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LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Nach zwei Jahren ist Coyote Butterfly das erste Album mit neuen Songs von Simon Joyner, dem Singer-Songwriter aus Omaha, NE. Zwei Jahre, nachdem sein Sohn Owen im August 2022 an einer Überdosis gestorben war. Das bekenntnissreiche Album ist zunächst eine Hommage an Owen, aber was Joyner hier ebenso großzügig wie berührend teilt, ist ein intimer Einblick in den Versuch, Unfassbares zu begreifen. "Wie geht es jetzt weiter?" Diese Frage hat Simon Joyner auf nahezu all seinen Alben als Ausgangspunkt seiner Songs versucht zu beantworten. Er schrieb über das menschliche Dilemma im Allgemeinen. Um schwierige Wahrheiten zu erzählen nutze er die Fiktion seiner Charaktere, die sich durch persönliche Krisen in einer unzureichenden amerikanischen Gesellschaft kämpfen. Etwas durchgängig düsteres lag über den Erzählungen, die im Wesen allerdings nie nihilistisch waren. Das Brüchige, das auch Stilmittel seiner Musik, vor allem seiner Stimme ist, war etwas, das es anzunehmen und auszuhalten galt. Um die Eingangsfrage zu beantworten, um im Leben zu Bestehen, um zu überleben, müssen wir wissen, wo wir stehen. Auf seinem neuen Album Coyote Butterfly fehlt erstmals dieser fiktive Charakter. Es ist sicher sein persönlichtes Werk. Dennoch bietet es einen universellen Aspekt und die Antwort auf Frage, wie es weiter geht, ist diesmal die Platte und der Prozess des Songwritings und der Aufnahmen selbst. Coyote Butterfly wurzelt im Schmerz des Vaters Simon Joyner über den Tod des Sohnes, der sich überraschend kurz nach Veröffentlichung seines 2022er Albums "Songs From A Stolen Guitar" ereignete. Zwei Jahre hat es gedauert, bis sich seine Trauer zu Liedern formen konnte. Joyner fand so ein Ventil für seinen Schmerz und einen Kanal, um die unzähligen Emotionen zu verarbeiten, die seine Erfahrung umkreisen. Umgeben von einer Reihe enger Freunde, darunter David Nance, James Schroeder, Kevin Donahue, Ben Brodin und Michael Krassner, ist das Album sparsam, aber nicht karg. Eingerahmt wird es von zwei field recording-artigen Instrumentals. Dazwischen setzt sich Joyner in acht Songs mit Trauer, Angst, Scham und Liebe auseinander, legt die Kämpfe derjenigen offen, die im Kielwasser einer persönlichen Katastrophe zurück bleiben. Mit einem Album von solcher Intimität erinnert uns Joyner daran, wie wichtig es ist, Kunst zu nutzen, um das zutiefst Persönliche, auch vermeintlich Unfassbare in Schönheit umzuwandeln. Der Hörer ist eingeladen, sich mit ihm in solch eine Situation zu denken und das eigene Herz zu öffnen. Coyote Butterfly ist eine ehrliche, somit wunderschöne Beschwörung der Trauer eines Vaters, aber auch ein universelles Zeugnis für die Liebe und für das Leben, das nach einem Verlust weitergeht.

Co-founder and ever-present member of The Chesterfields, Simon Chesterfield's first solo album "Simon Chesterfield" features the results of a year long project re-imagining six of his own compositons as an orchestral performance. Co-produced by Ben Scott Turner, Rob Ellis (PJ Harvey) and Simon Chesterfield, the album was orchestrated by Charles Harrison. An imaginative video of lead track "Something" available on Youtube will accompany this release.

An ensemble of Wessex musicians were gathered together for this project, several of whom have now signed up for some Simon Chesterfield live adventures, including a launch party for the album on Friday 11th October at the wonderful Lyric Theatre in Bridport, Dorset. The players are: Joe Atkinson, Matt Barge, Jenny Bliss, Simon Chesterfield, Rob Ellis, Charles Harrison, Emma Kingston, Seiko Nemoto, Nick Squires, Helen Stickland, James Thornton, and Ben Scott Turner.

"A Singular Blend of Dynamic Post-Pop & Electronic Production Featuring The Vibraphonist’s Remarkable Quartet Special Guests Gerald Clayton and Marquis Hill Named One Of Downbeat's 25 For The Future

“His music is fresh, it speaks to everyone. Never heard anyone play vibes like that before.” -Herbie Hancock

“Best vibes player I’ve heard...” -Quincy Jones

In discussing Elements of Light, his fifth album as a leader, the vibraphonist-composer Simon Moullier often returns to a specific term: unfolding.

“This is an important word — the unfolding of a song,” says Moullier, who was born in France and lives in New York. “It’s something I’m very attached to, and something I’m always working on.” As he explains, many of his essential influences —Wayne Shorter, Milton Nascimento, Toninho Horta, Radiohead’s Thom Yorke, Ravel, — have been masterful unfolders in their writing. Moullier admires the movement and design in their music and harmony, the way one section of a tune leads into the next, everything flowing in a natural, beautiful, inviting way. Even the most serious intellectual musical concepts are rendered with a directness, a simplicity that can captivate a general audience. “For me, no matter how complex an idea can get,” he says, “clarity is always key.”

That’s a mature, evolved outlook for a millennial jazz musician to embrace, and it’s shared among Moullier’s youthful quartet featuring pianist Lex Korten, bassist Rick Rosato and drummer Jongkuk “JK” Kim. What’s more, these musicians of astonishing technical facility interact with the selflessness and good taste that Moullier’s song-focused music requires; to say it another way, they use their virtuosity to make the bandleader’s compositions sound as human and affecting as possible — never to preen."

All Nations Records present a new 12" with 2 original instrumental tracks, followed by their own dubs.
Thoses 2 tracks are the result of a collaboration between Higher Meditation and Simon Nyabinghi.
Simon sent the drum patterns to Addis from Higher Meditation, for him to play the rest of the instruments. A task he accomplished brilliantly!
The stunning melodies and bass fit perfectly with the raw drums.

Side A offers "Conquering Dub", a stepper tune that will surely be played on sound system sessions, as it has all the ingredients selectors and massives need when the dances get hot.
On B Side you will find a different groove, a tune called "Lion Dub", more down tempo, but as interesting as the first track.

SIMON AND GARFUNKEL’S SWAN SONG: BRIDGE OVER TROUBLED WATER FEATURES METICULOUS PRODUCTION, GORGEOUS SONGWRITING, AND HEALING SPIRIT
Sourced from the Original Master Tapes and Limited to 4,000 Numbered Copies: Mobile Fidelity’s 180s SuperVinyl 33RPM LP Plays with Staggering Detail, Clarity, and Definition
1/4" / 15 IPS analogue master to DSD 256 to analogue console to lathe



Unifying, soothing, comforting: Simon and Garfunkel's Bridge over Troubled Water quickly became the album of an era upon release in 1970, the benchmark set serving as a beacon of hope and hymn of reassurance during a time marked by polarizing changes, social unrest, uncertain politics, and the dawn of a new era. These uplifting reasons — to say nothing about the gorgeous songwriting, meticulous production, and watershed performances — attest to why it is more relevant than ever in our current climate. Music, Bridge over Troubled Water simultaneously suggests and proves, heals all wounds and lifts all boats.

The seminal effort Rolling Stone named the 51st Greatest Album of All Time reaches illustrious sonic and emotional heights on Mobile Fidelity’s 180g SuperVinyl 33RPM LP. Pressed on MoFi SuperVinyl and strictly limited to 4,000 numbered copies, this ultra-hi-fi collector's edition brings you closer to music that picks up where the duo's Bookends leaves off. You'll enjoy deep-black backgrounds and pointillist details. Seemingly every note, breath, and movement is reproduced with exquisite accuracy, clarity, and balance. Each rotation benefits from SuperVinyl’s ultra-low noise floor and superb groove definition.

The best-selling record in the U.S. for several years running and winner of six Grammy Awards — including nods for Record of the Year, Album of the Year, Song of the Year, and Best Engineered Recording — Bridge over Troubled Water endures as a staple of accessible sophistication, angelic elegance, effortless singing, unhinged ambition, and therapeutic spirit. While it would turn out to be the final studio set for a duo surrounded by creative and personal disagreement, Simon and Garfunkel's collaborative ethos and soaring harmonies — combined with reflective narratives centred on the American experience, friendship, romance, and farewells — combine to turn the 11-track work into a paean to resolution, reconciliation, calm, and balance.

Home to the legendary title track graced by Garfunkel's pacifying solo lead vocals as well as the equally famous folk ballad "The Boxer," Peruvian-based "El Condor Pasa," upbeat "Cecilia," and rock ’n’ rolling "Baby Driver,” Bridge over Troubled Water remains as renowned for its musical diversity as its lyrical poignancy. Moving beyond the templates they'd perfected on four prior albums, Simon and Garfunkel embrace a then-unimaginable swath of styles. Rock, pop, gospel, country, R&B, South American, and jazz strains course throughout the songs, each sparked with bold experiments yet grounded in a well-orchestrated melange of melody, rhythm, and classicism that makes everything personal, familiar, and warm.

Not for nothing is Bridge over Troubled Water one of the finest-sounding albums ever made. Featuring instrumentation helmed by members of Los Angeles' fabled Wrecking Crew as well as multiple choral and string sections, songs took hundreds of hours to complete and involved pioneering recording techniques. Evoking both Phil Spector's live"Wall of Sound" approach as well as inventive effects, Bridge over Troubled Water is a triumph of texture, atmosphere, and architecture. Our audiophile edition brings the record's unique traits to the fore.

Whether the reverberation generated by Garfunkel's cassette recorder on "Cecilia," echoing drums captured in a corridor heard throughout "The Boxer," automobile noises peppering "Baby Driver," layer upon layer of voices dotting "The Only Boy Living in New York," or echo-chamber percussion on the title track, details comes through with stunning accuracy, clarity, and dimensionality. In every regard, Bridge over Troubled Water exudes genius.

BINK!

A new style of dance music created by South African Kwaito legend Sandy B, Berlin boogie-funk monster LJ Simon and Canadian crown prince of downbeat disco, Eddie C.

Brought to you through Red Motorbike Records, 'Sukuma' is the first vinyl release to showcase Sandy B's pioneering Kwaito rap and r&b vocal stylings over the mid-tempo electronic funk championed over the years on the BIKE record series.

Join Sandy B as he embarks on his 30 year anniversary World KwaiTour this year introducing the world to the new dance sound of BINK!

"Nothing and no one can extinguish this flame within you," sings Emilie Simon from the opening title of Polaris, her first true album in ten years. An apparent long eclipse that the French singer, musician, and producer has nevertheless used to explore new territories, open uncharted paths, and reinvent her musical vocabulary and narrative threads. Like Ariane in a dreamlike world, she stretches these threads along her journey, inviting us to blindly follow.

After composing music for the film "The Jesus Roll" with John Turturro, and a musical journey between Earth and Mars through a series of singles, in 2023, Emilie Simon chose to revisit her debut album, both in the studio and on stage, to definitively close a chapter begun twenty years earlier. She also published "Phoenix," a gothic tale with a "vampiric" theme, sung and spoken in alexandrines. The central character, Lily Mercier, is the same one found at the heart of the Polaris adventure. Clearly, Lily is a projection of Emilie, on a quest for the North Star that symbolizes the never-extinguished desire to find her way. The dazzlement too, when one is a musician always eager to ignite again for the infinite mysteries of sound and to translate its shivers into songs.

This album, sung in both French and English, succeeds in combining the clarity of melodies with the demands of production. It immediately captivates (the irresistible burn of the Sun) and enchants over repeated listens, like a lasting iridescence of a thousand sonic fragments. Recorded in New York (where Emilie lived for a long time), Los Angeles, Montreal, Rome, and Paris (where she returned to settle), Polaris has its own cartography. Its universe is the standard scale, its pulsation inspired by cosmic rhythms, and its unique poetry both disturbs and captivates. A sign that nothing and no one can extinguish this flame within her.

Polycarp boss Simon Ferdinand delivers the cinematic electronica ‘Six Months’ EP in 2024, recorded across this time period and influenced by travels to Sicily, Baltimore and Zanzibar.

Hamburg, Germany’s Polycarp is the brainchild of Simon Ferdinand and has been active as a platform for the music of Simon under his own name, Basch and their music together as Bonn, as well as further notable artists such as Tilman and Johannes Albert. Here, Ferdinand returns to the imprint with another solo sonic adventure, traversing through a range of emotions and influences with elements of glitch, ambient, electro, breaks, EBM and more instilled within the project.

‘Broken’ leads the release and sets the tone through an amalgamation of hazy, glitched out jazz loops obscured and processed throughout. Title-track ‘Six Months’ then shifts towards a more ethereal deep house aesthetic with cossetting textures, stuttering synth
chords, elongated bass drones and jazzy organic drums. ‘In The Lab’ follows next and sees Basch join forces with Simon to create a haunting slice of broken beat deepness fuelled by murky low-end pulsations, saturated drums and gritty stab sequences.
First up on the flip-side is ‘The Beginning’, shifting gears towards classic electro tropes with boomy 808’s, unfurling arpeggios and twitchy resonant synth bleeps before ‘Santa Maria’ rounds out the release with a contemporary electronica feel, fusing fluttering square wave bass lines, crisp amen breaks and intricately intertwined textural elements.

»Arches« is the first collaborative album by brothers Simon and Tobias Lanz. It was written for and performed on self-built prototypes of wind instruments that were inspired by the classic pipe organ, but allowed the two composer-performers to go beyond its limitations in several ways. The music on this 40-minute long album for the Swiss Hallow Ground label was conceived and recorded by the two co-founders of the CRTTR collective and label during an artist residency in May 2022 in their home town of Bern. More than a mere document of a performance however, »Arches« combines the artists’ interest in exploring uncharted new creative and tonal ground inside of and beyond the realm of drone music with their background in visual art and design as a conceptually concise whole.

Simon and Tobias have a combined background in electronic music as well as a shared penchant for drone music. They hence designed these novel instruments in a way that allows for microtonal tuning to be able to overcome the restrictions inherent to the dominance of a twelve tone-based scale in Western music and work with a sonic palette that is much wider and nuanced than that of the conventional pipe organ. Furthermore, the physical design of these instruments widely differs from that of those which inspired them. This allows—or more precisely, forces—the musicians to freely invent and explore entirely novel playing techniques.

These factors, of course, also have an impact on the compositional process, which by design needs to be unconventional. The Lanz brothers worked with a graphic score for the four movements of the piece that forms »Arches« so as to adequately visualise the manifold tonal nuances of their instruments. This graphic score in turn was reinterpreted for the album release by Ramon Keiming, adding another dimension to it. Read from left to right, this remix of the score allows the listeners to follow an interpretation of the evolution of these dronescapes while the record plays, urging them to add their own interpretation.

This retroactive visualisation and thus spatialisation of the music is perfectly in line with its performance, which at all times factored in the acoustic affordances of the Prozess Bar in Bern. In many different ways, the Lanz brothers now invite their audience to join them there and explore the near-infinite possibilities of their curious instruments together with them. Much like Hallow Ground label mates such as Kali Malone or FUJI||||||||||TA, they are dedicated to enriching and expanding upon the musical and sonic qualities of pipe organs, but with widely different aesthetical results. To call »Arches« a unique record with an unheard-of sound is not hyperbole, but only factually correct.

Repress!

Mesh-Key is pleased to announce the release of a lavish, limited edition run of this heretofore unheard collaboration, finally seeing the light of day 15 years after its recording. Acoustic instrumentation and synthesizers meet Mukai's haunting voice for four sparse, minimalistic compositions unlike anything in either artists' previous output.
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Mesh-Key is pleased to announce the release of a lavish, limited edition run of this heretofore unheard collaboration, finally seeing the light of day 15 years after its recording. Acoustic instrumentation and synthesizers meet Mukai's haunting voice for four sparse, minimalistic compositions unlike anything in either artists' previous output.

Chie Mukai is a composer and musician from Osaka, Japan, best known for her underground improv-folk group Ché-SHIZU (PSF), which she founded in 1981. In addition to her song-based work, Mukai has been an active improviser since 1975, when she joined the East Bionic Symphonia group under the leadership of Fluxus violinist-composer Takehisa Kosugi at the Biggako Art School of Tokyo. She has since collaborated with Keiji Haino, John Duncan, Agata Morio and many others. Her primary instrument is the bowed Chinese er-hu, but she also plays piano and percussion.

Simon Goff ist Komponist, Ingenieur und Produzent und lebt in Berlin, DE. Er hat mit einigen der weltweit bekanntesten Musiker als Kollaborateur und Tontechniker zusammengearbeitet, darunter mit der oscarprämierte Komponistin Hildur Gudnadóttir für die Filme "Joker" und "Chernobyl", die ihm beide einen Grammy Award einbrachten, sowie Jóhann Jóhhansson und Apparat. Außerdem arbeitete er mit Katie Melua als Co-Autor und Produzent an ihrem 2022 erschienenen Album "Aerial Objects" zusammen. "Spark Like Living Mothers", der Nachfolger des von der Kritik gefeierten Albums "Vale" aus dem Jahr 2021, ist ein Projekt, das aus der Frage geboren wurde: Was passiert eigentlich in dem Moment, in dem alles aufhört und wieder neu beginnt? Zu diesem Zweck hat das gesamte Album seine Wurzeln in einem Arrangement, welches Goff für das extravagante Chorstück "If ye love me" von Thomas Talis erstellt hat. Das Album ist eine Sammlung von sechs Titeln mit eindringlicher, strukturierter und intuitiver Electronica und zeugt von Goffs vielseitiger Praxis. Zur Unterstützung der Veröffentlichung wird Simon Goff eine Reihe von Galerieshows in Deutschland spielen, darunter am 5. Oktober in der nüüd.berlin gallery und am 9. September in der Van Der Grinten Galerie in Köln.

Als Carly Simon bei Jac Holzmans Elektra Records unterschrieb, war dies der Beginn einer Beziehung, die auf Vertrauen und gegenseitiger Bewunderung beruhte.

Zur Feier ihrer Zusammenarbeit hat Jac eine Sammlung von Tracks aus Carlys ersten drei Elektra-Alben zusammengestellt, die seiner Meinung nach ihre Zusammenarbeit und den Bogen ihrer Partnerschaft am besten repräsentieren. Mit Erinnerungen von Jac und Carly, herausgegeben von Ted Olson, erforscht diese "Sammelalbum"-Sammlung die Art und Weise, wie ein junges Talent und ein erfolgreicher Labelboss zusammenwirkten, um einen Sound zu schaffen, der die Singer/Songwriter-Bewegung definierte, die mit dem Feminismus der frühen 1970er Jahre zusammenfiel.

Zumindest äußerlich scheint The Grape in Ventura, Kalifornien, nur ein weiteres anonymes Gebäude in einer Reihe von Restaurants und Geschäften zu sein. Doch im Sommer 2022 sollte dieser einnehmende Veranstaltungsort das lang erwartete Live-Debüt einer der beeindruckendsten Partnerschaften in der Welt des progressiven Metals und der Jazz-Fusion beherbergen. Auf der rechten Seite der Bühne stand Derek Sherinian, der seine betörenden Keyboard-Parts mit eleganter Souveränität vortrug und dabei in gefühlvoller Konzentration versunken war. Links auf der Bühne, fast verloren hinter seinem Schlagzeug, saß der renommierte Schlagzeuger Simon Phillips, dessen hypnotisierende, fliegende Drumsticks gelegentlich zwischen Becken und Toms zu sehen waren. Diese tadellose Partnerschaft wurde durch den ausgefeilten Bass von Ric Fierabracci unterstützt, wobei die unerbittliche, verspielte Double-Neck-Gitarre von Ron 'Bumblefoot' Thal ein weiteres melodisches Furnier hinzufügte. Vor 500 dankbaren Fans aufgeführt, hätte der Uneingeweihte, der am Veranstaltungsort vorbeikommt, nicht ahnen können, dass dies eine musikalische Live-Vereinigung war, die zwei Jahrzehnte lang in der Entwicklung war. Sherinian hatte seinen Ruf durch Auftritte mit Bands wie Kiss und Alice Cooper sowie durch seine Zeit bei den Progressive-Metal-Giganten Dream Theater gefestigt. Phillips' Liste der Credits war immens und umfasste die Zusammenarbeit mit Jeff Beck, Gary Moore, Joe Satriani und The Who. Das Live-Album ist erhältlich als schwarzes 180g schweres Vinyl inklusive 2-seitigem Einleger sowie als Ltd. CD Digipak mit 26-seitigem Booklet.

Seine Stärke ist ein Songwriting das musikalisch wie poetisch kratzt und schabt: am amerikanischen Traum, an dessen Wirklichkeit und den Menschen die ihn bevölkern. Immer wieder wurde seine spröde Musik und einfühlsamen Texte mit denen von Leonard Cohen, Lou Reed und Bob Dylan verglichen und somit Gewicht verliehen. Zu großer Bekanntheit führte das nicht, Simon Joyner bleibt ein outsider mit seinem Loner-folk, aber für die, die ihn entdecken bietet er ein Kraft von rauher Schönheit. Conor Obers von Bright Eyes nennt Joyner, der seit 1990 seine dunklen Americana Songs veröffentlicht, einen entscheidenden Einfluß. Simon Joyner's neuestes Album gerät noch dunkler und eindringlicher. Sein Thema hier ist Isolation, und er übernimmt es gleich auch als Grundlage für seine Produktion Ihm war es wichtig, dass die beteiligten Musiker allesamt alleine waren um ihre jeweiligen Parts zu finden. Die Abgeschiedenheit der einzelnen Musiker auf Songs From A Stolen Guitar bietet somit weniger Spontaneität vieler früherer Arbeiten von Joyner, führt aber zu einer Art Silberstreifeneffekt: Joyners Songs, die hier sorgfältiger und vielleicht absichtsvoller produziert wurden als auf jedem seiner früheren Alben, kommen viel klarer durch und stellen sowohl seine schillernden Wortspiele als auch seine klare Vision in den Vordergrund. Ein Kritiker bringt einen Vergleich zu Neil Young und meinte "Wenn (sein 2012 Album) 'Ghosts' sein 'Tonight's the Night' war - zornig, nackt und bodenlos - dann könnte sich 'Songs From A Stolen Guitar' als sein Harvest erweisen." Songs From A Stolen Guitar wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Joyner nahm seinen Gesang und seine Gitarre live in Omaha auf; Bassist Wil Hendrix fügte seine Parts zu Hause in San Francisco hinzu, Michael Krassner nahm seine Gitarren- und Klavier-Overdubs zu Hause in Phoenix auf, und Schlagzeuger/Percussionist Ryan Jewell nahm in Colorado auf. Dieser musikalische Kettenbrief machte sich dann auf den Weg zurück nach Omaha, wo David Nance (Gitarren und Backing Vocals), Ben Brodin (Orgel und Vibraphon) und Megan Siebe (Bratsche und Backing Vocals) - getrennt voneinander - ihre jeweiligen Beiträge einspielten. Dieses Vorgehen zahlt sich aus. Die "virtuelle" Band spielt eine unterstützende, aber komplementäre Rolle und erzeugt immer das richtige Maß an Spannung, um diese emotionsgeladenen Geschichten zu begleiten und zu umhüllen. Das Zusammenspiel ist einfühlsam und kohärent, auch wenn es aus geografischer Entfernung und Abgeschiedenheit zusammengefügt wurde und oft wie Musik klingt, die durch den Nebel eines Herbstmorgens gefiltert wurde. Doch wenn es um Simon Joyner-Platten geht, zahlt man sein Ticket, um großartige Songs zu hören, und auch in dieser Kategorie enttäuscht Songs From A Stolen Guitar nicht. Eins der seltenen Alben, das nach dem klingt, worum es geht: die Kluft zwischen Einsamkeit und Alleinsein, die Grenzen zwischen Liebe und Hingabe, der Unterschied zwischen dem Tornado und dem, was er hinterlässt.

Translucent Dark Red & Black Marbled Colored Vinyl. Seine Stärke ist ein Songwriting das musikalisch wie poetisch kratzt und schabt: am amerikanischen Traum, an dessen Wirklichkeit und den Menschen die ihn bevölkern. Immer wieder wurde seine spröde Musik und einfühlsamen Texte mit denen von Leonard Cohen, Lou Reed und Bob Dylan verglichen und somit Gewicht verliehen. Zu großer Bekanntheit führte das nicht, Simon Joyner bleibt ein outsider mit seinem Loner-folk, aber für die, die ihn entdecken bietet er ein Kraft von rauher Schönheit. Conor Obers von Bright Eyes nennt Joyner, der seit 1990 seine dunklen Americana Songs veröffentlicht, einen entscheidenden Einfluß. Simon Joyner's neuestes Album gerät noch dunkler und eindringlicher. Sein Thema hier ist Isolation, und er übernimmt es gleich auch als Grundlage für seine Produktion. Ihm war es wichtig, dass die beteiligten Musiker allesamt alleine waren um ihre jeweiligen Parts zu finden. Die Abgeschiedenheit der einzelnen Musiker auf Songs From A Stolen Guitar bietet somit weniger Spontaneität vieler früherer Arbeiten von Joyner, führt aber zu einer Art Silberstreifeneffekt: Joyners Songs, die hier sorgfältiger und vielleicht absichtsvoller produziert wurden als auf jedem seiner früheren Alben, kommen viel klarer durch und stellen sowohl seine schillernden Wortspiele als auch seine klare Vision in den Vordergrund. Ein Kritiker bringt einen Vergleich zu Neil Young und meinte "Wenn (sein 2012 Album) 'Ghosts' sein 'Tonight's the Night' war - zornig, nackt und bodenlos - dann könnte sich 'Songs From A Stolen Guitar' als sein Harvest erweisen." Songs From A Stolen Guitar wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Joyner nahm seinen Gesang und seine Gitarre live in Omaha auf; Bassist Wil Hendrix fügte seine Parts zu Hause in San Francisco hinzu, Michael Krassner nahm seine Gitarren- und Klavier-Overdubs zu Hause in Phoenix auf, und Schlagzeuger/Percussionist Ryan Jewell nahm in Colorado auf. Dieser musikalische Kettenbrief machte sich dann auf den Weg zurück nach Omaha, wo David Nance (Gitarren und Backing Vocals), Ben Brodin (Orgel und Vibraphon) und Megan Siebe (Bratsche und Backing Vocals) - getrennt voneinander - ihre jeweiligen Beiträge einspielten. Dieses Vorgehen zahlt sich aus. Die "virtuelle" Band spielt eine unterstützende, aber komplementäre Rolle und erzeugt immer das richtige Maß an Spannung, um diese emotionsgeladenen Geschichten zu begleiten und zu umhüllen. Das Zusammenspiel ist einfühlsam und kohärent, auch wenn es aus geografischer Entfernung und Abgeschiedenheit zusammengefügt wurde und oft wie Musik klingt, die durch den Nebel eines Herbstmorgens gefiltert wurde. Doch wenn es um Simon Joyner-Platten geht, zahlt man sein Ticket, um großartige Songs zu hören, und auch in dieser Kategorie enttäuscht Songs From A Stolen Guitar nicht. Eins der seltenen Alben, das nach dem klingt, worum es geht: die Kluft zwischen Einsamkeit und Alleinsein, die Grenzen zwischen Liebe und Hingabe, der Unterschied zwischen dem Tornado und dem, was er hinterlässt.

War sein Vorgängeralbum "Step Into The Earthquake" von 2017 noch eine poetische Reaktion auf das US-amerikanische Politdesaster, so wendet Simon Joyner sich auf Pocket Moon dem Privaten zu, den kleinen Gesten, dem Alltäglichen, zwischenmenschlichen und intimen. Für einen Songwriter seiner poetischen Kraft und Kenntnis ist auch das kein Sujet das er mit oberflächlichen Beschreibungen abhandelt und auf Allgemeinplätzen parkt. Seine Musik ist voll Achtsamkeit: Joyner beobachtet die Gewalt, die Schönheit und die Absurdität des Alltags aus nächster Nähe und findet eine angemessene, vielsagende Form. Wer zuhört, kann mit ihm darüber lachen, nachzudenken oder manchmal auch erschrecken, und schreiend davon wegzulaufen. Simon Joyner, der musikalisch das unkonventionelle, unverstellte schätzt - jene Sounds und Künstler die sich an die brüchigen, ungeschliffenen Ränder wagen - ging zu Pocket Moon ein für Ihn anregendes Wagnis ein: Anstatt mit seiner band The Ghost, in seiner Heimatstadt Omaha aufzunehmen, bat er seinen langjährigen musikalischen Partner Michael Krassner ihm eine Band in Phoenix zusammen zu stellen. Die lernte er erst zu den tatsächlichen Aufnahmen kennen. Es gab keine seperaten Proben, sondern aufgezeichnet wurde, zumeist live, was sich eben bei diesem Treffen musikalisch entwickelte. Die Band verwendet dabei eine breite Palette von Instrumenten und Texturen und verleiht so jedem der rauhen wie erhabenen Songs eine zusätzliche Nuance. Bei allem Minimalismus erreichten sie zusammen eine feine klangliche Offenheit, Spannung und Abgehangenheit, wie Joyner sie sich wohl wünschte. Für unsere Ohren ist Pocket Moon unter seinen mittlerweile 14 Alben wohl eins seiner feinsten.

In 2023 Deutsche Grammophon celebrates a wonderful milestone: its 125th birthday. To mark the occasion the Yellow Label makes a selection of LPs available on vinyl for the first time ever. Including legendary recordings by Daniil Trifonov, Hélène Grimaud, Hilary Hahn, Jan Lisiecki and many others. Gustavo Dudamel and the Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela celebrate the best in Latin American music, which “is all about dance, about rhythm” (Dudamel). “They set the concert hall afire with an enthusiastic fervor the likes of which none of us had ever witnessed from a symphony orchestra” (Los Angeles Times). Here is their recording – live, in concert, in Caracas – of the repertoire with which they’ve been thrilling audiences in around the world.

The next release of PTT is the long awaited Ravemithme. EP from Dave Simon.

For the 8th Proper Techno Tunes EP you can except 4 hard forcing Trax which blow up any dancefloor.

Second chapter of a new series. Simon Shaw and Dj Steaw fuses together bygone with vibrant synths and buoyant house rhythms to bring us four dance floor ready musings !

* A couple of highly-sought after UK roots / dub classics, originally released on Nucleus Roots’ own imprint back in 2002.
* Vocals and heavy-weight dub cuts from the Manchester-based Nucleus Roots crew with guests Simon Dan and Moses on mic duties.

Another classic hip hop banger, with the tune that sampled it on the flip - this time a rare library number!

Forest Jams sticks close to recent original balearic/beach records like the Starving Daughters LP & Expositions EP with a 12″ by Simon Peter. Simon Peter has previously had his work showcased on labels such as Claremont 56, Aficionado, and Archeo Recordings, and now has two intimate, original balearic productions on the Forest Jams label. The B-Side of the record utilizes two remixes both from Japan. One from the duo Coastlines (Flower Records, Be With Records) with their signature down-tempo lush sound filled with beautiful piano work throughout and the other from newcomer Shu Suzuki who takes things on a non-stop psychedelic journey that’s both beautiful & mind-bending. Artwork by Ty Williams.

Die neun Beethoven-Sinfonien gelten als eines der
größten musikalischen Zeugnisse aller Zeiten und sind ein
wichtiger Bestandteil des Repertoires eines jeden
Dirigenten. Simon Rattle führte den gesamten Zyklus mit
den Wiener Philharmonikern in Live-Konzerten auf, die
zwischen dem 29. April und 17. Mai 2002 im historischen
Musikverein in Wien für EMI aufgezeichnet wurden. Diese
7. Sinfonie ist einer der Höhepunkte des Zyklus, der in
Frankreich mit dem Diapason d'or ausgezeichnet wurde.
Nun erscheint diese Aufnahme auf LP.

Symphony No. 7, Op. 92
A major / A-dur / la majeur

New Sound Signature from Theo and crew
A1 has a Theo mix of the title track and B1 has a Dego remix.
Hotttt!

Edition of 100 - printed sleeve, hand-stamped centre labels