Weihnachtslieder geschrieben und ich hatte das Gefühl, dass es jetzt an der Zeit ist, die besten davon auf einem Album zu bündeln. Und hier ist es: Ein wundervolles Weihnachtsalbum mit einer Vielzahl von Liedern, von denen jedes ein wesentliches Element der Weihnachtsstimmung enthält, jetzt in einer Deluxe-Edition. 15 Songs, die ich sorgfältig ausgewählt habe. Ich habe 9 der 11 Originale mit den Amerikanern Jeff Franzel und Maria Christensen geschrieben und die anderen 2 Originalsongs mit den niederländischen Songwritern Simon Gitsels und Karel Schepers. Die Cover auf diesem Album sind Songs, die ich so sehr liebe, dass ich ihnen meine eigene Note geben und ihnen einen Platz auf dem Album geben wollte.“ Vier erfolgreiche Studioalben, mehreren Theatertourneen in den Niederlanden und erste internationale Shows, die allesamt ausverkauft waren. Es folgten bereits zahlreiche Auszeichnungen, darunter eine Goldene Schallplatte und bereits zweimal der renommierte Edison Jazz Award (der Holländische Grammy). Keine alltägliche Errungenschaft im Jazzbereich oder wie „Crooner“ Dennis es lieber nennt, im Swing, einem Stil, der für ihn unvergleichlich ist.

A stunning 7" cut from the iconic 1995 debut album by Italian-Brazilian crossover unit Brazilian Love Affair, led by vocalist Dilene Ferraz.

Side A features "Natureza Humana," a Brazilian dancefloor take on Michael Jackson's mellow groove classic "Human Nature," a perennial favorite on mix CDs and club floors.

Side B delivers an uplifting samba-bossa cover of Earth, Wind & Fire's party anthem "Star."

Both tracks are essential Brazilian crossover gems from the golden era of '90s club culture.

Mit „Angel’s Share“ veröffentlichen Nathan Evans und SAINT PHNX ihr gemeinsames Debütalbum und
liefern eine Platte voller Emotionen, Energie und dem unverkennbaren Geist ihrer schottischen Herkunft. Ein
Album, entstanden aus Freundschaft, nächtelangen Gesprächen und den besonderen Momenten im Leben,
die uns für immer verbinden. „Angels Share“ vereint die warme Klangwelt des Folk mit mitreißenden,
stadionreifen Hooks und ehrlichem, handgemachten Songwriting. Es ist eine Reise entlang von Küsten,
durch Erinnerungen und unzerbrechliche Verbindungen. Es ist ein Album für gemeinsame Momente, stille
Nächte und all das, was dazwischen liegt. Das Album ist jetzt als CD und Vinyl erhältlich.

A stunning 7" release from Jazzamor featuring a speedy bossa cover of Jamiroquai's breakthrough hit!

This 7-inch couples two carefully selected tracks from the archives of veteran German music unit Jazzamor.

Side A is a speedy bossa cover of "Space Cowboy," the 1994 breakthrough global hit by Jamiroquai, originally featured on Jazzamor's 2004 album A Piece Of My Heart. Side B includes an uptempo bossa track from their 2002 debut album Lazy Sunday Afternoon. The arrangement features the charmingly delicate vocals of Bettina Mischke, combined with Roland Grosch's acoustic guitar and percussion, layered into a Brazilian-inspired electronic sound with an elegant touch.

Das Album ,Scrabbling At The Lock" von 1991 war in vielerlei Hinsicht ein Wendepunkt für The Ex. Es war ihre erste Zusammenarbeit mit dem New Yorker Improvisationskünstler Tom Cora, der fast 100 Konzerte mit der Band spielte. Außerdem erweiterte es ihr Spektrum erheblich und machte sie zu einer Kraft, die ihre Balance zwischen Kreativität und Intensität auf ein neues Level hob. Das Album war nicht nur ein kreativer Meilenstein, sondern brachte ihnen auch ein neues Publikum ein, da sie als eine der ersten ,Punk"-Bands den Sprung in die Welt der improvisierten Musik schafften und regelmäßig als Gäste bei Free-Music-Festivals in ganz Europa auftraten. Das Folgealbum ,And The Weathermen Shrug Their Shoulders" setzte 1993 diese Erfolgsserie mit einer weiteren Reihe herausragender Songs fort, die glühende Energie mit grenzenlosem Eklektizismus und selbstbewusster, improvisatorischer Freude verbinden. Kunstvoller Punk, orientalische und europäische Folk-Inspirationen, einfallsreiche und leidenschaftliche Texte und ein Händchen für Echtzeit-Kreationen verschmelzen nahtlos zu einem Cocktail, der hochbrennbar und gelegentlich bedrohlich, aber auch durchweg abenteuerlich und auffallend ansteckend ist. Zu diesem Zeitpunkt waren The Ex zu einer der beständigsten, herausforderndsten und zukunftsweisendsten Bands ihrer Generation geworden. Und jetzt ist ,And The Weathermen Shrug Their Shoulders" endlich wieder auf Vinyl erhältlich!

"Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus (Music From The Motion Picture)". Purple + Black & White Splatter Vinyl. Der Einstieg in die Musik von Q Lazzarus erfolgte für fast alle über "Goodbye Horses". Der Song tauchte erstmals 1988 in Jonathan Demmes "Married to the Mob" auf, aber er sollte sich erst dann vollständig im Bewusstsein der Menschen verankern, als er 1991 in Demmes "The Silence of the Lambs" wieder auftauchte. "Goodbye Horses" fühlte sich an wie ein in sich geschlossenes Universum - traumhaft und völlig ungewöhnlich, ein sofortiger Klassiker, der die Zuhörer fesselte und neugierig auf die geheimnisvolle Stimme dahinter machte. Diese Stimme gehörte Diane Luckey, einer einzigartig talentierten Künstlerin, deren Musik ihrer Zeit voraus war und die letztlich zu Lebzeiten weitgehend unerkannt bleiben sollte. In Verbindung mit der Veröffentlichung des Dokumentarfilms "Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus" von Aridjis Fuentes veröffentlicht Sacred Bones eine Sammlung von Songs, die die gesamte Karriere von Q abdecken und die verschiedenen Epochen ihres Schaffens und die ganze Bandbreite ihrer Persönlichkeit zeigen. "Goodbye Horses" ist die erste Musiksammlung, die den Segen von Qs verbliebener Familie erhalten hat, und hat die Besonderheit, ihre erste und einzige Albumveröffentlichung in voller Länge zu sein. Aufgenommen zwischen 1985 und 1995, spiegelt diese Fundgrube bisher unveröffentlichter Musik einige der interessantesten Facetten der Popmusik der letzten vier Jahrzehnte auf eine Weise wider, die sowohl versiert als auch wild eklektisch wirkt. Das titelgebende "Goodbye Horses" bleibt ein einzigartiges Stück gespenstischer New-Wave-Perfektion, und man könnte sich ein ganzes Q-Lazzarus-Album vorstellen, das sich um diese Ästhetik dreht, aber ähnlich den Gesangsikonen Alison Moyet, Annie Lennox oder Lisa Gerrard eignet sich Qs chamäleonhafte Stimme perfekt für eine Vielzahl von Stilen und Settings. Ihre Coverversion von Talking aHeads' "Heaven" verwandelt den Song in eine aus voller Kehle gesungene Power-Ballade mit klimpernden Klavierverzierungen, während ihre Interpretation von Gershwins "Summertime" wie eine dubbige Club-Reduktion klingt, die zu einem Grace Jones Stück der Nightclubbing-Ära hätte passen können. Tracks wie "My Mistake" und "Hellfire" flirten mit House-Musik und zeigen, wie frech und glockig Qs Stimme sein kann, wenn sie sich richtig austobt, während "Don't Let Go" wie eine bombastische Radiosingle klingt, die Cher vor einigen Jahrzehnten hätte veröffentlichen können. Andere Songs wie "Bang Bang" und "I See Your Eyes" sind von einer gitarrenbetonten Alt-Rock-Sensibilität, die in einem Paralleluniversum auch auf MTVs 120 Minutes Show hätte laufen können. "Goodbye Horses" verkörpert das Potenzial für so viele verschiedene Arten von Karrieren, die, aus welchen Gründen auch immer, nie vollständig verwirklicht wurden. Dass wir jetzt diese Songs in der Welt haben und ein klareres Bild von der Person dahinter, ist nichts weniger als ein Segen.

Aaron Frazer - der in Los Angeles lebende Sänger, Songwriter, Multi-Instrumentalist und Mitglied der gefeierten Gruppe Durand Jones & the Indications - lässt mit "Into the Blue" eine gewagte Mischung aus Soul, Psychedelia, Spaghetti-Western, Disco, Gospel und Hip-Hop auf sein hochgelobtes Debütalbum "Introducing_" aus dem Jahr 2021 folgen. "Into The Blue" repräsentiert die beeindruckende Bandbreite von Frazers klanglichen Talenten. "Es ist das klarste Porträt dessen, was ich als Künstler bin", sagt Frazer über sein zweites Solo-Album, auf dem er die unverwechselbare Falsettstimme und das klassische Songwriting beibehält, für das er bekannt ist, aber mit einer Hip Hop inspirierten Mentalität im Kern, die Genres und Produktionstechniken miteinander verwebt und "Into The Blue" somit fest im Hier und Jetzt verankert. "Into The Blue" ist das Ergebnis eines gebrochenen Herzens. Nach dem Ende einer langen Beziehung zog Frazer quer durchs Land von Brooklyn nach Los Angeles und begab sich auf eine Reise, die sich in den Themen des Albums widerspiegelt: Trauer, Einsamkeit und die Suche nach Heilung. "Into The Blue" enthält Momente mit überragenden Arrangements, die an David Axelrod und Ennio Morricone erinnern, wird aber durch die Rohheit von iPhone-Aufnahmen und One-Take-Vocals ausgeglichen. Als Co-Produzent für das Album konnte Frazer den Grammy-Gewinner Alex Goose gewinnen, der für seine Crate-Digging-Samples und die Zusammenarbeit mit Hip-Hop-Künstler*innen wie Freddie Gibbs, Madlib und Brockhampton bekannt ist. Frazer experimentierte auch zum ersten Mal mit Samples, die er aus unerwarteten Quellen wie der R&B-Gruppe Hi-Five aus den 90ern bezog. Und Obwohl "Into the Blue" aus Herzschmerz entstanden ist, hofft Frazer, dass es die Zuhörer*innen mit einem Gefühl des Optimismus zurücklässt. "Weißt du, man kann auch an einem Tag, an dem man trauert, lachen", sagt er, "es gibt keine Gipfel ohne Täler" - aber mit "Into The Blue" erreicht Aaron Frazer neue Höhen.

Mit ihrem selbstbetitelten dritten Album schreiben Fickle Friends ihre Geschichte neu. Die LP erscheint über das eigene Label Palmeira Music und ist eine strahlende Indie-Pop-Platte über Glück. Chaotisches, kompliziertes, hart erkämpftes Glück. In ihren 11 Tracks fängt die Band Euphorie und Chaos des Lebens im Hier und Jetzt ein und verbindet eine gemütliche Produktion und große Hooks mit Texten, die sowohl zutiefst persönlich als auch unglaublich nachvollziehbar sind. Komplett in Eigenregie produziert und kreativ geleitet, ist "Fickle Friends" ein echter DIY-Triumph – ein Beweis dafür, was passiert, wenn Künstler ihrem Instinkt vertrauen und sich völlig unabhängig fühlen. Es ist ein Liebesbrief an Freude, Freundschaft und daran, den Weg zurück zu den Dingen zu finden, die einem das Gefühl geben, lebendig zu sein.

We the cyber ants
survivors of the post human era
by smashing dystopic hegemonies
together in colonies we cooperate
through a chemical communication strategy.
Crossing underground labyrinths
as clever roots
in symbiotic relationships we live and
in freaky spirals we dance 'til down.
Catching electricity with feelers
we destroy the buildings of
the enemies of love.
We're a neglected community
an unconquered moltitude of
Yessensis
Longicornis
Solenopsis and Subterranean
Martialis Eureka
Colobopsis Explodens and more.
Souls inside exoskeletons
we don't need your past
'cause we are your future.

2025 Repress in Gold Vinyl

'End Beginnings', das neue Album von Sandwell District, ist die erste neue Musik des Kollektivs seit dem tragischen Tod von Juan Mendez (Silent Servant) im Januar 2024. Mendez‘ atemberaubende Kunstwerke und Visuals waren immer eine zentrale Säule von Sandwell District, tatsächlich arbeitete er an einem Kunstwerk mit dem Titel 'End Beginnings' - nun der Titel des dritten Albums und eine Hommage an den verstorbenen Freund. 'End Beginnings' bringt gewaltigen Techno und umwerfende Dancefloor-Dynamik zusammen, eine meisterhafte Kombination von Innovation und Ekstase. Nach dem tragischen Einschnitt, steht nun wieder der Spaß im Vordergrund: „Eine gute Zeit zu haben ist so ziemlich der Grund, warum man überhaupt damit anfängt. Und es macht Spaß. Ich denke, wir fühlen uns jetzt viel glücklicher, besonders nach dem, was mit Juan passiert ist. Wir sind dankbar“, sagt Regis. '

The second release in French beatmaker Medline's 7" cover series of soul, jazz-funk, and rare groove classics!

Much like Leon Michels of El Michels Affair, Medline plays all the instruments himself?this release features two stunning tracks, including a newly recorded cover.

Side A presents a brilliant rendition of "Wind Parade," Donald Byrd's immortal 1975 masterpiece that has been widely sampled in hip hop. The iconic bassline remains intact, while Roni Alkekengi's transparent vocals and a bold substitution of flute in place of trumpet create a uniquely groovy interpretation.

Side B is a refined cover of the 1972 soul classic "People Make the World Go Round" by The Stylistics, which has also been heavily sampled and covered. Medline retains the charm of the original while adding his own polished touch.



[a] 01: Wind Parade (45 Edit) [feat. Roni Alkekengi]

"Die große Palmöllüge". Alles steht hier im Zeichen der Verschwörungstheorie. Geht Palmöl nun klar oder ist die Abholzung des Regenwaldes am Ende etwa eine Riesensauerei - die Welt teilt sich in zwei Lager. Fridays for Future, regionale Kleinbauern und Orang Utans scheinen sich einig: geht eher nicht so klar. Hier halten wiederum ausgewiesene Klima-Experten dagegen, z.B. Jan Leyk (bekannt aus "Berlin Tag & Nacht"). Der sagt nämlich, dass die "bekackte Tofuwurst dafür sorgt, dass verschissen nochmal die Regenwälder abgeholzt werden". Palmöl, Facepalm - whatever_ Was hat das jetzt alles mit dem neuen Album des linksgrünversifften Punk-Quartetts Akne Kid Joe am Hut? Die sind Team Orang Utan und FFF, soviel erstmal dazu. Aber steht denn wirklich alles im Zeichen der Verschwörungstheorie? Wer aufgrund des Album-Titels nun eine Konzept-LP gegen nutella und co. vermutet, muss leider enttäuscht werden. Wie schon auf Karate Kid Joe wird sich hier auch wild echauffiert, die Palette ist nun aber deutlich breiter. Zentrale Themen sind - klar, Verschwörungstheorie - aber auch linke Klassiker wie Vaterlandsverrat, Saufen und Beamtenbeleidigung. Mitunter wird es auf der neuen Scheibe aber auch richtig deep, z.B. mit einer 1,5 minütigen Nacherzählung eines Beziehungsendes im Italien Urlaub. Oder der Frage was nun besser ist - "Free Hugs" oder "Love Yourself" T-Shirts.

Midnight Oils Kultalbum "Diesel and Dust" ist zurück und jetzt erstmals seit Jahren wieder auf Vinyl außerhalb Australiens erhältlich!
Neu gemastert, auf schwarzem Biovinyl und nachhaltig verpackt, bringt das Album seine kraftvolle Botschaft über soziale Gerechtigkeit und Umwelt neu zum Klingen.Ein Meilenstein der Rockgeschichte, ausgezeichnet von Rolling Stone und als bestes australisches Album gelistet.

Nach Norden ausgerichtet, europäisch, offen, persönlich und melancholisch - das sind alles Begriffe, die sich mit Kari Bremnes" Musik verbinden lassen. Und immer mit einer großen Nähe zu den Menschen und ihren Schicksalen. Die vielfach preisgekrönte Singer-Songwriterin, für die einzelne Genre-Schubladen immer zu eng waren und sind, schreibt seit fast vierzig Jahren Songs, die auf neunzehn Soloalben veröffentlicht sind. Derzeit hat sie ein größeres Publikum als je zuvor, in ihrem Heimatland und weit darüber hinaus. "Immer noch hier" bedeutet der norwegische Albumtitel Ennu her in der deutschen Übersetzung und nach vielen Jahren der Veröffentlichungsstille von Kari Bremnes und in unserer - laut Kari - "beängstigenden und unbeherrschbaren Welt" haben diese Worte einen wohltuenden Klang. So wohltuend und schön wie Karis "glasklarer und doch warmherziger Gesang" wie Audio über das letzte Album sagte. Viel ist über die Künstlerin von den Lofoten geschrieben worden - hier kommt sie selbst zu Wort und führt uns in ihre Gedankenwelt zum neuen Album ein: "Sechs neue Songs. Diese Geschichten sagen viel darüber aus, was mich derzeit beschäftigt. Es gab sie schon eine Weile, bevor sie ihre Form und ihre Musik gefunden haben. Es hat Spaß gemacht und war nervenaufreibend und herausfordernd, sie bei all den Wendungen, Rückschlägen und Fortschritten zu begleiten. Jetzt fühle ich, dass es an der Zeit ist, sie aus dem Haus zu holen."

Einer der wohl bekanntesten Songs Udo Lindenbergs ist „Cello“. Die Ballade über einen jungen Mann, der
eine Cello-Spielerein anhimmelt erschien erstmals 1973 auf dem Album „Alles klar auf der Andrea Doria“.
1997 nimmt Lindenberg „Cello“ dann erneut auf. Diesmal zusammen mit dem Filmorchester Babelsberg.
Zusammen schaffen sie das Album „Belcanto“. Jetzt kehrt ein Stück Musikgeschichte zurück. Zusammen
mit den zeitlosen, emotionalen Balladen „Bis ans Ende der Welt“, „Du und ich – und dann ganz Lage
gar nichts“ und „Die kleine Zockerin“ in orchestraler Aufmachung, gibt es die Single jetzt erstmals streng
limitiert und handnummeriert auf 10“ Vinyl mit neuem Cover in Anlehnung an das kraftvolle originale
Album „Belcanto“.
Lindenberg besingt in „Club der Millionäre“ in alter Udo-Manier den Wunsch, reich zu sein. Der Song
war die erste Single-Auskopplung von Udos Hommage-Album an seinen Vater, „Gustav“. Die Single erscheint nun zum ersten Mal als 10‘‘ Vinyl in Gold, streng limitiert und handnummeriert. Neben dem
Titelsong sind auf der Single zudem mit „Die Augen zu“, sowie die Ballade „Niemandsland“ und der HipHop Track „Wo ich meinen Hut hinhäng“ enthalten.
Mit echten Raritäten, kraftvollen Balladen und sozialkritischen Texten erscheint „Der blaue Planet“ von
Udo Lindenberg am 12.12.2025, das erste Mal als blaue 10‘‘ Vinyl in streng limitierter und handnummerierter Auflage. Die B Seite bilden zwei Balladen über Freundschaft und Liebe, die die Single perfekt
abrunden.

Einer der wohl bekanntesten Songs Udo Lindenbergs ist „Cello“. Die Ballade über einen jungen Mann, der
eine Cello-Spielerein anhimmelt erschien erstmals 1973 auf dem Album „Alles klar auf der Andrea Doria“.
1997 nimmt Lindenberg „Cello“ dann erneut auf. Diesmal zusammen mit dem Filmorchester Babelsberg.
Zusammen schaffen sie das Album „Belcanto“. Jetzt kehrt ein Stück Musikgeschichte zurück. Zusammen
mit den zeitlosen, emotionalen Balladen „Bis ans Ende der Welt“, „Du und ich – und dann ganz Lage
gar nichts“ und „Die kleine Zockerin“ in orchestraler Aufmachung, gibt es die Single jetzt erstmals streng
limitiert und handnummeriert auf 10“ Vinyl mit neuem Cover in Anlehnung an das kraftvolle originale
Album „Belcanto“.
Lindenberg besingt in „Club der Millionäre“ in alter Udo-Manier den Wunsch, reich zu sein. Der Song
war die erste Single-Auskopplung von Udos Hommage-Album an seinen Vater, „Gustav“. Die Single erscheint nun zum ersten Mal als 10‘‘ Vinyl in Gold, streng limitiert und handnummeriert. Neben dem
Titelsong sind auf der Single zudem mit „Die Augen zu“, sowie die Ballade „Niemandsland“ und der HipHop Track „Wo ich meinen Hut hinhäng“ enthalten.
Mit echten Raritäten, kraftvollen Balladen und sozialkritischen Texten erscheint „Der blaue Planet“ von
Udo Lindenberg am 12.12.2025, das erste Mal als blaue 10‘‘ Vinyl in streng limitierter und handnummerierter Auflage. Die B Seite bilden zwei Balladen über Freundschaft und Liebe, die die Single perfekt
abrunden.

Einer der wohl bekanntesten Songs Udo Lindenbergs ist „Cello“. Die Ballade über einen jungen Mann, der
eine Cello-Spielerein anhimmelt erschien erstmals 1973 auf dem Album „Alles klar auf der Andrea Doria“.
1997 nimmt Lindenberg „Cello“ dann erneut auf. Diesmal zusammen mit dem Filmorchester Babelsberg.
Zusammen schaffen sie das Album „Belcanto“. Jetzt kehrt ein Stück Musikgeschichte zurück. Zusammen
mit den zeitlosen, emotionalen Balladen „Bis ans Ende der Welt“, „Du und ich – und dann ganz Lage
gar nichts“ und „Die kleine Zockerin“ in orchestraler Aufmachung, gibt es die Single jetzt erstmals streng
limitiert und handnummeriert auf 10“ Vinyl mit neuem Cover in Anlehnung an das kraftvolle originale
Album „Belcanto“.
Lindenberg besingt in „Club der Millionäre“ in alter Udo-Manier den Wunsch, reich zu sein. Der Song
war die erste Single-Auskopplung von Udos Hommage-Album an seinen Vater, „Gustav“. Die Single erscheint nun zum ersten Mal als 10‘‘ Vinyl in Gold, streng limitiert und handnummeriert. Neben dem
Titelsong sind auf der Single zudem mit „Die Augen zu“, sowie die Ballade „Niemandsland“ und der HipHop Track „Wo ich meinen Hut hinhäng“ enthalten.
Mit echten Raritäten, kraftvollen Balladen und sozialkritischen Texten erscheint „Der blaue Planet“ von
Udo Lindenberg am 12.12.2025, das erste Mal als blaue 10‘‘ Vinyl in streng limitierter und handnummerierter Auflage. Die B Seite bilden zwei Balladen über Freundschaft und Liebe, die die Single perfekt
abrunden.

Der britisch-sudanesische Soul-Star Elmiene veröffentlicht nach seiner 2025 BRITs Rising Star Award Nominierung seine neue EP „Heat The Streets“, die u.a. seine Hitsingle „Useless (Without You)“ enthält.
Die EP besteht aus 12 Tracks, die ohne Scheu, große Gefühle und romantische Gesten beschreiben. So
zelebriert „Heat The Streets“ die emotionale Tiefe des klassischen R&B – jetzt auf Vinyl.

In den 90ern hatte Jad Fair fünf Lieblingsbands und Songwriter: Daniel Johnston, The Pastels, Sonic Youth, Teenage Fanclub und Yo La Tengo. Das ist echt eine coole Liste, aber das Besondere daran ist, dass Fair im Laufe von etwa zwölf Jahren mit allen in irgendeiner Form Musik gemacht hat. Jad Fair ist seit einem halben Jahrhundert produktiv, lange bevor das Internet ein simultanes und scheinbar ewiges Archiv von allem schaffen konnte, was jemand mit seinen Vorlieben gemacht hat. Er war an mindestens mehreren hundert Titeln beteiligt, von denen viele bei kleinen Labels erschienen, die es heute nicht mehr gibt, und die vergriffen sind. Tatsächlich ist eine dieser Kollaborationen, die Fair in den 90er Jahren gemacht hat - Strange But True mit Yo La Tengo - schwer zu finden, obwohl sie am 20. Oktober 1998 in den USA bei Matador Records erschienen ist. Jetzt wird das Album zum ersten Mal von Joyful Noise und Bar/None auf Vinyl neu aufgelegt. Als Fair Mitte der 90er Jahre mit Yo La Tengo auf einer Party spielte, waren sie alle Freunde, Fans und Kollaborateure, die gemeinsam an Platten gearbeitet oder diese veröffentlicht hatten. Als Fair vorschlug, gemeinsam ins Studio zu gehen, war das Trio sofort dabei. Das Ergebnis, ,Strange But True", ist so wunderbar, abwechslungsreich und wild wie eine riesige Wiese mit einheimischen Gräsern. Dieses Kollaborationsalbum zeigt die unglaubliche Bandbreite der Künstler und versetzt uns zurück in eine Zeit, in der Indie-Rock noch so seltsam und widerspenstig sein durfte, wie seine Schöpfer es wollten.

Auf 500 Stück limitiert und handnummeriert. L.B. STEEL und seine Brigade Steelforce werden Opfer mysteriöser Anschläge. Schließlich haben es sogar die engsten Verbündeten auf die drei Metal Detektive abgesehen und es wird klar: Dahinter steckt etwas Größeres. Die Spur führt zu einem manipulativen Schlagersong, der die Menschheit in die mentale Apokalypse treibt. Nur eins kann diesen Wahnsinn jetzt noch stoppen: Heavy Metal. mit: Reiner Schöne, Bernd Egger, Steffen Lehmann, Björn Jung, Cristina do Rego, Kaja Schmidt-Tychsen, Bernd Reheuser, André Dostal, Inka Lioba Brettschneider, Julia Augustin, DitoMido, Lars Korten, Henning Heup Special Guest: Thomas Anders & Marti Fischer

Das ist Kramers erstes Soloalbum seit fünf Jahren. Seine letzten Solo-LPs ,And The Wind Blew It All Away", ,Music For Films Edited By Moths" und ,Music For Pianos & Sunflowers" waren Teil seines 2020 AIR (Artist In Residence) Box-Sets für Joyful Noise Recordings. ,And The Wind Blew It All Away" war eine sanfte und magische Mystery Tour mit brodelnden akustischen Saiten, Orgeln, Klavieren und Mellotrons, Tonbandschleifen, gefundenen Klängen und einem Hauch von Percussion, untermalt von Kramers unverwechselbarer, eigenwilliger Singstimme und seinen Texten. Auf dieser neuen LP entfernt sich Kramer von Worten/Texten und widmet sich ganz den minimalistischen instrumentalen Drone-Gedichten, die ihn in seinen frühen Jahren als Komponist und Performer in der experimentellen ,Downtown"-Szene des New York der späten 70er Jahre erstmals faszinierten. Auf dieser neuen LP erkundet Kramer weiter die kreativen Umgebungen, die ihn zurück in den Wald der Ideen und organischen Einflüsse führen, die seit Jahrzehnten still vor sich hin brodeln, an einem Ort, an dem die Zeit immer Jetzt ist. Fans von Terry Riley, La Monte Young und Gavin Bryars werden von Kramers neuesten klanglichen Erkundungen fasziniert sein.

10" Vinyl in Wolkenoptik Kein Wunder, ist "Wunder" ein Wunder. Diese Platte hat alles, was diese Welt jetzt braucht, um endlich wieder zu gesunden: Unfassbar intelligenten Saufpunk, gepaart mit subversiv-ironischen Stammtischweisheiten und einer etwas größer geratenen Brise (leider war der Deckel vom Streuer nicht richtig angeschraubt) Synthy-Glutamat - auf dass die Darmflora mal wieder resettet wird! Und so wird das Wunder wahr: Alle stimmen ein in die 7 frohlockenden Hits, alles Böse auf der Welt implodiert aus Gründen und selbst die coolen Fanzines werden zu offiziell akkreditierten Schmutzkifans. Denn es ist eben kein Wunder, dass "Wunder" ein Wunder ist!

MUNA sind magisch. Welche andere Band hätte das verlorene Jahr 2021 mit Pailletten und Pompoms geprägt - und dich dabei ganz nebenbei zum Singen bringen können (und vielleicht sogar zu glauben), dass "Life's so fun, life's so fun" ist? All das während der vielleicht unruhigsten Phase deines Lebens? "Silk Chiffon", der Instant-Hit von MUNA mit Labelchefin Phoebe Bridgers, schlug wie ein doppelter Regenbogen in den grauen Himmel der anderthalbjährigen Pandemie ein. Pitchfork nannte es einen "Strudel von Schmetterlingen im Bauch", NPR einen "Queerwurm", der US-Rolling Stone "eine der süßesten Melodien des Jahres, die die Art von purer Pop-Seligkeit ausstrahlt, die so viele Bands anstreben, aber fast nie richtig hinbekommen." Für MUNAs Gitarristin und Produzentin Naomi McPherson war es ein "song for kids to have their first gay kiss to." Und so blühten mehrere Tausend verrückte Twitter- und TikTok-Memes auf. Seit Beginn ihrer Karriere haben MUNA den Schmerz als Fundament der Sehnsucht, als Zentrum der radikalen Wahrheit, als Teil des Erwachsenwerdens und als inhärenten Faktor der Erfahrung von Marginalität betrachtet - die Bandmitglieder gehören Queer- und Minderheitengemeinschaften an und spielen ihre Songs vor allem für diese. Gavin, McPherson und Josette Maskin - die Gitarristin von MUNA - verbindet eine bald zehnjährige Freundschaft. Sie begannen im College an der USC zusammen Musik zu machen und veröffentlichten 2017 mit der Single "I Know a Place" einen frühen Hit als eine aufgestaute Beschwörung zur LGBTQ-Zuflucht und Transzendenz. Jetzt, in ihren späten Zwanzigern, ist das Trio so etwas wie eine Familie geworden. Sie verbrachten einen Großteil der frühen Pandemie als eine Gruppe, die füreinander und für MUNA da war, selbst als sie sich über nix in Bezug auf Zukunft sicher sein konnten. Sie wurden von ihrem vorigen Label RCA gedroppt und es gab nur wenig Einkommen, kein Adrenalin, mit dem sie arbeiten konnten, keine Live-Shows mit Publikum, das sie an den Beistand erinnerte, den ihre Songs bieten können. "Muna", das selbstbetitelte dritte Album der Band, ist mehr als eine Rückkehr. Die Zeit der Unsicherheit und des offenen Hinterfragens der Band hat alles weggebrannt und ein Meisterwerk von einem Album hinterlassen - die kraftvolle, bewusste, dimensionale Leistung einer Band, die niemandem außer sich selbst etwas beweisen muss. Der Synth auf "What I Want" funkelt wie eine ROBYN-Tanzflächenhymne; "Anything But Me", das im 12/8-Takt galoppiert, erinnert an SHANIA TWAIN im Neonlicht der Achtziger; "Kind of Girl" mit seinem aufsteigenden, klagenden THE CHICKS-Refrain bittet darum, mit deinen besten Freund*innen bei maximaler Lautstärke gesungen zu werden. MUNA arbeiteten mit dem Quellcode des Pop, der das Herz berührt - das Album ist voller Sehnsucht und Offenbarung und hart erkämpfter Freiheit.

"es ist nie zu spät für frühstück" ist das erste Album der Hamburger Musikerin jule. Ein Satz, der so beiläufig klingt, dass man fast übersieht, wie viel darin steckt. Zwischen Müdigkeit und Hoffnung, Alltag und Überforderung erzählt jule von dem Moment, in dem man weitermacht, obwohl längst Mittag ist. Von dem Drang, trotzdem aufzustehen, auch wenn nichts so läuft, wie man es geplant hatte. Nach mehreren Singles und der Debüt EP "Im Regio weinen" (Sommer 2024), deren Songs zwischen Unsicherheit und Wut pendeln, öffnet die Mittzwanzigerin jule jetzt ein neues Kapitel: Zum ersten Mal auch mit Band. Was früher allein mit Gitarre begann, ist gewachsen. Der Sound ist größer geworden, bleibt aber nahbar: Ehrlich, manchmal zärtlich, manchmal laut. Die elf Songs bewegen sich zwischen Melancholie und Aufbruch, zwischen Gitarre und Klavier. Sie handeln von Beziehungen die kippen, von Überforderung und dem Versuch, sich selbst auszuhalten. Von der Frage was bleibt, wenn Sicherheit fehlt. Produziert und aufgenommen wurde das Album von Alexander Kallenberg im Poolhaus Tonstudio/Hamburg, gemastert wurde es von Raphael Rasmus (u.a. Captain Planet, Matula, Deutsche Laichen) im Studio Gisela/Mühlheim am Main. Die Band bringt eine neue Tiefe und Energie in die Songs, ohne den Raum zu nehmen, die jules Texte brauchen."es ist nie zu spät für frühstück" erscheint bei Zeitstrafe und markiert für jule mehr als nur ein Langspiel-Debüt: Es ist eine Bestandsaufnahme zwischen Erschöpfung und Anfang. Kein Optimismus-Album, eher eins für die Möglichkeit, um überhaupt wieder aufzustehen.

Following his bold 1983 solo debut 'Walk Into Light', Ian Anderson - the legendary flautist, songwriter & frontman of Jethro Tull - returned in 1995 with 'Divinities: Twelve Dances With God', a richly textured & wholly instrumental work that showcased a different side of his musical imagination. A sweeping, genre- defying suite in twelve parts, 'Divinities' draws deeply on Anderson's lifelong love of classical music, world traditions & pastoral folk. Conceived as a continuous orchestral journey, the album weaves influences from Celtic airs & Middle Eastern motifs to Indian ragas & Baroque counterpoint, all anchored by Anderson's unmistakable flute.

The result is one of his most ambitious & evocative projects - a spiritual, cinematic exploration of faith, nature & the divine. Now 'Divinities: Twelve Dances With God' returns to vinyl in a stunning half- speed remastered edition, expertly mastered by Grammy-winning engineer John Webber at London's AIR Studios using audio sourced from the original tapes. Pressed on black vinyl & housed in a faithful reproduction of the original artwork, this new edition stands as the most detailed & dynamic presentation of the album to date. Originally premiered live in its entirety with orchestral accompaniment before its release, 'Divinities' remains a singular work within Anderson's catalogue - a testament to his restless creativity & compositional range beyond the bounds of progressive rock.

Punkrock, Fußball und Eishockey_Fan-Leidenschaft mit Höhen und Tiefen in mitreißende Hymnen verpackt mit Ohrwurmgarantie: Die Düsseldorfer Band "Dead Dates" haben sich nicht nur dem Punkrock verschrieben, sondern sind seit Jahrzehnten auch sportbegeisterte Fans und eng verbunden mit zwei Traditionsvereinen aus ihrer Landeshauptstadt! Jetzt erscheinen 2 neue Songs (nicht nur) für alle Fortuna95 Düsseldorf & DEG-Fans auf limitiertem 7inch Vinyl! Sänger "Opa" Marcus Haefs war jahrzehntelang Stadion-DJ der Fortuna Düsseldorf, pilgerte nebenbei auch noch zu fast jedem Heimspiel des Eishockeyvereins und hat nicht nur deshalb ein sicheres Gespür für Klänge, die bei Supportern & Ultras ankommen: "Wir wollten mit diesen Songs keine neuen Stadionhymnen oder Aufstiegslieder schreiben oder neue Fans erreichen. Wir fanden einfach die Idee gut eine Single mit zwei A-Seiten für die wichtigsten Vereine unserer Stadt aufzunehmen mit jeder Menge Spaß und Bier dabei" (Dead Dates) Vom Aufstieg zu reden wäre zumindest bei den Kickern derzeit auch etwas bescheuert so mitten im Abstiegskampf und deshalb heißt der Fortuna95-Song auch mit trotzigem Humor gespickt "Nie mehr Nebenplatz 11". Auch die DEG versucht ihre Erstklassigkeit wieder zu erlangen, also "Heja DEG"_die Playoffs sind nicht mehr weit! Punk hat sich schon immer mehr an den Underdogs orientiert und echte Fans halten ihrem Verein in jeder Situation die Treue!

Punkrock, Fußball und Eishockey_Fan-Leidenschaft mit Höhen und Tiefen in mitreißende Hymnen verpackt mit Ohrwurmgarantie: Die Düsseldorfer Band "Dead Dates" haben sich nicht nur dem Punkrock verschrieben, sondern sind seit Jahrzehnten auch sportbegeisterte Fans und eng verbunden mit zwei Traditionsvereinen aus ihrer Landeshauptstadt! Jetzt erscheinen 2 neue Songs (nicht nur) für alle Fortuna95 Düsseldorf & DEG-Fans auf limitiertem 7inch Vinyl! Sänger "Opa" Marcus Haefs war jahrzehntelang Stadion-DJ der Fortuna Düsseldorf, pilgerte nebenbei auch noch zu fast jedem Heimspiel des Eishockeyvereins und hat nicht nur deshalb ein sicheres Gespür für Klänge, die bei Supportern & Ultras ankommen: "Wir wollten mit diesen Songs keine neuen Stadionhymnen oder Aufstiegslieder schreiben oder neue Fans erreichen. Wir fanden einfach die Idee gut eine Single mit zwei A-Seiten für die wichtigsten Vereine unserer Stadt aufzunehmen mit jeder Menge Spaß und Bier dabei" (Dead Dates) Vom Aufstieg zu reden wäre zumindest bei den Kickern derzeit auch etwas bescheuert so mitten im Abstiegskampf und deshalb heißt der Fortuna95-Song auch mit trotzigem Humor gespickt "Nie mehr Nebenplatz 11". Auch die DEG versucht ihre Erstklassigkeit wieder zu erlangen, also "Heja DEG"_die Playoffs sind nicht mehr weit! Punk hat sich schon immer mehr an den Underdogs orientiert und echte Fans halten ihrem Verein in jeder Situation die Treue!

Sierra Levesque is a 20-year-old, award-winning singer, songwriter, and multi-instrumentalist who is rapidly establishing herself as one of rock’s most
exciting rising stars. Gen Z’s Most Ambitious New Guitarist” and named among “10 Young Shredders Shaping Rock and Metal Today,” Sierra Levesque has also been prominently and in Guitar World Magazine, which declares she “stakes a claim as the future of rock ’n’ roll.” Her sound is a fusion of pop, rock, and metal,
drawing inspiration from legendary artists such as Avril Lavigne, Heart, Joan Jett, and Scorpions.

With a rapidly expanding global fanbase, Sierra has
amassed over 2 million Spotify streams, 450,000+ music video views, and 250,000+ social media followers. Sierra’s growing list of accolades includes winning four MyFM Spirit Awards for “Best Local Musician,” being a finalist for 'Artist of the Year' at the 2024 Ottawa Awards, earning a nomination for 'Song of the Year' at the 2025 Ottawa Awards, and receiving the prestigious King Charles III Coronation Medal for her outstanding contributions to the arts. Sierra Levesque’s debut album NEW GENERATION delivers 13 original, self-recorded tracks that blend powerful guitar riffs, evocative storytelling, and rebellious energy—establishing her as one of the most exciting young artists shaping the future of rock.