Die Wiederveröffentlichung von Connie Converses How Sad, How Lovely auf Third Man Records erscheint fast 51 Jahre nach dem Verschwinden der Singer-Songwriterin und ist damit die erste Neuauflage dieses Albums seit beinahe zehn Jahren - und das in jedwedem Format. Die Veröffentlichung umfasst 20 Tracks (darunter eine Bonus-7"-Single mit dem bislang unveröffentlichten Stück ,House" sowie einem neuen Remix von ,Playboy of the Western World", beigesteuert von Dirick Cummins), die nichts von ihrer Eindringlichkeit und Kraft verloren haben. Sie präsentieren eine Künstlerin, die ihrer Zeit um Lichtjahre voraus war.
Die Wiederveröffentlichung von Connie Converses How Sad, How Lovely auf Third Man Records erscheint fast 51 Jahre nach dem Verschwinden der Singer-Songwriterin und ist damit die erste Neuauflage dieses Albums seit beinahe zehn Jahren - und das in jedwedem Format. Die Veröffentlichung umfasst 20 Tracks (darunter eine Bonus-7"-Single mit dem bislang unveröffentlichten Stück ,House" sowie einem neuen Remix von ,Playboy of the Western World", beigesteuert von Dirick Cummins), die nichts von ihrer Eindringlichkeit und Kraft verloren haben. Sie präsentieren eine Künstlerin, die ihrer Zeit um Lichtjahre voraus war.
Black Clouds & Silver Linings is the tenth studio album by Dream Theater, released on June 23, 2009, through Roadrunner Records. It was the last album to feature drummer and founding member Mike Portnoy until his return for the band’s release, Parasomnia, in 2025. Limited edition 2LP release on clear vinyl.
Nach eineinhalb Dekaden, in denen Musiker und Produzent Christopher van Deylen alias Schiller das Publikum mit seiner ganz besonderen Mischung aus Pop, Ambient und Electro verzaubert, erschien mit Zeitreise
– Das Beste von Schiller die allererste Werkschau des deutschen Ausnahmekünstlers, welcher seine Fans
regelmäßig zu aufregenden Kurztrips in seinen ganz eigenen Soundkosmos einlädt. Ein Universum von
unbeschreiblicher Klangvielfalt, in dem Deutschlands wohl faszinierendster Elektronik-Artist in regelmäßigen Abständen von hochkarätigen musikalischen Gästen wie Owl City, Mike Oldfield, Unheilig oder dem
chinesischen Starpianisten Lang Lang besucht wird.
Mit Zeitreise – Das Beste von Schiller erschien im Dezember 2016 der allererste Querschnitt durch sein
bisheriges Schaffen, angefangen bei Auskopplungen aus Schillers Anfängen, bis hin zu Tracks der letzten drei #1-Alben Atemlos, Sonne und Future. Die Essenz von Schiller und der ideale Soundtrack zum
Träumen und Entspannen. Parallel zu Zeitreise – Das Beste von Schiller veröffentlichte Schiller das auf
der sensationellen Arena-Tour aufgenommene Live-Album Zeitreise – Live: Ein unglaublicher Rausch aus
atmosphärisch-tanzbaren Sounds, die Schiller stimmungsvoll in Live-Albumformat einfangen konnte.
Beide Versionen von Zeitreise erscheinen nun einzeln als farbige Vinyl Neuauflagen. Die Best Of Studioversion als cremeweiße 2LP, die Live-Version von Zeitreise ebenfalls als 2LP, auf transparentem Blau.
Nach eineinhalb Dekaden, in denen Musiker und Produzent Christopher van Deylen alias Schiller das Publikum mit seiner ganz besonderen Mischung aus Pop, Ambient und Electro verzaubert, erschien mit Zeitreise
– Das Beste von Schiller die allererste Werkschau des deutschen Ausnahmekünstlers, welcher seine Fans
regelmäßig zu aufregenden Kurztrips in seinen ganz eigenen Soundkosmos einlädt. Ein Universum von
unbeschreiblicher Klangvielfalt, in dem Deutschlands wohl faszinierendster Elektronik-Artist in regelmäßigen Abständen von hochkarätigen musikalischen Gästen wie Owl City, Mike Oldfield, Unheilig oder dem
chinesischen Starpianisten Lang Lang besucht wird.
Mit Zeitreise – Das Beste von Schiller erschien im Dezember 2016 der allererste Querschnitt durch sein
bisheriges Schaffen, angefangen bei Auskopplungen aus Schillers Anfängen, bis hin zu Tracks der letzten drei #1-Alben Atemlos, Sonne und Future. Die Essenz von Schiller und der ideale Soundtrack zum
Träumen und Entspannen. Parallel zu Zeitreise – Das Beste von Schiller veröffentlichte Schiller das auf
der sensationellen Arena-Tour aufgenommene Live-Album Zeitreise – Live: Ein unglaublicher Rausch aus
atmosphärisch-tanzbaren Sounds, die Schiller stimmungsvoll in Live-Albumformat einfangen konnte.
Beide Versionen von Zeitreise erscheinen nun einzeln als farbige Vinyl Neuauflagen. Die Best Of Studioversion als cremeweiße 2LP, die Live-Version von Zeitreise ebenfalls als 2LP, auf transparentem Blau.
JeGong, known for their immersive, rhythm-driven explorations of Krautrock and experimental sound design, now take an exhilarating leap into brighter, nostalgically stranger territory. `Gomi Kuzu Can` is an electrifying journey through Kraut, Post- and Experimental Rock, delivered with the analog warmth of the '70s. Across eleven meticulously crafted tracks, JeGong embrace their roots while fearlessly expanding into neon-lit, beat-driven worlds where kinetic rhythms meet playful sonic futurism. It is music built for movement, contemplation, and the ecstatic strangeness of possibility. Their approach borrows the endurance and patience of minimalism, but they subvert minimalism's austerity with grit, distortion, and physicality. The result is music that feels alive in motion: constantly shifting, tightening, unfurling, and mutating even when its core pulse remains unbroken. "We wanted to create a `70s sound as the recording foundation - a sonic aesthetic that sets a mood through warm tape saturation. Like a kind of memory box where you can store recollections, for example from childhood, when you would spend hours by yourself watching TV and listening to the radio, often both at the same time." (JeGong) `Gomi Kuzu Can`, is hand-built, lovingly assembled from circuitry, intuition, and raw creative impulse. This tactile quality is precisely what makes the album's danceability so impactful. In blending organic rhythm with retro-electronic brightness, they've created a sound that is both familiar and refreshingly new. In the end, JeGong's sound is less a genre and more a landscape: rugged, hypnotic, austere, and strangely spiritual. It is music built on the bones of rhythm and the electricity of repetition, crafted with the precision of engineers and the instincts of explorers. FOR FANS OF Neu!, Cluster, Tangerine Dream, Swans, Mogwai, Sonic Youth, John Zorn The single colour edition comes as Glass Clear vinyl!
"Static Shock out here still pushing the finest in international punk and hardcore. This time with a smoking debut from Oslo’s Draümar. Their influences are from the same city block with groundwork laid by groups like So Much Hate and Svart Framtid. Unfortunately, the songs are blasting away at the same monumental enemies albeit with different faces. The never-ending nuclear question, societal unease, genocide, and a steadfast approach to not turn away from the constant horror of today’s world make up the tapestry of this 12”.
The intro and outro track nod and update John Carpenter’s Assault On Precinct 13 setting the stage for a flurry of cold, desperate Norwegian punk - instantly identifiable and as potent as ever. Indeed, they’ve scraped the blood, sweat and victory off the floors of Blitz and distilled it into a Molotov aimed directly at a world in constant crisis. These are chords and context against a rising fascist world where screaming is not limp response but also tactic, celebration and affirmation. Aside from the fury contained in the original tracks you get a bonus treat in the dual vocal attack on the Bannlyst song ‘Herrene’ which features original Bannlyst vocalist, Finn Erik Tangen - instantly identifiable and still just as pissed."
As Selofan's fifth studio album, Vitrioli, from 2018, is a testament to the tragedy of life. The Greek duo, Joanna Pavlidou and Dimitris Pavlidis, who recorded the album in the Fabrika Records home studio, continue on in their poetic, but heartbreaking, music set to a dance beat. Between languages (Greek, English, German, and Spanish), Selofan feels on the brink of mania with Vitroli. However, the madness is controlled, the songs are restrained hysterics that culminate into the alchemic perfection of the band's specific moody sound.
From synthpop to synthpunk elements, the twelve-track LP leads listeners through dark corridors and into haunted, empty beds. There is a resignation to a doomed destiny with Vitroli—a trait that connects all Selofan releases—as a bitter pain and loneliness that cannot, or will not, subside.
The album begins with "Give Me a Reason" whose lyrics feel universal in this day and age: Give me a reason, to get out of bed / I could just watch the ceiling instead. Its heartbreak is profound as bells and voice pads echo under Joanna's voice. The adjacent music video for the song was directed by Dimitris Chaz Lee, and the band describes the video as "depicting the fragile nature, conflicts, emotional demands, and vulnerability of each person in a relationship."
"Billie Was a Vampire" is a story about an undead creature who works at a nightclub followed by the urgency of "Black Box." Brass sounds moan against the fast beat and suggest a frenzied need to escape.
"I'm Addicted" became the second single for the LP. I am addicted, you are mine, Joanna demands of the lover. The music video, also directed by Dimitris Chaz Lee, depicts a clean, white photoshoot primed for the most beautiful creatures of the Athenian wave scene. Alex Macharias, from the legendary Greek band In Trance 95, acts as the photographer for the session, as the models pose and flail under the bright bulbs. The director states: "Addiction is a mental state, something inside all of us. It altered our perception and created a parallel world of avant-garde beings and flashy lights making us part of this everlasting bond."
For more than 25 years, Black Label Society has stood as one of heavy music’s most unshakeable pillars, delivering album after album of blues-soaked grooves, hard-hitting riffs, and soul-baring ballads. “Engines of Demolition” makes no exception to the steady rule of unrelenting commitment to pure, uncompromising, hard rock.
In 2022, Wylde was invited to honor his fallen brothers, the late great Dimebag Darrell Abbott and his brother Vinnie Paul, as part of Pantera Celebration. Writing and recording with Black Label Society over these last four years is when Engines of Demolition was born. Engines of Demolition follows the release of four singles, “The Gallows” (2024), "Lord Humungus" (2025), “Broken and Blind” (2025) and “Name In Blood” (2026), and marks the first full-length album release since Doom Crew Inc. (2021).
Black Label Society is the pure expression of the paradox of Zakk Wylde’s darkest, loudest riffs and softest soul crushing ballads. BLS is a relentless heavy, bluesy, unhinged hard-rock-metal circus quartet summoning caffeine-fueled cacophony on records and the stage. BLS songs are odes to celebration and mourning from the darkest depths to the highest of highs.
A charismatic hard rock and metal marauder recognized as a living legend and guitar icon, Wylde rose to prominence when Ozzy Osbourne chose him as his loyal axe man. Multi platinum albums, countless guitar magazine covers, Worldwide sold out tours, his own guitar and coffee brands add to Wylde’s ever-growing legacy. He gets as much joy from fronting his Black Label Society as he did playing on stage with his hero, Ozzy Osbourne, to his Black Sabbath cover band, Zakk Sabbath.
Seit mehr als 25 Jahren ist Black Label Society eine der unerschütterlichsten Säulen der Heavy-Musik und liefert Album um Album bluesgetränkte Grooves, knallharte Riffs und gefühlvolle Balladen. „Engines of Demolition“ fügt sich nahtlos ein in das unerbittliche Bekenntnis der Band zu purem, kompromisslosem Hardrock.
Im Jahr 2022 wurde Wylde eingeladen, im Rahmen der Pantera Celebration seine verstorbenen Brüder, den großartigen Dimebag Darrell Abbott und seinen Bruder Vinnie Paul, zu ehren. Während er in den letzten vier Jahren mit Black Label Society Songs schrieb und aufnahm, entstand „Engines of Demolition“. Das Album folgt auf die Veröffentlichung von vier Singles, „The Gallows“ (2024), „Lord Humungus“ (2025), „Broken and Blind“ (2025) und „Name In Blood“ (2026) - und ist das erste Studio-Album seit Doom Crew Inc. (2021).
Black Label Society ist der pure Ausdruck des Paradoxons von Zakk Wyldes dunkelsten, lautesten Riffs und sanftesten, herzzerreißenden Balladen. BLS ist ein unerbittliches, bluesiges, verstörendes Hardrock-Metal-Zirkusquartett, das auf Platten und auf der Bühne eine koffeinhaltige Kakophonie hervorruft. BLS-Songs sind Oden an das Feiern und Trauern, von den dunkelsten Tiefen bis zu den höchsten Höhen.
Wylde, ein charismatischer Hardrock- und Metal-Musiker, der als lebende Legende und Gitarrenikone gilt, wurde bekannt, als Ozzy Osbourne ihn zu seinem treuen Gitarristen machte. Multi-Platin-Alben, unzählige Titelseiten von Gitarrenmagazinen, weltweit ausverkaufte Tourneen, seine eigene Gitarren- und Kaffeemarke tragen zu Wyldes ständig wachsendem Vermächtnis bei. Er hat genauso viel Freude daran, seine Black Label Society zu leiten, wie er sie hatte, als er mit seinem Helden Ozzy Osbourne auf der Bühne stand oder mit seiner Black Sabbath-Coverband Zakk Sabbath spielte.
Mit 30 eindrucksvollen Tracks laden Svein Berge und Torbjørn Brundtland die Hörer:innen auf eine klangliche Reise ein, die tief in atmosphärische Klangwelten eintaucht. Das Album, eine Hommage an das Ambient-Genre, verbindet hypnotische Texturen, subtile Melodien und immersive Soundscapes, die den Geist beruhigen und gleichzeitig inspirieren. Als Erweiterung ihrer gefeierten Profound Mysteries-Reihe beweist Nebulous Nights einmal mehr Röyksopps unerschöpfliche Kreativität und ihr Gespür für emotionale Klangkunst. Röyksopp: "Analoge, rohe und immersive Klänge. Das ist „Nebulous Nights“ – eine ambient hafte Neuinterpretation unseres Albums „Profound Mysteries“. Live aufgenommen, fängt diese After-Hours-Session die Essenz von Nostalgie und Verweisen ein: Huldigungen und Anspielungen, die auf verschiedene Elemente des Röyksopp-Kosmos zurückgreifen. All das ist sorgfältig in eine esoterische Hülle gewickelt, durchzogen von analoger Wärme und voll kleiner Details, die aufmerksame Hörer:innen entdecken können. Doch „Nebulous Nights“ ist mehr als ein reines Hörerlebnis: Das Album möchte die Bedeutung von kritischem Denken und neugierigem Nachforschen hervorheben. Es lädt dazu ein, die eigene Vorstellungskraft und das Streben nach Erkenntnis nicht durch ein festgelegtes Weltbild oder starre Denkweisen einzuschränken, sondern offen für Wachstum und Erkundung zu bleiben. Diese Idee wird perfekt durch ein Zitat von Albert Einstein zusammengefasst: „Das Schönste, was wir erleben können, ist das Geheimnisvolle. Es ist die Quelle aller Kunst und Wissenschaft. Wer diese Empfindung nicht kennt, wer nicht mehr staunen und sich in Ehrfurcht verlieren kann, der ist so gut wie tot – seine Augen sind geschlossen.“
Für ein vollständiges, intensives Erlebnis empfehlen wir, das Album mit Kopfhörern zu hören. "
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Lasca” inaugura la trayectoria de Naturaleza Mecánica con un manifiesto sonoro contundente. TwuSheps construye un diálogo entre lo primitivo y lo tecnológico, donde la materia orgánica se fractura, muta y adquiere forma electrónica. Cada pieza funciona como un fragmento —una lasca— que revela tensiones entre instinto, máquina y territorio.
El EP avanza como un proceso de transformación: texturas rugosas, pulsos mecánicos y atmósferas densas que evocan un ecosistema futuro. Lejos de la contemplación, “Lasca” propone movimiento, fricción y evolución constante, convirtiéndose en una puerta de entrada a la identidad experimental, física y magnética del sello navarro.
Es una obra que no mira atrás: abre un camino y afirma un territorio
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Following his critically acclaimed debut "Dentsu2060" released via Lorenzo Senni's Presto!?, Tasho Ishi's second full-length album "Tasho Ishi lI" is now available on his own label T's.
tI features the new-wave Parapara anthem "Collapse Roppongihills" which became a staple at Narita Airport raves. celebrity trap rave track "DreamDrakeDrain" reminiscent of jam session between Drake and David Chronenberg. the junk entertainment track "Hellnwein" depicting modern pop utopia and its violent underbelly.
The Japanese-style Eurodance meets Philip Glass "The Bachelor" inspired by reality TV. These anthems are contemporary, pop, and carry Tasho Ishi's unique critical edge.
The second album, 'Tasho Ishi Il', is both a musical translation of Japan's diverse techno-animism and a sequel to the previous work "Dentsu2060" Techno-animism: Para Para, anime voice actors, reality TV, epics, advertising, and raves. Each track stands alone yet forms part of a larger, chronologically unfolding narrative.
While all tracks are animated by Japan-specific sound imagery, this is a pop album rather than avant-garde or abstract. In essence, it's a series of songs generated by rave trans-layers, serving as both reportage and documentation tracing Tasho Ishi's visionary city and its phenomena.
Igor Tamerlan is a stranger in his own land. Born in 1954 the Hague and spent most formative years in Paris, Igor suddenly had the urge to relocate to Bali in 1986. “I want to settle in Indonesia and marry a local girl,” he told his sister shortly before flying out.
His next journey would be as audacious as his time in the Fifth Republic. Born from a prominent Indonesian expatriate family in Paris with ties to Indonesia’s first prime minister Sutan Sjahrir, Igor earned a degree in architecture at Ecole nationale supe´rieure d’architecture de Paris-La Villette.
He could have been a brilliant architect or a political scientist (he was accepted to Sciences Po), but his passion for music distracted him from his academic works. He was after all named after Russian composer Igor Stravinsky.
During his brief stint at Sciences Po, Igor spent most of times hanging out at recording studios and rub shoulders with the likes of singer-songwriter Jean-Jacques Goldman and Michel Polnaref. He had a brief encounter with The Rolling Stones at the Cha^teau de Thoiry studio in the early 1970s.
But Igor’s musical education and his occidental eyes appeared to be ill-suited for Indonesia. His first record, titled Langkah Pertama (First Step) on the mainstream label Musica was met with a shrug and was a commercial dud. An experimental record blending the influence of Spanish motifs, Francophile production and a whiff of hip hop and ska was seen by critics as being too alien. His sarcasm-laden lyrics and his biting critique of excessive materialism among the upper tier of Indonesia’s nouveau riche in the album was met with confusion from the audience. He was just too far ahead of his time.
He left the label Musica – or may had been dropped – soon after Langkah Pertama and decided to go independent. He then relocated to Bali and set up a state-of-the-art recording studio in Sanur, across the street from Southeast Asia’s first boutique hotel where luminaries like Mick Jagger, David Bowie, Sting, Yoko Ono and Ringo Starr stayed for their holiday.
From the studio, Igor recording everything from the sounds waterfalls, geckos, minibuses to motorized rickshaw and mix them with hip hop, jazz, electronica, dub and Balinese gamelan. A visionary, Igor was the first musician to use MIDI, which started to be available globally in the early 1980s.
On paper, songs like “Bali Vanilli” should not work, a mish mash of disparate elements mentioned above, sung in three languages, Balinese, English and Bahasa Indonesia while tackling the subject of overtourism. The song was also the first to introduce rap to an unsuspecting audience. But for some strange reason “Bali Vanilli” became a sensation and overnight Igor became household name. And in 1987, long before overtourism was an issue, Igor broached the subject to a national audience in Indonesia on the possible destruction of nature and culture from tourism.
Ever an iconoclast, Igor decided to step out of the limelight following the success of “Bali Vanilli” and in early 1990s he relocated to Indonesia’s cultural capital, Yogyakarta. Here, he worked on some more experimental music while juggling as music video director. He passed away in 2018 at the age of 64.
The 10 songs in this compilation, Bali Vanilli: Experimental Pop from Paradise Island (1987-1991), are some of Igor’s best works, music that would have gone into obscurity had it not been for the diligent work of film director Alfred Pasifico Ginting, who managed to track down some of the master tapes while researching on a documentary on the musician.
These recordings have never before been released outside of Indonesia. Igor would have been proud with this reissue project.
Bei einem aktuellen Auftritt von DREAM_MEGA stand Joel Kyack allein auf der Bühne und schickte einen Soundstrom auf das Publikum los. Überwältigt von den gruseligen Frequenzen, den eindringlichen Rhythmen und den wilden, verstimmten Vocals, flüsterte ein Besucher seinem Nachbarn zu: ,Ich glaube, der Typ hat Kontakt zu Dämonen." Ob aus Angst oder Bewunderung gesagt, diese Anschuldigung ist angesichts des zweiten Albums von DREAM_MEGA, ,Control / You Are Not the Center", durchaus zutreffend. Die Platte ist voller Bedrohung. Man hört es in den mutierten Kriegsmarschen, im Dancehall-Reflux, im dröhnenden Bass. Man hört es in den kristallklaren Melodien und den sehnsüchtigen Aufstiegen. Man hört es sogar in dem Cover von Guided by Voices. Joels Beziehung zu verstörenden Klängen - dem Channeling von Dämonen - besteht nun schon seit Jahrzehnten. Seine langjährige Tätigkeit bei Landed, der Band, die er 1997 mitbegründet hat, verläuft parallel zu Joels Beiträgen zu Six Finger Satellite, Men's Recovery Project, Megafuckers, Dos Mega und Street Buddy. Diese unermüdliche Hingabe führt direkt zu dem fieberhaften Verfall seiner heutigen Arbeit, aber Dream Mega ist etwas ganz Besonderes. Entstanden aus Joels Nahtoderfahrung im Jahr 2020 - einer Woche der Schwäche, die er isoliert in Thailand verbrachte, Blut hustete und seine Bettlaken durchnässte - erobert DREAM_MEGA einen einzigartigen Raum an der Schnittstelle zwischen Konfrontation und Hingabe. Aufbauend auf seinen eigenen Erfahrungen bei Hardcore-Shows und Straßenauftritten treibt Joel DREAM_MEGA in einen antipodalen Zustand, in dem Hyperbewusstsein und befreiende Transzendenz koexistieren. Die Songs auf ,Control / You Are Not the Center" starren unerschrocken auf unsere dumme, gefährliche Welt, ähnlich wie es ein Song von Dropdead tun würde, aber gleichzeitig heben sie die Last dieser Katastrophe und drängen auf eine luftige Atempause. Ein Teil davon ist Joels kompositorischer Ansatz, bei dem er alte Holzblasinstrumente gegen digitale Synthesizer setzt und unnatürliche Schaltkreise mit menschlichem Atem kreuzt. Aber im Kern geht es um Joels dringendes Bedürfnis, mitten in der Nacht seine Angst und Traurigkeit und die Funken der Hoffnung anzusprechen und sie in etwas zu verwandeln, das sein Herz trotz allem weiter schlagen lässt. Es ist ein Akt der Klarheit und Selbsterhaltung, der so geschickt inszeniert ist, dass jeder Zuhörer die Dämonen spüren kann, die in seinem eigenen Herzen wirken. ,Control / You are Not The Center" enthält Klangbeiträge von Ryan Weinstein (Coffi n Prick), Cordey Lopez und Lisa Anne Auerbach. Es ist empfehlenswert für Fans von Hassell & Enos ,Fourth World, Vol.1: Possible Musics", Houstons Chopped-and-Screwed-Szene und Captain Beefheart.
The definition of the word 'fado' is technically 'fate', though the Portuguese meaning bound up with this term is more complex. The music itself can be fairly closely compared with that of Greek rebetika - also the American blues or the original working-class tango music of Argentina and Uruguay - and similarly takes it's common subject matter from the various cruel realities of the world. Though perhaps what distinguishes fado in character is it's often poised acceptance of the pains of life rather than protestation or resistance - as writer Paul Vernon says "It speaks with a quiet dignity born of the realisation that any mortal desire or plan is at risk of destruction by powers beyond individual control"
Death Is Not The End compile here a spine-tingling collection of fado recordings, taken from records issued in the mid 1910s through to the 1930s. The fado's Lisbon and Coimbra variants are presented here by some of the music's earliest recorded stars - spanning a time period leading up to the emergence of the fado's all-conquering star, Amália Rodrigues.
Alice Kemp is a British artist working with noise, performance, fetish objects, installation and many other forms of media. Throughout her work, she articulates a broken and illogical syntax of the subconscious through trance states, dreams, and disturbances. She has performed extensively, occasionally as an associate to the Schimpfluch-Gruppe of Swiss extreme aktionists.
It is a rarified violence that the Kemp invokes on her 9 Dreams In Erotic Mourning. Something disfigured. Something fucked. Something left behind. The subject matter of her investigations are deliberately inscrutable as she grotesquely amplifies a moment of terror, or fear, of sadness through pockets of piano melodies broken by psychoacoustic noise, razor-cut silence, ghastly vocalizations, crushed acts of physical aggression, and buckets of high-pressure suspense. Cryptic and oblique by design Kemp's work reads perhaps as a seance gone awry, certainly as private ritual made public, and as a transfiguration of literary body horror turned into a sonic nightmare that runs parallel to the works of Rudolf Eb.Er, Puce Mary, Sewer Election, and Luc Ferrari.
9 Dreams In Erotic Mourning was originally published as part of the instantly out of print boxset, On Corrosion - a 10 cassette anthology from 2019 that was housed in a handcrafted wooden box and featuring full albums from Kleistwahr, Neutral, Pinkcourtesyphone, Alice Kemp, She Spread Sorrow, G*Park, Relay For Death, Francisco Meirino, Fossil Aerosol Mining Project, and Himukalt. The collection also stood as the 50th release for The Helen Scarsdale Agency.
Known Associates ist der aufregende Nachfolger ihres gefeierten Albums The Interrogator aus dem Jahr 2024, das für viel Aufregung sorgte, und ein Fiebertraum aus Van Morrison-Hörnern und Leonard Cohen-Gefühlen und bestätigt den stetig wachsenden Ruf von Elizabeth Nelson als eine unserer wichtigsten Songwriterinnen. Wie ihre langjährige Heldin Lucinda Williams hat sich Nelson langsam aber sicher einen Namen gemacht und gleichzeitig einen immer größeren literarischen Ruf erworben, der sie zu einer gefeierten Autorin für die New York Times, den Atlantic, den New Yorker und Oxford American gemacht hat. Außerdem hat sie Liner Notes für Neuauflagen von Bob Dylan und den Replacements geschrieben. Majestätisch, bunt zusammengewürfelt und voller Geschichten über Pech, zerbrochene Erleuchtungen und Secondhand-Wunder, die jedem Fan von Richard Thompson, David Berman oder Tom Waits bekannt sein dürften, sagen Mystiker und Statistiker bereits: Known Associates ist eines der besten Alben des Jahres 2026, und Elizabeth Nelson ist eine der besten Singer-Songwriterinnen der Welt.
The compositions of Colleen, aka multi-instrumentalist CeIücile Schott, are as richly varied as they are precise. Each of Colleen"s albums are shaped by her predetermined distinct instrumentation and parameters, including works composed entirely of music boxes, pocket synthesizers, and antiquated stringed instruments. The connective essence of Schott"s music is in her ability to create pieces within this transcendent specificity that are both expansive and imbued with profound emotions. Libres antes del final is an album that reaches for the hope and desire to be truly freed from unnecessary suffering and harmful thoughts before reaching the end of one"s life cycle. Schott composed and performed Libres on the Moog Matriarch, centering the record on a pulse-driven, bubbling energy with constant momentum. She then reamped the music in one of her favorite spaces in Barcelona, Casa Montjuic, accentuating the album"s sense of movement. The reamping process adds a literal physicality to the album, as carefully chosen and placed microphones (including the famous Neumann KU100 binaural head) capture both the venue"s PA sound itself and the venue"s acoustics. Colleen"s music translates snapshots of Schott"s life into singular pieces, often instrumentally transmuting a dense web of sensations into wondrous sonic terrain. Schott"s deft manipulation of the Moog Matriarch makes each subtle adjustment feel monumental.
The compositions of Colleen, aka multi-instrumentalist CeIücile Schott, are as richly varied as they are precise. Each of Colleen"s albums are shaped by her predetermined distinct instrumentation and parameters, including works composed entirely of music boxes, pocket synthesizers, and antiquated stringed instruments. The connective essence of Schott"s music is in her ability to create pieces within this transcendent specificity that are both expansive and imbued with profound emotions. Libres antes del final is an album that reaches for the hope and desire to be truly freed from unnecessary suffering and harmful thoughts before reaching the end of one"s life cycle. Schott composed and performed Libres on the Moog Matriarch, centering the record on a pulse-driven, bubbling energy with constant momentum. She then reamped the music in one of her favorite spaces in Barcelona, Casa Montjuic, accentuating the album"s sense of movement. The reamping process adds a literal physicality to the album, as carefully chosen and placed microphones (including the famous Neumann KU100 binaural head) capture both the venue"s PA sound itself and the venue"s acoustics. Colleen"s music translates snapshots of Schott"s life into singular pieces, often instrumentally transmuting a dense web of sensations into wondrous sonic terrain. Schott"s deft manipulation of the Moog Matriarch makes each subtle adjustment feel monumental.
Baptized with a name derived from astrophysical theories about dark matter and black holes, THE HOLEUM was formed in 2014 in Alicante, Spain. Founded by former members of NahemaH, Demised, quantumXperience, Hela, Neptunian Sun, and Priest of Dawn, the quintet set out to push the boundaries of heavy music and to intensify the emotional impact of darkness in sound. Their concept is both cosmic and sonic: “THE HOLEUM is related to the dark matter that forms the black holes in the universe. THE HOLEUM is not a black hole, but black holes are formed by The Holeum. That is the idea from which we extract our concept – we are a sonic and cosmic vision of the sublime.” With their third album “Ensis” (2025), the band continues its journey through experimental metal, death doom, melodic metal, and post-metal. This work is more than a continuation – it is a condensation and expansion of their previous soundscape. “Ensis” reveals itself as finely nuanced, challenging, yet at the same time profoundly sensitive and multifaceted. The songs unfold like cosmic landscapes where heaviness and melancholy meet subtle emotionality. The intensity remains palpable, but it is complemented by a deeper sensitivity that draws the listener into a fragile balance between harshness and delicacy. “Ensis” is an album that demands and touches at once – a work that makes the complexity of human existence audible in the mirror of the universe.
E The Artist presents Six, his debut album for Nyahh Records; an incendiary opus of blown-out electronics and daring sonic abstractions, inspired by the seven seals, that posits E as a daring force within the Irish underground.
Garnering a fierce reputation both in Ireland and abroad despite minimal recorded output, the artist known as E instead boasts his infamy on the live circuit. The Nigerian-born, Dublin-based musician impressed over the years with a slew of memorable performances inspired by AfroPunkism, recontextualising contemporary black club genres into their loudest and most intense iterations. Following a brief side quest to Vienna early in 2025, E returned to Dublin relieved by the tangibility in familiarity of his surroundings. This inspired a period of personal reflection on self, mortality and religion in his cramped studio; from these sessions emerged his most substantial body of work to date in Six.
Inspired by the opening of the seven seals in the Book of Revelation, Six acts as a radical departure for E. Opener IDTYEK signals this change, a freak folk oddity that ill-prepares you for the road ahead. From MANTRAS’ obtuse techno through to RISE’s power electronics, E fulfils a listening experience intent on submission rather than interpretation. Dynamic contrasts temper the parameters of its sonic catharsis, a crescendo of geometric flow that challenges convention.
Six also extends the artist’s circle of collaborators. Ruby Eastwood and Mel Keane lend BRIDGE their poetry and creative instability respectively, frequent live collaborator Julia Louise Knifefist douses BLACKOUT with his signature guttural cries while KRAF’s obscured lyrics gives LINT a wayward edge. Bulgarian Umbrella offers the record its most substantial contribution on DROGO, a twenty minute meditation on life and death which forms the core inspiration for the album as a whole.
Six exists as a world obsessed with rationalising finality, a disorienting space between certainty and myth that stands as E The Artist’s most ambitious and strangely beautiful work to date.
Spanning dance and indie movements since their formation in Liverpool at the end of the last millennium, Ladytron have earned a unique position by carving out new sonic and conceptual space, and refusing to abide by formula or trend. In the early 2000s, the fiercely individual group were placed at the forefront of the so-called electro-clash scene (which now enjoys another revival), but with time, they came to appreciate the pop cultural moment that they had reluctantly become part of. The new album follows a period of renewed cultural presence for the band. Their 2002 single "Seventeen" unexpectedly went viral on TikTok, introducing Ladytron's sound to a new generation and amassing hundreds of thousands of fan- made clips. Their legacy was further acknowledged recently with "Destroy Everything You Touch," one of their most celebrated tracks, featured in the GRAMMY- nominated original Motion Picture Soundtrack of cult movie Saltburn, reaffirming Ladytron's enduring appeal
FUMU christens the promising new label Return To Zero (RTZ) with »Funeral Rites on Planet Saturn«, the surrendering sophomore album from Nigerian artist, self-described »negro-producer«, hedonist, and iconoclast LINTD. With production collaboration from Porter Brook and features from Samrai (Swing Ting), Porter Brook, Sam Scott Francis (GOMID), Rizmi, and Imani Jendai.
LINTD’s work emerges as a call and response between the tender, dynamic sounds of Black music across history and the surreal reality of contemporary, vulnerable Black life – a haunting dialogue. These themes are catalysed in the Black Impossible LP Trilogy, reclaiming Black utopia through sound technologies via »Smooch Soundsystem Live at The White Hotel« for Second Born (Kop-Z, Porter Brook), and »DOGTOOTH. And Other Such Tales of the Macabre« on The White Hotel’s HEAD II outlet.
While earlier works engaged with the mania, joy, and paranoia of this impossible experience, »Funeral Rites on Planet Saturn« arrives at a soulful conclusion, allowing grief to tell a truer story. In the vein of Sun Ra, Alice Coltrane, and Octavia Butler, LINTD introduces the speculative planet Saturn as a site where impossible Black being across the world can come and rest: a site for liberation and emancipation.
»This one is an act of care towards myself, and hopefully others like me. I have proven everything I want to prove this year; this one is my elixir from all the lonely grief, a place of rest.«
GAEREA ist nichts weniger als ein fantastisches Rätsel, tief verwurzelt in Extremen und leidenschaftlicher Hingabe. In weniger als einem Jahrzehnt hat das maskierte Kollektiv, das in der portugiesischen Stadt Porto gegründet wurde, unzählige dunkle Facetten des Metal getestet und präsentiert nun mit "Loss" sein fünftes Album sowie Debüt bei Century Media Records.
"Wir haben das getan, was wir immer getan haben - wir sind unserem Instinkt gefolgt", sagt der anonyme Sänger von GAEREA. "Doch etwas sagt mir, dass dieses neue Album Elemente hat, die sowohl unsere neuen als auch unsere alten Fans lieben werden - aber es ist nicht gerade genau das, was sie von uns erwarten."
"Loss" definiert GAEREA neu und verquickt Elemente aus ihrer Post-Black-Metal Vergangenheit mit eindringlichen Melodien zu raffinierten Klanglandschaften. Dabei schlüpft die Band aus dem kreativen Kokon, um sich in etwas ebenso Mitreißendes wie Unerwartetes zu verwandeln: Es gibt Klargesang. Es gibt Refrains, die so eingängig und leidenschaftlich sind wie die besten Rock- und Metal-Songs. Und doch ist es unverkennbar GAEREA.
Die maskierte und ritualisierte Bühnenpräsenz der Band ist nicht nur Teil einer Show, sondern ein integraler Bestandteil von GAEREA, der ihre musikalische Extremität auf ein philosophisches, avantgardistisches Level hebt. Ihre Uniformen bieten dabei eine gesichtslose und androgyne Leinwand, die es ihnen erlaubt, sich in vollkommen in ihre Performance zu stürzen, die nicht zuletzt durch eine gewisse Körperlichkeit in ihren Bann zieht. Trotz ihrer dunklen Präsenz versprüht die Band stets einen Hauch von Transzendenz und Positivität. Mit "Loss" verschmelzen GAEREA die Ästhetik des Extreme Metal, die Offenheit des Post-Rock und einen freigelegten, emotionalen Nerv zu einem neuen musikalischen Paradigma.
Das ist GAEREA.
"Loss" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak in O-Card, LP, Digital Album
HELP(2) ist die Neuauflage einer der beeindruckendsten Charity-Aktionen der jüngeren Musikgeschichte. Bereits 1995 schlossen sich die Größen der britischen Musikszene zusammen, um mit den Erlösen der gemeinsamen HELP-Compilation Kindern in Kriegsgebieten zu helfen. Auch 2026 ist die globale Lage verheerend. Inspiriert vom legendären Charity-Sampler HELP aus dem Jahr 1995 hat sich in Großbritannien erneut ein Community-Projekt formiert, getragen von einigen der wichtigsten Musikerinnen und Musiker unserer Zeit. Ziel ist es, in bewegten Zeiten einen würdigen Nachfolger aufzunehmen: HELP(2). Wie schon beim Original, an dem unter anderem Radiohead, Oasis, Portishead, The Chemical Brothers, Massive Attack und Blur beteiligt waren, bringt auch HELP(2) Menschen zusammen, um die lebenswichtige Arbeit von War Child zu unterstützen: schnelle Nothilfe, Bildungsangebote, spezialisierte psychosoziale Betreuung sowie Schutz für Kinder, die weltweit von Krieg und Konflikten betroffen sind. Das Album macht auf den dramatischen Umstand aufmerksam, dass heute jedes fünfte Kind auf der Welt in einem Kriegsgebiet lebt. Entstanden ist das neue Album während einer außergewöhnlichen Aufnahmewoche im November 2025 in enger Zusammenarbeit mit den Abbey Road Studios. Als Executive Producer fungierte der vielfach ausgezeichnete Produzent James Ford. HELP(2) vereint eine beeindruckende Liste internationaler Künstlerinnen und Künstler, darunter Anna Calvi, Arctic Monkeys, Arlo Parks, Arooj Aftab, Bat For Lashes, Beabadoobee, Beck, Beth Gibbons, Big Thief, Black Country, New Road, Damon Albarn, Depeche Mode, Foals, Fontaines D.C., Graham Coxon, Greentea Peng, Kae Tempest, King Krule, Nilüfer Yanya, Olivia Rodrigo, Pulp, Sampha, The Last Dinner Party, Wet Leg, Young Fathers - sowie viele weitere helfende Hände. Die kreative Leitung des Projekts liegt in den Händen des renommierten Filmemachers und Oscar-Preisträgers Jonathan Glazer und seines Teams von Academy Films, die sowohl die visuelle Umsetzung als auch die künstlerische Gestaltung von HELP(2) maßgeblich prägten. Sämtliche Erlöse des Albums kommen War Child UK zugute und unterstützen den Einsatz für Schutz, Bildung und die Rechte von Kindern in Konfliktgebieten weltweit. HELP(2) steht für Hoffnung - für Kinder, deren Leben durch Krieg zerstört wurde - und für die Kraft gemeinschaftlichen Handelns. Es ist ein eindrucksvolles Zeichen der Solidarität von Künstlerinnen und Künstlern für eine sicherere und gerechtere Zukunft. Denn kein Kind sollte jemals Teil eines Krieges sein.
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PAF stands for Pogo Amongst Flokati, Paranoia After Friday, Performative Awkward Feelings, Pop Against Formality, Pleasure And Fear, Post-Authentic Fantasy, People Acting Feral, Punk Agains Faschism, or whatever else you like.
PAF are a trio who overgrow punk, office disco, tiredness, fear, lethargy, tears, Baltic Sea beaches, mix-ups, crossroads, house-sitting, and Prosecco into electronic thickets that sometimes grow into danceable tracks, sometimes into intricate structures of electric bass, vocals, and synthesizers.
PAF are from Hamburg and consist of Anna G. on vocals and electronic percussion, Pia A. on the MS-20 synthesizer, and Felix R. on bass and vocals. Punk by other means—where the means break the form itself. Here now is the debut LP, following the legendary tape released on Happy Tapes from Leipzig. The cover was drawn by Raoul Dóre and printed in color. A printed inner sleeve offers the chance to read along with the lyrics. The whole thing will be available in spring 2026 on 200 well-pressed vinyl records.
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“I don’t get the opportunity to play a full set at 170 very often. When I do, I feel very responsible for doing my research well, as I come from a different background musically. This is a recording of a special night at Ormside where I played a lot of favourites from four decades.”
Featuring tunes by Type, Paradox and Oaysis. This is a deep and dynamic set that finely showcases Tammo’s craft and range as a DJ. Recorded at Ormside Projects on 15.11.25, playing alongside Lemon D, Lynne and Sam Purcell.
Daskal debuts on DJ Tennis’s Life and Death label today with the release of “Changes,” the first single from his forthcoming album OD, out March 6. The release marks a defining moment for the producer and composer, whose work moves fluidly between contemporary dance, film, and electronic music, and represents his first full-length statement reconnecting his compositional practice with the dancefloor.
“Changes” arrives alongside a striking accompanying video directed by award-winning filmmaker Tamir Faingold, featuring dancers from the world-renowned Batsheva Dance Company. Rather than functioning as a traditional music video, the piece uses contemporary dance as its primary language, translating the emotional charge and magnetism of nightlife into movement. Together, the single and visual introduction frame OD as a bridge between club culture and the expressive traditions of modern dance and composition.
A classically trained composer with deep ties to the world of choreography, Daskal has spent recent years creating original scores for institutions including Los Angeles Dance Project and the Royal Danish Ballet, while simultaneously developing a parallel body of work across ambient and experimental electronic music. OD emerges as a convergence of those paths: a ten-track album shaped as much by physical movement and spatial awareness as by club tradition, positioning Daskal between concert hall, black box theater, and late-night club environments.
Recorded and mixed primarily using vintage hardware — including a rare 1980s German mixer in a high-end Tel Aviv jazz studio — OD reflects a deliberate shift away from purely atmospheric writing toward rhythm, repetition, and physicality, while retaining the precision and restraint of his compositional background.
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a A1 1. Dream Of Mine
b A2 2. Mantivule
c A3 3. The Wonderment
[d] b1 1. Stars In Heaven []
[e] b2 2. Fragrance Of Paradise []
[f] b3 3. Relish The Possibility []
[g] b4 4. Eternal Hand []
[a] A1 1. Dream Of Mine []
[b] A2 2. Mantivule []
[c] A3 3. The Wonderment []
[d] b1 1. Stars In Heaven []
[e] b2 2. Fragrance Of Paradise []
[f] b3 3. Relish The Possibility []
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[a] A1 1. Dream Of Mine []
[b] A2 2. Mantivule []
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[b] A2 2. Mantivule []
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[a] A1 1. Dream Of Mine []
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[f] b3 3. Relish The Possibility []
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a A1 1. Dream Of Mine
b A2 2. Mantivule
c A3 3. The Wonderment []
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[a] A1 1. Dream Of Mine []
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[f] b3 3. Relish The Possibility []
[g] b4 4. Eternal Hand []
Dark yet bright, martial yet emotional, the first album by Lyon-based producer Rabbeat thrives on contrast. Hardcore becomes a narrative tool: a parable of life, woven with the hypersensitivity central to MKNK's identity.
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Transmitter ist Max Clarkes viertes Album als Cut Worms. Produziert von Jeff Tweedy im Loft Studio von Wilco, zeigt Transmitter, wie Clarke seine Fähigkeiten weiterentwickelt hat und wie zwei Künstler zusammenkommen, die in ihrer Arbeit nach Anmut inmitten von Entwurzelung suchen. Es sind Orte, die vom Mythos der Selbstständigkeit geprägt sind, an denen Menschen, die die Idee der Verbindung durch Technologie verkauft haben, zu stillen Sendern reduziert wurden - Datenpunkte, die gekauft und verkauft, manipuliert und gemessen werden und deren Leben durch genau die Netzwerke verzerrt wird, die sie eigentlich verbinden sollten. Die ersten Anzeichen für Transmitter gab es, als Cut Worms im Sommer 2024 als Vorgruppe von Wilco unterwegs waren. Am Ende der Tour lud Tweedy die Band ein, im legendären Loft in Chicago aufzunehmen, und schon bald wurden Pläne geschmiedet, im Herbst damit zu beginnen. In der gemütlichen Unordnung aus Gitarren, Verstärkern und Büchern im Loft fanden Clarke und Tweedy schnell eine gemeinsame musikalische Basis und eine gemeinsame Vorliebe für komplexe Songs. Während Clarkes Stimme und Texte den Rahmen bildeten, skizzierten Tweedys Gitarren- und Basslinien die Räume, in denen die Songs leben. Tweedys Präsenz als Produzent zeigte sich nicht in hartnäckigen Entscheidungen, sondern darin, wie er Räume kolorierte und immer wieder neue Texturen anbot. Zwischen ihnen überbrückte ihre gleichgesinnte Sensibilität eine Generationskluft, um etwas zu schaffen, das nuancierter war, als es jeder von ihnen allein hätte schaffen können. Wenn frühere Veröffentlichungen von Cut Worms von der Dekadenz des Brill Building und verrückter Americana geprägt waren, wirkt der Sound auf Transmitter dunkler, reichhaltiger und gesättigter mit der Angst des modernen Lebens. ,Long Weekend" beschleunigt die Zeit und hat die melodische Dringlichkeit von Big Star oder Dwight Twilley. ,Evil Twin" kämpft mit bitterer Enttäuschung, seine gesprächigen Gitarren erinnern an den klirrenden Herzschmerz von The Replacements und The Go-Betweens, und ,Windows on the World" neigt sich mit einer Melancholie, die irgendwo zwischen Elliott Smith und Miracle Legion schwebt, der Sonne der Zukunft zu. Der letzte Titel ,Dream" bringt uns zurück auf eine vertraute Ebene: Clarke allein am Klavier, zart und unentschlossen, grübelt er über das Schicksal von Träumen und das Risiko, zu kurz zu kommen oder sich auf dem Weg zu verlieren. Transmitter zeigt Clarke in voller Fahrt, der mit der Überzeugung eines Menschen schreibt, der seinen Frieden mit der Ungewissheit gemacht hat. Diese Songs setzen sich mit den Kosten des Komforts auseinander und kehren zu der Idee zurück, dass Schönheit, Verbundenheit und Liebe keine Luxusgüter sind, sondern Überlebensnotwendigkeiten. Clarke fühlt sich zu Paradoxien hingezogen - der Reibung zwischen Intimität und Flucht, Glauben und Zweifel, Schatten und Licht. Seine Vergebung kommt, wie die des abgeschnittenen Wurms, durch Übertragung zustande: durch den Akt, etwas Zerbrechliches in den Lärm zu entlassen und darauf zu vertrauen, dass es noch immer spürbar ist.
Transmitter ist Max Clarkes viertes Album als Cut Worms. Produziert von Jeff Tweedy im Loft Studio von Wilco, zeigt Transmitter, wie Clarke seine Fähigkeiten weiterentwickelt hat und wie zwei Künstler zusammenkommen, die in ihrer Arbeit nach Anmut inmitten von Entwurzelung suchen. Es sind Orte, die vom Mythos der Selbstständigkeit geprägt sind, an denen Menschen, die die Idee der Verbindung durch Technologie verkauft haben, zu stillen Sendern reduziert wurden - Datenpunkte, die gekauft und verkauft, manipuliert und gemessen werden und deren Leben durch genau die Netzwerke verzerrt wird, die sie eigentlich verbinden sollten. Die ersten Anzeichen für Transmitter gab es, als Cut Worms im Sommer 2024 als Vorgruppe von Wilco unterwegs waren. Am Ende der Tour lud Tweedy die Band ein, im legendären Loft in Chicago aufzunehmen, und schon bald wurden Pläne geschmiedet, im Herbst damit zu beginnen. In der gemütlichen Unordnung aus Gitarren, Verstärkern und Büchern im Loft fanden Clarke und Tweedy schnell eine gemeinsame musikalische Basis und eine gemeinsame Vorliebe für komplexe Songs. Während Clarkes Stimme und Texte den Rahmen bildeten, skizzierten Tweedys Gitarren- und Basslinien die Räume, in denen die Songs leben. Tweedys Präsenz als Produzent zeigte sich nicht in hartnäckigen Entscheidungen, sondern darin, wie er Räume kolorierte und immer wieder neue Texturen anbot. Zwischen ihnen überbrückte ihre gleichgesinnte Sensibilität eine Generationskluft, um etwas zu schaffen, das nuancierter war, als es jeder von ihnen allein hätte schaffen können. Wenn frühere Veröffentlichungen von Cut Worms von der Dekadenz des Brill Building und verrückter Americana geprägt waren, wirkt der Sound auf Transmitter dunkler, reichhaltiger und gesättigter mit der Angst des modernen Lebens. ,Long Weekend" beschleunigt die Zeit und hat die melodische Dringlichkeit von Big Star oder Dwight Twilley. ,Evil Twin" kämpft mit bitterer Enttäuschung, seine gesprächigen Gitarren erinnern an den klirrenden Herzschmerz von The Replacements und The Go-Betweens, und ,Windows on the World" neigt sich mit einer Melancholie, die irgendwo zwischen Elliott Smith und Miracle Legion schwebt, der Sonne der Zukunft zu. Der letzte Titel ,Dream" bringt uns zurück auf eine vertraute Ebene: Clarke allein am Klavier, zart und unentschlossen, grübelt er über das Schicksal von Träumen und das Risiko, zu kurz zu kommen oder sich auf dem Weg zu verlieren. Transmitter zeigt Clarke in voller Fahrt, der mit der Überzeugung eines Menschen schreibt, der seinen Frieden mit der Ungewissheit gemacht hat. Diese Songs setzen sich mit den Kosten des Komforts auseinander und kehren zu der Idee zurück, dass Schönheit, Verbundenheit und Liebe keine Luxusgüter sind, sondern Überlebensnotwendigkeiten. Clarke fühlt sich zu Paradoxien hingezogen - der Reibung zwischen Intimität und Flucht, Glauben und Zweifel, Schatten und Licht. Seine Vergebung kommt, wie die des abgeschnittenen Wurms, durch Übertragung zustande: durch den Akt, etwas Zerbrechliches in den Lärm zu entlassen und darauf zu vertrauen, dass es noch immer spürbar ist.
Sweet Pill ist eine Emo-Band aus Philadelphia, deren Songs sich zwischen Pop und Hardcore bewegen. Sie veröffentlichten ihr Debütalbum Where The Heart Is (2022) im selben Jahr, in dem sie bei Topshelf Records unter Vertrag genommen wurden, und seitdem befinden sie sich auf Erfolgskurs. Unter anderem wurde sie von Hayley Williams von Paramore wärmstens empfohlen, der ihr Song "High Hopes" so gut gefiel, dass sie ihn in ihrem Podcast "Everything Is Emo" erwähnte. Das zweite starke Album von Sweet Pill, Still There's a Glow, ist eine widerstandsfähige Antwort auf den zunehmenden Druck nach ihrem erfolgreichen Debüt Where The Heart Is. Angesichts der Erschöpfung verwarf die Band frühe Demos, um ihrer psychischen Gesundheit Vorrang zu geben, und schuf schließlich ein rohes Dokument der Selbstreflexion, das Sängerin Zayna Youssef als "das Schwierigste, was ich je tun musste" bezeichnet. Das neue Album markiert eine bedeutende Entwicklung in ihrer kreativen Dynamik und ist das erste, das vollständig als Gemeinschaftswerk von Youssef, den Gitarristen Jayce Williams und Sean McCall, dem Bassisten Ryan Cullen und dem Schlagzeuger Chris Kearney geschrieben wurde. Aufgenommen im Gradwell House mit den langjährigen Produzenten Matt Weber und Dave Downham, zielt das Album darauf ab, die kinetische Energie ihrer Live-Shows einzufangen - Auftritte, die ihnen die Unterstützung von Stars wie Hayley Williams und Doja Cat eingebracht haben. Das Ergebnis ist eine gehobene Mischung aus komplexem Math-Rock, drängendem Punk und herzlichem Emo. Als woman of color in der Alternative-Szene hofft Youssef, dass das Album und die Tournee eine vorurteilsfreie Community für die Fans fördern werden. Still, There's a Glow ist ein Beweis für das Überleben und Wachstum der Band und lädt die Zuhörer dazu ein, ihr eigenes Licht am Ende des Tunnels zu finden. CD & farbige LP erhältlich
