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Mit der neuen Ausgabe der The Vinyls Collection steht diesmal die goldene Ära von Disco und Funk im Mittelpunkt. Die Compilation vereint 20 zeitlose Klassiker, die den Sound der Tanzflächen der 1970er- und frühen 1980er-Jahre geprägt haben. Von internationalen Disco-Hymnen bis zu wegweisenden Funk-Grooves bietet die Auswahl einen repräsentativen Querschnitt durch eine der einflussreichsten Epochen der Popmusik. Mit Künstlern wie Amii Stewart, Curtis Mayfield, Positive Force, Aaron Neville, Loleatta Holloway, Patrice Rushen und Silver Convention versammelt das Album zahlreiche stilprägende Aufnahmen des Genres. Ob Dancefloor-Klassiker, Soul-infizierte Grooves oder frühe Club-Favoriten - diese Zusammenstellung verbindet musikalische Qualität mit hohem Wiedererkennungswert und spricht sowohl langjährige Sammler als auch neue Liebhaber klassischer Disco- und Funkmusik an.

Das im Oktober 1957 aufgenommene Album “Sonny Clark Trio” sticht aus zweierlei Gründen aus der
Blue-Note-Diskografie des Pianisten Sonny Clark (1931-1963) heraus. Einerseits, weil er sich nicht wie
auf seinen anderen Alben für das Label mit einem Quintett oder Sextett präsentierte, sondern im Trio mit
dem Bassisten Paul Chambers und dem Schlagzeuger Philly Joe Jones. Zum anderen, weil er darauf keine
Eigenkompositionen spielte, sondern auf subtile Weise erstmals ausschließlich Standards aus dem Great
American Songbook und Werke führender Jazzkomponisten jener Zeit interpretierte. Das Album kam bei
den Fans und Kritikern so gut an, dass Clark im Dezember 1957 und im November 1958 nach demselben Muster mit zwei anderen Trio-Besetzungen zusammenarbeitete. Aus unerfindlichen Gründen sollten
diese Aufnahmen jedoch erst lange nach Clarks Tod veröffentlicht werden - und zunächst auch nur in Japan.
Nun erscheinen die kompletten Aufnahmen zusammen mit alternativen Takes des Albums “Sonny Clark
Trio” auf einer Doppel-LP innerhalb der audiophilen Blue-Note-Tone-Poet-Serie unter dem Titel “The Art
of the Trio”. Die Veröffentlichung kommt in einer luxuriösen Tip-On-Gatefold-Hülle daher und enthält ein
Booklet mit neuen Liner Notes von Syd Schwartz, den Original-Liner Notes von Ben Sidran und Bob Porter
sowie bisher unveröffentlichten Fotos von Francis Wolff.

Marking their second release for GULF COAST RECORDS, the collection favours raw performance over polish, capturing the chemistry, spontaneity, and fearless musicianship that have defined the group for more than three decades. Fronted by the unmistakable voice of JERRY LANGER and the soulful guitar work of RANDY JACOBS - formerly of Was (Not Was) - the EP embraces honest, acoustic arrangements where every note and breath remains beautifully exposed. Produced by Jacobs, Langer, and JOHN WOOLER, the project reveals a band confident enough to let the songs speak for themselves. Recorded primarily at Kaleidoscope Studios in Berlin, the sessions continued wherever the road allowed, with additional performances captured in U.S. studios and hotel rooms between shows. This wandering spirit gives the EP a sense of movement and lived experience. A remarkable ensemble of collaborators adds depth throughout, including Holly Montgomery, Arthur Thompson, Joe Sublett, Mark Pender, Jon Gilutin, and Oliver Leiber. Across six tracks - bold reinterpretations and originals - the band blends Detroit soul, New Orleans groove, blues, and rock & roll swagger. Pull Up the Roots celebrates authenticity, proving that great songs and genuine soul need no embellishment.

In den vergangenen Jahren hat Nate Amos einen bemerkenswerten Aufstieg erlebt. Ob als Solokünstler unter dem Namen This Is Lorelei oder mit seiner Band Water From Your Eyes - aus gefeierten Veröffentlichungen wurden ausverkaufte Tourneen rund um den Globus, während seine Songs von einigen der einflussreichsten Künstler der Gegenwart neu interpretiert wurden. Mit The Singer in My Band, seinem ersten Album für das renommierte Label Matador Records, legt Amos nun ein Werk vor, das seinen Status als eine der spannendsten Stimmen der modernen Indie-Musik untermauert. Das Album greift die Tradition des Great American Songbook auf und übersetzt deren grundlegende Stärken (starke Melodien, prägnante Texte und zeitlose Songstrukturen) in eine moderne, eigenwillige Klangsprache. Entstanden während ausgedehnter Tourneen, ist The Singer in My Band zugleich das erste echte "Road Album" in Amos" Diskografie. Viele Ideen entwickelten sich unterwegs, fernab von Instrumenten und Studios, geprägt von den Eindrücken des ständigen Reisens. Die Vorabsingle "Billy Came Back" verkörpert diesen kreativen Ansatz beispielhaft. Der Song begleitete Amos über Monate hinweg, verschwand immer wieder aus seinem Bewusstsein und kehrte dennoch ständig zurück, bis er schließlich vollendet wurde. Wie viele Stücke des Albums verbindet er eingängige Melodien mit einer erzählerischen Offenheit, die Raum für eigene Interpretationen lässt. Bevölkert wird das Album von Figuren wie Billy, Joey, Genevieve, Sarah und Buddy, die durch ein Panorama amerikanischer Schauplätze wandern. Ihre Geschichten bewegen sich zwischen Realität und Fiktion und spiegeln die flüchtigen, oft widersprüchlichen Erfahrungen des Unterwegsseins wider. Musikalisch setzt Amos auf Reduktion und die Stärke klassischer Songkunst. Der Einfluss seiner lebenslangen Verbundenheit zur Bluegrass-Musik zeigt sich weniger im Klang als in den kompositorischen Prinzipien: Ein Song muss durch Melodie, Text und Harmonie überzeugen. Mit The Singer in My Band gelingt Amos ein Album, das Tradition und Gegenwart verbindet und seinen wachsenden Einfluss innerhalb der internationalen Indie- und Songwriter-Szene eindrucksvoll bestätigt.

Quiet Village drop a version of Barry Reynolds' 'Till The Doctor Gets Back' with a remix from Mad Professor. The duo's latest release for their eponymous imprint is a love letter to the early-80s sound of Island Records.

Joel Martin and Matt 'Radio Slave' Edwards' Quiet Village project is back on their The Quiet Village imprint on July 10th with 'Till The Doctor Gets Back', a characteristically spaced-out cover of Barry Reynolds which features their first ever commissioned remix, having tapped Mad Professor.

Recorded in 2024, Quiet Village's 'Till The Doctor Gets Back' evokes the spirit of the 1982 original, a release born out of a period when reggae, dub, pop, rock and dance music were colliding. QV's version is exactly what the duo have been known for since their beginnings in 2005; unhurried, immersive and utterly compelling. With reverb and delays firmly on the 'dub' bus, the track is shot through rich synths, glorious overlapping melodies and a fresh vocal interpretation. Mad Professor's dub slow burns, doubles down on the dub aesthetics and embraces the source material wholly, resulting in a cosseting yet invigorating listen.

2026 Repress

Originally Released as Ltd. Cassette- this is the first Edition of the Album on Vinyl! Matte Vinyl-Sleeve designed by Sam Gendel! For Fans of John Coltrane, Pharoah Sanders, J Dilla, Daniel Lanois, Brian Eno, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Miles David, Knower, Alice Coltrane, Flying Lotus, Aphex Twin and Sun Ra ...

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

"JPEGMAFIA, a trailblazing force in experimental hip hop, releases his latest solo project, I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU. This album, his first since 2021, is a complex and innovative work that showcases his meticulous production skills. Featuring collaborations with Denzel Curry, Vince Staples, and Buzzy Lee, the album explores themes like capitalism, conscription, and propaganda through some of JPEGMAFIA’s most anarchic raps to date. The release is accompanied by an extensive global tour, reinforcing his status as one of the genre’s most incendiary talents. Since his last solo release, JPEGMAFIA has continued to push boundaries in the music industry, most notably with his 2023 collaboration with Danny Brown on Scaring the Hoes, which garnered critical acclaim and chart success. With I Lay Down My Life for You, JPEGMAFIA cements his reputation as a visionary artist, delivering a powerful commentary on the world through his unique lens. The album’s release is set to make a significant impact, both in stores and on stages worldwide."

Back in November 2015, after years of collaborations with such as Ghostface Killah, Raekwon, Obie Trice, Sean Price, Kool G Rap, Eternia and countless others, Toronto-based producer MoSS released his debut producer album entitled "Marching To The Sound Of My Own Drum". Since the beginning of his career, the Canadian beatsmith, record digger and music connoisseur has been making a name for himself with his signature sound and on this record he gives an amazing display of what he's capable of doing being backed up by an all stars team that features AZ, Havoc, Slum Village, Onyx, Inspectah Deck, Ill Bill, Skyzoo, Guilty Simpson and 20+ other legendary MC's. A few years after its original release, we've decided to team up with MoSS to bring you this masterpiece on wax and, for the occasion, he's also added an unreleased bonus track called "We Here" that features Smif-N-Wessun that, together with "Emotional Redux", we've put on a 7" together with its instrumental. Limited edition of 500 hand-numbered copies, with the first 200 pressed on orange/black A-side B-side vinyl, and 300 on black vinyl.

BONUS 7”

A1. Emotional Redux (feat. Big Gov, Guilty Simpson, Jon Connor, Vstylez, Willie The Kid)
B1. We Here (feat. Smif-N-Wessun) UNRELEASED
B2. We Here (Instrumental)

Pressed to "beer" color vinyl, features remastered audio & original packaging. The first band on Fat Wreck Chords, Lagwagon pioneered the modern pop-punk movement. Hoss (1995) is a foundational pillar of 90s skate punk that helped define the signature "Fat Wreck Chords" sound_fast, melodic, and technically proficient. Frontman Joey Cape introduced introspective, melancholic songwriting to the genre on iconic anthems like "Violins," proving aggressive punk could carry emotional weight. Furthermore, Derrick Plourde's innovative, lightning-fast drumming raised the technical bar for the entire scene, heavily influencing generations of punk drummers worldwide.

„Dragonflies“, das gleichnamige Debütalbum von Dhani Harrison und Nigel Godrich.
Dhani Harrison ist ein zweifacher Grammy-Preisträger, Musiker, Komponist und Produzent. Nachdem er
mit seiner Band „thenewno2“ erstmals auf der internationalen Bühne in Erscheinung getreten war, hat sich
Harrison inzwischen als eigenständiger Solokünstler etabliert. Sein Solo-Debütalbum „IN///PARALLEL“
(2017) markierte eine mutige kreative Weiterentwicklung, gefolgt von dem von der Kritik gefeierten Werk
„INNERSTANDING“. Neben seiner Solokarriere hat Harrison mit einer vielfältigen Auswahl an Künstlern
zusammengearbeitet, darunter Wu-Tang Clan, UNKLE, John McLaughlin, Annie Lennox, Pearl Jam, Nitin
Sawhney, Perry Farrell, Prince, Regina Spektor und Fistful of Mercy (gemeinsam mit Ben Harper und
Joseph Arthur).
Nigel Godrich ist einer der renommiertesten Produzenten und Toningenieure, der vor allem für seine
jahrzehntelange kreative Zusammenarbeit mit Radiohead bekannt ist. Er begann seine Arbeit mit der
Band im Jahr 1994 und hat seit „OK Computer“ (1997) jedes Radiohead-Studioalbum produziert; damit
war er maßgeblich an der Gestaltung eines der einflussreichsten Musikkataloge der Moderne beteiligt. Godrich, der ebenfalls zweifacher Grammy-Preisträger ist, gehört zudem zu den Gründungsmitgliedern der
gefeierten Band Atoms for Peace – gemeinsam mit Thom Yorke, Flea, Joey Waronker und Mauro Refosco.
Im Laufe seiner Karriere hat Godrich mit einer außergewöhnlichen Bandbreite an Künstlern zusammengearbeitet, darunter Paul McCartney, Beck, Red Hot Chili Peppers, U2, IDLES, Roger Waters, Air, Pavement,
Travis und R.E.M.
Mit *Dragonflies* führen Harrison und Godrich ihre jahrzehntelange Erfahrung in Songwriting, Produktion
und Filmkomposition in einem einzigartigen neuen Gemeinschaftsprojekt zusammen.

Das Branford Marsalis Quartet und Sängerin Dianne Reeves veröffentlichen mit „Dedicated To You“ eine
außergewöhnliche Hommage an John Coltrane zum 100. Geburtstag der Jazz-Ikone. Gemeinsam mit
Dianne Reeves präsentieren der legendäre Saxofonist, Pianist Joey Calderazzo, Bassist Eric Revis und
Schlagzeuger Justin Faulkner neue Interpretationen jener sechs Standards, die 1963 auf dem berühmten
Album ”John Coltrane and Johnny Hartman” (Impulse! Records) erschienen. Ergänzt wird das Repertoire
durch instrumentale Neuinterpretationen ausgewählter Coltrane-Kompositionen wie „Central Park West“,
„26-2“ und „Big Nick“, die das Album zu einer facettenreichen Hommage an einen der einflussreichsten
Musiker der Jazzgeschichte machen. Das Album verbindet höchste musikalische Virtuosität mit emotionaler
Intensität und zeigt eindrucksvoll, wie zeitlos Coltranes Musik bis heute geblieben ist.

BLUE NOTE ESSENTIALS heißt die neue LP-Serie, die Klassiker des Labels erstmals kompromisslos
preiswert aber ohne Abstriche bei der Fertigung präsentiert (140g-Optimal-Pressung, Hi-res-Master, OriginalCover). Ein ganz besonderes Album erscheint innerhalb der Serie jetzt als limitierte Auflage in blauem Vinyl:
”Blue Train”.
Am 15. September 1957 nahm John Coltrane in Rudy Van Gelders Studio in New Jersey sein erstes
großes Meisterwerk auf. Es blieb das einzige Album des legendären Saxofonisten als Bandleader für Blue
Note. Inspiriert vom bluesigen Titelstück präsentiert das Album auf fünf Stücken ein hochkarätig besetztes
Sextett mit Lee Morgan (Trompete), Curtis Fuller (Posaune), Kenny Drew (Piano), Paul Chambers (Bass)
und Philly Joe Jones (Drums). Ein Meilenstein des Hard Bop.

Originally released in 1971, "Satori" is Flower Travellin' Band's groundbreaking masterpiece and one of the most visionary albums of the early heavy rock era. It fused hard rock, psychedelia, progressive music and Traditional Eastern influences into a sound unlike anything heard before. Originally released in 1971, "Satori" is Flower Travellin' Band's groundbreaking masterpiece and one of the most visionary albums of the early heavy rock era. It fused hard rock, psychedelia, progressive music and traditional Eastern influences into a sound unlike anything heard before. Unlike many rock albums of the era, "Satori" is structured as a continuous musical journey, with its five tracks presented as interconnected movements rather than conventional songs. The band's powerful rhythm section, extended guitar passages, and the commanding vocals of Joe Yamanaka create an atmosphere that feels both intense and hypnotic. Recorded during a period when Japanese rock was developing its own identity, "Satori" drew inspiration from Western hard rock and psychedelia while incorporating a unique sense of space, improvisation, and spiritual exploration. Over the decades, the album has gained international recognition among collectors, musicians, and fans of vintage heavy rock, often cited as an overlooked classic that anticipated elements of later hard rock, stoner rock, and heavy metal. Created for an international audience and revered by generations of musicians and collectors, more than fifty years after its release, "Satori" remains as one of the most influential and forward-thinking records in Japanese rock history. LP includes insert.

„Ride Lonesome“ – das erste Album mit völlig neuem Material von Beck seit dem Grammy-prämierten
Album „Hyperspace“.
Das neue Album verdankt seine zugleich neue und doch vertraut-warme Atmosphäre der Zusammenarbeit
mit jenen Musikern, mit denen Beck bereits „Sea Change“, „Morning Phase“ und „Mutations“ aufgenommen hatte – Smokey Hormel, Joey Waronker, Justin Meldal-Johnsen, Roger Joseph Manning Jr. und Jason
Falkner –, die sich im „Room B“ der United Studios in Hollywood wieder zusammenfanden. Godrich, der
bereits an „Sea Change“ und „Mutations“ mitgewirkt hatte, übernahm erneut den Mix des Albums. In
dem Jahrzehnt seit der Aufnahme von „Morning Phase“ (Gewinner des Grammy für das Album des Jahres
2015) erlebten Beck und die Band eine spürbare Weiterentwicklung und Vertiefung ihres Zusammenspiels
und ihrer Chemie – verfeinert durch jahrzehntelange Zusammenarbeit.

Desire erschien 1976 zu Beginn von Bob Dylans Rolling Thunder-Tour-Ära, die ihn in den folgenden Jahren buchstäblich mehrfach um den Erdball führte. Die Platte tänzelt virtuos zwischen den Stilen, die von Dylans herausragenden Lyrics zusammen gehalten werden. Die bemerkenswertesten Songs des Nr.1-Albums sind zweifellos die Boxer-Tragödie 'Hurricane', 'Sara', 'Mozambique' und ganz besonders 'Isis', der als Dylans beste Komposition der 70er Jahre gilt.

Die britischen Pioniere des Progressive Alternative Metal, Haken, kehren mit der EP *In a Fever Dream* zurück - ihrem ersten neuen Material seit dem von der Kritik gefeierten Album *Fauna* aus dem Jahr 2023 -, das den Beginn eines spannenden neuen Kapitels für die Band markiert.Die gemeinsam mit George Lever (Loathe, Sleep Token) produzierte EP präsentiert einige der bisher emotional direktesten und kraftvollsten Stücke von Haken. Für zusätzliche Tiefe sorgen die renommierten Musiker Adam "Nolly" Getgood (Periphery) und Bryan Beller (The Aristocrats, Joe Satriani), die sich den Basspart auf den fünf Titeln der EP teilen.Die EP mit dem markanten Cover-Artwork von Vaxo Lang wird als limitierte CD-Digipak-Edition, als Deep Blood Red Vinyl LP und als digitales Album erhältlich sein.

505 Games und Laced Records präsentieren die mitreißende Musik von „WUCHANG: Fallen Feathers“ auf Doppel-Vinyl.

Die gesamte Musik wurde von Joe Caithness speziell für Vinyl gemastert. Das Gatefold-Cover ziert ein Artwork des Entwicklers Leenzee, das den Protagonisten Bai Wuchang darstellt.

Die Handlung spielt im Land Shu während der Ming-Dynastie, und die Filmmusik spiegelt eine Welt wider, die von kriegführenden Fraktionen, einer mysteriösen Krankheit und monströsen Kreaturen heimgesucht wird. Die Musik fängt die feierliche Schönheit der Landschaft und die darunter lauernde Furcht ein und verbindet traditionelle chinesische Instrumente und kraftvolle Gesangsdarbietungen mit grandiosen Orchesterarrangements und unheilvollen Gesangseinlagen.

Zusammen bilden Musik und Artwork ein Werk, das sich zugleich elegant und unheilvoll anfühlt – ein Artefakt, das der untergegangenen Dynastie, die es repräsentiert, würdig ist.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Originally released in 2012, 1999 is the definitive debut mixtape from Brooklyn MC Joey Bada$$ that helped reshape the modern underground rap landscape. Leaning heavily into the golden era sound, a 17-year-old Joey earned instant critical acclaim by paying flawless homage to the 90s. Beyond timeless standout tracks like “Waves,” “Survival Tactics,” and “Snakes,” the 15-track mixtape boasts production from icons like Chuck Strangers, Lord Finesse, MF DOOM, and J Dilla. It remains a crucial time capsule for the Pro Era collective, featuring memorable verses from Kirk Knight, CJ Fly, Nyck Caution, Rokamouth, Dessy Hinds, Dyemond Lewis, T’nah Apex, and the late Capital STEEZ. A classic that still sounds as fresh today as it did a decade ago. Pro Era Forever.

Wewantsounds is delighted to announce the first-ever international release of the legendary collaboration between Abdullah Ibrahim (Dollar Brand) and Don Cherry, featuring Carlos Ward. Recorded live in 1972 at Jazzhus Montmartre in Copenhagen, this highly sought-after album was originally released exclusively in Japan in 1974 on the cult jazz label Trio Records via its revered Nadja imprint. An essential chapter in the musicians" discographies, the performance masterfully blends jazz with rich South African rhythms and global influences. This long-awaited edition features fully remastered audio, the original Japanese artwork, and a 4-page booklet with new bilingual liner notes (English/French) by Jacques Denis.

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Klar, die Mitglieder von Pegboy waren schon in anderen Bands. Manche würden sie vielleicht sogar als ,wegweisend" bezeichnen. Man würde erwarten, dass Pegboy allein aufgrund ihres Werdegangs beträchtliche Aufmerksamkeit auf sich ziehen würden (Gitarrist John Haggerty war bei Naked Raygun, Schlagzeuger Joe Haggerty spielte bei Bloodsport und Effigies, und Sänger Larry Damore sowie Bassist Steve Saylors waren bei den Bhopal Stiffs). Ihr erstes Album ,Strong Reaction", das ursprünglich 1991 erschien, zeigte, dass die Band ihr beachtliches Gespür für knallharten, melodischen Punk in Songs wie ,Superstar" und ,What To Do" verfeinerte und sich gleichzeitig an ein mitreißendes Instrumental wie ,Locomotivelung" wagte - so würden Slayer klingen, wenn sie sich die Haare schneiden lassen und einen Job annehmen würden.

The Rascals are a British indie rock trio formed in 2006 by Miles Kane (guitar and vocals), Joe Edwards (bass) and Greg Mighall (drums), hailing from The Wirral on Merseyside. Before becoming The Rascals, all three members spent their formative years playing together in The Little Flames, gaining valuable experience touring with prominent contemporaries such as The Coral, The Zutons and, most significantly, Arctic Monkeys. It was while supporting Arctic Monkeys—drawing inspiration from their fiercely independent, DIY ethos and refusal to compromise—that the trio decided to trust their instincts and strike out on their own.

In September 2006, Kane, Edwards and Mighall began writing and jamming as a three-piece, giving birth to The Rascals. The band quickly developed a sound rooted in strong pop melodies and psychedelic flourishes, but distinguished by a darker, more introspective undercurrent. Influenced by artists such as Scott Walker, their music carries a sweeping, epic quality, while their lyrics often evoke a David Lynch–like atmosphere. As Kane explains, The Rascals were never content with skimming the surface, instead preferring to explore subtler, shadowy themes that reveal themselves over time.
Released on Deltasonic Records, Rascalize showcases clear influences from labelmates and peers such as The Coral, as well as echoes of bands like The Inspiral Carpets. Standout tracks including “The Glorified Collector,” “Does Your Husband Know That You’re On The Run?” and lead single “Freakbeat Phantom” highlight the band’s knack for catchy hooks, layered guitar effects and driving rhythms.

BRANDON MARKELL HOLMES brings more heat with remix version of his album "Try." 6 standout remixes from MOON BOOTS, AROOP ROY, BYRON THE AQUARIUS, 808 BEACH, AND BAD COLOURS crafted for peak-time sets and deep dancefloor Moments. Full pic sleeve.

In den vergangenen Jahren hat Nate Amos einen bemerkenswerten Aufstieg erlebt. Ob als Solokünstler unter dem Namen This Is Lorelei oder mit seiner Band Water From Your Eyes - aus gefeierten Veröffentlichungen wurden ausverkaufte Tourneen rund um den Globus, während seine Songs von einigen der einflussreichsten Künstler der Gegenwart neu interpretiert wurden. Mit The Singer in My Band, seinem ersten Album für das renommierte Label Matador Records, legt Amos nun ein Werk vor, das seinen Status als eine der spannendsten Stimmen der modernen Indie-Musik untermauert. Das Album greift die Tradition des Great American Songbook auf und übersetzt deren grundlegende Stärken (starke Melodien, prägnante Texte und zeitlose Songstrukturen) in eine moderne, eigenwillige Klangsprache. Entstanden während ausgedehnter Tourneen, ist The Singer in My Band zugleich das erste echte "Road Album" in Amos" Diskografie. Viele Ideen entwickelten sich unterwegs, fernab von Instrumenten und Studios, geprägt von den Eindrücken des ständigen Reisens. Die Vorabsingle "Billy Came Back" verkörpert diesen kreativen Ansatz beispielhaft. Der Song begleitete Amos über Monate hinweg, verschwand immer wieder aus seinem Bewusstsein und kehrte dennoch ständig zurück, bis er schließlich vollendet wurde. Wie viele Stücke des Albums verbindet er eingängige Melodien mit einer erzählerischen Offenheit, die Raum für eigene Interpretationen lässt. Bevölkert wird das Album von Figuren wie Billy, Joey, Genevieve, Sarah und Buddy, die durch ein Panorama amerikanischer Schauplätze wandern. Ihre Geschichten bewegen sich zwischen Realität und Fiktion und spiegeln die flüchtigen, oft widersprüchlichen Erfahrungen des Unterwegsseins wider. Musikalisch setzt Amos auf Reduktion und die Stärke klassischer Songkunst. Der Einfluss seiner lebenslangen Verbundenheit zur Bluegrass-Musik zeigt sich weniger im Klang als in den kompositorischen Prinzipien: Ein Song muss durch Melodie, Text und Harmonie überzeugen. Mit The Singer in My Band gelingt Amos ein Album, das Tradition und Gegenwart verbindet und seinen wachsenden Einfluss innerhalb der internationalen Indie- und Songwriter-Szene eindrucksvoll bestätigt.

Friends of Jesse Malin: I Would Do It For You – Vol. 1 brings together musicians from the worlds of rock, punk, Americana, and the underground to celebrate one of modern rock's most respected songwriters. "I've been a fan of Jesse Malin for decades now so I was thrilled when Valley Lodge was asked to be a part of the tribute album,”says Dave Hill. The song originally appeared on D Generation’s 1996 album, No Lunch. "'Too Loose' has always been one of my favorites—a great and timeless rock song that we had a blast re-interpreting." Produced by Lyle Hysen, Friends of Jesse Malin: I Would Do It For You Vol 1. is the first in a two-volume series of nearly 80 songs (!) recorded by Jesse’s friends and community. Proceeds from the album will benefit Malin’s healthcare as he recovers from a paralyzing spinal stroke. Vol. 2 will feature Thurston Moore, Willie Nile, and many more. "Friends, collaborators, and artists from every corner of Jesse's world wanted to be involved," says Hysen. "The songs just kept coming. What started as a single collection quickly grew into something much bigger, encompassing almost the entire Malinverse. We're excited that this is only the first chapter." The compilation features contributions from Amanda Cross, Bebe Buell, Trapper Schoepp, Valley Lodge, Danny Sage, James Maddock, Gogol Bordello, Ursa Minor, Sami Yaffa, Prima Donna, Das Damen, Rene & Grace Mata, Dead Milkmen, Cat Popper & Sasha Dobson, Robinlee Garber, The Seashore Sharks featuring Jesse and Alexei Sanoff, Derek Cruz, Jill Fiore, Matt Madly & Co., Davey La, American Dream, Joe McGinty, Randy Schrager, Stephen Chopek, Ben Foley, and Kelley Swindall. Friends of Jesse Malin: I Would Do It For You – Vol. 1 will be available digitally, on vinyl, and as a deluxe double-CD edition. The vinyl release features twelve tracks across two sides and includes a download code for the complete digital collection, while the CD edition presents all 26 songs across two discs.

Die Shubert Alley ist eine Straße im Theaterviertel von Manhattan in New York City und gilt als Zentrum
der Broadway-Theater. Für sein Album “Swings Shubert Alley” griff der Sänger Mel Tormé 1960 natürlich auf das Repertoire der vielen bekannten Kompositionen zurück, die Cole Porter, Stephen Sondheim,
Leonard Bernstein, Harold Arlen und andere Koryphäen des Genres für Broadway-Aufführungen geschrieben
hatten. Obwohl er dabei auch einige etwas balladeskere Nummern interpretiert, ist die allgemeine Stimmung von ungezügelter Begeisterung geprägt. Dazu trägt nicht zuletzt das fulminant swingende, elfköpfige
Orchester des Pianisten und Spitzen-Arrangeurs Marty Paich bei, mit dem Tormé hier so meisterhaft um
die Wette eifert. Die agile Band, in der hochkarätige Solisten wie der Altsaxofonist Art Pepper und der
Posaunist Frank Rosolino spielen, wird von dem Bassisten Joe Mondragon und dem Schlagzeuger Mel Lewis
angetrieben.

In den vergangenen Jahren hat Nate Amos einen bemerkenswerten Aufstieg erlebt. Ob als Solokünstler unter dem Namen This Is Lorelei oder mit seiner Band Water From Your Eyes - aus gefeierten Veröffentlichungen wurden ausverkaufte Tourneen rund um den Globus, während seine Songs von einigen der einflussreichsten Künstler der Gegenwart neu interpretiert wurden. Mit The Singer in My Band, seinem ersten Album für das renommierte Label Matador Records, legt Amos nun ein Werk vor, das seinen Status als eine der spannendsten Stimmen der modernen Indie-Musik untermauert. Das Album greift die Tradition des Great American Songbook auf und übersetzt deren grundlegende Stärken (starke Melodien, prägnante Texte und zeitlose Songstrukturen) in eine moderne, eigenwillige Klangsprache. Entstanden während ausgedehnter Tourneen, ist The Singer in My Band zugleich das erste echte "Road Album" in Amos" Diskografie. Viele Ideen entwickelten sich unterwegs, fernab von Instrumenten und Studios, geprägt von den Eindrücken des ständigen Reisens. Die Vorabsingle "Billy Came Back" verkörpert diesen kreativen Ansatz beispielhaft. Der Song begleitete Amos über Monate hinweg, verschwand immer wieder aus seinem Bewusstsein und kehrte dennoch ständig zurück, bis er schließlich vollendet wurde. Wie viele Stücke des Albums verbindet er eingängige Melodien mit einer erzählerischen Offenheit, die Raum für eigene Interpretationen lässt. Bevölkert wird das Album von Figuren wie Billy, Joey, Genevieve, Sarah und Buddy, die durch ein Panorama amerikanischer Schauplätze wandern. Ihre Geschichten bewegen sich zwischen Realität und Fiktion und spiegeln die flüchtigen, oft widersprüchlichen Erfahrungen des Unterwegsseins wider. Musikalisch setzt Amos auf Reduktion und die Stärke klassischer Songkunst. Der Einfluss seiner lebenslangen Verbundenheit zur Bluegrass-Musik zeigt sich weniger im Klang als in den kompositorischen Prinzipien: Ein Song muss durch Melodie, Text und Harmonie überzeugen. Mit The Singer in My Band gelingt Amos ein Album, das Tradition und Gegenwart verbindet und seinen wachsenden Einfluss innerhalb der internationalen Indie- und Songwriter-Szene eindrucksvoll bestätigt.

In den vergangenen Jahren hat Nate Amos einen bemerkenswerten Aufstieg erlebt. Ob als Solokünstler unter dem Namen This Is Lorelei oder mit seiner Band Water From Your Eyes - aus gefeierten Veröffentlichungen wurden ausverkaufte Tourneen rund um den Globus, während seine Songs von einigen der einflussreichsten Künstler der Gegenwart neu interpretiert wurden. Mit The Singer in My Band, seinem ersten Album für das renommierte Label Matador Records, legt Amos nun ein Werk vor, das seinen Status als eine der spannendsten Stimmen der modernen Indie-Musik untermauert. Das Album greift die Tradition des Great American Songbook auf und übersetzt deren grundlegende Stärken (starke Melodien, prägnante Texte und zeitlose Songstrukturen) in eine moderne, eigenwillige Klangsprache. Entstanden während ausgedehnter Tourneen, ist The Singer in My Band zugleich das erste echte "Road Album" in Amos" Diskografie. Viele Ideen entwickelten sich unterwegs, fernab von Instrumenten und Studios, geprägt von den Eindrücken des ständigen Reisens. Die Vorabsingle "Billy Came Back" verkörpert diesen kreativen Ansatz beispielhaft. Der Song begleitete Amos über Monate hinweg, verschwand immer wieder aus seinem Bewusstsein und kehrte dennoch ständig zurück, bis er schließlich vollendet wurde. Wie viele Stücke des Albums verbindet er eingängige Melodien mit einer erzählerischen Offenheit, die Raum für eigene Interpretationen lässt. Bevölkert wird das Album von Figuren wie Billy, Joey, Genevieve, Sarah und Buddy, die durch ein Panorama amerikanischer Schauplätze wandern. Ihre Geschichten bewegen sich zwischen Realität und Fiktion und spiegeln die flüchtigen, oft widersprüchlichen Erfahrungen des Unterwegsseins wider. Musikalisch setzt Amos auf Reduktion und die Stärke klassischer Songkunst. Der Einfluss seiner lebenslangen Verbundenheit zur Bluegrass-Musik zeigt sich weniger im Klang als in den kompositorischen Prinzipien: Ein Song muss durch Melodie, Text und Harmonie überzeugen. Mit The Singer in My Band gelingt Amos ein Album, das Tradition und Gegenwart verbindet und seinen wachsenden Einfluss innerhalb der internationalen Indie- und Songwriter-Szene eindrucksvoll bestätigt.

Originally released digitally in 2021, "TOP SECRET GRAND PRIX" is a genre- blending project that fuses the nostalgic warmth of "oldies but goodies" with the high energy pulse of Drum & Bass. 8 tracks ranging from 60s soul to JOE JACKSON and a slowed down JAMIROQUAI.

First time on 45 for the other early Don Carlos killer from the Wackie's/Joe Morgan/Soul Syndicate connection. Previously only released on the "Reckless Roots Rockers" compilation LP. Rhythm laid & tune voiced in JA, mixed and overdubbed at Wackie's in NYC.

Die australischen Rockband Airbourne war noch nie dafür bekannt, klein zu denken. Auf ihrem
sechsten Studioalbum, der nach der Band selbst benannt ist, hat sie sich allerdings noch mal selbst übertroffen. Airbourne – ein Name, der zum Synonym für bombastischen, biergetränkten, gefährlichen und sexy Rock’n’Roll geworden ist. „Dieses Album vereint alles, wofür wir stehen, in einem einzigen Werk“, erklärt Ryan den Titel. „Es ist das beste Album, das wir überhaupt machen konnten.“

Zusammen mit dem starken Produktionsteam aus Brian Howes (der 2013 "Black Dog Barking" produziert hat) und dem Toningenieur Mike Fraser (der an „Breakin’ Outta Hell“ von 2016 und „No Guts. No Glory.“ von 2010 mitgearbeitet hat), machte sich die Band im Music Farm Studio im „Dschungel“ außerhalb von Byron Bay an die Arbeit. Der Komplex verfügt über das originale Neve-Mischpult aus den Alberts Studios, auf dem Bands wie AC/DC, Rose Tattoo und The Angels ihre wegweisenden frühen Alben aufgenommen haben.

Das Ganze präsentiert sich in einem sorgfältig gestalteten Paket, gemischt von Zakk Cervini (BMTH, Architects), das die Leidenschaft, das Feuer und die schweißgetränkte Gefahr einer Band auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte einfängt, komplett mit Schlagzeug, das wie Kanonen knallt, und Gitarren, die wie Kreissägen schneiden.

„Alive After Death“ und „Send Me To Rock’N’Roll Heaven“ sind eine Hommage an die verstorbenen Idole der Band; letzterer Titel bezieht sich auf Lemmy, Doc Neeson von The Angels, John Bonham, Bon Scott, Little Richard und weitere. Joel schrieb den Text zum mitreißenden „Alive After Death“ eines Abends im Tourbus, als er darüber nachdachte, wie die Musik dieser Legenden sie unsterblich macht. An anderer Stelle gibt es Geschichten von unterwegs („Bogota“), Songs über Trotz und Nicht-Aufgeben („Last Man Standing“, „Hell’s Got No Vacancy“, „Gutsy“) und noch mehr Sex („Sky High“). Jetzt müssen Airbourne nur noch auf die Bühne zurückkehren, in der Gewissheit, dass sie ihr bestes Album aller Zeiten mitbringen.

Mit Afterlight legt das Londoner Indie-Quartett Starter Car ein beeindruckendes Debüt vor, das sofort unter die Haut geht. Gegründet von Songwriter Oisean Burnett nach seinem Umzug aus Glasgow, hat sich die Band schnell als Geheimtipp der South London Szene etabliert. Ihr Sound verbindet warmen, country-inspirierten Indie mit introspektiven Texten über Angst, Verlust und Hoffnung. Produziert von Joe Futák und veredelt durch Kollaborationen aus der Szene, entfaltet sich ein organisch gewachsenes Klangbild voller Harmonien, Fiddle, Banjo und emotionaler Tiefe. Zwischen melancholischer Reflexion und euphorischem Aufbruch entsteht ein Album, das gleichermaßen tröstet und mitreißt - ein intensives Hörerlebnis zwischen Schönheit und Zerbrechlichkeit. With Afterlight, London-based indie outfit Starter Car deliver a striking debut that resonates instantly. Formed by songwriter Oisean Burnett after relocating from Glasgow, the band quickly became a standout in the South London scene. Their sound blends warm, country-influenced indie with deeply introspective songwriting, exploring themes of anxiety, loss and hope. Produced by Joe Futák and enriched by collaborations within the scene, the album unfolds as an organic sonic landscape full of lush harmonies, fiddle, banjo and emotional nuance. Balancing melancholy reflection with uplifting energy, Afterlight captures a rare emotional intensity - a compelling listening experience poised between beauty and vulnerability.

Some people change your life in every way that a life can be changed. David Lynch is one of those people. When Alicia Witt first worked with him at age 7 in his classic Dune (1984) she had no idea what he meant to anyone as a filmmaker, nor that she would work with him 3 more times over the course of his life and that he would become one of her greatest influences. She only knew that she had found a kindred spirit and that she loved him. Between Heaven & Earth is a tribute to his energy, his legacy, and most of all, his love. When Alicia attended his memorial gathering shortly after his passing in 2025, she was struck by the depth of the relationships in that space. The knowing that if you were loved by David, you stayed loved. As those in the room spoke of their shared experience that David was still among them - directing from beyond - Alicia became ever more aware that she was being encouraged to create an album from this space of eternal unconditional love. ‘Use my name,’ David whispered. And so it was. Produced by renowned producer and singer-songwriter Joe Henry (Emmylou Harris; Milk Carton Kids; Bonnie Raitt; Rodney Crowell), this album was recorded live in studio in 5 days in New York City in January 2026. Alicia Witt on piano and vocals, accompanied by a band of 5 musicians, take you on a sonic journey that could never be recreated, channeling the energy that was brought together in this moment to honor the immeasurable effect that David Lynch had and still has on the world. He was palpably present in every moment of the making of this album. The 13 songs that were chosen reflect everything Alicia feels she learned about love from David - the acceptance, the insistent optimism, the curiosity, and the permanence. The final song, The Director, recounts messages he has sent to her from beyond over the year since he passed away.

Am 15. Februar 2026 feierte Posaunist und Sänger Nils Landgren seinen 70. Geburtstag – wie es sich für einen der erfolgreichsten europäischen Musiker seines Fachs gehört mit einem oppulenten Orchesteralbum »Love of My Life« und einer Tour durch die großen Konzerthäuser.

ACT-Gründer, Förderer und Freund Siggi Loch machte Nils Landgren ein besonderes Geschenk: Einen Abend in der von ihm kuratierten Reihe »Jazz at Berlin Philharmonic« im großen Saal der Berliner Philharmonie. Im ersten Teil des Konzertes spielten Mitglieder der ACT Family für »Mr. Red Horn«.

Nach der Pause betrat Nils Landgren unter großem Jubel selbst die Bühne – mit einem exklusiven Programm, dass seinem großen Idol und Weggefährten Joe Sample gewidmet war. Mit dabei: Michael Wollny, Lars Danielsson, Wolfgang Haffner, China Moses und Mitglieder der Berliner Philharmoniker mit Arrangements von Magnus Lindgren.

Es wurde eine Soul-Jazz-Party im Klassiktempel, bei der am Ende der ganze Saal tanzte – jetzt nachzuhören auf »Jazz at Berlin Philharmonic – Nils Landgren 70«

Euronymous’ Deathlike Silence Productions in 1993, & with each subsequent release, Sigh grew to become one of the country’s greatest & most revered metal exports. With a journey through the strange & the psychedelic, incorporating a whole eclectic mix of genre styles & experimentation throughout their career, Sigh has remained a vital creative force in the avantgarde field whilst maintaining their old school roots, as witnessed with the stellar 2022 album, ‘Shiki’. 2025 also saw Sigh remaking their ‘Hangman’s Hymn’ album for a release on Peaceville as part of the band’s 35th anniversary celebrations, in the shape of ‘I Saw The World’s End: Hangman’s Hymn MMXXV’.

With the ongoing early line-up of Mirai Kawashima, Shinichi Ishikawa, & Satoshi Fujinami, ‘Scenario IV: Dread Dreams’ was the band’s fourth studio album, originally surfacing in 1999. This was also notably the final title in partnership with Sigh’s then-label, Cacophonous Records. Delving evermore into the experimental side of music to conjure an interlinked gallery of twisted soundscapes; ‘Dread Dreams’ became more of a journey into the realm of psychedelia & rock over black metal, with this Zappa-inspired odyssey acting as somewhat of a direct pre-cursor to what was to follow with the celebrated ‘Imaginary Sonicscape’ opus.

‘Dread Dreams’ was once more recorded at Shinjuku On Air Studio with J. Yamada, with a selection of guests including Damian Montgomery of Ritual Carnage lending lyrics plus guest vocals, along with King Fowley (Deceased), & Killjoy (Necrophagia) supplying additional song lyrics. Cover art came courtesy of renowned artist Joe Petagno (Motörhead, Autopsy).

Continuing with Peaceville’s re-issues of Sigh’s classic works, this edition of ‘Dread Dreams’ contains a new master created by Patrick Engel at Temple of Disharmony.

The release also includes a new interview with main-man Mirai Kawashima conducted by Dayal Patterson of Cult Never Dies, with his thoughts, influences & reflections on the album & its challenges.