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Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Was würdest du tun, wenn du wüsstest, dass in 5 Monaten die Welt untergeht? Diese tiefgründige Frage steht im Mittelpunkt von Arjen Lucassens neuestem Werk "Songs No One Will Hear". Es ist eine klangliche Reise durch die letzten Tage der Mensch-heit, während ein Asteroid auf die Erde zurast, eine Mischung aus düsterem Humor, rohen Emotionen und der chaotischen, sur-realen Natur der Endzeit. Einige geraten in Panik, andere feiern Partys, wieder andere brechen zusammen - aber einige wenige finden inmitten des Chaos ihren Frieden."Es ist tragisch, es ist absurd, es ist der Soundtrack zur Apokalypse"."Songs No One Will Hear" ist ein eklektisches Meisterwerk, das aus einem breiten Spektrum von Stilen schöpft - Rock, Prog, Pop, Elektronik und Akustik - und sowohl von heiteren Momenten als auch von tiefer emotionaler Intensität durchdrungen ist. Es er-forscht das gesamte Spektrum menschlicher Emotionen, von Panik bis hin zu unerwarteter Gelassenheit, mit der für Arjen typi-schen Mischung aus Komplexität und Zugänglichkeit. Die Fans werden einen gitarrenbetonten, modernen, eher prog-orientierten Sound zu hören bekommen, der die Energie und das Gefühl seiner früheren Ayreon-Arbeiten heraufbeschwört, während er gleichzeitig eine straffe, konzeptorientierte Erzählung beibehält.Das Album enthält mehr Gitarrensoli, mehr weiblichen Gesang und eine bandähnlichere Atmosphäre als sein Vorgänger, was zu einem dynamischeren und unmittelbareren Sound führt. Es ist nicht nur eine Sammlung von Songs, sondern ein Konzeptalbum, das die letzten Tage vor dem Asteroideneinschlag beschreibt, voller Wendungen und einer unerbittlichen Energie, die den be-vorstehenden Untergang widerspiegelt.Arjen hat unermüdlich daran gearbeitet, alles selbst zu produzieren und einzuspielen, um die Vision dieser apokalyptischen Klangwelt von Anfang bis Ende einzufangen. Zu den Höhepunkten gehören der atemberaubende Gesang von Floor Jansen (auf "The Clock Ticks Down") und eine Vielzahl von Gastmusikern wie Robert Soeterboek, Marcela Bovio, Patty Gurdy an der Dreh-leier und Mike Mills, der einen schaurigen Moment der Geschichte erzählt."Songs No One Will Hear" ist eine atemberaubende Ergänzung zu Arjen Lucassens bereits legendärem Gesamtwerk.

Boogie Back Records proudly presents the follow-up 7" vinyl release from UK soul stalwarts Ernie & the Family McKone featuring Laura Jackson. Following the success of their previous hit „Wish You Were Here“ , this new single delivers another slice of modern soul magic—rooted in vintage funk grooves, crisp production, and Laura Jackson’s unmistakable voice. On the A-side „Make It Allright“, expect an infectious uptempo stepper with irresistible hooks, while the B-side „Make A Move On Me“ offers another silky smooth uptempo groove perfect for prime-time and late-night spins. Timeless, classy, and crafted for the soul connoisseurs—don’t miss this essential addition to your crate. This is another special and exclusive 45/7“ release via Soulkitchen Distribution

*Long overdue reissue of the first album by The Hanging Stars to coincide with their tour support slot with Edwyn Collins – initial 300 copies come with 12 x 12 print*

“In late-Sixties California, the Byrds and Flying Burrito Brothers combined traditional country music with hippy rock to great success. The influence lingered and whatever cultural relevance it has this is a delightful, transporting listen” – The Times 4/5

London-based psych-folk outfit The Hanging Stars re-release their much-loved debut album Over the Silvery Lake on Crimson Crow. Blending folk pastoralism with swampy 60s Americana, they sound like the missing link between the California desert sun and the grey skies of London Town. The album was recorded between LA, Nashville and Walthamstow, with each of these vastly different places leaving an indelible mark on the songs.

Now signed to the Loose Records label and fronted by London-based songwriter, singer and guitarist Richard Olson (The See See, Eighteenth Day of May), The Hanging Stars are essentially a loose collective of people who weave together a blissed-out psychedelic tapestry. The rest of the core band is made up of Sam Ferman on bass and Paulie Cobra on drums, Horse on pedal steel and Patrick Ralla on banjo, guitar. They jam rather than write and hang out rather than rehearse, harnessing a kind of tipsy euphoria resplendent with luscious arrangements and glorious vocal harmonies.

During 2015, prior to this album’s original release the band released two critically acclaimed singles via The Great Pop Supplement (both of which also appear on the album). “Golden Vanity” was premiered by The Line of Best Fit who said; “you'd be forgiven for thinking you'd just unearthed a rare deep cut from the late 60s/early 70s boom of psychedelia infused Americana” and “The House on The Hill” was described by The Guardian as; "a hazy, desert-dream of a song, nicely sharpened with steely-eyed guitars, Mersey-laced harmonies and just a whiff of the Gun Club”.

There are a number of allusions to nature and the weather on the album, borne in part out of the contrasting surroundings in which it was produced. The band’s fascination with Americana led them to record some of the material Stateside, laying down some of the parts at Battle Tapes Studios in Nashville (Lambchop, Paperhead), as well as at Vision Quest Studios in Los Angeles with Rob Campanella. His work with The Quarter After, The Brian Jonestown Massacre, Beachwood Sparks The Tyde, and GospelbeacH was a perfect match to capture their sound and they even had San Franciscan legend Chrystof Certik step in on lead guitar for a couple of tracks.

Following the LA recordings, a trip to the Californian desert provided the core notion of what they wanted to produce - a shard of light that they clung on to whilst recording the rest of the album in the significantly more rain-soaked atmosphere of Walthamstow, London, under the watchful eye of Brian O'Shaughnessy at Bark Studios (The Clientele, Comet Gain). As the band explained at the time: “Ultimately we hope you can hear both the sand and the rain in this record.”

The Hanging Stars place themselves firmly as part of a long folk tradition encompassing European and North American influences – as a continuation rather than a pastiche of these styles. This is the sound of a band really coming in to their own, fully formed and in no doubt of their vision. With Over the Silvery Lake they succeeded in producing a record, which has the country, blues and folk traditions at its heart.

Was tun die Menschen um uns herum? Wie tun sie’s? „Wollen wir das nicht alle die ganze Zeit verstehen?“, fragt Alli Neumann, die mit ihrem dritten Studioalbum methaphorisch als funkelnder Stern auf hartem Asphalt landet. Als „ROQUESTAR“ muss sie sich dort erstmal orientieren. Inspiriert von David Bowies Ziggy Stardust, der fürs Seltsamsein bekannt wurde und sich was traut, auch um gesehen zu werden, blinkt Alli zwischen Auffallen und Anpassung. Die Musikerin bewegt sich längst fließend in dieser Dualität und changiert zwischen den Polen – man will ja doch von allen geliebt werden, oder?! Die Musikerin spielt mit diesem ambivalenten Gedanken, der unlösbar scheint und liefert mit ihrem Album „ROQUESTAR“ 12 Songs, die von genau diesem dringlichen Hunger nach Anerkennung getrieben sind. „Sie erzählen von dem Willen, geliebt zu werden.“ Eine Wahrheit und auch psychosoziale Utopie, vielleicht, „in der sich viele wiederfinden“, meint Alli, und ja doch schambehaftet daherkommt, weil deutlich wird: Wir sind schrecklich abhängig vom Außen, von dem wir so oft die Schnauze voll haben. Mit „Ich kann gar nichts“ schreibt Alli genau dagegen an: Eine selbstironische Hommage an die Imperfektion – wider jeder Erwartung. Geliebt werden wollen, trotz oder gerade wegen ... Rockstar sein, Alli sagt: „everybody’s favorite misfit“. Wie es geht, das mit dem Lieben, das ja auch immer damit einhergeht, wie es um die Liebe zu sich selbst steht, zeigt sich in der Gleichzeitigkeit ihrer Songs: Während Alli in „Vom anderen Stern“ zu Funk eine neue Liebe als Eskapismus zeichnet, „Baby lass dich fallen, um fliegen zu lernen“, erinnert sie in der Grungerock-Ballade „Nie wieder verlieren“ daran, wie giftig es sein kann, sich für einen Menschen aufzugeben. Auf „ROQUESTAR“ scheint alles in Bewegung. Es sind Anstöße, die die Musikerin gibt. Manchmal Anklagen, Aufforderungen, aus denen Sehnsüchte sprechen, nur nie Antworten. Auch weil das nicht zu Alli, der Artist, passen würde, die sich doch so gerne bewegt, wie die Welt, durch die sie fliegt. Durch Genres und Formate – als Musikerin, Schauspielerin, auf Bühnen, auch im Fernsehen, eine Künstlerin, die sich erfährt, (er)lebt, ein bunter Hund, Alli liebt, auch ihre Integrität. Und während die Songs in sich und auch im Miteinander organisch aufgehen, hört man mit etwas Genauigkeit zwei ungewöhnliche Instrumente spielen. Zwei barocke, die Allis „ROQUESTAR“-Modus musikalisch markieren. Zusammen mit ihrer Produzentin Novaa lässt sie Cemberlo und Fagott sich an vorherrschende Synthie- und Kraut-Pop-Sounds schmiegen, während das Fagott von den allermeisten aus der Popmusik verbannt wird. Sich wirklich zeigen, das kann Alli. „Being loved for not being loved“, beschreibt sie selbst, nur immer als Versuch. Bemerkenswert ist, dass die Musikerin bei ihrem Tempo und ihren Kurven der vergangenen Jahre nie Splitter ihres Ichs verloren hat. Während sie also 2025 zwischen den Zeilen über eine „ROQUESTAR“-Identität textet, ist sie es längst: Ein Stern, der vom Himmel auf den Boden einer steinigen Realität fällt, sich umschaut und unaufhörlich probiert. Im ewigen Gerangel zwischen laut und leise, Kraut und Folklore, Protest und Rückzug. Zwischen amüsiert und politisch, Großstadt und Landleben, 80ies und Barock. Alli und ihre Musik strahlen manchmal gleißend hell und manchmal gedimmt hinein in diese Welt, aber leuchten, das tun sie wirklich immer.

Detroit-based electronic music producer and DJ Rebecca Goldberg presents, Dancing Dreamland, a four-track journey of raw techno, electro, and acid. The EP was created during her 2024 artist residency at Modja Modja House in Margate, UK.

Drawing inspiration from Margate’s eclectic soundscape, Goldberg crafted the EP using field recordings captured around the coastal town: its prominent resident seagulls, carnival games, and bustling seaside energy. These organic textures were fused with analog hardware during sessions in renowned artist Yuri Suzuki’s studio, where she was granted access to a range of vintage and modern synthesizers and drum machines.

The result is Dancing Dreamland, a gritty and hypnotic blend of rhythmic percussion and experimental textures. Each track reflects Goldberg’s signature Detroit-rooted minimalism while embracing the playful chaos of the British seaside. The EP pays homage to the cultural crossover between the industrial sound of techno and the natural, atmospheric noise of a historic resort town in artistic transition.

Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums ihrer ursprünglichen Veröffentlichung kündigt Robyn eine besondere 2-LP-Vinyl-Neuauflage ihres ikonischen, selbstbetitelten Albums von 2005 an.

Weithin als ein Schlüsselmoment der modernen Popmusik angesehen, erscheint diese Jubiläumsausgabe auf Coke-Bottle-Vinyl und enthält das originale Tracklisting.

Ein Muss für langjährige Fans und Sammler gleichermaßen – diese Veröffentlichung rückt ein Album ins Rampenlicht, das die Zukunft der Popmusik entscheidend mitgeprägt hat.

Die ersten fünf Jahre von Karate, verpackt im klassischen Numero-Stil und kommentiert von Frontmann Geoff Farina. Diese Collage aus DC-Posthardcore, De Stijl und Django Reinhardt umfasst auf fünf LPs ihr selbstbetiteltes Debütalbum, In Place of Real Insight", The Bed Is In The Ocean", 7"-Singles aus dieser Zeit und eine bisher unveröffentlichte Demoaufnahme aus dem Jahr 1993. Insgesamt 41 Geschichten aus dem späten Millennium über nächtliche Radtouren um 2 Uhr morgens, Punk-Hauspartys, Nacktbaden, unglückliche Tattoos und Pendeln auf der Interstate 95, allesamt remastered von den Originalbändern und verpackt in robusten Tip-On-Hüllen für den anspruchsvollen Karate-Fan.

Nachdem Ritual aus dem Ruhrgebiet seit 2005 als eine der aktivsten Hardcorebands Europas in jugendlichem Wahnsinn weit über 300 Konzerte in 19 Ländern gespielt und in dieser Zeit drei Alben und 7"-Singles hinterlassen hatten, war die kultisch verehrte Band seit 2012 on hiatus. Nun haben sich Julian Laur de Manos, Deni Pavicic und Philipp Wulf, deren Freundschaft auch ohne Ritual fortbestand, 14 Jahre nach ihrem letzten Album wieder zusammengetan. Mit "Silver Lining" zeigen sie sich in einer ersten Doppelsingle melodisch wie nie zuvor. Die Palette hat sich deutlich erweitert, sind doch trotz starkem Wiedererkennungswert einige auffällige Facetten hinzugekommen. So zeigen sich Ritual hier wiedererweckt als eine Hardcore-Band, die ins Jahr 2025 zu passen scheint.

Im Februar 2024 kamen Tav Falco und seine unvergleichliche Band Panther Burns ins Sam Phillips Recording Studio in Memphis, Tennessee, um ihr 14. Studioalbum "Desire On Ice" aufzunehmen. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Falcos Originalkompositionen, die seine gesamte Karriere umspannt und mit ausgewählten Songs verschiedene Phasen der 45-jährigen Karriere von Panther Burns neu beleuchten. Neben der aktuellen Besetzung der Band, darunter Gitarrist/Produzent Mario Monterosso, sind auf dem Album auch ehemalige Mitglieder von Panther Burns und Zeitgenossen wie Jon Spencer, Reverend Horton Heat, Kid Congo Powers, Bobby Gillespie und andere zu hören. Inspiriert von Künstlern, deren Vision und Musikalität gereift sind, gräbt dieses Werk die Unterströmungen einer Psyche aus, die für die Dekonstruktion mythischer Themen wie unerwiderte Liebe, Bruder gegen Bruder, verlorene Fälle und brennende Villen bekannt ist. "Desire On Ice" ist ein momentaner Ausschnitt aus unmittelbaren, schrägen Balladen, die bereits in die Zukunft geschleudert wurden.

"Room for the Moon Live" dokumentiert einen ekstatischen Abend, den die facettenreiche Produzentin und Performerin Kate NV ins Leben gerufen hat. Das Album wurde während einer einmaligen Show aufgenommen, die einige Jahre nach der Veröffentlichung von "Room for the Moon" (2020) stattfand. NV malt innerhalb und außerhalb der expressionistischen Linien ihrer Solo-Persönlichkeit und steht an der Spitze einer eklektischen achtköpfigen Band, die Material aus ihrem skurrilen und endlos faszinierenden zweiten Album aufgreift und weiterentwickelt. Für NV ist "Room for the Moon Live" mehr als nur ein Meilenstein, der die fünf Jahre seit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums markiert. Die Aufnahme dokumentiert einen wichtigen und seitdem einmaligen Abend, an dem der Sound und die Seele des Albums und ihrer musikalischen Vertrauten einen Raum der Zuflucht in einer besonders schweren und isolierenden Zeit schufen. ,Das wichtigste Thema des Konzerts war, ein Team zu sein - zusammen", sagt NV. ,Musik zu spielen und zu versuchen, in dunklen Zeiten Freude zu verbreiten. Das war für mich sehr wichtig." Die Band wurde von NV aus einer eng verbundenen Gruppe von Musikerfreunden und häufigen Kollaborateuren zusammengestellt, wobei der Kern aus Mitgliedern von Glintshake besteht, der Post-Punk-Band, die sie 2012 mitbegründet hat. Unter NVs leichtfüßiger Leitung begann das Ensemble, die Richtung der Performance zu skizzieren und sich vorzustellen, wie sie einige der synthlastigeren Stücke von Room mit neuen Ideen und akustischen Texturen neu gestalten könnten, unterstützt durch ihre Offenheit für Improvisation, ,Jam"-Ästhetik und vor allem durch ihren freigeistigen Spaß an der Sache. ,Der Ansatz war in etwa: ,Leute, wir spielen Songs, aber hier können wir richtig wild werden`", erinnert sie sich. ,Ich hatte einige ,Musts`, die wir so originalgetreu wie möglich nachbilden mussten, weil sie für die Songs entscheidend waren, aber es war nie eine Priorität, alle in einen Käfig der Originale zu stecken. Die Tracks haben dadurch nur gewonnen und klingen kraftvoller als die Originalversionen." NV hebt ,Marafon 15" und ,Telefon" als besonders eindrucksvolle Beispiele für die tief groovenden, groovigen Art-Rock-Kräfte hervor, die die Originale auf der Bühne belebten. Aber auch über diese beiden Tracks hinaus sind alle Songs weiter ausgelegt und fließen freier, oft eine Minute oder mehrere Minuten länger als die Originale, da die Band einige der eher poporientierten Arrangements von Room aufbricht. NV verweist auch auf die ausgedehnten Solo-Passagen in ,Ça commence par" und die euphorische Coda von ,Lu Na", die während einer Probe der Band entstanden sind und dann für immer Teil des Songs geblieben sind, als einige der verspieltesten Momente des Albums. Live-Alben folgen, sei es aus Notwendigkeit oder aus Gewohnheit, meist einem altbewährten Muster: Sie dokumentieren eine Reihe von Abenden auf Tournee, an denen Künstler vor einem aufgeschlossenen, aber oft verschwommenen Publikum in fremden Städten spielen, die in einem impressionistischen Nebel aus Orten, Räumen, Bildern und Geschmäckern vorbeiziehen. Die Performance auf "Room for the Moon Live" ist etwas ganz anderes. Es ist Musik, die von Freunden für Freunde gemacht wurde, um zu heilen und zu fühlen, voller Freude und grenzenloser Großzügigkeit. Kate NVs "Room for the Moon Live" erscheint fast genau fünf Jahre nach der Veröffentlichung des Originalalbums, als limitierte Doppel-LP und in unbegrenzter digitaler Auflage.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ,Lost Dogs & Mixed Blessings" erscheint über Oh Boy Records eine Deluxe-Edition von John Prines beliebtem Album mit fünf bisher unveröffentlichten Demos und alternativen Takes sowie dem bisher unveröffentlichten Titel ,Hey Ah Nothin'". Dieses lange verschollene Juwel wird sowohl langjährige Fans als auch Neulinge begeistern und bietet einen intimen Einblick in die Entstehung des Albums und den spontanen Geist, der die Sessions geprägt hat. Das für einen Grammy nominierte Album wird außerdem zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, neu gemastert von den Originalbändern. ,Lost Dogs & Mixed Blessings" wird wegen seiner Wärme, seinem Witz und seiner Tiefe sehr geschätzt, und diese Neuauflage bietet einen noch genaueren Einblick in eine der fröhlichsten und kreativsten Phasen in Prines legendärer Karriere. "Lost Dogs & Mixed Blessings" erschien ursprünglich 1995 nach Prines Grammy-prämiertem Album "The Missing Years" und festigte seinen Ruf als einer der größten Songwriter Amerikas. Produziert von Howie Epstein von Tom Petty and the Heartbreakers, zeigt das Album Prine auf einem persönlichen und künstlerischen Höhepunkt, erfüllt von der Freude über eine neue Liebe, seine Vaterschaft und einer unerschütterlichen kreativen Chemie. Unterstützt von einem All-Star-Ensemble, darunter Heartbreakers-Pianist Benmont Tench und Gastsängerinnen Carlene Carter und Marianne Faithfull, ist ,Lost Dogs & Mixed Blessings" ein lebendiges Beispiel für Prines unvergleichliches lyrisches Talent. Das Album fließt mühelos von der ironischen Zufriedenheit von ,Ain't Hurtin' Nobody" zu der epischen Erzählung von ,Lake Marie", einem Song, den Bob Dylan einmal als einen seiner Lieblingssongs bezeichnet hat. Mit seiner Mischung aus herzlichen Balladen, surrealen Erzählungen und verspieltem Humor bleibt ,Lost Dogs & Mixed Blessings" eines der umfangreichsten und beliebtesten Werke von Prine. Mit 14 Titeln und einer Länge von fast einer Stunde fängt es die Fülle der Erfahrungen der Lebensmitte ein, ehrlich, entspannt und voller Leben. Dreißig Jahre später lädt diese Veröffentlichung dazu ein, ein Album wiederzuentdecken, das weiterhin tröstet, überrascht und inspiriert.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ,Lost Dogs & Mixed Blessings" erscheint über Oh Boy Records eine Deluxe-Edition von John Prines beliebtem Album mit fünf bisher unveröffentlichten Demos und alternativen Takes sowie dem bisher unveröffentlichten Titel ,Hey Ah Nothin'". Dieses lange verschollene Juwel wird sowohl langjährige Fans als auch Neulinge begeistern und bietet einen intimen Einblick in die Entstehung des Albums und den spontanen Geist, der die Sessions geprägt hat. Das für einen Grammy nominierte Album wird außerdem zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, neu gemastert von den Originalbändern. ,Lost Dogs & Mixed Blessings" wird wegen seiner Wärme, seinem Witz und seiner Tiefe sehr geschätzt, und diese Neuauflage bietet einen noch genaueren Einblick in eine der fröhlichsten und kreativsten Phasen in Prines legendärer Karriere. "Lost Dogs & Mixed Blessings" erschien ursprünglich 1995 nach Prines Grammy-prämiertem Album "The Missing Years" und festigte seinen Ruf als einer der größten Songwriter Amerikas. Produziert von Howie Epstein von Tom Petty and the Heartbreakers, zeigt das Album Prine auf einem persönlichen und künstlerischen Höhepunkt, erfüllt von der Freude über eine neue Liebe, seine Vaterschaft und einer unerschütterlichen kreativen Chemie. Unterstützt von einem All-Star-Ensemble, darunter Heartbreakers-Pianist Benmont Tench und Gastsängerinnen Carlene Carter und Marianne Faithfull, ist ,Lost Dogs & Mixed Blessings" ein lebendiges Beispiel für Prines unvergleichliches lyrisches Talent. Das Album fließt mühelos von der ironischen Zufriedenheit von ,Ain't Hurtin' Nobody" zu der epischen Erzählung von ,Lake Marie", einem Song, den Bob Dylan einmal als einen seiner Lieblingssongs bezeichnet hat. Mit seiner Mischung aus herzlichen Balladen, surrealen Erzählungen und verspieltem Humor bleibt ,Lost Dogs & Mixed Blessings" eines der umfangreichsten und beliebtesten Werke von Prine. Mit 14 Titeln und einer Länge von fast einer Stunde fängt es die Fülle der Erfahrungen der Lebensmitte ein, ehrlich, entspannt und voller Leben. Dreißig Jahre später lädt diese Veröffentlichung dazu ein, ein Album wiederzuentdecken, das weiterhin tröstet, überrascht und inspiriert.

This EP is dedicated to and inspired by a dearly special friend of this label: Graham Kerr, aka Kerso, our pal. His passions in life were friends, records, clothes and his beloved football team, Motherwell FC. It's the first anniversary of his passing in September 2025 and this is just a wee reminder of his presence, and his dancing, all these years. For Kerso.

Charles D has got the touch right now. Following ‘The Bouncer’, his blistering collaboration with Space 92, he returns with another slice of peak-time perfection, ‘Control’. The New Yorker has become one of the most promising artists to emerge on Drumcode in recent times; from his terrific body of remixes, led by Adam Beyer & Bart Skils ‘Your Mind’ and Mike Macaluso’s ‘Final Chapter’, to cuts on the label’s A-Sides compilation (‘Traction’ and ‘Yantee’), right through to his breakthrough EP release in 2023 ‘Don’t Stop’. With a recent standout collab with Space 92 ‘The Bouncer’ under his belt, you can always rely on the artist to craft captivating, big-moment productions.

Host of the popular Synthesized Radio and soon to be launching his own label project KONKRTE, Charles D says the writing process for ‘Control’ came quickly, with the first ideas coming together on the plane home from an energising weekend of gigs. “I'm really inspired by a lot of the new music out there, and wanted to make something that felt peak time, but had some melodic techno and tech house flavor to it. I made several versions of it, but the very first version was the one that made the cut. When I heard Adam play it at Drumsheds and Resistance in Miami and saw the crowd’s reaction, I knew not to mess with it too much.” – Charles D ‘Control’ is a high-octane trip and deliciously dynamic. Framed by the producer’s trademark plump basslines and crisp percussion, it makes a statement via a torrent of head-scrambling riffs and effects.

Hinter dem gefeierten Indie-Folk-Künstler FRUIT BATS verbirgt sich der GRAMMY-nominierte Singer/Songwriter Eric D. Johnson aus Nashville, Tennessee. Mit "Baby Man" hat Johnson ein Album geschaffen, das sich von allen anderen FRUIT BATS-Alben abhebt. "Baby Man" setzt sich aus zehn fesselnden Solodarbietungen mit minimalistischer Instrumentierung (Gitarre, Klavier und gelegentlich Synthesizer) und maximaler Ausführung zusammen und Johnsons Raumnutzung auf dem gesamten Album ist oft ebenso bezaubernd wie die Musik und seine stets bemerkenswerte Stimme. Für die Produktion von "Baby Man" hatte sich Johnson wieder mit Thom Monahan zusammengetan. Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit ist das intimste Werk, das FRUIT BATS bisher aufgenommen hat. "Baby Man" überrascht mit einigen der rauesten Stücke, die bisher unter dem Pseudonym FRUIT BATS entstanden sind. Monahan hat die Vocals im Mix nach vorne geschoben, was sowohl die Souveränität als auch die Verletzlichkeit jeder Darbietung hervorhebt. Zwischen der Substanz und dem Klang ist das Hören von "Baby Man" eine kraftvolle und gefühlvolle Erfahrung. Das spürt man gleich beim Album-Opener "Let You People Down" und auch beim nachdenklichen Titeltrack. Johnson ehrt den kürzlichen Verlust eines besonderen Freundes in dem wunderschönen "Creature From The Wild", einer zu Herzen gehenden Hommage, mit der sich leidenschaftliche Hundeliebhaber sofort identifizieren werden. Das philosophische "Building A Cathedral" stellt die Frage, was einem im Leben wirklich wichtig ist und was nicht, während der letzte Song "Year Of The Crow" mit einer stimmungsvollen, bluesigen Klaviereinleitung daherkommt und das Album schmerzhaft und gefühlvoll abschließt. Der Song ist ein passendes Finale eines bemerkenswerten Albums eines geliebten und verehrten Künstlers, der weiterhin Musik konzipiert, Emotionen vermittelt und Verbindungen auf sinnvolle Weise herstellt. "Baby Man" ist der Nachfolger des von der Kritik hochgelobten Albums "A River Running to Your Heart" aus dem Jahr 2023. Johnson ist auch Mitglied des GRAMMY-nominierten Indie-Trios Bonny Light Horseman.

2025 Repress

In 2022, Daniele “Shield” Contrini of Rebirth Records proposed Paraíso to the great man himself, a compilation honouring Alfredo’s legacy. After Alfredo’s passing in December 2024, the project was final; with artists rallying to honour his vision and memory.

Before becoming a global clubbing hotspot, Ibiza embodied freedom—a place where sunrises blurred into sunsets and music became a way of life. In the 1950s and '60s, the island drew artists, hippies, and outsiders seeking escape and creative liberty.

In 1976, Alfredo Fiorito, fleeing political repression in Argentina, arrived in Ibiza and stayed. A former music journalist, he soon began DJing at Amnesia, a farmhouse-turned-club where time bent and boundaries dissolved. With eclectic, genre-defying sets, Alfredo blended reggae, flamenco, soul, rock, and early house, crafting a hypnotic energy that captivated a generation.

British DJs like Trevor Fung, Paul Oakenfold and Danny Rampling brought this “Balearic Beat” back home. But Balearic wasn’t a style it was a mindset. As DJ Leo Mas said, it was “a state of mind,” where rhythm, spirit, and psychedelia merged.

Other clubs like KU, Es Paradis, Pacha, and Lola’s amplified the movement. Visual artists such as Yves Uro gave it a striking identity, and DJs like César de Melero, DJ Pippi, and Jon Sa Trinxa carried the sound into a new era. José Padilla’s sunset sessions at Café del Mar birthed chill-out music as breath, not just beat.

But the 1990s brought change. Laws requiring roofs on clubs altered the open-air magic. Commercialisation followed; freedom became luxury, and many pioneers left.

Still, the Balearic spirit lives—raw and untamed. It pulses in hidden parties, intimate venues like Pikes and Hostal La Torre, and sacred places like Benirrás and Las Dalias.

Featuring 16 tracks of classic and true Balearic sound; alongside House & proto-House tracks that Mr Fiorito spun, the album also includes an unreleased Alfredo track and stands as a tribute to the man, the music, and the enduring spirit of true Ibiza.

Star Feminine Band, hardest working women in Beninese show business, are releasing their third album on Born Bad, who went all out for their first. Some get malaria at the sight of that sticky world label : rest assured, the world is all they deserve after nine years of hard work. These eight young women, from a village that even Beninese can't quite place, started out in hard mode.

They had to convince themselves that it was worth a shot, but also their family, their village and an entire continent.

André Balaguemon, composer, manager and lyricist, does a lot, while remaining in the background. He put the group together, included his three daughters, houses everyone with his wife Edwige who also manages dances and costumes. He gave them a musical training, and created the framework for them to continue school while rehearsing hard. From local heroes to UNICEF ambassadors, the group has made it. The very existence of this new album is a testament to the perseverance of Grâce, Anne, Urrice, Bénie, Angélique, Sandrine, Julienne and Ashley. The personnel of this family affair has changed a bit : two new women have joined the group, which conquered bigger stages (Glastonbury in the summer, the X-mas BBC special).



This new album brings simple joys : watching them grow from Benin's first girl band to a band in its own right. And never forgetting why they took to the stage in the first place. Star Feminine Band makes straightforward music, taking no detours to express what's missing in the country. When Grâce advocates for kids getting a chance to get to school it's because there's nothing else more important to say that day. Teachers, don’t leave the kids alone, after all.



As they said on their first album, « music is our job », let them be that : musicians having a lot of fun on this album. It wanders through the vast territory of the countless West African styles. They even make a quick foray into reggae to talk about marriage (with a little rap thrown in), and interweave their voices in multiple languages (Waama, Ditamari, Bariba, Fon, Yoruba). And boy do they have hits. To each is own, but “L'enfant c'est un don de Dieu » (Child is god’s gift) is a mighty steamroller, methodically smoothing out the ground for dancing together to its final chorus, singing « debout-les-en-fants / get up, kids ! » along.



Smoother than the first two albums, supported by fine arrangements, ambitious keyboard parts and more complex vocal harmonies without losing any of their spontaneity, this third opus quietly adds to Benin's musical heritage. As they make clear in « Jusqu'au bout du monde », clever little number that we can already hear swelling up on stage: « oui, c’est Star Feminine Band qui a gagné - o / Star Feminine Band won».

Brooklyn-based artists Leslie Graves and Toby Goodshank have joined creative forces on their album Between Worlds (BB*ISLAND), Toby Goodshank (The Moldy Peaches, The Pizza Underground) of the OG New York Antifolk scene, is known for his precise and acrobatic vocals over nuanced acoustic guitar in songs that have been described as "a zesty thumb of the nose at domesticated bullshit." (Myles Manley) Leslie Graves (GOLD, Endless Arrows) is a performing songwriter and recording artist who takes folk subgenres into evocative and intriguing directions, including "sounding like something you could hear Donna Hayward dancing to at the Bang Bang Bar." (Ronan Conroy, "Hidden In the Days" album review) Her voice has been described as "darkwave-meets-folk" with comparisons to Lana Del Rey, Cat Powers, Mazzy Star and Julee Cruise. Acoustic guitar and vocal harmonies make up the core of their music. a slightly psychedelic, at times dream pop-like folkrock. It just draws from a variety of folk and rock. You might hear hints of Sybil Baer, Judee Sill, REM, Linda Perhacs, and Jessica Pratt, but the intersection of Toby and Leslie is truly a place of its own, warm and enchanting, or perhaps a glimmer from the spaces in between worlds. Many instrumental threads are interwoven throughout with the invaluable skills of Jake Nicoll (The Burning Hell) who lovingly engineered and embellished the recordings. Ariel Sharrat of The Burning Hell assisted him and is also featured on saxophone or bass or on some songs here. Speaking to their process, Leslie writes, "Toby is great at composing song structures quickly. It was fun to feel into the emotion of the chords and write from there. The process was like chiseling away at a stone to reveal the sculpture underneath. I like when songs come like that - when it feels that they are teaching us as they are revealed."

Gothenburg/Malmö-based post rock power trio Barrens return with Corpse Lights, the band's second full-length release following their critically-acclaimed 2020 debut Penumbra. Five years in the making, Corpse Lights sees Barrens strike a breathtaking balance between light and dark, beauty and brutality. Corpse Lights, Barrens' sophomore album, is somehow deeper, richer and headier; imbued with an alluring compositional patience that serves as unspoken testament to the combined creativity of the trio in their element, as something so much greater than the sum of its parts. Recorded and produced by Kristofer Jönson, who also helmed Penumbra, and mixed and mastered once again by Cult of Luna's Magnus Lindberg, shimmering synthesizers and sprawling guitars lead the charge propelled by exhilarating drums and percussion but Corpse Lights also finds Barrens using space, silence and atmosphere as another instrument if not as another band member entirely. `Corpse Lights' is the name given to the folk belief that small coloured lights often appear near the home of someone about to die, leading them along the path to their eventual resting place. Often considered to be evidence of the soul leaving the body, the concept of corpse lights embodies Barrens' approach to creating music as a cathartic release; not just writing music because they want to but because they have to. Their writing process is one of joy, light and release as much as it is dark, heavy and tense. The result is Corpse Lights, a collection of nine pieces that guide us through five tumultuous years of highs and lows, of loves and losses and victories and defeats without ever needing to say a word. FOR FANS OF Mono, PG.LOST, Caspian, Mogwai, This Will Destroy You, Russian Circles, Pelican, Scraps Of Tape, God Is An Astronaut. Vinyl is a gatefold, the sleeve comes with metalic ink

Gothenburg/Malmö-based post rock power trio Barrens return with Corpse Lights, the band's second full-length release following their critically-acclaimed 2020 debut Penumbra. Five years in the making, Corpse Lights sees Barrens strike a breathtaking balance between light and dark, beauty and brutality. Corpse Lights, Barrens' sophomore album, is somehow deeper, richer and headier; imbued with an alluring compositional patience that serves as unspoken testament to the combined creativity of the trio in their element, as something so much greater than the sum of its parts. Recorded and produced by Kristofer Jönson, who also helmed Penumbra, and mixed and mastered once again by Cult of Luna's Magnus Lindberg, shimmering synthesizers and sprawling guitars lead the charge propelled by exhilarating drums and percussion but Corpse Lights also finds Barrens using space, silence and atmosphere as another instrument if not as another band member entirely. `Corpse Lights' is the name given to the folk belief that small coloured lights often appear near the home of someone about to die, leading them along the path to their eventual resting place. Often considered to be evidence of the soul leaving the body, the concept of corpse lights embodies Barrens' approach to creating music as a cathartic release; not just writing music because they want to but because they have to. Their writing process is one of joy, light and release as much as it is dark, heavy and tense. The result is Corpse Lights, a collection of nine pieces that guide us through five tumultuous years of highs and lows, of loves and losses and victories and defeats without ever needing to say a word. FOR FANS OF Mono, PG.LOST, Caspian, Mogwai, This Will Destroy You, Russian Circles, Pelican, Scraps Of Tape, God Is An Astronaut. Vinyl is a gatefold, the sleeve comes with metalic ink, the Periastron edition is transparent "white" Vinyl

Black Truffle is thrilled to present the first ever solo Donso n’goni recording from octogenarian Swedish multi-instrumentalist Christer Bothén. Active in the Swedish jazz and improvisation scene since the 1970s, often heard on bass clarinet, Bothén travelled to Mali in 1971, eventually making his way to the Wassoulou region in the country’s south where he encountered the Donso n’goni, the sacred harp of the hunter caste of Wassoulou society. Though playing the instrument has traditionally been restricted to those who belong to the hunters’ brotherhood, Bothén found an enthusiastic teacher in Brouema Dobia, who, after many months of intensive one-on-one lessons, gave Bothén his blessing to play the instrument both traditionally and in his own style. Returning to Sweden, he would go on to pass on what he had learned to Don Cherry and play the Donso n’goni in a wide variety of inventive settings, including the driving Afro-jazz-fusion of his Trancedance (reissued as BT118).

The seven pieces of Christer Bothén Donso n’goni offer up a stunning showcase of Bothén’s work on this remarkable instrument, heard entirely unaccompanied, except for the final piece where he is joined on a second Donso n’goni by his student and collaborator, the virtuoso bassist Kansan/Torbjorn Zetterberg, and Marianne N’Lemvo Linden on the metal Karanjang scraper. Recorded in three sessions in Stockholm between 2019 and 2023 in richly detailed high fidelity, the instrument’s buzzing, sonorous bass strings make an immediate, overwhelming sonic impression. Hyper-focused on hypnotically repeating pentatonic patterns, the seven pieces are at once relentlessly single-minded and endlessly rich in subtle variations. The concentrated listening environment turns small details, such as the deployment of the instrument’s segesege rattle on two of the pieces, into major events. Six of the seven pieces are traditional, with Bothén contributing the remaining ‘La Baraka’, but the line between tradition and the individual talent is imaginary here: as Bothén explained in a recent interview with The Wire’s Clive Bell, ‘I play traditional and untraditional, and I play the music forward and backward’. While the traditional Wassoulou pieces provide the rhythmic and harmonic elements, Bothén’s individuality as a performer is alive in every moment, felt acutely in boundless variations of attack, improvisational flourishes, and unexpected accelerations and decelerations. Captured entirely live and bristling with spontaneity, this music is undeniably the product of almost half a decade of Bothén’s devotion to the Donso n’goni and its traditional music.

Accompanied by detailed new liner notes by Bothén and stunning colour photos from his time in Mali, Christer Bothén Donso n’goni is a stunning document of a remarkable instrument, played with an almost spiritual intensity by one of contemporary music’s great explorers.

Teresa Rotschopf, a musician and composer from Vienna, presents her second solo album, »Currents and Orders« – a radical, delicate, yet grandiose sonic journey between experimental pop, new music, and improvised composition. The album will be presented live on August 27 as part of the »Pop-Kultur« festival (silent green, Berlin) and at the »ORF RadioKulturhaus« (Vienna) on 12 September.

»Currents and Orders« was recorded in an unusual location: a stalactite cave in Styria, Austria. Together with a small group of musicians (Maria Gstättner: bassoon, contraforte; Alex Kranabetter: tuba, trumpet, French horn; Patrick Dunst: saxophone, duduk; Florian Klinger: marimba, vibraphone, glockenspiel, cymbals, gong, stalactite; Patrick Pulsinger: gong, stalactite; Ulrich Schleicher: gong) and in co-production with Patrick Pulsinger, Rotschopf recorded the album in June 2023 – deep underground, far from daylight, but all the closer to archaic sounds and resonances.

The cave becomes not only an acoustic stage, but also a symbolic space of memory, retreat, and transformation. The album comprises four pieces – including two large-scale tracks:
- the opening, mantra-like title track »Currents and Orders« (over 10 minutes)
- the final, free-jazz, expressive »I Open My Gates (for You)« (over 20 minutes)

With a minimalist structure, choral voices, vibraphone, percussion, and wind instruments, fragile yet powerful soundscapes emerge, whose spatial depth is also palpable through the cave reverberation.

Rotschopf first developed the desire to record in a cave in the summer of 2022. What began as a visual and sonic image became a concrete project – supported by the Austrian Cave Association. In June 2023, Rotschopf and her musicians spent three days in a cave in the Styrian forest. Almost a kilometer of cable was laid, and equipment and instruments were carried deep underground. Rotschopf describes the recording situation as a kind of return to herself: »I descended into this cave, as if I could descend into myself, into my own womb ... What we did in the cave could just as easily be called ›recording music,‹ but it could also be called ›remembering‹ – remembering the earth, the cave, and humanity.«

»Currents and Orders« is an album like a ritual: haunting, atmospheric, bold in its form, and deeply rooted in both physical and emotional space. Music that takes its time, uses space, and pushes boundaries.

The pre-release single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (release: July 17, 2025) is accompanied by a striking music video shot by Antoinette Zwirchmayr on 16mm film: Teresa Rotschopf holds a real owl in her hand – an image that is as magical as it is enigmatic.

Label owner Martin Hossbach read a review of Rotschopf's first solo album, »Messiah,« in 2018 and contacted the artist. Joint releases followed, including a drone album on the sub-label Martin Hossbach Score and a Pet Shop Boys cover version on Martin Hossbach Cover.

Teresa Rotschopf, Musikerin und Komponistin aus Wien, präsentiert mit »Currents and Orders« ihr zweites Soloalbum – eine radikale, zarte und zugleich groß angelegte Klangreise zwischen experimentellem Pop, Neuer Musik und improvisierter Komposition. Das Album wird am 27.8. im Rahmen des Festivals »Pop-Kultur« (silent green, Berlin) und am 12.9. im »ORF RadioKulturhaus« (Wien) live vorgestellt.

»Currents and Orders« entstand an einem ungewöhnlichen Ort: in einer Tropfsteinhöhle in der Steiermark, Österreich. Gemeinsam mit einer kleinen Gruppe von Musiker:innen (Maria Gstättner: Fagott, Kontraforte; Alex Kranabetter: Tuba, Trompete, Waldhorn; Patrick Dunst: Saxophon, Duduk; Florian Klinger: Marimbaphon, Vibraphon, Glockenspiel, Becken, Gong, Stalakmit; Patrick Pulsinger: Gong, Stalakmit; Ulrich Schleicher: Gong) und in Ko-Produktion mit Patrick Pulsinger nahm Rotschopf das Album im Juni 2023 auf – tief unter der Erde, fern von Tageslicht, dafür umso näher an archaischen Klängen und Resonanzen.

Die Höhle wird nicht nur zur akustischen Bühne, sondern auch zum symbolischen Raum der Erinnerung, des Rückzugs, der Transformation. So umfasst das Album vier Stücke – darunter zwei großformatige Tracks: - das eröffnende mantraartige Titelstück »Currents and Orders« (über 10 Minuten) - das finale, free-jazzig-expressive »I Open My Gates (For You)« (über 20 Minuten)

Mit minimalistischer Struktur, Chorstimmen, Vibraphon, Schlag- und Blasinstrumenten entstehen fragile und zugleich mächtige Klangwelten, deren räumliche Tiefe auch durch den Höhlenhall spürbar wird.

Der Wunsch, in einer Höhle aufzunehmen, kam Rotschopf im Sommer 2022. Was als visuelles und klangliches Bild begann, wurde zu einem konkreten Vorhaben – unterstützt vom Österreichischen Höhlenverein. Im Juni 2023 begab sich Rotschopf mit ihren Musiker:innen drei Tage lang in eine Höhle im steirischen Wald. Fast ein Kilometer Kabel wurde verlegt, Equipment und Instrumente tief unter die Erde getragen. Rotschopf beschreibt die Aufnahmesituation als eine Art Rückkehr in sich selbst: »Ich stieg in diese Höhle hinab, so als ob ich in mich selbst hinabsteigen könnte, in meinen eigenen Schoß [...] Was wir in der Höhle taten, könnte man ›Musik aufnehmen‹ nennen, genauso gut aber auch ›Erinnern‹ – Erinnern von Erde, Höhle und Menschsein.«

Currents and Orders ist ein Album wie ein Ritual: eindringlich, atmosphärisch, mutig in der Form und tief verwurzelt im physischen wie emotionalen Raum. Musik, die sich Zeit nimmt, Raum nutzt und Grenzen sprengt.

Die Vorab-Single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (VÖ: 17.7.205) wird begleitet von einem eindrücklichen Musikvideo, das Antoinette Zwirchmayr auf 16mm-Film drehte: Teresa Rotschopf hält darin eine echte Eule auf ihrer Hand – ein Bild, das genauso magisch wie rätselhaft wirkt.

Labelbetreiber Martin Hossbach las im Jahr 2018 eine Rezension des ersten Rotschopf-Soloalbums »Messiah« und nahm Kontakt zu der Künstlerin auf. Es folgten gemeinsame Veröffentlichungen – etwa ein Drone-Album auf dem Sub-Label Martin Hossbach Score und eine Pet-Shop-Boys-Coverversion auf Martin Hossbach Cover.

Artist and multi-instrumentalist Flaer embraces the search for quiet miracles on first full-length LP Translations.

In 2023, Realf Heygate - who makes music as Flaer - released his debut mini-album Preludes, composed on his mother’s piano and his childhood cello.Returning to ODDA for his debut full-length album, Heygate is now looking in another direction. A record that embraces transition and movement, Translations is in many ways more internal, less rooted to a single place and reflective of the process of laying new foundations in Cornwall.

Like Preludes, Translations is coloured with found sounds and field recordings, from the starlings which can be heard singing through the open window of his studio, to the brittle recordings of his mother, who was a linguist, learning Spanish on a set of language tapes. In both cases, Heygate embraced the translations and memories inherent to the sounds.

“When I digitised my mother’s tapes, they warped and stuttered in a very similar way to the starling’s song,” he explains. “They had this uncanny rhythm and pulse that I couldn’t quite decode, but was saying something." These decayed transmissions hint at loss, resisting clarity in favour of the ineffable.

Translations is also a record of ambiguities and in-betweens, suggested by the double meaning of the album’s opening track ‘Entre’. At once intricate and expansive, threaded with birdsong and acoustic guitar motifs, this and ‘Starling Descends’ (a reference to Vaughan Williams’ ‘The Lark Ascending’) act as a bridge away from the pastoral themes of Preludes towards a more assertive sound. At times intimate in its textured instrumentation and at others more overtly grand in orchestration, reflecting awider palette of influences.

“Flaer began in many ways when I picked up my mother’s instruments, seeking a form of reconnection. Where words evaded me, they became the tools through which I found a language for grief – and above all, for love.”

Recorded between 2023 and 2025 – what Heygate calls “A gradual process of sowing and harvesting ideas rather than a single intense creative period” - each track follows a rhythm similar to the small maquettes and sculptures he has been working on in his visual practice, whereby structures and melodies form intuitively in moments that are as rare as they are fleeting.

“It's that feeling of searching that I really enjoy,” Heygate continues. “I never know what the destination of the composition is going to be, and I never really find what it is."

Translations is released on limited edition off-white vinyl LP (500 copies worldwide) with one of five signed and numbered handmade risograph prints. It's also available as standard black vinyl LP and digitally.

Translate delivers hypnotic precision on Displacement, with Anthony Linell remixing "Timeforms" into a deep, atmospheric burner-out Sept 12 on Edit-Select 240V.

Translate returns to Edit-Select with "Displacement" (Edit-Select 240V), featuring three immersive techno cuts rooted in spatial depth and hypnotic rhythm. The release includes a stunning remix of "Timeforms" by Anthony Linell, who delivers a brooding, minimalist reinterpretation. Out on limited 12" vinyl and digital

The second in Void+1's "Convergence" vinyl-series, "Chapter 2", is a unique, must-have, mini-compilation with a variety of crossover-styles by Tensal, Scalameriya & Cam Lasky, Znzl, Liza Aikin & Monolog.
"Convergence Chapter 2" includes tracks from V+1020D, V+1021D, V+1022D & V+1023D.

Ukrainian artist Georgy Potopalskyi aka Ujif_notfound presents a new album of raw, expressive electronic music. An unfiltered work of blasted soundscapes, hyperkinetic breaks & bristling guitar noise responding to the continuing conflict in Ukraine. A defiant maelstrom of personal catharsis, velocity & dissonance.

"Irritating Post Punk New Wave Kraut Disco Trash Duo from Switzerland in Glitter Tights and Spandex Wigs with obscure and high potential Dancing Beats and and songs that stick in your brain like chewing gum". It's their fifth' full lenght amd second for VVR! DIE GROSSE KUNST DER REDUKTION: BLIND BUTCHER ist ein abstraktes musikalisches Künstler/Musiker-Duo aus Luzern der Schweiz, welches Glitzer-Leggings trägt und das Gesicht hinter einem Leuchfarben-Spandex Vorhang versteckt. Ihre Ästhetik und Outfits werden angefertigt von Corinne Odermatt, aber vor allem überzeugen sie durch ihre Musik, die einem, wenn mensch sie live erlebt, nicht aus dem Staunen herauskommen und perplex im Raum stehenlässt. Wie zwei obskure Kreaturen von einer anderen Galaxie treiben sie ihren Disco Beats durch den Raum, oder wie hier durch die Rille einer Vinyl-Schallplatte. Aufgenommen wurde diese zweite Produktion für Voodoo Rhythm beim renommierten Swamp Land Studio in Toulouse Frankreich mit Lo Spider (Destination Lonely) und gemastert in Detroit von Bill Skibbe at Third Man Mastering. Das Coverfoto und Artwork entwarf Ralph Kuehne. Classic black Vinyl LP 180g including Booklet and free Download Card

Deaf Club continues their scathing indictment of society with their second full-length album, being released on Southern Lord and Three One G: We Demand a Permanent State of Happiness. Fast wit and faster blast beats are mainstays of the band, but there is also a sense of growth. This is their strongest songwriting yet, incorporating more hooks and good old-fashioned moments to mosh while staying as weird as ever. Raygun guitar riffs and unexplainable sounds abound. Justin Pearson, Brian Amalfitano, Scott Osment, and Jason Klein excel at inciting emotion in the face of apathy and voicing disgust amid a world rapidly burning.

Transparent green vinyl. After an uncomfortably long five-year hiatus-likely spent arguing about time signatures, chord progressions, and who forgot to bring snacks to rehearsals-Glutton is finally back. The beloved (by at least a few people) trio is ready to unleash their questionable wisdom upon an unsuspecting world with their upcoming album: "Skiva heter Vishnu!" On their latest outing, Glutton boldly ditches vocals (likely realizing that nobody was really listening to their lyrics anyway) and commits fully to an instrumental format. This time around, it's only guitar, bass, and drums-because who needs keyboards or vocalists when you have enough distortion pedals and élan? Guitarist Eirik Orevik Aadland (Spurv), bassist Ola Mile Bruland (Actionfredag, Jordsjo), and drummer Jonas Eide Hollund (Mt. Mélodie) clearly didn't bother to consider commercial viability while crafting this sonic oddity, delivering tracks like "Hallux Valgus," "Orkensur," and "Rematusenogennatt" with absurd seriousness and delightfully misplaced confidence. Expect a reckless fusion of punk attitude, jazz complexity, and prog rock pretentiousness, presented with complete sincerity and zero self-awareness (well, almost zero). Each track is carefully constructed to give the illusion of a band deeply serious about their art, while simultaneously admitting that they may have no idea what they're doing. Whether you're a sophisticated music connoisseur with an ear for complexity, or just someone who enjoys pretending to appreciate weird music, Glutton's latest record promises to be precisely the type of organized hotchpotch you didn't realize your life was lacking. "Skiva heter Vishnu!" - because of course it does.

Whitney K returns with 'Bubble', his first album for Fire Records and follow-up to 2022's acclaimed 'Hard To Be A God'. Whitney K continue his migrant mind games, summoning up a series of intriguing characters, littered with everyday foibles and fantasies. Along the way, he pens a journal of possibilities as he travels further into transient America, touching on everything from bar room chatter, rumour and distortion to misinformation, daydreams, misunderstanding and self-realisation; with anecdotes lifted from the paperback in his back pocket and his half-forgotten past. 'Bubble' is a 13-part cerebral mystery that unravels on songs that bring to mind the gruff sentimentality of the late Kris Kristoferson, Lennon's 'Jealous Guy', Eels at their most troubled and the American Gothic sketches of David Ackles; the perfect soundtrack for a Raymond Carver book club. Recorded in Montreal, it's self-produced by band members Josh Boguski and Michael Halls at their home studio. This stripped back release is Whitney K's most raw yet refined work to date-an honest, sonically paradoxical collection that finds fresh possibilities in the familiar shapes of rock, pop, and folk with the same unfiltered energy and poetic gravity we have come to expect from this modern-day troubadour whose descriptive storytelling is filled with sketchy characters and rudimentary comment. RIYL Bill Callahan, Silver Jews, Leonard Cohen, Lou Reed, Cate LeBon, Kurt Vile, Wilco, MJ Lenderman, Waxahatchee, Cass McCombs, Giant Sand...

Die Black Lips sind mit einer 40-minütigen Rock'n'Roll-Odyssee quer durch die Genres zurück, bei der Garagenrock auf New-Wave-Pop trifft und verärgerter Country sich die Hand mit epischen Western-Soundtracks gibt. Das 14-Track-Album fängt die Energie und den Geist der frühen Black Lips ein und geht gleichzeitig neue Wege beim Songwriting. Das Album ist ein musikalisches Karussell, eine Trip mit straßengeschundenen Geschichten aus der Schattenseite eines lichtlosen Amerikas. Die Rahmung bildet "The Illusion", pt.I und II: eine Suche nach Hoffnung, Angst und Hass in einer Bar, die immer wieder von einem Gefühl der Resignation durchkreuzt wird: ,you reach for the sky / but it's an illusion". An anderer Stelle spielt sich "Wild One" wie ein Morricone-Taumel durch einen weiteren Tag in der Hölle ab. Ein Mantra für verkatertes, himmelschreiendes Klagelied zum Lob des Wilden im Herzen. "Tippy Tongue" zeigt, wie Black Lips den Soul der 60er-Jahre-Girlgroups aufgreifen, wie Shangri-Las oder Ronettes, die von Jayne/Wayne County infiltriert wurden, und ist eine Hommage an Buddha Records. "Kassandra" hat einen sonntäglichen Gitarrensound, der sich wie The Chocolate Watchband mit Zappa am Gesang durch immer wiederkehrende Salven schlängelt. "Zulu Saints" ist ein beschwingter Country-Hupf, ein Gute-Laune-Stück mit Bravour, gespickt mit Cole in einer ungläubigen Radio-Telefon-Show, der nach schwarzäugigen Erbsen sucht und an den Spielautomaten groß gewinnt. Für die Aufnahmen verschanzten sie sich in der idyllischen Umgebung von Schlagzeuger Oakleys neuem Sound At Manor Studio in den Catskills (das erste Album, das dort aufgenommen wurde, seit Oakley das Studio 2020 baute). In dieser idyllischen Umgebung entzog sich die Band dem Stadtleben und nahm ihre Musik analog auf Band auf - Teil ihres Bestrebens, Spontaneität zu leben und die Energie eines Live-Konzerts der Black Lips auf Platte einzufangen. Gelungen! "Simply masters in their field" NME" - Limitiertes, cremefarbenes Vinyl mit DLC sowie CD im Digisleeve

"DAVID BOWIE 6. I CAN’T GIVE EVERYTHING AWAY (2002 – 2016): Das Finale einer Ära
Am 12. September 2025 präsentiert Parlophone Records mit DAVID BOWIE 6. I CAN’T GIVE EVERYTHING AWAY (2002 – 2016) das sechste und finale Boxset, das Bowies Karriere von 2002 bis 2016 beleuchtet. Dieses umfassende Set ist als 13-CD-, Digital- und audiophiles 18-teiliges Vinyl-Boxset erhältlich.
Benannt nach dem bewegenden Schlusstitel von Bowies letztem Studioalbum ★ (BLACKSTAR), enthält die Box neu gemasterte Versionen seiner Alben Heathen, Reality, A Reality Tour, The Next Day und The Next Day Extra, sowie die Originalversionen von ★ (BLACKSTAR) und No Plan. Alle Remasterings entstanden unter Mitwirkung von Bowies langjährigem Co-Produzenten Tony Visconti.
Ein absolutes Highlight ist das bisher unveröffentlichte 31-Track Live-Set vom Montreux Jazz Festival aus dem Jahr 2002, das eine nahezu vollständige Performance von Bowies hochgelobtem Album Low beinhaltet. Dazu kommt Re:Call 6 mit 41 seltenen Non-Album-Tracks, B-Seiten und Soundtrack-Beiträgen, von denen viele erstmals auf CD oder Vinyl erhältlich sind.
Schon jetzt ist die „New Killer Star (Sessions @ AOL Live Version, 23.09.2003)“ als digitale Single verfügbar.
Die physischen Boxsets werden durch ein umfangreiches Begleitbuch ergänzt, das unveröffentlichte Notizen, Zeichnungen und handschriftliche Songtexte von David Bowie sowie seltene Fotos und Memorabilia enthält. Technische Anmerkungen von Tony Visconti und Design-Notizen von Jonathan Barnbrook runden den Inhalt ab. Die CD-Box bietet Mini-Vinyl-Reproduktionen der Originalalben mit goldfarbenen CDs, während die Vinyl-Box auf audiophilem 180g-Vinyl gepresst ist."

Ed Sheeran veröffentlicht sein neues Album "Play" - nachdem er das Kapitel seiner Mathematics-Reihe abgeschlossen hat, ist Ed Sheeran endlich zurück und wagt einen mutigen Schritt in eine neue Phase für 2025. Als Künstler, der für seine ständige Weiterentwicklung bekannt ist, erkundet er auf seinem neuesten Album erneut neues musikalisches Terrain. Dies geschieht durch die Zusammenarbeit mit Produzenten und Musikern aus der ganzen Welt. Gleichzeitig taucht er tiefer in die zeitlosen Klänge und Themen ein, die ihn zu einem der weltweit beliebtesten Popkünstler gemacht haben. Es ist ein lebendiger Beweis seiner Kunst, der sich aufregend und transformativ anfühlt, und verspricht, eines der prägendsten Alben des Jahres zu werden.

Everybody loves the vocal sound of Bob Marley. But what about the music that supports his songs? This album contains a variety of mostly instrumental remixes of well-known Bob Marley songs. An eclectic mix of names have put their personal stamp on some of Bob’s classic tunes with some Interesting results. Cypress Hill’s Sen Dog has taken on ‘African Herbsman’, while Sheep On Drugs have had a stab at ‘Don’t Rock My Boat’. These and many more versions will keep the head nodding at the very least.

Many have followed in her stiletto-heeled footsteps, yet there is, was and only ever will be one Marilyn Monroe. Amazing as it now seems, Hollywood’s greatest ever sex symbol enjoyed less than a decade at the peak of the acting profession. The movies she made and the iconic images they contained, such as the billowing skirt from The Seven Year Itch, remain staples of popular culture. Andy Warhol turned her image into pop art, but Marilyn’s ‘15 minutes of fame’ made an unprecedented impact. Music was another gift she left the world, and this collection of songs reminds us she could do much more than merely look good

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.