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Christopher Tignors ,Bleeding Past the Edges" ist ein bewusster Kontrapunkt zur heutigen, von KI geprägten Musiklandschaft und stellt die menschliche Hand fest in den Mittelpunkt des Schaffensprozesses. In einem kleinen Studio voller Geigen, Stimmgabeln, Pedalen und maßgeschneiderter Software hat Tignor ein Performance-System entwickelt, das sich weniger wie eine Maschine, sondern eher wie ein lebendiges Instrument verhält. Anstatt sich auf Loops oder Backing-Tracks zu verlassen, generiert er jedes Stück in Echtzeit und fängt Klänge ein und formt sie um, während er spielt. Geigenstreichmelodien erweitern sich zu vielschichtigen Mustern, perkussive Schläge lösen sich entwickelnde Strukturen aus, und selbst eine einzelne Stimmgabel kann sich zu einem ganzen harmonischen Feld entfalten. Das Ergebnis ist ein immersiver, orchestraler Klang, der live von einem einzigen Interpreten erzeugt wird, der sich durch ein eng verwobenes System aus Gestik, Timing und Code bewegt. Jedes Element beginnt als physische Handlung und bleibt damit verbunden, was der Musik ein Gefühl von Unmittelbarkeit, Risiko und Präsenz verleiht, das sich durch das gesamte Album zieht. Auf dem Album bewegt sich Tignor fließend zwischen rhythmisch geprägten Kompositionen, die das Instrument als perkussiven Motor behandeln, und melodischeren Werken, die im expressiven Kern der Violine verwurzelt sind. Die Lead-Single ,Weight of Words" unterstreicht diese Balance und entfaltet sich mit einer narrativen Klarheit, die Tignors Kompositionsansatz widerspiegelt. Er beschreibt diese Stücke oft als ,Kurzgeschichten", in denen Melodien als roter Faden dienen und jedes Werk durch wechselnde Strukturen und emotionale Bögen führen. Der Titel ,Bleeding Past the Edges" verweist auf Momente, in denen die Musik über ihr ursprüngliches Konzept hinausgeht, in denen sich die Struktur lockert und der Klang nach außen fließt. Tignor vergleicht den Prozess mit ,einem Seiltänzer", bei dem sorgfältige Vorbereitung auf die Möglichkeit einer Transformation in Echtzeit trifft. Obwohl die Systeme streng ausgearbeitet sind, behält jede Aufführung ein Element der Unvorhersehbarkeit, wodurch sich die Musik ständig weiterentwickeln kann. Im Laufe von zehn LPs, die über Western Vinyl und New Albion erschienen sind, hat sich Tignor in klassischen und experimentellen Kreisen breite Anerkennung erworben. The Guardian bezeichnete ihn als ,absurd talentiert", während Bandcamp seine ,schiere technische Meisterschaft" hervorhob und The New York Times seine seltene Fähigkeit lobte, Computer bei Live-Auftritten nahtlos mit akustischen Instrumenten zu verbinden. The Wire lobte seine Kompositionen zudem für ihre fließenden, sich entwickelnden Strukturen. Über seine Soloarbeit hinaus hat Tignor mit Künstlern wie Rachel Grimes, Helios, Jefre Cantu-Ledesma, John Congleton und This Will Destroy You zusammengearbeitet. Sein Hintergrund verbindet verschiedene Disziplinen: Er hat einen Doktortitel in Komposition von der Princeton University, einen Master in Informatik vom NYU Courant Institute und einen Bachelor vom Bard College, wo er bei dem Dichter John Ashbery studierte. Mit ,Bleeding Past the Edges" führt Tignor diese Stränge zu einem Werk zusammen, das sich sowohl streng konstruiert als auch lebendig anfühlt - ein Album, das Performance, Körperlichkeit und die anhaltende Ausdruckskraft menschengemachter Klänge in den Vordergrund stellt.

Als Begleitwerk zum 2020er-Album ,I Feel Alive" ist das längst ausverkaufte ,Empty Seats" ein absoluter Fan-Favorit, der einige der pointiertesten und spritzigsten Stücke der Band enthält und Vergleiche mit Bands wie The Whitest Boy Alive und Men I Trust hervorruft. Wie es in der Biografie heißt, legen sie ihr Herz offen auf den Tisch und tauchen mit ihrem Songwriting in die emotionale Komplexität persönlicher Beziehungen ein, wobei sie Fragen nach Macht und Begierde stellen. Riley Flecks ausgewogenes Schlagzeugspiel und David Carrieres charakteristische Gitarrenriffs verschmelzen mit Marta Cikojevics üppigen Keyboards. All diese Elemente wirken zusammen und stehen im Dienst von Jane Pennys unverwechselbarer, wehmütiger Stimme. Das Ergebnis dieser Mischung ist eine Sammlung von vier selbstproduzierten Alben und einer Handvoll Singles, die eine Bandbreite an Stimmungen und ein komplexes emotionales Spektrum abdecken, ohne dabei den Groove und die Musikalität aus den Augen zu verlieren.

,now i imagine a place not the same" ist eine Doppel-LP und ein neues Solo-Statement des Gitarristen und Komponisten David Torn, veröffentlicht bei Kou Records. Es kehrt zur rohen Energie seiner frühen Klangsprache zurück und treibt diese gleichzeitig mit der Klarheit jahrzehntelanger Erkundungen voran. Das Album ist gleichermaßen viszeral und schwerelos und konzentriert sich auf Torns langjährigen Dialog zwischen alternativen Stimmungen, Loop-Architekturen und berührungsempfindlicher Elektronik - eine Klangwelt, in der Melodie, Noise und Atmosphäre sich ständig ineinander verschmelzen. Als Pionier der E-Gitarren-Bearbeitung ist Torn weithin bekannt für seine Arbeit in Musik und Film, darunter langjährige Kooperationen mit dem Komponisten Howard Shore, Beiträge zu Filmen von David Cronenberg und einflussreiche Veröffentlichungen bei ECM Records, die dazu beitrugen, eine atmosphärische, filmische Sprache für die E-Gitarre zu definieren. Torn nähert sich jedem Stück als einer Form kompositionsorientierter Improvisation und behandelt alles in seiner Reichweite als musikalisches Material: Saiten, Tonabnehmer, Verstärker, externe Elektronik, Stimme, resonante Oberflächen und den physischen Raum selbst. Aufgenommen, gemischt und produziert von Randall Dunn und mit einem Schwerpunkt auf Unmittelbarkeit und physischer Präsenz eingefangen, wird die Gitarre Teil eines größeren Systems - Schaltkreise atmen, Delays wiederholen unvollkommene Erinnerungen, Töne regenerieren sich durch Berührung. Klänge entstehen durch Zufall, Geste und Intuition und werden dann durch aufmerksames Zuhören geformt, während sie sich entwickeln. Anstatt auf festgelegte Ergebnisse hin zu komponieren, lässt Torn die Form durch Feedback und Wiederholung entstehen und nimmt jeden Klang - ob beabsichtigt oder nicht - in einen sich ständig weiterentwickelnden musikalischen Körper auf. Indem er grundlegende Werkzeuge aus seinen prägenden Verarbeitungsjahren wieder aufgreift - alternative Stimmungen, Looping-Logik, Röhrensättigung - lehnt Torn Nostalgie ab und gewinnt stattdessen ihre Unmittelbarkeit als lebendiges Material zurück. Gleichzeitig intim und gewaltig fängt ,now i imagine a place not the same" einen Künstler ein, der seine einzigartige Sprache voll und ganz beherrscht: zutiefst melodisch, rigoros experimentell und verwurzelt in Vertrauen, Berührung und Elektrizität. Nicht als rückblickende Geste, sondern als gegenwärtige Erklärung bietet das Album eine kraftvolle Meditation über Vergänglichkeit, Erneuerung und das fortwährende Leben des Klangs.

2026 Repress!

Tresor Records is proud to announce forthcoming special editions of its entire catalogue of Drexciya and related projects. 2022 marks the 20th anniversary of the passing of James Stinson and the releases of the Transllusion and Shifted Phases albums. In recognition, the rightsholders, their families, and the label have commissioned Detroit-based contemporary artist Matthew Angelo Harrison to re-conceptualize the covers of Tresor's Drexciya-related catalogue. These editions will be released sequentially, bimonthly, starting early-September 2022.

The series starts with Neptune's Lair, first released in 1999, with the Hydro Doorways single arriving shortly after. In November, Harnessed The Storm and Digital Tsunami are coming. In 2023 comes the release of Transllusion in February. The series is completed by the long-awaited re-release of Shifted Phases - The Cosmic Memoirs Of The Late Great Rupert J. Rosinthrope - at the end of March.

These records, individually and as a catalogue, represent some of the most crucial moments in the Tresor label history, with the sound and mythic world of Drexciya undoubtedly inspiring generations.

Mit Nothing veröffentlicht Bureau B 2026 eine neu gemasterte Jubiläumsausgabe des 2001 erschienenen Albums von A Certain Frank - dem gemeinsamen Projekt von Kurt Dahlke (Pyrolator) und Frank Fenstermacher, zwei Schlüsselfiguren der Düsseldorfer Musikgeschichte. Zum 25-jährigen Jubiläum erscheint das Album erstmals auf Vinyl und markiert ein stilles, aber markantes Kapitel der post-krautigen Elektroniktradition der Stadt: reduziert, atmosphärisch und bemerkenswert zeitlos. Entstanden Mitte der 1990er aus dem Umfeld von Ata Tak, steht A Certain Frank für eine bewusste Abkehr von der damals dominierenden Techno-Ästhetik. Statt Club-Funktionalität setzen Dahlke und Fenstermacher auf Zurücknahme, feine Grooves und subtile Rekonstruktion. Bezüge zu Easy Listening und "Exotica" werden nicht nostalgisch zitiert, sondern behutsam in eine zeitgenössische elektronische Sprache überführt. Nothing bildet den Abschluss einer inoffiziellen Trilogie und basiert weitgehend auf live eingespielten Basslinien, Drums und Synthesizern. Stimmen werden als klangliche Texturen eingesetzt, nicht als klassische Leads. Zwischen jazziger Electronica, filmischer Atmosphäre, digitalem Dub und dezenten Lounge-Momenten entfaltet das Album eine unaufdringliche Modernität, die bis heute nachwirkt. Kein Relikt - sondern ein Werk von bleibender Klarheit.

Am 29. Mai 2026 erscheint das erste Album von GÖRL: "Dark Silver Moon Light". Hinter GÖRL stehen mit DAF-Legende Robert Görl und die stilprägende DJ- und Produzentin Sylvie Marks zwei Pionier:innen der elektronischen Musik. Robert Görl gründete 1978 mit Gabi Delgado die legendäre Postpunk-Gruppe Deutsch Amerikanische Freundschaft (DAF). Mit radikal reduzierten, ikonischen Sequenzen, brutalistisch anmutenden Drums und provokativer Ästhetik gelangen DAF zeitlose Hits wie "Der Mussolini". Sylvie Marks wiederum war die erste und einzige weibliche Resident-DJ des legendären Frankfurter Clubs Dorian Gray. Später veröffentlichte sie als Produzentin internationale Club-Hits und trat auf Festivals wie Roskilde auf. Seit sechs Jahren verbindet Robert Görl und Sylvie Marks eine funkensprühende Kreativpartnerschaft, die in der Veröffentlichung ihres ersten gemeinsamen Albums als GÖRL gipfelt, "Dark Silver Moon Light". Das Album denkt die ästhetische Tradition von DAF mit und transzendiert sie zugleich in Gegenwart und Zukunft.

Transparentes Vinyl. Am 29. Mai 2026 erscheint das erste Album von GÖRL: "Dark Silver Moon Light". Hinter GÖRL stehen mit DAF-Legende Robert Görl und die stilprägende DJ- und Produzentin Sylvie Marks zwei Pionier:innen der elektronischen Musik. Robert Görl gründete 1978 mit Gabi Delgado die legendäre Postpunk-Gruppe Deutsch Amerikanische Freundschaft (DAF). Mit radikal reduzierten, ikonischen Sequenzen, brutalistisch anmutenden Drums und provokativer Ästhetik gelangen DAF zeitlose Hits wie "Der Mussolini". Sylvie Marks wiederum war die erste und einzige weibliche Resident-DJ des legendären Frankfurter Clubs Dorian Gray. Später veröffentlichte sie als Produzentin internationale Club-Hits und trat auf Festivals wie Roskilde auf. Seit sechs Jahren verbindet Robert Görl und Sylvie Marks eine funkensprühende Kreativpartnerschaft, die in der Veröffentlichung ihres ersten gemeinsamen Albums als GÖRL gipfelt, "Dark Silver Moon Light". Das Album denkt die ästhetische Tradition von DAF mit und transzendiert sie zugleich in Gegenwart und Zukunft.

Chins For Lefty is the debut album and first recording by Gichard, a new duo chronicling the absurdities of end-stage capitalism and mouldering social rituals from their vantage point in Glasgow, Scotland. Recorded primarily in the band’s home studio straight to tape, Chins For Lefty combines gorgeous, ramshackle melody, DIY kosmische punk, drum machine + synth and, in vocalist/lyricist Lisa Jones, an absurdist commentator on the human condition as it navigates the anxieties of the modern world. Instrumentalist Chas Lalli’s swirling music accompaniment stitches an evocative mix of musical styles, the ragged wind beneath the lyrics’ wings.

Although the duo first collaborated in their previous group Dragged Up, their disparate musical and artistic backgrounds make for an alluring mix in Gichard. Lalli has spent the last 20 years in the Glasgow underground, most notably in the noise rock group VOM, while Lisa Jones’s practice was in poetry and spoken word. Beginning as co vocalist in her previous band, in Gichard her lyrics are centre stage; the vision concocted alongside Lalli amounts to a total world-build.

Chins For Lefty scans almost like a novel, with each track elucidating a skewed universe that bears only some resemblance to the one you and I partake in. Like all works of fiction Gichard’s songs are rooted in reality and the lived experiences of its authors, but here characters are exaggerated, social mores and habits are pulled apart to reveal their inherent alienness. Universal emotions are laid bare, the bright light of anxious examination searching out every hairline fracture in our relationships. Distorted and cracked, the mirror that Gichard hold up to our world is also pretty damn funny.

Opener Cholesterol Test launches an expansive, cosmic guitar and synth intro that belies the Tascam-tape recorder it was recorded onto, like a Chromatics cut substituting anxiety for overt sexuality. Here Jones intones an apology to a non-responsive recipient, in the medium of a long voice note forensically deconstructing an interaction from the night before. Over punk guitars and shuffling, lo-fi drum machine splutters, the narrator in Asking The Apes “prefers things to people” before being taken hostage in the city zoo to confess an obsession which consumes the protagonist, ending with the immortal two liner “I sleep in a cocoon of old newspapers at the end of your street / And I think I have been fired from my job,” On album standout Posthumous Hologram, the narrator is faced with a human simulacra, in this case an undead pop star; the face of the encroaching technological singularity. Yes, it does requests, it can do My Way in 200 different language options. But what are the implications? While you’re left pondering, the alternating deadpan verse delivery and undeniably catchy chorus keep you company.

By the time Break Up With Johnny Dogbirth rattles into view, the band are satirising a suburban inanity blown up to cartoon proportions, soundtracked with a drawled musicality that recalls Rowland S. Howard’s post-Birthday Party balladeering. This approach is furthered on Human Resources: over an angular guitar+bass track, Jones’s short story recalls Dry Cleaning’s erudite lyrical post punk. On Soft Face, Lalli’s guitar and drum machine are swathed in echo and delay, as Jones dissects dating rituals with a west of Scotland drollness. Hamming It Up brings a porcine perspective in a short story that begins with the line “I was breastfeeding discreetly in the service station. She didn’t mind.” What follows is a passage punctured with canned laughter and a narrative involving tribute acts, modern farming techniques.

Brilliant first single Your Private Hell closes the album, the closest the group get to earnest perhaps, filtered through a surreal central Scottishness. While Your Private Hell might seem like a sardonic take down of romance, perhaps it’s the very distillation of love in all its awkwardness, selflessness and weirdness. Here there’s a distinctive Glasgow-ness to this doomed romance: the protagonist falls for an outsider, offers them cheap jarred hot dogs and carbolic soap (the infamous, excoriating soap dished out in schools and government buildings throughout Scotland), offers to cover up a murder, stalks them in the all-night Spar. It’s a short story of intrigue, murder and the irresistible pull of self-sacrifice to share in someone else’s suffering. If that’s not love, what is it? You can see this vision mapped out in black and white on their video for 'Your Private Hell'.

Suicide AFTR 7 moves deeper into the shadows on this release, stripping things back while letting the groove hit harder. Built on pumping 808s, restless synth lines, and a subtle acid pulse, the project blends electro, cold wave, and leftfield instincts into something leaner and more focused than earlier records. There’s a proto-80s spirit running through it: raw, tactile, and slightly unpolished, where tension lives in the negative space and repetition becomes hypnotic rather than obvious.

For the first time, real bass guitar and drums enter the picture, adding human weight beneath the electronics without diluting Suicide AFTR 7’s core identity. The result feels rawer, more intimate, and quietly confrontational. Music for late nights, dim rooms, and inward motion. Still unmistakably SA7, but closer to the bone.

Inxxxwel returns to GAMM, but now as MF Inxxxwel and with a tribute 7inch to the mighty MF Doom.

Over two tracks Inxxxwel serves up two funk-laced Hip Hop jams that offer a perfect platform for Doom's vocal chords to flow freely.

On 'Dumile's Funk' the overall feel is a dance-friendly headnod Hip Hop jam with a killer bassline.

On the B side we find 'The House Of Doom' where Doom's voice is pasted over a classic 90's New Jersey deep house track (but pitched down), deep and soulful but still with that irresistible feel.

Few artists can make chaos sound this fun. Steel Beans, the self-titled album from the genre-bending one-man band, is a wild ride through rock, funk, jazz, and whatever else happens to cross the radar of Everett, WA’s Jeremy DeBardi — the multi-instrumentalist and mad scientist behind it all. Known for his jaw-dropping live performances where he sings, shreds guitar, and drums at the same time, Steel Beans brings that same unfiltered energy to tape, capturing the spirit of a garage jam gone cosmic.

The album moves effortlessly from fuzzed-out psych-rock to greasy funk breakdowns and tongue-in-cheek lyricism, mixing humor and virtuosity in equal measure. It’s unpredictable, unpolished in all the right ways, and full of personality — the kind of record that feels alive because it’s never trying to be perfect. Steel Beans isn’t just an album; it’s a reminder that music can still be weird, raw, fun, and ridiculously entertaining. Whether you’re hearing him for the first time or you’ve already seen the madness live, this album is the perfect introduction to the wild world of Steel Beans.

Genieße jetzt die Musik aus der Emmy-nominierten PBS-Kids-Serie ,Carl The Collector"! ,Sound Spectrum: A Collection of Themes From Carl The Collector" präsentiert die einzigartige Musik von Eraserhood Sound aus Philadelphia. Auf 34 Titeln, darunter der unvergessliche Titelsong der Serie, bekommst du einen Vorgeschmack auf Funk, Soul, Rare Groove, Jazz, Samba, R&B, New Wave und mehr - alles im typischen Synth-&-Soul-Stil von Eraserhood Sound. Die bahnbrechende Serie, die Carl, einen autistischen Waschbären, und seine Freunde begleitet, ist eine der ersten großen Serien, in denen Figuren mit Autismus vorkommen. Serienschöpfer Zachariah OHora wusste, dass er eine einzigartige Musikkomposition brauchte, um das Potenzial der Serie voll auszuschöpfen. Er wandte sich an Eraserhood Sound aufgrund ihres italienischen Library-Music-Albums ,Ribelle Di Mare" und bat um einen ähnlichen Synth-&-Soul-Ansatz. OHora sagt: ,Ich wollte keine typische Kindermusik. Ich wollte nuancierte, emotional reichhaltige Musik, die von und für Plattenliebhaber gemacht wurde." Die Musik, die vollständig von Vincent John und Maxwell Perla komponiert, produziert und eingespielt wurde, fängt die raffinierte Soulfulness von Vince Guaraldis klassischen Peanuts-Soundtracks ein und klingt dabei dennoch absolut frisch und modern. Jeder Song auf dem Album stammt direkt aus Episoden der unvergesslichen ersten Staffel von Carl The Collector. Von funkigen Fuzz-Freakouts bis hin zu düsteren, introspektiven Balladen - genieße einige von Vincents und Maxwells liebsten musikalischen Momenten aus der Serie.

HolyBrune begeistert mit ihrer sanften Stimme und eingängigen Toplines. Als Singer-Songwriterin und Komponistin erlangte sie erstmals Aufmerksamkeit an der Seite von Dabeull mit dem goldzertifizierten Hit „You & I“. Mit „Visions“ liefert sie eine intergalaktische Ode an die Liebe, die kosmische Romantik und Retro-Futurismus miteinander verbindet. Verspielt und luftig vereint der Track Vocoder, Talkbox, groovigen Bass und kitschige Synthesizer – eine lebendige Hommage an die 80er-Jahre und The Rah Band.

Während einer Europa-Tournee von HADES zeichnete sich ab, dass sich die Band sehr bald auflösen würde. Gitarrist Dan Lorenzo gründete mit Dan Nastasi (MUCKY PUP, DOG EAT DOG) Non-Fiction, die in Folge eine EP aufnahmen.
Das Besetzungskarussell sollte sich aber nochmal drehen und HADES- und WATCHTOWER- Sänger Alan Tecchio, sowie Bassist Kevin Bolembach (später u.a. SEVEN WITCHES, JACK FROST) kamen an Bord. 1991 erschien auf Grand Slamm Records, in Europa auf Steamhammer/SPV, das Debüt „Preface“. Die Stilrichtung in Richtung Doom Metal dürfte damals viele Fans von HADES und WATCHTOWER verwundert haben, während Fans von diesem Stil, damals noch ohne das Internet, unwissend blieben. Erstaunlich ist, dass gewisse Trademarks von HADES trotzdem in der Musik von NONFICTION zu finden sind (siehe auch das 1995er ReunionAlbum von HADES). Das an die Glanztaten der Grafikfirma Hipgnosis erinnernde Coverartwork gibt dem Album eine perfekte Aura und gibt einen Hinweis auf den Groove alter LED ZEPPELIN.

Das zweite Album „In The Know“ ist die perfekte Fortsetzung und wird von vielen Fans als Highlight der Band bezeichnet. Bei „It´s A Wonderful Lie“ spürte man die Bereitschaft zum Experimentieren und man kann bei einigen Tracks die Neunziger und ihre Strömungen nicht überhören.

Sowohl HADES, als auch WATCHTOWER (mit Alan Tecchio), sind heute –sporadisch- wieder aktiv und nicht wenige Fans hoffen, dass auch Non-Fiction nochmal in Erscheinung treten. Die musikalische Fortsetzung, wenn auch ein Stück moderner, ist aktuell Dan Lorenzos erfolgreiche Band PATRIARCHS IN BLACK, die er zusammen mit TYPE O NEGATIVE Drummer John Kelly 2021 gegründet hat.

Re-Release auf clear, purple marbled Vinyl.

Personified, reinvigorated, and re-imagined!

Tech-metal outfit FALLUJAH expand horizons and solidify their position as one of America’s most exciting artists on their new album, Xenotaph, through Nuclear Blast. The Bay Area-based quintet’s confidence in the lineup that made their previous album, Empyrean (2022), such a resounding success—earning high marks from Metal Injection, New Noise, and Guitar World—has been reconfigured slightly, with guitarist Sam Mooradian (INHALE EXISTENCE, SAM MOORADIAN) and drummer Kevin Alexander (DISEMBODIED TYRANT. BROUGHT BY PAIN) bringing their jaw-dropping musical proficiency to the fold, as vocalist Kyle Schaefer, guitarist Scott Carstairs, and bassist Evan Brewer enter a new chapter with FALLUJAH. Moored by singles ‘Kaleidoscopic Waves,’ ‘Labyrinth of Stone,’ and ‘Step Through the Portal and Breathe,’ Xenotaph is FALLUJAH personified, reinvigorated, and re-imagined.
As a details-oriented record Xenotaph benefits from moments of low tension, atmospheric delight, and Schaefer’s winged clean vocals. This
dynamic isn’t particularly new to Fallujah, but the group spent considerable time honing what each song needed—from blast-laden speed runs and jazz-fusion solos to vocal restraint and brutality—which resulted in a brighter, more exhilarating experience. Musically, it truly feels like the listener is embroiled in the album’s sci-fi concept and Peter Mohrbacher’s stunning cosmogonic cover art, which is aesthetically in line with his previous covers (Dreamless and Empyrean) for FALLUJAH. Close encounters with ‘Step Through the Portal and Breathe’, ‘Labyrinth of Stone,’ and ‘Kaleidoscopic Waves’ spark wonder and stimulate the soul.

A sprawling, meditative journey into inner and outer space, the new double album from Ivan The Tolerable sees Oli Heffernan retreat fully into the solo realm - crafting an expansive sonic world that feels both intimate and cosmic in scope. Recorded entirely alone and released via Riot Season, this latest work drifts away from structured forms and toward something more fluid, exploratory, and transcendent.
Drawing on the devotional atmospheres of early ambient pioneers and the hypnotic pulse of kosmische music, the album unfolds as a series of slowly shifting soundscapes—analog synths breathing in long, patient waves, tape loops dissolving into shimmering drones, and melodies that seem to emerge from nowhere before gently receding again. There are echoes of ritual, of vast landscapes, of time stretching and folding in on itself.
Across its two discs, Heffernan embraces a deeply immersive approach—less concerned with destination than with the act of drifting itself. It’s music that invites stillness and surrender, equally suited to deep listening or quiet disconnection from the noise of the everyday.
Unbound by genre yet rooted in a rich lineage of experimental sound, this is Ivan The Tolerable at his most introspective and transportive - a double album that doesn’t just ask for your attention, but your presence.

Cyphon Recordings continue their deep dive into the rich heritage of UK and Detroit electronic sounds with their second label release, this time from Danny Was A Drag King label boss DJ Rocca.

Active since the 90s, the Italian producer is a dedicated explorer of the Italo Disco-inspired sounds native to his home. He’s been plotting his sonic journey for decades, making pit stops at labels across Europe including Rekids,Toy Tonics, Slow Motion, Rotten City Records and Roam Recordings. On top of his solo outings, collaboration has played a big role in his production journey to date. He’s worked with artists like Howie B, Jazzanova and Zed Bias, as well as joining forces on ongoing projects with fellow Italian stalwart Daniele Baldelli and Dimitri From Paris, the latter under the name Erodiscotique.

Now back on his solo pursuits for Cyphon, Rocca proves he’s still very much at the top of his game. The four cuts on ‘Code 041’ explore all shades of electro, from raw, old school machine funk to futuristic cosmic sounds. It’s electro done the Rocca way.

The title track sets the tone. An eerie bass line crawls along, providing a bed for reflective pads to glide and mysterious synth sounds and echoing vocal samples to ricochet above. ‘No Gym’ greets us next, bringing that Italo flair Rocca’s mastered so well. It’s the most vibrant track on the release, matching colourful pinging synths and tropical-tinged melodies with a signature driving acid bass line.

On the flip, ‘The Bigger Lake’ takes the EP in a different direction, on a trip through dark glistening pads, tittering percussion and sub aquatic bass before the dusty breaks and moody, jazzy keys of ‘Omega’ bring the release to a close. Mirroring Cyphon’s label ethos, Rocca showcases the best of the past and present of a timeless sound.

King Buffalo"s debut album, originally released in 2016 and now back on black 180gr. vinyl in a gatefold cover (includes Download code).






[f] 6Goliath [Part 1]
[g] 7Goliath [Part 2]

DJ Support: Louie Vega, Kenny Dope, Dave Lee, Dj Spen, Terry Hunter, Jimpster, Kevin Yost, Brian Tappert and more.

For the true listeners who still value the art of the record.

This project pays homage to the funk-disco aesthetic that defined the 70s and 80s crime-thriller genre. Paolo Fedreghini’s personal, cinematic journey through the American cityscape: an atmospheric landscape of high-speed chases, corrupt lawmen, and V8-powered escapes. The narrative weaves through gritty criminal underworlds and shady dealings, always balanced by the allure of the disco era. Rather than a mere imitation, the album distills the essential Blaxploitation sound for a modern audience, blending jazz-funk and disco with subtle, sophisticated electronic layers.

Still compelled by the space they first opened, Gūsū returns with a second release, “Inhabiting Me”. What began as a shared approach, sprouted from intuition, has grown denser and more defined, holding on to that same fragility and openness. The duo continues to befriend with contrast, friction and proximity, shaping a language that inhabits their uncommon ground.

Vintage drum machines, tape delays and bass guitar widen the sonic ground, adding pulse, grain and instability, while the guzheng holds its place in full clarity. Each sound source becomes each other’s ornament, forming to gesture the next currents.

What emerges is less a fixed composition than a shifting form: precise in detail, impossible to contain. Listeners who have experienced Gūsū’s live performances will recognise this rare quality: a music of great sensitivity that expands with quiet force, drawing them inward rather than confronting them directly. The sound fades, re-enters, and leaves behind the trace of a lighthearted heaviness, echoing back in fragments, reappearing in memory with altered weight and colour.

Time bends inward and tones return altered. Between repetition and resonance, a tensile form begins to emerge. Neither nostalgic nor futuristic, neither static nor loose. Gūsū does not merge its materials into one smooth surface; it lets them stand close enough to sharpen one another.

Gūsū is a transcultural music project born from the confluence of two distinct artistic voices: Xueyan Chen and Nicolas Balmer. Together, they create a complex dialogue of sound that bridges the ancient and the modern, exploring the liminal spaces between tradition and experimentation. Gūsū’s inception was serendipitous, sparked by a shared stage in late 2022. What began as spontaneous improvisations has since evolved into a profound collaboration. The duo has performed under various monikers, finding their ultimate identity in the name Gūsū, a nod to both heritage and transformation.