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David Gray ist zurück und macht das, was er am besten kann, und Fans von komplexem, ernsthaftem, lyrischem Songwriting sollten sich freuen. "Dear Life" ist vielleicht das tiefgründigste, seltsamste und schönste Album, das dieser bahnbrechende britische Singer-Songwriter je abgeliefert hat. Nach jahrelanger Arbeit ist es ein Album über emotionale Krisen und deren Bewältigung, über Sterblichkeit und Glauben, Realität und Illusion, Liebe und Herzschmerz, Magie, Wissenschaft, Verlust und Akzeptanz. Es ist voller Sehnsucht und Hoffnung, aber es gibt auch einen Unterton von Dunkelheit, eine Spannung zwischen den konkurrierenden Kräften von Hoffnung und Verzweiflung: eine Kavalkade von Emotionen in seiner bisher lyrisch fokussiertesten Sammlung. "Dear Life" ist das 13. Album von David Gray und "eine Sternschnuppe des Songwritings ... es schien einfach so, als wären die Götter des Songwritings gnädig gewesen. Die zweifelnden Stimmen haben sich nicht gemeldet." David Grays Geschichte ist mit keiner anderen vergleichbar. Er hat fast ein Jahrzehnt lang auf den Durchbruch hingearbeitet, und als er ihn dann schaffte, geschah dies auf die denkbar größte Art und Weise: das 1998 veröffentlichte "White Ladder" wurde zu einem der meistverkauften britischen Alben der letzten Jahrzehnte und etablierte ihn als einen arenafüllenden Künstler. Im Laufe der Jahre hat sich sein Songwriting durch seine natürliche Fähigkeit, bestimmte Emotionen, Atmosphären oder, wie auf seinem gefeierten Album "Skellig" aus dem Jahr 2021 zu hören, die Wahrnehmung eines Ortes zu vermitteln, nur noch vertieft. Während Leute wie Ed Sheeran, Adele und Hozier seinen Einfluss anerkannt haben, ist David weiterhin seinem eigenen künstlerischen Weg gefolgt.

David Gray ist zurück und macht das, was er am besten kann, und Fans von komplexem, ernsthaftem, lyrischem Songwriting sollten sich freuen. "Dear Life" ist vielleicht das tiefgründigste, seltsamste und schönste Album, das dieser bahnbrechende britische Singer-Songwriter je abgeliefert hat. Nach jahrelanger Arbeit ist es ein Album über emotionale Krisen und deren Bewältigung, über Sterblichkeit und Glauben, Realität und Illusion, Liebe und Herzschmerz, Magie, Wissenschaft, Verlust und Akzeptanz. Es ist voller Sehnsucht und Hoffnung, aber es gibt auch einen Unterton von Dunkelheit, eine Spannung zwischen den konkurrierenden Kräften von Hoffnung und Verzweiflung: eine Kavalkade von Emotionen in seiner bisher lyrisch fokussiertesten Sammlung. "Dear Life" ist das 13. Album von David Gray und "eine Sternschnuppe des Songwritings ... es schien einfach so, als wären die Götter des Songwritings gnädig gewesen. Die zweifelnden Stimmen haben sich nicht gemeldet." David Grays Geschichte ist mit keiner anderen vergleichbar. Er hat fast ein Jahrzehnt lang auf den Durchbruch hingearbeitet, und als er ihn dann schaffte, geschah dies auf die denkbar größte Art und Weise: das 1998 veröffentlichte "White Ladder" wurde zu einem der meistverkauften britischen Alben der letzten Jahrzehnte und etablierte ihn als einen arenafüllenden Künstler. Im Laufe der Jahre hat sich sein Songwriting durch seine natürliche Fähigkeit, bestimmte Emotionen, Atmosphären oder, wie auf seinem gefeierten Album "Skellig" aus dem Jahr 2021 zu hören, die Wahrnehmung eines Ortes zu vermitteln, nur noch vertieft. Während Leute wie Ed Sheeran, Adele und Hozier seinen Einfluss anerkannt haben, ist David weiterhin seinem eigenen künstlerischen Weg gefolgt.

Zurück zu den Wurzeln oder zurück in die Zukunft? Egal wie man es nennt, Grave Digger nehmen das erste Album ihrer Karriere komplett ohne Keyboard-Passagen auf. „Bone Collector“ ist ein Manifest des deutschen Heavy Metal, Old-School vom Feinsten, ohne Rost und Patina, ohne Selbstkopie und immer authentisch, so lässt sich das neue Werk der Band beschreiben

Zurück zu den Wurzeln oder zurück in die Zukunft? Egal wie man es nennt, Grave Digger nehmen das erste Album ihrer Karriere komplett ohne Keyboard-Passagen auf. „Bone Collector“ ist ein Manifest des deutschen Heavy Metal, Old-School vom Feinsten, ohne Rost und Patina, ohne Selbstkopie und immer authentisch, so lässt sich das neue Werk der Band beschreiben

Faszinierend, energiegeladen und hypnotisch! Prepared - ein freigeistiges Trio, das in kammermusikalischer Besetzung unkonventionell und instinktiv Tanzimpulse weckt und den Hörer in einen tranceartigen Klangraum entführt!

Ein Pianist, der auf dem Flügel unablässig hämmert, klopft und zupft. Ein Klarinettist, der in den Tiefen seiner Bassklarinette mehr Bass als Klarinette spielt. Und ein Drummer, der wie eine gute Schallplatte immer weiterläuft und die Grooves fortwährend im Kreise dreht.
Drei Münchner Jazzmusiker, vereint in Ihren Gegensätzen. Wo der eine mit Quadro Nuevo argentinischen Tango, der andere mit Dreiviertelblut "folklorefreie Volksmusik" oder der dritte mit Moop Mama deutschen Hip-Hop spielt, lassen sie in ihrem neuen Projekt Prepared gemeinsam zyklische Motive und raffiniert geschichtete Muster in minimalistischen, aber höchst virtuosen Kompositionen zu einem faszinierenden Gesamtkunstwerk verschmelzen. Als hätte man Jonny Greenwood, Dawn of Midi, Nik Bärtsch und Steve Reich in einen Topf geworfen.

Line-Up:

Chris Gall • prepared piano
Flo Riedl • bass clarinet
Christoph Holzhauser • drums

The Recording: Für eine "state-of-the-art" immersive Musikproduktion wurde die Musik "live" in einem Raum ohne jegliche Overdubs aufgenommen. Dieses Album wurde mit erstklassigen 3D-Aufnahme- und Mikrofonierungstechniken für Dolby Atmos aufgenommen und von renommierten Toningenieuren gemischt und gemastert.
Recorded by Kseniya Kawko at Kyberg Studio, Munich, mixed by Kseniya Kawko at MSM Studio, Munich and mastered by Christoph Stickel at csmastering, Vienna

Format: Schwarzes Vinyl inklusive Downloadkarte

With Exile to Beyn Neharot, Wyatt E. created the soundtrack of the people of the city of Jerusalem who were sent in exile to Babylon by King Nebuchadnezzar II after the siege of the city in 587 BC. The album is divided into 2 parts: one devoted to the emperor and his military campaign that led to the exile, the other to an allegiance, real or otherwise, to the goddess Ishtar. The record is the first real album of the band (Mount Sinai/Aswan being an EP) and marks the band's debut on the Doom/Drone scene. It was first released by Jerusalem's label Shalosh Cult.

Yellow vinyl, limited to 300 copies. With Exile to Beyn Neharot, Wyatt E. created the soundtrack of the people of the city of Jerusalem who were sent in exile to Babylon by King Nebuchadnezzar II after the siege of the city in 587 BC. The album is divided into 2 parts: one devoted to the emperor and his military campaign that led to the exile, the other to an allegiance, real or otherwise, to the goddess Ishtar. The record is the first real album of the band (Mount Sinai/Aswan being an EP) and marks the band's debut on the Doom/Drone scene. It was first released by Jerusalem's label Shalosh Cult.

„My Everything“ war das zweite Studioalbum der amerikanischen Sängerin Ariana Grande, welches am 25.
August 2014 von Republic Records veröffentlicht wurde. ”My Everything” sollte eine Weiterentwicklung
ihres Debütalbums ”Yours Truly” (2013) sein und setzte die musikalische Reise Grandes mit reiferen Themen und Genres fort. ”My Everything” brachte zahlreiche Hits hervor, wie etwa ”One Last Time”, ”Bang
Bang” zusammen mit Nicki Minaj und Jessie J oder auch ”Problem” mit der australischen Rapperin Iggy
Azalea. Das Album, welches unter anderem von David Guetta und Zedd produziert wurde, bescherte der
US-Amerikanischen Sängerin einen Riesenerfolg und katapultierte sie in die Charts. Zusätzlich wurde die
damals 21-jährige Sängerin dann im November 2014 mit einem Bambi als ”beste Newcomerin” ausgezeichnet. Nach seiner Veröffentlichung erreichte das Album mit 169.000 verkauften Exemplaren in der ersten
Woche die Spitze der Billboard Hot 100 und ganze 10 Jahre später gehören die Tracks des Albums immer
noch zu ihren meist-gestreamten Songs.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums von „My Everything“ erscheint das Album in einer Neuauflage auf
baby-pinken Vinyl.

First track is a real great 140 BPM acid techno sound, in the best of what could be a DBN continuum... Then comes the Anticore Broken speed Acidcore 160 BPM rolling kick nightmare (320 BPM?)... DBN style again... Next is more classic Acid nowadays ??? Mental acid Tribe based on a 170 BPM kicking sound... Number 5 is pumpin and acid mental as well... 168 BPM. Last track is the hardcore track, very in the Kille Me / Duracell style. And i love that:) BIG NARCOSIS !!

This is the third release by Trevor Dunn (Mr Bungle, Fantomas, Trio Convulsant, various with John Zorn) and Kevin Rutmanis (Tomahawk, Melvins, Cows, Hepa/Titus) On this outing Trevor joins Lords and Lady Kevin (duo of Kevin Rutmanis and drummer/artist Gina Skwoz) for a full length LP "Last Days at Hot Slit"

Songs are loosely based on assorted gospel, blues and jazz songs, some original, some covers. Included is a re-working of Mingus "Devil Woman". The trio based the pieces on improvisations that were then arranged and used to build free standing songs. A multitude of instruments were exploited by all those involved, to create a sizzling blend of aural delicacies. The album title is from a collection by writer Andrea Dworkin, often sited as the Celine of feminism. Less outre perhaps than their previous recordings, these songs hover somewhere between soundtrack- like excursions, to jazz/ blues mutations to a demented "rock" sounding affair. Something for everybody, or perhaps, nobody! Uniting former and current members of Tomahawk, Last Days At Hot Slit marks a powerful reunion between Rutmanis and Dunn. The record took shape gradually, born from Rutmanis's raw, unconventional bass recordings. "I sent Trevor a phone recording of some hideous bass racket and asked if he wanted to add anything," Rutmanis shares. "What he sent back was something like delicious fresh cherries with ice and banana slices." The pair's combined creativity gave rise to a new, immersive soundscape, while their collaborative piece, Crackpot Whorehead, set the tone for the current formation of Lords and Lady Kevin."

MAMMOTH is a grabber right out of the gate, every step they take is unleashed with deadly economical precision. They may flash on Lynyrd Skynyrd and other vintage southern rock traditions but the brilliant way the vocals are recorded and the to-the-point interlocking guitar moves will fire up anybody into any sort of hard rock. They can rip it up with hot leads, probably jammed out on these songs at live shows but lucky us, they laid them down for all times here with the sort of thought out unified force and construction that screams hit radio. Loads of personality, accessible, produced and mixed with the clarity of classic rock that never loses it's perfectly deployed impact. The uncluttered arrangements leave plenty of space, crafted with the kind of balanced mojo in the mix where every detail adds to the whole. Down and dirty but also achieving a universal pop-friendly appeal! The Mammoth LP was recorded in 1981 at Relayer Studios in DeLand, Florida with the two guitars, bass and drums quartet line-up sounding like it could have been a decade earlier. Buzz Fetters on lead guitar, Bill Abell on rhythm guitar, Joey Costa on bass and Ron Herman on drums… with everybody contributing to the vocals. Rather than having a strong up front emotive singer the lead vocals here are multi-tracked and integrated into the songs with plenty of attitude but also a genre-transcending presence… you can imagine the vocal ambience working in punk, glam, even psychedelic contexts. Mammoth have a sound informed by roots music but it is really in the rear-view mirror the way they roll. The songwriting here is terrific, they have a way of saying things that comes off as sincere but not too serious. You get plenty of in-your-face hard rock action but also several melodic tracks that have a more reflective charm to round out the trip. AND… when you hear their brilliant ode to southern rock titled "Southern Sounds" I challenge you to find any song about the subject more delightful. These guys keep it real, whether they're being bad ass or vulnerable they express themselves with 100% genuine feeling as contagious and life affirming as it gets!

--The fourth outing on Spray’s Punctuality imprint comes in the form of the much anticipated Ode to Beachball EP by Eoin DJ. The release is a fully realised vision of moods and grooves inspired by Nalin & Kane’s 1997 chart topper ‘Beachball’.

Sparse, organic percussion, simple basslines and lush atmospherics form the bedrock of the EP, placing it firmly at the intersection of starry-eyed euphoria and heads-down club-stomp, lending the tracks a timeless but contemporary feel.

Those with their ears to the ground will know that the title number has been somewhat of a sleeper hit for the past two summers. Ode to Beachall’s understated stabs, rolling bass and transcendental vocals have soundtracked many sunsets and have bore the brunt of numerous failed shazam attempts via spins in mixes by trendsetting auteurs like Job Jobse, Sally C and label head Spray.

Bliss Inc’s remix turns up the energy dial with a club-focussed remix of Ode To Beachball, adding extra dynamics to the rhythm and low end, propelling the original into a modern hard-house roller complete with big-room breakdowns and euro-centric stabs, firmly aimed at the dancefloor.

On the flip both Infinite Well and On Lilac Skies stick to the beachball brief- swung bongos and congas, undulating low end and mercurial vocal chops add to the balearic beach techno mood of the entire EP. Both tracks are exemplary practices in dancefloor restraint and are sure to be staples in bags and sticks of discerning DJs for many summers ahead. Another stellar release from Irish atlantean Eoin DJ.

Come Ahead ist das 12. Album von Primal Scream. 11 neue Songs, mit denen Bobby Gillespie sich darauf
vorbereitet, einige der persönlichsten Songs der Bandkarriere zu veröffentlichen.
Der Songwriting-Prozess für Come Ahead begann 2019. Zu diesem Zeitpunkt hatte Bobby Gillespie noch
keine Ahnung, ob er noch einmal ein Album von Primal Scream machen würde. Zum ersten Mal kamen
die Texte vor der Musik. Die Geschichte kam zuerst. Bobby schrieb allein, mit einer Akustikgitarre. Die
Ideen flossen schnell, in langen Inspirationsschüben. Dieser Prozess, zusammen mit der Ermutigung durch
Produzent David Holmes, bot einen neuen Einstieg. In Zusammenarbeit mit Holmes und Primal ScreamGitarrist Andrew Innes wurden die Come Ahead-Sessions in Belfast, London und Los Angeles durchgeführt.
„Ich bin sehr aufgeregt über dieses Album, so als würde man seine erste Platte machen. Wenn es ein
Gesamtthema für Come Ahead gäbe, wäre es vielleicht ein Konflikt, ob innerlich oder äußerlich. Der Titel
ist ein Begriff aus Glasgow. Wenn jemand droht, mit dir zu kämpfen, sagst du: ‚Komm schon!‘ Es erinnert
an den unbezwingbaren Geist der Glasgower, und das Album selbst vermittelt diese aggressive Haltung und
Zuversicht. Sie haben da oben ein Wort dafür: gallus. ‚Come Ahead‘ ist auch ein ziemlich frecher Titel.“
Bobby Gillespie

Das sechste Studioalbum der schottischen Band Franz Ferdinand!

In The Human Fear geht es um das Menschsein und die Ängste, die uns dazu machen, aber man hätte es auch kühn nennen können. Kühn auf eine Art, wie wir es gerne sind. Es ist ihr sechstes Album, das sie mit dem Produzenten Mark Ralph hauptsächlich in Schottland aufgenommen haben, mit ein paar Overdubs in London und Paris. Bob Hardy und Alex Kapranos gründeten die Band 2002, Julian Corrie und Dino Bardot kamen 2016 dazu und Audrey Tait 2021. Dies ist die erste vollständige LP mit Dino und Audrey, obwohl sie auf den letzten Singles mitgewirkt haben und mit der Band ausgiebig getourt sind. Unsere Ängste definieren unsere Menschlichkeit. Wir finden unseren Charakter und unsere Persönlichkeit, wenn wir unsere Reaktion auf sie verstehen. Was sie auslöst. Es ist nicht unbedingt die Angst selbst, die uns menschlich macht, sondern das, was wir mit ihr machen oder was wir zulassen, dass sie mit uns macht. Was wir nicht wählen können und was wir können. Unsere Ängste sagen uns, wie wir menschlich sind. Jeder Song hängt an einer anderen Angst. Es geht darum, in den Abgrund zu blicken und dann zu sagen:
"Scheiß drauf... ich kann genauso gut noch einen trinken, bevor ich hineinfalle." Es gibt klangliche Überraschungen und verschiedene Perspektiven auf dem Album, aber wenn man die Band kennt, weiß man, dass sie es gemacht hat. Die es genossen haben, es zu machen. OK, einige der Themen können ein wenig düsterer werden, aber es gab Licht und Freude beim Zusammenstellen.
Das Album beginnt mit dem Track "Audacious" der als Vorabsingle den Ton für das Album angibt. Die zweite Single, die im November erscheinen wird, ist "Night Or Da"y, die sowohl in den Texten als auch in der Musik die Spannung zwischen Angst und Spaß darstellt. Das klangvolle Synthie-Stück "Hooked" zeigt eine andere Seite des Albums und wird unser Fokus-Track bei der Veröffentlichung sein. Das Album wird Mitte September zusammen mit einer Reihe von Live-Terminen in Großbritannien und Europa angekündigt und am 10. Januar 2025 veröffentlicht. Die Band wird außerdem im Oktober und November für Live-Shows nach Mexiko und Südamerika reisen.

War Head Constriction, a trio that defined an uncompromising afro psych-rock sound, began by playing shows that combined dark proto-metal influences from Black Sabbath and Deep Purple with afro-rhythmic elements. Their raw energy caught the attention of Afrodisia, a progressive record label, which signed them to release a single in 1973: "Graceful Bird" b/w "Shower of Stone." Unfortunately, the record was too experimental for mainstream audiences and quickly faded, leading to the band's breakup. Despite this, they played their biggest show opening for Fela & the Afrika 70 at the National Stadium in Lagos before disbanding. However, the members quickly moved on, continuing to form new groups.

Amenechi recalls jamming with Soga Benson, his cousin Skid, and Ben Bruce at St. Gregory’s, where they wrote and performed together. Benson, who had previously been in rival groups, became close with Amenechi once he joined Greg’s. Benson, a talented guitarist, joined Ofege for their second and third albums in 1975 and 1977. Despite this, his main group, Grotto, had yet to record. That changed when EMI Records, the leading afro-rock label, took interest in Grotto in 1977.

Odion Iruoje, A&R manager at EMI Nigeria, recalls his first encounter with Grotto, noting their cocky attitude and raw material. He sought to help them find an authentic sound, avoiding the typical influences of British rock or groups like Ofege. Iruoje was passionate about youth bands, seeing them as a fresh opportunity to experiment and create something unique. Despite skepticism from EMI Nigeria about the youth market, Iruoje felt confident that Grotto’s originality would shine through.

Meteora, Linkin Parks bahnbrechendes zweites Album, wurde im März 2003 veröffentlicht und enthält die weltweiten Hitsingles „Somewhere I Belong“, „Faint“, „Numb“, „Breaking The Habit“ und „From The Inside“. Es hat sich in den USA über 8 Millionen Mal verkauft und wurde in 15 Ländern mit Mehrfach-Platin, Platin oder Gold ausgezeichnet. Diese limitierte Auflage ist auf goldenem und rotem Splatter-Vinyl gepresst.

Rhythm Section International, the impossible-to-define label founded in South East London by Bradley Zero in 2014 has reached the ripe old age of 10 years.Spanning 6 discs and 30 tracks, the compilation begins by taking us on a walk down memory lane and presenting one track from each year of the labels output

Rhythm Section International, the impossible-to-define label founded in South East London by Bradley Zero in 2014 has reached the ripe old age of 10 years. Funny thing is, it feels like it could have been almost double that. It’s hard to imagine the Landscape of the London music scene without this foundational force whose influence is felt more than ever.

With this special anniversary release, the label takes stock at this milestone to present a compilation in 3 parts: PAST, RE-IMAGINED AND FUTURE: honouring the labels tradition of always paying homage to what has come before while setting sights firmly forwards.

With 100-odd releases in their extended back catalogue covering every imaginable style and boasting influence in every inhabited continent on earth, it’s been quite a decade for the independent label, which began on a shoestring budget with funds made via the now legendary Rhythm Section pool hall parties in Peckham.

From humble beginnings to an era defining output - few would have predicted the slow and steady rise of the imprint and the impact it has had on generations of Dj’s, musicians and listeners - at home and abroad.

Spanning 6 discs and 30 tracks, the compilation begins by taking us on a walk down memory lane and presenting one track from each year of the labels output - highlighting some forgotten classics from the archives over the first 2 discs. For discs 3 & 4, the label invited it’s stable of artists to pick a track from the back catalogue to re-imagine in their own style. This process resulted in some incredibly playful contributions from the likes of Ruf Dug, Session Victim and Private Joy - whose playful reinterpretations add new depth to old material.

Finally, the last 2 discs are entirely new material for 2024, carrying the torch of the previous SHOUTS compilations - whose sole aim is to shine light on new music from emerging artists