Pop & Rock Vinyl New Releases - Presale

The album is a live recording of the concert that took place on March 13th, 2026, in Church in Church under the invocation of Saint Stanislaus in Bielsko-Bia?a Poland to mark 30th anniversary of Krzysztof Kie?lowski passing.

Performers:
Edyta Krzemie- soprano
Robert Crowe- male soprano
Jakub Burzyski- counter-tenor
Daniel Domarecki- tenor
Lukasz Konieczny- bass

Rados?aw Pujanek - concertmaster
Beata Ogryzek - violin
Katarzyna Jawor - violin
Aleksander Daszkiewicz - violin
Kamila Jakubowska - viola
Magdalena Pluta - cello
Jan Jerzy Koacki - double bass
S?awomir Berny - gongs, tubular bells
Organ: Jan Szypowski
(Original recording from album "Requiem for my Friend," Warsaw 1997)
under direction of Zbigniew Preisner

Dieser Nussknacker zählt zu den meistverkauften Alben von Sir Simon Rattle und den Berliner Philharmonikern und ist ein Meilenstein ihrer Diskografie. Die wunderschöne, limitierte Deluxe-Version mit farbigem Vinyl ist das perfekte Sammlerstück für die Weihnachtszeit! "Rattle agiert wie gewohnt herzlich und ausdrucksstark, und das Spiel der Berliner ist einfach herrlich.“ The Sunday Times

Orphée schildert einen Weg von der Dunkelheit ins Licht, inspiriert durch die verschiedenen Versionen des
antiken Orpheus-Mythos, von Ovid bis Cocteau. Die vielschichtige Erzählung über Tod, Wiedergeburt,
Wandel und die Kurzlebigkeit der Erinnerung lässt sich auch als Metapher für künstlerische Kreativität
deuten. Orphée bietet eine vielseitige Klangpalette: Es gibt akustische Instrumente solistisch oder im Ensemble kombiniert mit Elektronik und den geheimnisvollen Lauten der “Nummernsender” auf Kurzwelle.
Sie ist angelehnt an viele Facetten seiner vorangehenden Werke und bindet Musik für Solocello, Orgel,
Streichquartett, Streichorchester und A-cappella-Gesang mit ein.
10 Jahre nach dem Debut wird das gefeierte Album Orphée erstmals als Crystal Clear Vinyl veröffentlicht.

Das Repertoire des aus Brooklyn stammenden Komponisten, Arrangeurs und Multi-Instrumentalisten Sammy Weissberg umfasst intime Stücke für Gitarre und Holzblasinstrumente, Filmmusik für Kammerorchester und alles dazwischen. Im Mittelpunkt seiner zeitgenössischen klassischen Werke stehen liebevoll geschwungene Melodien, markante Akkordfolgen und insgesamt eine grenzenlose musikalische Fantasie. ,Music for Strings and Brass", Weissbergs neueste Veröffentlichung (und sein Debüt bei Dear Life Records), enthält zwei Werke, die den Umfang seines künstlerischen Schaffens neu definieren und Techniken einbeziehen, die er während seiner Arbeit als Arrangeur für Songwriter (The Lemon Twins, Allegra Krieger, June McDoom, Frances Chang und viele mehr) verfeinert hat. Das Album enthält sein beeindruckendes, impressionistisches Streichquartett Nr. 2 und ein Blechbläserquintett, das die ergreifende, stimmähnliche Ausdruckskraft jedes einzelnen Instruments auslotet. In beiden Fällen erweist sich Weissberg als Komponist, dessen humanistische und unmittelbare Musiksprache keinen großen dramatischen Rahmen benötigt, um tief im Herzen nachzuklingen. Inspiriert von Komponisten der Spätromantik und der Moderne spricht Weissberg eine musikalische Sprache, die manchmal so klingt, als käme sie direkt aus einer anderen Zeit. An verschiedenen Stellen greifen seine Werke die anmutigen und eingängigen Instrumentalthemen von Antonín Dvorák und Sergej Prokofjew, das atomare rhythmische Zusammenspiel von Igor Strawinsky sowie die üppigen Klangwelten von Claude Debussy und Nino Rota auf. Doch stets verwandelt er diese nostalgischen Anknüpfungspunkte in zeitgemäß klingende, zutiefst persönliche Kammermusikwerke, die man unmöglich missverstehen kann: ausgefeilt und unprätentiös, außergewöhnlich und zeitlos. Seine Werke spiegeln die grundlegendsten Instinkte und die Struktur des Alltags wider - das Gefühl, dass wir ständig von irgendwoher kommen und irgendwohin gehen, auf der Suche nach einfachen, zugrunde liegenden Mustern, die komplexen Phänomenen Sinn und Sinnzusammenhang verleihen, und voller Sehnsucht nach jenem Gefühl der Leichtigkeit, das uns über das Vertraute hinaustreibt. ,Music for Strings and Brass" ist der perfekte Einstieg in die Art und Weise, wie Sammy Weissberg das Leben in Klängen verarbeitet - ein Album, das zu den warmherzigsten und zielstrebigsten Instrumentalveröffentlichungen des Jahres zählen dürfte.

MARGOT is a violinist, composer and producer defined by a deeply emotional orchestral language shaped by classical training and a highly personal approach to string writing. She has collaborated with artists including Beyoncé, Lady Gaga and St. Vincent. Trained from the age of four in North Florida, she moved to New York at nineteen, where her musical world expanded through collaborations and exposure to new scenes, alongside the discovery of artists such as Radiohead, Sigur Rós and Björk via their string arrangements. In 2020, she met pianist and composer Juan Villacrez in Colombia, leading to the creation of the instrumental album The Apartment on Third Street (over 13 million streams) and a long-term creative collaboration.


Her new album The Villain presents a major new artistic statement: a cinematic, immersive instrumental work unfolding across ten movements, shaped by profound personal loss and recorded live in Colombia with a minimum of takes and no overproduction. The physical edition of the record is designed by NYC-based artist Bráulio Amado (known for his work with André 3000, Harry Styles, Frank Ocean and Róisín Murphy), reinforcing the album’s position as a complete visual and sonic object. MARGOT’s writing, violin playing and emotional depth resonate throughout, particularly through arrangements in which she layers her own performances, creating a sound world that is at once intimate, restless and constantly evolving.

Der deutsch-amerikanische Violinist David Garrett veröffentlicht mit Immortal sein neues Album. Ein
zutiefst persönliches Projekt und zugleich eine Hommage an einige der bedeutendsten Komponisten der
Musikgeschichte wie W. A. Mozart, Claude Debussy und John Williams. Alle Stücke wurden von David neu arrangiert und spiegeln sein tiefes musikalisches Verständnis, sowie
seinen Anspruch an Authentizität wider. „Ich bin stolz darauf, sagen zu können, dass dieses Projekt zu
100 % handgemacht ist“, sagt er. „Ich hoffe, dass die Hörerinnen und Hörer nicht nur den Klang genießen,
sondern auch die menschliche Präsenz in der Musik spüren.“

Bachs h-Moll-Messe (BWV 232) ist seine einzige vollständige lateinische Messe. Sie entstand in den letzten Jahren seines Lebens und vereint neu komponierte Sätze mit überarbeiteten früheren Sätzen zu einer
musikalischen Synthese seines Schaffens, die einen Höhepunkt der Barockmusik darstellt.
Karl Richters Aufnahme von 1961 mit dem Münchener Bach-Chor und dem Münchener Bach-Orchester
gilt bis heute als legendäre Referenzaufnahme. Sie besticht durch ihren geschlossenen Klang, ihre klare
Interpretation und ihre herausragenden Solisten.
Um die bestmögliche Klangqualität zu erzielen, wurden die Aufnahmen neu gemastert und erstmals rein
analog von den originalen Zweispur-Bändern geschnitten.
Die audiophile Vinyl-Reihe „The Original Source“ präsentiert herausragende Aufnahmen in einer völlig
neuen Klangqualität. Dazu haben die renommierten Emil-Berliner-Studios die originalen Mehrspurbänder
in 100 % analoger Qualität (AAA) unter Verwendung von Technologien, die speziell für die Produktion
dieser Reihe entwickelt wurden, neu gemastert und geschnitten.
Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: größere Klarheit, mehr
Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang bei gleichzeitig weniger Hintergrundrauschen, Verzerrungen und Kompression ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Diese limitierte und nummerierte Auflage erscheint auf 180-g-Vinyl in einem luxuriösen 3-LP-Box-Set und
enthält zusätzliche Fotos sowie Faksimiles der ursprünglichen Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

„A Charlie Brown Christmas“ vom Vince Guaraldi Trio –das meistverkaufte Jazzalbum aller Zeiten –
erscheint erstmals im Rahmen der Original Jazz Classics Reihe. Das ikonische Album enthält alle beliebten
Kompositionen aus dem PEANUTS-Weihnachtsspecial, und Guaraldi wird dabei von Fred Marshall, Monty
Budwig, Jerry Granelli und Colin Bailey begleitet. Diese festliche Neuauflage erscheint auf 180-GrammVinyl, gepresst bei QRP, mit vollständig analogem Mastering von den Originalbändern bei Cohearent Audio
und einem Stoughton-Tip-On-Cover.

"Guitarize the World" lässt die außergewöhnliche Erfolgsgeschichte des genreübergreifenden Gitarrenduos Café del Mundo erstmals auf einem Album erklingen und versammelt einen Querschnitt der mitreißenden Arrangements aus Klassik, Filmmusik und Pop, mit denen Jan Pascal und Alexander Kilian ihr Publikum weltweit bei ihren spektakulären Live-Auftritten begeistern. Aufgenommen in legendären Studios wie Abbey Road und in Zusammenarbeit mit renommierten Ensembles wie dem Royal Philharmonic Orchestra oder dem Deutschen Filmorchester Babelsberg, präsentiert "Guitarize the World" den unverwechselbaren Sound des Duos in mehr als 20 Tracks. Von reduzierten Gitarren-Miniaturen bis hin zu opulenten Orchesterarrangements umfasst das Album eigene Kompositionen wie "Dance of Joy", "Space Gitanos" und "Smile", Adaptionen klassischer Titel wie "Clair de Lune" und "Air on a G-String", Arrangements von Filmmusiktiteln aus "Interstellar", "Cinema Paradiso" oder "Forrest Gump" sowie bombastische Cover von Pop-Hymnen wie "Viva la Vida", "With or Without You" und "Smooth Criminal". Darüber hinaus enthält das Album exklusiv ein Arrangement von Beethovens Klavierkonzert Nr. 5 für zwei Gitarren. Die 180-g-Color-Vinyl-Edition beinhaltet 23 Titel auf 2 Schallplatten in Grün und Pink im hochwertigen Gatefold. Exklusiv in diesem Format enthalten sind die Aufnahmen von "Blessing", "Easy" und "Smooth Criminal". Die limitierte 2-CD-Edition enthält die 20 Titel des Albums sowie als Bonus-CD "80s Unplugged" mit 13 Gitarrenarrangements legendärer Klassiker der 1980er-Jahre, darunter "Everybody Wants to Rule the World", "Time After Time" und "I Still Haven't Found What I'm Looking For".

Nach seinem vielbeachteten Album My American Story – North setzt Starpianist Daniil Trifonov seine Reise
durch die Amerikas fort. Mit Mi Historia Americana – Sur richtet er den Blick auf Südamerika und die
Karibik mit einem Programm, das beliebtes Repertoire des Kontinents mit neuen Entdeckungen Trifonovs
verbindet.
Zu hören sind unter anderem Klavierwerke von Gabriela Lena Frank, Ginastera, Guarnieri, Lecuona und
Villa-Lobos, dazu Trifonovs eigener Tango. Zwei orchestrale Werke mit dem São Paulo Symphony Orchestra erweitern das Album um Ary Barrosos populäres Aquarela do Brasil und die Weltersteinspielung von
Osvaldo Golijovs farbenprächtigen Cuadros del Sur.
Dabei spannt Trifonov einen Bogen von Brasilien über Kuba und die Dominikanische Republik bis nach
Peru und Argentinien und formt daraus ein vielschichtiges musikalisches Panorama. Zugleich gewinnt das
Album durch Trifonovs enge Verbindung zur Region eine persönliche Dimension, die dieser musikalischen
Entdeckungsreise besondere Bedeutung verleiht.

Nach seinem vielbeachteten Album My American Story – North setzt Starpianist Daniil Trifonov seine Reise
durch die Amerikas fort. Mit Mi Historia Americana – Sur richtet er den Blick auf Südamerika und die
Karibik mit einem Programm, das beliebtes Repertoire des Kontinents mit neuen Entdeckungen Trifonovs
verbindet.
Zu hören sind unter anderem Klavierwerke von Gabriela Lena Frank, Ginastera, Guarnieri, Lecuona und
Villa-Lobos, dazu Trifonovs eigener Tango. Zwei orchestrale Werke mit dem São Paulo Symphony Orchestra erweitern das Album um Ary Barrosos populäres Aquarela do Brasil und die Weltersteinspielung von
Osvaldo Golijovs farbenprächtigen Cuadros del Sur.
Dabei spannt Trifonov einen Bogen von Brasilien über Kuba und die Dominikanische Republik bis nach
Peru und Argentinien und formt daraus ein vielschichtiges musikalisches Panorama. Zugleich gewinnt das
Album durch Trifonovs enge Verbindung zur Region eine persönliche Dimension, die dieser musikalischen
Entdeckungsreise besondere Bedeutung verleiht.

"Amour" ist ein bedeutender künstlerischer Meilenstein für die Geigerin und Social-Media-Sensation Esther Abrami. Erstmals stellt sie auf einem Album eine groß angelegte Originalkomposition ins Zentrum. Ihre neun Sätze umfassende Suite für Violine und Orchester ist eine ausdrucksstarke Auseinandersetzung mit der Liebe in all ihren Facetten und fängt das gesamte Spektrum der Emotionen ein - von Zärtlichkeit und Leidenschaft bis hin zu Sehnsucht und Verlust. Über die Suite hinaus versammelt "Amour" eine vielfältige Auswahl ikonischer klassischer Werke rund um das Thema Liebe, die von Esther Abrami neu für Solo-Violine und Orchester arrangiert wurden. Ein besonderes Highlight ist Nino Rotas "Romeo and Juliet: Love Theme", mit der gefeierten Mezzosopranistin Marina Viotti. Ihre Stimme tritt dabei in einen musikalischen Dialog mit Esther Abramis Violine. Das Programm umfasst weiterhin Instrumentalarrangements von Céline Dions "All by Myself" sowie Georges Bizets "Habanera" aus "Carmen", wie auch neue Versionen für Violine und Orchester von Francis Poulencs "Les chemins de l'amour", Christoph Willibald Glucks "Tanz der seligen Geister" aus "Orfeo ed Euridice" und der virtuosen "Chaconne in g-Moll" von Tomaso Antonio Vitali. Auch eine neu arrangierte Version von Charlie Chaplins "Désillusion amoureuse" aus seinem Film "The Circus" ist auf dem Album enthalten. Im Laufe ihrer Karriere hat sich Esther Abrami einen Namen damit gemacht, klassische Musik einem breiten und vielfältigen Publikum vorzustellen. Mit "Amour" verbindet sie erstmals ihre unverwechselbare Stimme als Interpretin mit ihrem Schaffen als Komponistin. Das Album erscheint als CD sowie als Doppel-LP in einer limitierten Ecorecord InkPlosion Version, bei der jede LP individuell gestaltet ist. Die Doppel-LP enthält außerdem 3 Bonus-Tracks, die bisher nur digital erschienen sind.

Anlässlich des 90. Geburtstags des Komponisten Steve Reich am 3. Oktober 2026 veröffentlicht die
DG eine luxuriöse, handnummerierte und limitierte „Original Source“-Ausgabe seiner bahnbrechenden Aufnahme von „Drumming“ aus dem Jahr 1974 sowie zwei weiterer früherer Werke. Das Set erscheint im
originalen LP-Format mit authentischer Verpackung und enthält Reichs ursprüngliche Liner Notes mit
zahlreichen Fotos aus den Aufnahmesessions sowie einen ausführlichen Artikel mit Reichs ursprünglichem
Briefwechsel mit seinem DG-Produzenten.
Um die bestmögliche Klangqualität zu gewährleisten, wurden die Aufnahmen erstmals von den originalen
4-Spur-Bändern neu gemastert und geschnitten.
Diese limitierte und nummerierte Veröffentlichung erscheint auf 180-g-Vinyl in einer luxuriösen 3-LPBox-Edition mit dem Original-Cover und enthält zusätzliche Fotos sowie Faksimiles der ursprünglichen
Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.
Die Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1960er und 1970er Jahre in
ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Mehrspurbänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA)
neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich weniger
Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.

Sviatoslav Richter war einer der größten Pianisten des 20. Jahrhunderts und viele seine Aufnahmen gelten als legendär. Besonders die in den Jahren 1970 und 1973 für das Label Eurodisc entstandenen Einspielungen des "Wohltemperierten Klaviers BWV 846 - 893" gelten als Referenzaufnahmen dieses Werkes. Die limitierte 6 Vinyl-Edition auf 180 Gramm Vinlys wurde von den originalen Bändern remastert und enthält ein 20 seitiges großformatiges Booklet mit dem Booklettext und den Bildern der ursprünglichen LP-Veröffentlichung.

Recordings on ECM vereint, wie Pitchfork es formuliert hat, „einige der herausragendsten Werke des
Minimalismus-Komponisten Steve Reich, darunter die maßgebliche Aufnahme seines unbestrittenen Meisterwerks Music for 18 Musicians“. Die Sammlung umfasst die drei Steve-Reich-Alben, die zwischen 1978
und 1982 auf dem Label veröffentlicht wurden. Sie erscheinen als originalgetreue Faksimile-Ausgaben in
einem hochwertigen Kartonschuber mit einem Booklet, das Fotos aus dem Archiv sowie Manuskriptseiten
und Liner Notes von Paul Griffths enthält. Direkt von den originalen analogen Masterbändern gefertigt
(AAA) lassen die drei Vinyl-Ausgaben diese wegweisenden Aufnahmen, die längst zum Kanon der zeitgenössischen Musik gehören, in ihrer ursprünglichen Klangqualität neu strahlen. Die drei Alben enthalten
die Werke Music for 18 Musicians, Octet, Music for a Large Ensemble, Violin Phase und Tehillim und
dokumentieren somit die einflussreiche frühe Schaffensphase des Komponisten sowie seine künstlerische
Entwicklung über einen Zeitraum von fünfzehn Jahren. Die Box erscheint anlässlich des 90. Geburtstags
von Steve Reich im Oktober 2026.
“About the famed ECM Recordings, much has already been written. Suffce to say that they confirm
that Reich could convey the pulse and spirit of American urban life as brilliantly as Gershwin did 30 years
earlier. Even the unity that arises from out of phase quasi-chaos is revelatory. Recorded 1976–1981, the
works’ emphasis on percussive sounds makes for anything but soothing background listening. It’s all fabulous stuff. Although listening to multiple works in one sitting could possibly induce numbness – taken one
at a time, they are as exhilarating as they are essential.” – Jason Victor Serinus, Stereophile Magazine

Komponist und Pianist Alexis Ffrench veröffentlicht sein neues Album "24". Es ist eine musikalische Reise, die den Zuhörer sanft vom Morgengrauen bis zum Abend begleitet. Es vereint 24 von Ffrench komponierte Originalstücke für Klavier, Streicher und dezente Percussion. Jedes Stück spiegelt die alltäglichen Momente wider, die unser Leben prägen. Das Album hat einen simplen und zugleich unerwarteten Entstehungspunkt: Bei einem Spaziergang durch London bemerkte Alexis ein Schild vor einer Kirche. Darauf wurde eingeladen "guten Kaffee für gute Zwecke" zu genießen. Die Wärme dieser Idee, die Alltäglichkeit, das Gefühl eines kleinen täglichen Rituals, das zu etwas Bedeutungsvollem wird - blieb ihm im Gedächtnis und wurde zur Inspiration für "Coffee Song". Alexis stellte sich die Frage: "Was wäre, wenn wir für jede Aktivität im Laufe des Tages ein bestimmtes Musikstück hätten?" Musik, die uns dabei hilft, jedem Moment bewusst zu begegnen und ihn wirklich zu erleben. Musik, als Weg zu einem achtsameren Leben. Alexis Ffrench ist ein Künstler mit einer besonderen Fähigkeit, Musik für die Seele zu schaffen. Seine Erfolge sprechen dabei für sich: Er hat über eine Milliarde Streams und ist damit einer der meist-gestreamten Pianisten weltweit. Im Laufe seiner Karriere hat Ffrench sich immer wieder eine Frage gestellt: "Was brauchen meine HörerInnen von mir?" Mit "24" ist die Antwort darauf ebenso einfach wie tiefgründig: Musik, nach der man leben kann.

Norwegian Paris- based producer and multi-instrumentalist Sprutbass (Eivind Henjum) returns to on the European music stage with his latest EP RALLY SKANDINAVIA EP(Musique Large 2026) This album is a high-octane, hard-hitting sonic journey deeply rooted in the rich heritage of Scandinavian electronic music, fusing the historic legacy of Norwegian space-disco with a glittering and funky cosmic futurism.

The EP is co-produced and mixed by the legendary norwegian dj and producer Prins Thomas and features contributions from innovative trombonist Rick Parker (Mingus Big Band, Wu-Tang Clan) and avant-garde drummer/percussionist Håkon Berre (Peter Brötzman, Otomo Yoshihide).

Discrepant presents Fantarombo, a new album by Giovanni Lami.

While his previous works often moved through memory, residue, degradation, and dialogue with existing materials, Fantarombo takes shape as an unstable, bodily gesture.

Sound is not recalled or reconstructed, but triggered, pushed, and set in motion as an active force. Lami approaches modular synthesis as a physical, hands-on practice rather than a technical exercise or display of system mastery. The modular setup becomes a responsive body: something to be nudged, listened to, and occasionally resisted.

The pieces unfold through slow accumulations, unstable feedback paths, and carefully misaligned sequences. Rather than driving toward resolution, the music lingers in states of suspension, allowing small shifts in voltage, timing, and texture to reshape the whole. Chance and duration play a central role, with structure emerging gradually from repetition and drift.

There is an unmistakably organic quality to the sound: porous, tactile, and quietly resonant. A sensitivity to space, grain, and micro-movement, where subtle changes carry as much weight as overt gestures. On Fantarombo, process takes precedence over control, and the circuitry is allowed to speak back, resulting in music that feels intimate, unstable, and quietly insistent, revealing itself slowly through sustained attention.

A music of unresolved behaviours, suspended somewhere between obsolete digital optimism, imaginary systems and malfunctioning computational folklore.

French composer, artist and co-founder of Transversales Disques, Jonathan Fitoussi has developed a distinctive body of
work over the past two decades, blending analog synthesis, minimalism and electronic music.

Inspired by the mineral landscapes and luminous atmosphere of southeastern France, DELTAS is his fifth solo studio album.
Combining hypnotic drum patterns, flowing pulses, shimmering electronic textures and contemplative movements, it unfolds as a deeply immersive journey through space, light and motion.
A rich and evocative work from one of the most singular voices in contemporary electronic music.

French composer, artist and co-founder of Transversales Disques, Jonathan Fitoussi has developed a distinctive body of
work over the past two decades, blending analog synthesis, minimalism and electronic music.

Inspired by the mineral landscapes and luminous atmosphere of southeastern France, DELTAS is his fifth solo studio album.
Combining hypnotic drum patterns, flowing pulses, shimmering electronic textures and contemplative movements, it unfolds as a deeply immersive journey through space, light and motion.
A rich and evocative work from one of the most singular voices in contemporary electronic music.

Few have dared to record all twenty of Philip Glass’s piano Etudes in their entirety. Even fewer have attempted to remix them. Vanessa Wagner’s 2025 album, Philip Glass: The Complete Piano Etudes, crowns a longstanding passion for Glass’s compositions. While it focuses less on the dialogue between composer and producer that she cultivated with Murcof on Study Of The Invisible, Inland, and Statea, Glass’s music resonates deeply within the world of contemporary electronic music. This EP, part of InFiné’s “Versions” series, passes the baton to a new generation of composer/producers who radically reinterpret these unique piano pieces: Aho Ssan, Carmen Villain, Cucina Povera & Tauceti.


Vanessa Wagner’s album of Philip Glass’s Piano Etudes received unanimous critical and public acclaim, both in France and internationally. This success earned the pianist a nomination for the 2026 Victoires de la Musique Classique. Following numerous sold-out concerts across France, Vanessa Wagner is currently continuing her tour around the world. She will also serve as curator of the Folle Journée de Nantes in 2027 and 2028.

Following the sensory adventure of Tancade, in which Gaspar Claus led his listeners to a secret beach, somewhere between friends’ parties and summer sun, a new territory opens up. With Cells, he offers an even more expansive journey: an inner journey as much as a cosmic shift, a plunge to the point of origin, where life is invented.


True to his sole instrument, the cello, Gaspar multiplies its sound to the point of abstraction. This new work seeks to reach the primordial moment of the first cell division: a tiny, infinite moment when everything was still possible. On stage, he has built a shelter, a refuge-cell, a porous space where the visible and the invisible respond to one another. Lights, electronic breath, uncertain presences—everything conspires to confront the audience with its own dizzying presence in the world.
On the album, this architecture unfolds across ten “musical cells.” Each piece observes the same phenomenon: the cello allows itself to be absorbed, dissolved, stretched, or replicated by the machines. Sometimes preserved, often transformed, the instrument becomes living matter, an unstable organism, capable of emitting both electronic landscapes and archaic beats. A rich, luminous album, imbued with an almost healing energy, Cells might seem more electronic than Tancade. Yet every sound that makes it up comes from the cello— transformed, filtered, and reworked through a series of successive transformations. This is music that doesn’t merely describe life: it re-enacts it, cell by cell.

Midway through Martin Luther King, Jr's historic speech at the 1963 March on Washington, a voice rang out from behind him: "Tell them about the dream, Martin!" That voice belonged to Mahalia Jackson, King's close friend and one of the most revered gospel singers of the 20th century - Glorious Mahalia, a visionary tribute to Jackson's life by the internationally renowned Kronos Quartet, uses that moment as a springboard to explore the depth of Jackson's musical craft and its impact on the Civil Rights Movement, including her relationship with Clarence Jones and Studs Terkel, other luminaries of the time