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Mit dem 1964 bei Verve Records erschienenen Album “The Individualism of Gil Evans” schuf der Komponist,
Arrangeur und Pianist Gil Evans eines seiner fesselndsten und detailreichsten Werke. Mit einer atemberaubend besetzten Big Band, in der Größen des Jazz auf junge Talente und klassische Musiker trafen,
präsentiert Evans zwei eigene, von lateinamerikanischer Musik inspirierte Kompositionen, ein gemeinsam
mit Miles Davis geschriebenes Stück sowie eine Nummer aus der “Dreigroschenoper” von Bertolt Brecht
und Kurt Weill.

Mick Goodrick (1945–2022), den das Magazin DownBeat in seiner Rezension dieses Albums als „technisch
einen der besten Gitarristen überhaupt“ pries, war ein subtiler Meister der Gitarre und ein ebenso zurückhaltender Komponist – beide Qualitäten treten auf dieser einzigen ECM-Aufnahme unter seinem eigenen
Namen deutlich hervor. Der Pianist Fred Hersch nannte ihn „den Gitarrenflüsterer“, während John Scofield
bemerkte: „Ich durfte mit Mick spielen, was eine wertvolle Lernerfahrung war – ganz abgesehen davon,
dass es Spaß gemacht hat. Ich liebe sein ECM-Album In Pas(s)ing – ein besonderes Werk, das auch heute
noch relevant klingt.“ Für In Pas(s)ing wurde der Gitarrist, der maßgeblich zu Gary Burtons erfolgreicher
ECM Albumserie der 1970er Jahre beigetragen hatte, von hochkarätigen Begleitern unterstützt: John
Surman, hier überwiegend am Baritonsaxophon zu hören, Bassist Eddie Gomez sowie Schlagzeuglegende
Jack DeJohnette. In weit-offenem, lyrischem Zusammenspiel entfalten die vier Improvisatoren eine leiseeruptive Session voller filigraner Interaktion und heimlich einprägsamer Melodien. Das Magazin Melody
Maker bezeichnete Goodrick in seiner Rezension von 1979 als einen „Komponisten und Bandleader, der
seiner Musik erlaubt an Ort und Stelle anmutig Pirouetten zu drehen“, und führte weiter aus: „Unter den
gegenwärtigen Gitarristen der ECM-Schule scheint er die gelungenste Verbindung von Tradition mit einer
modernen Konzeption zu besitzen. Modisch unaufdringlich versieht er die Musik dennoch mit einer unverwechselbaren Handschrift – durch seinen kühlen, singenden verstärkten Ton, sparsam eingesetzte, aber
feste Hintergründe und das wunderbare Zusammenspiel mit Surman.“ Auch die Mitmusiker würdigte der
Artikel ausdrücklich: „Dies ist jedenfalls eine der besten Aufnahmen Surmans seit Jahren. Natürlich sind
Gomez und DeJohnette entscheidend für den Erfolg der Platte – der Vorwärtsdrang, den sie erzeugen, ist
beinahe übernatürlich diskret, aber absolut real.“ Das Album wurde im November 1978 im Talent Studio
in Oslo aufgenommen und von Manfred Eicher produziert.
Im Rahmen von ECMs Luminessence Reihe neu aufgelegt, erscheint In Pas(s)ing in einem hochwertigen
tip-on Klappcover mit neuen Linernotes von Joel Harrison sowie Photographien aus dem Archiv.

In der Realverfilmung des Oscar®-nominierten Animationsabenteuers folgt Vaiana dem Ruf des Ozeans und
wagt sich zum ersten Mal über das Riff ihrer Heimatinsel Motunui hinaus. Gemeinsam mit dem berühmtberüchtigten Halbgott Maui begibt sie sich auf eine abenteuerliche Reise über die Weiten des Meeres, um
die Zukunft ihres Volkes zu sichern. „Vaiana“ entstand unter der Regie von Emmy®- und Tony Award®-
Gewinner Thomas Kail („Hamilton“). Zuschauer können die beeindruckenden Bilder, Klänge und Songs
von „Vaiana“ ab 9. Juli 2026 exklusiv in den Kinos erleben.
Die Vinyl erscheint am 10.Juli 2026

Das Album wurde während der Konzertreihe der Band in der Coventry Cathedral im Jahr 2019 aufgenommen und enthält ihre Hits:
„A Message To You Rudy“, „Ghost Town“ und „Too Much Too Young“.
Als eine der letzten Aufnahmen der Band mit Terry Hall wird das Album höchstwahrscheinlich die wirklich
letzte Veröffentlichung von The Specials sein und als Hommage an ihre gemeinsame Karriere dienen.
Eine Sky-Arts-Dokumentation über die Konzerte wurde 2024 mit großem Erfolg veröffentlicht und kann
online auf Abruf angesehen werden.

Mit Conal veröffentlichte Conrad Schnitzler 1981 eines der faszinierendsten Werke seiner produktiven Schaffensphase - ein Album, das seinen stetigen künstlerischen Aufbruch eindrucksvoll dokumentiert. Bestehend aus zwei rund 21-minütigen Tracks, entfaltet sich Conal wie ein vielschichtiges Klangpanorama: keine lineare Erzählung, sondern ein offenes Geflecht aus elektronischen Strukturen, Schichtungen und Übergängen. Schnitzler verdichtet hier unterschiedliche musikalische Ideen zu einer Art Momentaufnahme seiner kreativen Entwicklung - roh, präzise und kompromisslos. Die außergewöhnliche Klangqualität und komplexe Gestaltung lassen den Einfluss des Paragon Studios erahnen, das ihm ideale Bedingungen für seine visionäre Arbeit bot. Conal steht exemplarisch für Schnitzlers rastlosen Innovationsdrang - ein Schlüsselwerk elektronischer Musik, das bis heute nichts von seiner Faszination verloren hat.

Scritti Polittis modernes Meisterwerk Cupid & Psyche 85 erscheint in einer neuen, liebevoll kuratierten Edition - eine Hommage an ein Album, das bis heute nichts von seiner Strahlkraft verloren hat. Die Deluxe-Version vereint die begehrte erweiterte Fassung des Albums mit ausgewählten Raritäten aus dem Bandarchiv und bietet so einen neuen, vielschichtigen Zugang zu diesem Klassiker. Zum ersten Mal überhaupt wird die ursprünglich für das damals revolutionäre CD-Format konzipierte 13-Track-Version aus dem Jahr 1985 auch auf Vinyl veröffentlicht. Die klangliche Aufbereitung übernahm Chris Athens - bekannt für seine Arbeit mit Künstlern wie Drake und den Beastie Boys - unter der Leitung von Frontmann Green Gartside. Ergänzt wird die Veröffentlichung durch drei bislang unveröffentlichte Stücke: Perfect Way (Version), Lover To Fall (12" Dance Mix) und Perfect Way (Perfect Way Mix). Diese Tracks öffnen ein Fenster in die kreative Werkstatt der Band und zeigen, wie selbstverständlich Scritti Politti Einflüsse jenseits der Indie-Wurzeln integrierten. Auch inhaltlich wird die Edition vertieft: Green Gartside und David Gamson, maßgeblich an der Entstehung des Albums beteiligt, steuern persönliche Linernotes bei, die Einblicke in den künstlerischen Prozess geben. Cupid & Psyche 85 gilt als visionär und stilprägend - ein Album, das Pop neu dachte. Mit seiner Mischung aus eingängigen Melodien, anspruchsvollen Arrangements und innovativer Studiotechnik überschritt es die Grenzen der damaligen Produktionsmöglichkeiten. Gleichzeitig nahm es Entwicklungen vorweg, die heute das Fundament moderner Pop- und Hip-Hop-Produktionen bilden. Wo bereits das Debüt Songs To Remember erste Pop-Akzente setzte, entfaltete sich Cupid & Psyche 85 in voller Farbigkeit: ein kunstvoll komponiertes Klangbild, das emotionale Tiefe mit technischer Raffinesse verbindet - und damit bis heute als eines der großen Statements in der Popgeschichte gilt.

2026 Repress

A (new) vinyl version for one of our favourite Mika Vainio (Pan Sonic) albums; originally recorded between 1999–2004 and issued on CD only under his revered Ø alias for Finland’s Sähkö Recordings in 2005.

»Kantamoinen« is perhaps the most intimately beautiful yet little-known LP in the Ø canon, bridging the gap between his classic ’90s minimal techno productions and the project’s subsequent turn to more ambient, kosmic, and dubwise dimensions in the coolly brilliant »Oleva« and »Konstellaatio« albums.

Dedicated to Mika’s grandma, Laina Vainio (1913–1991), and adorned with a cover image of her garden in Artjärvi, Finland, the 16-part 2LP is the closest you’ll get to a type of nostalgia in Mika’s catalogue.

Whilst recorded 1999–2004 at an early crest of his game-changing work with Pan Sonic, the album clearly manifests a quieter space for Mika to emote far more nuanced feels, from the wide-eyed vastness of »Galaxy« to a breathtaking »Sound Picture«, transitioning from Hans-Ulrich Obrist’s snippet of Oskar Sala into icy bliss, and the rosy warmth of »Summerland« clearly dedicated to his nan’s garden. The rest is better defined as ephemeral snapshots adding up to a broader picture, like a mind’s eye filling gaps in the memory from illusive vapours and sensations, generating all-time gems in the steepled choral synth voice of »In Wind«, or a sense of magic realism in the swaying organ of »Antenna-ant«, with the blooz folk wheeze of closer »To Home« that could feasibly score the most haunting moments of a Béla Tarr flick.

African visions, Middle Eastern mirages, and cosmic pulsations: the map of Giuliano Sorgini’s sonic universe continues to expand, revealing new, uncharted territories.

Set for release on 10 July, the 7-inch Savana Selvaggia brings together two extraordinary, previously unreleased tracks, shedding light on one of the most visionary facets of Sorgini’s library music aesthetic. On Side A, “I misteri del mondo” (The Mysteries of the World) transports us to an imagined, ancestral Africa suspended between endless horizons, elegiac wilderness, and analogue electronics.

On Side B, “Arabian Safari” opens the door to a mystical, Arabic-tinged soundscape where African imagery blends with Middle Eastern influences and kosmische futurism. Driven by a potent mix of electronic drums, hypnotic sequencing, and fiercely inventive synths, it strikes a sonic kinship with the finest European Krautrock.

The dialogue between these two tracks perfectly highlights the composer's artisanal, experimental approach. Here, the Solina, Minimoog, modular circuits, pulsating synth lines, and suspended melodies intertwine to form a fascinating, enigmatic, and deeply personal sonic world—one built entirely by Sorgini in his Cat & Fox Studio in Rome, located a mere stone's throw from the RAI headquarters.

Two forgotten tracks. Two cinematic journeys whose original visuals have been lost to time. Two missing puzzle pieces in the ongoing recovery of the work of a composer who sounds more modern today than ever before. A magnificent sonic transmission from a bygone era that lands with the force of a contemporary revelation.

Barry Alan Pincus ist kein guter Name für einen Sänger, dachte sich dieser Künstler zu Beginn seiner Karriere, und er nannte sich Barry Manilow. "Brandy" ist auch kein so toller Name für seinen ersten Hit, also entschloss er sich, ihn "Mandy" zu nennen. Das war 1974. Der Rest ist Geschichte. Barry Manilow zählt ohne Zweifel zu den erfolgreichsten Künstlern der populären Musik, seine Nummer-1-Erfolge sind beispiellos, und seine Songs wie "Mandy" leben auch in jüngeren Generationen immer noch fort. Trotz (oder vielleicht auch gerade wegen) seines nicht immer leichten Stands bei den Kritikern hat er über Jahrzehnte eine Fangemeinde um sich geschart, die in puncto Größe und Anhänglichkeit ihresgleichen sucht. Deshalb wird auch die jetzt erscheinende neue Best-Of-CD "Ultimate Manilow" mit Sicherheit wieder ihre begeisterten Käufer finden. Auf ihr sind 19 absolute Hits des Balladen-Königs versammelt, vom erwähnten "Mandy" über "Could It Be Magic" bis zu "Copacabana". Als Bonus-Track zusätzlich: die bislang ausserhalb von USA unveröffentlichte Nummer "Who Needs To Dream" aus dem Manilow-Musical "Copacabana". Die VÖ wird von einer zielgerichteten Print-Marketingkampagne begleitet.

180g Black

»The Hidden Hand« bietet die gleichen düsteren und atmosphärischen Klanglandschaften wie die früheren Veröffentlichungen der Band, vermittelt zugleich aber ein Gefühl von Auflösung. Während sich der musikalische Geschmack der Band weiterentwickelt, bleibt die Herausforderung, ihren Sound dort zu verankern, wo alles begann – und genau das gelingt ihnen.

If These Trees Could Talk erzeugen klangliche Wucht, indem sie drei Gitarren einsetzen, um unterschiedliche Bereiche des Frequenzspektrums abzudecken. Ähnlich wie in einem Orchester verankert der Bass die tiefen Lagen, die Rhythmusgitarren halten den Mittenbereich und die Leadgitarre übernimmt die Höhen – so bleiben alle drei Komponenten stets präsent, besonders beim Übergang von cleanen zu harten Klängen.

Langjährige Fans wie auch Neueinsteiger werden von der beeindruckenden ersten Single des Albums begeistert sein: »Blurry Creatures« – ein Track, der den rohen Sound von If These Trees Could Talk verkörpert, mit unerbittlichen Riffs, epischen Höhen und Tiefen, atmosphärisch synkopierten Delays und einem Schlachtruf, der die Sinne elektrisiert.

Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.

Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“

Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.

Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.

„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“

Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.

„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“

Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.

About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.

The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.

Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.

After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.

In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”

[k] C3 | DJ Hooligan– Sueno Futuro (Wake Up And Dream) [pink Clouds Mix]

Remco Beekwilder makes a powerful return to EMERALD with his 'Rhythm Pressure EP'. Channeling old-school energy through a modern lens, he hits real and direct with a dash of funk.

cooler sampler !

Marking the next step in his deep-diving exploration of rhythm and space, Konduku unveils his new label Hayal with a three-track single Sarmal. Continuing the visual aesthetic he developed across the celebrated 'K' series of EPs on Nous'klaer Audio from 2018 to 2024, these thoroughly road-tested tracks arrive as a natural, understated progression. Within the broad remit of psychedelic, modernist techno, this first Hayal release maintains Konduku's focus on cascading, angular percussion and meditative atmospheres. 'Zelve' matches a pensive, ambiguous mood with a steady, floor-ready 4/4 undercurrent, while 'Sarmal' builds more gradually from a delicate beginning towards a euphoric peak. The musicality at the heart of 'Sarmal' shines through in a beatless 'Ambient version' that closes out the EP, a flourish of starry-eyed electronica providing the energetic balance intrinsic to Konduku's sound.

Lonnie Liston Smiths 'Expansions' ist eines der einflussreichsten Alben aller Zeiten, dessen Sound viele verschiedene Genres streift. Es ist ein Grundpfeiler der Dance-Musik und eine Hymne für die britische Clubszene. Zum 50. Jubiläum feiert Ace Records diesen Einfluss mit einer hochwertigen Deluxe-Vinyl-Edition des Albums. Mit dem Original-Masterband haben sich die Mastering-Spezialisten ins East Londoner Carvery-Studio niedergelassen, um das Album komplett analog aufzunehmen - es hat noch nie besser geklungen! In einer laminierten Klapphülle verpackt, die Jack Martins Original-Illustration des Künstlers so erstrahlen lässt wie nie zuvor. Dazu kommt ein ausführlicher, illustrierter Covertext von Frank Tope, der die Reise der Platte durch das Universum von ihrer spirituellen Jazz-Tradition zur Club-Hymne erzählt. Diese Album-Story wird mit Unterstützung von Gilles Peterson, Norman Jay und anderen erzählt. Das Album als Ganzes ist unverzichtbar und geht über die Tanzbarkeit des Titeltracks hinaus. Mit seinen sieben Tracks zählt es zu den großen Jazzalben der 70er Jahre. Produziert von Lonnie Listen Smith und Bob Thiele, sollte es in keiner Plattensammlung fehlen.

Mit II Reworked öffnen Kiasmos - Olafur Arnalds und Janus Rasmussen - ihr gefeiertes Comeback-Album II für neue Perspektiven. Fünf handverlesene Künstler:innen interpretieren das Werk in voller Sequenz neu und formen eine schimmernde, traumartige Reise, die den Moment nach dem Dancefloor einfängt. Elektronische Experimente von Rachika Nayar & Nina Keith (Disiniblud) legen verborgene Emotionen frei, während die Isländer Kjartan Holm und Sin Fang die fragile Schönheit der Kompositionen betonen. Alex Somers verlangsamt und verfremdet mit analogen Methoden - für eindringliche, neue Tiefen.

Ruriko Ogami’s “Typhoon Lady” is set to be released on colored vinyl!
This reissue also includes “ONE LAST LOVE”, a track originally featured as the B side of a single and not included on the album.
The latest remastered audio comes from the album and single, archived in 2018 from the original analog master tapes at 96k/24bit.
Boosted by the popularity of Japanese grooves and further propelled when Japanese creators sampled “Sexy Woman”, the album’s reputation skyrocketed,
driving original vinyl prices to unprecedented highs. Beyond that, tracks like “Typhoon Lady”, which opens with a drum break that exudes funk, and the mellow
“Fuwari Fuwafuwa”, with its tight performance and floating vibe, remain timeless masterpieces even 40 years after their original release.

Kendra Morris' 2025er Brettspiel-Konzeptalbum ,Next" wurde schnell zum Fan-Favoriten, führte mehrere Jahresendlisten an und festigte seinen Platz als eine der kreativsten Albumkampagnen. Jetzt, sechs Monate nach der Veröffentlichung des Albums, freut sich Karma Chief, dir eine 45er-Single mit einem Fan-Favoriten vom Album und einem brandneuen Dub-Remix präsentieren zu können. ,Flat Tire", der Ankündigungs-Track des Albums, ist eine Hommage an den alten Reggae der 60er Jahre. Inspiriert von den Platten, die Kendras Eltern von ihren Reisen nach Jamaika mitbrachten, bietet der Song einen eingängigen, beschwingten Refrain, den du einfach nicht mehr aus dem Kopf bekommst. ,Flat Tire" wurde komplett mit Vintage-Equipment aufgenommen und über einen Tascam 388 abgemischt. Außerdem ist Ray Jacildo, der auch schon mit The Back Keys und Yola zusammengearbeitet hat, am Klavier und an der Orgel zu hören. Auf der B-Seite der 45er-Single ist ein Dub-Remix von ,Flat Tire" vom einzigartigen Paul Cherry zu finden. ,Sobald wir ,Flat Tire` aufgenommen hatten, waren Terry und ich uns sofort einig, dass es eine Art Dub-Remix geben sollte - der Song war wie dafür gemacht", sagt Kendra. Terry schlug Cherrys Namen vor und sie waren sich einig, dass er der Richtige für den Job war. Das Endergebnis spiegelt den klassischen Dub der späten 60er perfekt wider, indem es auf den Grundlagen des Songs aufbaut _ die Produktion weiter reduziert, den Hall verstärkt und an genau den richtigen Stellen Echos, Pausen und Delays hinzufügt.

Die ehemaligen King-Crimson-Mitglieder Adrian Belew und Tony Levin haben sich mit dem Gitarrenvirtuosen Steve Vai und dem explosiven Tool-Schlagzeuger Danny Carey zusammengetan, um BEAT zu kreieren - eine kreative Neuinterpretation der drei kultigen King-Crimson-Alben der 80er Jahre: "Discipline", "Beat" und "Three of a Perfect Pair". Im Jahr 2024 spielte das Ensem-ble 65 (!) Shows in Nordamerika, bevor es 2025 mit einer ausgedehnten Tournee durch Mexiko und Südamerika weiterging. Nun wird in Zusammenarbeit mit InsideOutMusic/Sony Music das audiovisuelle Paket "Live" veröffentlicht, in dessen Mittelpunkt eine ausverkaufte Show in Los Angeles steht.Die von Bob Clearmountain abgemischte Show ist in drei verschiedenen Formaten erhältlich: als Special Edition 2CD+Blu-ray-Digipak, als Limited Deluxe 3LP-Triple-Gatefold und digital. Zusätzlich wird eine limitierte Deluxe 3CD+Blu-ray Artbook Edition erhältlich sein, die umfangreiche Fotos und eine zusätzliche 12-Track-CD mit dem Titel "Live in North America" enthält. Die Blu-ray enthält die komplette Show in Los Angeles in 5.1 Surround Sound und Stereo sowie Bonus-Interviews mit der Band.

Gary Bartz und das neue Londoner Ensemble Your Brother’s Keeper präsentieren mit "Where Rivers Meet" ein tiefgründiges und intuitives Studioalbum, das die seltene Begegnung zweier Generationen von Jazzmusikern einfängt. Das Album, das pünktlich zum 20-jährigen Jubiläum von Brownswood erscheint, vereint Bartz' Tradition mit der jungen, pulsierenden Szene Londons. Das Ergebnis ist Musik, die sich mit Offenheit und Intensität entfaltet, getragen von tiefem Zuhören und gemeinsamer Improvisation.

Im Zentrum des Projekts steht Bartz, eine der einflussreichsten Vertreter des modernen Jazz. Der Saxophonist, dessen Karriere sich über mehr als fünf Jahrzehnte erstreckt, machte sich einen Namen durch Auftritte mit Charles Mingus, Max Roach und Art Blakey, bevor er sich Miles Davis in dessen elektrisierender Phase der frühen 1970er-Jahre anschloss. Mit seinen gefeierten Aufnahmen mit der NTU Troop wurde er schnell zu einer prägenden Figur des Spiritual Jazz und schuf ein Werk, das Generationen von Musikern und Zuhörern gleichermaßen begeistert. Sein Spiel – lyrisch, tiefgründig und unverkennbar gefühlvoll – zählt nach wie vor zu den markantesten Stimmen des Jazz.

Das Album markiert zudem die Gründung von Your Brother’s Keeper, einem neuen Kollektiv um Schlagzeuger und Produzent Jake Long (Maisha), dessen musikalischer Dialog und die Improvisation tief in der Musik verwurzelt sind. Mit Ali MacSween (Piano, Synthesizer, modulare Effekte), Axel Kaner-Lidstrom (Trompete), Twm Dylan (Kontrabass), Tim Doyle (Percussion) und Chelsea Carmichael (Tenorsaxophon) sowie Long am Schlagzeug spiegelt die Gruppe eine Szene wider, die den Sound des zeitgenössischen Jazz im letzten Jahrzehnt maßgeblich geprägt hat.

Die US-Kultband veröffentlicht ihr viertes Album.

Als die Idee für ein viertes Album (zum zweiten Mal) aufkam, war American Football klar, dass es düsterer werden würde. Nach einer einjährigen Welttour mit ausverkauften Konzerten zum 25-jährigen Bandjubiläum und der Veröffentlichung eines Coveralbums (mit Songs von Iron & Wine, Ethel Cain, Blondshell, u.a.) tat sich das Quartett mit Produzent/Toningenieur Sonny Diperri (My Bloody Valentine, M83, Kurt Vile) zusammen, um sein bis dato essentiellstes Album aufzunehmen. LP4 verbindet atmosphärische Soundlandschaften mit emotionaler Katharsis im Post-Rock-Stil. Anders als alles, was American Football bisher aufgenommen hat, fügt sie sich dennoch nahtlos in ihren stetig wachsenden und beeindruckenden Katalog ein. LP4 ist ein ambitioniertes künstlerisches Statement einer Band, die die Grenzen von Genre und Kultur immer wieder neu definiert. Es ist ein wunderschönes und vielschichtiges Album, das sich Zeit nimmt, seine Schönheit zu entfalten, während es gleichzeitig die dunkleren Seiten anklingen lässt, die sich so gut wie möglich verbergen. Das Album enthält Gastvocals von Brendan Yates (Turnstile), Wisp und Caithlin De Marrais (Rainer Maria).

New edition; new cover, black vinyl



Winner of the 2026 César Award for Best Original Music, the Arco soundtrack is composed by Arnaud Toulon.



Blending sweeping orchestral passages with delicate electronic textures, Toulon’s music accompanies Arco’s temporal wanderings in an expansive sonic journey. An immersive, sensitive, and luminous soundtrack that echoes the great works of Joe Hisaishi while asserting a distinctly contemporary identity. Balancing poetry and dramatic tension, the score stands as a fully-fledged experience in its own right, emerging as a striking cinematic work.


Directed by Ugo Bienvenu, Arco won the César Award and the European Film Award for Best Animated Feature in 2026. It also won the Cristal for Best Feature Film at Annecy in 2025, and was presented at the 2025 Cannes Film Festival and selected for the 2026 Oscars.



Film:

Best Animated Film and Best Original Score at the 2026 César Awards / 2026 European Film Awards / 2025 Cristal Award for Best Feature Film at Annecy

Screened at the 2025 Cannes Film Festival

Nominated for the 2026 Academy Awards



Distributed in over 40 countries

VOD already available in France



Music:

Nearly 1.5 million streams

1,000 vinyl records sold

Over 177,000 views on the live session of “Clouds Away” by Arnaud Toulon x November Ultra

CD released in Japan in April 2026



International releases (movie)

2025

October: France + Belgium

December: Netherlands

2026

January: Portugal, Czech Republic, Spain, China

February: Latin America, Taiwan, Turkey, India

March: Greece, South Korea, Italy, Australia, Estonia, UK, Hungary, Romania

April: Latvia, Germany, Hong Kong, Bosnia & Herzegovina, Austria, Poland, Japan, Switzerland

August: Sweden

October: Lithuania

Kontakt Records reaches its 50th release with a milestone that feels earned. Van Bonn returns to the label, delivering two originals that embody everything Kontakt stands for, depth and space. Alongside him, Italian mastermind Luigi Tozzi steps in to reshape Trails across two distinct interpretations, pushing the material into even more atmospheric territory.

A Good Year - Play. Driving through the country. Tender anthemic voices. Real sounds and synthetic sounds. Baggy drums. Acoustic guitars, bass drops, big and small, Moody. A Good Year is a collaboration between producer and former Liss drummer Tobias Laust Hansen and filmmaker-turned-musician Albert R. Hildebrand. Featuring: Horse Vision, Koilwood, Tiffi M, Quiet Light, Late Verlane, Alba Akvama, Suisse Air and MØ

"Here Comes That Crow" is the Korean psych-pop band Leenalchi"s first worldwide release (on Luaka Bop). Like much of their music, many of these songs are chopped and screwed pansori tales (a traditional form of storytelling that dates back to Korea"s Joseon Dynasty). But really, it"s just good dance music. "Leenalchi has changed the way I think about music, dancing and Korea. I have never heard anything quite like this". Brian Eno

Parisian label Chuwanaga announces the upcoming release of Inner Circle Vol. 1, the first installment in a series of house music releases bringing together artists from the label’s close circle. Available on limited 12" vinyl (300 copies) and digital.

The VA opens with “We All Got To Feel” by Argentine producer J. Koen (Nervous Records / Nite Grooves), a track that encapsulates the essence of deep house. Classy, colorful stabs, refined melodies, and a warm, funky bassline come together in a club-ready cut. It's exactly what you expect when you need a track that delivers — just drop it.

It is followed by “Sunny California” from French producer Kaffe Crème (Floors Records), an ode to the sun — both a celebration and a form of incantation recalling the spiritual energy of Ron Trent and Joe Claussell. The track builds toward a break filled with deep, jazz-inflected harmonies before returning with an electrifying melody carried by layered percussion, leading to an emotional climax.

On the flip side, “It’s A Feeling (House Music)” by the French duo Milk & Honey (Chuwanaga) draws clear inspiration from the Chicago lineage, in the vein of Boo Williams. A looping bassline, deep silky chords, and steady drums create a hypnotic, flowing texture with a myriad of ear candy. It's a feeling, it's a vibe!

The record closes with “The Gatekeeper” by French producers Saint-James (Chuwanaga) & KX9000 (Pont-Neuf Records), a track influenced by the London boogie sound and its broken beat scene. Fans of Dego and Kaidi Tatham will recognize its syncopated grooves and percussive depth, bridging house and broken beat aesthetics.

Towa Mafune is a rare singer-songwriter known for her gentle voice and warmly embracing melodic sensibility. As suggested by the title, means "Sleeping with the sea in my arms",
this record is a conceptual work inspired by Mafune’s upbringing in a seaside town and her lifelong connection with nature.
The album imagines a dialogue between the artist herself and natural elements such as the sea, wind, and light.

Layered arrangements featuring the album’s striking introductory piano, along with strings, horns, acoustic and nylon-string guitars, and rich vocal ensembles, create a liberating and
expansive soundscape. The album also marks new artistic territory for Mafune, supported by trusted musicians including paya (Yūtai Communications), Kota Yamauchi, and
Keitaro Kanamine.

As long as she can remember, Jane Remover has practiced her own autonomy as much as possible. The nineteen year old songwriter is an omnivorous listener that produces everything herself. She has been lauded by fans and writers alike, for accidentally creating entire genres in the wake of her prolific two-year run.

Her debut album Frailty was written amidst the purgatorial summer after a high school graduation, en route to turning eighteen that September. The lyrics are a wayward coming-of-age diary of an LGBT+ teenager, stuck in the suburbs of a confusing, socio-politically turbulent America.

Janeʼs words sting, but are shrouded in meticulous production; a sui generis vein of DIY rock. Simultaneously, itʼs steeped in the lo-bit, nostalgic synths that soundtrack a final glimpse of younger memories.

The LP was warmly received: Album of the Year List placements from Pitchfork and The Needle Drop, glowing reception from Paste, Insider and FADER, and a widespread resonance from a young audience who consider the album cathartic and relatable.

Es gibt keine andere Band wie Angel Du$t. Tatsächlich ist diese einzigartige Gruppe fast schon dadurch definiert, wie sehr sie sich von der Masse abhebt. Wenn es also klar ist, dass Angel Du$t mit niemandem zu vergleichen ist, wie sind sie dann? Sind sie bahnbrechende Genre-Zerstörer oder eine der letzten echten Gitarrenbands? Sind sie die Verkörperung unverblümter Aggression oder ernsthafte Experimentatoren? Sind sie die Hardcore-Version einer Indie-Band oder ist es umgekehrt? Man könnte sich solche Fragen stellen, wenn man die mehr als zehnjährige Reise von Angel Dust betrachtet aber das neue Album der Band, COLD 2 THE TOUCH, legt nahe, dass es vielleicht doch nicht so kompliziert ist. Oder wie Sänger/Mastermind Justice Tripp es ausdrückt: Angel Du$t ist Rock 'n' Roll." COLD 2 THE TOUCH fängt diese einfache Tatsache besser ein als je zuvor. Die 26 Minuten eklektischer und knallharter Musik machen deutlich, dass Angel Du$t sich nicht in die Grenzen enger Subgenres pressen lässt und dass ein so elementarer Begriff wie Rock n' Roll tatsächlich wie angegossen passt. Dies ist das seit langem offenste und wildeste Album der Band eine Mischung aus harten Riffs und großen Hooks, die durch Tripps offenherzigen Existentialismus ergänzt werden. Eine ganze Reihe von Mitwirkenden macht COLD 2 THE TOUCH zu einem fesselnden Hörerlebnis, das den Zuhörer immer wieder überrascht: Gitarrist Jim Caroll macht sich besonders in Zero" bemerkbar, einem echten Angel Du$t-Epos, das über drei Minuten lang spiralförmige Riffs bietet und Gesang von Wes Eisold von American Nightmare und Cold Cave enthält; Downfall" hat das Knurren von Patrick Cozens von Restraining Order; Man On Fire" greift auf die britische Punklegende Frank Carter zurück und The Beat" enthält kehlige Gastbeiträge von Taylor Young von Twitching Tongues, Deadbody und anderen. Die letzten beiden Songs des Albums, The Knife" und The Beat", fassen genau zusammen, was Angel Du$t zu einer so besonderen Band macht. Es ist ein kreatives Unterfangen, bei dem offenherzige Gedanken über die Endlichkeit des Lebens mit der ungezügelten Spannung gewalttätiger Riffs koexistieren können, bei dem echte Menschlichkeit gedeihen kann und es vor allem darauf ankommt, sich selbst und seinem eigenen Spektrum an Gedanken, Interessen und Gefühlen treu zu bleiben. Das bin ich", sagt Tripp. Und ich spreche auch für die Band: Wir sind Leute, die immer aggressiven Rock 'n' Roll spielen werden. Das passiert, ob du es magst oder nicht. Ich bin ich, und wenn du mir im Weg stehst, werde ich dich vernichten."

Ein phänomenales neues Gesangstalent mit kompromissloser Vision: SIENNA SPIRO präsentiert ihr Debü-
talbum Visitor – ein eindrucksvolles erstes Statement einer Künstlerin mit unverkennbarem Langzeitpotenzial. Visitor enthält die Billboard-Chart-Hits sowie die von der RIAA mit Platin und Gold ausgezeichneten
Singles „Die On This Hill“ und „You Stole The Show“ sowie die neue Hit-Single „The Visitor“. Bereits vor
Veröffentlichung ihres Debütalbums verzeichnete SIENNA über 1,3 Milliarden Streams und verbindet ihre
beeindruckende Musikalität mit einem kompromisslosen Anspruch, Musik mit echter Tiefe und Bedeutung
zu schaffen.

„Getaway Car“, die Lead-Single aus dem kommenden Album *Bonfire*, schrieb Country-Musik-Geschichte,
als der Titel am Sonntag, dem 12. April, als erster Song britischer Künstler die „Offcial UK Country Radio
Airplay Chart“ anführte.
Seit ihrem Durchbruch im Jahr 2015 haben The Shires einen Rekord nach dem anderen gebrochen. Sie
waren die ersten britischen Country-Künstler, die mit ihrem Debütalbum *Brave* ein Top-Ten-Album
in Großbritannien platzierten; mit ihrem Nachfolger *My Universe* lieferten sie das sich am schnellsten
verkaufende britische Country-Album aller Zeiten ab und wurden zum einzigen britischen Act, der mit einem
CMA Award ausgezeichnet wurde. In vielerlei Hinsicht ihrer Zeit voraus, haben Ben und Crissie nicht nur den
Weg für nachfolgende britische Country-Künstler geebnet, sondern auch das aktuelle „Goldene Zeitalter“
der Country-Musik in Großbritannien vorweggenommen.
Erhältlich als CD & LP

Mit gemeinsamen Aufnahmen mit den beiden amerikanischen Jazzlegenden Lee Konitz und Charles Lloyd
hatte sich der außergewöhnliche französische Pianist Michel Petrucciani in den frühen 1980er Jahren in die
internationalen Schlagzeilen gespielt. Auf “Power of Three”, seinem zweiten Album für Blue Note Records,
präsentierte sich der 23-jährige Pianovirtuose mal im Duo, mal im Trio mit zwei weiteren amerikanischen
Jazzgrößen: dem Gitarristen Jim Hall und dem Saxofonisten Wayne Shorter. Das 1986 beim Montreux
Jazz Festival live aufgenommene Album dokumentierte einen geradezu magischen Abend, an dem drei
Ausnahmemusiker aufeinandertrafen.

Auf seinem neuen Solo-Klavieralbum „Stephen Hough’s Piano Postcards“ erkundet Sir Stephen Hough die
Welt aus der Perspektive eines reisenden Pianisten, der musikalische Botschaften nach Hause schickt. Er
wählt beliebte Lieder und Melodien aus aller Welt aus und interpretiert sie auf raffnierte Weise neu. Diese
neuen Arrangements sind eine Hommage an die Länder, die er im Laufe seines Lebens auf Reisen und bei
Auftritten lieben gelernt hat – musikalische Souvenirs, die er seinem Publikum mitbringt.
Die asiatische Musik ist vertreten durch „Spring Breeze Prelude“ des taiwanesischen Komponisten Deng
Yu-Hsien sowie durch eine zarte Klavierversion von „Aka Tombo“, einem in Japan sehr beliebten Kinderlied,
das sogar im landesweiten „5-Uhr-Glockenspiel“ zu hören ist. Folklore und populäre Traditionen kommen in
„Cielito lindo” und „Nature boy” zum Ausdruck, während sich die letzte Gruppe von Stücken mit Werken
von MacDowell, Schumann und Sinding der Natur zuwendet. Neben diesen musikalischen Reisetagebüchern
streut Stephen Hough funkelnde neue Transkriptionen von Liedern aus beliebten Filmen ein.
„Piano Postcards“ spiegelt vor allem die Tradition der Pianisten-Komponisten wider: Musiker, die ihr
eigenes Repertoire mit Freiheit und Individualität aufführten, arrangierten und kuratierten. Hough fasst
den Geist des Albums so zusammen: „Der musikalische Appetizer kann tiefgründige Poesie oder Witz und
Laune enthalten, ob subtil oder laut. Alles auf einer handlichen Speisekarte.“

Congolese musician and composer Fabe Beaurel Bambi presents SALA SALA, the debut album from Elikia, a five-piece Congolese Afro-jazz group from Paris, and the first release on Berlin-based Little Tone Records. Recorded live over three days in Paris, the album blends Congolese and pygmy musical traditions with rumba, jazz and spiritual grooves, creating a contemporary, funk-laced and highly danceable sound with plenty of variety across the record. Sung in Lingala, Lari and Kikongo, SALA SALA connects ancestral memory and modern Afro-jazz while carrying a message of hope, responsibility and transformation. For fans of Kokoroko, Ezra Collective, Nate Smith and Richard Bona.

Ingrid Schmoliner moves between the genres of new music, improvised music, free jazz, and folk music. Teaming up with the member of Zeitkratzer, RANK Ensemble, PARA, and Zinc & Copper Elena Kakaliagou, they form a Duo that creates dark interpretations of ancient songs and tales. mixed by Bilgehan Ozis_Berlin mastered by Erdem Helvacioglu_New York recorded in Ocean Sound Studios_Giske/Norway by Henning Svoren and Anders Boska special thanks to Alain Alpenfeld and Konstantin Drobil for making this album happen this album is dedicated to Jutta Lange-Butenuth, to Thomas Noll and the Nordic Sea kindly supported by Trost/Human Kind Records/Bund/Land Kärnten/SKE Ingrid Schmoliner - piano,voice Elena Kakaliagou - french horn, voice Els Vandeweyer - vibraphone on TO KE Bilgehan Ozis - electronics on PERFUME

Normenkollision melden sich zurück - Provinzpunk, der weh tut Normenkollision veröffentlichen ihre 7" ,Kranke Zeiten" - kompromisslos, roh, laut. Die Band nimmt kein Blatt vor den Mund, wenn sie über das echte Leben in der Provinz singt: Freundschaft, Stammtischparolen, zu lange Nächte, Sucht und diese verdammte Sehnsucht nach mehr. Der Fokustrack ,Krieg" ist ein wütender Blick auf unsere Zeit. Gentrifizierung, privatisierte öffentliche Räume, Kriegstreiberei und die Ignoranz der Mächtigen - all das steckt in drei Minuten purer Hardcore-Attitüde. Normenkollision schlägt zu, direkt ins Gesicht. Warum man reinhören muss: Provokanter Provinzpunk, der ehrlich bleibt; Songs, die wehtun, weil sie die Realität nicht verschönern - Hardcore-Attitüde trifft auf gesellschaftlichen Blick

Born in Philadelphia in 1943, Barron's journey through the jazz world reads like a tour of its greatest innovators: early work with James Moody, Roy Haynes, and a formative tenure in Dizzy Gillespie's quintet set the stage for a career defined by sophistication, depth, and unmistakable melodic clarity.

Through the 1960s and '70s, Barron became a sought-after collaborator, performing with Freddie Hubbard, Jimmy Owens, Yusef Lateef, Milt Jackson, Jimmy Heath, and Stan Getz. His role in the celebrated ensemble Sphere, alongside Buster Williams, Ben Riley, and Charlie Rouse, further cemented his reputation as a musician equally rooted in bebop tradition and forward-looking modernism.