Cerca:kon

Zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Hit-Singles "bad grades" und ein Jahr,
nachdem sie es auf eine Times Square-Billboard als Spotify Equal-Künstler geschafft
haben, kündigen Kids With Buns ihr Debütalbum "out of place" an. Ein Album über das
Erwachsenwerden und das Gefühl, ein Außenseiter zu sein, in eine Sammlung von
traurigen Songs übersetzt.
Einerseits enthält die Platte eine Sammlung von Dingen, die du dir einfach gewünscht
hättest, rückblickend auf einen bestimmten Moment, den du jedoch irgendwie nicht
ausgesprochen hast. Andererseits enthält sie auch starke introspektive und selbstkritische
Passagen. Obwohl das zentrale Thema des Albums das Erwachsenwerden ist, berührt es
viel mehr als nur das Erwachsenwerden, einschließlich Themen wie Trauer (was in
deinem Gehirn passiert), queer sein (wie schlimm, nichts Neues) und sich in seinem
eigenen Kopf festgefahren fühlen (Unordnung, das Gleichgewicht).
In einem improvisierten Heimstudio, in dem Amber und Marie praktisch den ganzen
Sommer über lebten, wurde "out of place" von Mathias Stal (1712, bad grades)
aufgenommen und produziert. Unter Beibehaltung ihres unverwechselbaren Sounds, der
aus Maries androgyner Stimme und Ambers eingängigen Gitarrenhooks besteht,
markieren die neuesten Singles eine Entwicklung hin zu einem lebhafteren und
extrovertierteren Sound. Ihre persönlichen Probleme und Unsicherheiten in
Ohrwurm-Refrains zu verwandeln, führte zu sofortigen Erfolgen bei Live-Auftritten mit
ausverkauften Konzerten an Orten wie AB (Brüssel), Vooruit (Gent), Ekko (Utrecht) und
Merleyn (Nijmegen). Dennoch ist "out of place" auch ein herzlicher Soundtrack zum
Cruisen oder für eine spätabendliche Wein-und-Weh-Sitzung.
Nach einem erfolgreichen Auftritt beim ESNS, der ihnen einen Platz in den Top 25 der
Acts des Festivals von 3voor12 einbrachte, erweitern Kids With Buns ihren Horizont. Mit
einem neugewonnenen größeren Sound kommt auch ein beeindruckender internationaler
Tourneeplan: von Slots in der Line-up von Down The Rabbit Hole (NL), Pukkelpop (BE)
und Reeperbahn (DE) bis hin zu ihren eigenen Release-Shows im Hauptsaal der
Ancienne Belgique und De Helling in Utrecht. Mit "out of place" fangen Kids With Buns
gerade erst an.

Nach dem überwältigenden Erfolg von 'Roller Coaster' nahm die musikalische Karriere
von Danny Vera enorm Fahrt auf. Der Song brach alle Rekorde, führte sämtliche Charts an
und wurde mittlerweile auf Spotify fast 100 Millionen Mal gestreamt. Zwanzig Jahre harte
Arbeit und geduldiges Touren zahlten sich schließlich in Platin-Auszeichnungen und
einem ausverkauften Ziggo Dome aus. Und das alles nach seinen eigenen Bedingungen,
ohne Zugeständnisse zu machen. Doch wer denkt, dass Danny Vera sich jetzt auf seinen
Lorbeeren ausruhen wird, der irrt. Die Musik liegt ihm im Blut, und dieses Blut fließt
dorthin, wo es nicht hingehört. Amerikanische Country-, Blues- und Rock 'n' Roll-Musik
gehört dazu.
Sein neues Album 'DNA' wurde von Vera auf eine andere Weise geschaffen als üblich.
„Normalerweise dauert es zwei bis drei Jahre, um zwanzig Songs zu schreiben, aber
diesmal habe ich sie in zwei Monaten geschrieben“, sagt er. „Alles kam einfach spontan
heraus.“ Die Stimmung auf dem Album unterscheidet sich erheblich von der auf seinem
vorherigen Album. „Ich habe schnell gemerkt, dass in den Songs im Vergleich zu meinem
vorherigen Album 'The New Now' eine andere Atmosphäre herrschte. Es war etwas
authentischer, mehr Rock 'n' Roll und Blues – und so sollten die Songs klingen, so
authentisch wie möglich.“ In einer Zeit, in der ChatGPT Ihnen innerhalb von Sekunden
komplette Texte ausspuckt und alle Unvollkommenheiten im Studio ausgebügelt werden
können, war es für Danny Vera sehr erfrischend, alles auf einmal aufzunehmen. „So hat
man es früher gemacht, und deshalb hat es so gut geklungen, voller Spaß. Die
Unvollkommenheiten sind Teil davon, die Unvollkommenheiten machen es perfekt.“
Letztendlich landeten sechzehn Songs auf dem neuen Album. 'DNA' ist ein Album, auf
dem Danny Vera zu seinen Wurzeln zurückkehrt, mit Songs, die ihre Wurzeln in der
amerikanischen Roots-Musik vergangener Zeiten haben. Ohne Klickspuren, Autotune
oder die Beteiligung eines Autorencamps. Solide Songs, die von klassischen Danny
Vera-Balladen bis hin zu frischem, uptempo Rock 'n' Roll reichen. Eine Platte mit Ecken
und Kanten, aber vor allem mit starker Musik.

JOACHIM WITT ist eine Lichtgestalt der deutschen Kulturszene. Seit über 40 Jahren steht der erfolgreiche Musiker auf der Bühne. In diesen Jahrzehnten hat er eine enorme Wandelbarkeit bewiesen. 17 Alben veröffentlichte Joachim Witt seit 1980. Beginnend mit "Silberblick" und der Auskopplung "Der Goldene Reiter" (Gold-Status) in der Zeit der NDW, über das 1998 erschiene Comeback-Erfolgsalbum "Bayreuth I", das Platin Status erreichte, bis "DOM" in 2012 mit der Singlekopplung "Gloria" und dem kontrovers diskutierten Video, seinen Auftritten beim Wacken Open-Air oder auch seiner jüngst entdeckten TikTok-Karriere: Der 74-Jährige gebürtige Hamburger ist ein Garant für Vielseitigkeit, Genre Wechsel und Stil-Mischungen.

Sein neues Album trägt den Titel "Der Fels in der Brandung" . Keine Metapher passt zu JOACHIM WITT persönlich besser: Der Ausnahmekünstler hat im Laufe seines Lebens immer wieder Veränderungen unternommen, unzählige Herausforderungen gemeistert, Höhen und Tiefen durchlebt und dabei seine künstlerische
Integrität fortwährend bewahrt.

JOACHIM WITT nimmt sich immer wieder neuer Visionen an und verwirklicht diese konsequent.

"Der Fels in der Brandung" ist ein Album, das seine Zuhörer auf vielen Ebenen überraschen wird. In enger Zusammenarbeit mit dem Flensburger Gold-Produzenten Hardy Krech (Elephant Music), hat JOACHIM WITT wieder einen neuen und eigenen Sound kreiert, der seine Stärken und seine Botschaften in eindrucksvoller Weise mit elektronischen Klängen und Gitarrenmelodien verwebt

Wenn sich Deutschlands umtriebiger Vorzeige-Growler Marc Grewe (ex-Morgoth, Insidious Disease) anschickt hinter ein Mikrofon zu treten, kann man sich darauf verlassen mit astreinem Death Metal beschallt zu werden … bis jetzt! Denn mit Deimos’ Dawn steht das Szene Urgestein erstmals einer THRASH METAL Band klassischer Prägung voran. Bands wie Kreator, Slayer, Sodom und Sepultura haben offensichtlich tiefe Spuren bei den Bandgründern Andy Doé (Gitarre), Matthias Lange (Bass) und Mathias Schmidt (drums)
hinterlassen.

Die 12 Songs, denen Grewe mit der wohl vielfältigsten Gesangsleistung seiner Karriere die schwarzgoldene Krone eines Gift und Galle speienden Königs der Unterwelt aufsetzt, warten darauf einen frischen Wind der Verwüstung durch eure Gehörgänge zu blasen. Der ehemalige Sodom-Gitarrist und Tausendsassa Andy Brings war derart begeistert von Konzept und Songs, dass er (fast) alle Texte schreiben und Grewes Vocals produzieren musste. Ja, musste!

Die Sonne braucht die Dunkelheit, um noch heller zu erstrahlen. Aber die Dunkelheit braucht die Sonne ebenfalls, um in vollem Kontrast zu ihrer Helligkeit zu stehen. Doch die Tragik liegt in der Beziehung zwischen den beiden: Die eine kann ohne die andere nicht existieren, aber beide werden sich nie begegnen können. Es ist eine Wechselwirkung und eine Abhängigkeit: eine Symbiose - auf die auch der Bandname SYMBIONTIC verweist.

“The Sun And The Darkness” scheint erstmal nur der zweite Release in der Geschichte von SYMBIONTIC zu sein, aber für die Melodic Death Metaller aus Dortmund ist es gleichwohl das Ende einer langen Reise. Nach der Veröffentlichung ihres Underground-Juwels “Vaya” löste sich die Band bereits 2011 auf… Zehn Jahre später kehrte sie jedoch zurück, inmitten der Pandemie, mit dem Gefühl, dass da noch etwas ist, was es zu sagen gilt.

Nach dem überwältigenden Erfolg von 'Roller Coaster' nahm die musikalische Karriere
von Danny Vera enorm Fahrt auf. Der Song brach alle Rekorde, führte sämtliche Charts an
und wurde mittlerweile auf Spotify fast 100 Millionen Mal gestreamt. Zwanzig Jahre harte
Arbeit und geduldiges Touren zahlten sich schließlich in Platin-Auszeichnungen und
einem ausverkauften Ziggo Dome aus. Und das alles nach seinen eigenen Bedingungen,
ohne Zugeständnisse zu machen. Doch wer denkt, dass Danny Vera sich jetzt auf seinen
Lorbeeren ausruhen wird, der irrt. Die Musik liegt ihm im Blut, und dieses Blut fließt
dorthin, wo es nicht hingehört. Amerikanische Country-, Blues- und Rock 'n' Roll-Musik
gehört dazu.
Sein neues Album 'DNA' wurde von Vera auf eine andere Weise geschaffen als üblich.
„Normalerweise dauert es zwei bis drei Jahre, um zwanzig Songs zu schreiben, aber
diesmal habe ich sie in zwei Monaten geschrieben“, sagt er. „Alles kam einfach spontan
heraus.“ Die Stimmung auf dem Album unterscheidet sich erheblich von der auf seinem
vorherigen Album. „Ich habe schnell gemerkt, dass in den Songs im Vergleich zu meinem
vorherigen Album 'The New Now' eine andere Atmosphäre herrschte. Es war etwas
authentischer, mehr Rock 'n' Roll und Blues – und so sollten die Songs klingen, so
authentisch wie möglich.“ In einer Zeit, in der ChatGPT Ihnen innerhalb von Sekunden
komplette Texte ausspuckt und alle Unvollkommenheiten im Studio ausgebügelt werden
können, war es für Danny Vera sehr erfrischend, alles auf einmal aufzunehmen. „So hat
man es früher gemacht, und deshalb hat es so gut geklungen, voller Spaß. Die
Unvollkommenheiten sind Teil davon, die Unvollkommenheiten machen es perfekt.“
Letztendlich landeten sechzehn Songs auf dem neuen Album. 'DNA' ist ein Album, auf
dem Danny Vera zu seinen Wurzeln zurückkehrt, mit Songs, die ihre Wurzeln in der
amerikanischen Roots-Musik vergangener Zeiten haben. Ohne Klickspuren, Autotune
oder die Beteiligung eines Autorencamps. Solide Songs, die von klassischen Danny
Vera-Balladen bis hin zu frischem, uptempo Rock 'n' Roll reichen. Eine Platte mit Ecken
und Kanten, aber vor allem mit starker Musik.

»This Is What A Winner Looks Like« verbindet mühelos technische Elemente mit ohrwurmverdächtigen Melodien und ist ihr bisher kollaborativstes Werk, das neben ihrem Markenzeichen, dem Metallic Metal, auch elektronische Elemente enthält.

Das lyrische Konzept wurde von Fernsehsendungen inspiriert, in die sich Bandleader Darran Charles während der Abriegelung Großbritanniens vertiefte, aber auch von der erdrückenden Unfähigkeit, der Leere von Live-Auftritten zu entkommen. Etwas, das die Band sehr zu schätzen weiß.

Produziert von James Loughrey (Skindred / Def Leppard) und gemastert von Maor Appelbaum, wurde das Album in den legendären Rockfield Studios aufgenommen.

Changing Channels ist das neue, zweiteilige Album des britischen DJ/Produzenten Pangaea (aka Kevin McAuley), sein erstes seit der gefeierten Debüt-LP In Drum Play (2016). Die Tracks sind galoppierend, ansteckend und hypnotisch und fangen Pangaeas Fähigkeit ein, Banger mit einer experimentellen Neigung zu konstruieren, ohne auf Wirkung zu verzichten. Ihr Fokus auf den Dancefloor ist dringend, nachdrücklich und von einer unbestreitbaren Präzision. Die beeindruckenden, unaufhaltsamen Grooves glänzen wie Marmor auf Beton: glatt und doch rau, attraktiv und doch aggressiv. Wie ein Zwielicht mitten in der Nacht, mit mysteriösen Elementen, die sich nicht als Bedrohung anfühlen, versprüht die Musik eine Wärme, die die Dunkelheit durchdringt.

Changing Channels ist das neue, zweiteilige Album des britischen DJ/Produzenten Pangaea (aka Kevin McAuley), sein erstes seit der gefeierten Debüt-LP In Drum Play (2016). Die Tracks sind galoppierend, ansteckend und hypnotisch und fangen Pangaeas Fähigkeit ein, Banger mit einer experimentellen Neigung zu konstruieren, ohne auf Wirkung zu verzichten. Ihr Fokus auf den Dancefloor ist dringend, nachdrücklich und von einer unbestreitbaren Präzision. Die beeindruckenden, unaufhaltsamen Grooves glänzen wie Marmor auf Beton: glatt und doch rau, attraktiv und doch aggressiv. Wie ein Zwielicht mitten in der Nacht, mit mysteriösen Elementen, die sich nicht als Bedrohung anfühlen, versprüht die Musik eine Wärme, die die Dunkelheit durchdringt.

Im Herbst 2023 erscheint bei Erased Tapes das Album Give It to
the Sky: Arthur Russell"s Tower of Meaning Expanded. Bei der
vom Komponisten und Producer Peter Broderick und dem 12-
köpfigen Ensemble 0 aus Frankreich aufgenommenen Version,
handelt es sich um eine erweiterte Neuinterpretation von Arthur
Russells minimalistischer Orchesterkomposition "Tower of
Meaning", die erstmals im Jahr 1983 veröffentlicht wurde. "Give
It to the Sky.." vereint zudem auch unveröffentlichte Stücke von
Russell, die überarbeitet und neu aufgenommen wurden. Mit
ihrer umwerfenden, insgesamt 80 Minuten langen Hommage
hauchen Broderick und Ensemble 0 dem "Tower of Meaning"
neues Leben ein und verknüpfen diesen minimalistischen
Meilenstein mit etlichen verlorenen Songideen aus Russells
Nachlass. Das komplette Album, das so gut wie ohne Overdubs
auskommt, wurde live in einem kleinen Theater im Südwesten
Frankreichs eingespielt. Gewiss war Russell nie ein Freund
endgültiger Versionen. Er dachte kontinuierlich über die
Möglichkeiten eines Stücks nach und fragte sich, was es sonst
noch alles sein oder werden könnte. "Give it to the Sky" knüpft
ganz klar an diese Herangehensweise an, indem es "Tower of
Meaning" als grobes Framework nutzt, um darauf aufzubauen,
diesen atmenden Kern nach oben und nach außen zu erweitern
- und insgesamt etwas entstehen zu lassen, das man ganz klar
in Russells wundersam-paradoxer Welt verorten kann. Auch
"Give it to the Sky" kann somit keineswegs als letztes Wort oder
ultimative Interpretation gedacht sein. Broderick und Ensemble
0 sind längst darüber im Austausch, welche Formen es auf der
Bühne annehmen oder wohin es sonst führen könnte.

Im Herbst 2023 erscheint bei Erased Tapes das Album Give It to
the Sky: Arthur Russell"s Tower of Meaning Expanded. Bei der
vom Komponisten und Producer Peter Broderick und dem 12-
köpfigen Ensemble 0 aus Frankreich aufgenommenen Version,
handelt es sich um eine erweiterte Neuinterpretation von Arthur
Russells minimalistischer Orchesterkomposition "Tower of
Meaning", die erstmals im Jahr 1983 veröffentlicht wurde. "Give
It to the Sky.." vereint zudem auch unveröffentlichte Stücke von
Russell, die überarbeitet und neu aufgenommen wurden. Mit
ihrer umwerfenden, insgesamt 80 Minuten langen Hommage
hauchen Broderick und Ensemble 0 dem "Tower of Meaning"
neues Leben ein und verknüpfen diesen minimalistischen
Meilenstein mit etlichen verlorenen Songideen aus Russells
Nachlass. Das komplette Album, das so gut wie ohne Overdubs
auskommt, wurde live in einem kleinen Theater im Südwesten
Frankreichs eingespielt. Gewiss war Russell nie ein Freund
endgültiger Versionen. Er dachte kontinuierlich über die
Möglichkeiten eines Stücks nach und fragte sich, was es sonst
noch alles sein oder werden könnte. "Give it to the Sky" knüpft
ganz klar an diese Herangehensweise an, indem es "Tower of
Meaning" als grobes Framework nutzt, um darauf aufzubauen,
diesen atmenden Kern nach oben und nach außen zu erweitern
- und insgesamt etwas entstehen zu lassen, das man ganz klar
in Russells wundersam-paradoxer Welt verorten kann. Auch
"Give it to the Sky" kann somit keineswegs als letztes Wort oder
ultimative Interpretation gedacht sein. Broderick und Ensemble
0 sind längst darüber im Austausch, welche Formen es auf der
Bühne annehmen oder wohin es sonst führen könnte.

Der Titel der neuen Oakhands EP 'A Circle with Many Centers' ist eine Referenz an eine Kurzgeschichte Haruki Murakamis und gleichzeitig die Erkenntnis von Oakhands, dass sich das Leben und die Gefühle doch nicht so logisch Auseinanderdifferenzieren und Zerdenken lassen, wie es auf dem vorhergehenden Album 'The Shadow Of Your Guard Receding' angenommen und praktiziert wurde. Sondern dass Gefühle ganz einfach erlebt, wie gelebt werden müssen und all die persönlichen Konflikte doch alle stärker und universeller zusammenhängen, als einem lieb ist. An der Wurzel aller zusammenhängenden Lebensfragen liegt das Thema Depression, welches alle Emotionen durchdringt und erstickt. Ein gesellschaftlich wie individuell unvermeidliches Thema, mitten im Zeitgeists. Die Depression, der große Gegner aller Gefühle oder auch die große Abwesenheit aller Gefühle, lässt sich nicht einfach analytisch ausdifferenzieren, sondern ist "einfach da". Und sie stellt sich hier auf der EP gegen das Kaleidoskop der Gefühle auf dem Debütalbum und alle deren analytische Erklärungsversuche. 'A Circle with Many Centers' ist also wahlweise die Fortzsetzung, Antwort oder Widerlegung ihres Debütalbum. Dieses beschäftigte sich in beinahe schon manischer Präzision analytisch und lyrisch mit den eigenen Gefühlen und wurde künstlerisch (nicht wissenschaftlich) von Plutchicks Rad der Emotionen inspiriert. Wenn man so will, kann 'Circle with Many Centers' auch als eine späte Coming-Of-Age Platte gelesen werden. Eine post-adoleszente Platte über das "wahre" Erwachsenwerden um die 30, späte individuelle Sturm & Drang-Phasen. Über die Erkenntnis, wo die Wurzel aller persönlichen Konflikte liegt: der Depression.

Nachdem der französische Pianist und Producer sich mit 'O', dem ersten Album (2020 auf Mercury) einer elektronischen Symphonie widmete, kehrt LAAKE mit 'VOLT' zurück, mit einem umfangreichen und sonnigen Werk vollkommen contrair zur Entwicklung der aktuellen elektronischen Musik- Szene. Die Piano-Loops, eine der musikalischen Speerspitzen des Musikers, kollidieren mit Percussions und Drums in einer progressiven und treibenden Sintflut. Die Energie des Albums bewegt sich mühelos zwischen elektronischen und klassischen Dimensionen und flirtet mit Orgelklängen, kraftvollen Bässen und polyphonen Stimmen. Aufgenommen mit 10 Musikern aus der Klassik- und Jazzwelt zwischen Paris und Brüssel, folgen die 10 Titel des Albums einem Konzept, ohne sich zu wiederholen.

Nachdem CARNIFEX seit über 18 Jahren als Band existiert, experimentieren sie weiterhin mit frischen Songarrangements und verleihen ihrem inhärenten Deathcore-Fundament einen einzigartigen Sinn für Atmosphäre. Als es an die Aufnahme ging, wurden diese Orchestrierungen vom Filmmusikkomponisten Spencer Creaghan zum Leben erweckt. „Wir haben ihm die Vorproduktion geschickt und dann hat er das Riff weggelassen, eine außerirdische Atmosphäre hinzugefügt und die Gitarren aufgewertet. Spencer ist ein wunderbarer Autor.“
Mit seinen Blastbeats, geschwärzten Riffs, schweren Breakdowns und epischen Orchesterarrangements ist es ein viszerales Erlebnis, wie es nur CARNIFEX liefern können.

Mit ihrem fünften Album "Calling the Dogs" setzen Citizen ihre Bemühungen fort, melancholische, energiegeladene Rockmusik zu machen, die sich nicht auf einen einzigen Sound festlegen lässt, sondern eine Vielzahl von Einflüssen einbezieht. Produziert von Rob Schnapf (Saves the Day, Joyce Manor, Elliott Smith) ist "Calling the Dogs" ein Album, das mit dem Blick nach innen beginnt und mit dem Blick nach außen schließt. Es ist ein Album, das sich mit den Menschen beschäftigt, die wir durch die Menschen um uns herum werden. Es läutet nicht nur personell eine neue Ära der Band ein, sondern atmet auch thematisch neue Luft. Es ist ein Album der Selbstreflexion, aber auch eines, das die Wut auf direktere Weise als je zuvor zum Ausdruck bringt. Mit Einflüssen von Künstlern wie den Ramones, Violent Femmes und Bloc Party fühlt sich "Calling the Dogs" wie ein neues Kapitel für Citizen an. Songs wie der Opener "Headtrip" und die Leadsingle "If You're Lonely" wirken wie typische Citizen-Songs, die von Produzent Rob Schnapf mit einer neuen Energie versehen wurden. Wie schon bei ihrem 2021er Album "Life In Your Glass World" ist bei Songs wie "Hyper Trophy" und dem groovigen "Can't Take It Slow" ein deutlicher Einfluss des NYC-Garage-Rock-Revivals zu erkennen. Aber Citizen lässt auf "Calling the Dogs" nie eine einzige Stimmung zu lange bestehen - auf der Platte gibt es Momente der Pop-Seligkeit, der Punk-Aggression und der üblichen Citizen-Melancholie. Auf der Grundlage ihrer persönlichen Erfahrungen und ihres kollektiven musikalischen Könnens haben Citizen ein Album geschaffen, das Grenzen überschreitet und den Hörer herausfordert, seine eigenen emotionalen Landschaften zu erkunden. Für Fans von Turnstile, Fiddlehead, Angel Du$t, Militarie Gun, Drug Church, Narrow Head.

Die multidimensionalen Künstler:innen und Produzent:innen yeule kündigen ihr neues Album, „softscars“, an, das am 22. September 2023 über Ninja Tune erscheinen wird. „softscars“ repräsentiert eine neue Richtung für yeule, da sie weichere Texturen und körperlose Arrangements erforschen, die ihre ätherischen Vocals in den Vordergrund stellen. Das Projekt untersucht die Anatomie ihrer lang gehegten emotionalen Wunden für ihr bisher verletzlichstes Werk. Obwohl die Thematik schwer und geheimnisvoll ist, strahlt das Projekt, das von yeule und ihren Kolleg:innen Kin Leonn geschrieben und produziert wurde, mit zusätzlicher Produktion von Mura Masa und Chris Greatti (Yves Tumor, Willow Smith) ein Gefühl der freudigen Katharsis aus. Angetrieben wird das Album von yeules sich verändernden Vocals, die mit all ihren Ecken und Kanten und ihrem eindringlichen Flüstern sicherer denn je klingen und den unvollkommenen Prozess der Heilung widerspiegeln.
Das neue Album folgt auf das von der Kritik gefeiertes Album, „Glitch Princess“, aus dem Jahr 2022, das von Pitchfork mit dem Prädikat „Best New Music“ ausgezeichnet wurde und auch hierzulande sehr wohlwollend abgefeiert wurde, u.a. mit 5 von 6 Sternen im Musikexpress, mit 4 von 5 Punkten bei laut.de und 8 von 10 Punkten bei Plattentests. yeule machen sowohl Musik als auch visuelle Kunst, das Projekt wurde ins Leben gerufen, um als Portal oder Spalt zu fungieren, der es ihnen ermöglicht, ihre Kunst der Außenwelt mitzuteilen, während sie gleichzeitig in ihrer inneren Hülle geschützt sind. yeule wurde als Manifest ihrer eigenen Identitäten konstruiert, in denen sie immer Zugang zu multiplen Avataren und der Freiheit hatten, sich nach Belieben zu verändern oder zu verformen - Trost durch die Verkörperung von wandelbaren, chamäleonartigen Vielfältigkeiten.

Was als Lockdown Homerecording Projekt von Lars Schmidt Subterfuge begann, ist mittlerweile zu einer passablen Band aus alten Bekannten herangewachsen durch Christoph Schneider Klee, Clayton Farlow, Soccer, Philipp Breuer [Pale] und Mark Specht [ehem. Subterfuge]). Mit Don'ts and Dos liegt nun das Debut-Album vor, welches am 25. August digital sowie als CD und Anfang Oktober auf Vinyl über Subjangle und Less Records erscheint und über Cargo vertrieben wird. Nach der hochgelobten Simple EP im letzten Jahr (drei dieser Tracks sind als neue Versionen auf diesem Album zu finden) ist The Radio Field zurück, um uns mit ihrem Debüt "Don'ts and Dos" eine Art musikalische Archäologie des Jangle-& Twee-Pop der 80er und 90er Jahre zu liefern, mit herrlich knackigen, klaren, hochmelidiösen Riffs plus des den einehmenden Vibes des College-Rocks, welcher nie weit entfernt anklingt. "Die Songs von The Radio Field bohren sich wie ein kleiner fieser Alien-Wurm durch meinen Gehörgang direkt in das Wohlfühlzentrum meines Gehirns - und bleiben dort für immer! Schon das Debüt 'Simple EP', die Lars (man kennt ihn von der institutionellen Düsseldorfer Band Subterfuge) noch ganz alleine eingespielt hat, war grandios, jetzt kommt endlich das erste Album. Die zehn im Domblick Studio von Bassist Christoph in Köln eingespielten und mit einigen prominenten Gästen (Robert Stadtlober, Stefanie Schrank, Phantom Handshakes, Bukahara) veredelten Stücke sind durch die Bank weg Hits! Und Ohrwürmer! Und Meilensteine! Oder wie nennt Ihr denn Songs, die ihr sofort mitsingen und niemals vergessen könnt?" MARK KOWARSCH (ANTIKÖRPER AUF BYTE FM, SHARON STONED)

Vielleicht ist es Dir gar nicht bewusst, aber irgendwann, an einem beliebigen Tag, in einer beliebigen Woche oder in einem beliebigen Monat, hast Du die Musik von Trevor Rabin gehört. Vielleicht war es im Radio, als einer der größten Rockhits aller Zeiten, "Owner of a Lonely Heart" von Yes, gespielt wurde, oder auf einem seiner mehr als 100 Film- oder TV-Soundtracks, oder sogar als Titelmelodie für NBA-Basketball auf TNT. Jetzt kehrt er mit "Rio" zurück, seinem ersten Soloalbum mit Gesang seit "Can't Look Away" von 1989. Es ist ein Meisterwerk der Ideenfindung in Kombination mit unbändigem musikalischem Können, und Rabins Fähigkeiten als musikalischer Geschichtenerzähler sind allgegenwärtig. Es ist ein Album voller Überraschungen, großartiger Melodien, dramatischer Veränderungen und unglaublicher Musikalität.Erhältlich als Ltd CD+Blu-ray Mediabook & Ltd Deluxe Gatefold Red 180g 2LP + Blu-ray (inklusive 8-seitigem LP-Booklet), beide mit Bonusmaterial, 5.1 Surround Sound & Liner Notes. Auch erhältlich als Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g Black 2LP+LP-Booklet, Ltd Gatefold Transparent Sun Yellow 180g 2LP+LP-Booklet und als Digital Album.

2012, 12 Jahre nach Gründung wagte sich das Freisinger Quintett RPWL an ihr erstes Konzeptalbum. 'Beyond Man And Time' war eine musikalische Reise durch die Welt außerhalb von Platons Höhle - und der erste Chart-Entry von Deutschlands bester Artrock-Band. Die Band schaffte Themen für die einzelnen Charaktere des Konzept-Albums. Orientalische Percussions, ausgedehnte Moog-Soli oder indische Sitar sorgen wohlplatziert für eine atmosphärische und farbenfrohe Umsetzung. So ist es nur natürlich, dass diese musikalische Reise in einem 16-Minuten-Werk wie 'The Fisherman' gipfelt, um schließlich mit einem äußerst nachdenklichen, ruhigen 'The Noon' zu enden'. Der Song 'Somewhere In Between', auf der CD noch mit 2.04 Min kurz gehalten, ist nun erstmalig in seiner Originallänge von 9.22 Min enthalten. Die Doppel-LP kommt somit auf eine Gesamtspielzeit von über 81 Min.
Erstmalig erscheint das Album nun auf Vinyl, in wertiger Ausstattung als 180Gr. Doppel-LP im Gatefold Sleeve mit wattierten, schwarzen Innenhüllen sowie 4-seitiger Textbeilage!