Rating 4/5 "Independent UK"
This solo debut by Air’s Nicolas Godin explores various elements of Bach, but without slavishly transposing his music to modern instruments in the manner of Wendy Carlos.
Instead, Godin uses themes and fragments from Bach as the jumping-off point for diverse musical explorations. In “Club Nine”, he borrows the “Take Five” rhythm, brushed out behind a cyclical piano figure, stained with resonant Bach chords on vibes and keyboard; and for “Clara”, the husky Latin croon of Brazilian singer Marcelo Camelo swoons over a stately dub arrangement of strings and woodwind.
The seven-minute “Bach Off” is the most dramatic piece, a suite shifting between interlocking Latin percussion, African highlife sax, stalking piano and harpsichord/woodwind interplay; while the blend of music-box, cellos, French horn, pizzicato and vocal pad makes “Elfe Man” sound like an outtake from Pet Sounds. A rich, rewarding indulgence.
RFBCOLOURS 002 bring L'Atelier on board. This pair from Amsterdam bring you a 4 track EP with a digi only bonus. It starts off with Again, which hits that great sample hard and gets the party started on a disco vibe with a house twist. Then theres XTC which carries on where the A1 left off. On the flip we see a serious piano workout on top of a a grooving drum arragement. To finish off the vinyl package we see Times Are Ruff take the remix on a deeper tip with some seriously crunchy basslines and rolling groove. Then if that wasnt enough theres a digital bonus that will warm up any willing club room.
Feedback:
Telonius (Gomma)
'thanks nice one'
Laurin Fedora (Sleazy McQueen (Morris Audio / Paper Recordings))
'I'm looking forward to this vinyl. Nice return to late 90s filter disco!'
Gigi D'Agostino's 2000 erstmals erschienene fünfte EP TECNO FES 2 - Jetzt auch endlich auf Vinyl erhältlich!
Mit insgesamt 12 Titeln, darunter ein grandioser Remix von - LA PASSION', dem Dead Or Alive Cover - You Spin My Head' und vielen
weiteren Highlights... Wie man es von Gigi gewohnt ist, teilweise knochentrocken und hart-stampfend und dann doch wieder voller zuckersüßer Melodien!
Was Mitte der Neunziger, initiiert vom Veranstalter-Duo Sperling & Mauss, in Jena als Partyreihe unter dem Namen - Freude am Tanzen' begann, hat sich längst zur bekanntesten Plattform für elektronische Musik an der Saale mit bislang über sechzig Veröffentlichungen, eigenem Schwesterlabel (Musik Krause) und angeschlossener Booking-Agentur gemausert. Mit 16 Jahren auf dem noch immer jungen Buckel ist Freude am Tanzen heute auf dem besten Weg von der Adoleszenz ins Erwachsenendasein, doch dass dabei trotz gefestigter Strukturen zum Glück noch lange keine Langeweile Einzug halten muss, beweist nun die Jubiläums Compilation SIX10 Jahre Freude am Tanzen.
After their stunning 2012 debut single "Wish" (FM X / Wish 001) and last year's "Diggin' On You" (D.O.C. 001), the incredibly gifted ELEKFANTZ return to the fore with what can only called a brilliant full-length premiere. The duo of Daniel and Leo first met 20 years ago, when they played together in a blues band. Leo continued his carreer as a professional musician while Daniel started to discover a new musical path.
The latter was born and bred at the electronic music temple in South America, later becoming a resident DJ and local hero, known as the right guy to prepare the dance floor and set up the right mood. He's one of the finest DJs of the Brazilian new wave of electronic aficionados. Leo is a professional drummer, singer and composer since the age of 15. He played and recorded with some of the greatest artists in Brazil.
Their debut album DARK TALES AND LOVE SONGS sports all the intimate melodies, lush harmonies and organic undertones that the duo has become know for and then some: from pop-infused songwriter house to highly emotive prime time anthems, you'll find lots to love about this expertly crafted collection of melodic gems. Engineered to perfection by label head GUI BORATTO, it's an exciting step for the imprint and the project alike - we can't wait hearing where they'll go next.
Big with Maya Jane Coles, Round Table Knights, Homework, Claude Von Stroke, Robert Owens, Wildkats, Nhan Solo, Shir Khan,..Berlin-based Robosonic welcome the springtime with their first OFF EP. "Worst Love" uses an anthemic sample to create a groovy dancefloor burner with tight groove. Doctor Dru delivers a contemporary underground pop remix. Fritz Zander from the Suol collective made a "Panorama Bar 9 am"-styled remix for the real house-heads. And with "Thankful", Robosonic give us a 2nd original track, slightly more toolish than Worst Love.
Als Compilation-Reihe im Jahre 2001 gegründet um ein paar lose Fäden unserer Stammkünstler zu verknüpfen, hat sich SPEICHER inzwischen zu einem Garanten für fortgeschrittene Tanzklänge aus aller Welt weiterentwickelt, der es KOMPAKT erlaubt Musiker aus allen Bereichen des elektronischen Spektrums einzuladen und zu fördern. Für SPEICHER 73 haben sich Hollands Synth-Epiker QUINCE sowie der in Berlin lebende Techno- und Modekünstler TOM PETERS hinters Mischpult begeben, um in zwei meisterhaft auskomponierten Tracks der Suche nach dem Horizont zu frönen.
Weltweit von DJs zum Einsatz gebracht, sind QUINCE's Techno-Etüden ein bekannter Klang im elektronischen Kosmos, dank starker Releases auf respektierten Labels wie etwa DELSIN oder MUSIC MAN RECORDS. Seine Produktionen beeindrucken generell mit ihrer profunden Kenntnis der großen Skylines, doch irrt der holländische Meister hier ein wenig ab von seinem Kurs durch 4/4-Welten und verliert sich stattdessen in den weitläufigen Kellerkorridoren des wolhltemperierten Schaffelbeats. LOST baumelt fast acht Minuten lang von der Klippe und gibt sich ganz als kubistisches Märchen vom einsamen Helden im dunklen Wald: in Erwartung einer zu errettenden Prinzessin bahnte der sich einen abenteuerlichen Weg durchs Unterholz und berichtet nun von unermeßlichen Schätzen und Momenten großen Glücks. Schon massiv gut, wenn sich die eigene, jahrelange Live-Erfahrung so anstandslos in perfekte DJ-Munition ummünzen last.
Zwei Stunden nördlich von Berlin liegt Kartlows kleiner Ortsteil Unnode, wo der ansonsten eher umtriebig veranlagte TOM PETERS wohlverdiente Ruhe in den Alltag eines DJs, Produzenten und angehenden Modezaren einkehren last. Hier, in inspirierender Nähe zur Ostsee, entwirft er die Skizzen für die meisten Tracks; so auch für TAKE YOUR CHANCE, dessen Silhouette sich deutlich geprägt sieht von der Weite der lokalen Natur. Toms Produktionen weisen alle Anzeichen transzendentaler Melancholie auf, verfehlen jedoch nie das urbane Momentum: sein Beitrag für SPEICHER 73 präsentiert eine simple, doch weitläufige Melodie, deren Haar vom Beat elegant zurückgebunden wurde, Futter für die Beine und die Seele. Ganz wie die handgedruckten Botschaften seiner eigenen Modeserie SAVE FASHION, vermag nämlich auch Toms Musik auf dem dünnen Seil zwischen dem Einfachen und dem Mehrdeutigen zu balancieren... dream on, dreamer.
Raumakustik should be a notion - at the latest after their successful
single "Glaub Mir Doch" this year. The duo from Dresden, Germany
was always on the go in 2011 with several releases and remixes for
Labels like Deich Records, Klang Gymnastik or Keimzelle. And right
before 2012 they strike back with "Traumtanzen". This is pure
dancefloor pleasure and already approved within the last months. To
complete the label debut of Grain Audio Mister Marcapasos (Toka
Beatz, Housesession, Dusted Decks) delivers a real house remix to get
you back to the good old days.
Mit"Lach doch mal" legen Bärchen und die Milchbubis ihr zweites Studioalbum seit ihrer viel beachteten Rückkehr vor. Die Band, die bereits Anfang der 1980er-Jahre mit ihrer eigenwilligen Mischung aus Punk, Pop und scharfem Humor Kultstatus erlangte, knüpft dabei an ihre Stärken an und präsentiert zwölf neue Songs voller Energie, Haltung und Alltagsbeobachtungen. Zwischen humorvollen Seitenhieben, gesellschaftspolitischen Themen und persönlichen Geschichten entstehen Stücke, die gleichermaßen wütend, nachdenklich und verspielt wirken. Produziert von Tobias Levin (u.a. Tocotronic, Ja, Panik, Rocko Schamoni), verbindet das Album den charakteristischen Charme der Band mit einer zeitgemäßen Perspektive. Gastbeiträge von Bela B, Stefanie Schrank und den Feigen Flittchen unterstreichen die kreative Offenheit dieser Veröffentlichung. Lach doch mal zeigt eine Band, die auch Jahrzehnte nach ihrer Gründung unverwechselbar geblieben ist.
Mit"Lach doch mal" legen Bärchen und die Milchbubis ihr zweites Studioalbum seit ihrer viel beachteten Rückkehr vor. Die Band, die bereits Anfang der 1980er-Jahre mit ihrer eigenwilligen Mischung aus Punk, Pop und scharfem Humor Kultstatus erlangte, knüpft dabei an ihre Stärken an und präsentiert zwölf neue Songs voller Energie, Haltung und Alltagsbeobachtungen. Zwischen humorvollen Seitenhieben, gesellschaftspolitischen Themen und persönlichen Geschichten entstehen Stücke, die gleichermaßen wütend, nachdenklich und verspielt wirken. Produziert von Tobias Levin (u.a. Tocotronic, Ja, Panik, Rocko Schamoni), verbindet das Album den charakteristischen Charme der Band mit einer zeitgemäßen Perspektive. Gastbeiträge von Bela B, Stefanie Schrank und den Feigen Flittchen unterstreichen die kreative Offenheit dieser Veröffentlichung. Lach doch mal zeigt eine Band, die auch Jahrzehnte nach ihrer Gründung unverwechselbar geblieben ist.
ADULT. kooperiert nicht. Seit über 25 Jahren verkörpert die dystopische Detroit-Synth-Punk-Institution, gegründet von Nicola Kuperus und Adam Lee Miller, unbeirrbare Frustration, Misstrauen und Beklemmung. Man könnte erwarten, dass sich die Kanten mit der Zeit abschleifen, doch ADULT. hat kein Interesse am Komfort eines Vermächtnisses. Noch nie klang die Musik des Duos so unmittelbar, so dringlich und so unverhohlen wütend wie auf dem abschließenden, kompromisslosen Kissing Luck Goodbye.Mit aufgerüstetem Equipment und einer neuen Klangbibliothek gebaut, ist das Material erdrückend dynamisch, lauter - und zugleich klarer. Kuperus' dominante Darbietung rückt im Mix stärker in den Vordergrund und skizziert ein Arsenal aus lebhaften, ätzenden Rufen, Sprechchören und Gedankensplittern. Lachen - ob in den Texten oder als besessene Präsenz - fungiert als Leitmotiv und verweist auf die bedrohliche Absurdität der modernen Zeit.,THE CHAOS IS WHAT THEY WANT", singt sie in ,R U 4 $ALE" - zugleich eine Absichtserklärung: einer brennenden Welt aus Gier und Unordnung mit trotzigem, meisterhaft zusammengebautem Chaos zu begegnen. ,Du hast in dieser Höllenlandschaft, in der wir gerade leben, zwei Möglichkeiten: kämpfen oder depressiv sein", sagt Miller. ,Beides ist okay. Aber, na ja, die Entscheidung war einfach."ADULT. ist bekannt für hochriskante Katharsis auf der Bühne und griff kürzlich auf seinen Backkatalog an Bassgitarren-Songs aus den 2000ern zurück, wobei sie die vorausschauende Anxiety Always-Ära erneut nachzeichneten - teils aus Notwendigkeit angesichts der heutigen politischen und technologischen Angsttemperatur. Die Reaktion war sofort spürbar: ,Wir waren in Paris, und die Kids sind von der Bühne gesprungen. Und ich dachte nur: Das ist großartig. Das ist irgendwie die Energie, in die ich wieder zurückwill", sagt Kuperus.Diese Erkenntnis fiel mit einer Reihe von Rückschlägen zusammen - Kuperus' Anfällen von chronischem Schwindel, dem Verlust ihres engen Freundes und Kollaborateurs Douglas McCarthy von Nitzer Ebb, dem das Album gewidmet ist - alles unter dem drohenden Regime noch einmal erheblich verschärft. ,Wir dachten nur: Alles zerbricht. Wir zerbrechen. Wir sind kaputt." Dieses Gefühl hielt jedoch nicht an, denn letztlich waren sie viel zu sehr von Wut aufgeladen, um stillzuhalten. Die Stimmung vor Kissing Luck Goodbye waren vier Mittelfinger, die kerzengerade nach oben zeigten.Anstatt sich zurückzuziehen, konzentrierten sie sich auf den Prozess und überarbeiteten ihr Setup - inklusive der ersten neuen Mikrofone seit 20 Jahren. Hält man das Album an irgendeiner Stelle an, zählt man wahrscheinlich ein Dutzend Dinge, die gleichzeitig passieren, in seltsamer, schwindelerregender und dissonanter Harmonie. ,No One Is Coming" attackiert Untätigkeit angesichts des Faschismus - ,NO ONE IS COMING TO YOUR RESCUE". ,None of It's Fun" feuert mit atemloser Dringlichkeit, rasenden Glissandi und pointierten Zeilen wie: ,OH I AM TEARING MY GUTS OUT / LOOK AT ME_ DO YOU THINK THAT THIS IS AMUSING?"Eine geradlinige Basslinie und Kickdrum prallen im Abschlusstrack ,Destroyers" auf pulsierende Mantras, werden dann vollständig gesättigt und kakophonisch. Ihre jüngeren Ichs hätten den Song vielleicht sich selbst zerstören lassen, doch hier gelang es ihnen, die Lautstärke durch alle Extreme hindurch zu stabilisieren und Raum für ein eindringliches, abschließendes A-cappella zu schaffen: WE PAY THE PRICE FOR THOSE IN POWER EXPLOITING YOU EXPLOITING ME CONSUMING YOU CONSUMING ME SICK SICK SICK SICKENING IT IS US THAT ARE DEVOURED BY EVERYTHING I WILL EAT YOUR HATE
Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.
Heavyweight psychedelic improvisers EarthBall are back with their third and most monstrous record to date: ‘Outside Over There’, released on Upset The Rhythm (Nov 7th). Born from the haunted basements of Nanaimo, Canada, the quintet thrives on spontaneity, shaping improvisation into jagged hallucinations and ecstatic eruptions.
Recorded live-off-the-floor in 2024 in Jeremy, Izzy, and Kellen’s basement, and mixed by drummer John Brennan, ‘Outside Over There’ is an album that feels both summoned and inevitable. Each track lands with uncanny purpose, as if uncovered rather than written.
The opener, 100%, features a cameo from comedian and English icon Stewart Lee, who lent his blessing for the band to use a fragment of his stand-up. The album was mastered by John Dieterich (Deerhoof), with liner text contributed by longtime comrade John Olson (Wolf Eyes). Olson describes the album in his unmistakable style:
“This eight-track odyssey unfolds like a dreamscape, where whispered incantations brush against the shadowy fringes of the cosmos, and wild, Cézanne-inspired rock anthems erupt like geysers of color in the midst of a western warm and wet rain storm… culminating in the sprawling eleven minute masterpiece, ‘And The Music Shall Untune The Sky,’ aptly dubbed the Earth Crusher. A creation so utterly deconstructed and intertwined with the pulse of nature itself that if AI was called upon to conceive ‘Outside Over There’ anew, it would just spit back, “F.U. in Tree Font”. An enchanting invitation for even the flat-earthers to join the circle, if only just a little.”
EarthBall’s trajectory has been relentless. Their 2024 album ‘It’s Yours’ was praised by The Quietus as “fully aggressive and fully life-affirming,” and by The Wire as "a boisterous mind-melting album”. The band’s live double set LP ‘Actual Earth Music Vol. 1 & 2’ (2025) captured blistering performances: a performance opening for Wolf Eyes at the Fox Cabaret, and a Café OTO improvised throw-down featuring Chris Corsano and Steve Beresford. These releases on their own confirm them as one of Canada’s most vital experimental exports, not to mention the impressive self-released discography on their Bandcamp. The band’s reach has stretched far beyond their west coast roots with a UK tour May 2024, plus this past June, EarthBall closed Montreal’s Suoni Per Il Popolo Festival alongside Pulitzer Prize-winning composer Raven Chacon. This November they will perform at Le Guess Who? Festival in Utrecht, with a European tour to follow (tour dates below). Outside of EarthBall, each member carries their own torch. Jeremy Van Wyck, founding member of the legendary Shearing Pinx, has toured extensively, released over 100 records, and has been a vital force in the Vancouver and West Coast underground for the past 25 years. He and Isabel Ford (Izzy) play together not only in EarthBall, but also in Psychedelic Dirt, Shearing Pinx, Behaviours, and Crotch.
John Brennan collaborates widely, including recently with Endlings (Raven Chacon and John Dieterich), Evichen (Victoria Shen), Francesco Fonassi, Plan Your Future (with Greg Saunier of Deerhoof), Brennan/Corsano duo and Physics with John Dieterich. Kellen Maclaughlin performs with KVMP and Ora Corgan, while saxophonist Liam Murphy is a west coast staple, playing with the best across Vancouver Island and the mainland. On three of the tracks of ‘Outside Over There’, the band is joined by their comrade Justin Patterson, who also plays with Brennan in the duo Modale. This cross-pollination fuels EarthBall’s sound - a collective improvisation, psychically overdriven, and grinding into bloom.
Outside Over There’ is more than an album though, it is a ritual, a gathering of sound at the forest’s edge; where feedback, saxophone screams, and ecstatic vocals dissolve the boundary between chaos and clarity. EarthBall invite you into their circle, to share in the joyful terror of spontaneous creation. ‘Outside Over There’ will be released on November 7th through Upset The Rhythm digitally and as a limited blue-in-black vinyl LP.
Welcome Tori Kudo back to A Colourful Storm with a new edition of Maher Shalal Hash Baz's Faux Départ, a document of a stateside tour that culminated in a recording session at the legendary Dub Narcotic Studio with a one-time ensemble of Greg Saunier and Chris Cohen (Deerhoof), Andrew Maxwell, McCloud Zicmuse, Arrington de Dionyso, Takashi Ueno, Saya Ueno, Naoki Otani, Akiko Hotaka, Masaaki Endo and Naoki Otani. Always spontaneous, never rehearsed. Music in and of this world, seemingly teetering on the verge of collapse.
"We flew to the US for a show with Red Crayola in Los Angeles and initially stayed at Rick Potts' house. There, I met up with The Curtains and hit the road in their car. We headed north, writing down every melody that came to mind. I slept in the gap between the wall and the sofa and got interrupted by a herd of cows along the way, but I finally arrived in Olympia and recorded all the melodies I'd written down, which became Faux Depart. There, I found McCloud, a noble beggar who was sleeping in the studio and playing the bassoon on the street." - Tori Kudo, 2026
"Chris Cohen, who played in Deerhoof from 2001-2006 or so, was an obsessive Maher fan. When our other band, The Curtains, was given a chance to support Maher on a West Coast tour, we got to see up close how Tori leads - often by not leading. He is an unpredictable, wild musical genius and card-carrying eccentric." - Greg Saunier, 2026
The year was 1989, and Derrick May was at a creative peak as both a DJ and producer. Under his Rhythim Is Rhythim moniker, he released a string of landmark records on Transmat, while his residency at Detroit's The Music Institute showcased the distinctive DJ style that would soon take him onto the international stage. Around the same time, he hosted a weekly radio show on Detroit radio station WJLB, alongside influential programs by The Electrifying Mojo and The Wizard (Jeff Mills).
For one of these broadcasts, May assembled a 15-minute megamix in his studio during the week leading up to the show. He opened his radio set with this continuous mix, blending his own tracks and versions into a seamless introduction that reflected his approach to DJing at the time. It includes unreleased versions of classics such as ‘Nude Photo 88’ and ‘Strings Of Life’.
‘All of this is unreleased because I made it as I was playing it on the spot as a special Mayday Mix for my show on the radio station WJLB in 1989, edited together straight from the keyboards live to tape. There is no other recording of these tracks in this form, only here’.
The original WJLB master tapes have since been lost, and no official recording is known to survive. Fortunately, many listeners recorded the broadcasts at home. One such cassette, preserved by Richie Hawtin, eventually made it our way. It has been carefully restored and mastered, with the artist’s approval.
To highlight this remarkable document of techno history, the recording is now available as a limited-edition, one-sided 12-inch release. The mix has been cut as a continuous side, visually divided into eight sections, while the reverse features a custom engraving.
David Norland is an Emmy-nominated English composer, known for his scores for drama and documentary, alongside his experimental choral and electronic music. Bringing stories to life through sound, he received critical acclaim for his debut solo album ‘Glam Tear Stain’ (2019) and is set to release follow-up album ‘La Source’ in June 2026 via Denovali Records.
Relocated back to his London home after many years in Los Angeles, and free from years of drug and alcohol problems, recent commissions for two choral works allowed Norland to return to the innocent origin of his musical world, and his experience as a parent prompted a lot of outward reflection. What kind of world are we leaving to our children?
Inspired by his score to the forthcoming silent black and white film ‘Carousel’ (2026), Norland found other music emerging that refused to be ignored. The film’s director opened the door to an entirely free scoring process – no temp music, no expectation, no guidelines, just pure intuitive expression. ‘La Source’ draws on this experience, alongside his childhood as a touring chorister, the honkytonk upright piano in the north-east London bedroom of his early 20s, his early recording experiments with a TASCAM 4-track cassette recorder, and his intense preoccupation with bells, flutes, stone architecture, and mysticism.
From the haunting, choral beauty of ‘E-Car Soul’ to the breezy album title track, Norland blends minimalist classical structures with electronics. A unified tapestry of blended voices, harmonies and textures, ‘La Source’ is a deeply emotional and melancholic journey for Norland. “In the end, I’m looking to find meaning through the music, like when I was a kid singing in choirs. But I get the most sense of meaning through transcendent experiences, rather than anything intellectual or dogmatic. I have to feel it, not think it. I’m trying to make work that’s luminous, wondrous, shimmering and strange, so I can keep having those experiences,” says Norland.
On his inspiration for the album, Norland adds, “I love making patterns in things and finding patterns. That’s why minimalism was so enticing to me, the patterns are so explicit. I love word play and anagrams. The big sadness coming through as I was making the record is this clarity over the future of my kids. Everything else is a complete distraction. This incredible nurturing planet and its ecosystem are being rapidly destroyed, and the forces destroying it are relentless and punitive. And they seem to be fine with consigning our children to live in an ever-more-hostile wasteland. You can’t pretend that’s not coming, if you do I think you’re lying to yourself. And perhaps eventually it will be the fact that people love their kids that will stir wider fear and action. It’s hard to think of anything more connected to the idea of spirit.” The result is the reflective, ecstatic, mystical and sad world of ‘La Source.’
Norland’s screen work includes the award-winning documentary Anvil! The Story Of Anvil (2008), directed by Sacha Gervasi, and since 2010, he has composed much of the music for US broadcasting giant ABC’s primetime news documentaries. His work for ABC is broadcast in the US and around the world on a daily basis.
In 2012, he was the music supervisor for Hitchcock (2012) featuring Anthony Hopkins, Helen Mirren & Scarlett Johansson and in 2017, he teamed up once again with Gervasi for the score to November Criminals starring Chloe Moretz and Ansel Elgort. The following year, he composed the score for the Emmy-nominated HBO film My Dinner With Herve, starring Peter Dinklage and Jamie Dornan.
Norland will be performing the score of Carousel later this year, and the score itself will be a forthcoming release on Denovali. 2026 will also see the release of documentary All Permits Secured, a valentine to the history of EDM, featuring Norland’s score.
Das selbstbetitelte Debüt von South 1998 (ehemals South) ist vielleicht das, was dem alten Label Jagjaguwar jemals am nächsten kam, Musik zu veröffentlichen, die sich auch bei, sagen wir mal, ECM Records wie zu Hause anhören würde. Spitzt die Ohren, und ihr werdet es hören - Pat-Metheny-artige, klare, ausgefallene Gitarrenklänge, die geduldig zu trägen, hypnotischen, an Steve Reich erinnernden mathematischen Sackgassen geschichtet werden; ineinandergreifende Hackbretter und Vibraphone, die fallen und wogen wie an einem seltenen Tag mit starkem Schneefall in einer Stadt im Süden; die leisen und selbstbewussten Gesänge von Patrick Phelan und Nathan Lambdin, untermalt von den gleichmäßigen Rhythmen des Schlagzeugers Tod Parkhill. Bei der Erstveröffentlichung bezeichneten wir das Projekt aus Richmond, Virginia, als ,Exegese der großen Ambient-Rock-Momente des 20. Jahrhunderts". Daran halten wir fest. Doch bei näherer Betrachtung und mit dem Rückblick auf fast 30 Jahre seit der Veröffentlichung der LP sind ihre kleinen, kniffligen Schätze erst richtig zur Entfaltung gekommen. Es fällt schwer, keinen Vergleich zu einer zeitgenössischeren Künstlergeneration anzustellen, wenn man ,South 1998" wiederentdeckt, das nun aus SEO-Gründen umbenannt wurde (wer hätte das damals gedacht!?!?). Der experimentelle Slowcore-Experimentalismus von Escho Records aus Kopenhagen und ML Buch; ein bisschen von den Vorreitern der Cloudrock-Szene (und Jag-Labelkollegen) Chanel Beads; eine ganze Reihe von Veröffentlichungen des angesehenen (und unterschätzten) norwegischen Labels Hubro. Aber es verdient auch einen Platz im Regal neben seinen zeitgenössischen ,Post-irgendwas"- und ,Pre-irgendwas"-Kollegen von damals - Tortoise, Bark Psychosis, The Sea & Cake. ,South" von 1998, ein unbestrittener Jagjaguwar-Klassiker, war an sich nie verloren gegangen, aber wir haben es für euch wiederentdeckt - zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl, als Teil unserer Feierlichkeiten zum 30-jährigen Jubiläum.
Für die Feier des Miteinanders! Mit ihrem zweiten Album "Wenn man das Licht zurückverfolgt, weiß man, wie alt die Sterne sind" gelingt WIM ein eindrucksvoller Schritt nach vorn. Die Hamburger Künstlerin verbindet erstmals ihre poetische Tiefe mit einem neuen, synth-poppigen Sound, der Raum für Leichtigkeit und Bewegung schafft. In zehn Songs erzählt sie von prägenden Momenten, Verlust, Erinnerung und dem, was Menschen im Verborgenen formt. Dabei entsteht ein Album, das Empathie einfordert, ohne zu beschweren - und das zeigt, dass selbst schwere Themen tanzbar sein können. Produziert von Tobias Siebert (Kettcar, Enno Bunger), klingt die Platte organisch und frisch - unverkennbar WIM, aber mutiger und offener als je zuvor, fast schon moderner, urbaner XL-Pop: Die Songs werden rhythmusgetriebener, luftiger und teils konsequent vom Beat getragen. Und wenn es inhaltlich doch zu schwer wird, tanzt WIM im Studio zu Paula Hartmann, hört Chappell Roan und lässt sich von Wir Sind Helden inspirieren. LP farbiges Coke Bottle Green Vinyl (140g), CD Digipak mit Posterbooklet.
‘A Great Day in Newcastle’ is musical documentation of the North East working class experience.
Through a storytelling approach with the aid of new member, genius poet, Cooper Robson, the record details dark topics like substance abuse, crime and toxic masculinity through this Geordie Jazz Noir soundscape, whilst still feeling light hearted and playful, fully embodying the classic Northern optimism.
With the introduction of Cooper’s poetry combined with Stan’s developing composition skills, King’s genius orchestration and groove composition and Ferg’s classic melodic sound, the record shows the growth of the bands sound wholeheartedly, returning to their roots of rock, supported by producer and friend Geordie Greep.
Alongside longstanding members Sandro Shar (keys) and George Johnson (tenor sax), the band reaches new highs of intensity throughout the 45 minute epic.'
For Louis Johnstone, making music has never been about waiting for the right equipment, the right environment or the right moment. Across more than a decade of work as both Wanda Group and A Large Sheet Of Muscle, the Huddersfield-based musician has built one of British experimental music's most singular bodies of work by embracing whatever happens to be within reach, allowing instinct, improvisation and circumstance to shape the outcome as much as conscious composition.
"'Chinese Benefits' was made over a year ago on an iPhone that had a broken microphone and was on its way out," he explains. "I have made many records after this with clearer sounds. Sharper ideas. That is never the point, though. You work with what you hold in your hands."
Recorded entirely on a failing iPhone 6 that stopped working shortly afterwards, 'Chinese Benefits' isn't a record about damaged technology. It is a record shaped by it. Rather than resisting the limitations of the device, Johnstone allows them to become part of the music itself, where distortion, interference and deteriorating fidelity are inseparable from the recording process.
Across twenty brief but disquieting pieces, corroded spoken word, environmental recordings, abrasive noise and fractured electronics continually emerge and dissolve. Voices drift in and out of range, reverberation stretches everyday sounds beyond recognition, and bursts of white noise interrupt moments of uneasy calm. There are echoes of radio transmissions, field recordings and musique concrète throughout, yet 'Chinese Benefits' never settles comfortably into any one tradition. Instead, it inhabits a space where accident and intention become almost impossible to separate.
That philosophy has long defined Johnstone's work. Through a vast catalogue of self-released recordings on his Umbro G imprint, alongside releases for labels including The Trilogy Tapes, he has consistently favoured immediacy over refinement, embracing imperfection not as an aesthetic but as a practical reality. His recordings are less concerned with perfection than with capturing the conditions in which they were made.
Looking back on 'Chinese Benefits', however, Johnstone's own assessment is characteristically understated.
"Listening back fully, it's quite a nice record actually. Fair enough, I make them and never really listen again TBH. Even better, it was the last Large Sheet Of Muscle record made on that phone with grit and damaged guts."
Like much of his work, 'Chinese Benefits' offers few fixed meanings. Its titles remain cryptic, its voices partially obscured and its structures deliberately unstable. What emerges instead is a deeply personal document of process over perfection, where the limitations of the tools become inseparable from the music they produce, and where the act of making something matters far more than the conditions in which it was made.
A genre- blurring statement born from bedrooms and late- night studio sessions, the album fuses live drums, analogue synths, samples, and dense percussion into something critics struggled to pin down - baggy grooves meet electro-pop meets rave culture. Originally designed as an extension of the band's unpredictable live shows, Harder Than It Should Be captures a rotating cast of collaborators and a core four-piece that expanded into an eight-member spectacle. Tracks like Atom Bomb City, Cut It Loose and the cult single These Boys Are Athletes (featuring Bis vocalist Manda Rin) earned radio play and industry buzz - yet the album itself was never formally released. Recovered from early recordings and demos, this reconstruction reflects the original intent: a high- energy journey mirroring the band's live intensity. A document of a moment when MySpace buzz, indie discos and electro experimentation collided in small venues and word-of-mouth scenes.
THE EPIC RETURN TO MARS FROM RICK WAKEMAN A NEW PROGRESSIVE ROCK SUITE INSPIRED BY BOTH PAST & THE LATEST DISCOVERIES ON THE RED PLANET FEATURING LEE POMEROY, DAVE COLQUHOUN, ADAM FALKNER & MOLLIE MARRIOTT - RELEASED ON CD/BLU-RAY EDITION - INCLUDES CD OF THE STUDIO ALBUM + BLU-RAY DISC FEATURING DOLBY ATMOS, 5-1 SURROUND SOUND & HI-RES STEREO MIXES & THE MAKING OF THE 'RETURN TO THE RED PLANET' DOCUMENTARY + 20-PAGE PRINTED BOOKLET / CD EDITION / 2LP VINYL. Following his acclaimed 2020 album 'The Red Planet', Rick Wakeman makes a triumphant & inevitable return to Mars with 'Return To The Red Planet', a sweeping new progressive work that fuses science, imagination & musical virtuosity into one of the most ambitious recordings of his career
Nach dem Demo MMXXV aus dem Jahr 2025 legt der in Mailand ansässige Musiker Gabriele Gramaglia das erste Album in voller Länge seines neuen Projekts Lugubrious Garment vor: „In The Wide Vale Of Uncreated Night“. Bekannt für seine Arbeit mit Cosmic Putrefaction, Vertebra Atlantis und zahlreichen anderen Bands im anspruchsvollen Extrem-Metal-Bereich, gründete Gramaglia Lugubrious Garment als Ventil für eine bösartige und instinktive Art von Death Metal, getrieben von unbändigem Momentum, rasender Aggression und kompromissloser Rohheit. Auf „In The Wide Vale Of Uncreated Night“ bricht dieser anfängliche Impuls in eine weitaus gewaltigere und voll entwickelte Bestie aus.
Lugubrious Garment behält das vielschichtige Songwriting bei, richtet diese Komplexität jedoch direkt auf das totale Chaos. Raue, abrasive Gitarren wühlen sich durch hämmernde Rhythmen, während gequälte Vocals heulen und kreischende Soli die zerrüttete Landschaft zerschneiden. Doch hinter dieser scheinbar zügellosen Gewalt verbirgt sich ein präzise konstruierter Angriff: Riffs kollidieren in halsbrecherischer Geschwindigkeit, das Tempo wechselt zwischen hämmernder Wucht und plötzlicher Beschleunigung, und Momente des klassischen Heavy und Speed Metals blitzen auf, bevor sie wieder verschlungen werden.
„In The Wide Vale Of Uncreated Night“ lebt von diesem Zusammenprall aus Präzision und Brutalität. Ein unaufhörliches Gewitter aus messerscharfen Riffs und wahnsinniger Energie, das keinen Stein auf dem anderen lässt.
Citric Dub EP is a collaborative release from Law and RUNDR, released via R-WHITES, Repertoire's jungle-focused sister label for releases from the core Repertoire crew.
Following the first five R-WHITES compilation volumes, Citric Dub EP marks the imprint's first dedicated artist EP, exploring the intersection of jungle, dub techno and ambient music.
Deep sub bass, tape-inspired textures and hypnotic, progressive arrangements combine with classic breakbeats to create a sound that is both immersive and firmly rooted in the foundations of jungle.
Music on heavy rotation while making the record included... Basic Channel, Deepchord, Terekke, Biosphere, Wax Doctor, Aphex Twin, Burial, Nala Sinephro, Scientist and Jah Shaka.
TIM HECKER’s latest work approaches a form of secular musical transcendentalism from within the battered temple of spirituality.
Recorded in a church in Reykjavik, Iceland and using a pipe organ as the primary sound source, this new piece is essentially a live recording. In reality, it exists in a nether world between captured live performance and meticulous studio work, melding the two approaches to sonic artifice as a unity. It is in parts a document of air circulating within a wooden room, and also a pagan work of physical resonance within a space once reserved for the hallowed breath of the divine.
While the title of the piece “Hatred of Music” might be a clue, the album is also partly an attempt to confront a pervasive negativity surrounding music. Historical rituals of destroying pianos, mountains of pirated CDRs pushed by bulldozers in Eastern Europe, or the melancholy of the digital music era began as sideline motifs which quickly informed the work on this record. They also really didn't at all. Despite that the context is wide open in such a form of musical abstraction, the substance of these immersive compositions showcases Heckerʼs continued mastery of organizing sound into a visceral near entity. It is an almost physical presence that the listener feels as much as hears.
This work is a significant contribution to Hecker's oeuvre, one which spans over ten years of musical production. Ravedeath is an enigmatic document of beauty and force. The album was recorded mostly over the period of one day in July of 2010. Iceland-based musician Ben Frost assisted with the engineering and performs on this recording.
RECEIVED AN 8.6 BEST NEW MUSIC RATING FROM PITCHFORK.
On My Way is a forthcoming photo memoir that follows Larry Heard to over 30 countries across 40 years, performing in Fingers Inc, The It, Mr. Fingers, and Larry Heard Live. Published independently by Alleviated Records, this 380 page book draws from Mr. Heard's extensive archive of thousands of photographs, event flyers, and historical documents, many of which have never been seen before. On My Way contains excerpts from over 8 hours of interviews, but the journey is primarily visual: the photographs taken by Mr. Heard and his collaborators serve as a personal and artistic odyssey, documenting almost every single one of the over 350 gigs Mr. Heard has performed in his career. On My Way also presents a history of technology in the arts. We see music equipment evolve, become sleeker, sexier, the studios housing the gear more grandiose. Personal cameras transition from 35mm to digital, first declining in quality as the world embraced the freedom of lightweight yet low resolution lenses, eventually arriving at the contemporary DSLR. The designs of rave flyers begin with photocopied images and hand drawn text, evolving with the genre through the 90s and 00s to take on a futuristic, utopian quality. We watch trends in fashion and art become referential as the 21st century embraces nostalgia. Institutions rise up to support this scene, most notably Red Bull Music Academy, a significant patron of electronic music in the 2010s that sought to connect new musicians to their roots by hosting visionary global festivals and panel discussions. Along this journey we see familiar faces: singers, DJs, club kids, and music industry professionals, as well as the enigmatic gaze of the man whose work has inspired millions.
The third release on Uprising pairs a sax-driven rockabilly thumper with one of the coolest dance craze records of the mid-60s. ‘Red Hot Car’ was Bobby Verne’s only recording and came out on the tiny Californian Doc Holiday label in 1962. Judging by the current price and collector demand for an original copy only a small quantity were pressed. This is a powerhouse of a tune that has been filling dancefloors across the globe for some time now.
As for the flip, in 1965, Buddy Wayne added self-penned lyrics to Gary Paxton’s rendition of the James Bond theme. Released on the Big Ben label – that only put out four records − it sat unwanted for decades. Then the rockabilly scene picked up on it in a big way when they discovered that it was the perfect stroller. This was closely followed by the northern soul and mod scenes. Today, it is at last crossing over to a more mainstream audience.
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4/5 REVIEW IN MOJO: “HEARTBEAT TONES DISSOLVE INTO BEAUTEOUS SHIMMER AND STELLAR SYNTH MEDITATIONS GIVE WAY TO CAREFULLY ORCHESTRATED ELECTRONICA.”
4/5 REVIEW IN UNCUT: “IT'S MASTERFUL, THOUGH IT WILL LEAVE YOU FEELING LIKE A SPECK OF GRAVEL IN A SELF-DESTRUCTING WORLD.”
NME - 8/10 review (w/c 14 October) "He’s mastered this stylistic skittishness and you’ll do well to find much dispute about his talent."
NARC - 5/5 review (October issue) "An immersive soundtrack to your own personal psychodrama."
WIRE - ONE PAGE REVIEW (October issue) "The sentiments it stirs to life are shadowed and ambiguous, simultaneously personal and impersonal. It is also fantastically immersive, dragging the listener into its turbulent undertows, then washing them back on dry land, intact but changed.’’
Virgins was recorded during three periods in 2012, mostly in Reykjavik, Montreal and Seattle, using ensembles in live performance.
While this album remains committed to a painterly form of musical abstraction, it is also a record of restrained composition recorded live primarily in intimate studio rooms. This record employs woodwinds, piano and synthesizers towards an effort at doing what digital music does not do naturally—making music that is out of time, out of tune and out of phase.
Some pieces go off the rails before forming into anything, others eschew crescendo
compositional structures or bombastic density while going sideways instead. It points to the ongoing development of Hecker's work. It suggests illusory memories of drug- hazed jams or communal music performance that may have never been performed or been heard.
It is an offering of music into the void, a gift of digital filler between distractions. Yet hopefully it also stands as a document of the enduring faith in the narcotic, enigmatic function of music as long-form expression.
Mixed by Valgeir Sigurðsson and Tim Hecker. Additional assistance by Randall Dunn and Ben Frost. Mastered by Mandy Parnell at Black Saloon Studios in London, UK.
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“When the flesh gets cut off the soul, it’s not the end.”
More than forty years after hardCORPS emerged from a Brixton basement, ‘Metal & Flesh’ returns in a new expanded edition on double vinyl and CD, newly remastered with the full involvement of surviving members Rob Doran and Clive Pierce. Born from the collision of punk, analogue synthesisers, sequencers, disco, reggae and experimental studio techniques, hardCORPS created electronic music that was as physical and emotional as it was mechanical. The arrival of French vocalist Regine Fetet gave the group its defining identity, placing her raw, uncompromising voice against the dense machinery of Hugh Ashton, Clive Pierce and Rob Doran. Working mainly with a Roland System 100, several Roland MC4 sequencers and later an additional MC500 and Atari ST 1040 computers, etc. pp., hardCORPS always transformed limitations, accidents, distortion and human imperfection into part of the music itself. Although rooted in the early 1980s, ‘Metal & Flesh’ refuses easy nostalgia, retaining the tension, space and character that made hardCORPS unlike their contemporaries. Yet, shall we eventually mention Kraftwerk, maybe let’s quote Ian Shirley from Record Collector magazine: „’Je Suis Passée‘ was not only a love letter to Kraftwerk but penned with such verve, passion and precision that Ralf and Florian probably would have accepted a blind date at a Düsseldorf cocktail bar (…).“ And as Martin Rushent famously said in 1990: “Hard Corps were ignored in their time. Perhaps it is the burden of the adventurous and the innovative to be ignored in their time, which is sad. Don’t ignore them now.”
This new edition has been carefully remastered to preserve that character and dynamics rather than simply making the recordings louder or more ‘modern’, while the artwork has likewise been developed to reflect the band’s original identity. Metal & Flesh’ is not merely an artefact of the 1980s, but a rare and fiercely individual document of four people discovering what happens when human instinct and machines collide.
Remastered by Martin Bowes. Graphic design by hard CORPS and Steve Lippert.
Gatefold sleeve gloss lamination, printed inner sleeves with lyrics, two double-sided hand-numbered.
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The sun sat high above the desert outside Joshua Tree on October 17, 2024, baking the rocks and shrubbery outside the Farrington Observatory as a small group of invited guests ventured up a steep path towards the telescope. Kyle Simon, the artist and printmaker who founded the Observatory, was standing outside the print studio sat below the towering cylindrical building, greeting friends alongside his wife Sarah and lifelong friend Brian Weitz, the musician widely known as Geologist of Animal Collective. Simon and Weitz had spent the previous day testing and retesting a system that would transform the light of the oncoming full moon captured by the gigantic telescope into a signal that would modulate the control voltage of Weitz’s modular synthesizer. As the sun dipped below the horizon line, the audience gathered on a small wooden patio surrounded by speakers while Weitz readied himself behind the array of patches and knobs. Simon addressed the group, presenting the history of The Sirens, the sonic exploration of the night sky’s mystical and scientific significance about to unfold.
The music conjured under the Hunter’s Moon that night is now documented on this first official release of The Sirens, which was conceived by Simon and Weitz as a recurring performance piece and sound installation. Over a decade ago, Simon began immersing himself in literature on humanity’s sonic relationship to the celestial realm, including Homer’s Odyssey, Plato’s “Spindle of Necessity, ” Kepler’s Harmonices Mundi, and the field of astroseismology. He fitted homemade telescopes with photodiodes and optical sensors to make the images audible, finding latent patterns in the noisy sonic signals he began receiving from the stars. With Weitz, the process expanded as the signal was routed through an analog amplifier and set to modulate the pitch, filter, and other elements of his synthesizer. Together they developed a system of improvisation, with Simon adjusting the telescope to change the intensity of the light based on its relationship with the moon’s position (imagine a theremin player moving their hands in subtle, meaningful motion), and Weitz responding to that input in real time: bending it, amplifying it, or letting it stand on its own. The duo debuted the piece at the Integretron in Joshua Tree in 2018, providing a crucial proof of concept for the performance at Farrington featured here.
The first thing the listener hears on The Sirens is the opening of Farrington Observatory, the cranking of motor and metal. As the lens of the telescope is exposed to the evening air, a wavering drone emerges from the synthesizer, flickering at the margins, the tuning of the oscillators adjusting to the rapidly cooling desert air. The piece progresses and the drone becomes a luminous, spherical constant, bathing the listener in pure tone as Weitz draws out harmonically ambiguous melodies that spiral upwards. Electronics crackle and convulse, coalescing into dense dissonance before widening out into an open octave. Just as the moon orbits the Earth and the stars shift as the planet rotates, so each sonic element appears in flux, interrelationships slowly forming and falling away. Divided into two parts, The Sirens flows as a continuous conversation between the artists and the starlight completing its thousand-year journey across the galaxy.
The Sirens belongs primarily to a lineage beyond music: of sea captains navigating by looking skyward, of astrophysicists studying the formation of the Milky Way, of the modern myths of werewolves, of the stories embedded in constellations. As Simon writes in the album’s extensive liner notes, “These stories and explorations reveal a collective yearning to become conscious of our connection to the universe, our deep-seated desire to understand how we fit into it all.” This music underscores the history of the night sky as the place where poetry and science find common ground, where exploration hinges on the imagination. Driven by curiosity and ingenuity, Weitz and Simon look up and wonder.
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"Spiritual Jazz 19" besteht aus zwei Doppel-LP-Sets, die den Einfluss und die Ausdrucksformen jenes Underground-Jazz beleuchten, der sich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Kalifornien und den angrenzenden Bundesstaaten entwickelte. Die insgesamt 24 Titel erscheinen in Gatefolds und enthalten Liner Notes, Fotos und Download-Codes.
Die US-Westküste wird oft mit dem Boom des Cool Jazz in den 1950er Jahren in Verbindung gebracht; doch überall dort, wo Jazz gespielt wurde, florierten auch modale, afrozentrische und spirituell geprägte Strömungen – und die Westküste bildete da keine Ausnahme. In der Nachkriegszeit rangierte die Central Avenue in L.A. als bedeutendstes Jazz-Viertel Amerikas direkt hinter Manhattan. Auch wenn Manhattan in jenen Jahren das faktische Zentrum des Jazz-Universums war, übte Kalifornien eine stärkere Anziehungskraft auf die Kultur im Allgemeinen aus und zog Menschen aus dem ganzen Land in den Bann seiner aufkeimenden Gegenkultur der 1960er Jahre.
Hier untersuchen wir die Auswirkungen dieser Gegenkultur auf den Jazz. Wir beleuchten den Einfluss der Black Panthers – der prägendsten Kraft innerhalb der schwarzen politischen Bewegung nach der Ära der Bürgerrechte – und widmen uns den neuartigen spirituellen Praktiken und Religionen des aufkommenden New Age. In Kalifornien waren zahlreiche eigenwillige Independent-Labels wie Arhoolie, Theresa und Nimbus sowie viele weitere private Unternehmungen ansässig; wir präsentieren die Ergebnisse ihres Strebens nach musikalischer Freiheit. All diese Faktoren beeinflussten die Entwicklung und Blütezeit des Jazz und der Jazzmusiker an der Westküste – und die Evolution des Spiritual Jazz in dieser Region wird hier eingehend betrachtet.
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Spiritual Jazz 19" besteht aus zwei Doppel-LP-Sets, die den Einfluss und die Ausdrucksformen jenes Underground-Jazz beleuchten, der sich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Kalifornien und den angrenzenden Bundesstaaten entwickelte. Die insgesamt 24 Titel erscheinen in Gatefolds und enthalten Liner Notes, Fotos und Download-Codes.
Die US-Westküste wird oft mit dem Boom des Cool Jazz in den 1950er Jahren in Verbindung gebracht; doch überall dort, wo Jazz gespielt wurde, florierten auch modale, afrozentrische und spirituell geprägte Strömungen – und die Westküste bildete da keine Ausnahme. In der Nachkriegszeit rangierte die Central Avenue in L.A. als bedeutendstes Jazz-Viertel Amerikas direkt hinter Manhattan. Auch wenn Manhattan in jenen Jahren das faktische Zentrum des Jazz-Universums war, übte Kalifornien eine stärkere Anziehungskraft auf die Kultur im Allgemeinen aus und zog Menschen aus dem ganzen Land in den Bann seiner aufkeimenden Gegenkultur der 1960er Jahre.
Hier untersuchen wir die Auswirkungen dieser Gegenkultur auf den Jazz. Wir beleuchten den Einfluss der Black Panthers – der prägendsten Kraft innerhalb der schwarzen politischen Bewegung nach der Ära der Bürgerrechte – und widmen uns den neuartigen spirituellen Praktiken und Religionen des aufkommenden New Age. In Kalifornien waren zahlreiche eigenwillige Independent-Labels wie Arhoolie, Theresa und Nimbus sowie viele weitere private Unternehmungen ansässig; wir präsentieren die Ergebnisse ihres Strebens nach musikalischer Freiheit. All diese Faktoren beeinflussten die Entwicklung und Blütezeit des Jazz und der Jazzmusiker an der Westküste – und die Evolution des Spiritual Jazz in dieser Region wird hier eingehend betrachtet.
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From the fires and floods of the Australian bush on her debut, Soon, which Phil Elverum reissued via his label, P.W. Elverum & Sun, tiarn now takes us to the shores of the Pacific Ocean where classical and electronic arrangements move with an ever-present longing for connection and nature. Stretton has weaved a new world, set on the brink of night, when the world is soft and suspended in blue. Living in isolation near the ocean, overlooking the winter migration of whales, Stretton would regularly swim during the brief 20-minute period known as the blue hour. Ideas would come to her in the icy salt water, and walking home in the dark, she would carry melodies back to record that night. At its heart, tiarn reflects ecological grief and the search for connection in a changing world. tiarn is also inspired by a piece of home camera footage Stretton found of her family in Japan where they lived in the ‘90s before she was born.
It shows the distant mountains, and Stretton’s young family looking over the valley in the soft static of one summer evening. Decades later, using the untouched synth her parents had bought in Tokyo in 1991, Stretton began recording music directly to that footage, letting the images dictate the melody. Voices, insects, weather, movement, and the ambient sounds of the valley are woven throughout the record itself, blurring the line between documentation and composition. The result is an album that feels less created than uncovered — something remembered rather than made. Stretton’s work continues to carve a singular path in contemporary music, balancing environmental awareness, experimental composition, and deeply personal storytelling.
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The first release on Edition Hawara's new sublabel Hawara International is a record that leaves little room for ambiguity about its intended use. Produced by Takashi Shima of the band Piper and released as part of the Sun Tan Club series, "For Light Tanning" was designed to accompany the pursuit of the perfect summer tan. It came complete with tanning instructions and oil recommendations, and was the subject of a promotional partnership with Hawaiian Tropic. The music drifts between ambient, new age and lifestyle soundtrack genres, providing an elegant backdrop for beaches, pool parties and other seasonal activities. Having long been forgotten outside a small circle of collectors, the record now returns as an unusually thorough document of late-1980s leisure culture. Whether it actually improves the tanning process remains unverified.
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Woxow's The Tape Reset Vol. 2 is out now on Little Beat More!
Composed during the same sessions that gave life to The Tape Reset Vol. 1 in 2021, Woxow’s The Tape Reset Vol. 2 emerges only now, five years later. A second chapter that remained quietly on the shelf, completing the sonic path opened by the first volume and revealing another side of the same creative moment.
The EP is largely built around organic samples, arranged with a restrained and precise approach. Subtle instrumental appearances shape the atmosphere along the way. A vibraphone introduces the opening moments, setting a cinematic tone that gradually unfolds through layered textures and steady beats, while the record closes with a clarinet solo, a final gesture that echoes the instrumental heard in the intro of the first volume, subtly bringing the journey full circle.
Essential and evocative, The Tape Reset Vol. 2 expands the universe of the project while preserving its core language: beats, samples, and carefully placed instrumental voices moving together in a quiet, cinematic flow.
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"Back in 2022, Ban Ban Ton Ton raved about George T’s then digital-only release, “Roll On, Kings Cross”. We described it as a “dynamite dose of poetry and digidub.” Likening the prose – which describes a train journey from the coast to the city – to Michael Smith and Joe Duggan, while comparing the production to Dennis Bovell’s remixes of Jarvis Cocker’s “Swanky Modes”, and The Sabres Of Paradise’s “Wilmot”. Melodica-led with a hefty post-punk flavour, its dub, which focuses on manipulating and morphing the bass-line, we called “hollowed out house.”
These tracks have now been pressed to vinyl for the second release on new imprint Noetic Rhythm, where they’re joined by Leonidas’ “Great Northern” mix. Eschewing his usual futuristic ethno techno jacking, here he drops into roots reggae. Creating something more skanking, more stepping. An extended “discomix” showered in filtered, Mutron Bi-phased percussion, ghostly horns and peppered with the odd syndrum pop. Washes of sampled surf appropriately accompanying George informing us that “to the left there’s the sea.”
The 12 also features, “Dr Doctor”, a fresh collaboration with Yas Mine, The singer / guitarist’s French vocals countering George’s Matt Johnson-esque delivery, and a John Barry / “Midnight Cowboy”-like melodica melody serenading the song’s slow, squelchy, electronic skanking. The dub, instead, showcasing Yas’ fine fretwork." BAN BAN TON TON review
-
"These tracks are massive! I love Roll On King's Cross the best" KAY SUZKI (Time Capsule)
"I played the dub (Dub On, King's Cross) at a club in Oslo alongside some Maurizio and it sounded great. Bit of an oddball." Also played on NTS Radio and in Mixmag mix. JONNIE WILKES // OPTIMO
"Really digging Mr Demure when he drops into dubwise" DR ROB // BAN BAN TON TON
"Yes. Nice" NICK THE RECORD
"Awesome" JONNY ROCK
"I really like this EP... Love the Leonidas dub!" CEDRIC WOO (Beauty & The Beat, LDN)
"Love the blend of Augustus P vibes with a post punk dub feel. Bingo!" DICKY TRISCO
"I love it and will be playing" TREVOR FUNG (Ibiza Legend)
"Yes this is dark but kinda friendly.... brilliant...It's like ghost town ...I love Leo's mix" FOR MANKIND (Pikes Ibiza)
"Love the release and LOVE LOVE LOVE Dr Doctor!!!! Psyched to play this one out all weekend." ZILLAS ON ACID // James Weissinger (Philadelphia, US)
"This is amazing. Dub on kings cross is a banger - really love this one" ARVEENE
"Loving the Leonidas dub" ATEMI (Blackbush Orchestra / Abstrack)
+
PREVIOUSLY
"Melodica heaven" JD TWITCH/OPTIMO (RIP)
"I love this" IVAN SMAGGHE
"It's hot!!" JONNY ROCK
+ plays/support from:
DON LETTS (BBC 6Music)
TOM RAVENSCROFT (BBC 6Music)
HARRI (Sub Club)
[f] Roll On, King's Cross [Leonidas' Great Northern Mix] 06:54
[g] Dr Doctor [Instrumental Mix] 03:25
"Da fällt mir doch die Kinnlade runter - Hier in euren glücklichen Händen liegen die urzeitlichen Kassetten-Kuscheleien, die aus einem weit entfernten Keller in Baltimore von jenen - mittlerweile sicherlich fast schon mythischen - The Smashing Times heraufströmten. Erhabene Feldaufnahmen, die scheinbar die Kluft zwischen einer aufkeimenden unterirdischen Folk-Rock-Renaissance überbrücken und doch kurz auf schimmernde DIY-Jangle-Pop-Anklänge aus der Jugendrebellion dieses alten Griesgrams treffen, ohne einen Hauch von revisionistischem Ritual oder irgendetwas Trendigem (wie etwa ein emotionaler Komplex). Das besagte Quintett schreitet durch schwindelerregende Tracks voller skurriler Art-Pop-Meisterleistungen, zaubert ein Labyrinth aus großartiger Ausrüstung herbei, trotzt kultureller Langeweile - und ihr werdet schon vor dem Nachmittagstee völlig umgehauen sein und bald ins Bett müssen. Also macht euch ein Bild davon und hört euch die Smashing Times an." - Sam Knee
"I Don't Know How But They Found Me...Again! (Deluxe)" ist die Deluxe-Version von Jensen McRaes von der Kritik gefeiertem Album ,I Don't Know How But They Found Me!" aus dem Jahr 2025 (,Das atemberaubende zweite Album der jungen Singer-Songwriterin McRae markiert den Durchbruch eines großen Talents." - Esquire), das am 18. September auf pinkem Vinyl erscheint. Neben der Trackliste des Originalalbums enthält die Deluxe-Ausgabe zwölf neue Songs, die zum ersten Mal in großem Umfang erhältlich sind: reduzierte Versionen von Songs, die vor den Aufnahmen zu ,I Don't Know How But They Found Me!" fertiggestellt waren, Live-Favoriten, die bei McRaes jüngsten Headliner-Tourneen und Festivalauftritten zu hören waren, eine neue Version von ,Mother Wound" mit Maisie Peters sowie weitere neue Titel, an denen Brandi Carlile und Brittany Spencer mitgewirkt haben. ,I Don't Know How But They Found Me...Again! (Deluxe)" ist eine pulsierende, eindringliche Sammlung von Songs, getragen von messerscharfer lyrischer Präzision und zeitlosen Pop-Melodien.
Möge es den Menschen im bekannten Universum gefallen, dass das musikalische Ensemble mit zahlreichen Namen, das rechtlich unter dem Namen ,Kay-Bee Funk Music Group" firmiert, sein - alphabetisch gesehen - erstes Album mit dem Titel ,Access All Areas" veröffentlicht. Diese Aufnahmen, die mit der von Karate Boogaloo patentierten ,Lovely Recording Technique" entstanden sind, machen deutlich, dass jeder ein VIP ist, wenn man KB hört. ,Access" war das einzige Wort, das The Old Kar-Boo's bei diesem Projekt philosophisch leitete. Wurde ein Stück zu verworren, landete es im Papierkorb. Nur diejenigen, die von jedem und allen gesummt werden konnten, blieben erhalten. Dieses Sieb kam während des gesamten Prozesses zum Einsatz; Arrangements und Formen wurden straff gehalten, Schnickschnack auf ein Minimum reduziert. War ,Hold Your Horses" aus dem Jahr 2024 noch ein Epos, so ist ,Access All Areas" ein Haiku. Der bewährte Aufnahmeprozess der Band wurde gewissenhaft eingehalten, abgesehen von einer wunderbaren Ergänzung: den großartigen ,Sound Recordings" unter der Leitung ihres Inhabers und außergewöhnlichen Toningenieurs Alex Bennet. Alex, der den 4-Spur-Ampex 440 bei Bedarf abseits der ausgetretenen Pfade steuerte und stets dafür sorgte, dass die Stimmung stimmte, ist ein waschechter Booger. Auch wenn es sich nur wie ein Augenblick anfühlt, sagt uns die Uhr, dass fast 20 Jahre vergangen sind, seit Kay's Bees zum ersten Mal versuchten, die Songs ihrer musikalischen Helden - The Meters, Booker T & The MG's und The JB's, um nur einige zu nennen - zu spielen. Seitdem haben die Famous Flying Karate Boogaloo Brothers einen Schritt nach dem anderen gemacht und ihren eigenen Sound entwickelt - einen, der die Geschichte der instrumentalen Funk- und Soul-Musik respektvoll würdigt und die Zeit widerspiegelt, die sie damit verbracht haben, ihren unverwechselbaren Sound zu entwickeln. So sehr jedes Mitglied auch für sich allein glänzt, ist es doch ein besonderes Ereignis, wenn alle vier Planeten im Booger-System in einer Linie stehen. ,Access All Areas" ist eine solche Finsternis - ein künstlerischer Ausdruck, an dem jedes Mitglied gleichermaßen beteiligt ist und der einen Schatten wirft, der einzigartig für diesen Anlass ist. Jede Sekunde der Musik wurde unter voller Beteiligung aller Mitglieder komponiert und produziert; das Mixing übernahm Henry Jenkins, das Artwork stammte von Hudson Whitlock und Callum Riley, und Darvid Thor vollbrachte Dinge, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben. Musik ist ein Mannschaftssport, und es gibt kein ,Ich" im Funk. Das Album erscheint bei den beiden großartigsten Plattenlabels der Galaxie: ,Colemine Records" aus Loveland, USA, und ,College of Knowledge" aus Coburg, Australien. Hören Sie sich bitte das neue Album ,Access All Areas" von Karate Boogaloo an.
Möge es den Menschen im bekannten Universum gefallen, dass das musikalische Ensemble mit zahlreichen Namen, das rechtlich unter dem Namen ,Kay-Bee Funk Music Group" firmiert, sein - alphabetisch gesehen - erstes Album mit dem Titel ,Access All Areas" veröffentlicht. Diese Aufnahmen, die mit der von Karate Boogaloo patentierten ,Lovely Recording Technique" entstanden sind, machen deutlich, dass jeder ein VIP ist, wenn man KB hört. ,Access" war das einzige Wort, das The Old Kar-Boo's bei diesem Projekt philosophisch leitete. Wurde ein Stück zu verworren, landete es im Papierkorb. Nur diejenigen, die von jedem und allen gesummt werden konnten, blieben erhalten. Dieses Sieb kam während des gesamten Prozesses zum Einsatz; Arrangements und Formen wurden straff gehalten, Schnickschnack auf ein Minimum reduziert. War ,Hold Your Horses" aus dem Jahr 2024 noch ein Epos, so ist ,Access All Areas" ein Haiku. Der bewährte Aufnahmeprozess der Band wurde gewissenhaft eingehalten, abgesehen von einer wunderbaren Ergänzung: den großartigen ,Sound Recordings" unter der Leitung ihres Inhabers und außergewöhnlichen Toningenieurs Alex Bennet. Alex, der den 4-Spur-Ampex 440 bei Bedarf abseits der ausgetretenen Pfade steuerte und stets dafür sorgte, dass die Stimmung stimmte, ist ein waschechter Booger. Auch wenn es sich nur wie ein Augenblick anfühlt, sagt uns die Uhr, dass fast 20 Jahre vergangen sind, seit Kay's Bees zum ersten Mal versuchten, die Songs ihrer musikalischen Helden - The Meters, Booker T & The MG's und The JB's, um nur einige zu nennen - zu spielen. Seitdem haben die Famous Flying Karate Boogaloo Brothers einen Schritt nach dem anderen gemacht und ihren eigenen Sound entwickelt - einen, der die Geschichte der instrumentalen Funk- und Soul-Musik respektvoll würdigt und die Zeit widerspiegelt, die sie damit verbracht haben, ihren unverwechselbaren Sound zu entwickeln. So sehr jedes Mitglied auch für sich allein glänzt, ist es doch ein besonderes Ereignis, wenn alle vier Planeten im Booger-System in einer Linie stehen. ,Access All Areas" ist eine solche Finsternis - ein künstlerischer Ausdruck, an dem jedes Mitglied gleichermaßen beteiligt ist und der einen Schatten wirft, der einzigartig für diesen Anlass ist. Jede Sekunde der Musik wurde unter voller Beteiligung aller Mitglieder komponiert und produziert; das Mixing übernahm Henry Jenkins, das Artwork stammte von Hudson Whitlock und Callum Riley, und Darvid Thor vollbrachte Dinge, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben. Musik ist ein Mannschaftssport, und es gibt kein ,Ich" im Funk. Das Album erscheint bei den beiden großartigsten Plattenlabels der Galaxie: ,Colemine Records" aus Loveland, USA, und ,College of Knowledge" aus Coburg, Australien. Hören Sie sich bitte das neue Album ,Access All Areas" von Karate Boogaloo an.
![Maher Shalal Hash Baz - Faux Départ [LP]](https://www.deejay.de/images/l/6/9/1252969.jpg)
