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Vier Jahrzehnte Alphaville! Als eine der wenigen deutschen Bands hat es die von Marian Gold, Bernhard Lloyd und Frank Mertens gegründete Pop-Formation geschafft, sich mit Hits wie „Big in Japan“, „Forever Young“ oder "Sounds like a Melody" einen festen Platz in der internationalen Musikszene zu erobern und Generationen von Fans zu begeistern. Und das bis heute: Im Herbst erscheint die erste karriereübergreifende Werkschau der Band: „ALPHAVILLE FOREVER! - BEST OF 40 YEARS“ wird ab dem 27. September 2024 auf CD und Vinyl erhältlich sein - auf den Tag genau 40 Jahre nach der Veröffentlichung des Debütalbums „Forever Young“.

Die 3-CD-Version (Digipack) enthält 40 Tracks und ein 20-seitiges Booklet, die gekürzte LP-Version (180g) eine bedruckte Innenhülle mit Credits und vielen Fotos sowie in der limitierten Erstauflage ein exklusives Poster. Das Besondere: die Fans von Alphaville stimmten im Vorfeld weltweit über die Tracklist der 3CD ab. Über ein spezielles Voting-Tool konnten sie ihre 40 Alphaville-Lieblingssongs auswählen, in die gewünschte Reihenfolge bringen und als Playlist abspeichern.

"Spell Shock" ist die fulminante Rückkehr der Satanic Speed Metal-Beschwörer und Provokateure aus Portland, BEWITCHER. Im Verlauf eines Jahrzehnts, während dessen sie musikalische Dunkelheit manifestiert und die von Motörhead und Venom gelegten Grundlagen mutwillig mißbrauchten, haben BEWITCHER bewiesen, dass sie zu Recht zu den meistbeachteten Bands des Undergrounds gehören und mit Bands wie Cavalera, Municipal Waste und Creeping Death (um nur einige zu nennen) den Asphalt aufgewühlt haben. Auf "Spell Shock" geht das Trio nicht nur bei Tracks wie dem bombastischen Opener "Starfire Maelstrom" zurück zum Gaspedal, sondern schwelgt auch im Rock mit "Out Against the Law" oder wird beim elegischen "We Die In Dust" liturgisch. Diesmal haben BEWITCHER niemand Geringeren als den legendären Gitarristen, Songwriter und Metal-Punk-Fanatiker Lars Frederiksen (Rancid, Old Firm Casuals) engagiert, um ihr Hell-and-Back-Chaos zu beschwören, und das Ergebnis ist absolut unheilig. Selten klangen Hellfire so gut. "Spell Shock" ist erhältlich als: Standard CD Jewelcase, schwarze 180g LP im Klappcover, Digitales Album.

Saxophonist Walter Smith III pays homage to his hometown of Houston, Texas on his sophomore Blue Note album, three of us are from Houston and Reuben is not, the follow-up to 2023’s return to casual. The album’s wry title signifies the lineup, which includes fellow Houston natives – pianist Jason Moran and drummer Eric Harland – while bassist Reuben Rogers, who hails from the Virgin Islands, rounds out the quartet. Together they enliven 10 compelling Smith originals and an imaginative rendering of a Sam Rivers composition – all of which speaks to Smith’s ascending status as one of modern jazz’s most engaging talents of his generation.

Die britisch-bengalische Musikerin Tara Lily aus Südlondon verbindet auf ihrem Debütalbum "Speak In The Dark" Alternative-R&B, Jazz, Electronica und traditionelle indische Klänge zu einer einzigartigen Fusion. Produziert von Dom Valentino, sind ferner US-Jazz-Trompeter Theo Croker, UK-Rapper Surya Sen und Archy Marshall (aka King Krule), mit dem sie schon die Bühne teilte, beteiligt. Erste EPs erschienen bei Motown UK, der Musikexpress zählte sie zu den hochgehandelten internationalen Newcomer*innen 2023".

- "Spellbinding" - The Guardian

- "Beautiful, melancholic" - Jamie Cullum, BBC Radio 2

- "One to watch!" - Jamz Supernova, BBC 6Music

- "An all-star jazz collaboration." - Clash

- "One to watch for 2024" - Simon Phillips, Jazz FM

- "Soulful and heartfelt" - Jack Saunders, BBC Radio 1

Limited to 500 copies! No repress! Transparent red vinyl! Hype sticker on front! 1961 schwappten die ersten Tropfen der neuen Surf-Welle in den Äther. Eine Gruppe kalifornischer Teenager namens The Belairs veröffentlichten mit "Mr. Moto" das ersten lupenreine Surf-Instrumental und viele weitere sollten folgen. Es war ein Lebensgefühl, es ging um Freiheit, Rebellion gegen die miefigen 50er, um Party und natürlich um die nächste Welle. All das spielte sich vorzugsweise im sonnigen Kalifornien ab. Der erste Hit des Genres war "Misirlou" von Dick Dale, das 1962 veröffentlicht wurde. Der Track stellt deutlich die drei Hauptkomponenten des Surf heraus: ein tragendes Gitarren-Thema (eben kein Gesang!), exotische Harmonien und Akkordfolgen sowie ein gehöriges Maß an Wildheit und Lautstärke! Leo Fender entwickelte dann für Dick Dale zwei Innovationen, ohne die die Surf-Musik nicht das geworden wäre, was sie ist: Den Fender Reverb - ein separates Federhall-Gerät - und den Fender-Showman-Verstärker. Dieses Equipment gehört gerade für Puristen auch heute noch zur Grundausstattung eines Surf-Gitarristen, der seinen Job ernst nimmt. Natürlich gab es jede Menge Bands, die nur eine oder zwei 7"-Singles veröffentlichten, die lokal verteilt oder bei Gigs verkauft wurden. Man braucht schon einen Mann mit Spürnase, um die Juwelen rauszupicken und die entsprechenden Preise für das Kleinvinyl zu zahlen. Unser Mann heißt DJ Crille, seinerseits Resident im Komet! Club in Hamburg (nahe Reeperbahn), und anerkannter Surf-Spezialist. Nebenher ist er auch für die Vocal Group Madness! LP und die Born To Hula Doppel-LP in der DJ Set Serie -beide auf Stag-O-Leeverantwortlich. Surfin Burt"s Surfin Safari! - Vol. 2 ist praktisch die perfekte Welle.

Die britische Band The Telescopes wurde 1987 gegründet. Das Line-up der Band ist seitdem im stetigen Fluss, so können zwischen 1 und 20 Musiker*innen an einer Aufnahme beteiligt sein. Die einzige Konstante ist der aus Northumbria stammende Stephen Lawrie, Komponist und Gründer der Band. Ursprünglich bei Cheree Records gesignt, wechselte die Band später zu What Goes On Records und erreichte regelmäßig die Spitze der Indie-Charts; ein Deal mit Creation Records führte dann auch zu einem größeren Mainstream-Erfolg. Die Musik der Telescopes kennt keine starren Grenzen, sie umfasst viele Genres und folgt - stets von Stephen Lawries Inspiration geleitet - ihrem eigenen Kurs. Im Laufe der Zeit hat sich gezeigt, dass die Musik von The Telescopes nicht nur dem wiederholten Hören standhält, sondern auch bei jedem Hören etwas Neues offenbart - ein roter Faden, der sich durch ein äußerst einflussreiches, mehr als drei Jahrzehnte umfassendes Werk zieht. The Telescopes wurden als Einfluss auf viele Künstler aller Genres auf der ganzen Welt zitiert.

Die britische Band The Telescopes wurde 1987 gegründet. Das Line-up der Band ist seitdem im stetigen Fluss, so können zwischen 1 und 20 Musiker*innen an einer Aufnahme beteiligt sein. Die einzige Konstante ist der aus Northumbria stammende Stephen Lawrie, Komponist und Gründer der Band. Ursprünglich bei Cheree Records gesignt, wechselte die Band später zu What Goes On Records und erreichte regelmäßig die Spitze der Indie-Charts; ein Deal mit Creation Records führte dann auch zu einem größeren Mainstream-Erfolg. Die Musik der Telescopes kennt keine starren Grenzen, sie umfasst viele Genres und folgt - stets von Stephen Lawries Inspiration geleitet - ihrem eigenen Kurs. Im Laufe der Zeit hat sich gezeigt, dass die Musik von The Telescopes nicht nur dem wiederholten Hören standhält, sondern auch bei jedem Hören etwas Neues offenbart - ein roter Faden, der sich durch ein äußerst einflussreiches, mehr als drei Jahrzehnte umfassendes Werk zieht. The Telescopes wurden als Einfluss auf viele Künstler aller Genres auf der ganzen Welt zitiert.

September 23rd ist die erste Veröffentlichung in William Basinskis neuer Arcadia Archive-Serie. September 23rd wurde im September 1982 in seinem ersten Loft im vormodernen DUMBO-Viertel in Brooklyn, New York, aufgenommen und ist ein erst kürzlich wiederentdeckter früher Eintrag in seinem inzwischen äußerst inspirierenden und einflussreichen Katalog. Ausgehend von einem Klavierstück, das Basinski Mitte der 1970er Jahre in der High School komponierte, entwickelte sich September 23rd schnell zu einem ganz anderen Werk. Wie Basinski erklärt: ,The original piano recordings were made on on a piano belonging to my downstairs neighbor, John Epperson - later known more famously as world-renowned drag artist, Lypsinka - at 351 Jay Street aka Casa Degli Artisti, our first loft in New York. It was recoded with a little portable (probably Radio Shack) cassette deck sitting on the piano as I improvised a piece I had been working on since high school. It was pretty terrible, but when I did the John Giorno/William Burroughs cut-up technique, suddenly I had something to put through the Frippertronics loop and feedback loop tape delay system - and boy did I get results. A very prolific time for a young, wacked-out queen in NYC."

September 23rd ist die erste Veröffentlichung in William Basinskis neuer Arcadia Archive-Serie. September 23rd wurde im September 1982 in seinem ersten Loft im vormodernen DUMBO-Viertel in Brooklyn, New York, aufgenommen und ist ein erst kürzlich wiederentdeckter früher Eintrag in seinem inzwischen äußerst inspirierenden und einflussreichen Katalog. Ausgehend von einem Klavierstück, das Basinski Mitte der 1970er Jahre in der High School komponierte, entwickelte sich September 23rd schnell zu einem ganz anderen Werk. Wie Basinski erklärt: ,The original piano recordings were made on on a piano belonging to my downstairs neighbor, John Epperson - later known more famously as world-renowned drag artist, Lypsinka - at 351 Jay Street aka Casa Degli Artisti, our first loft in New York. It was recoded with a little portable (probably Radio Shack) cassette deck sitting on the piano as I improvised a piece I had been working on since high school. It was pretty terrible, but when I did the John Giorno/William Burroughs cut-up technique, suddenly I had something to put through the Frippertronics loop and feedback loop tape delay system - and boy did I get results. A very prolific time for a young, wacked-out queen in NYC."

(18,68 EUR netto)
Endlich auch hierzulande wieder auf LP erhältlich: Dean Martins legendäres Album „A Winter Romance“
aus dem Jahr 1959. Dino croont lässig, smooth und mit einem Hauch Humor nicht nur Weihnachtsklassiker
wie „Winter Wonderland“ und „Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!“, sondern auch Love Songs mit
Winter-Thematik wie den Titelsong und „Baby, It’s Cold Outside“.
Remastert von den Originalbändern und mit dem legendären Originalcover, auf dem Martin eine hübsche junge Frau umarmt und gleichzeitig einer zweiten zuzwinkert, ist diese LP-Wiederveröffentlichung ein
Fest für Ohren und Augen.
140g-Pressung im Singlesleeve mit Original-Linernotes.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Haze'n'Fader return with a superb EP, a part two of their epic Amen 2 That series. The first one sold out within a few weeks, so this follow up is sure to fly out. Mixing various styles from various eras, each track is a deep dive into original old skool mayhem! Unmissable!

The follow up to the largely instrumental (and apparently sold out) "FUSION TO ILLUSION" LP takes us back to the deep house + boogie RNB zone this duo does so well. Side A sees a previous 7" only tune "PURPLE" get a 12" treatment alongside instrumental "EAR DREAMIN". The flip has instrumentals.

Untitled 7' is a new track originally started in the 90's and never finished, now brought up to date. Featuring the huge Straight Outa London vocal, alongside some tasty amen edits, lush strings and a killer bassline. Made on an Akai Sampler for the original authentic sound, this track fits perfectly into the Golden era.

'Untitled 8' was made at the same time as the early Heavyweight releases, and like Volumes 1,2 and 3 was engineered by the Original Don 'Dillinja". You can really hear the heavy bass that is synonymous with everything that came our of that vibey Brixton studio!

Season by season, we raise a toast to our artists and guests by creating a new collection of sounds. Cafe Soda Selects Volume One captures all the memories of the past year. The A-side starts with Crymes . The track captures the essence of summer with its vibrant dub rhythms and sultry 90s vibes, featuring irresistibly sexy vocals that embody pure feel-good energy. A2 sets the stage for Ben Balances , a vibrant track that seizes the eclectic energies of people, weaving together dynamic rhythms and the deep essence of souls. It is a musical journey that celebrates the unique spirit and rhythmic soulfulness inherent in us all. On the flip, check out the two originals from FMN, the latest project by Frag Maddin and Najeh. is a catchy groove that easily grabs every dancer with its rolling bassline. The song has no breaks, allowing ravers to stay in trance. With , B2 celebrates a raw house anthem with a memorable theme, thick kick, banging clap, and a wild hi-hat swing. An homage to the 90s powerhouse era.

"“Few artists combine the thrills of danceable pop with a higher purpose, but that's exactly what Israeli singer Noga Erez does”
– NPR Music

“One of Israel’s few breakthrough indie stars… and one of the country’s most hyped artists”
– The Guardian

July 17, 2024 (New York, NY): Today, alt-pop singer, rapper & multi-hyphenate Noga Erez debuts her brand new single and accompanying music video entitled “AYAYAY” featuring sensational Argentinian rapper Dillom, out via Neon Gold/Atlantic Records. The track marks the latest single off Erez’s highly-anticipated, third studio album THE VANDALIST out Friday, September 20.

“AYAYAY” sees Erez and partner ROUSSO dabble in the world of reggaeton, layering her dynamic and wide-ranging vocals with lyrically packed bars, over a frenetic house beat. The sexy, tropical track emblemizes the romantic appeal of the “papí azucar” (“sugar daddy”) along with extravagant living from both the male (provided by Dillom through a brilliantly crafted verse) and female perspectives, the desire to maintain it, and the self-imposed expectation to chase it when a relationship doesn’t live up to standards. Directed by Erez & ROUSSO, the music video for the track, filmed almost entirely through a kaleidoscope lens DIY-style, is brimming with personality as Erez lives her best life.

THE VANDALIST is a satirical, yet confessional look at real and online life, the project arrives brimful of monster tunes, intricate production, wit, charm and attitude, representing a significant leap from her previous work, expanding her emotional range from sultry to savage, and demonstrating even greater ambition with quickfire lyrics, broadened vocal styles, and the elaborate backing crafted with partner and producer ORI ROUSSO. THE VANDALIST primes Noga for yet another evolution in her musical journey, which is set to resonate strongly with listeners everywhere.

Recently released singles include “PC People (feat. ROUSSO),” along with title track “Vandalist,” and “Come Back Home,” all of which are joined by official “Against The Machine (Live)” performance videos, streaming now at YouTube
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In 2013, a New Zealand teenager named Daniel Johann Lines quietly uploaded his debut album, melanchole, to Bandcamp under the moniker salvia palth. The LP was a homespun collection full of vulnerable, self-recorded songs about the overwhelming messiness that comes from growing up and figuring out who you are. Despite modest intentions, the record resonated profoundly with millions on platforms like Tumblr and Youtube, maintaining momentum through the TikTok and streaming era. menchole remains a wildly influential lo-fi release, a moving portrait of youth in turmoil. Over a decade later, Lines returns to the project with a new full-length titled “last chance to see”. Out February 16 via Danger Collective Records, the now 27-year-old musician offers his most fully formed and ambitious effort yet. last chance to see is not only a complete artistic reinvention but one that gracefully closes the chapter on a formative period of the songwriter’s life. His decision to revisit the salvia palth moniker is intentional and integral to the album.

'In `All This and So Much More' Tasha is an artist flung open. For Tasha, the last few years have been propulsive, dynamic, bursting at the seams. They've included painful encounters with grief; a sudden break up; new flirtation; new hair; the glitter of world travel and not least, a role in Tony-nominated Broadway musical `Illinoise' which adapts Sufjan Steven's `Illinois' for the stage. If `Tell Me What You Miss The Most' was an introspective meditation on love with a few moments of glancing toward what's next, `All this and So Much More' is Tasha turned outward, flourishing, telling us what it's like to take life by the chin and look it in the eye. Take, for example "Eric Song." This was the first song to be written on the album, penned while Tasha grappled with the sudden, tragic death of Eric Littman, the co-producer of her last album. Though the instrumentation is a familiar 3/4 guitar strum, lulling us into a comforting waltz, Tasha's voice is breathy with grief, adding depth and dimension to the hushed sound. "No, I'm not alone after all / You must be near / Facing this soaring sprawl," she sings, transforming the experience of loss into a talisman of love and courage meant to help usher in a new self. Said a different way, `All This and So Much More' is a full-throated ode to all of the ups and downs of becoming. In the opening track, "Pretend," when Tasha sings about "feelings outgrowing this little life," we get the sense, both lyrically and sonically, of someone in the throes of growth. This is an album crafted with a big, ambitious sound (in part, thanks to the production of Gregory Uhlmann)_cinematic droning, orchestral woodwinds, dazzling arrays of jangling guitar, all lining up to capture a sweeping moment in Tasha's life. Written over the course of 2022 and 2023, right on the cusp of Tasha being cast in Illinoise, the songs in this album invoke friendship, heart ache, flirtation, doubt. From the social anxiety of "Party" ("Do they think I'm funny? / Did they like my jokes last night?") to the questing for meaning in "So Much More," Tasha brings us along on a journey of finding out that the person you wanted to be was inside of yourself, just waiting to bloom all along. She sums it up neatly in her final track, "Love's Changing," charging us with a brilliant, sweeping vision of the future, singing: "Suddenly the world is bigger than it ever felt before / Feel the weight of my future sinking in / See the joy I'm running toward." In `All This and So Much More,' Tasha asks us to consider abundance in its truest form. Our lives, a deluge of possible experience if only we will surrender to it, all the way from the citric ache of heartbreak to the chest bloom of new adventure.

'In `All This and So Much More' Tasha is an artist flung open. For Tasha, the last few years have been propulsive, dynamic, bursting at the seams. They've included painful encounters with grief; a sudden break up; new flirtation; new hair; the glitter of world travel and not least, a role in Tony-nominated Broadway musical `Illinoise' which adapts Sufjan Steven's `Illinois' for the stage. If `Tell Me What You Miss The Most' was an introspective meditation on love with a few moments of glancing toward what's next, `All this and So Much More' is Tasha turned outward, flourishing, telling us what it's like to take life by the chin and look it in the eye. Take, for example "Eric Song." This was the first song to be written on the album, penned while Tasha grappled with the sudden, tragic death of Eric Littman, the co-producer of her last album. Though the instrumentation is a familiar 3/4 guitar strum, lulling us into a comforting waltz, Tasha's voice is breathy with grief, adding depth and dimension to the hushed sound. "No, I'm not alone after all / You must be near / Facing this soaring sprawl," she sings, transforming the experience of loss into a talisman of love and courage meant to help usher in a new self. Said a different way, `All This and So Much More' is a full-throated ode to all of the ups and downs of becoming. In the opening track, "Pretend," when Tasha sings about "feelings outgrowing this little life," we get the sense, both lyrically and sonically, of someone in the throes of growth. This is an album crafted with a big, ambitious sound (in part, thanks to the production of Gregory Uhlmann)_cinematic droning, orchestral woodwinds, dazzling arrays of jangling guitar, all lining up to capture a sweeping moment in Tasha's life. Written over the course of 2022 and 2023, right on the cusp of Tasha being cast in Illinoise, the songs in this album invoke friendship, heart ache, flirtation, doubt. From the social anxiety of "Party" ("Do they think I'm funny? / Did they like my jokes last night?") to the questing for meaning in "So Much More," Tasha brings us along on a journey of finding out that the person you wanted to be was inside of yourself, just waiting to bloom all along. She sums it up neatly in her final track, "Love's Changing," charging us with a brilliant, sweeping vision of the future, singing: "Suddenly the world is bigger than it ever felt before / Feel the weight of my future sinking in / See the joy I'm running toward." In `All This and So Much More,' Tasha asks us to consider abundance in its truest form. Our lives, a deluge of possible experience if only we will surrender to it, all the way from the citric ache of heartbreak to the chest bloom of new adventure.

Perhaps best described as a pioneer of the underground experimental scene, the signature of Jørgen Teller on the musical landscape of Denmark traces back to the late 1970’s. Sprung out of a whirlpool of post-punk and art school ideas, Teller has relentlessly been chiseling away on the constrictions of music in various bands, collaborations and solo projects ever since. Searching out its farthest outposts - be it free jazz, noise or acousmatic music - Teller has strived towards an approach to music without rules, often by way of improvisation and usually with the aid of electric guitar.

This album is based on a live performance held at the Inter Arts Center in Malmö in early 2022, where Teller performed a semi-improvised piece in homage to the poet Poul Borum, whom he had worked with in the mid-90’s closely before Borum’s death in 1996.

As a composer, Teller relies on a set of “basic choices” that becomes a “precise point of departure” - where he can then go against his “good knowing” of the science, trends and different schools of music and go straight into his own instincts as a performer. For this performance, he used pre- recorded material of three rhythm boxes (all out of sync), timbales and sessions on Erica synths.

In dialogue with the label, Teller has focused on extracting the recording of the rhythm boxes and timbales alone, emphasizing the tension between the rhythms. With minimalist drum sequences that could easily be placed in a proto-techno context, and the whooshing of what might be an ancient rhombus instrument, there is a feeling of a primitive presence to Teller’s rhythmic excursions. A throwback to the spiritual realms of a wordless society fighting the demons of chance.

Occasionally pierced by stark industrial drum crashes and rattling post-punk percussion, it also conjures echoes from the darker side of the 1980s. In citing Borum as its inspiration, Teller shares that he channels the poet’s energy and their shared love of “noisy stuff and darkness”.
But the pace can also go somewhere close to breakbeat on track B2, where a whirlwind of rhythmic elements clash into a deranged deconstructed club tune.

The album also features a remix by a fellow colleague of the acousmatic community; the composer Jacob Riis. On the closing track B3, Riis quietly manipulates and balances the elements of Teller’s recordings and gently releases them into a contemplative pool of static.

From Quinteros’ early rockabilly singles to his San Fran folk rock with the Au-Go Go’s, this collection highlights his Brent singles along with unissued material, acetates, demos & outtakes! Includes a booklet with liner notes & an interview with Eddie!

Eddie Quinteros was one precocious kid. Before he was old enough to drive, he was singing on live TV and flying to Hawai’i to rock out at stadium gigs. When his contemporaries were still in high school, he was hitting the charts with a tune he wrote himself, playing on an Alan Freed package tour, and making multiple appearances on American Bandstand. And before the San Francisco singer/guitarist was out of his teens, he’d already been screwed over by a shifty manager and sworn off the music business.

Along the way, Quinteros cut a handful of jumping singles showing that if he’d had the right breaks, he could have altered history. Ritchie Valens wouldn’t have been the era’s only Chicano rock ‘n’ roll hero. Quinteros’ Southern rockabilly influences are audible in his early singles, but they’re filtered through the more citified point of view of a San Francisco teen. And in the mid ‘60s, he reinvented himself as the frontman for the Au Go-Go’s, turning out a chiming, folk-rock flavored sound more in line with labelmates and fellow S.F.’ers the Beau Brummels.

All of Ed’s recorded output only amounted to a handful of 45s, but this collection sets things straight for posterity, featuring demos, unreleased tracks, live recordings, and acetates.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Ever-evolving the mythologies and magic of Dialect's sonic sphere, Andrew PM Hunt returns with Atlas of Green, elegantly molding unexacting details of memory and mistranslation into the framework of the British musician and composer's creative pursuit. The album imagines a young musician named Green working in a future dawning era where lost signals and enduring impulses are unearthed from the sediments of technology and time. Across twelve compositions, Green becomes the compass in an epoch of transition; one shaded with pastoral patinas and studded with the fragments of allegorical ruin. As tattered as it is tender, Atlas of Green is a patchwork of scavenged relics and bygone hues, cast through the iridescent shimmers of a mid-future in flux. Growing up on the Wirral Peninsula in North West England, Hunt was surrounded by stone age landmarks and rock carvings that infused the landscape with legend. It was beside those carvings on a residency at Bidston Artistic Research Center where he began the journey of Atlas of Green, experimenting with tape loops and exploring the center's library of sci-fi. Here Hunt also encountered the work of Italian philosopher Federico Campagna, a writer who believes we're at the end of our current world. This encouraged Hunt's exploration of how the fabric and fantasies of our current era might endure into the future of Green, as they try to make sense of the riddles of the past, utilizing broken electronics and simple acoustic instruments to create new mythic forms. This question of endurance led Hunt to inscribe Atlas of Green with its own lucid markings - sometimes almost anthemic adornments - which unfurl through the album's melancholic air as possible new metaphors for how the human spirit might persist through dark days and regain lost wisdom. As Hunt reflects, "We're not just on an endless procession through constantly better worlds. Our lack of action (on climate and inequality) feels hopeless at times. I find some comfort in the idea that maybe the world needs a new song in order to tell a new story about itself". The image of Green as a journeying adolescent in-between eras developed out of a burgeoning interest in the fantasy writing of Ursula K. Le Guin and Gene Wolfe and occurred at a point in Hunt's life where the question of starting a family was looming. Green became a device for thinking about the future, or futures, putting someone in another world and granting access to a slightly longer timeframe than one's own life. What would this person, in this as-yet-unsung world do with something as powerful as music? As Hunt notes, "I imagined them doing what we've always done with music - using it to build a map of feeling, providing boundaries and tracing the edges of our emotions, defining a space of possibility and giving voice to our intuition. This is an alternative future to the one of endless growth but one which still holds space for hopes and dreams." Mapping new folds in the passage of time, Atlas of Green is traced with an aura of sonic urgency which arises through its process-led construction. Following a series of live shows in early 2023, the record was created with an assemblage of analogue electronics and acoustic instruments, including scratched records and a broken four track, collaging studio work with recorded live recordings featuring work in progress. Where the indeterminate energies of Under~Between (2021) appeared through digital processing, Atlas of Green embraces chance encounters within the malfunctions of physical media and glitching gear. Within these interwoven clusters of organic and blemished sound, Dialect reclaims the joyfulness of the inner amateur and creates a soft landing for new seeds of magical possibility - rooted in the bounds and abundance of realism. "As a planet of people we have to deal one way or another with our finite existence. We have to deal with that loss with hope still in our hearts - our capacity to love cannot be contingent on things lasting forever, and so this image of Green is not a vision of dystopia, nor utopia but an expression of trust and an acceptance of limits."

Fabulous dubbed out Techno tunes

The principles of pleasure radiate a knowing, carnal heat throughout the genre-fluid sound of LSDXOXO. His decade of dedication to the sensibility of underground club culture has brought forth club classics interwoven with pop music hooks and subversive, tongue-in-cheek lyrics.

After four years of what LSDXOXO, real name RJ Glasgow, calls a period of “healing and self-discovery,” he is consolidating his multiplicitous sound with one compelling masterstroke: the debut album DOGMA, to be released on his own imprint F.A.G. DOGMA marks a complete paradigmatic shift: it is a poetic and fantastical performance, a route for deep escapism through an expanded musical palette including piano and guitar, and a deeply personal confessional through a fresh approach to songcrafting.

Within DOGMA, RJ meditates on the interlinked qualities of fame, infamy, lust and submission, as he rediscovers a pure, unadulterated approach to music-making, all the while adopting a futurist approach to pop music appreciation. RJ’s unmistakable signatures—the smutty dancefloor caller, the maker of irresistible bangers, the latter-day electroclash and DnB nostalgist—take on even more shades and intricacies. Despite his widespread acclaim as a collaborator with and songwriter for other artists, RJ strips DOGMA down almost exclusively to himself, carving out intentional space as a chameleonic vocalist and performer. He breathes life into the album with private thoughts, external fears and a red thread through personal themes that crystallise the album’s narrative from front to back.

The album’s promo single “Bloodlust” offers angsty, intimate indie-tronica, and musings on the intoxicating nature of love and infatuation. The lead single “Ghost” reaches beyond RJ’s Philadelphia origins to find itself in the deep south, in a sultry fever dream of coquettish R&B featuring backing vocals from close collaborator Kelela. Elsewhere on the album futuristic love, pensive pop earworms, evocative vintage dance styles and sleazy club tracks intermingle. While the DOGMA era will eventually explore remixes and reworks, the album is RJ’s purest embrace of himself and his artistry.

RJ first garnered attention as LSDXOXO in New York City with his on-the-pulse Soundcloud edits and then as part of the cult GHE20GOTH1K collective. His DJ sets and productions quickly earned him acclaim across globally-linked underground scenes. His decision to shift from sampled vocals to picking up the pen and microphone pushed his reach out to the stratosphere; his association with XL Recordings via the Dedicated 2 Disrespect EP in 2021 was a turning point for the burgeoning superstar.

This multiplicity of the LSDXOXO sound has led to enviable co-signs. These include being selected as the opening DJ for Beyoncé’s German Renaissance tour dates, remixing Lady Gaga, Pink Pantheress and Shygirl and producing five tracks for Kelela's highly acclaimed 2023 album for Warp Records, Raven. His fully-realised live show has also taken to the stage, serving fierce charisma to huge audiences at festivals including Primavera, Nuits Sonores and Rewire.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums erscheint der 1999er Klassiker von The Get Up Kids in einer Deluxe-Neuauflage auf silberfarbigem Doppelvinyl im Gatefold samt Download-Code, sorgfältig von den Originalbändern remastert und mit einer Menge Bonusmaterial versehen, darunter seltenen Demoversionen und unveröffentlichten Raritäten. "Something To Write Home About" lieferte mit seiner elektrisierend-kämpferischen Konvergenz von Power Pop, Alternative Rock und Punk die Parameter für die im Mittleren Westen angesiedelte zweite Emo-Welle und wurde zum wichtigen Rock'n'Roll-Dokument des späten Millenniums.

In 2023, underscores released her highly anticipated sophomore album Wallsocket via Mom+Pop, a 12-track narrative body of work that delves into the lives of the citizens who occupy Wallsocket, Michigan. Surrounding the campaign, she immersed fans in an alternate reality game (ARG) which led players through various local-business websites to unlock unreleased music and giveaways. Wallsocket quickly gained the attention of critics with rave reviews coming from NME, The Atlantic, The Guardian, Line of the Best Fit, and Anthony Fontano of The Needle Drop. The development of underscores’ live shows have been equally as remarkable as her recorded work. Following the Gecs tour, she hasn’t stopped touring with multiple sold out headline shows in New York, Los Angeles, Chicago, San Francisco, and London, and several festival appearances including the main stage at Lollapalooza, Electric Forest, FVDED in the Park, Capitol Hill Block Party, Meow Wolf’s Vortex Festival, and most recently Corona Capital CDMX and Governors Ball NYC. She embarked on her first worldwide headline tour selling out shows in the US, Canada, Japan, Australia, the UK, and Europe, and she’s slated to perform at Outside Lands and Reading & Leeds Festival this summer 2024. She was recently announced as direct support to her label-mate Porter Robinson on the Europe/UK leg of his worldwide tour in February 2025. To put a cap on the “Wallsocket era” underscores is releasing and extended version titled Wallsocket (Director’s Cut) which includes “four deleted scenes” from the Wallsocket story.

"There was a bird Matthew Ehler had seen in his backyard before, but he’d never really stopped to look at it.

A red-headed woodpecker, a strange-looking bird. After years of more self-destructive escapes from everyone’s respective demons and traumas, Ehler started to embrace the stillness of birdwatching. “It was something to occupy my mind,” he explains. His new hobby wouldn’t just lend Cliffdiver’s sophomore album its title, but signal a spiritual overhaul rippling through the band.

The origins of Cliffdiver go all the way back to 2017. By 2021, the line-up had settled into Ehler on guitar, Joey Duffy and Briana Wright on vocals, Gilbert Erickson on guitar, Tyler Rogers on bass, Eliot Cooper on drums, and Dony Nickels on sax. All of them veterans of Tulsa’s vibrant and interconnected music scene, they kicked up steam fast — over a host of EPs, singles, and their debut album, Exercise Your Demons , they went from DIY shows to selling out Tulsa’s famed Cain’s Ballroom.

Still, Birdwatching feels like the work of a whole different band: an album specifically grappling with abandoning cyclical behaviors and addictions that no longer serve you. It’s pop-punk maturing into grown-ass adult travails. Birdwatching is a very real take on life: Things get better, but they also get worse again, and better again, and worse again, and nobody will ever have it all figured out. In each snapshot, Cliffdiver offers a companion for those ups and downs.

Produced by Brett Romnes (Hot Mulligan, Mom Jeans, Dogleg)

“Cliffdiver is a set of splayed ribs, a whole lot of heart, and someone you can turn to when the lights refuse to turn on” —NPR Music"

The debut Creation Rebel album, originally released on pre-On-U Sound label Hitrun in 1978. The original band, featuring the drummer Eric "Fish" Clarke, had been a studio outfit known as the Arabs, now primarily remembered for their work with Prince Far I, including the classic dub set "Cry Tuff Dub Encounter Chapter 1". The rhythm tracks for this album had been laid in Jamaica but the overdubs were worked up at Gooseberry Studios in London. The experienced Dennis Bovell was the engineer, with the young Adrian Sherwood on his very first production assignment encouraging him to make it “madder” and add more and more effects.

Tristania's klassisches Gothic Metal Debüt endlich wieder erhältlich!
Limitierte Deluxe-Edition mit der klassischen Debüt-EP. "Widow's Weeds" ist nicht nur ein unverzichtbares Gothic-Album, es ist die genredefinierende
Gothic-Metal-Veröffentlichung aller Zeiten. Es gibt viele Bands mit guten Debütalben. Es gibt auch eine Menge Bands mit hervorragenden
Debütalben. Und dann gibt es gelegentlich eine Band, die scheinbar aus dem Nichts auftaucht und alle anderen in den Schatten stellt - so wie
Tristanias Debütalbum "Widow's Weeds", welches bei seiner Veröffentlichung die Metal-Welt im Sturm eroberte und die Messlatte für Gothic Metal
in ungeahnte Höhen hob. Das Bemerkenswerte an diesem Album ist, dass es gelungen ist, die reinste Essenz des Gothic Metal einzufangen, vielleicht
sogar wiederzubeleben: Kummer und Traurigkeit zu beleben und die schöne Energie hervorzuheben, die in der Melancholie steckt. Musikalisch ist
"Widow's Weeds" ein nahezu perfektes Gothic-Album, von Anfang bis Ende. Intros und Outros sind immer eine riskante Angelegenheit und haben nur
selten einen wirklichen Mehrwert auf einem Album. Diesmal jedoch nicht, denn sie fügen sich perfekt in den orthodoxen Ansatz von Tristania ein.

German Powerhouse Labels Public Possession and Running Back Team up to bring you a nostalgic tribute to 80s Disco-Synth-Pop and Balkan Self-Pity. In a blend of cultural nostalgia and contemporary resonance, be-friended artists Krystal Klear and La Raf are set to release their first collaborative record titled "Boli Boli" (It hurts, it hurts) this autumn. The record is a steamy homage to the 80s disco-synth-pop. La Raf’s vocals equipped with Krystal Klear’s sound remind us of the bittersweet memories of the bygone yet still beloved music-era from former Yugoslavia.
The song came to life during a spontaneous creative outburst when Krystal and Raf reunited in a studio in London last year. Singer La Raf, a Croatian native based in Berlin, channeled the raw emotions of a not so recent break-up regret into the lyrics of "Boli Boli."
Infused with Balkan self-pity, the song delivers a very personal experience of pain and regret, not as mere sorrow but as a confident, joyful indulgence in one's own grief. This emotional depth finds a perfect counterpart in Krystal Klear’s talent for crafting melodies
that evoke both happiness and melancholia. Together, they have created a track that is as introspective as it is danceable, offering its listeners a glimpse into a world where sadness is embraced with a sense of pride and joy, capturing the cultural tapestry of the Balkan region.

'Good Time' is the debut album from Austin, TX noise-pop band DAIISTAR, due out September 8th via Fuzz Club. Creating a narcotic blend of noise and melody, the band takes their inspiration from the neo-psychedelic era of the 80s and 90s and pull it into the future with modulating synthesisers, heavy guitars, bouncing bass lines, and spiralling hooks. 'Good Time' was produced by The Black Angels' Alex Maas and engineered by James Petralli of White Denim. Made up of Alex Capistran (guitar/vocals), Nick Cornetti (drums), Misti Hamrick (bass) and Derek Strahan (keys), DAIISTAR formed in the spring of 2020, just weeks before the pandemic started. "To us, these songs were a glimmer of light", Capistran says: "Starting a band at the peak of the pandemic to some might seem ill-timed, but to us it was a way to escape for a moment. There was something to look forward to and we kept our heads in the future. These songs guided us through some dark times and hopefully they can do the same for you. GOOD TIME is here." Pressing info for LP: 180g neon orange vinyl, printed inner-sleeve, download card included

Fusing old skool flavours with a refreshed new focus, classic production outfit Universal Project are back on the forefront, making their mark in 2024 with their debut album ‘Universal Language’.

“Music is the one that is the hero. It is the Universal Language and we carry a certain message” - Bob Marley

Regardless of dialect, location, background or era, music transcends divisions and unites us together, the language of the soul. Universal Project set out to spread their language for everyone to understand.

Alongside remixes of classic UP tracks by Jubei & Zero T, the vinyl is backed by two exclusive original productions; chest shaking sub bubbler ‘Funk’d Up’ plus the darkside groove stepper ‘Zero DB’ with Xtrah.

Electric, their third album, came out in 1987 and really caused the band to explode to new levels of fame. It contains the massive hits "Love Removal Machine", Wild Flower" and "Lil" Devil" and was produced by Rick Rubin. Electric is a seminal work, featuring some of the band"s most iconic songs. It is a departure from the band"s previous work, with a raw, agressive and stripped-down sound. The album"s opening track, "Wild Flower," sets the tone with its pounding drums, blistering guitar riffs, and Ian Astbury"s wailing vocals. Electric was a commercial and critical success, propelling The Cult to the forefront of the hard rock scene and cementing their status as one of the most influential bands of the era. The album remains a touchstone for hard rock and heavy metal fans, a classic work that captures the spirit of rebellion and the power of rock and roll. The Cult has remained an important and enduring force in the rock music world. The band has sold millions of records worldwide and has earned critical acclaim for its powerful live performances. The Cult continues to tour and record new music, and their influence on rock music shows no sign of diminishing.

Opium Warlords' sixth album "Strength!" out on Svart Records in September 2024! Opium Warlords, led by Sami Albert ”Witchfinder” Hynninen (Reverend Bizarre, The Puritan, The Candles Burning Blue), return with their sixth album Strength! It is a versatile but tight combination of pussy techno, sludge, industrial pop, hardcore punk, drone, shamanistic pulse, noise, heavy metal, old school gothic rock and march music. It is a take on European rhythmic patterns: stagnant factory beat – no groove, no swing, just a rhythm of industrialism that pierces through different genres and styles. Comparing to the dark and oppressive Nembutal (2020), Strength! is significantly more light-hearted, with its postmodern lyrics emitting from sources such as shampoo bottles and television UFO series to the Pan-Europa myth or morbid lore of death-hungry Transylvanian Iron Guard. However, the sting of irony and sarcasm is balanced with more serious subjects: Strength! is a hate/love letter to Europe and a self-reflection on Machiavellian and Nietzschean philosophies of strength and elitism. True to the band’s soul everything is covered with pure toxic misanthropy. Strength! 2LP/digital/2CD will be released 13th of September on Svart Records. Album’s first outtake, Erotomania, is out right now via digital services worldwide.

Opium Warlords' sixth album "Strength!" out on Svart Records in September 2024! Opium Warlords, led by Sami Albert ”Witchfinder” Hynninen (Reverend Bizarre, The Puritan, The Candles Burning Blue), return with their sixth album Strength! It is a versatile but tight combination of pussy techno, sludge, industrial pop, hardcore punk, drone, shamanistic pulse, noise, heavy metal, old school gothic rock and march music. It is a take on European rhythmic patterns: stagnant factory beat – no groove, no swing, just a rhythm of industrialism that pierces through different genres and styles. Comparing to the dark and oppressive Nembutal (2020), Strength! is significantly more light-hearted, with its postmodern lyrics emitting from sources such as shampoo bottles and television UFO series to the Pan-Europa myth or morbid lore of death-hungry Transylvanian Iron Guard. However, the sting of irony and sarcasm is balanced with more serious subjects: Strength! is a hate/love letter to Europe and a self-reflection on Machiavellian and Nietzschean philosophies of strength and elitism. True to the band’s soul everything is covered with pure toxic misanthropy. Strength! 2LP/digital/2CD will be released 13th of September on Svart Records. Album’s first outtake, Erotomania, is out right now via digital services worldwide.

Anna Erhard returns with her third Album Botanical Garden, on which she expertly deconstructs social mores with her trademark lightness of touch, seeking out the funny side of life's everyday's frustrations with a breeziness and genuine warmth. Available on 180g black Vinyl Side A 170 Botanical Garden B.M.G. Academy Spa Package Side B Hot Family Stash Not Rick Teeth on the King

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!