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Sascha Dives Brothers Yard returns in a fresh new package as RCM025, set for worldwide release via Rhythm Cult. Originally a standout on the labels vinyl-only series, this deep-house classic gets a well-deserved update with brand-new versions from Francesco Mami and YokOo, alongside an evolved take from Sascha himself.

By the end of the 1970s Linval Thompson had cut out a successful dual career for himself as both singer and producer. Naturally he moved in the dub field as well, getting further use out of rhythms he used in his other works. Dub had begun strictly as an album format with limited pressing runs for scene insiders, but it had swiftly gained the interest of the rank and file reggae buffs.

'Negrea Love Dub', originally released in 1978, is a cornerstone in the reggae dub scene.

Linval Thompson produced riddims which were laid at Channel One studio by The Revolutionaries – at the time a celebrated studio band led by drum and bass partners Sly Dunbar & Robbie Shakespear – and mixed at King Tubby's renown studio at 18 Dromilly Avenue in Kingston by Prince Jammy.

The sound of the ten dubs featured here is hypnotic and its effects are euphoric to say the least.

New Source presents a new release from Juan Barraco under his alias Bunda. On this four-track EP, Bunda builds a personal and physical journey through his distinctive take on contemporary club music. Rather than following trends, Bunda draws from deeper sources: Latin American rhythmic traditions, post-industrial energy, and a classical music-rooted instinct for improvisation. The result is a release that feels expressive, tactile, and refreshingly off-grid.

From the heavy percussion and orchestral flashes of “Dvořák’s New World” to the stripped-back, jazzy minimalism of “New Source,” each track offers a distinct mood and approach. “Frente en Alto” brings a sense of urgency with its forward-driving rhythm and subtle tension, while “Game Over” closes the release with a raw, broken groove and distorted textures aimed straight at the sweatier corners of the club.

It began with a cassette tape entitled 'Pleased To Meet You' gifted to us at Sessa's Fasching, Stockholm show by Yann Dardenne, the multi-tasking tour manager/sound engineer/producer/merch stall worker and co-owner of Seloki Records. On first listen, the selection of underground Brazilian artists from the Seloki's roster was superb, however, one song stopped us in our tracks. The hauntingly captivating ' GOSTO MEIO DOCE' by Nina Maia and Francisca Barreto, gave us a taste of Nina's ethereal, addictive voice and we knew we needed to hear more. Born in Minas Gerais but now based in Sao Paulo, the 22-year-old has already packed a lot into a relatively short space of time. The singer, songwriter, instrumentalist, and producer, has already collaborated on the soundtracks for six Brazilian feature films, including a track with the vocalists Maria Gadu, Iza, and Liniker. But things enter a new exciting era with this, her remarkable debut album entitled 'INTEIRA', which translates to English as 'whole'.

As much inspired by Billie Eilish and Rosalia, as Milton Nascimento and Toninho Horta and not sounding like other records coming out of Brazil, 'INTEIRA' is unique. Though rich in its Brazilian heritage, inspired by samba cancao, MPB, and the Clube da Esquina movement, it also channels influence from bands such as Portishead and Massive Attack, mixed with jazz, contemporary leftfield and electronic pop artists. Musically, it is not easily pigeonholed, with beautiful, well-crafted songs, sophisticated arrangements, eloquent vocals and intimate lyrics. Each track reflects different moments and stories from Nina's youth but with dialogues, feelings, and questions that span generations and resonate with all. This ambitious debut album is Nina's vision and sound, expressing herself without constraints and making music with her friends. Featuring a lineup of Thalin (drums), Valentim Frateschi (bass), Francisca Barreto (cello and vocals), Thales Hashiguti (viola and violin), Yann Dardenne (acoustic guitar and co-producer) and Nina on piano, Rhodes, guitar and production. The album led to a nomination in Paulista Association of Art Critics (APCA) award's 'Breakthrough Artist' category, who also listed 'INTEIRA' as one of the 50 best albums of 2024.

It also received support from Bandcamp Weekly and Jamz Supernova on BBC 6 Music. Released digitally by Seloki Records in Brazil in 2024, Mr Bongo in partnership with Seloki Records now present this new, deluxe worldwide edition that includes four additional songs. These comprise the brand-new exquisite 'MANHA', as well as an original twist on Vinicius de Moraes' classic 'Serenata Do Adeus'. Elsewhere you'll find a live recording showcasing Nina's remarkable energy on stage courtesy of 'DE DENTRO' and 'GOSTO MEIO DOCE' with the amazing musician/vocalist Francisca Barreto, where our whole story began. Here at Mr Bongo, we are honoured to release music by such a remarkable new talent - one whose musical trajectory is most certainly about to soar.

Lucrate Milk baigne dans le nihilisme et l’insouciance et aime jouer avec l’absurde, le culte de la provocation et de la dérision forcenée, la fascination morbide, la déviance et l’anormalité. Rajoutons une bonne dose de chaos, d’énergie trépidante et de déglingue pour produire un son bizarroïde… Le groupe disparaît en février 84 après un dernier concert en apothéose au Théâtre du Forum des Halles (Paris). C’est paradoxalement après l’arrêt du groupe que sa notoriété s’étend, notamment grâce au transfuge d’une partie de ses anciens membres au sein de Bérurier Noir. En 37 concerts, de salles glauques (avec baston générale) en squats autonomes, des bars et boîtes branchées (Pont∼à∼Mousson) aux festivals (Berlin, Paris…), une légende urbaine se crée autour de Lucrate Milk, devenant une référence sans avoir vraiment rencontré de succès populaire de son vivant…

Originellement paru en 1987, regroupant le EP “Lustiges Tierquartett” (octobre 1981) le EP “Nepla Relou” (mai 1983) la face “Lucrate” du split LP avec MKB Fraction Provisoire et enregistré chez WW (juillet 1983). Épuisé depuis trop longtemps lui aussi…

After their epic run with Channel One beginning in the mid 1970's, the Mighty Diamonds moved to producer Gussie Clarke for a string of albums starting in 1979 and running thru the 1980s. Among the many many great tunes from this run, the title track of their 1982 album "The Roots Is There" is simply one of the Diamond's best ever, and probably the most lyrically militant tune they ever made. This tune was never released as a single at the time, though new mixes were released as a single in 2017. But prior to the release of the album back in the day, this song was played on dubplate in a raw mix without the horns and added percussion that made it onto the final album mix. This raw vocal cut, followed by a raw instrumental version, changes the whole tone of the tune and brings it into another level of militancy right up there with the hardest stuff you can name, even in an era filled with so many extra tough stepping classics. Rather than remaster from an old dubplate, for this 45 we had producer Gussie Clarke and Music Works' close associate engineer Curtis Lynch go back to the original tapes, and with an original dubplate as reference, perfectly recreate the original raw cut, now released in pristine tape quality. Again we present this release on Music Works' original early 1980s dubplate label design, just like the original slate would have been adorned with. If you only know the sweet harmony side of the Diamonds, give this one a try to see their other tuff side, and listen to the lyrics, as relevant to the struggles of right now as they were in 1982.

Clement "Minkie" Moore's introduction to the music business came via his friend the great deejay U Roy. Back in the mid 1970s, Minkie and U Roy were both living in the Tower Hill area of Kingston, and U Roy was resident deejay on King Tubby's sound system. Minkie followed his friend and the sound, and occasionally U Roy let him hold the mic and deejay on Tubby's set. U Roy encouraged Minkie to take music more seriously, and with that encouragement, his first record "Wickedness" was made. Minkie got a cut of a rhythm from his friend the late Sydney Wilson, and voiced and mixed the rugged deejay tune "Wickedness" at King Tubby's studio. Sydney had earlier voiced this rhythm as a tune called "Why Do I Cry", but alongside "Wickedness", voiced it again with a new vocal called "Time Has Gone". In fact that tune and "Wickedness" share the same dub version. Clement continued to move in the music scene, next recording for Harry J's Jaywax label in 1979 with a tune called "Jah Is Real", as a duo named UNI-TONE along with his friend Denzil. Then in 1980, Clement revisited the great rhythm of "Wickedness", deciding to this time sing rather than deejay on the rhythm. He returned to Harry J studio, adding some choice new instrumental overdubs on the rhythm for this new cut, "Every Time I Do My Thing." In the decades since, astute roots collectors have honed in on this excellent rhythm and its several cuts, not least of all this pair of them by Mr. Clement "Minkie" Moore. It should be noted that in the manner of the day, other associates of Tubby's studio, Prophets Yabby You and Alric Forbes, also utilized this rhythm. Minkie's musical journey continued thru the 1980s, when he linked with American group Lambsbread, writing and performing on their second album which was recorded at Channel 1 in early 1987. In the 1990's Clement returned to self-production on his Allah label, in addition to cutting a 45 for Chinna Smith's High Times label. Nowadays Clement is still going strong, occasionally dropping new music like "Greedy", recorded at Bravo's Small World studio in downtown Kingston.

Clement "Minkie" Moore's introduction to the music business came via his friend the great deejay U Roy. Back in the mid 1970s, Minkie and U Roy were both living in the Tower Hill area of Kingston, and U Roy was resident deejay on King Tubby's sound system. Minkie followed his friend and the sound, and occasionally U Roy let him hold the mic and deejay on Tubby's set. U Roy encouraged Minkie to take music more seriously, and with that encouragement, his first record "Wickedness" was made. Minkie got a cut of a rhythm from his friend the late Sydney Wilson, and voiced and mixed the rugged deejay tune "Wickedness" at King Tubby's studio. Sydney had earlier voiced this rhythm as a tune called "Why Do I Cry", but alongside "Wickedness", voiced it again with a new vocal called "Time Has Gone". In fact that tune and "Wickedness" share the same dub version. Clement continued to move in the music scene, next recording for Harry J's Jaywax label in 1979 with a tune called "Jah Is Real", as a duo named UNI-TONE along with his friend Denzil. Then in 1980, Clement revisited the great rhythm of "Wickedness", deciding to this time sing rather than deejay on the rhythm. He returned to Harry J studio, adding some choice new instrumental overdubs on the rhythm for this new cut, "Every Time I Do My Thing." In the decades since, astute roots collectors have honed in on this excellent rhythm and its several cuts, not least of all this pair of them by Mr. Clement "Minkie" Moore. It should be noted that in the manner of the day, other associates of Tubby's studio, Prophets Yabby You and Alric Forbes, also utilized this rhythm. Minkie's musical journey continued thru the 1980s, when he linked with American group Lambsbread, writing and performing on their second album which was recorded at Channel 1 in early 1987. In the 1990's Clement returned to self-production on his Allah label, in addition to cutting a 45 for Chinna Smith's High Times label. Nowadays Clement is still going strong, occasionally dropping new music like "Greedy", recorded at Bravo's Small World studio in downtown Kingston.

One of our all time favorite New York dancehall tunes, finally back again. 20+ years ago, in a different era of reggae record collecting where there was little to no information to be found about so many '80s reggae records, the original 12 inch single of this one was a mythical tune among our set of friends. In fact this one was on the earliest DKR wish lists, but all good things take time. By now we expect most of our followers know Junior's digital masterpiece "Rampers Music", which we first issued in 2014, and is now back in stock. But this one is his earliest and first tune, a heavy piece of a rub a dub cut at Munchie Jackson's Sunshine Studio in the Bronx, with Jackie Mittoo at the helm of the session. The original 12 inch was self released by Junior on his own label in 1985, with one of our all time favorite label designs. The lyrics are a great snapshot of mid 80s New York, a nod to all those making their way, for better or worse, thru the posses and cliques of the Jamaican scene of the day.

4 track 12"; A-side two vocals, B-side vocal w/ version.
B-side is previously unreleased mixes/version.
Comes in Wackie's company sleeve.

Better-than-before new edition of our long out of press previous 10" from 2014, now with something extra. This release corrals three excellent vocals that originally appeared on a couple different compilations. For this new 12" release, with "Home To Africa", instead of the cut from "Wackie's Selective Showcase Vol. 1" LP as before, we have the tune in a different mix straight from the original session tape, plus a nice raw rhythm version, newly mastered by Bullwackie himself just for this re-release.

Rose Gray, Songwriterin, DJ und angehender Popstar aus London, veröffentlicht ihr Debütalbum via Play It Again Sam. Nach einer sehr umtriebigen Phase mit ersten Singles, einem Auftritt beim Glastonbury Festival und der Einführung ihrer eigenen Clubnacht, hat Rose Gray noch nicht genug und betitelt ihr Debüt vielsagend: 'Louder, Please'. Die Liste der Kollaborateure für das Album unterstreicht ihre Ambitionen umso mehr: Von Popgrößen wie Justin Tranter (Lady Gaga, Chappel Roan) und Zhone (Troye Sivan) bis hin zu Underground-Elektro-Helden wie Seda Bodega, Uffie und Alex Metric. Das Ergebnis: Ein kraftvoller und kompromissloser Dance-Pop Sound - absolut bereit für den Pop-Olymp.

- Ltd. Col. LP: (Pink Vinyl)

Fatal 1998 old tunes... Playable at any speed :) ahahah...

Musicians are free... And Deejay prooves it when they scratch as well as when they play the wrong speed :)

Kerala Dusts großartiges neues Album 'An Echo of Love' ist ein Paradebeispiel dafür, niemals stillzustehen. Im Mittelpunkt seiner musikalischen Hybridität - wo Artrock auf innovative Elektronik trifft und die warme Umarmung der Tanzfläche Raum für weite Ausblicke auf Americana, Wüstenblues und dämmrige Fahrten durch eine neonbeleuchtete Stadt lässt - steht ein Album, das die Möglichkeiten des ständigen Wandels lebt.

Es ist ein wunderbar wandelbares Album; eine rastlose Fusion, deren Bedeutung eher in Fragmenten als in etwas Festem oder Statischem liegt. Kurz gesagt: Es dreht sich alles um Dynamik. Dieses Gefühl der ständigen Bewegung spiegelt sich nicht nur in der wechselnden Besetzung der Band wieder - Keyboarder Tim Gardner und Schlagzeuger Pascal Karier sind Neuzugänge und gesellen sich zu den langjährigen Mitgliedern Edmund Kenny (Gesang und Elektronik) und Lawrence Howarth (Gitarre) -, sondern auch in den Orten, an denen das Album geschrieben und aufgenommen wurde. Die Sessions fanden in der Toskana, Austin, Berlin, Zürich und schließlich Rom statt. Für Sänger Edmund "existiert das Album in gewisser Weise an all diesen Orten". Im Oktober und September ist die Band auf GSA-Tour!

Baxter Dury meldet sich am 12. September mit seinem bisher radikalsten Album zurück: 'Allbarone', produziert von Paul Epworth (Adele, Florence & The Machine), ist ein schonungsloses, hochmelodisches und futuristisches Werk voller Charisma, Kritik und Charakter. Gemeinsam erschufen sie ein Album, das nicht wie eine Band klingt, sondern wie etwas völlig Eigenständiges - direkt, modern und mitreißend. Keine Kompromisse, keine Nostalgie - nur Baxter, neu gedach

Lithuanian electro flagship 5ZYL follows up his debut album with a dynamic remix EP, featuring a handpicked selection of top-tier artists from across Europe. Romphea, Calagad 13, Q100, Ement, John Patter, and Cport Cistema deliver diverse and electrifying reinterpretations, each adding a unique twist to the original tracks. From deep and driving grooves to high-energy bangers, this release is set to spice up dancefloors everywhere.

Inner Zone returns to space•lab with an immersive EP exploring the meeting point of deep techno and progressive minimalism, shadowy rhythms and spatial resonance.

Folded Realm opens the release with a hypnotic pulse, drawing from the darker edges of the Inner Zone sound with precision and restraint. Goa’s Kohra steps in on remix duties, transforming the original into a tunnelling techno weapon — dense, focused, and primed for the floor.

Spiral Form is a slow-burn evolution, unfolding in layers of submerged textures and flickering synth work. Closing the EP, Fallout breaks formation with a menacing, breakbeat-driven excursion through scorched sonic terrain.

2025 Repress

Die „Girls Gang Remixes“ 12“ wartet mit Clubversionen und Remixen von befreundeten Künstlern wie dem legendären DJ Hell, dem Dark-Disco-Allstar Damon Jee, dem italienischen Produzenten Phunkadelica und dem französischen Sänger und Filmkomponisten The Populists (alias Yan Wagner) auf. Ausserdem enthält sie noch Clubversionen von den beiden Singles „Promise Me feat. Curses“ und „Schall & Rauch“ und eine griechische Version von dem Sommerhit „Halkidiki“.

DJ Hell ist der Pate des Electroclash und Gründer des einflussreichen Labels International Gigolo Records. Helmut Geier steht seit vielen Jahrzehnten hinter den Decks und spielt entweder in den größten Clubs der Welt, auf riesigen Musikfestivals oder bei Laufstegshows für die angesagtesten Modemarken, neben der Produktion von Musik, der Schauspielerei in Filmen und dem Designen von Kleidung. Sein Extended Mix von FOMO (Fear Of Missing Out) ist eine krachende, genreübergreifende Reise durch Zeit und Raum. Eine neue Baseline, treibende Hihats, Live-Atmosphäre und ein druckvoller Kick heben den Track auf ein neues Level und machen ihn zu einer Waffe auf der Tanzfläche. Der aus Südfrankreich stammende Damon Jee ist eine Pionierfigur in der Dark-Disco-Szene. Mit über zwei Jahrzehnten Erfahrung in der elektronischen Musik hat der Dust & Blood-Labelbesitzer einen ganz eigenen Sound entwickelt. Er verwandelt „Girls Gang“ in eine Clubbombe, indem er seine charakteristische Big-Room-Energie einfließen lässt, einen epischen Break hinzufügt und die Vocals in eine andere Welt verzerrt. The Populists ist das cluborientierte DJ-Projekt des französischen Sänger-Produzenten, Gesaffelstein-Kollaborateurs und Filmkomponisten Yan Wagner. Seit 2014 veröffentlichte er EPs und Tracks auf Tastemaker-Labels wie Lumière Noire, Zone, Detriti, Ritmo Fatale & XXX. Auf seinem Remix von 'Disco Goth' kombiniert er entspannte Italo-Disco-Grooves mit New Beat Drums und verleiht dem Original ein ganz anderes Feeling.

Girls Gang wurde überragend aufgenommen und unter anderem Magazinen wie Rolling Stone, Mixmag, Musikexpress, Kulturnews, Visions, TAZ, Penthouse, Brigitte sowie Sonic Seducer (Album des Monats) und Orkus abgefeiert. Radiostationen wie KEXP, BBC Radio 1, Sunshine Live (Album der Woche), Radio Eins, Flux FM, WDR 1Live und Deutschlandfunk berichteten über das Album, das mittlerweile auf über 20.000 weltweite Radioeinsätze und mehr als 1 Million Streams kommt. Auch führende Online-Plattformen wie Spiegel Online, Plattentests (Album der Woche), Laut.de (Song der Woche) und Tonspion (#6 Album des Monats) lobten die Veröffentlichung in höchsten Tönen.

Format: Schwarzes Vinyl (140 g) mit alternativen & Clubversionen sowie Remixen von Damon Jee, DJ Hell, Phunkadelica & The Populists.

Erstmals auf Vinyl! Colossus of Destiny ist ein Doppel-Livealbum der Melvins, erschienen 2001 und aufgenommen am Freitag, dem 13. Dezember 1998, im Club Mangler in Cupertino, Kalifornien. Es bietet fast eine Stunde voller Synthesizer- und Sample-Experimente und endet mit der Performance des Songs Eye Flys. Der einstündige Track ist so aufgeteilt, dass er auf vier Vinylseiten passt.

There’s not many musical journeys that connect Sligo and Ibiza via Berlin, but this is the unique sonic path that Tiarnan McMorrow has been on in recent years. The Berlin-based Irish producer, also known as Spray, is now releasing new music under the Spriitzz alias. “Spray for the club, Spriitzz for the sunset,” he explains of the two monikers.

And Spriitzz’s debut track, ‘Where R U’, radiates the feeling of sunset from every second of its glistening run time. While it’s unquestionably a piece of uplifting, euphoric and hypnotic trance, it also has that beautifully, hazy, dreamy and woozy feeling that most perfectly captures the feeling of a night ending and a new day beginning. “When I wrote it I was in Ibiza,” he explains. “And I wanted to make something that sounded like it could have been on an Ibiza sunrise compilation CD. One of those one-off tracks by an artist you can’t find any other music by. It’s a bit of an ode to an old Ibiza that I romanticize that doesn’t really exist any more but I’m still always chasing when I visit.”

Metatone is a tonic-containing substance used to help restore health and vitality after illnesses or when you are feeling tired. A metaphor, which perfectly describes Ement's debut album - a mixture of peak-time electro/techno tunes spiced up with the modern traces of EBM, which perfectly fits clubs and festivals. It is a personal dancefloor experience materialization of a non-stop party rebel, who started his music production journey in the periphery and got inspired by his brother's hard dance production experiments. After an intensive exploration of the local and foreign club scene through years of intensive djing, remixing and never-ending afterhours, Ement finalized his recent definition of dance, which launches on the new co-curated PZ Records label.
An unexpected break and a long-lasting limbus of the dancefloor consumption turned out as a perfect slot to reveal one of many underestimated Lithuanian producers, who are too shy and too critical to themselves. It's no fiction, as "How Much Is Too Much" was already noticed and compiled by Dave Clark in his "Whitenoise" radio show.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

Die ehemaligen King-Crimson-Mitglieder Adrian Belew und Tony Levin haben sich mit dem Gitarrenvirtuosen Steve Vai und dem explosiven Tool-Schlagzeuger Danny Carey zusammengetan, um BEAT zu kreieren - eine kreative Neuinterpretation der drei kultigen King-Crimson-Alben der 80er Jahre: "Discipline", "Beat" und "Three of a Perfect Pair". Im Jahr 2024 spielte das Ensem-ble 65 (!) Shows in Nordamerika, bevor es 2025 mit einer ausgedehnten Tournee durch Mexiko und Südamerika weiterging. Nun wird in Zusammenarbeit mit InsideOutMusic/Sony Music das audiovisuelle Paket "Live" veröffentlicht, in dessen Mittelpunkt eine ausverkaufte Show in Los Angeles steht.Die von Bob Clearmountain abgemischte Show ist in drei verschiedenen Formaten erhältlich: als Special Edition 2CD+Blu-ray-Digipak, als Limited Deluxe 3LP-Triple-Gatefold und digital. Zusätzlich wird eine limitierte Deluxe 3CD+Blu-ray Artbook Edition erhältlich sein, die umfangreiche Fotos und eine zusätzliche 12-Track-CD mit dem Titel "Live in North America" enthält. Die Blu-ray enthält die komplette Show in Los Angeles in 5.1 Surround Sound und Stereo sowie Bonus-Interviews mit der Band.

Als Crushed machen die Musiker Bre Morell und Shaun Durkan maximalistische Dream-Pop-Musik für sich selbst. Sie nehmen in verschiedenen Wohnungen auf, ohne an einen bestimmten Ort gebunden zu sein (Morell aus Texas, jetzt in Los Angeles, und Durkan in Portland, Oregon), schreiben sie die Songs, die sie hören wollen, und stimmen sich dabei auf ihren gemeinsamen Geschmack (für Trip-Hop, Britpop, Electronica und den Kanon des alternativen Radios der 90er Jahre), ihr Verlangen nach Emotionalität und ihr Gespür dafür, wann es richtig und ehrlich klingt, ab; wann es für sie etwas Echtes bedeutet . Ihr Debütalbum verkörpert ihr Vertrauen zueinander und in ihr Handwerk. Ein ,No Scope"-Kill im Videospiel-Jargon wird erreicht, indem man aus nächster Nähe mit einem Scharfschützengewehr schießt, ohne das Ziel anzuvisieren - eine treffende Metapher für zwei Künstler, die ihren Pop-Impulsen folgen und aus der Hüfte schießen, aber mit Präzision. ,Es könnte auch bedeuten, keine Zukunft zu haben", scherzt Morell, ,vom Leben ohne Zielfernrohr getroffen zu werden." Die Realität des Scheiterns schwebt über den meisten kreativen Unternehmungen, vielleicht umso ausgeprägter, je weiter man in seinem Fachgebiet voranschreitet. Mehrere musikalische Leben und nächtliche Übertragungen haben Morell und Durkan zu diesem Projekt geführt. Und auf dem triumphalen ,no scope" nehmen sie die besten Schläge des Lebens mit ihrem stärksten Werk auf und setzen melodische, offenherzige Hooks in einem Labyrinth aus Breakbeats und gespleißtem Sounddesign mit beispielloser Unmittelbarkeit und Klarheit ein. Die nächste Stufe ist erreicht. no scope folgt auf ,extra life", die EP aus dem Jahr 2023, die eine Welle der Unterstützung auslöste und frühe Fans bei Pitchfork (,müheloser, großformatiger Dream Pop, der ruhig ist, ohne sentimental zu sein"), NPR (,...eine Gruppe, deren Musik, obwohl sie nur eine EP veröffentlicht hat, ein tiefes Gefühl für Ort und Zeit vermittelt") und Ghostly International, die die Band unter Vertrag nahmen und ,extra life" 2024 in einer erweiterten physischen Version zusammen mit Remixen der Bandfavoriten Real Lies und DJ Python veröffentlichten.

Hard Rock mit Haltung - SURRENDER THE CROWN melden sich mit Album Nr. 5 zurück!Mit TRAVAILS veröffentlicht die saarländische Hard-Rock-Formation SURRENDER THE CROWN am 19.09.2025 ihr fünftes Studioalbum. Die Band hat sich mit kraftvollem Modern Rock, emotionaler Tiefe und starker Bühnenpräsenz einen festen Platz in der deutschen Rocklandschaft erspielt. Nun präsentieren sie 12 neue Songs - druckvoll produziert, musikalisch gereift und thematisch tiefgründig.________________________________________Albumkonzept - Zwischen Dunkelheit und HoffnungDer Titel Travails (frz./engl. für Mühen, Plagen) ist Programm: Das Album thematisiert die dunklen Phasen im Leben - Ängste, Zweifel, Verluste - und wie wir ihnen begegnen. Der Titelsong umreißt die Botschaft des Albums klar: Wir entscheiden, ob uns das Leben bricht - oder ob wir daran wachsen. Travails ist ein Album, das nichts beschönigt, aber umso mehr ermutigt.________________________________________Singles & Pre-Order:• 18.07.2025 - Erste digitale Single "Toe The Line" veröffentlicht (Spotify, Apple Music, etc.)• 08.08.2025 - Zweite digitale Single + offizieller Pre-Order-Start für alle Formate________________________________________Highlight für Sammler: Colored Doppel-LPTravails erscheint in einer hochwertigen Gatefold-Colored-Doppel-LP. Exklusiv für den Fachhandel und echte Fans - ein Must-have für Sammler und Vinyl-Liebhaber.________________________________________Begleitend zum Release setzen wir auf umfassende Promo-Aktivitäten:- Print & Online-Pressearbeit (Fach- & Musikmedien)- Gezielte Social-Media-Kampagnen mit Fokus auf Rock- & Metal-Zielgruppen- Content-Promotion über Instagram, Facebook & YouTube________________________________________Für Fans von: Shinedown, Alter Bridge, Breaking Benjamin, Staind, Nickelback (früh)

Was hat es mit dieser ,Augendisko" auf sich? Man hat sofort ein Bild vor seinem geistigen Auge: funkelnd, glänzend, leuchtend, irgendwie speziell. Das passt auch ganz wunderbar. Dabei war der Auslöser für die ,Augendisko" vergleichsweise banal. Marcus Heider (als sein Alter Ego ,John Krempl" Kopf der Band) war nach dem letzten Album gezwungen, sich mehreren Augenoperationen auszusetzen. An sich eine natürlich unangenehme, aber letztlich auch seltsame und fast überirdische Erfahrung. Wie beschreibt man das Flimmern und die Farben, die vor einem tanzen, wenn man im Dämmerzustand auf dem OP-Tisch liegt? Richtig, ,Augendisko" trifft es am besten. Die ,Augendisko", die dem Album seinen Titel gibt, ist ein Sehnsuchtsort - bizarr, bunt, vielfältig wie die Musik. Und das Geheimnis rund um die Augenklappe von John Krempl haben wir nun auch gelüftet. Es ist kein modisches Accessoire, sondern eine Notwendigkeit bei der Real Life Bildschirmarbeit und somit willkommener Teil des Bühnenoufits. Songs: Wir treffen uns in der ,Augendisko", eine ungestüme und hymnische Rocknummer, die auf ein furioses Bass-Schlagzeugfinale zusteuert. ,Johnny gegen den Rest der Welt" ist ein Streifzug durch das Leben von Johnny, dem Protagonisten vieler Love God Chaos-Songs. Der bisher längste Love God Chaos-Song ist aufbereitet wie eine üppige, ungewöhnliche und überraschende Netflix-Serie, getragen vom Czech Film Orchestra. Der wohl bisher thematisch ungewöhnlichste Song in der Karriere der Grazer Band ist ,Im Kopf von Lisa Eckhart". Ein dunkles und groovendes Lied, das weniger Hommage sein will, sondern eher eine Unterstellung ist. Wer weiß schon, was in den Köpfen anderer vor sich geht? Egal, Hauptsache es ist ,alles wunderbar". ,Bistro d'Amour" ist eine schelmische Abrechnung mit den Ex-Freunden von Johnnys Liebster. Was tun, wenn gar nichts mehr hilft? Love God Chaos empfehlen ,Mach dein Voodoo". Nach der lässigen und zugänglichen Nummer geht es weiter mit ,Muss das so laut sein". Ein Satz, den wohl jede Musikerin und jeder Musiker schon mal gehört hat. ,Hoffentlich Henri" ist ein opulentes Weltraumepos, das abhebt und sich mit einem Textzitat vor den Größten verbeugt. Der Schluss hat es nochmal in sich. ,Alle gehen, keiner bleibt" beginnt folkig und mit luftigen Harmonies, ufert aber letztlich aus. Ein Song wie eine Matrjoschka, überraschend bis zum Schluß

Ocean Grove ist eine elektrisierende Kraft in der Welt der harten Musik, die Elemente aus Nu-Metal, Hardcore und Alternative Rock vermischt, um einen Sound zu kreieren, der einzigartig ist: Oddworld Music. OG, ein eklektisches Trio von Außenseitern aus Melbourne, Australien, ist mit seiner dynamischen und genreübergreifenden Herangehensweise an Musik schnell bekannt geworden. Seit ihrer Gründung hat OG das Publikum mit ihren energiegeladenen Auftritten und mitreißenden Melodien in seinen Bann gezogen und sich so eine treue Anhängerschaft auf der ganzen Welt erworben. Mit Einflüssen von Korn, N.E.R.D. und Faith No More schaffen OG ein Klangerlebnis, das sowohl instinktiv ist als auch zum Nachdenken anregt. Während sie weiterhin die Grenzen ihres Handwerks verschieben, bleiben OG an der Spitze der alternativen Musikszene und inspirieren das Publikum mit ihrer furchtlosen Kreativität und ihrem unerschütterlichen Engagement für künstlerische Integrität. Mit jeder neuen Veröffentlichung trotzen sie den Erwartungen und festigen ihre Position als eine der innovativsten und überzeugendsten Bands ihrer Generation.

Zwei Garagen-Generationen treffen aufeinander! Reverend Beat-Man, das Schweizer Ein-Mann-Orchester und der König des Blues Trash, trifft auf Milan Slick, eine echt dunkle Seele und vielleicht Reinkarnation von Nick Cave (ach, noch zugegen)/Johnny Thunders, um Rock'n'Roll zu spielen, der so frisch und lebendig, wild und düster ist wie nie zuvor. Reverend Beat-Man und Milan Slick lernten sich 2020 inmitten der Pandemie kennen, als sie einen Soundtrack für den Vampirfilm "A Girl Walks Home Alone at Night" von Ana Lily Amirpour schrieben. Zusammen spielten sie Gigs bei Super Sonic Records oder im legendären SO36 in Berlin, um dann gemeinsam mit Beatrice Graf und Benjamin Glaus ein Album unter dem Namen "Reverend Beat-Man & The Underground" zu produzieren (im Rahmen des Rocklette PALP Festivals), eine makabre Tanzparty zum Untergang der Menschheit. Als Nächstes nahmen der superprimitive Rock 'n` Roll-Trash-Hi-Energy-Lo-Fi Reverend Beat-Man und der raffinierte, clevere, verspielte und düstere Milan Slick ihr erstes gemeinsames Album im ehemaligen Züri West Studio mit Sebastian Zwahlen und dem einzigartigen Robert Butler von Miracle Workers auf. Reverend Beat-Man ist eigentlich eine Ein-Mann-Band mit einer Mission: Blues-Trash und wilden Rock'n'Roll. Geboren 1967 in Bern, Schweiz, im Sommer der Liebe und des Hasses, ist er seit 1992 auf Tour, zuerst als Lightning Beat-Man, dann als Reverend Beat-Man One-Man-Band und mit seiner Band The Monsters. Er spielte in ganz Europa, Nord- und Südamerika, Japan, Vietnam, Neuseeland, Australien, Afrika, CBGBs, Montreux Jazz, Muddy Roots usw. Er ist der Gründer von Voodoo Rhythm Records (1992). Wäre er Politiker, würden ihn sogar seine Feinde respektieren (die Regierung). Er wurde 2014 für den Schweizer Musikpreis nominiert, gewann den lokalen Musikpreis als einflussreichster Musiker in Bern (Hauptstadt der Schweiz) und betreibt dort einen Platten- und Souvenirladen. Der Singer-Songwriter Milan Slick (Jahrgang 2004) steht noch ganz am Anfang seiner Karriere, hat aber bereits mit namhaften Künstlern wie Mario Batkovic oder Birdman Jäggi oder seiner eigenen Band Fatigues zusammengearbeitet. In seiner Musik sind Einflüsse von u.a. Nick Cave bis David Bowie zu hören, aber auch, dass sich eine eigenwillige junge Stimme herauskristallisiert, von der wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden. Als Classic Black or limitiertes Glow In The Dark Vinyl, jeweils mit vierseitigem A4-Insert & DLC, Digisleeve-CD, Kassette sowie Tonband mit Extras erhältlich!

Zwei Garagen-Generationen treffen aufeinander! Reverend Beat-Man, das Schweizer Ein-Mann-Orchester und der König des Blues Trash, trifft auf Milan Slick, eine echt dunkle Seele und vielleicht Reinkarnation von Nick Cave (ach, noch zugegen)/Johnny Thunders, um Rock'n'Roll zu spielen, der so frisch und lebendig, wild und düster ist wie nie zuvor. Reverend Beat-Man und Milan Slick lernten sich 2020 inmitten der Pandemie kennen, als sie einen Soundtrack für den Vampirfilm "A Girl Walks Home Alone at Night" von Ana Lily Amirpour schrieben. Zusammen spielten sie Gigs bei Super Sonic Records oder im legendären SO36 in Berlin, um dann gemeinsam mit Beatrice Graf und Benjamin Glaus ein Album unter dem Namen "Reverend Beat-Man & The Underground" zu produzieren (im Rahmen des Rocklette PALP Festivals), eine makabre Tanzparty zum Untergang der Menschheit. Als Nächstes nahmen der superprimitive Rock 'n` Roll-Trash-Hi-Energy-Lo-Fi Reverend Beat-Man und der raffinierte, clevere, verspielte und düstere Milan Slick ihr erstes gemeinsames Album im ehemaligen Züri West Studio mit Sebastian Zwahlen und dem einzigartigen Robert Butler von Miracle Workers auf. Reverend Beat-Man ist eigentlich eine Ein-Mann-Band mit einer Mission: Blues-Trash und wilden Rock'n'Roll. Geboren 1967 in Bern, Schweiz, im Sommer der Liebe und des Hasses, ist er seit 1992 auf Tour, zuerst als Lightning Beat-Man, dann als Reverend Beat-Man One-Man-Band und mit seiner Band The Monsters. Er spielte in ganz Europa, Nord- und Südamerika, Japan, Vietnam, Neuseeland, Australien, Afrika, CBGBs, Montreux Jazz, Muddy Roots usw. Er ist der Gründer von Voodoo Rhythm Records (1992). Wäre er Politiker, würden ihn sogar seine Feinde respektieren (die Regierung). Er wurde 2014 für den Schweizer Musikpreis nominiert, gewann den lokalen Musikpreis als einflussreichster Musiker in Bern (Hauptstadt der Schweiz) und betreibt dort einen Platten- und Souvenirladen. Der Singer-Songwriter Milan Slick (Jahrgang 2004) steht noch ganz am Anfang seiner Karriere, hat aber bereits mit namhaften Künstlern wie Mario Batkovic oder Birdman Jäggi oder seiner eigenen Band Fatigues zusammengearbeitet. In seiner Musik sind Einflüsse von u.a. Nick Cave bis David Bowie zu hören, aber auch, dass sich eine eigenwillige junge Stimme herauskristallisiert, von der wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden. Als Classic Black or limitiertes Glow In The Dark Vinyl, jeweils mit vierseitigem A4-Insert & DLC, Digisleeve-CD, Kassette sowie Tonband mit Extras erhältlich!

Zwei Garagen-Generationen treffen aufeinander! Reverend Beat-Man, das Schweizer Ein-Mann-Orchester und der König des Blues Trash, trifft auf Milan Slick, eine echt dunkle Seele und vielleicht Reinkarnation von Nick Cave (ach, noch zugegen)/Johnny Thunders, um Rock'n'Roll zu spielen, der so frisch und lebendig, wild und düster ist wie nie zuvor. Reverend Beat-Man und Milan Slick lernten sich 2020 inmitten der Pandemie kennen, als sie einen Soundtrack für den Vampirfilm "A Girl Walks Home Alone at Night" von Ana Lily Amirpour schrieben. Zusammen spielten sie Gigs bei Super Sonic Records oder im legendären SO36 in Berlin, um dann gemeinsam mit Beatrice Graf und Benjamin Glaus ein Album unter dem Namen "Reverend Beat-Man & The Underground" zu produzieren (im Rahmen des Rocklette PALP Festivals), eine makabre Tanzparty zum Untergang der Menschheit. Als Nächstes nahmen der superprimitive Rock 'n` Roll-Trash-Hi-Energy-Lo-Fi Reverend Beat-Man und der raffinierte, clevere, verspielte und düstere Milan Slick ihr erstes gemeinsames Album im ehemaligen Züri West Studio mit Sebastian Zwahlen und dem einzigartigen Robert Butler von Miracle Workers auf. Reverend Beat-Man ist eigentlich eine Ein-Mann-Band mit einer Mission: Blues-Trash und wilden Rock'n'Roll. Geboren 1967 in Bern, Schweiz, im Sommer der Liebe und des Hasses, ist er seit 1992 auf Tour, zuerst als Lightning Beat-Man, dann als Reverend Beat-Man One-Man-Band und mit seiner Band The Monsters. Er spielte in ganz Europa, Nord- und Südamerika, Japan, Vietnam, Neuseeland, Australien, Afrika, CBGBs, Montreux Jazz, Muddy Roots usw. Er ist der Gründer von Voodoo Rhythm Records (1992). Wäre er Politiker, würden ihn sogar seine Feinde respektieren (die Regierung). Er wurde 2014 für den Schweizer Musikpreis nominiert, gewann den lokalen Musikpreis als einflussreichster Musiker in Bern (Hauptstadt der Schweiz) und betreibt dort einen Platten- und Souvenirladen. Der Singer-Songwriter Milan Slick (Jahrgang 2004) steht noch ganz am Anfang seiner Karriere, hat aber bereits mit namhaften Künstlern wie Mario Batkovic oder Birdman Jäggi oder seiner eigenen Band Fatigues zusammengearbeitet. In seiner Musik sind Einflüsse von u.a. Nick Cave bis David Bowie zu hören, aber auch, dass sich eine eigenwillige junge Stimme herauskristallisiert, von der wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden. Als Classic Black or limitiertes Glow In The Dark Vinyl, jeweils mit vierseitigem A4-Insert & DLC, Digisleeve-CD, Kassette sowie Tonband mit Extras erhältlich!

Lizkis zweites Album 'Losing Grip in a Chaotic World' macht schwere Themen mit Pop-Appeal etwas leichter.
Schon der Opener überrascht mit funkelnd-fröhlicher, tanzbarer Popmusik, die klarmacht, dass wenn schon untergegangen werden muss, dann gefälligst mit fliegenden Fahnen. So geht es weiter, wenn auch inhaltlich nicht gerade leichte Kost verhandelt wird, etwa Selbstzweifel 'Bit My Lips', 'Water' und -findung 'In Between', Liebe 'Back Out Alive', 'Wicked Way', 'Happiest Girl' und wie man trotzdem glücklich wird 'Rigged Game', 'Something Good'. Es treiben die Beats, die Synths zirpen und quietschen, der Bass rollt, die Hooks brennen sich in den Frontallappen und das alles wird zusammengehalten von Lizkis klassisch ausgebildeter Stimme, die manchmal gerne etwas ins Theatralische abgleitet, wie um klarzumachen, dass es dann mal genug ist mit Zusammenreißen und In-sich-Reinfressen.

Mit Aura Reworks präsentiert die japanische Vokalistin Hatis Noit eine außergewöhnliche Neuinterpretation ihres gefeierten Debütalbums Aura (2022). Acht internationale Künstler:innen - darunter Laraaji, Armand Hammer, William Basinski, Matthew Herbert, Alex Somers und Jlin - verleihen den Originalstücken neue klangliche Dimensionen zwischen Ambient, Electronica und Avantgarde. Die Ltd. Edition Translucent LP (First Pressing) erscheint in einer hochwertigen Pressung mit Download-Code - ein Sammlerstück für Liebhaber:innen experimenteller Klangkunst. Jeder Track ist eine eigenständige Transformation: Laraaji eröffnet mit einer meditativen Version von "Aura", Matthew Herbert verwandelt "Thor" in ein schamanisches Clubritual, während Armand Hammer und Preservation "Jomon" in ein politisch aufgeladenes Klanggedicht überführen. Besonders bewegend: William Basinskis Rework von "Inori", das mit Fieldrecordings aus Fukushima unterlegt ist - aufgenommen nahe dem Ort der Nuklearkatastrophe von 2011. Hatis Noit stammt aus Shiretoko, Hokkaido, lebt heute in London. Ihr Name - "Stiel der Lotusblume" - symbolisiert die Verbindung zwischen Leben und Jenseits. Diese Dualität durchzieht auch Aura Reworks: Vergangenheit und Gegenwart, Stimme und Stille, Ritual und Experiment. Ein intensives, emotionales Album - limitiert, hochwertig und klanglich einzigartig.

Formed in Brussels in 2017, Milk TV has drunk from many sources, quenching an enormous thirst for inspiration to create a singular universe, imbued with nostalgia and cynicism towards Anglo-Saxon pop culture. That of cheap TV programs, giant milk bottle ads, but above all of the underground, from New York no-wave to the Californian noise scene. With "NEO GEO", a new album on Brussels label EXAG' Records, the trio take their music to even more versatile playgrounds, an art-rock kaleidoscope, perhaps more intuitive and effective than its predecessor. While the band's trademark bass chorus and jerky rhythms with a hint of exotica are still present, some tracks give way to a more punky, immediate energy.

Cate Le Bons siebtes Album 'Michelangelo Dying', dessen Entstehung von purer Emotion geleitet wurde, hat das Album, das sie zu machen glaubte, verdrängt. Als Produkt eines alles verzehrenden Herzschmerzes überwanden ihre Gefühle ihren Widerwillen, ein Album über die Liebe zu schreiben, und wurden in diesem Prozess zu einer Art Exorzismus. Herausgekommen ist ein wunderbar schillernder Versuch, eine Wunde zu fotografieren, bevor sie sich schließt - und dabei auch in ihr zu stochern.

Musikalisch gibt es eine Fortsetzung und Erweiterung eines Sounds - eine Maschine mit Herz -, der auf ihren letzten beiden Platten 'Reward' (2019) und 'Pompeii' (2022) Gestalt angenommen hat, da Le Bon zunehmend selbst die Kontrolle über das Spielen und Produzieren übernommen hat. Wenn Gitarren und Saxophone durch Pedale gepresst und Perkussion und Stimmen durch Filter gejagt werden, entsteht ein schillernder, grüner und seidiger Sound, in dem die künstlerischen Eigenheiten von David Bowie, Nico, John McGeoch und Laurie Anderson aufblitzen und wieder verschwinden.

Was übrig bleibt, ist eine sich ständig verändernde, kontinuierliche Einheit, eine Art Songzyklus. Jede Iteration reflektiert die letzte und entwickelt sie weiter. „Jede ist eine Scherbe desselben zerbrochenen Spiegels“: Sie verschiebt sich, glitzert, verbirgt und enthüllt, je nachdem, wie sie im Licht gedreht wird. Letztendlich gibt es, so Cate, „keine Enthüllungen. Keine Schlussfolgerungen. Es gibt keinen Grund. Es gibt nur Wiederholungen und Chaos. Ich habe mir schließlich erlaubt, einen offenen Geist zu haben, um es ohne Widerstand zu erleben, ohne nach einer Offenbarung oder Ordnung zu suchen.“

'Michelangelo Dying' ist eine Übung in der Viszeralität des Lebens, der Liebe und der Menschlichkeit, sowohl für den Hörer als auch für die Künstlerin selbst, und es weiß, was es heißt Halt zu geben, gehalten zu werden aber auch sich ganz und gar allein zu fühlen. „Die Figuren sind austauschbar“, schließt Cate, „aber am Ende bin ich es, der sich selbst begegnet.“

- LP: (Vollfarbige Hülle, 140g schwarzes Vinyl, bedruckte Innenhülle und Download-Karte)

As if cosmically enacted, Neko Case breaks to the surface once again with the new album Neon Grey Midnight Green and reminds listeners that she is one of our greatest living songwriters - perpetually becoming more fearless and adventurous. Arriving September 26, the GRAMMY-nominated iconoclast"s ninth LP is self-produced and her biggest-sounding and most intimate-feeling release yet.

As if cosmically enacted, Neko Case breaks to the surface once again with the new album Neon Grey Midnight Green and reminds listeners that she is one of our greatest living songwriters - perpetually becoming more fearless and adventurous. Arriving September 26, the GRAMMY-nominated iconoclast"s ninth LP is self-produced and her biggest-sounding and most intimate-feeling release yet.

This Town. So lautet der Titel des lang erwarteten Debütalbums der österreichischen Rockband JUSSEL. Auf elf Songs breitet das Quartett mit Sitz in Wien ein Klangspektrum aus, das hörbar in der Soundästhetik der 70er verwurzelt ist. Der Blick ins Innere prägt die Songtexte genauso wie die Rolle des Betrachters unserer Zeit. Mit Elementen des Space-Rock, Singer-Songwriter-Einlagen, Soul, Rock & Roll, ja selbst mit Gospelpassagen bepflügen JUSSEL ihr musikalisches Feld, ohne dabei auf Stilsicherheit und Kohärenz zu vergessen. Während Artwork und Cover die Fragilität unserer Welt veranschaulichen, lassen JUSSEL auf This Town in musikalischer Hinsicht keine Zweifel aufkommen. Diese Band ist gekommen, um zu bleiben.

Millénium, a cry for life, a dance on hot coals, a punch of hope in the face of the world. After a gold record, two nominations for the Victoires de la Musique awards (winner of the new live talent award) and more than 450 concerts, Suzane returns with Millénium. A true mirror of our times, she explores the excesses of an ultra-connected world, the struggles of a generation in search of meaning, and the fragile beauty of humanity in the face of machines. With her sharp pen, her unique voice and her powerful yet poetic electro sound, Suzane has created a bold masterpiece, somewhere between rebellion and hope.

RELEASE INFO: „Altar“ auf 12-Zoll-Vinyl aus recyceltem schwarzem Vinyl mit bedruckter Innenhülle. „Altar“ ist das zweite Album von „Irlands nächster großer Gitarrenband“ und das dritte Album ihrer produktiven Frontfrau Julie Dawson in weniger als zwei Jahren. Es ist ein grungiger Alternative-Rock-Klassiker der Zukunft, der zwischen wütenden Hymnen auf der einen Seite und düster-intimen, melancholischen Selbstreflexionen auf der anderen Seite hin- und herpendelt. Mit ihrem gefeierten Debütalbum „Madra“ haben sie sich eine treue Fangemeinde aufgebaut, und wenn sie gut genug für den Godfather of Goth sind, sind sie auch gut genug für dich... „Ich mochte das NewDad-Album, das habe ich lange Zeit in meinem Auto gehört“ (Robert Smith). MARKETING Umfassende Marketingkampagne mit Fokus auf Digitalmarketing. DE-Shows in Hamburg und Berlin Anfang Oktober.

SEOUL, 9. November 2015 – Am Freitagmorgen stürmten Käufer in ganz Südkorea in die Plattenläden, um
das Debüt-Livealbum des nur 17 Tage zuvor preisgekrönten jungen Pianisten Seong-Jin Cho bei Deutsche
Grammophon zu kaufen. Die Geschäfte öffneten an diesem Tag früher, um der Nachfrage gerecht zu
werden, und nationale Fernsehteams filmten die beispiellosen Szenen.
Zehn Jahre später ist Cho ein Weltstar, der die großen Konzerthäuser rund um den Globus ausverkauft.
Doch sein Chopin Piano Competition Winners Album, mit dem der junge Koreaner über Nacht berühmt
wurde, gab es auf Vinyl bislang nur in Korea, und wurde dort nach dem ursprünglichen Release zum
gefragten Sammlerstück.
Zum zehnjährigen Jubiläum seines Sieges beim Chopin Klavierwettbewerb veröffentlicht Deutsche Grammophon nun erstmals eine internationale Version der LP, mit einem neuen audiophilen Half-Speed Master
aus den Emil Berliner Studios und einem neuem Artwork mit großer DG-Kartusche.

Wolfgang Muthspiel und sein Trio mit Scott Colley am Bass und Brian Blade am Schlagzeug („Zusammen haben sie etwas von der Empathie des Bill Evans Trios“ – Downbeat) starten mit einer feinfühligen
Interpretation von Keith Jarretts „Lisbon Stomp“ swingend in ihr drittes Aufnahmeprojekt, die vielleicht
abenteuerlichste Trio-Aufnahme der Gruppe. Auf dem gesamten Album richten der österreichische Gitarrist
und seine amerikanischen Mitstreiter das Augenmerk jedoch auf Muthspiels fesselnde Eigenkompositionen,
die lyrische Balladen („Pradela“, „Traversia“), subtile Folk-Einflüsse („Strumming“, „Flight“) sowie leicht
angeschrägten Kammerjazz („Weill You Wait“) und twangy Rock ’n’ Roll („Roll“) umfassen. Wie gewohnt
wechselt Muthspiel fließend zwischen akustischer und elektrischer Gitarre und präsentiert seinen sanften
Anschlag und seine fließenden Linien in einem Programm, das die gesamte Bandbreite des idiomatischen
Spektrums zu umfassen scheint, das er in den letzten Jahrzehnten entfaltet hat. Mit einer raffnierten
Interpretation von Paul Motians „Abacus“ als Finale des Albums schließt Muthspiel eine große Lücke in
der Geschichte des Jazz und von ECM. Das Album ist nach der japanischen Hauptstadt benannt, wo es
im Oktober 2024 aufgenommen wurde. Tokyo wurde im Februar 2025 in München abgemischt, und von
Manfred Eicher produziert.

Millénium, a cry for life, a dance on hot coals, a punch of hope in the face of the world. After a gold record, two nominations for the Victoires de la Musique awards (winner of the new live talent award) and more than 450 concerts, Suzane returns with Millénium. A true mirror of our times, she explores the excesses of an ultra-connected world, the struggles of a generation in search of meaning, and the fragile beauty of humanity in the face of machines. With her sharp pen, her unique voice and her powerful yet poetic electro sound, Suzane has created a bold masterpiece, somewhere between rebellion and hope.

Globale Ikone. Rekordbrecherin. Stimmgewaltige Sängerin. Mit "Here For It All" kehrt Mariah Carey zurück. Das mit Spannung erwartete 16. Studioalbum ist ihr erstes full-length Projekt seit "Caution" aus dem Jahr 2018.

Von den Fans als "MC16" gefeiert, ist "Here For It All" ein mutiges, genreübergreifendes Werk, das alle Epochen von Mariah in die Gegenwart holt. Auf elf Tracks präsentiert sie ihr einzigartiges Spektrum als Sängerin, Songwriterin und Produzentin und verbindet Gospel, R&B, Hip-Hop und Pop mit prächtigen Harmonien, pointierten Texten und dem unverkennbaren Flair, das nur Mariah Carey bieten kann.
Angeführt von der erfolgreichen Single "Type Dangerous", die in die Billboard Hot 100 einstieg und die Spitze der Billboard R&B/Hip-Hop Digital Charts erreichte, ist "Here For It All" mehr als nur ein Comeback. Es ist eine Erinnerung an Mariahs Brillanz und ein kraftvolles neues Kapitel einer der gefeiertsten Künstlerinnen der Musikgeschichte.

Reissue

Spanish label MATE always deals in house that is deep but seriously musical and classy. Glenn Davis is next up to keep that tradition going and does so with spine-tingling vocal soul on opener 'To Believe,' which taps into classic early Chicago sounds. 'Reality Check' is a balmy follow up with painterly synths and persuasive stabs, while 'True To Yourself' rides on a gentle broken beat with Italo piano chords adding a retro 90s feel. Completing the trip is the deep space odyssey 'Don't Be Misled', which is infused with glowing, golden chords and super soft and fluffy acid modulations.

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Brand new vinyl from The East Coast Affair. Produced by Stephen Fleg aka DJ Fleg. Featuring an all-star lineup of musicians, these are certified instant classics!

Mit Faust erschien 1971 eines der kompromisslosesten Debütalben der Musikgeschichte - ein Werk, das bis heute als Grundstein des Krautrock gilt. Jetzt wird dieses legendäre Album von Bureau B neu aufgelegt - roh, radikal und visionär wie eh und je. Was als Suche nach einer deutschen Antwort auf die Beatles begann, wurde zu einem anarchischen Klangexperiment: In einem umgebauten Schulhaus in Wümme lebte und arbeitete die Band wie in einer Kommune - mit selbstgebautem Studio, völliger kreativer Freiheit und einem Hang zum Kontrollverlust. Das Ergebnis: ein Album, das mit Tape-Loops, Improvisation, Dada-Collagen und Noise-Elementen die Rockmusik dekonstruiert und neu zusammensetzt. Tracks wie "Why Don"t You Eat Carrots" oder "Miss Fortune" sind keine Songs im klassischen Sinn, sondern klanggewordene Manifeste - roh, verspielt, politisch, poetisch. Faust ist ein Meilenstein für Fans von Avantgarde, Post-Rock, Industrial und experimenteller Elektronik - und ein faszinierendes Zeitdokument aus einer Ära des musikalischen Aufbruchs.

Mit Faust erschien 1971 eines der kompromisslosesten Debütalben der Musikgeschichte - ein Werk, das bis heute als Grundstein des Krautrock gilt. Jetzt wird dieses legendäre Album von Bureau B neu aufgelegt - roh, radikal und visionär wie eh und je. Was als Suche nach einer deutschen Antwort auf die Beatles begann, wurde zu einem anarchischen Klangexperiment: In einem umgebauten Schulhaus in Wümme lebte und arbeitete die Band wie in einer Kommune - mit selbstgebautem Studio, völliger kreativer Freiheit und einem Hang zum Kontrollverlust. Das Ergebnis: ein Album, das mit Tape-Loops, Improvisation, Dada-Collagen und Noise-Elementen die Rockmusik dekonstruiert und neu zusammensetzt. Tracks wie "Why Don"t You Eat Carrots" oder "Miss Fortune" sind keine Songs im klassischen Sinn, sondern klanggewordene Manifeste - roh, verspielt, politisch, poetisch. Faust ist ein Meilenstein für Fans von Avantgarde, Post-Rock, Industrial und experimenteller Elektronik - und ein faszinierendes Zeitdokument aus einer Ära des musikalischen Aufbruchs. Erstmals als weiße limitierte Vinyl-Edition

Zum 25-jährigen Jubiläum präsentieren Lowrider eine überragende Neuauflage ihres unschlagbaren Debütalbums "Ode to Io", der absoluten Blaupause für die Post-Kyuss-Stoner-Rock-Bewegung. 25 Jahre nach der Erstveröffentlichung am 19. September 2000 erscheint diese Sonderausgabe des Wüstenrock-Klassikers auf wunderschönen silber/schwarz/weißen Doppel-Vinyl mit bisher unveröffentlichten Fotos, Essays und Linernotes der Band und einem prächtig aktualisierten, silberdurchwirkten Design als Hommage an eine der Gründungssäulen des Wüstenrocks zu ihrem silbernen Jubiläum. 25th Anniversary-Ausgabe des Stoner-Rock-Klassikers mit Extras: - Deluxe Doppel-LP in Klappcover als Silber/Schwarz/Weiß Merge Vinyl - Aktualisiertes Sleeve Art: kommt im exklusivem Silver Jubilee silber Cover-Artwork - Enthält bisher unveröffentlichte Fotos, Essays und Notizen der Band auf 4seitiger Beilage Für Fans von Kyuss, Dozer, Truckfighters, Greenleaf, Witchcraft und Graveyard... LOWRIDER ist DIE europäische Wüstenrock-Band

15 Years Of Dame-Music Vol. 3 marks the final chapter in a celebratory trilogy from the label, closing out a decade and a half of fearless sonic exploration.

True to form, Vol. 3 delivers a curated cross-section of techno, electro, and acidic dancefloor pressure, each track a statement, each artist a pillar of the underground.
From outer space techno to basement electro, this record is a testament to the label’s enduring influence and unrelenting spirit, with six standout cuts from across the techno and electro spectrum which inc. artists such as Dr Smoke (aka Oscar Mulero), DJ MELL G, Millimetric, Alienata, Delectro and label head Bloody Mary.

KIPPE makes his debut release with "To The Lost Ones". An EP out of this world - rolling bass, dreamy chords and sound design from another planet form a cohesive world of his own.

A remix by SAMA fits perfectly into this world and rounds of the release with a burst of energy!

Michael Mayer, aka Mr. Lava Lava asked a bunch of his absolute favourite artists to have a go at some of the tracks from his recent album 'The Floor Is Lava'. First up is Barcelona's brightest flame, RAXON, who is melting 'Brainwave 2.0' into a stompin fun-filled primetime banger. Longtime collaborator DAVE DK is a masterful producer and remixer that appears regularly on Pampa and Kompakt. His take on 'The Solution' feels like a road trip to paradise and back. Montreal's PRIORI is one of the hottest names in showbiz right now. His ability to bridge genres and create pristine sound designs is fully on display in his remix for 'The Solution'. Last but not least, the legend that is SEBASTIAN MULLAERT took a moment off from his revered Circle Of Life jams to transform the albums deepest cut 'Ardor' into an extraordinary musical journey. Oldschool Border Community vibes in the rebound!

Hellblaues Vinyl, limitiert auf 400 Exemplare. Dynamik, vielgestaltige Sounds und auch jede Menge Wumms: Das ist das Ding von Niels Hoffmann, Alex Fedorov und Johannes Rosswog. "Die Grenzen Deines Landes sind die Grenzen Deines Verstands" - hier mit markant-markigem Gesang ist ein forderndes Stück und, wie der Titelschon andeutet, auch ein dezidiert politisches. Und auch "Storno" treibt vehement nach vorne: ein unwiderstehlicher Beat aus Schlagzeug und Bass, störrische Gitarrenriffs, breite Soundflächen, Freejazz-Artiges vom Keyboard: Hier spielt eine Band, die mehr sein will, als ein nostalgischer Krautrock-Gedächtnisverein. Die Kunst wird hier nicht für die Kunst gemacht. Es geht um etwas. "Kein Schlussstrich" hält das schnelle Tempo - überhaupt ist "Energie" eine Highspeed-Platte, die nicht an Energie verliert. Im Gegenteil: Sie nimmt weiter Fahrt auf, verbindet reine Spiel-Energie mit der Lust am Experiment. Wie bei "Straßennamen", wo Einseinseins zeigen, wieviel Freude es machen kann, über einen interessanten Beat zu improvisieren.

A truly unique voice, Giggs’ combination of slow flow, dark lyrics, a well-documented past and explosive street sales saw him hailed as one of the most exciting voices in British rap. He first burst onto the scene in 2008 with his debut ‘Talkin The Hardest’ a freestyle which has become one of British rap’s biggest anthems (over 12M views at YouTube). Giggs’ sold tens of thousands of copies of his mixtapes on his own SN1 (Spare No 1) label and won 2008’s BET Award for Best British Hip Hop Act before signing to XL Recordings for his iconic debut proper, ‘Let Em Ave It’ in 2010. 15 years on the album gets its first ever release on vinyl, featuring bonus tracks from the era that originally appeared as singles, including ‘Talking The Hardest’ and ‘Slow Songs’ featuring The Streets’ Mike Skinner.





















[s] D1: Don’t Go There (feat. B.O.B) [Bonus]
[t] D2: Talking The Hardest [Bonus]
[u] D3: Blow Em Away (feat. Shola Ama) [Bonus]
[v] D4: Slow Songs (feat. Mike Skinner) [Bonus]

Diese liebevoll zusammengestellte 2LP-Edition vereint die größten Erfolge von Charles Aznavour, einem der bedeutendsten Chansonniers des 20. Jahrhunderts. Mit Klassikern wie "Je M"voyais Déjà", "Tu T"laisses Aller", "Les Comédiens" und "L"Amour C"est Comme Un Jour" bietet dieses Album einen eindrucksvollen Querschnitt durch das Werk eines Ausnahmekünstlers. Auch in Deutschland war Aznavour über Jahrzehnte hinweg ein gefeierter Star. Seine poetischen Texte, seine charismatische Bühnenpräsenz und seine emotionale Tiefe machten ihn hierzulande zu einem festen Bestandteil der Musiklandschaft - im Radio, auf der Bühne und in den Herzen vieler Generationen. Die Doppel-LP erscheint in einer hochwertigen Pressung auf klassischem schwarzem Vinyl und überzeugt mit einem warmen, detailreichen Klangbild. Das stilvolle Klappcover wurde vom Künstler Adrian Keindorf gestaltet und verleiht der Edition eine besondere visuelle Note. Ob als Einstieg oder Wiederentdeckung - diese Sammlung ist ein Muss für alle, die französische Chansons und große Gefühle lieben.

AMBULANZ aus Leipzig liefern chaotischen Art-Punk, der zwischen kantigem, krautrockigem Experimentalismus und eingängigen, mitreißenden Melodien oszilliert. Zwei Stimmen spielen mit hüpfendem Bass und wirbelnden Synthesizern und balancieren dabei stets am Rande des Zerfalls. Ihre Songs beschäftigen sich mit Verlust, Angst, Drogen, flüchtiger Freude und einem Funken Hoffnung. Sie bewegen sich auf dem schmalen Grat zwischen zugänglicher Verrücktheit und Art-Haus-Freakout, ohne zu weit in eine der beiden Richtungen zu kippen. Diese Art von Balanceakt könnte leicht in Mittelmäßigkeit versinken - aber nicht hier. Unter der Oberfläche pulsiert eine unbestreitbare Lebendigkeit, die alles am Leben hält. Irgendwo zwischen Garage und Traum.

Erleben Sie den unverwechselbaren Swing und Charme von
Louis Prima, einem der einflussreichsten Entertainer des
20. Jahrhunderts, mit dieser sorgfältig zusammengestellten
Greatest Hits-Vinyl-Ausgabe.
Diese Sammlung präsentiert Originalaufnahmen seiner
größten Erfolge – zeitlose Klassiker, die bis heute Generationen
begeistern. Mit dabei sind legendäre Titel wie:
Just A Gigolo / I Ain’t Got Nobody
Buona Sera
That’s My Home
Die kraftvolle Stimme und die mitreißende Energie von Louis
Prima machen diese Platte zu einem Muss für Jazz-, Swingund Rock’n’Roll-Fans.

Dirkschneider And The Old Gang (DATOG) wurde 2020 ursprünglich als einmaliges Charity-Projekt ins Leben gerufen, entwickelte jedoch schnell eine Eigendynamik und formierte sich zu einer Band, bestehend aus Udo Dirkschneider (Gesang, ACCEPT/U.D.O./DIRKSCHNEIDER), Peter Baltes (Bass, Gesang, ACCEPT/U.D.O./DIRKSCHNEIDER), Stefan Kaufmann (Gitarre, ACCEPT/U.D.O.), Mathias Dieth (Gitarre, SINNER/U.D.O.), Sven Dirkschneider (Schlagzeug, U.D.O./DIRKSCHNEIDER) und Manuela Bibert (Gesang). Zwischen 2020 und 2021 sorgten die ersten drei Singles für große Aufmerksamkeit, woraufhin die Band weitere Songs schrieb und ihr Debütalbum aufnahm. Mit einem einzigartigen Gesangskonzept aus drei Stimmen, kraftvollen Riffs und stilistischer Vielschichtigkeit vereint DATOG klassischen Heavy Metal mit einer modernen, druckvollen Produktion.

Return Of The Funky Man is the second album by New York legend Lord Finesse. Originally released in 1992, this album was highly anticipated after his debut on the scene just a few years prior. Having already established himself as a punch-line king capable of humorous storytelling, Return of the Funky Man cemented Finesse as a top-notch producer. Tracks such as “Fat for the 90s” and “I Like My Girls With A Boom” showed the Funky Man truly living up to his name, both on the mic and behind the boards. After the gruff-voiced “Lord Finesse Intro”, the album goes on a nonstop journey of witty wordplay over genre-defining boom bap beats. Along for this ride, Finesse brings D.I.T.C. brethren Showbiz and Diamond D on the production side (plus Aladdin & SLJ) while AG and (at the time) newcomer Percee P share mic duties. Topically, Finesse doesn’t stray too far from reminding us why he’s earned the title The Funky Man. Whether it's bragging and boasting, or breaking down females, he has a way of doing it with a tongue-in-cheek type way that is sure to have you letting out a laugh or two every couple of lines. He possesses that rare quality of being a solo MC that is capable of entertaining throughout the entire hour plus listening experience. Standout tracks such as “Yes You May”, “Stop Sweating the Next Man”, and “Party Over Here” all show why this album was instantly praised by fans and critics alike.

The Living End kehren mit „I Only Trust Rock n Roll“, dem ersten Album der australischen Rockikonen
seit acht Jahren, zurück auf die Bühne. Produziert und gemischt von Kevin Shirley im Brooklet Recording
Studio und gemastert von Don Bartley bei Benchmark Mastering, zeigt „IOTRNR“ das Trio in Höchstform –
direkt, eingängig und mitreißend. Mit den elf Tracks des Albums wollen The Living End der zeitgenössischen
Musiklandschaft die dringend benötigte Rock-n-Roll-Wildheit zurückgeben. Wenn Sie sich vor all den
Jahren in ihr selbstbetiteltes Debütalbum verliebt haben, dann ist dieses Album genau das Richtige für Sie!

Mit ”Blue Sky Mentality” liefern Good Neighbours ein Debüt voller Aufbruchsstimmung, Melancholie und
Hoffnung. Entstanden unterwegs zwischen Tourbussen, Hotelzimmern und fremden Städten, vereint das
Album die gefeierten Singles ”Home”, ”Suburbs”, ”Ripple” und ”Starry Eyed”. Es ist ein Soundtrack für
alle, die zwischendrin Licht suchen – voller Wärme, Energie und dem Mut, einfach loszulassen. CD und
LP kommen mit je einem eigenen Bonustrack – exklusiv pro Format.
Ab dem 26. September ist das Album ”Blue Sky Mentality” als 1CD, 1MC, 1LP - Sky Blue Vinyl und 1LP
- Ultra Clear Vinyl erhältlich.

Frank Sinatra gilt als erster und ohne Zweifel größter Pop-Star aller Zeiten. Daran, dass er auch eine
Jazzgröße war, erinnert diese Doppel-LP mit zwei großen Kollegen. Sie enthält seine Zusammenarbeit mit
zwei Giganten des Jazz auf den inzwischen legendären Alben “It Might As Well Be Swing“ mit Count Basie
und ”Francis A. & Edward K.“ mit Duke Ellington.
Diese beiden Jazz-Höhepunkte Frank Sinatras Karriere erscheinen hier erstmals zusammen als hochwertige Doppel-LP, neu remastert von den Archivbändern und in einer attraktiven Gatefold-Hülle, die seltene
Fotos und die damalige Grafik der Originalhüllen beinhaltet.
Das erste der beiden Alben, ”It Might As Well Be Swing“, erschien erstmals im August 1964. Sinatra
sang darauf zum zweiten Mal nach dem Hit-Album ”Sinatra-Basie“ (1962) zehn Stücke begleitet von Basie
und seinem Orchester. Es war Sinatras erstes von Quincy Jones, einem weiteren Jazz-Giganten, arrangiertes
Studioalbum. 1968 erschien das Album ”Francis A. & Edward K.“, das Sinatra erstmals mit Duke Ellington
und seiner Big Band zusammenbrachte. Zu Ellingtons Orchester gehörten damals Jazzlegenden wie Johnny
Hodges, Cootie Williams, Cat Anderson und Paul Gonsalves. Billy May, der langjährige Arrangeur von
Sinatra, orchestrierte das Album.

Die Debüt-EP „Shine“ von Mother Love Bone mit dem legendären Sänger Andrew Wood ist eine der
wichtigsten Veröffentlichungen, die die Entwicklung des Grunge-Rock maßgeblich vorangetrieben haben.
Mit vollständig remastertem Audio ist diese „Shine“ ein Muss für jeden Fan einer der am meisten unterschätzten Rockbands dieser Ära. „Shine“ ist ab dem 26. September als Sky Blue-farbige und schwarze
1LP überall erhältlich.

Aus der Grunge-Ära stammt das wegweisende Album „Apple“ der Band Mother Love Bone aus Seattle.
Zwei ihrer ursprünglichen Mitglieder, Jeff Ament und Stone Gossard, gründeten später Pearl Jam, doch
alles begann mit dieser Band um Andrew Wood. Zum ersten Mal seit der Veröffentlichung im Jahr 1990 ist
das Album nun remastert auf habanero-farbigem und schwarzem Vinyl erhältlich. Mit den darauf enthaltenen Singles „Stardog Champion” und „This Is Shangrila” erscheint das Album am 26. September als 1LP.

Am 26. 9. 2005 erschien mit Fortschritt unser siebtes deutschsprachiges Album auf unserem bandeigenen Label Dritte Wahl Records. Zu hören gibt es 13 neue Songs, eine Coverversion des Rote Gitarren Hits Weißes Boot und eine plattdeutsche Fassung von Hoch im Norden. Musikalisch und textlich geht es quer durch den Gemüsegarten: Da gibt es schnelle, harte, politische Stücke, groovige Songs mit Geschichten aus dem Leben, Reggae-Beats bis hin zum vollakustischen Lied Auf der Flucht in dem es um Abschied, Hoffnung und natürlich auch um Busch"n (Bassisten und Gründungsmitglied von DRITTE WAHL) geht, der im Januar des Jahres 2005 nach schwerer Krankheit verstorben ist. Unterstützt wurden wir bei den Aufnahmen durch Kollegen von Corvus Corax, den Crushing Caspars, Daily Terror, Final Virus, Freygang, Höart! Höart! Höart!, Lady Godiva, Mainpoint und Tanzwut. Zwanzig Jahre später erscheint nun eine Jubiläumsausgabe des Albums auf Kassette.

Crystal Clear Vinyl, limited to 1000 copies. Who were the first punks? Do The Damned have more of a shout than The Sex Pistols? The Stooges or Ramones? Gregg Deal, the acclaimed visual and performance artist behind his new project Dead Pioneers, is making a claim that Indigenous Americans were the first real punks. Deal suggests that the overarching theme of the album is "an introduction to the band itself". Created with a DIY disposition and the "love of a scene that saves lives", they reel off a roll call of marginalised groups and protected characteristics: "Indigenous rights, Black rights, Brown rights, Asian rights, Gay rights, Trans rights, Workers rights and beyond_". This is central to their identity and focus, saying that "with a North American Indigenous person as the vocalist, being unapologetically upfront on the social, political and cultural side of things doesn't seem necessary, but paramount to the overall tone of the band." This self-titled debut, coming in at a lithe 22 minutes with only one of the twelve tracks exceeding three minutes, is almost over before it begins, but covers a huge amount of ground in that time. Blistering opener 'Tired' sets out their stall; as with the whole album, it is passionate, but never preaching. Capitalised 'Political Music' can be hard to land without coming across as hectoring or earnest, but Deal's literary, humorous lyrics effortlessly cut through complex issues of marginalisation and colonialism.

Den Grundstein für ihre musikalische Karriere legten SPRINTS zweifelsohne mit ihrem Debütalbum 'Letter To Self' im Jahr 2024. Allein in diesem Jahr tourte die Band um Frontfrau Karla Chubb zwei mal durch Europa, UK und die USA. Das neue Album 'All That Is Over' ist ein bemerkenswertes zweites Werk, das die Dynamik der Band noch weiter vorantreibt, noch nuancierter klingt, aber nichts an Rohheit einbüßt.

Während viele Bands nach einer solch hektischen Anfangszeit ausgebrannt wären und eine Pause bräuchten, wurde Karla umso produktiver und kreativer. 'There was just so much happening and so much to process,' erklärt sie. 'I was going through a big break up with my partner who I’d been with for eight years; Colm had left the band; we’d really progressed into being professional musicians, and I was at the start of a new relationship. But then you’d look outside and it’s like the world has never been uglier. I was writing every day because there was so much going on.' In diesem Spannungsfeld aus Wut, Ambitionen und tausend weiteren Gefühlen dazwischen legt 'All That Is Over' die Karten auf den Tisch. Das Album wurde in Tourbussen, bei Soundchecks und in Echtzeit geschrieben. Vor dem Hintergrund einer Litanei von Grausamkeiten - dem Krieg in Nahost, den Waldbränden in Los Angeles, Trumps Executive Order, die die Rechte von Trans-Personen schneidet - versuchen SPRINTS, einer verrückt gewordenen Gesellschaft einen Sinn zu geben.

Das neue Album 'All That Is Over' der irischen Band SPRINTS erscheint am 26. September 2025 via CITY SLANG (in den USA über Sub Pop Records). Im Sommer ist die Band mit Fontaines D.C. bei einigen Konzerten in Deutschland live zu sehen.

Den Grundstein für ihre musikalische Karriere legten SPRINTS zweifelsohne mit ihrem Debütalbum 'Letter To Self' im Jahr 2024. Allein in diesem Jahr tourte die Band um Frontfrau Karla Chubb zwei mal durch Europa, UK und die USA. Das neue Album 'All That Is Over' ist ein bemerkenswertes zweites Werk, das die Dynamik der Band noch weiter vorantreibt, noch nuancierter klingt, aber nichts an Rohheit einbüßt.

Während viele Bands nach einer solch hektischen Anfangszeit ausgebrannt wären und eine Pause bräuchten, wurde Karla umso produktiver und kreativer. 'There was just so much happening and so much to process,' erklärt sie. 'I was going through a big break up with my partner who I’d been with for eight years; Colm had left the band; we’d really progressed into being professional musicians, and I was at the start of a new relationship. But then you’d look outside and it’s like the world has never been uglier. I was writing every day because there was so much going on.' In diesem Spannungsfeld aus Wut, Ambitionen und tausend weiteren Gefühlen dazwischen legt 'All That Is Over' die Karten auf den Tisch. Das Album wurde in Tourbussen, bei Soundchecks und in Echtzeit geschrieben. Vor dem Hintergrund einer Litanei von Grausamkeiten - dem Krieg in Nahost, den Waldbränden in Los Angeles, Trumps Executive Order, die die Rechte von Trans-Personen schneidet - versuchen SPRINTS, einer verrückt gewordenen Gesellschaft einen Sinn zu geben.

Das neue Album 'All That Is Over' der irischen Band SPRINTS erscheint am 26. September 2025 via CITY SLANG (in den USA über Sub Pop Records). Im Sommer ist die Band mit Fontaines D.C. bei einigen Konzerten in Deutschland live zu sehen.

2LP-Neuauflage des 2013er Albums mit Coversongs, mit besonderen Gästen wie Jello Biafra, Clem Burke, Mark Arm, JG Thirlwell und mehr.

[d] 4Right Track (Feat. Giuliano Sorgini) [instrumental]

“New York’s Harlem River Drive is a dividing line, a highway where the rich zip past the poor,” says singer Jimmy Norman. Eddie Palmieri’s Latin-funk band of the same name tackled these hard truths, playing prisons and speaking to the common man. Ultimately, Norman and Palmieri made a powerful socio-political statement that continues to resonate to this day." Pablo Yglesias/Wax Poetics. When initially released in 1971, many critics panned Eddie Palmieri’s album Harlem River Drive. Those critics were wrong. Regardless of critical opinion, the release was not the crossover success Palmieri and Roulette Records had hoped for, at least in the immediate. Over the years the release has developed a following among listeners, DJs, and aficionados of rare-grooves. The record may have been recorded towards the end of the Latin soul era, yet it features that genre's wonderful mix of Puerto Rican soul, Spanish Harlem Latin, and New York funk. Palmieri worked with an incredibly talented crew of Latin and R&B session musicians to create this quintessential New York vibe, a synthesis of funk and Afro-Cuban sounds. Contributors include Victor Venegas from Mongo Santamaria’s band, Palmieri’s brother Charlie, an accomplished musician in his own right, Bruce Fowler who went on to join Frank Zappa’s band, Dick Meza who went on to great things with Tito Puente, Ray Barretto and Celia Cruz, as well as Andy Gonzalez who’s pedigree includes recordings with Barretto, Johnny Pacheco, Willie Colon and even Chico O’Farrill. Also appearing Randy Brecker and one of the all-time greatest of the greats Bernard Purdy. An over-arching theme of Harlem River Drive is the thought that, as Palmieri puts it “The U.S. is richest country, all this immense wealth, side by side with the most intense poverty, racial prejudice; how is that possible?” A question that’s perhaps more even more relevant today than it was in 1971. A question that can be further explored with Get On Down’s reissue of this seminal recording.

20/20 Vision is doing a fine job of digging into its archives and reissuing genuine treasure. Next up is a Spirit Catcher classic from 2007 that has been long out of print. The Belgian pair of Jean Vanesse and Thomas Sohet really hit on a fresh sound with their blend of electro-deco and deep house and this double pack still sounds hot all these years on. From the mid-tempo and seductive boogie of 'Motown Spring' to the cosmic tech of 'Search Is Over' via the dazzling disco radiance and sleek Metro Area style vibes of 'Rollercoaster', these are sophisticated sounds that marry dancefloor clout with great sound design. Check 'Voodoo Knight' for a playful and well-worked party starter, by the way.

FONCEDALLE is a high-volume amplified trio, a warm wave of acid guitars fuelled by addictive bass and electronic beats. In late 2021, they released their Traboule EP and went on a tour that saw them perform 40 gigs between 2022 and 2023, half of which were in Europe. Their debut, self-titled album is set to be released in March 2024 on EXAG’ Records (BE). It's rawer, with tracks meticulously crafted and reworked live. While still exploring the realms of rock fused with machines, electronic trance, and melodic flights, the album also has its share of oppressive sections, unbridled chaos, and ambient, ethereal passages. FONCEDALLE serves as the missing link between the Manchester scene of the 80s, Gilla Band’s noise rock, Soulwax’s electronic rock, and the motoric turbines of Turing Machine. Preferring not to choose between being an open door or an impertinent product, the band chooses to concoct a recipe it envisions coming from the future rather than flipping through a book filled with references

Reissue

GAISTER (Olivia Salvadori, Akihide Monna and Coby Sey) release their self-titled LP.

The record captures the embodiment of an encounter, one moment of the trio’s ongoing relationship as artists who communicate with each other through sound, voice and music.
After orbiting in the same circles at each other's shows around 2016 in London, Sey and Salvadori eventually crossed paths. In 2017 Sey joined Salvadori’s artistic collective Tutto Questo Sentire on a residency in Capalbio, the southernmost part of Tuscany, Italy, and started working together. Down the line the pair ended up joining with Akihide Monna (of Bo Ningen), performing together in 2019 at Camden Art Centre on Cork Street in London.

When the trio come together something new is created, brought out after laying dormant, like an Icelandic Geysir. The setting of this particular encounter amongst the trio is essential in the album’s sonic palette, process and emotion. The album was recorded in Iceland at
Greenhouse Studios, where the trio formalised a set of intuitions; how nature can provide a guideline in the choices of the instruments, their materials and related rhythms; reflections on the voice as a sculptural element, pure sound and words.

As Akihide has said of the experience during their short and intense recording period: “The sound spontaneously spun out as if we were pulling at each other's hearts and minds with a strange internal connection and sensation. Something pure was brought out.”

‘Gaister’ itself is a made up word, sprung from the German ‘Geist’ to mean ‘spirit’, and made into a sound of its own. A purity, spirit and essence is pulled from the trio, in spite of their varying mother tongues (Italian, Japanese and English), musical genres and identities to create something new. Olivia Salvadori’s operatic vocals run free, flowing and moving in
synergy with Monna’s rhythmic drumming. Sey sings freely with Salvadori, their voices braided together like a waterfall.

This flowing nature is reflected in the album itself, its timestamps and scores are marked by encounters rather than tracks themselves. This album can be considered as one constant piece and a journey of its own that is not foreclosed, in keeping with the band’s ethos of
constant conversation and collaboration.
As Sey speaks of the trio’s relationship: “Olivia, Monchan and I had performed live together once before, several years before this song and this album came to be… and yet, we fully trust each other’s intuition when performing and creating music together because of our unified belief in the ability of sound and music to communicate and connect.”
credits
releases November 1, 2024

Olivia Salvadori: voice
Akihide Monna: voice, drums, percussions
Coby Sey: voice, percussions, synths, wurlitzer

Recorded at Greenhouse Studios in Reykjavik, Iceland

Recorded and producer: Sandro Mussida
Sound engineer: Francesco Fabris
Studio assistant: Domiziano Maselli and Jakob Vasak

Mixing engineer: Kristian Craig Robinson at Total Refreshment Centre, London, UK

After years of exploration and experimentation, a new wave of artists from the Andes is now gaining some deserved global recognition. One such artist is Guillermo aka Existencia Pasajera, whose work has been shaped in southern Chile and so smartly reflects the region's newly emerging creative depth. This new release captures his fluid, expressive keyboard style and opens with the trippy and psychedelic loops of 'Haunted House' before 'The Brujo' gets more dark and menacing. The EP also features a remix by Minus legend Magda. Her label debut blends acid, stripped back rhythm and heady grooves, while closing the release is Map.ache of the Giegling collective, whose minimalist approach offers a meditative counterpoint.

Drei Jahre nach dem zweiten Album "TRANSIT" und der EP "SAMMLUNG 2" in 2024 erscheint im September 2025 das dritte Album von Das Paradies. "ÜBERALL, WO MENSCHEN SIND". Der Titel wirft seinen Schatten und sein Licht voraus. Zwei Songs sind seit dem Frühling bereits auf einer Doppelsingle veröffentllicht. Ein Schlüssellochblick, hinein in das kommende Album. Willkommen zurück in diesen sehr paradiesischen Szenarien, in Florian Sievers eigenwilligem Stil. Auch auf dem dritten Album von DAS PARADIES ist da die Psychedelik des langen Hinschauens. Die gebrochene Realromantik. Gesungen mit feierlicher Unaufgeregtheit. Ein Rezept das Paradies-Songs zu trojanischen Magneten galvanisiert.

Burnski's Pilot takes flight once more with another journey into the heart of minimal and tech house, this time with Joolmad at the buttons. He is a UK artist making bold moves on the likes of Pillz and TSOL where he has showcased a contemporary take on the classic tech sound. 'Superlative' opens up here with bouncy drums and steel percussion to get things moving then 'Wobbler' gets more playful with some twisted acid lines and silky synth wisps that keep things trippy. 'Gone For' is more of a straight up driver with thudding kicks and warped sirens and 'Yurgen' has a woozy late night fluidity to it.

Mit 'Hallo' melden sich die belgischen Garage-Rocker SONS kraftvoll zurück - und schlagen dabei ein völlig neues Kapitel auf. Das Quartett bleibt laut, roh und ungezähmt, doch diesmal mischt sich ein ungewohnter Glanz in ihren Sound: jugendliche Wucht trifft auf neue Tiefe. Produziert vom renommierten David McCracken (u.a. dEUS, Beyoncé, Depeche Mode), klingt „Hallo“ reifer, tanzbarer und überraschend lebensbejahend. Die Zusammenarbeit mit McCracken erwies sich für SONS als die perfekte Ergänzung: „Er hat uns völlig aus unserer Komfortzone geholt“, sagt Sänger/Gitarrist Robin Borghgraef. Mit explizitem Fokus auf die Texte wurden diese direkter und persönlicher als bisher und waren oft zentraler Ausgangspunkt der Songs. 'Hallo' ist ein lautes, ehrliches Hallo an alle, die genug haben von der ständigen Erreichbarkeit und dem digitalen Lärm und gleichzeitig eine freundliche Einladung in die Welt der SONS.

- Ltd. Col. LP: (Blue Vinyl)

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Einzelne schwarze Vinylplatte in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Limitierte Edition auf canary-yellow Vinyl in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

The debut album from Mexican duo Destino Sonido, namely electronic music veteran Juan Soto and rising vocal talent Labibe, mixes up disco swagger, upright funk attitude, synthpop flavours and just the tastiest smidge of pop instinct. 'Seduccion Galactica' has more than a touch of Vince Clarke's magic but rich simplicity about it, while closing tune 'Oscuridad' (You Man remix) adds an epic feel to proceedings, while simultaneously keeping them shiny and approachable. Dan Solo makes two appearances, Krofon pops in to lend a hand on 'Amandote' and Monsieur Von Pratt remixes 'Playa, Sol Y Amor' into a robo-disco banger. Following nobody's rules, it's an awful lots of fun from start to finish.

Multi-BRIT Award and Mercury Prize nominee Olivia Dean announces her highly-anticipated second album, The Art of Loving, arriving on 26thSeptember via Capitol Records.

The Art of Loving is a tender, intentional deep dive into the many dimensions of love – romantic, platonic, self, and everything in between. The album will feature Olivia’s recently released single, ‘Nice To Each Other’.

„Natural Rebel“ ist Richard Ashcrofts fünftes Soloalbum und präsentiert seine charakteristische Mischung
aus schwebenden Melodien und gefühlvollem Songwriting. Mit üppigen Arrangements und zeitlosen Rockeinflüssen unterstreicht das Album Ashcrofts kontinuierliche Entwicklung als mutiger und emotionaler Künstler. Ein Muss für Fans des klassischen britischen Rock.
Richard Ashcroft hat mehrere Top-3-Alben in Großbritannien veröffentlicht, darunter ein Nr.-1-Debüt. Der
Künstler hat eine treue Fangemeinde und spielt weiterhin in ausverkauften Konzerten in ganz Großbritannien.