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American experimental composer Stephen O’Malley releases Avaeken, two sides of immense, immersive, self-annihilating music via Dais Records.

The record preserves site-specific work: O’Malley installed Avaeken as part of Wish You Were Here, the exhibition by renowned American artist Banks Violette, underscoring the tension between presence and absence, life and loss.

O’Malley and Violette have developed a distinct language of sound, space, and sculpture over the past two decades, reverberating through the walls of world-class institutions from The Guggenheim and Centre Pompidou to prominent galleries such as Maureen Paley in London, Gladstone Gallery in NYC, and Antwerp’s TICK TACK, the brutalist space where Wish You Were Here unfolded in early 2026.

Emerging now as an LP, Avaeken presents power and phenomena: low-frequency vibrations, deep oscillations, and phase cancellations that translate as innately effective in any environment. Violette’s visual expression — the impossibility of locating yourself within the loss of a friend and the broader decay of culture — now fills the LP sleeve and feels inextricable from O’Malley’s sound, both still without resolution.

“Natural harmonic tone coloured by the valves of the amplification is the one desired characteristic,” reads the initial notes.

“At first I asked, why would I write for another guitar player?” he says. “I realized how amazing it is to be a listener on the other side of the music; together we were able to try all these precisions with intonation, harmonics, specific microtonal ideas.”

The quartet performed Avaeken several times before O’Malley joined them for a recording session at Muziekcentrum De Bijloke, a 13th-century former hospital with modern acoustics in Ghent.

The ruthless 8th studio album - now on limited edition picture disc!

BABON is a psychedelic instrumental band from Indonesia, formed in 2023 by Wahyudi T. Raupp, Rayi Raditia, and guitarist Rori Jiwa Putra. Their music blends traditional Indonesian genres such as Keroncong and Dangdut with global influences like Middle Eastern grooves, Latin rhythms, Spaghetti Western motifs, and Afro-funk, creating a sound they call "Tropical Desert" music. Their debut album, Tropical Desert, follows the 2024 release of the singles "Desert Rose" and "TNT" on London-based label Batov Records. Beyond their genre-bending sound, BABON is deeply rooted in environmental advocacy, using instrumental music and visual storytelling to address ecological issues. They are currently producing a live session featuring four tracks from the album, set against cinematic footage highlighting Indonesia's natural landscapes and environmental challenges.

BABON's distinctive sound has earned them strong international recognition, with radio play from major stations including BBC Radio 3 and Soho Radio (UK), RBB Radioeins and Byte FM (Germany), CBC Radio One (Canada), Triple R and 2SER (Australia), and WYEP and KALX (USA). Their 7-inch vinyl release was nearly sold out, further signaling their growing global appeal. The album's cover and packaging were created by Indonesian retro surrealist Christian Candra, contributing to the band's cohesive artistic vision. BABON is represented worldwide by PR and radio agency Only Good Stuff, helping to amplify their message and music to audiences across the globe.

The Chicago trio of Black Duck is a natural fit for collaboration with acclaimed Basque musician Elena Setién. Black Duck"s bassist/guitarist Douglas McCombs, guitarist Bill MacKay and drummer Charles Rumback have been lauded for their adaptability as live performers and collaborators for decades, performing in countless ensembles from Tortoise to Brokeback to collaborations with Ryley Walker, Bill Callahan, James Singleton and many more. Setién honed her improvisational skills in duo Little Red Suitcase before going on to collaborate with the likes of Steve Gunn, Mary Lattimore, and Glenn Kotche (Wilco) to name a few. Black Duck and Elena Setién"s combined preternatural ability to converse at the boundaries of improvisation and composition makes for fertile ground in which every subtle gesture carries weight. On their debut, self-titled collaborative release, Black Duck and Elena Setién alchemize the ease of their live chemistry and their wealth of experience into a refined menagerie.

Stargazing Brooklyn noise-rock cosmonauts Upper Wilds - the power-trio led by Parts & Labor co-founder Dan Friel - return with another set of lean anthems filtered through a flamethrower. Their speediest, most explosive album yet, Mercury, is a meditation on death, with Friel expounding on his brush with skin cancer, climate change, funerals, Henry Kissinger, and a world seemingly on fire. Buoyed by recent tours with acts like Pelican, Uniform, Psychic Graveyard and Savak, the trio"s increased speed is met with a precision that gives every hairpin turn more wallop. Upper Wilds" space-rock adventures through their recent albums Mars, Venus, & Jupiter came replete with stories of the heavens and humanity alike. On this fourth installment, the closest planet to the sun, things take a darker turn. The small, barren planet Mercury was named after the gods" speedy messenger and guide to the underworld, and the album syphons Upper Wilds" fuzz-pop aesthetics into concise, scorched anthems about the brevity and fragility of life with the ferocity of a band playing on the edge of extinction.

Big Crown Records is proud to present the debut full length offering from Les Imprimés, Rêverie. The stirring and ethereal sounds of Les Imprimés have been making fans of anyone who hears them since their first 7" single hit the speakers. Morten Martens is the man behind the band. Born, raised, and working in Kristiansand, Norway, he keeps a low prole while making his heart felt, highly infectious, and unique music. This album is a long time coming for Martens and it is sure to make him a name to be reckoned with. The first thing you notice listening to Les Imprimés is the high level of musician-ship. Martens plays nearly every instrument on the recordings and handles the production and arranging. He has been making records for decades, winning a Spellemann Award (aka, the Norwegian Grammy) in 2006 for producing a HipHop album as well as getting nominations across three other genres. While awards and accolades speak to the level of his talent, this new album really shows who he is an artist on his own terms. Moving away from being a hired gun on the touring scene naturally led him to start doing more studio work. Slowly collecting gear and getting more experi-ence behind the boards he built his own studio on the island of Odderoya and was making a living playing with and recording other people's music. As the story goes, after those sessions would end he would work on his own project into the wee hours of the night. From these late night sessions, Les Imprimés was born and Rêverie began to take shape. However, "it wasn't until COVID, when things locked down, that I was really able to nd the time to focus on Les Imprimés" Morten says about creating and leading his own solo project. "It was a scary time. But I knew I had to do something with it." He took the sum of his inuences, combined them with his own vibe and got busy writing the music, playing the instruments, and singing the songs. "It's soul music, but I don't exactly have the soul voice," Morten explains humbly. "But I do it my own way, in a way that's mine. "It is his sound, his fingerprint, his sensibility, that makes his music hard to put in a box. The album showcases both Martens' range and his ability to make a cohesive album. The lead single "Falling Away" starts with a raw drum break and turns into a lushly arranged tune that paints the picture of love when it slips away. On "Still Here" he professes his resilience through life's twists and turns over a thundering track that puts a new spin on the B side ballad genre. Songs like "You" and "Our Love" mix tones from 60s and 70s Soul with arrangement nods to Doo Wop records while Martens' lyrics and delivery leave you singing the melodies long after they finish. "Love & Flowers" finds Martens in a moment of clarity with a song that ts the niche sub genre of happy break up tunes, the four on the floor track will move the dancefloor or while the message will resonate with anyone who put too much effort into the wrong situation in their lives. However, it is songs like "Muse" and "Chess" that really encapsulate the uniqueness of Les Imprimés as they push the boundaries of genre, one a profession of love for music and the other a cover of an electronic record respectively. Martens' lyrics, emotion, and delivery truly make the whole thing come together and stand out from any of his peers. There's an infectiousness and a pop sensibility in the writing that is done with the utmost class and taste giving Les Imprimés the rare quality of immediate attraction that only deepens the more you listen.

Der finnische Sänger Bobby Oroza veröffentlicht sein Debütalbum This Love bei Big Crown Records. Das Label aus New York City ist bereits Heimat von Bands wie Lee Fields & The Expressions, The Shacks und El Michels Affair. Bobby ist in Helsinki geboren und in einer Musiker- und Künstlerfamilie aufgewachsen. Zu Bobbys Glück hatten seine Eltern eine große Plattensammlung mit frühem Jazz, Blues, Motown-Hits, Gospelchören und Doo-Wop-Gruppen wie The Drifters und The Clovers, aber auch Alben aus Brasilien und Afrika, Folksongs aus Nord- und Südamerika von Bobbys Mutter und Salsa-Musik aus New York. All diese Einflüsse sind heute in Bobbys Musik hör- und spürbar. Auf Kuba studierte er monatelang intensiv Schlagzeug und Gesang. Mit Cold Diamond & Mink, der Hausband von Timmion Records, bestehend aus Bandleader Jukka Sarapää, Sami Kantelinen und Gitarrist/Komponist Seppo Salmi, bildet er ein brillantes Quartett, mit dem er seine Vision in Musik umsetzt. CD&M liefern mit ihren LoFi-Instrumentals die perfekte Untermalung für Bobbys verrauchte Tenorstimme, die Herzen brechen und schmelzen lässt. Der bereits 2016 als 7" Single veröffentlichte Titelsong "This Love" ist längst zum Hit in Lowrider-Kreisen geworden und wurde auf "Hat Trick" von Odd Future Rapper Earl Sweatshirt gesamplet. Der Song ist mit seinen harten Drums, den wilden Riffs, dem vergrabenen Bass und Bobbys verhaltenem, aber intensivem Gesang ein Muss für Soul-Sammler und hat sich als 7? mehr als 3.000 Mal verkauft. Der Song "Your Love Is Too Cold" ist ein Stomper, der Soul-Grooves früher Motown-Stücke mit Gitarrenriffs aus einem Funk-Soundtrack von James Brown mischt und schon jetzt weltweit auf allen Soul-Partys schwer angesagt ist. Bobby hat einiges für die Tänzer im Publikum in petto: Stücke wie "Lonely Girl" und "Falling in Love" sind Verneigungen vor dem Northern Soul, "Keep On Believing" liefert Jazz-Funk wie aus den Siebzigern. Aber "This Love" wendet sich vor allem an die Balladenliebhaber, die voller Sehnsucht in die Nacht schauen. Mit Songs wie "Alone Again", "Down On My Knees" und "Deja Vu" beschwört er eine intensive, leicht abgründige Sinnlichkeit. Eine einzigartige Spielart von Soul, made in Finland.

Big Crown Records ist stolz darauf, "Perak", das Debütalbum von Thee Marloes, zu präsentieren. Wenn man Thee Marloes zum ersten Mal hört, mag einem ihr spezieller Soul-Sound vertraut vorkommen. Da sind die wuchtigen Trommeln, eine sanfte Gitarre und eine schöne Stimme, die über unerwiderte Liebe und die Komplikationen in Herzensangelegenheiten singt. Aber dann ist da etwas unbestreitbar anderes an Thee Marloes und ihrer Musik, etwas Neues und Unverwechselbares. Die meisten, die mit Soulmusik vertraut sind, haben wahrscheinlich noch nie etwas aus Surabaya, Indonesien, gehört - dem Ort, den Thee Marloes ihre Heimat nennen. Thee Marloes, das sind Natassya Sianturi (Gesang und Keyboard), Tommy Satwick (Schlagzeug) und Sinatrya ("Raka") Dharaka (Gitarre und Produktion). Ihr Sound hat die universelle Anziehungskraft von Soul, Jazz und Pop, aber mit einem ganz eigenen Ansatz, der auf ihre lokale Kultur und ihren globalen Einfluss zurückzuführen ist. Die erste Auskopplung von "Perak" ist "Midnight Hotline", die heiße A-Seite ihrer Debüt-7" auf Big Crown. Eine druckvolle Dancefloor-Nummer mit einem ansteckenden Refrain, vibrierendem Piano und jazzigen Gitarrenlicks. Die B-Seite "Beri Cinta Waktu" ist auch auf dem Album und hat alles, was eine beliebte Soul-Ballade ausmacht, aber der Text ist auf Indonesisch. Unabhängig von der Sprachbarriere ist das Gefühl in ihrer Musik spürbar, was dazu beiträgt, dass ihre Songs nachvollziehbar sind und ans Herz gehen. "I Know" ist ein Mid-Tempo-Song, der davon handelt, wie man den Schleier der Lügen von einer Liebesaffäre, die auf Falschheit beruht, wegzieht. "Not Today" gehört zu den groovigsten Wohlfühlsongs, die man an einem Sonntagmorgen spielen kann. Natassya erinnert uns daran, uns selbst Raum zu geben, ganz gleich, was das Leben uns vor die Füße wirft. "Mungkin Saja" zieht das Tempo mit einem weiteren Dancefloor-Smoker wieder an, während Thee Marloes mit "True Love" in die gefühlvolle Seite des Jazz eintauchen, mit einer Beat-Ballade, die eine Tarantino-Tanzszene untermalen könnte. "Over" beginnt mit einem schweren Drum-Break und entwickelt sich zu einem epischen Arrangement, das in Schichten wunderschöner Melodien getränkt ist und das Chaos einer Liebesaffäre, die abrupt endet, perfekt einfängt. "Perak" ist eine Reise aus dem Herzen Surabayas in den Geist des Soul-Sounds. Es geht darum, einen Raum zu schaffen, wo keiner war, und es zu tun, weil man es liebt. Man spürt den Spaß, den Thee Marloes haben, ihre Musik zu machen, vom Songwriting und Aufnehmen bis hin zu den Auftritten vor Publikum. "Wir wollen das, was wir leben, mit anderen teilen", sagt Natassya. Egal, welche Sprache man spricht oder aus welcher Kultur man kommt, die Musik und die Energie von Thee Marloes sind so charmant, dass wir sie alle noch jahrelang in der Nähe des Plattenspielers haben werden.

Few bands have defined the sound of American melodic rock quite like Night Ranger. From the thunderous riffs of “Don’t Tell Me You Love Me” to the soaring anthem of “Sister Christian,” this new Best Of collection captures the very essence of their decades-long career — now reimagined for 2026. Featuring the classic hits alongside fan favorites and standout tracks from their most recent albums, this compilation spans the full spectrum of Night Ranger’s signature sound: anthemic choruses, blazing guitar solos, and unforgettable melodies. Highlights include the power-pop perfection of “(You Can Still) Rock in America,” the heartfelt balladry of “When You Close Your Eyes,” and the cinematic sweep of “Four in the Morning.” But “Best of the last 20 years… and Some Hits” is not just a look back. It also celebrates the band’s creative output over the last 20 years, spotlighting tracks like “Time of Our Lives,” “High Road,” “No Time to Lose,” “Somehow Someway,” and “Truth,” proving that Night Ranger’s energy, songwriting, and musicianship have only grown stronger with time. These songs show that the band continues to innovate while staying true to the melodic rock roots that made them legendary.

The current lineup — Jack Blades (bass and vocals), Kelly Keagy (drums and vocals), Brad Gillis (guitars), Eric Levy (keyboards), and Keri Kelli (guitars) — delivers every track with the energy and precision that have kept Night Ranger at the forefront of rock for more than four decades. This edition also features two bonus tracks that make this compilation truly special: a fresh studio take on “Wasted Time” recorded at Sweetwater Studios, accompanied by an exclusive music video, and a festive live performance of “Feliz Navidad” that showcases the band’s playful side. Perfectly timed ahead of their summer 2026 tour, this Best Of serves as both a definitive introduction for new fans and a must-have collection for longtime followers. Whether revisiting the classics or discovering the new 2026 renditions and recent masterpieces, Night Ranger – Best of the last 20 years… and Some Hits is a celebration of enduring melodies, electrifying performances, and the unforgettable spirit of one of rock’s most iconic bands.

LIMITED EDITION FIRST PRESS OF 300 COPIES ON TRANSPARENT RED VINYL WITH JAPANESE STYLE OBI. NON-RETURNABLE.
Osaka quartet HIBUSHIBIRE return this August with their fifth studio album ‘Phantom Fuzzy Exotica‘.
Phantom Fuzzy Exotica continues to find the band exploring their own little universe, where psychedelia, 70’s hard rock and folk rock influences collide. You’ve got the short punchy riff heavy songs, the mellow time-out bits, and of course the epic psych jams and more vocals then previously. It’s all here, and as always they deliver the goods.
Phantom Fuzzy Exotica … in the bands own words
The initial image behind this album was “phantoms”- things that seem to exist, yet somehow don’t. Another thing that sets this album apart from our previous releases is that four of the five tracks feature vocals. The only instrumental is “Invocation and Ritual Dance of the Electric Nonsense.” We didn’t consciously plan it that way; it just happened naturally. After finishing last year’s tour, we didn’t have much time, but everyone’s ideas came together, and I think we’ve created an album we’re truly satisfied with.
Mandrake Oracle: The opening track of the album.Built around a single guitar riff by changchang, while the other instruments and electronics keep pushing the music forward. Personally, I imagined Deep Purple playing a Pink Floyd song while writing this one.
Minagoroshi Western: Imagined as the soundtrack to a fictional spaghetti western. In the end … everybody dies.
Daydream Rendezvous: A piece of daydream acid psychedelic folk.
Invocation and Ritual Dance of the Electric Nonsense: Hard psychedelic jazz rock. The title is a little nod to Frank Zappa.
Ai Vist Lo Lop (Cover): I’ve always loved Ai Vist Lo Lop by the wonderful Occitan traditional band Mont-Jòia, and I’d wanted to cover it someday. We especially enjoyed creating the a cappella section and finding the right sound for the main melody.
We sincerely hope you enjoy listening to this album as much as we enjoyed making it. — changchang
The Phantom Fuzzy Exotica European Tour 2026
AUGUST
19th Archive, Liverpool (UK) , 20th Ivory Blacks, Glasgow (UK), 21st The Golden Lion, Todmorden (UK), 22nd The Bunkhouse, Swansea (UK), 23rd Beautiful Days, Devon (UK), 25th The Peer Hat, Manchester (UK), 26th Le Pub, Newport (UK), 27th Strongroom Bar, London (UK) with Black Helium, 28th The Holloway, Norwich (UK), 29th The Sunflower Lounge, Birmingham (UK), 30th The Piper, St Leonards (UK) with Black Helium
SEPTEMBER
1st DND, Dunkirk (FR), 3rd Pilsen Busking Fest, Pilsen (CZ), 4th Pilsen Busking Fest, Pilsen (CZ), 6th Riff, Budapest (HU), 7th Végállomás Klub, Szombathely (HU), 8th A Beton, Győr (HU), 9th Chemiefabrik, Dresden (DE), 10th Bar Neun, Berlin (DE), 11th Subsol, Dusseldorf (DE), 12th Magasin 4, Brussels (BE), 13th De Onderbroek, Nijmegen (NL), 14th La Bulle Café, Lille (FR)
HIBUSHIBIRE are
Changchang (Guitar/Vocal/Bouzouki/Electronics/Melting Eye Spectacle), Tetsuji Toyoda (Bass/Vocal/Mermaid Mountain), AOI HAMA (Drums/Vocal/Cat Tongue Queen), Kohei Katsuma (Conga/Vocal/Theremin/Percussion/God Dog Family)

South Coast artist Howman lands back on DNO Records for his second outing, ‘Trap Eastwood’. First introducing his heavyweight fusion of rock, hip-hop, dubstep and electronica via his outstanding 2023 debut, ‘Moon Operator’, the multi-instrumentalist and producer returns with a refined palette. Still bearing the first class musicality, rich layering and imaginative sonics that we’ve come to expect, the new EP is more stylistically focused than its predecessor. This time, Howman homes in on a spot somewhere in the 140/dubstep/trap sphere, decorating it with digital fizz, alien bleeps, snarling bass, and the signature gruff twang of guitar that makes his music feel deeply personal and eternally human.

The title track is perhaps the most prominent example of the latter, where Howman’s Western-esque riff conjures up the tension before a duel at high noon, while the bend and wobble of each string shapes the movement of the track like the curves of a rattlesnake.
But it’s a constant from the start, like on opener ‘Strip Search’, with its cinematic guitar intro, and combination of repetitive keys, earnest strings and bear-hug bass that nods to classic hip-hop.
Or closer ‘Fatigue’, where the layers of stuttering plucks, emotive melody and scratchy slide noises form a downtrodden soundscape plagued by police sirens and punctured by “Champion Sound” snippets.
On ‘Navigator’, Howman’s approach is more subtle: fluttering strums and a simple bassline creating a brooding, enigmatic vibe in stark contrast to the urgent, alarm-like stabs which first grip the attention.

Throughout there is an overriding sense of the unknown. ‘No Spring’ weaves drawn-out flute notes, tinkling percussion, super-massive 808 lows and spurts of breakbeat into a twisting, winding thing that wants to lure and enchant. While ‘Frosty’ is as ice cold as its name suggests, murderous bass meeting a spidery piano melody in dread-inducing matrimony — along with snatched words from some familiar faces outside a Berlin edition of THE MINE.

Produced between 2022 and 2025 across various locations, influenced by Howman having to move into more solo live performance (as opposed to his previous band setups), and miraculously surviving a catastrophic data loss incident, the EP is a snapshot of disruption focused into creative cohesion. We’ve been told, however, that it’s not a new direction or a sign of things to come, which only serves to make his next release that much more enticing, that much more of a mystery.

Rhythms of postmodern realism at the very bottom of the DNO.

Nachdem Beartooth mehr als ein Jahrzehnt lang rohe, ungefilterte Emotionen in Musik kanalisiert haben,
die sie zu einer der wegweisenden Acts des modernen Metalcore macht, läutet „Pure Ecstasy“ als ihr
erstes Album unter Fearless Records ein neues Kapitel für die Band ein. In dem Opener und Titelsong
legt Frontmann Caleb Shomo von der ersten Note an alles offen. Es ist ein roher, bewusst desorientierter
Einstieg – bei dem emotionale Extreme miteinander verschmelzen – und der den Ton für ein Album angibt,
das darauf aufgebaut ist, jedem Hoch und Tief ohne zu zögern zu begegnen. Nach dem Erfolg von „The
Surface“ (2023) folgt mit „Pure Ecstasy“ ein Album, das sich offener, ungefilterter und größer zeigt als
alles, was die Band bisher gemacht hat.
Das Album erscheint als CD und auf Vinyl.

Obwohl der Bariton Johnny Hartman bereits in den 1940er Jahren mit den Orchestern von Earl Hines
und Dizzy Gillespie sowie mit dem Pianisten Erroll Garner aufgetreten war, erlangte er erst 1963 durch das
brillante gemeinsame Album mit John Coltrane große Bekanntheit. Bob Thiele produzierte für Impulse!
Records anschließend noch zwei Soloalben mit dem Crooner, die seine samtige Stimme und seine subtile
Phrasierung in den Vordergrund stellten. “The Voice That Is!” entstand bei zwei Studiosessions unter
der Regie des Arrangeurs Bob Hammer. Am 22. September 1964 nahm Hartman mit einem Quartett um
den Pianisten Hank Jones jazzige Versionen von Standards auf. Zwei Tage später kehrte er mit einem
interessant besetzten größeren Ensemble ins Studio zurück, um Nummern aus populären Musicals und
Filmen einzusingen, denen mit Perkussion, Marimba, zwei Gitarren und Flöte ein lateinamerikanisches Flair
eingehaucht wurde.

Angekündigt von astreinen Sommer- und Hangover-Hymnen (u.a. „discothèque with u“, „spaß am glas“),
kümmern sich Tiavo im kommenden Jahr auch um die Urlaubsplanung: Ihr neues Studioalbum „Hotel
Tiavo“ öffnet im Spätsommer 2026 seine Pforten! Vor allem ist das „Hotel Tiavo“ das womöglich einzige
Top-Etablissement der Welt, dessen Lobby zugleich als Dancefloor fungiert. Die Standardeditionen auf CD
und LP in transparenten roten Vinyl mit allen 24 Tracks erscheint am 28.08.2026.
„Hotel Tiavo“ ist das erste „richtige“ Konzeptalbum der Band: Nachdem sich der „absolute gewinner“-
Vorgänger eher beiläufig zu einem ultrasaarländischen „Einfache-Leute“-Konzeptalbum entwickelt habe,
wollten Leandros, Xaver & Co. dieses Mal einen konzeptionellen Rahmen abstecken, der richtig viel Raum
für Neues bietet – neue Einflüsse, neue Perspektiven, neue Umwege über den Indie-Dancefloor und durchs
Tiavo-Universum. Große Ereignisse werfen ihre Schatten voraus, so auch die feierliche Eröffnung des „Hotel Tiavo“: 24 Suiten, Schicksale, Storys – nein, Songs (oder: „Hymnen über Mikrothemen, die noch
keine Songs haben“), mit denen das saarländische Duo den eigenen Orbit sprengt und sich genau deshalb
treubleibt. Man sieht sich in der Hotelbar „Tropical“…

Die britischen Alternativ- und Progressive-Rocker von The Pineapple Thief melden sich 2016 mit einem neuen Album zurück. »Your Wilderness« heißt der Nachfolger von »Magnolia« aus dem Jahr 2014.

Mit gerade einmal acht Songs handelt es sich dabei auf den ersten Blick fast schon um ein Minialbum. Bei näherem Hinsehen bzw. Hinhören stellt man aber fest, dass alle Songs zwischen 3:46 und 9:52 Minuten liegen, was eine Durchschnittslänge von rund 5 Minuten pro Song macht. Hier kommt also niemand zu kurz.

Im Gegensatz zu früheren Alben haben sich The Pineapple Thief für »Your Wilderness« zum ersten Mal einen ganzen Haufen illustrer Gäste eingeladen.

Zunächst einmal ist Schlagzeuger Gavin Harrison mit von der Partie, der dem einen oder anderen bereits durch seine Mitgliedschaft bei der Band Porcupine Tree bekannt sein dürfte. Für einige Klarinettenparts stand zudem niemand Geringeres als John Helliwell von Supertramp zur Verfügung. Geoffrey Richardson von den legendären Caravan steuerte unterdessen das Streichquartett bei, das auf dem Album zu hören ist. An der Gitarre unterstützte Darran Charles von Godsticks. Zu guter Letzt sorgte ein vierköpfiger Chor für die Backgroundgesänge.

Produziert wurde »Your Wilderness« komplett in Eigenregie der Band, mit Ausnahme der Drumparts, die Harrison in seinem eigenen Studio einspielte.

Mit »No Man’s Land« haben The Pineapple Thief auch bereits die erste Single des neuen Albums vorgestellt. Und die lässt erahnen, dass die Band sich trotz neuem Personal musikalisch treu bleibt – zur Freude vieler Fans.

Mariá Portugal has been active in the music scenes of Brazil and Europe as a drummer, composer, singer, and music producer. After graduating in composition, she has focused her research on free improvisation and its possible intersections with popular song. This exploration resulted in her acclaimed album EROSÃO (2021) and in the formation of two groups: the EROSÃO Septet and the EROSÃO Percussion Trio, both based in Germany.

She is also a member of the group Quartabê and has toured and recorded around the world with various artists, moving between pop, free jazz, free improvisation, and Brazilian popular music. She has performed and recorded with artists such as Elza Soares, Anthony Braxton, Joe McPhee, Fred Frith, and Tomeka Reid. She is a member of Fire! Orchestra, Fire! Trio, Endless Breakfast and MONSTER.

In 2020, Portugal was the 13th Improviser in Residence at the Moers Festival. As a curator, she has participated in the Soundtrips-NRW in Duisburg and currently coordinates the concert series “TOMA CHOCOLATE!” in Berlin, besides being the guest curator for this year's unlimited Wels festival. She also composes music for dance, theater, and film, including the award-winning soundtrack for the film “1976”, which earned her the Chilean Film Academy Award in 2025. She was nominated for the 2025 and 2026 German Jazz Prize in the drums and percussion category.
Emilio Gordoa is a Mexican sound artist, percussionist, and composer whose work focuses on sound and performance as primary means of expresion. Based in Berlin since 2012, he has been an active contributor to the city’s Echtzeitmusik scene and is involved in the international avant-garde music community.

His projects include solo and ensemble performances, sound installations, and compositions for film, theater and dance. He has collaborated with a wide range of artists, including Jérôme Noetinger, Ingrid Schomliner, Yuko Kaseki, Burkhard Beins, Don Malfon, John Butcher and Sabiene Vogel. Gordoa’s approach combines experimental percussive techniques with electronic elements, leading to invitations to perform at events such as the Moers Festival, Meakusma Festival in Belgium, A’larme!, and Maerzmusik in Berlin.

He founded WildSonico, a platform for experimental music, and has been part of artist residencies at institutions like the Akademie der Künste and Kunststiftung NRW. He also worked as the Improviser in Residence for the Moers Festival. His discography includes albums such as Substantial Myths (2022), Balderi Variations (2019), and GRIFF (2021), which reflect his ongoing engagement with music. His work has been supported by organizations such as the Goethe-Institut, Musikfonds e.V., and INM - initiative neue musik berlin, and he has received recognition, including an Honorary Mention at the Prix Ars Electronica.

Burkhard Beins was born in 1964 in Lower Saxony and has been living in Berlin since 1995. He is considered a stylistically influential percussionist as a composer/performer, due to his individually developed playing techniques. Additionally, he works with analog synthesizers and live electronics, plays electric bass, and has created various sound installations.

He collaborates as a soloist, as well as with artists such as Chris Abrahams, Keith Rowe, Sven-Åke Johansson, Axel Dörner, Andrea Neumann, and many others. He is also a member of several ensembles including Sawt Out, Activity Center, Polwechsel, The Sealed Knot, Zone Null, Perlonex, Trio Sowari, Vertigo Transport, the NoWave/Krautrock band Slurge, and the Berlin Splitter Orchestra.

Since the late 1980s, he has performed concerts and participated in international festivals for experimental and contemporary music across Europe, America, Asia, and Australia. He has released more than 70 CDs and LPs in collaboration with various artists.

Burkhard Beins has been an Artist-In-Residence at the Künstlerhäuser Worpswede (2009), EMS Stockholm (2014), Muong Studios, Hoa Binh/Vietnam (2015), the Robert Rauschenberg Foundation, Captiva/Florida (2017), as well as at DAR, Drsukininkai/Lithuania (2018), and the Agosto Foundation, Prague (2019).

They're leaders of a new generation of songwriters who honour the genre's history while pushing its boundaries, too - musicians who treat bluegrass not as a tradition, but as a living, breathing language. That language evolves and expands with Appalachian Smoke , an album that combines the live- wire energy of the band's concerts with the bold, wide-open exploration of the recording studio. Produced by six- time Grammy winner Vance Powell , Appalachian Smoke came together during a whirlwind era that found Mountain Grass Unit hitting the highway, transforming their grassroots audience into a national following. For years, they'd squeeze their concerts into the narrow margins of long weekends and summertime breaks. When college graduation spilled the musicians out into the real world in 2025, Mountain Grass Unit committed fully to the road, selling out more than 30 shows that year and winning the International Bluegrass Music Association's Momentum Artist of the Year award.

This Summer has never looked so bleak. Along with news of the album, Kulk have also released their new video single 'An Endless Kife': "An Endless Knife is about growing up. When we're younger, sometimes it feels like we're invincible. Like everyone we know and love are constant parts of the universe. When that reality is shattered, it changes how we see the world. You come to realise we are all just a couple of bad days from the worst. At the same time, it feels devastating. It reminds us to look after each other" - Kulk The band have toured across the UK extensively the past few years, playing amongst bands such as Part Chimp, Hey Colossus, Crowbar, Melt Banana, Iress, Big Brave, Gnoomes, Conan and Portrayal of Guilt... to name a few! They have toured twice with PigsX7, including shows at Electric Ballroom (London) and Rock City (Nottingham) and have appeared at the renowned UK festivals Arctangent and Desertfest

Ein Konzert ist ein Ereignis, bei dem Songs zu neuem Leben erwachen. Deshalb trägt dieses Album den Titel "Live!", erklärt Jarvis Cocker zu diesem besonderen Werk im Pulp-Kanon. "Es ist sowohl eine Tatsachenfeststellung (es handelt sich um die Aufnahme einer Liveband) als auch eine Herausforderung (kommt schon! Alle sollen lebendig werden!)." Gleichzeitig ist es auch sowas wie der erste Filmsoundtrack von Pulp: Der von Garth Jennings inszenierte Film "What Do You Do For an Encore?" erscheint weltweit am 25. September. Die Zusammenarbeit zwischen Pulp und Garth Jennings reicht bis ins Jahr 1997 zurück, als er das Musikvideo zu "Help the Aged" drehte. Als Pulp 2023 ihre Rückkehr auf die Bühne ankündigten, nahm Garth Kontakt auf und bot an, das Bühnenkonzept mitzugestalten. Im Juni 2025 filmte er schließlich die beiden Auftritte der Band in der Londoner O2 Arena, die das Herzstück des Films bilden. Diese Konzerte liefern auch das Material für das Livealbum. Es waren die 566. und 567. Shows der Bandgeschichte und zeigen eine Gruppe auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Aufgenommen in der Woche, in der "More" - Pulps erstes Album seit 24 Jahren - Platz 1 der offiziellen UK-Charts erreichte, fängt das Album genau den Moment ein, in dem die Band als kreative Kraft zurückkehrt: alte und neue Klassiker erstmals vereint.

The latest report from Fader Cap’s Mannequin World suggests rising pressure pon de dance floor.
Conditions continue to deteriorate – percussion has become more insistent, someone keeps messing with the lights, and what’s with all the ducks?

This music was made for a hybrid live set at Miscellania (Naarm) with Skydiver Records.

Heavyweight vinyl.
300 units.

Es gibt eine unbestreitbare Verbindung zwischen dem Süden und Ereignissen außerirdischen Ursprungs. Vom eklektischen Jazz-Guru Sun Ra bis zum deutschen Raketenwissenschaftler Wernher von Braun - Alabama hatte schon immer mehr als nur einen reißenden Anteil an Verbindungen zum Weltraum und zu Dingen außerirdischen Ursprungs. So war es auch bei ,Man or Astro-Man?", die vor einigen Jahren in einer kleinen Universitätsstadt in Alabama ankamen bzw. dort eine Bruchlandung hinlegten. Als sie ihre Plattensammlungen wiederentdeckten, die lange Zeit auf vergessenen Dachböden verstaut oder hinter Regalen mit alten Zeitschriftenausgaben in zahlreichen heruntergekommenen Secondhand-Läden in Alabama versteckt waren, verliebten sich die Mitglieder von ,Man or Astro-Man?" in die verkratzten Klänge von Link Wray, The Ventures, Dick Dale, The Shadows und Duane Eddy - also in Instrumental-Gitarren- und Surf-Musik der späten Fünfziger und frühen Sechziger. Gleichzeitig hatten bizarre Bühnenbilder und Auftritte von Kraftwerk, Sun Ra, Devo, Frank Zappa, The Sputniks und natürlich den Residents großen Einfluss auf die sich rasch entwickelnde Truppe. Dennoch war es das erzwungene Leben in einer hoffnungslos konservativen Kleinstadtumgebung, das Man or Astro-Man? dazu brachte, das Offensichtliche hinter sich zu lassen und sich viel stärker von dem beeinflussen zu lassen, was sie hassten, als von dem, was ihnen eigentlich gefiel. Im Grunde könnte man sagen, dass Man or Astro-Man? weitaus stärker von College-Football und muskelbepackten Verbindungs-Spinnern beeinflusst waren als von Science-Fiction. Die Band trieb es, besonders bei Live-Auftritten, auf die Spitze, so lächerlich wie möglich zu sein, und verspottete dabei ernsthafte ,alternative" Acts und mit ihnen die Musikindustrie selbst. ,Experiment Zero" (1996) war ihr Debütalbum bei Touch and Go. Es wurde in drei Tagen im eigenen Studio von Man or Astro-Man?, dem ,Zero Return" in Alabama, zusammen mit Steve Albini aufgenommen und gilt als eines der großartigen modernen, vom Surf-Stil beeinflussten Gitarren-Instrumentalalben. Da Man or Astro-Man? ,Experiment Zero" als ihr Meisterwerk der langen Entwicklung der Surf-Musik etablieren wollten, begannen sie, sich schneller als je zuvor weiterzuentwickeln. Sie veränderten ihren Sound weiter und erweiterten den Einsatz von Samples, Computerprogrammierung, Keyboards, elektronischen Spielereien sowie experimentellem analogem Schneiden und Einfügen von Tonband. Obwohl das Album von der Kritik weithin gelobt wurde, mussten sich langjährige Fans erst einmal daran gewöhnen. Wo die meisten Bands müde geworden wären oder einfach immer wieder dasselbe Album im Kreis gedreht hätten, erfanden sich Man or Astro-man? und ihre Live-Auftritte immer wieder neu.

Schwarzes 180g Vinyl im Gatefold Sleeve! Die Innenhülle kommt im schwarzen Doppel-Druck mit UV-Spotlack. LP mit 16-seitigem 12" Booklet und Downloadcode. "Do To The Beast" ist das erste neue Album von THE AFGHAN WHIGS seit eineinhalb Jahrzehnten. Gegründet 1988 in Cincinnati, Ohio, war die Band mit ihrer wilden, stürmischen Mischung aus Alternative Rock, klassischem Soul und den Obsessionen ihres Frontmanns Greg Dulli ihren Zeitgenossen immer mindestens eine Nasenlänge voraus. Das neue Album ist somit sowohl eine Heimkehr - zum Label Sub Pop, das die Band 1989 als ersten Act unter Vertrag nahm, der nicht aus Seattle bzw. dem Nordwesten kam und die beiden Alben "Up In It" (1990) und "Congregation" (1992) veröffentlichte - als auch ein Blick in die Zukunft einer der anerkanntesten Rock Bands der letzten 25 Jahre. "Do To The Beast" ist damit ein angebracht wilder Titel für die vielleicht intensivste, kathartischste Platte in der Karriere von Greg Dulli und sorgt für frischen Wind im AFGHAN WHIGS-Kanon: Da gibt es die brutale Selbstprüfung von "Gentlemen" (1993), die Film Noir Erzählung von "Black Love" (1996), den Überschwang von ,1965" (1998). "Do To The Beast" versprüht ein galvanisiertes musikalisches Spirit und rhythmisches Gewicht, das inmitten des Aderlasses Transzendenz und Hoffnung suggeriert. Aufgenommen zwischen L.A., New Orleans, Cincinnati und Joshua Tree - eine Landkarte der aktuellen und vergangenen Heimatstätten der Band - wartet das Album mit den AFGHAN WHIGS Gründern Greg Dulli und John Curley auf, zusammen mit der Kernband aus den Gitarristen Dave Rosser und Jon Skibic, dem Multiinstrumentalisten Rick Nelson und Schlagzeuger Cully Symington. Außerdem mit dabei: der Soul-Bilderstürmer Van Hunt, Marc McGuire (EMERALDS), Johnny "Natural" Nagera (der Musical Director von USHER), Alain Johannes (QUEENS OF THE STONE AGE, ARCTIC MONKEYS), Clay Tarver (BULLET LAVOLTA, CHAVEZ), Dave Catching (QUEENS OF THE STONE AGE, EAGLES OF DEATH METAL).

Anjunadeep Explorations delivers a third vinyl sampler, marking the label’s 100th release and two years since its launch. Anjunadeep, the imprint’s parent label, has become “one of dance music’s ultimate tastemaker labels” (Billboard), best known for breaking global artists like Ben Böhmer, Lane 8, Tinlicker and Dusky. The ‘Explorations’ imprint is an evolution of the much-loved Various Artist EP series of the same name, which spanned 25 editions between 2016-2023 on Anjunadeep. Responsible for bringing through now-mainstay acts to the label such as Ben Böhmer, CRi, Luttrell, Rezident and Simon Doty, the series also featured underground talents like Theo Kottis, Sam Goku and Gacha Bakradze. Between the label’s launch in July 2024 and the release of this sampler, the label has introduced just under 50 acts to the Anjunadeep label group, comprising just shy of half of the label’s output so far, and with a release schedule booked until 2027 shows no signs of slowing down.

The latest vinyl sampler features six exciting tracks showcasing fresh talent like British duo josh & sam who are twins and Argentina’s Rossie, alongside established names including the widely-respected lo-fi producer dj poolboi. In keeping with the imprint’s ethos, the product also sees three further label debuts from AFFKT, foglight and Giom respectively hailing from Spain, Lebanon and France

Die Compilation vereint ikonische Tracks aus Tarantinos gesamtem filmischen Werk: von Pulp Fiction über Kill Bill bis Once Upon a Time in Hollywood. Mit dabei sind musikalische Größen wie Dick Dale, Johnny Cash, Joe Tex, The Coasters, The 5.6.7.8"s, Dee Clark, Keith Mansfield und viele mehr. Tarantino Sounds entführt in eine Welt aus Surf-Rock, Soul, Rockabilly und Retro-Vibes - genau wie Tarantino sie liebt und inszeniert.

Mit Sowas von Egal Vol. 3 setzt das Hamburger DJ-Kollektiv Damaged Goods seine gefeierte Compilation-Reihe auf Bureau B fort - und richtet den Fokus erneut auf die subversiven Untergrundszenen im deutschsprachigen Raum der frühen 1980er Jahre. Abseits der kommerziellen NDW entstand eine kreative Parallelwelt: Bands zwischen Post-Punk, New Wave, Synth-Pop und Avantgarde veröffentlichten ihre Musik in kleinsten Auflagen oder im DIY-Kontext - roh, kantig und radikal eigenständig. Die hier versammelten Tracks spiegeln eine Zeit zwischen Aufbruch und Unsicherheit wider, geprägt von "No Future"-Attitüde, politischem Druck und künstlerischer Freiheit. Tanzbar, direkt und oft überraschend eingängig: Sowas von Egal Vol. 3 macht vergessene Schätze wieder hörbar - und holt sie zurück auf den Dancefloor.

A MUCH SOUGHT AFTER SOUNDTRACK, THIS NEW VERSION FROM SILVA SCREEN CONTAINS MUCH NEVER BEFORE RELEASED MATERIAL!!

After a decade of creating pioneering puppet series made for children, Gerry & Sylvia Anderson took their first steps into live-action, with the 1969 feature film Doppelgänger (re-titled outside Britain as Journey To The Far Side Of The Sun). This science-fiction film approached its outer space subject matter with a gritty realism, and would set the tone for what was to be their first live-action television series: UFO. This new series took as a starting point the pioneering work of Dr Christiaan N. Barnard, the surgeon who performed the world’s first heart transplant operation. In UFO a dying race of aliens travel across vast distances of space to harvest organs from human beings to help ensure their own survival. To combat this threat the United Nations created SHADO, a top-secret organisation utilising the latest technology available to defend the Earth.

To complement the series, the Andersons frequent musical collaborator Barry Gray created a multifaceted score that gave the programme its own musical identity. Elegantly crafted and a firm favourite with Barry Gray fans, the sound of UFO, particularly its ethereal “World Music” closing credits is, quite simply, a joy. Includes a bonus track, Trampoline performed by The Spencer Davis Group from the episode Ordeal.

Die deutschsprachige Indie-Punkrock Band Hi! Spencer macht mit "immernie" ein Album, das nicht nach klaren Antworten sucht. Es ist ein Album über das Aushalten der eigenen Ambivalenz. Gefühle sind selten eindeutig. Hoffnung trifft auf Zweifel, Aufbruchsstimmung auf Heimweh - und manchmal fühlt sich alles gleichzeitig schwer und leicht an. Hi! Spencer sind gewachsen wie eine Kaugummiblase: langsam, stetig, aber mit Druck dahinter. Kein Hype, kein Abkürzen - sondern durchbeißen, weitermachen, langer Atem. Von kleinen Kellerklubs, in denen der Schweiß von der Decke tropft, bis auf die großen Bühnen des Landes. Alles selbst erspielt, alles Zug um Zug. Und genau deshalb hält das hier auch: weil es nicht aufgeblasen ist, sondern gewachsen. "immernie" ist der Moment, in dem sich nichts mehr kleinreden lässt - laut, schillernd und mit Wucht stellen Hi! Spencer klar: ihre Jahre sind noch lange nicht vorbei. Die Songs der Band haben mittlerweile millionenfache Aufrufe auf den Streamingportalen. Nach ausverkauften Clubtouren 2025 durch Deutschland und Österreich zählt die Band längst zu den gerngesehenen Gästen auf den großen Festivals, darunter Hurricane, Deichbrand und Highfield. "immernie" erscheint auf dem Label Merchcowboy Records, aufgenommen wurde das Album mit Tobi Schneider im DocMaKlang Studio Osnabrück.

The Womack Sisters – Kucha, Zeimani und BG Womack – sangen schon, bevor sie laufen konnten. Ihr gleichnamiges Debütalbum „The Womack Sisters“ aus dem Jahr 2026 ist der musikalische Höhepunkt der langen und kurvenreichen Reise der drei Schwestern auf der Suche nach sich selbst. In einer Sammlung von Stücken voller intensiver Soul-Power, die an eine Zeit erinnert, als Popmusik noch Substanz, Atmosphäre und Sinn hatte, kommt jede ihrer unverwechselbaren Stimmen im Rampenlicht zur Geltung.
Die Schwestern wuchsen auf der Straße auf. Ihre Schulen waren Bühnen und Studios auf der ganzen Welt, wo sie hinter ihren Eltern, Zekkariyas & Zeriiya (ehemals Womack & Womack), zusammen mit ihren vier Geschwistern sangen. Nirgendwo waren sie lange zu Hause. Egal, wo sie lebten – London, Thailand, Amsterdam, Kenia, Paris, Sydney, Zürich, Wien, Tansania, New York, Miami, West Virginia, die Bahamas – sie waren immer von Musik und Familie umgeben.
Als Enkelinnen des legendären Sam Cooke und Nichten von Bobby Womack stammen die Schwestern aus einer Soul-Dynastie, die tief in ihrem musikalischen Wesen verwurzelt ist. Das Album „The Womack Sisters“, das am 14. August bei Daptone Records erscheint, blickt nach vorne, indem es zurückblickt: Es ist eine Hommage an die Tradition ihrer Familie und schafft gleichzeitig einen Sound, der ganz und gar ihr eigener ist.

Completes the vinyl collection of Los Mockers, alongside the reissue of their original 1966 LP, this two handful of tracks, previously unreleased or out of print, traces the journey of five teenagers who, clinging to rock & roll, became legends. Blending the raw energy of 1960s rock & roll with rhythm & blues roots and later-day musical maturity, Los Mockers left a lasting mark on the Río de la Plata scene f rom their explosive beginnings to their 21st-century comeback. REWIND brings together rare recordings spanning nearly sixty years: from mid-1960s demos and singles to reunion sessions recorded between 2006 and 2012, i ncluding deleted material and an unreleased live track. Side A captures the band's early fire, opening with a 1965 demo of "I Just Want to Make Love to You," recorded under their original name, Los Encadenados, at Radio Ariel in Montevideo. It also includes their first original singles, "I Wanna Go" and "My Baby," plus the unreleased "Girl You Won't Succeed" and a fast, distinctly Uruguayan take on "Paint It Black." Side B focuses on the reunion era recordings made in Valencia, Spain, where the band revisited their legacy with renewed strength and craftsmanship. Tracks like " Need Some Time," "40 Years Ago," and "The Chain" show a seasoned group still driven by authentic rock & roll spirit, while "25 Watts" pays tribute to filmmaker Juan Pablo Rebella. The album closes with a powerful 2012 live version of "Tell Me Something New."

Geometrik Records is delighted to once again play a part in the exclusive recovery of Marcelo Expósito's previously unpublished work, which had been lost since its original creation in the 1980s. Marcelo Expósito is one of Spain's most internationally renowned contemporary artists, whose work is regularly exhibited across Europe and Latin America. He began his career at a very young age during the era of sound experimentation that flourished in the wake of so-called industrial culture, which found particularly fertile ground in Spain. As co-editor of legendary publications such as the fanzine Experiencias (1983) and, above all, the cassette-fanzine publisher Necronomicón (1983-1987), which operated on an international scale, Marcelo Expósito has, in recent years, been reconstructing those of his sound experiments that had been lost for decades. The album we are now presenting brings together material previously released on cassettes as EGK023 in a very limited edition. These tracks have now been remastered and expanded to complete this record, which noise musician Mattin has described as "secret recordings that constitute a gem from the rich Spanish underground of the 1980s". In the words of Luis Alvarado, editor of the Peruvian label Buh Records, this album allows us to appreciate how "Expósito developed a style of his own that understood sound as a malleable material open to chance. The recordings gathered on The Lost Tapes reveal an artist who moves as much through territories of unsettling textures and atmospheres as through zones of abstraction and radical noise". Influenced by the early work of figures such as Maurizio Bianchi, Nurse With Wound, and La Otra Cara de un Jardín, the release of this album provides a key piece in reconstructing the genealogical puzzle of Spanish experimental music. This carefully curated edition-in Spanish and English-includes a lengthy essay by Marcelo Expósito on the creative processes behind his work and the historical context of the industrial culture of the 1970s and 1980s, as well as extensive liner notes contributed by Vittore Baroni, editor of the legendary Italian label Trax; Francisco Felipe, co-founder of the Ars Sonora programme on Radio Clásica (Radio Nacional de España) and one of the most active names on the Spanish experimental scene of the 1980s; Mattin and Susana López (Susan Drone), key figures in the sound experimentation of the generation that emerged in the 2000s; as well as the aforementioned Luis Alvarado.

Robag Wruhme is the solo alias of Gabor Schablitzki, a quietly singular voice in minimal and house music since the early 2000s. His sound is built on precision without ever feeling rigid. Instead of chasing big moments, he lets tracks unfold through subtle movement and carefully balanced tension, always evolving but never rushing.

That same approach runs through this EP. It's about letting momentum emerge naturally, allowing each element to settle into place while the energy continues to build.

Across four tracks, Robag creates a world where rhythm and atmosphere constantly shape one another. The arrangements are rich with detail, yet nothing competes for attention. Even in the densest passages, every sound feels deliberate.

OLAHNI opens patiently, with ghostly textures and hypnotic vocal fragments setting the tone before the bassline slowly comes into focus. The arrangement keeps evolving, with subtle details drifting in and out as the groove steadily deepens.
IFTHAH takes things into darker territory, driven by a heavy rolling bassline and a looping motif that never quite loosens its grip, adding weight without disrupting the flow.

On FUMAXOHN, the groove remains tight while the mood shifts. A warm harmonic layer gradually emerges as the vocals dissolve into texture, drawing the track towards something more melancholic.
PENTHO closes the EP in its most direct form. Stripped back and driving, it lands with quiet confidence, bringing the journey to a close while holding onto the hypnotic tension that defines the record.

It's been a pleasure bringing this EP together, and we're excited to finally share it with you. We hope these four tracks draw you into Robag's world as much as they have us.

This compilation presents a selection of highly sought-after tracks and milestone classics crafted by esteemed Royal UK house producers.
Terry Francis, Nathan Coles (rip), Laurant Webb, Dave Coker and Justin Bailey.

With 16 tracks, many of which have never been reissued since their original pressings, fetching prices of hundreds of euros in the second-hand market (if you can find any in decent quality), while others were never released on vinyl. These are milestone classics, recorded and re-mastered directly from the original DATs for the first time.

This collection represents a pinnacle meeting of visionary minds who pioneered an entirely music genre, subsequently shaping the UK club scene with legendary Wiggle residency nights at iconic venues like Fabric. An essential and must-have album curated by Yossi Amoyal for Sushitech Records.

,Giraffe" ist das neue Gemeinschaftsprojekt von Dave Harrington (Darkside), Robert Walter (The Greyboy Allstars), Spencer Zahn und Kosta Galanopoulos (Rio Kosta). Ihr Debütalbum ,The Towering Inferno With Bongo Drums" vereint spacige Psychedelia, jazzinspiriertes Zusammenspiel und freie Improvisation zu einem fließenden, experimentellen Hörerlebnis. Das Album wurde an einem einzigen Tag bei 64 Sound in Los Angeles aufgenommen und fängt vier versierte Musiker ein, die sich in einem instinktiven Groove vereinen.

Bruno Silva returns under his Ondness moniker for his most personal album yet.

Recorded as an homage, a reference map, and a temporal slippage back to a transformative period of Bruno Silva's life, I Can Only Put So Much Into a Song conjures the threshold between his shoegaze-leaning teen years and a young adulthood defined by profound sonic landmarks: Iran’s The Moon Boys (whose cover serves as a key influence), The Microphones’ It Was Hot, We Stayed In The Water, Fennesz’s Endless Summer, and the communal, tape- hiss maelstrom of the New Weird America underground—all underscored by a persistent Black Metal tension.

Taking its title from a lyric in Farrah Abraham’s masterpiece My Teenage Dream Ended, this new humble offering from Ondness drifts into the memory of song as half-remembered recollections, as if beamed from a recurring "now" of unfulfilled possibilities.

Über die neun Songs des Albums hinweg erschafft Elanor Moss mit feinsinnigem Psych Folk ein eindringliches Wechselspiel aus Freude und Schmerz. Ihre düster-verträumten Momentaufnahmen bieten dabei weniger Katharsis als vielmehr ein Verständnis für die Komplexität des Wegs dorthin - Heilung nicht als Zustand, sondern als Prozess. Der Weg hin zu ihrem Debütalbum "The Knife, The Needle" war für Elanor Mos selbst eine komplexe Reise. Zeitweise fühlte sie sich von ihrer eigenen Musik entfremdet und suchte nach einem neuen Sound, anstatt den Raum zu besetzen, den sie sich bereits geschaffen hatte. "Nichts fühlte sich richtig an", erinnert sie sich, "also nahm ich den Druck heraus und versuchte, meine Beziehung zum Songwriting und zur Musik neu zu kalibrieren." Die drei Jahre, in denen die Songs für "The Knife, The Needle" entstanden, führten sie letztendlich zurück zu ihren Wurzeln und ihrer Liebe zu, wie sie es ausdrückt, "der Musik, die mich wirklich etwas fühlen ließ; der Musik, die ich schreiben wollte." "Das waren Folk- und zeitgenössische Folk-Songwriter", fährt sie fort. "Ich habe viel Zeit damit verbracht, Gitarre zu spielen", fährt sie fort. "Ich habe mir ein Vierspur Tape Gerät geliehen und darauf Demos aufgenommen. Ich habe mich intensiv mit Kurzgeschichten beschäftigt. Die schlichte, direkte Wahrhaftigkeit von Autor*innen wie Raymond Carver hat mich sehr angesprochen und inspiriert, während ich darauf wartete, dass meine Lust am Schreiben zurückkehrt. Ich habe außerdem wieder eine Therapie begonnen, in der ich anfing zu verstehen, woher ich komme, wie sich meine Familiengeschichte in meinem Handeln widerspiegelt und wie ich liebe und Liebe annehme. Aus der Langsamkeit und Stille dieser Rhythmen sind diese Songs entstanden." ,Sarah Waiting in the Car" gibt den Ton an, mit Moss' zartem, nachdenklichem Gitarrenspiel und den Pinselstrichen von Matthew Herds Ensemble - Marcus Hamblett (Horn), Jool Owen (Horn), Andrew Stuart-Buttle (Violine), Reid Jenkins (Violine), Linus Fenton (Kontrabass) und Herd (Saxophon) - die ihre Texte mit herzzerreißender Ernsthaftigkeit untermalen, während sich die Erzählung, die aus Moss herausfließt, von einem Treffen in der Bar zu den Nachwirkungen einer missbräuchlichen Beziehung wandelt, wobei Sanftheit in Gewalt umschlägt. In ,Fixer" ringt Moss mit der Tatsache, dass Liebe jemanden ebenso verletzen kann, wie sie ihn heilen kann. Ihr Album ,The Knife, The Needle" beschäftigt sich damit, wie Beziehungen durch die Liebe verändert, verkompliziert und erschüttert werden. Es ist ein erschütterndes Werk, zugleich geduldig und verletzlich, opulent umgesetzt und tief empfunden. Beide Objekte, die im Albumtitel genannt werden, können Blut vergießen, doch durch ihre Stimme und Gitarre erhellt, ist das, was aus den Wunden fließt, die sie hier teilt, nichts Geringeres als Poesie.

Hand Me My Flowers brings together one of underground hip-hop’s most relentless voices with one of the genre’s most revered producers. The result is a hard-hitting collaboration that bridges generations, uniting Flee Lord’s raw street narratives with Buckwild’s unmistakable golden-era production pedigree.

A cornerstone of the legendary Diggin’ In The Crates (D.I.T.C.) collective, Buckwild has spent decades shaping the sound of East Coast hip-hop, crafting classics for artists such as The Notorious B.I.G., O.C., Big L, Fat Joe, Nas, and countless others. On this project, he delivers a masterclass in gritty, soulful production—dusty samples, hard drums, and cinematic arrangements that provide the perfect backdrop for Flee Lord’s uncompromising lyricism.

Throughout the album, Flee Lord sounds right at home over Buckwild’s expertly crafted soundscapes, weaving vivid tales of survival, loyalty, sacrifice, and perseverance. His commanding delivery and relentless work ethic are matched by production that honors hip-hop’s foundations while remaining timeless and relevant.

More than a producer-and-emcee collaboration, this album represents a meeting of eras. Buckwild’s decades of experience and crate-digging mastery merge seamlessly with Flee Lord’s modern underground sensibilities, creating a project that feels both classic and contemporary. Every track reflects a shared commitment to authenticity, lyricism, and the enduring spirit of New York hip-hop.

For longtime fans of boom-bap and newcomers drawn to today’s thriving underground scene, this collaboration stands as a powerful reminder that real hip-hop never goes out of style.

Auf der Carnival EP versammeln Trauma Ray einige ihrer stärksten, intensivsten und experimentellsten Werke. Seit ihrem Durchbruch mit Chameleon, ihrem Debütalbum von 2024 bei Dais Records, hat die Band in der aktuellen Welle der Shoegaze-Revivalisten sich weiter etabliert, ist dabei aber immer agiler geworden und sind 2025 mit Kollegen wie Deafheaven, Loathe, und Toucheì Amoreì auf Tour gewesen. Mit einer Mischung aus blitzschnellen Riffs und karger Schönheit entwickelt sich ihr Sound weiter und knüpft an die Laut-Leise-Laut-Größen aus Metal, Grunge und Shoegaze von Slowdive bis Smashing Pumpkins an. Die Carnival EP taucht in stimmungsvolleres, intellektuelleres Material ein, als würde man ihre früheren Ausflüge vor einem Zerrspiegel betrachten. Diese Songs vermitteln ein deutliches Gefühl der Unruhe, entstanden in einer flüchtigen Zeitspanne, was beweist, dass die Band unter Druck und wenn sie aus den dunkelsten Ecken ihres Unterbewusstseins schöpft, am besten funktioniert. Das wortlose ,Carousel" leitet die beunruhigende Atmosphäre der EP mit Störgeräuschen und melancholischen Gitarrenklängen ein, die in ,Hannibal" übergehen, einem hymnischen Track voller kraftvoller Riffs und roher Emotionen. Die Band hat diese Art von purer Kraft schon mal gezeigt, von ,Solstice" aus dem Jahr 2018 bis zu "Chameleon", während ,Hannibal" mit einem Hauch von beispielloser Boshaftigkeit, Schlängeligkeit, ,Stone Temple-y, Alice in Chains-y", wie Avila witzelt, verzerrt ist. Textlich greift er die Angst der Teenager auf, das Gefühl, zerlegt und abgelehnt zu werden. ,Méliès", benannt nach dem französischen Illusionisten und Filmemacher, wechselt zwischen schweren, schlammigen Akkorden und einem himmlischen Refrain, ,von etwas Beängstigendem zu etwas wie einem Traumzustand", sagt Avila, der die surreale Abstraktion seines Namensvetters kanalisiert. ,Funhouse" taucht in den Doom Metal ein, mit spärlicher Gitarrenarbeit und dem wahrscheinlich langsamsten BPM der Band. Im Gegensatz dazu rüttelt, blitzt und hämmert der letzte Track ,Clown", als hätte der Hörer das andere Ende eines Horrorhauses erreicht und wäre nun vollständig in die grelle, verwirrende Beleuchtung des Jahrmarkts eingetaucht. Personifiziert durch eine knorrige, synthetische Leadgitarre erinnert ,Clown" an Robin Williams, einen Archetyp tragischer Fröhlichkeit, der zeigt, dass diejenigen, die am meisten versuchen, andere zum Lachen zu bringen, insgeheim vielleicht die Traurigsten sind. Klanglich verweist die Band schnell auf den Einfluss von ,Undone" und ,Stuck on You" von der Kultband Failure aus den 90ern, neben dem allgegenwärtigen Loveless, was die Größe von Trauma Ray ausmacht: fünf Musiker, die das, was sie lieben, aufnehmen, synthetisieren und erweitern. Die Carnival EP bietet einen kurzen und sehr loopbaren Abstecher in die Dunkelheit einer Band, die von Minute zu Minute beeindruckender wird.

Since their debut, Rising Insane have evolved from a fierce independent quintet into a global heavy-hitter, amassing millions of streams across their previous catalog. Their journey to the top has been defined by elite company, having shared stages with genre icons like Papa Roach, Of Mice & Men, and Stray From the Path, transforming them into an unstoppable live force. This momentum is now reaching a fever pitch with their upcoming album, Deathrace. The record includes the standout track "Good Enough" (feat. Matt Flood of Caskets), which proved the band's immense reach by surpassing one million streams right at its release, alongside the dark and mature "Error" (feat. Steven Jones of Bleed From Within). Fans can also look forward to explosive new collaborations on the album with ACCVSED and David Schneider (The Butcher Sisters). Deathrace marks the band’s most radical chapter yet, stripping away polished refinement in favor of raw power and primal riffs. It is a limit-breaking statement that finally pushes their sound to the absolute limit - Rising Insane have never stood still, but now they are finally flooring it.

It’s no disrespect to the man to not believe, in part or in whole, every word that Ray Wylie Hubbard writes, sings, or speaks — and frankly, he’d probably respect you a little less if you did. As celebrated songwriters of the outlaw poet/down-home-country-blues persuasion go, Hubbard’s credibility is unimpeachable. And to be fair, even as a somewhat notorious raconteur, his overall truthiness is a lot more bankable than your average politician or fundamentalist grifter.

But fold your cards every time he goes all in across a table from you, or swallow as fact every nugget of wisdom he sharpens into verse or stretches into a yarn without catching the gleam in his eye or wry tell between the lines, and odds are you’ve been played. But honestly, that’s all just part of what makes Hubbard so damn fun. “You know, a lot of artists when they put out a record, they go, ‘This is the best record I’ve done up to this point,’” the Americana legend considers sagely after a pause when asked how to best sum up Reel 2 Reel 4 Real, his 20th album in a recording career stretching back to the mid-70s. “But I’m not going to say this is the best record I’ve done. I’ll say it’s the best record I’ve ever heard.” No matter how many awards and Hall of Fame inductions others might honor him with (he’s a member of both the Austin Music HOF and the Texas Heritage Songwriters HOF), Hubbard never swaggers or sings his own praises without keeping his tongue planted firmly in cheek.

But after brushing aside his bluff with a chuckle, Hubbard gets real. “I am very proud of it,” he answers sincerely. “Everybody that played on it put a lot of work into it, and it just felt right doing it. I’m very grateful.” Set for release August 21, 2026 (with the first taste, “Cassette Mix Tape,” dropping May 29, followed later this summer by a second single, “Dog or Wolf”), Reel 2 Reel 4 Real marks Hubbard’s return after a two-album major-label joyride on Nashville’s Big Machine Records. “They treated me great, and did everything they could,” he says, “but it was kind of limited because I’m an old guy. I’m no longer a country hunk, you know?”

Als Gitarrist Grant Green im September 1964 zum ersten Mal mit dem Hammond-Organisten Larry Young
und dem Schlagzeuger Elvin Jones ins Studio ging, um das mitreißende Trio-Album “Talkin’ About!”
einzuspielen, lag Hochspannung in der Luft. Zwischen den drei Musikern entwickelte sich auf Anhieb eine
besondere Chemie, die nach einer Fortsetzung der Zusammenarbeit verlangte. Bereits zwei Monate später
kehrten sie mit dem Vibrafonisten Bobby Hutcherson ins Studio zurück, um das Album “Street of Dreams”
aufzunehmen, auf dem sie sich von ihrer subtileren Seite zeigten. Bei der Zusammenstellung des Repertoires, das von atmosphärischer Eleganz geprägt ist, setzten die Musiker auf seltener gespielte Standards
und Songs, die normalerweise nicht von Jazzinstrumentalisten aufgenommen werden.