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Das zweite und letzte Studioalbum der Punk-Ikonen - X-Ray Spex. Das heiß begehrte Album wurde 1995 in einer sehr kleiner Auflage nur auf CD bei Receiver Records in Großbritannien veröffentlicht und war in den letzten 27 Jahren offiziell nicht erhältlich! Das Album vereinte die original X-Ray Spex-Sängerin Poly Styrene mit der ursprünglichen X-Ray Spex-Saxophonistin Lora Logic und dem Bassisten Paul Dean sowie dem Kula Shaker-Frontmann Crispian Mills an der Gitarre unter seinem damaligen Pseudonym Red Spectre. Das Reissue wurde von den Original-Masterbändern neu gemastert und ist zum ersten Mal überhaupt auf LP erhältlich! Mit dem originalen und erweiterten Artwork, einschließlich bisher unveröffentlichter Texte und originaler Cover-Notizen von Poly. Die Popkultur ist voll von klassischen Alben, die iregndwie durchrutschen. In den letzten Jahren haben die verstorbenen Poly Styrene und X-Ray Spex mit ihrem 1978er Debütalbum "Germfree Adolescents" Kultstatus erlangt, aber das 17 Jahre später veröffentlichte Nachfolgealbum "Conscious Consumer" ist im Sand der Zeit untergegangen. Heutzutage wissen die meisten Leute nicht einmal, dass X-Ray Spex ein Nachfolgealbum hatten. Diese liebevoll zusammengestellte Neuauflage rückt ein verlorenes Juwel ins Rampenlicht, das viele Merkmale des Debüts aufweist, aber durch eine andere Brille betrachtet wird. Conscious Consumer" war eine Weiterentwicklung des klassischen Debüts mit derselben Punkrock-Dringlichkeit und denselben Konsumthemen, aber mit einer poppigeren Kante und einer durchdachteren Weisheit, die aus der Perspektive eines älteren, weiseren Krishna-Anhängers aus den Höhen und Tiefen des Lebens geschöpft wurde. Im Jahr 1995 war das Album ein unerwartetes Comeback und wurde ein verlorener Klassiker. Es war das erste neue Material, das die Band seit Jahren aufnahm, obwohl viele der Songs bereits ein Jahrzehnt zuvor geschrieben worden waren. Nach der Veröffentlichung verschwand das Album jedoch schnell vom Radar, lang bevor Poly dihren verdienten Kultstatus erlangte. Die Band, die sich 1991, 1995 und 2008 neu formierte, wird heute weltweit dafür verehrt, dass sie eine neue Art von musikalischem Lebensgefühl ausgelöst hat. Die verstorbene Poly ist heute ein Pin-up der Punk- & Popkultur für eine Originalität und einen Feminismus, die zu dieser Zeit kaum existierten. Ihre bissigen, witzigen und brillanten Texte und ihre unverwechselbare Stimme haben den Test der Zeit bestanden, und zusammen mit der ursprünglichen Saxophonistin der Band, Lora Logic, ist sie Teil der Punkrockgeschichte geworden. Die unscharfen Schnappschüsse der kurzen frühen Besetzung zeigen den frechen und scharf gekleideten Teenager-Kern, der vor Talent, Originalität und Stil strotzt, in einem Standbild der popkulturellen Punkrock-Perfektion. Wenn er sich das Album nach einer langen Pause wieder anhört, ist Bassist Paul Dean überrascht. Conscious Consumer" klingt jetzt so viel besser als in meiner Erinnerung. Damals wurde es nicht richtig veröffentlicht und deshalb kennt es niemand. Wenn du Germfree Adolescents liebst, wirst du Conscious Consumer lieben, sie sind miteinander verbunden. X-Ray Spex hatten nicht nur ein großartiges Album, sie hatten zwei!" CD, Eco Mix LP (random colour) & Crystal Clear LP (for Indies Only)

Das zweite und letzte Studioalbum der Punk-Ikonen - X-Ray Spex. Das heiß begehrte Album wurde 1995 in einer sehr kleiner Auflage nur auf CD bei Receiver Records in Großbritannien veröffentlicht und war in den letzten 27 Jahren offiziell nicht erhältlich! Das Album vereinte die original X-Ray Spex-Sängerin Poly Styrene mit der ursprünglichen X-Ray Spex-Saxophonistin Lora Logic und dem Bassisten Paul Dean sowie dem Kula Shaker-Frontmann Crispian Mills an der Gitarre unter seinem damaligen Pseudonym Red Spectre. Das Reissue wurde von den Original-Masterbändern neu gemastert und ist zum ersten Mal überhaupt auf LP erhältlich! Mit dem originalen und erweiterten Artwork, einschließlich bisher unveröffentlichter Texte und originaler Cover-Notizen von Poly. Die Popkultur ist voll von klassischen Alben, die iregndwie durchrutschen. In den letzten Jahren haben die verstorbenen Poly Styrene und X-Ray Spex mit ihrem 1978er Debütalbum "Germfree Adolescents" Kultstatus erlangt, aber das 17 Jahre später veröffentlichte Nachfolgealbum "Conscious Consumer" ist im Sand der Zeit untergegangen. Heutzutage wissen die meisten Leute nicht einmal, dass X-Ray Spex ein Nachfolgealbum hatten. Diese liebevoll zusammengestellte Neuauflage rückt ein verlorenes Juwel ins Rampenlicht, das viele Merkmale des Debüts aufweist, aber durch eine andere Brille betrachtet wird. Conscious Consumer" war eine Weiterentwicklung des klassischen Debüts mit derselben Punkrock-Dringlichkeit und denselben Konsumthemen, aber mit einer poppigeren Kante und einer durchdachteren Weisheit, die aus der Perspektive eines älteren, weiseren Krishna-Anhängers aus den Höhen und Tiefen des Lebens geschöpft wurde. Im Jahr 1995 war das Album ein unerwartetes Comeback und wurde ein verlorener Klassiker. Es war das erste neue Material, das die Band seit Jahren aufnahm, obwohl viele der Songs bereits ein Jahrzehnt zuvor geschrieben worden waren. Nach der Veröffentlichung verschwand das Album jedoch schnell vom Radar, lang bevor Poly dihren verdienten Kultstatus erlangte. Die Band, die sich 1991, 1995 und 2008 neu formierte, wird heute weltweit dafür verehrt, dass sie eine neue Art von musikalischem Lebensgefühl ausgelöst hat. Die verstorbene Poly ist heute ein Pin-up der Punk- & Popkultur für eine Originalität und einen Feminismus, die zu dieser Zeit kaum existierten. Ihre bissigen, witzigen und brillanten Texte und ihre unverwechselbare Stimme haben den Test der Zeit bestanden, und zusammen mit der ursprünglichen Saxophonistin der Band, Lora Logic, ist sie Teil der Punkrockgeschichte geworden. Die unscharfen Schnappschüsse der kurzen frühen Besetzung zeigen den frechen und scharf gekleideten Teenager-Kern, der vor Talent, Originalität und Stil strotzt, in einem Standbild der popkulturellen Punkrock-Perfektion. Wenn er sich das Album nach einer langen Pause wieder anhört, ist Bassist Paul Dean überrascht. Conscious Consumer" klingt jetzt so viel besser als in meiner Erinnerung. Damals wurde es nicht richtig veröffentlicht und deshalb kennt es niemand. Wenn du Germfree Adolescents liebst, wirst du Conscious Consumer lieben, sie sind miteinander verbunden. X-Ray Spex hatten nicht nur ein großartiges Album, sie hatten zwei!" CD, Eco Mix LP (random colour) & Crystal Clear LP (for Indies Only)

A tape with the rather factual title “Rosa Beton – Demo 83” gained currency in 1983, albeit among an inner circle, or as it says in a lexical note on the band: Rosa Beton “achieved beyond-regional fame in and around Berlin”. Unlike some other bands that were merely rumoured to exist, this name was widely recognized in the East Berlin punk scene and the demo tape was received with some delight. It had been made in the suburb of Hönow, or more precisely in music enthusiast Thomas Wagner’s childhood bedroom. The band was less a classic combo than a short-lived pro- ject run, for a brief underground season, by 16-yearold Wagner and Ronald Mausolf, who was known as “Mausi” and had just come of age. An old clunker of a four-track machine served as an impor- tant nutritional supplement for the duo, allowing bass and vocals to be overdubbed separately. For a project without a professional background, especially for an illegal punk band in the East, this conventional procedure was clearly exceptional. Punk bands would usually record vocals and instruments simultaneously and on a cassette recorder. Recording gear was not readily available in the GDR, and it was disproportionately or prohibitively expensive. The adversities that had to be overcome in starting up a punk band were certainly challenging for teenagers. Rooms for rehearsals were few and far between despite wide- spread vacancies, and public space was taboo thanks to the state. Concerts, whether in flats and studios or under the protection of the Protestant church, remained rare events and, moreover, risky; starting with the party-loyal neighbour alerting the People’s Police as if there were a war on, to the ever-present “digging activity” of the Stasi. The only planned appearance by Rosa Beton never materi- alised. Whether it was the goddesses of fate who averted a show or the Stasi who prevented it can no longer be reconstructed. In any case, Rosa Beton never played live and thus joined a long list of GDR punk bands that, in the early 1980s, did not make it out of illegality into a public sphere, not even into a conspiratorial one. ausi compensated for the band’s lack of live performances by at least distributing a few copies of the demo tape. Among others, at the Kult, the Kulturpark Plänterwald, which provided an initiation field for the Berlin punk scene and a hotspot with a pull beyond it. The punks adapted the Kulturpark to their understanding of an amusement park.
They would thrash about to Schlager music and pogo to third-rate Ostrock bands, make fun of overwhelmed provincials, hang out and exchange half-baked ideas as superior knowledge. In between, the punks liked to ride the chain carousel, there was a certain liking for chains. The Kulturpark management made quite a fuss about the riot the punks put on. Initially they were banned from the chain carousel, then, when the punks switched to bumper cars, they were banned from the bumper cars, then from the roller coaster, and finally from the ghost

Repress!

Food Music welcomes A1 Bassline to the label to release his first LP - Technicality.

The album's title draws from the club night 'Technicality', a monthly Drum & Bass night at Herbal in East London, which is run by Chris Inperspective and continued the sound of early Reinforced and Metalheadz records as well as pushing new forward thinking music. The album is centred around growing up as a teenager discovering this jungle/drumfunk sound through his college friend Rahim (Lab Creation), where the likes on Fold, Ben UFO, Breakage would attend the club.

In addition to well received records on DirtyBird, Pets Recordings and his collaborative work with Leon Vynehall as Laszlo Dancehall, the album is a stamp on A1's sound and his influences from his teenage years to growing up and discovering House and Techno.

Goldene Deluxe Edition zum 10-jährigen Jubiläum des Debütalbums von Princess Chelsea. 180g goldfarbenes Vinyl in einer gestanzten Gatefold-Hülle mit Goldfolienrücken, Songtexten und einem Poster im DIN-A1 Format. Lil' Golden Book ist das Debütalbum der neuseeländischen Künstlerin Princess Chelsea. Es wurde ursprünglich am 2. Mai 2011 über Lil' Chief Records veröffentlicht. Das Album wurde von Jonathan Bree und Chelsea Nikkel produziert und erzählt die Geschichte des Aufwachsens als Teenager und junger Erwachsener in Neuseeland. Nikkel gab an, dass die Produktion des Albums fast drei Jahre dauerte. The Sunday Star Times beschreibt es treffend als "when cute meets creepy". "Princess Chelsea veröffentlicht anno 2011 mit gerade mal 19 Jahren ihr Langspiel-Debüt "Lil' Golden Book". Darauf regiert kurioser Pop. Mit dem Video zu "The Cigarette Duet" landet sie völlig überraschend einen Youtube-Hit. Der Track handelt von den unterschiedlichen Haltungen zweier Partner zum Thema Abhängigkeit. Die eingängigen Melodien, die sie in vielfältige Arrangements bettet, ordnen viele dem Baroque-Pop bei. Vor allem Klavier und die feengleiche, spröde Stimme der Dame dominieren die Songs, die oft zwischen Sadcore und Ambientpop oszillieren. Darin finden immer wieder entrückte Synthieflächen und vereinzelt elektrische Schnipsel Einzug. Zusammen mit orchestralen Parts ergibt dieser schrille Cocktail einen cinematischen Sound, der in drei Jahren Heimarbeit entstanden ist." - LAUT.de

James Ray kickstarted his career as a teenager in 1959 after he left Washington DC for New York, but debut single ‘Make Her Mine’ flopped. Two years later, songwriter Rudy Clark discovered Ray and got him signed to the Caprice label, the resultant ‘If You Gotta Make A Fool Of Somebody’ a top-30 hit that the Beatles covered in early live sets. Ray’s self-titled debut album had that hit and the equally appealing follow-up, ‘Itty Bitty Pieces,’ as well as ‘I’ve Got My Mind Set On You,’ later successfully covered by George Harrison. An overdose would tragically cut short Ray’s career, this sole LP a testament to his enduring talent.

Having met as teenagers touring the late-‘90s North American post-punk scene, guitarist/vocalist Sean Madigan Hoen and drummer Dan Jaquint established an ongoing musical collaboration that for years remained a mostly-private endeavor relegated to cassette-only releases. After living together in Brooklyn, the duo found themselves returning to their home state of Michigan in 2018 where they reconnected with Detroit’s music scene and formed KIND BEAST. Taking its name from the writing of Carl Jung, KIND BEAST is at once a distillation of several decades of electric guitar music and a lyrical exploration of shadow themes and deep-psyche explorations. Described by NPR affiliate WDET as “perfect for late-night freedom cruising on the outskirts of town,” the music is sophisticated and nocturnal, metabolizing ‘70s arena rock and Krautrock as readily as the post-Fugazi cannon on which its members were raised. What commences is a vast blending of rock swagger infused with a distinctly-Detroit eeriness, set to Hoen’s (a widely-published author) imagistic lyrics. Joining Hoen and Jaquint are bassist Sean Bondareff (known for a fifteen-year stint with Mitch Ryder and The Detroit Wheels) and guitarist Martin Rodgers, fifteen years younger than the other members and who has made a name for himself as one of Detroit’s most talented guitarists. KIND BEAST pays little homage to Hoen and Jaquint’s teenage bands (Thoughts of Ionesco and Small Brown Bike, respectively) and finds itself most often compared to mature constituents of the rock/pop pantheon such as Arctic Monkeys, Spoon, and Queens of the Stone Age while discerning listeners pinpoint a deeper influence of the great indie labels of yore (Touch and Go; Dischord).

New for 2023! Kitty, Daisy & Lewis' iconic debut album reissued on Half Black and White vinyl. Originally released in 2008 when the band were still only teenagers, their self titled debut catapulted them into rock n' roll favourites and the album has since been regarded as a cult classic. With a sound deep rooted in the past, the sibling trio pay homage to those who inspired them from Charlie Rich to Muddy waters and released an album truly like no other.

For Fans Of... Magic Sam, Otis Rush, GA-20, Albert King, Elmore James. Never before heard blues from 1969! The 2023 RSD release is now also available on black vinyl and CD! Pressed right in Cleveland, Ohio at Gotta Groove Records. On Remined Records, Colemine's re-issue imprint. Produced by Eli 'Paperboy' Reed. Recorded by Eli's father in 1969. Tapes have been hidden for over 50 years, now being released for the first time ever. "Fred Davis was a legend, but only in my living room. As a teenager, I started digging deeper and deeper into the blues records in my Dad’s collection. That was when I started to get the Fred Davis story in fits and starts. Fred could play like T-Bone Walker and had a keen voice like J.B. Lenoir, he said. He used to front a jump band in Kansas City, before something went down that sent him to prison at Leavenworth. In the summer of 1967, he ended up working alongside my Dad at Harco, the Cleveland factory where my grandfather was an executive. They became friends, bonding over the B.B. King and Bobby Bland records blaring from the AM radio on the factory floor. Fred taught my Dad the rudiments of blues guitar, but his style. Instead of barring with his first finger, he wrapped his thumb around the back of the neck. That left his other fingers free to create big, ringing voicings that imitated the Kansas City horn sections he heard in his youth. Fred could play up and down the neck and, even when he played and sang just by himself, he sounded like a full band. Or, at least, so the legend went. These were only foggy memories from thirty years previous, passed down from a father to a son. But then we found the tape. A quarter inch reel in a plain white cardboard box, hiding on a shelf in the attic. My Dad explained how it came to exist: He found some friends (acquaintances really) who had a band and some equipment. They setup in my grandparents living room where the upright piano was, and he invited Fred over to record some of his songs with the band backing him up. We found a place nearby that could dub the tape and put it on a CD for us. When we finally got the transfer back, the legend became real. With this music now professionally transferred and remastered, I can only hope that Fred Davis can finally receive the acclaim that he deserves; that he never received in his lifetime. The legend can finally go behind the confines of my living room and, with any luck, to the whole world." Eli 'Paperboy'

For Fans Of... El Michels Affair, Adrian Younge, Roy Ayers, Karriem Riggins, The Roots, Khruangbin. Producer "Grimez" has been making music for 20 years deep Grimez has ghost produced tracks for 50 cent, Hi-Tek, Kool Keith, Stick man (DEAD PREZ), Killah Priest, Sadat X, MOOD & Talib Kweli, and Mighty Diamonds to name a few. Gritty & raw analog instrumentals. Jason Grimes is all about making timeless music. The Cincinnati-based DJ and producer has a long history of record collecting, sampling, and creating new sounds with analog gear. Grimes works with some of Cincinnati’s finest studio musicians to create raw, soulful, instrumental hip-hop under the moniker Doctor Bionic. As a teenager in the 90s, Grimes fell in love with hip-hop at an early age. He became comfortable scratching on a pair of 1200s and sampling records with an NPC in high school. After years of collecting records and working on his sound behind the scenes, he had compiled a huge discography of original songs – but he wasn’t sure how to share them. “I got pretty burnt out and I had to take a hiatus for a few years,” he explained. “There wasn’t much going on in the Cincinnati music scene, and it always felt like an uphill battle.” Then, on a casual bike ride with his wife through Loveland in 2015, Grimes came across a new record shop. “I heard some music playing and I saw a sign that read ‘funk/soul’ – I had to go in and see what these guys were all about.” He spoke with Terry Cole, co-owner of Colemine & Plaid Room Records. “It was a breath of fresh air to meet Terry. The interaction inspired me to start making records again.” A short time later, Grimes started his independent label Chiefdom Records. His studio persona Doctor Bionic was one of the first to see a release on the new imprint. “Doctor Bionic is a studio band of session musicians,” he shared. “The personnel changes on every record. It depends on the sound I’m going for.” For every record, the goal is to make timeless music. Grimes is responsible for writing, recording, producing, mixing, and releasing the records. Spiritual Conquest features several heavy hitters from the Cincinnati music scene. Brad Myers and Brandon Scott played guitar on a few tracks each. Marvin Hawkins laid down some live drums. The album offers a dynamic mix of instrumental hip-hop sounds. From punchy, head-bobbing beats to ethereal, floating piano lines, the mix offers a little something for everyone

"From the first fuzzed out note of guitar on this record you'll know you're dealing with two heavy instrumental Psychedelic Funk sides. For our 14th regular release, we reached back into our acetate archive to bring you the never heard before Chordata. This recording seems to be related tangentially to Mancefield & Brother Man Band. And though we believe the group is likely from NJ/NY, we haven't been able to pin it down.

""Super Dynamite"" on the a-side features heavy guitar work, punchy horn stabs and arrangements, and heavy percussion. And what great Funk song doesn't have a drum break? Two thirds of the way through the side, Chordata delivers a pure drum and percussion break that extends while the guitar player and horns add a discordant layer to the mix.

The b-side, ""What It Is"" takes us on a jazzy trip that is like a group of teenagers dropping acid and trying to recreate a mix of Miles Davis' ""Bitches Brew"" and a lost Funkadelic session. It’s heavy, sonic, drenched in sweat, and amazing. The guitar player goes off on this side and is the focus. And while this is a less accessible recording, it might end up being your favorite side after repeated listens. "

"From the first fuzzed out note of guitar on this record you'll know you're dealing with two heavy instrumental Psychedelic Funk sides. For our 14th regular release, we reached back into our acetate archive to bring you the never heard before Chordata. This recording seems to be related tangentially to Mancefield & Brother Man Band. And though we believe the group is likely from NJ/NY, we haven't been able to pin it down.

""Super Dynamite"" on the a-side features heavy guitar work, punchy horn stabs and arrangements, and heavy percussion. And what great Funk song doesn't have a drum break? Two thirds of the way through the side, Chordata delivers a pure drum and percussion break that extends while the guitar player and horns add a discordant layer to the mix.

The b-side, ""What It Is"" takes us on a jazzy trip that is like a group of teenagers dropping acid and trying to recreate a mix of Miles Davis' ""Bitches Brew"" and a lost Funkadelic session. It’s heavy, sonic, drenched in sweat, and amazing. The guitar player goes off on this side and is the focus. And while this is a less accessible recording, it might end up being your favorite side after repeated listens. "

NEA Jazz Master, Toots Thielemans, is widely considered to be the preeminent jazz harmonica
player. It is safe to say that before him, the harmonica in jazz was simply not done, and Thielemans
can be credited with legitimizing the instrument in the genre. Born in Brussels, Belgium in 1922.
Theileman’s excelled on accordion as a small child, before picking up the guitar as a teenager after
hearing Django Reinhart. Along the way, he taught himself to play harmonica as a hobby. In 1948,
during a visit to the US, he sat in on guitar with a jazz group at small club in New York and was
“discovered.” Engagements soon followed with the likes of Benny Goodman, Charlie Parker, Miles
Davis, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Quincy Jones and more. As the story goes, in response to a
musicians’ union restriction, Thielemans was forbidden to play guitar at a gig. So, he pulled out his
harmonica. The rest, as they say, is history. He went on to have a long and prolific career on the
instrument, as both a band leader and session musician. With his unique sound, he became a go-to
for film scores in the 1970s (The Pawn Broker, Midnight Cowboy). Perhaps most notably, Thielemans
is unconsciously known to generations for having played the melody on Sesame Street’s famous
closing theme. Organized as a purely jazz session, the date here prominently features a young Joanne
Brackeen on piano. It is perhaps Brackeen’s presence that makes this set so interesting. As an
avant-garde player she provides the vehicle for Thielemas to explore more advanced ideas. The
album covers a wide range of material, including two originals by Brackeen, alongside standards by
Coltrane, Ellington, Mercer and Mancini.

Bathed in a green haze, the crowd oozed to the mutant rock and roll roaring from the basement's dusty depths — everything and everyone was sweaty and sticky. But as Speedy Ortiz crammed into the back corner, their grins just inches away from ours, D.C.’s Dougout became a moshed-and-sloshed sauna of 20-somethings delirious on rock euphoria.

After spending much of the new millennium bored out of my skull by network soap indie, Speedy Ortiz — not to mention its pals in Pile, Ovlov, Grass is Green and the rest of New England’s burgeoning basement scene — was rock's wild howl. The songs were unpredictable, yet weirdly memorable, swaggering with a winky and wry sense of self. Riffs would twist with a topsy tenderness, then slam a ruptured discord. Sadie Dupuis' sphinxian-yet-sensitive lyrics were not only matched but accentuated by her coil-sprung vibrato. How could Speedy Ortiz not immediately become my new favorite band?

What began as a short-lived solo project recorded in Dupuis' off-hours as a rock camp counselor became a four-piece band in Northampton, Mass., by the end of 2011: Dupuis on guitar and vocals with drummer Mike Falcone, bassist Darl Ferm and guitarist Matt Robidoux. They made cool mixtapes, cracked inside jokes and gushed about teenagers that opened for them on tour. They freaked out (via LiveJournal) when they met the bassist from Polvo or Helium's Mary Timony, but also rolled their eyes at '90s indie-rock comparisons. The band's first single — the gender-bending got-laid grunge yowler "Taylor Swift'' — elicited that rare response of the simultaneous giggle and headbang. The Sports EP amped up the taut yet rubbery riffery.

Released July 9, 2013, Major Arcana is filled with wedding chapel exorcisms, oiled-down attractants and criminally twisted puny little villains — this is Dupuis' haunted lexicon as she scales the toxic Aggro Crag of a breakup. And while Dupuis wrote these songs, the band's convulsing arrangements and diverse influences sprawled the squigglier edges of feedbacked fuzz to mete out matters of the heart. Falcone — who, it's worth noting, has a knack for vocal harmony — swung as much as he smashed the drums. In easily tipoverable songs, Ferm's burly bass and percussive overdubs gave the unruly glee its momentum. Robidoux ripped skronky guitar solos and countered Dupuis' riffs with decorative splatter. Over a four-day marathon session at Sonelab in Easthampton, recording engineer Justin Pizzoferrato sparked the studio imagination of Speedy Ortiz — not only leaning into gritty tones but layer-caking dense dynamics that made these songs pop and pulverize.

For all her sweet-toothed seething, Dupuis was not easy on herself. Everyone's allowed the idiot growing pains of your 20s and the misery that follows, but I can only imagine the emotional exhaustion that playing these songs on the road, night after night, must have wrought. "But you left something on my lips: a mark so sick," she repeats over the doomy destruction that ends the album. Thinking back to the many Speedy Ortiz shows I caught in those early years, including an unofficial after-after party for my own wedding, "MKVI" often served as the noisy down-and-out closer — heads would bang in solidarity as the crowd became co-authors in the chaos, the biting phrase now a hex, Speedy Ortiz forever our coven. —Lars Gotrich

To celebrate the 10th Anniversary of Major Arcana, Speedy Ortiz release a remastered edition on Carpark Records.

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln."

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln."

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln."

La preuve is a rearguard action. Most of the people who inspired it are dead or retired. Old teenagers flay their former loves. They bear witness to a bygone era, but happily embraced, digested and spat out. Everything was still possible. Or possible at last. Psychedelia opened the doors of perception. Romanticism wasn't relegated to a dull formatting, a cheese without a rind. The group Poudingue, which started out ten years ago, has some fine leftovers. These are the crumbs from purgatory.

The proof (la preuve, in French) is in the pudding (poudingue, in French) is an expression coined by Friedrich Engels meaning that the value, quality or truth of something must be judged on the basis of direct experience or its results. The expression is a modification of an old saying that makes the meaning a little clearer: the proof of the pudding is in the eating.

Nicolas CHEDMAIL – vocals, guitar, bass, keyboard, trumpet, French horn, trombone, helicon, pipes, flute, siren, alto sax, harmonica, melodica, violin, cello, shahi baaja, sanza / texts 2 4 5 6 9 10 / music 1 to 10 Frédéric MAINÇON – guitar, vocals / texts 1 3 7 8 9 / music 3 4 7 8 9 Jean-Jacques BIRGÉ – synthesizer, sampler, effects, field recording, erhu, inanga, shahi baaja, waldteufel, vocals / music 1 3 4 5 9 Guest: Benjamin SANZ – drums

Australian rock band Tonight Alive burst onto the scene in 2008 as teenagers, blending power pop and rock, quickly finding success with their debut album, ‘What Are You Scared Of?’, and becoming a crowd favourite at festivals like the Vans Warped Tour and Bamboozle.  ‘Underworld’ is the band’s final and most organic album yet, a raw and real insight to a band reconnecting with their authentic selves.  One of the songs that emerged from the sessions is ‘Temple’, the song that launched the new era of the band and one written when lead vocalist Jenna McDougall was experiencing severe depression and fatigue - the lyrics penned when she was totally entrapped in being sick in her mind, body and soul. The rawness of the song became an anthem at BBC Radio 1 (debuting as the Rockest Record Of The Week).  The album takes the listener on an emotional journey of the underworld we all have within us, dissecting our internal darkness and discovering peace. Songs like ‘Disappear’ featuring guest vocals from Lynn Gunn (PVRIS) and ‘My Underworld’, a stirring duet with Corey Taylor (Slipknot / Stone Sour) showcase the diversity of the band’s sound and triumphantly scream to the world that Tonight Alive will always live on.  For fans of PVRIS, All Time Low, You Me At Six, Pierce The Veil, Paramore.

Debut album from The Goa Express, led by Clarkey alongside his brother Joe and best friends Joey, Naham and Sam They met as young teenagers in Burnley - growing up in the rural shadow of England's industrial north, music was a means of escape and a vessel for friendship. Their shared adolescent experiences shaped their collective attitudes and behaviours and, ultimately, the sound and spirit of their band. 6music playlists and Radio 1 support has followed along with a heavy touring scheduleeoAgCwAgA&sourceid=chrome&ie=UTF-8

Pattern-Seeking Animals sind eine bahnbrechende Prog-Rock-Band, die die Grenzen der musikalischen Erkundung immer mehr erweitert. Bestehend aus John Boegehold, Ted Leonard, Dave Meros und Jimmy Keegan, fesselt die Band mit komplexen Kompositionen. Auf ihrem 4. Album nähern sie sich neuen Klangwelten und Themen, die sie mit der DNA ihrer bisherigen Arbeit zu ihrem bisher einprägsamsten und stärksten Album kombinieren. Boegehold erklärt: "Da dies unsere vierte Veröffentlichung in weniger als 5 Jahren ist, war es meine Absicht, nicht über bereits bekanntes Terrain zu gehen. Wir haben andere Sounds, Texturen und Musikstile verwendet und sind auch ganz anders an den Gesang herangegangen." Der neue Ansatz macht sich nicht nur in Produktion und Sound bemerkbar, sondern auch bei den Texten. "Die Themen umfassen einen nordischen König, der über das Leben nachdenkt, während er erobert wird, einen alternden Sucher auf dem Weg zur Erleuchtung, Außerirdische, die Menschen jagen und sich der Gefangennahme entziehen, einen konfliktbeladenen Soldaten vor und nach dem Ersten Weltkrieg, eine schwangere Teenagerin, die eine schlimme Situation zu Hause hinter sich lässt, einen widerwilligen Helden, der in seiner letzten Schlacht siegt, und die Freundin eines Mannes, die ihn wegen seiner Verschwörungstheorien verlässt." Die Fans werden mit der ersten Single "Window to the World", einem energiegeladenen Up-Tempo-Art-Rock mit einem Hauch von Ska und Reggae, etwas Neues erleben. "Somewhere North of Nowhere" ist ein geradliniger Prog-Song mit einzigartigem Bridge-Teil. "Underneath the Orphan Moon" ist eine düstere Ballade über ein Teenager-Mädchen, das einer schlimmen Situation entflieht. Der stimmungsvolle und cineastische Song erinnert an einen klassischen Elton-John-Song, mit echter Streichergruppe. Das Album ist erhältlich als Ltd. 2CD Digipak und Digitalalbum (inkl. 3 Live-Bonustracks von ProgStock 2022) und als 2LP Gatefold 180g (inkl. 2 Live-Bonustracks von ProgStock 2022).

Midwestern psychiatrist Suzanne Mathis' world is turned upside down when she decides to protect Mae, a fragile teenager on the run from a cult. As Suzanne’s daughter Jules begins to suspect there’s more to Mae’s story, a series of incidents – seemingly brought on by Mae’s presence - leave the family in chaos. Soon the Mathis family is fighting for survival against a strange cult while Suzanne and a local police detective try to unravel the clues of Mae’s past and sinister happenings in the town she escaped. Adapted from Daria Polatin’s best-selling book inspired by true events, DEVIL IN OHIO is a thrilling, shocking tale of demonic mayhem and mystery in the heart of small-town America.

British composer Will Bates incredible work on DEVIL IN OHIO began with a hymn for the cult, written before shooting. It expanded with songs for Bishop Briggs and Maiah Manser, with melodies for hurdy-gurdy and synth, until it became a haunting world of its own, blending score, soundtrack and diegesis. Now, together with Netflix Music, we’re excited to release DIO’s first-ever full-length soundtrack on vinyl.

Der prägende Sound von Martin Rev, der vor allem im Zusammenspiel mit seinem langjährigen musikalischen Partner Alan Vega und der gemeinsamen Band Suicide in seiner Radikalität und Einzigartigkeit zu einem Einfluss für mehrere Generationen von Musikern werden sollte, findet seinen Ursprung insbesondere in der essentiellen Energie des Rock"n"Rolls, der Rev als Teenager prägte und so etwas wie die musikalische Entsprechung der urbanen Atmosphäre seiner Heimatstadt New York war. Nachdem Rev zunächst im Free Jazz und freier Musik nach neuen musikalischen Ausdrucksformen suchte, entwickelte er rasch eine Faszination für die elektronische Klangerzeugung, die es ihm ermöglichte, völlig alleine und autark zu arbeiten. Er experimentierte mit einfachstem Equipment, kombinierte verschiedene Geräte und Effekte und übersetzte so die Wurzeln des Rock"n"Rolls in einen neuen, bisher ungehörten elektrisierenden Sound, der sowohl der Beginn von Suicide als auch einer spannenden Solo-Karriere sein sollte. Die vorliegende Sammlung "The Sum of Our Wounds" umfasst verschiedenste Aufnahmen, die zwischen 1973 und 1985 entstanden. Dabei ist die Zusammenstellung weitaus mehr als nur eine Kollektion von Demos und Outtakes; vielmehr hat man das Gefühl, ein in sich geschlossenes Album zu hören und sich selbst Kompositionen, die einem bereits bekannt sind, gänzlich neu zu erschließen. Die Kassettenstücke besitzen in ihrer spröden Brüchigkeit eine große Sensibilität, eben wie eine Sammlung von Verwundungen.

Das kommende zweite Album CrazyMad, For Me führt Popstar CMAT durch eine Neufindung: Es ist das große Statement eines ehrgeizigen, reifen Sounds, eines texturierten Klangbilds und Details einer komplexen emotionalen und metaphorischen Landschaft. "Es ist etwas abstraktes, was passiert, wenn man immer noch wütend über etwas ist, das vor 10 Jahren passiert ist. "Es ist großartig, voller Hooks und malerischer Texte, die von ihrer einzigartigen Stimme projiziert werden. Es ist der Mainstream-Indie, den CMAT als Teenager liebte, gefiltert durch Country-Musik des 20.Jahrhunderts und durch die Kenntnis der Pop-Hits der 80er und 90er Jahre mit einer Slide Gitarre und einem Camp-Twist erweitert.Komplex, intim und mit Einflüssen, die weit über Zeit und Ort verstreut sind, ist CrazyMad, For Me ein sofortiges klassisches Album für ein breites Publikum.

RIYL: The Fall, Royal Trux, The Dead C, Shirley Collins, ’70s British progressive rock, Dean Blunt.
Throughout their legendary, decade-long run, the Shadow Ring were an enigmatic force on the international musical sub-underground. Before their disbandment in 2002, this shambolic rock outfit, formed by a group of rowdy teenagers in southeast England, left behind a mighty run of eight LPs, a handful of 7"s, and a spate of raucous live shows and cryptic zine appearances on both sides of the Atlantic, all which have bolstered their enduring word-of-mouth mystique. Beginning this year with the first-ever vinyl pressing of the self-released pre-Shadow Ring tape The Cat & Bells Club (1992), Blank Forms Editions is conducting a systematic retrospective of the storied group, including a multi-year LP reissue effort and a forthcoming comprehensive CD box set and an over five hundred page book. Recorded in summer of 1994 at S.H.P studios (frontman Graham Lambkin’s parents’ home), the group’s sophomore record Put the Music In Its Coffin is a more sinister, saturnine affair than their debut City Lights. Coffin was many listeners’ introduction to the Shadow Ring, who had hitherto self-released their music, courting a steady stable of international fans through the magazine and mail-order catalog Forced Exposure. For their follow-up, the duo reached out to the ascending Philadelphia label Siltbreeze, whose eclectic roster of sneering, low-fidelity rock and noise connected disparate subterranean scenes from rust-belt America to the English Midlands, Dunedin, and beyond. As luck would have it, Siltbreeze proprietor Tom Lax was already a fan of the band’s first record and arranged to release both a 7” and their “difficult second album.” The connection proved to run deeper than vinyl within six months, Lax would pick up the pair from the airport for their spring 1995 US tour. This episode marked not only their first trip to the States but their first live performances at all, formally introducing the Shadow Ring to the American underground and solidifying the allure of the Folkestone pair. From the get-go, the record has a menacing, vile ambience. Its opening track “Horse-Meat Cakes,” inspired by an anecdote by pulp author Philip K. Dick about how he and his wife subsisted off low-grade pet food when he first arrived in San Francisco, sets the tone lyrically and sonically. Subsequent tracks are filled with Rabelaisian body horror and sinewy, haptic diction. “I try to pass out vital organs, convinced that they are waste,” intones Lambkin in “Heart, Liver & Lungs,” before a chorus of detuned guitars kicks in, nearly drowning out the speaker’s account of consuming chevaline intestines. Later songs similarly detail vernacular cooking (“Caribbean Porridge,” about a cornmeal hangover cure), bodily processes (“Nocturnal Middle Rumbles,” about nighttime defecation), and creaturely conflict (“Crystal Tears” and “Spin The Animal Dial”). The album’s makeshift percussion and teenaged rawness resembles the verve of City Lights, while its screeching strings and gnarly distorted vocals give it a sparse, miasmic atmosphere that look towards the uncompromising, otherworldly experimentation of the band’s Hold Onto I.D. (1996) and Lighthouse (1997), making this one of the Shadow Ring’s most distilled musical statements

Throughout their legendary, decade-long run, the Shadow Ring were an enigmatic force on the international musical sub-underground. Before their disbandment in 2002, this shambolic rock outfit, formed by a group of rowdy teenagers in southeast England, left behind a mighty run of eight LPs, a handful of 7"s, and a spate of raucous live shows and cryptic zine appearances on both sides of the Atlantic, all which have bolstered their enduring word-of-mouth mystique. Beginning this year with the first-ever vinyl pressing of the self-released pre-Shadow Ring tape The Cat & Bells Club (1992), Blank Forms Editions is conducting a systematic retrospective of the storied group, including a multi-year LP reissue effort and a forthcoming comprehensive CD box set and an over five hundred page book. Recorded and self-released by the group's own Dry Leaf Discs in 1993, City Lights is the debut record of the then duo Graham Lambkin and Darren Harris_an assured arrival statement teeming with stripling angst and ambition. Lifelong chums Lambkin and Harris were barely nineteen and living at home in the seaside town of Folkestone, Kent, with few overhead expenses. The two were freshly employed as a forklift operator at a hardware store and an aide at a home for children with disabilities, respectively, affording them the time and funds to commit to a proper full-length release. Frontman Lambkin describes the album as a "microscopic examination of leisure activities, this time centered around a nightclub," a conceit surging through its lyrics, song titles, cover art (depicting an audience of cats and mice at the Leas Club, a Folkestone fixture), and flip side (replete with fictional bandmates and pseudonymous liner notes). On a recently-acquired secondhand guitar, Lambkin plays repetitive, brooding licks that form the record's backbone, weaving in and out of sync with Harris's free-form percussion and the pair's sing-song poetry. Tracks range from unraveling nursery-rhyme ditties to extended jams awash with Casiotone and toy piano noodling. The duo's musical hobby-horses work themselves in: the influence of Mark E. Smith's breathless deadpan, the headless outer-edges of ESP-Disk's back catalog, the eerie atmospherics of Hirsche Nicht Aufs Sofa, and the deconstructed rock tunes of the Dunedin scene are all detectable, although there is a sui generis quality to the Shadow Ring's artless temerity. "I've got to see and taste those city lights," intones Lambkin on the album's title track_indeed, this is a record of naked drive and pent-up desperation, and a shimmering glimpse of what's to come. For Fans of The Fall, Royal Trux, The Dead C, Shirley Collins, '70s British progressive rock, Dean Blunt.

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

Es ist vier Jahre her, dass Cherry Glazerr ihr glänzendes drittes Album "Stuffed and Ready" veröffentlicht haben, aber Clementine Creevy hatte es nicht eilig. "Ich habe diese Jahre damit verbracht, mich selbst und meine Beziehungen unter die Lupe zu nehmen und darüber zu schreiben", sagt sie. "Ich schätze, ich komme mit einer Menge Mist klar." Cherry Glazerr ist seit Creevys Highschoolzeit viel unterwegs, und als die Pandemie ausbrach, tauchte sie in eine statische Existenz ein. Creevy beschreibt Cherry Glazerrs ehrgeiziges neues Album "I Don't Want You Anymore" als ihre bisher persönlichste und roheste Musik, eine Sammlung von Songs, die diese Zeit der Selbstaufgabe verarbeiten. Es ist das erste Album, das sie seit Cherry Glazerrs Garage-Rock-Debüt "Haxel Princess" selbst produziert hat, das vor fast einem Jahrzehnt erschien, als Creevy noch ein Teenager war. Creevy beschreibt "I Don't Want You Anymore" als ein "reifes" Album, was mehr mit ihrer persönlichen Entwicklung zu tun hat, als mit dem Album selbst, das in wahrer Cherry Glazerr-Manier am besten als Extremely Fun beschrieben werden kann. Für die Produktion des Albums hat sich Creevy mit dem Produzenten Yves Rothman zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Yves Tumor bekannt ist. Die Leadsingle "Soft Like a Flower" ist ein Beispiel für diese Entwicklung. Ein düsteres Gitarrenriff leitet den Track ein, bevor Creevys unverhüllter Gesang einsetzt. Sie singt von einer verzehrenden Besessenheit und wird im Refrain von ihrer langjährigen Bandkollegin Sami Perez unterstützt. Es ist ein stolzes, gefühlvolles Stück, das Creevy einen "Evanescence-Moment" nennt. "Es ist ein echter `losing your fucking shit'-Style", sagt sie. "Ich wollte, dass dieses Album nur aus Herz und Seele besteht. Völlig offen." "I Don't Want You Anymore" nutzt das Element der Überraschung zu seinem Vorteil; jeder Track ist eine radikale Neuinterpretation dessen, was Cherry Glazerr ist und sein kann. "Bad Habit" beginnt mit einer spiralförmigen Gesangsschleife, die Creevy zu Hause aufgenommen hat, und entwickelt sich zu einem delirierenden Downtempo-Dance-Track, ohne dass jemals eine Gitarre zum Einsatz kommt. Der darauf folgende Track "Ready for You" wird im funkigen Stakkato gesungen, und die anfänglich sparsame Bassline in der ersten Strophe wird schließlich von einem massiven, statischen Gitarrenriff überholt, das einen daran erinnert, dass es sich hier im Kern um ein Rockalbum handelt. Dies sind Songs, die das Leben des Hörers untermalen, eine Partitur, die zu jeder Gelegenheit passt. Das titelgebende Stück ist ein Versprechen an eine namenlose Person, aber der sich wiederholende Text in der Bridge könnte genauso gut als Liebesbrief an den Hörer dienen: "In the end, you're always holding me."

„Dick This!“ von dem Rockabilly-Projekt Dick Brave and the Backbeats wurde erstmals 2003 veröffentlicht und erreichte Platz 1 der offiziellen deutschen Album-Charts und wurde mit Doppel-Platin ausgezeichnet. In dem Album wurden Pop-Klassiker im Rockabilly-Projekt neu interpretiert. Jetzt wird es als 1LP auf schwarzem Vinyl wieder neu aufgelegt.

In 1995 the self-titled full-length debut of Die Anarchistische Abendunterhaltung (DAAU) was released. The band consisted of four young, 'classically derailed' musicians who played their own compositions with acoustic instruments such as violin, cello, clarinet and accordion. Their work contained influences from Roma music, Eastern European folk, klezmer and jazz, but was performed with the energy, rebellious spirit and Sturm und Drang of a bona fide punk band. DAAU was part of the fertile Antwerp scene, which also produced dEUS, Zita Swoon and Kiss My Jazz, and soon signed an international record deal with Sony Classical.

The group's influential first record, which has been out of print for a while, is now finally being released again and is available on vinyl for the very first time.

In those early days, DAAU consisted of four young, classically trained musicians who tackled their instrumental compositions with a true punk spirit. 'If we'd had guitars, bass or drums at that time, we would probably have been just another rock band', says accordionist Roel Van Camp, who, together with his schoolmates Buni Lenski on violin, the latter's brother Simon on cello and Han Stubbe on clarinet made up the Antwerp quartet. 'With our acoustic instruments we tried to create our own version of the music we loved listening to, from sixties rock and prog to new wave.'

The quartet, which initially played in streets and cafes, appealed to a diverse audience and sometimes joked that they were a classically trained unit that had 'gone off the rails'. 'As befits teenagers, we wanted to shake things up', Stubbe remembers, 'even though we always kept cherishing our classical backgrounds.' Van Camp: 'Our education was never supposed to feel like a straitjacket. We were free-spirited enough to ignore the laws and regulations of the music academy and to create our own sound. Our compositions were open to influences from Roma music, Eastern European folk, klezmer and jazz'. 'That eclecticism was a direct result of the zeitgeist', Han Stubbe adds. 'We loved different styles and happily mixed them together'.

The monniker Die Anarchistische Abendunterhaltung was derived from Steppenwolf, a novel by German writer Hermann Hesse about a character who was outside society. 'In the book, the narrator talks of a theatre', Van Camp explains. 'And at the entrance there is a warning sign sign that says: if you go in here, you are guaranteed to lose your mind. That was an apt description of the way our music worked'.

Almost all tracks on DAAU's first album were 'Drieslagstelsels' (or 'three-course rotations'). The term referred to an agricultural method of the early Middle Ages, but also to the fact that each song of the group consisted of three major movements. Van Camp: 'The titles of those pieces referred to our method of writing. We piled up a huge bunch of ideas, because we wanted to tell more than just one story. With each composition, we took the listener for a ride'.

In 1995 the self-titled full-length debut of Die Anarchistische Abendunterhaltung (DAAU) was released. The band consisted of four young, 'classically derailed' musicians who played their own compositions with acoustic instruments such as violin, cello, clarinet and accordion. Their work contained influences from Roma music, Eastern European folk, klezmer and jazz, but was performed with the energy, rebellious spirit and Sturm und Drang of a bona fide punk band. DAAU was part of the fertile Antwerp scene, which also produced dEUS, Zita Swoon and Kiss My Jazz, and soon signed an international record deal with Sony Classical.

The group's influential first record, which has been out of print for a while, is now finally being released again and is available on vinyl for the very first time.

In those early days, DAAU consisted of four young, classically trained musicians who tackled their instrumental compositions with a true punk spirit. 'If we'd had guitars, bass or drums at that time, we would probably have been just another rock band', says accordionist Roel Van Camp, who, together with his schoolmates Buni Lenski on violin, the latter's brother Simon on cello and Han Stubbe on clarinet made up the Antwerp quartet. 'With our acoustic instruments we tried to create our own version of the music we loved listening to, from sixties rock and prog to new wave.'

The quartet, which initially played in streets and cafes, appealed to a diverse audience and sometimes joked that they were a classically trained unit that had 'gone off the rails'. 'As befits teenagers, we wanted to shake things up', Stubbe remembers, 'even though we always kept cherishing our classical backgrounds.' Van Camp: 'Our education was never supposed to feel like a straitjacket. We were free-spirited enough to ignore the laws and regulations of the music academy and to create our own sound. Our compositions were open to influences from Roma music, Eastern European folk, klezmer and jazz'. 'That eclecticism was a direct result of the zeitgeist', Han Stubbe adds. 'We loved different styles and happily mixed them together'.

The monniker Die Anarchistische Abendunterhaltung was derived from Steppenwolf, a novel by German writer Hermann Hesse about a character who was outside society. 'In the book, the narrator talks of a theatre', Van Camp explains. 'And at the entrance there is a warning sign sign that says: if you go in here, you are guaranteed to lose your mind. That was an apt description of the way our music worked'.

Almost all tracks on DAAU's first album were 'Drieslagstelsels' (or 'three-course rotations'). The term referred to an agricultural method of the early Middle Ages, but also to the fact that each song of the group consisted of three major movements. Van Camp: 'The titles of those pieces referred to our method of writing. We piled up a huge bunch of ideas, because we wanted to tell more than just one story. With each composition, we took the listener for a ride'.

Trumpeter, bandleader and composer Matthew Halsall announces landmark new album An Ever Changing View, an expansive, immaculately conceived project which presents Halsall’s signature blend of jazz, electronica, global and spiritual jazz influences.

An Ever Changing View will be released on September 8th on Gondwana Records (the label Halsall founded 15 years ago) ahead of a landmark show at The Royal Albert Hall in London on September 21st and UK and EU tour dates.

Halsall who has been hailed as one of the leading figures of the UK jazz renaissance has never seen himself as part of any one sound or scene: he builds his own sonic universe instead. An Ever Changing View finds him at his most experimental yet, once again expanding his sound and production techniques to create his unique brand of deeply meditative music.

During the album's creation, he was staying in both a beautiful architect’s house with breath-taking sea views and a striking modernist house, where he composed what he saw “like a landscape painting”. In these new environments, Halsall wanted to capture “the feeling of openness and escapism” and to approach making music again from scratch. “I hit the reset button and wanted to have complete musical freedom,” he says. “It was a real exploration of sound.”

It was hearing jazz on the dancefloor as a teenager that first opened up new possibilities in Halsall’s mind and his music has long drawn on his love for the spiritual jazz of Alice Coltrane and Pharoah Sanders and contemporary electronica from the likes of Warp Records and Ninja Tune. An Ever Changing View melds those forms in a way that feels heady and, at times, even otherworldly. One of the album’s starting points was Halsall’s ever-expanding box of percussion, from congas and kalimba to various clusters of seeds, bells and chimes, which he sampled and looped to use as a foundation for the songs – a first for him and his band. Elevating, charming, totally modern jazz tracks jostle with deft warm magic realism; and laid back grooves with hand percussion, deep bass and the gorgeous glisten of the Fender Rhodes meet hip-hop beats. Halsall himself sparkles, illuminating his beautiful tapestries of sound with lithe, glistening elegiac trumpet.

Trumpeter, bandleader and composer Matthew Halsall announces landmark new album An Ever Changing View, an expansive, immaculately conceived project which presents Halsall’s signature blend of jazz, electronica, global and spiritual jazz influences.



An Ever Changing View will be released on September 8th on Gondwana Records (the label Halsall founded 15 years ago) ahead of a landmark show at The Royal Albert Hall in London on September 21st and UK and EU tour dates.



Halsall who has been hailed as one of the leading figures of the UK jazz renaissance has never seen himself as part of any one sound or scene: he builds his own sonic universe instead. An Ever Changing View finds him at his most experimental yet, once again expanding his sound and production techniques to create his unique brand of deeply meditative music.



During the album's creation, he was staying in both a beautiful architect’s house with breath-taking sea views and a striking modernist house, where he composed what he saw “like a landscape painting”. In these new environments, Halsall wanted to capture “the feeling of openness and escapism” and to approach making music again from scratch. “I hit the reset button and wanted to have complete musical freedom,” he says. “It was a real exploration of sound.”



It was hearing jazz on the dancefloor as a teenager that first opened up new possibilities in Halsall’s mind and his music has long drawn on his love for the spiritual jazz of Alice Coltrane and Pharoah Sanders and contemporary electronica from the likes of Warp Records and Ninja Tune. An Ever Changing View melds those forms in a way that feels heady and, at times, even otherworldly. One of the album’s starting points was Halsall’s ever-expanding box of percussion, from congas and kalimba to various clusters of seeds, bells and chimes, which he sampled and looped to use as a foundation for the songs – a first for him and his band. Elevating, charming, totally modern jazz tracks jostle with deft warm magic realism; and laid back grooves with hand percussion, deep bass and the gorgeous glisten of the Fender Rhodes meet hip-hop beats. Halsall himself sparkles, illuminating his beautiful tapestries of sound with lithe, glistening elegiac trumpet.

Ash sind seit 30 Jahren zusammen, aber es waren die zwei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, die sie zu ihrem brillanten neuen Album inspirierten. Wie der Rest der Welt wurden auch Tim Wheeler (Gitarre/Gesang), Mark Hamilton (Bass) und Rick McMurray (Schlagzeug) von der Pandemie überrumpelt. Es war nicht nur die erste längere Auszeit, die die Band in ihrer unglaublichen drei Jahrzehnte währenden Karriere hatte, sondern auch die längste Zeit, in der die drei sich nicht gesehen hatten, seit sie sich in der Schule in Downpatrick, Nordirland, erstmals begegnet waren. Tim Wheeler - wie man es von einem der größten Songschreiber seiner Generation erwarten würde - hatte während Ashs Zwangspause weiter Songs geschrieben. Zum Reboot-Camp der Band erschien er bereit zum Loslegen mit einem Rucksack voller Hard-Rock-Hymnen. Und schwere Zeiten verlangen schließlich nach härterer Musik. Das selbst produzierte "Race The Night" - das achte Studioalbum der Band - ist in jeder Hinsicht herausragend. Aufgenommen im Oh Yeah-Studio in Belfast und mit neuem Fokus, kombiniert die Platte die unwiderstehlichen Rock-Riffs von "Meltdown" (2004) mit der melodischen Meisterschaft von "Free All Angels" (2001) - und das alles verpackt mit einem deutlichen Twist ins Jahr 2023. Und mit den fernen Anzeichen eines oft beschworenen Rock-Revivals am Horizont, könnte es das essentielle gitarrenzentrierte, hymnenreiche Album sein, auf das die Welt gewartet hat. Seit Ash als Teenager mit ihrem Nummer-Eins-Debütalbum "1977" aus Downpatrick auftauchten, ist die Band ein vitales, wachsendes Anliegen. Die meisten ihrer Zeitgenossen sind verschwunden oder haben sich zumindest aufgelöst, bevor sie zurückkehrten, aber Ashs Licht leuchtet so hell wie eh und je. Für dieses Album sind sie sogar zu Fierce Panda Records zurückgekehrt, die eine ihrer ersten Aufnahmen, "Punkboy", auf der 1994 erschienenen Crazed And Confused EP veröffentlicht haben.

Japan has produced some exceptionally talented jazz drummers and among them is Tatsuya Nakamura, who joins the BBE Music J Jazz Masterclass Series with his album ‘Locus’ from 1984, a session covering several bases, from heavy percussive samba to meditative avant-ambient. This is the album’s first ever reissue, although a track from ‘Locus’, ‘¼ Samba’, was included on J Jazz vol. 3. Nakamura began his drumming career as a teenager, inspired after seeing the documentary film “Jazz on A Summer’s Day” and listening to his idols Art Blakey and Miles Davis. By his early twenties, Nakamura was working with such luminaries as free jazz guitarist Masayuki Takayanagi, pianist Masaru Imada and band leader & composer Mitsuaki Kanno. In the mid-70s, like several other Japanese jazz players, Nakamura decided to make the move to New York where he studied drumming with Roy Haynes, and performed with members of the AACM and players from the loft and free jazz scenes including Richard Davis, George Adams, John Hicks, and Pharaoh Sanders. Returning to Japan, Nakamura continued playing as leader of his Japanese band The Jazz Fellows and in 1979, he went into the studio as leader for the classic “Where Is The Quarter” session featuring Masaru Imada, Hideto Kanai and Kenji Mori. This session includes the original percussion heavy version of ‘¼ Samba’ and was followed by a period back in NYC during which he recorded the funky/free session ‘Rip Off’ in 1980. 1984 saw Nakamura working as leader of a heavy-duty fusion septet and in February of that year he led them in a performance at Audio Technica Hall. The album ‘Locus’ on Sea Horse Records is the label’s one and only release. On ‘Locus’, Nakamura is joined by a stellar line-up. On trumpet is Shinobu Fujimoto and he’s joined by seasoned bass player Hideto Kanai (1931 -2011) who began playing in the mid-1950s, appearing on King Recs All-Star Jazz Series before going on to be a regular fixture on the legendary Three Blind Mice (TBM) label, backing many of its leading artists. He even released his own album on TBM, ‘Ode to Birds’ in 1975. On guitar is Kazumasa Akiyama. Born in Tokyo in 1955, he taught himself guitar at 10 years old and was influenced initially by The Beatles and Ray Charles, and later Jimi Hendrix, Cream, Chicago Blues, and jazz. When he was a student, he got a chance to appear on Sadao Watanabe's radio program ‘My Dear Life’, which led him to join the Isao Suzuki Group and Mikio Masuda Group. Akiyama released his first leader album ‘Dig My Style’ in 1978 and is still an active musician. On keys is the incredible Jun Fukamachi (1946-2010). Born in Harajuku, Tokyo, Fukamachi started playing the piano at the age of three, showing an extraordinary talent, recognised as a child prodigy. He became a professional musician while still in school and released his first album ‘Portrait of a Young Man’ on Polydor in 1971.

Ash sind seit 30 Jahren zusammen, aber es waren die zwei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, die sie zu ihrem brillanten neuen Album inspirierten. Wie der Rest der Welt wurden auch Tim Wheeler (Gitarre/Gesang), Mark Hamilton (Bass) und Rick McMurray (Schlagzeug) von der Pandemie überrumpelt. Es war nicht nur die erste längere Auszeit, die die Band in ihrer unglaublichen drei Jahrzehnte währenden Karriere hatte, sondern auch die längste Zeit, in der die drei sich nicht gesehen hatten, seit sie sich in der Schule in Downpatrick, Nordirland, erstmals begegnet waren. Tim Wheeler - wie man es von einem der größten Songschreiber seiner Generation erwarten würde - hatte während Ashs Zwangspause weiter Songs geschrieben. Zum Reboot-Camp der Band erschien er bereit zum Loslegen mit einem Rucksack voller Hard-Rock-Hymnen. Und schwere Zeiten verlangen schließlich nach härterer Musik. Das selbst produzierte "Race The Night" - das achte Studioalbum der Band - ist in jeder Hinsicht herausragend. Aufgenommen im Oh Yeah-Studio in Belfast und mit neuem Fokus, kombiniert die Platte die unwiderstehlichen Rock-Riffs von "Meltdown" (2004) mit der melodischen Meisterschaft von "Free All Angels" (2001) - und das alles verpackt mit einem deutlichen Twist ins Jahr 2023. Und mit den fernen Anzeichen eines oft beschworenen Rock-Revivals am Horizont, könnte es das essentielle gitarrenzentrierte, hymnenreiche Album sein, auf das die Welt gewartet hat. Seit Ash als Teenager mit ihrem Nummer-Eins-Debütalbum "1977" aus Downpatrick auftauchten, ist die Band ein vitales, wachsendes Anliegen. Die meisten ihrer Zeitgenossen sind verschwunden oder haben sich zumindest aufgelöst, bevor sie zurückkehrten, aber Ashs Licht leuchtet so hell wie eh und je. Für dieses Album sind sie sogar zu Fierce Panda Records zurückgekehrt, die eine ihrer ersten Aufnahmen, "Punkboy", auf der 1994 erschienenen Crazed And Confused EP veröffentlicht haben.

Die unnachahmliche Róisín Murphy veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes neues Album, 'Hit Parade' das sie in Zusammenarbeit mit dem Virtuosen der elektronischen Musik DJ Koze produziert hat. Das 13 Tracks umfassende Kompendium aus genreübergreifenden Perlen wird am 8. September 2023 auf Ninja Tune veröffentlicht.

Die warmen Klänge des HipHop, die psychedelischen Elemente und die eleganten, gefühlvollen Grooves sind allesamt Teil der Vision von Murphy und Koze, was zu einem Album führt, das man endlos wiederholen kann, während die Melodien darauf sich im Gehirn festsetzen. Die 13 Tracks, die zu dem mühelosen Glanz des Albums beitragen, wurden in sechsjähriger Arbeit fast vollständig aus der Ferne zusammengebastelt. Fans beider Künstler:innen werden wissen, dass diese inspirierte Zusammenarbeit aus Murphys Beiträgen zu Kozes 'Knock Knock' aus dem Jahr 2018 entstanden ist - insbesondere 'Illumination' und 'Scratch That' - und als Murphy mit Koze an 'Hit Parade' arbeitete, fand sie den gemeinsamen kreativen Prozess auf seine eigene Art und Weise aufschlussreich.
Seit sie in der irischen Stadt Arklow aufwuchs, schien die Musik Murphy fast sofort zu rufen, von dem Moment an, als sie im Alter von 10 Jahren die Kraft ihrer eigenen Stimme entdeckte, indem sie den ewigen Showtune-Klassiker 'Don't Cry For Me, Argentina' bei einem lokalen Poesie-Festival vortrug. Murphy stürzte sich kopfüber in die Musikszene, nachdem ihre Familie nach Manchester umgezogen war, als sie noch ein Teenager war. Nach einem kurzen Flirt mit Noise und Punk in Manchesters Umgebung trampte sie mit 19 Jahren nach Sheffield, um in die Clubszene einzutauchen. Ein zufälliges Zusammentreffen mit dem örtlichen Bassisten Mark Brydon führte die beiden zur Gründung der gefeierten Gruppe Moloko. Seitdem hat Murphy eine beeindruckende Solokarriere hingelegt, die sich über fünf hochgelobte Alben (mit einer Nominierung für den Mercury Music Prize für 'Hairless Toys' in 2015), gefeierte EP- und Single-Kollaborationen und in jüngster Zeit auch über Auszeichnungen für Videoregie und Schauspielerei erstreckt.

Die unnachahmliche Róisín Murphy veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes neues Album, 'Hit Parade' das sie in Zusammenarbeit mit dem Virtuosen der elektronischen Musik DJ Koze produziert hat. Das 13 Tracks umfassende Kompendium aus genreübergreifenden Perlen wird am 8. September 2023 auf Ninja Tune veröffentlicht.

Die warmen Klänge des HipHop, die psychedelischen Elemente und die eleganten, gefühlvollen Grooves sind allesamt Teil der Vision von Murphy und Koze, was zu einem Album führt, das man endlos wiederholen kann, während die Melodien darauf sich im Gehirn festsetzen. Die 13 Tracks, die zu dem mühelosen Glanz des Albums beitragen, wurden in sechsjähriger Arbeit fast vollständig aus der Ferne zusammengebastelt. Fans beider Künstler:innen werden wissen, dass diese inspirierte Zusammenarbeit aus Murphys Beiträgen zu Kozes 'Knock Knock' aus dem Jahr 2018 entstanden ist - insbesondere 'Illumination' und 'Scratch That' - und als Murphy mit Koze an 'Hit Parade' arbeitete, fand sie den gemeinsamen kreativen Prozess auf seine eigene Art und Weise aufschlussreich.
Seit sie in der irischen Stadt Arklow aufwuchs, schien die Musik Murphy fast sofort zu rufen, von dem Moment an, als sie im Alter von 10 Jahren die Kraft ihrer eigenen Stimme entdeckte, indem sie den ewigen Showtune-Klassiker 'Don't Cry For Me, Argentina' bei einem lokalen Poesie-Festival vortrug. Murphy stürzte sich kopfüber in die Musikszene, nachdem ihre Familie nach Manchester umgezogen war, als sie noch ein Teenager war. Nach einem kurzen Flirt mit Noise und Punk in Manchesters Umgebung trampte sie mit 19 Jahren nach Sheffield, um in die Clubszene einzutauchen. Ein zufälliges Zusammentreffen mit dem örtlichen Bassisten Mark Brydon führte die beiden zur Gründung der gefeierten Gruppe Moloko. Seitdem hat Murphy eine beeindruckende Solokarriere hingelegt, die sich über fünf hochgelobte Alben (mit einer Nominierung für den Mercury Music Prize für 'Hairless Toys' in 2015), gefeierte EP- und Single-Kollaborationen und in jüngster Zeit auch über Auszeichnungen für Videoregie und Schauspielerei erstreckt.

"Mid Air" ist ein Album über das Feiern, die Zuflucht und die Erlösung auf der Tanzfläche. Es ist ein Album, das sich mit Liebe, Trauer, Beziehungen, Identität und Sexualität beschäftigt. Es ist Romys Liebesbrief an die queeren Clubs, in denen sie Gemeinschaft und Anschluss gefunden hat. Die Entstehung des Albums, ihres ersten Soloprojekts, war ein Prozess, bei dem sie sich selbst außerhalb von The xx kennengelernt hat und in dem sie auch noch die Zeit hatte, sich zu verlieben. Es gibt einen Moment, ein Zwischenspiel, ein paar Tracks in "Mid Air", als Romys Stimme leise den Text "it hit me in mid air" singt. Diese Erkenntnis führt uns direkt in den Song "Enjoy Your Life", die zweite Single des Albums, die wie eine Offenbarung klingt. "Meine Mutter sagte zu mir "genieße dein Leben"", singt Musiker Beverly Glenn-Copeland im Refrain - ein Sample aus seiner Platte "La Vita". Als Romy den Satz zum ersten Mal hörte, hat er sie umgehauen - eine Erinnerung in den Tiefen der Trauer, dass das Leben kurz ist und man es in vollen Zügen genießen sollte. Freude, Verbundenheit, Liebe zu suchen. Während die Strophen die härteste Zeit nach dem Verlust ihrer Eltern zum Ausdruck bringen, ist der Refrain eine Art feierliche Ruhe. Schmerz und Freude tanzen zusammen. Die Art von Liedern, die Romy am liebsten mag - das, was sie "emotionale Musik zum Tanzen" nennt - Lieder wie "Smalltown Boy" von Bronski Beat oder "Dancing On My Own" von Robyn. Das ist die Art von Musik, die "Mid Air" inspiriert hat, die Art von Musik, die Menschen in Clubs zusammenbringt, insbesondere in queeren Clubs. Romy begann als Teenager in Londoner Queer-Clubs aufzulegen und sieht "Mid Air" als eine Rückkehr in diese Zeit, ein Pop-Dance-Album, das die Orte beschwört, an denen sie sich zum ersten Mal in das Genre und seine Kraft, Menschen zu bewegen, verliebt hat. Die Tatsache, dass das Album größtenteils unter Ausschluss der Öffentlichkeit entstand, als Romy die Clubs vermisste, machte diesen Impuls, ein Album zu schaffen, das in einem Club ein Zuhause finden könnte, umso wichtiger. Die Zusammenarbeit mit Fred Again.. und Stuart Price (der eines von Romys Lieblingsalben, Madonnas "Confessions on a Dancefloor", produziert hat) sowie mit Jamie xx, einem ganz engen Freund, Mitglied von The xx und Kollaborateur des Tracks "Enjoy Your Life", sorgte für die perfekte Balance zwischen Emotion und Tanzbarkeit. Auch wenn Romy nicht damit gerechnet hätte, dass ein solches Album jemals zustande kommen würde, als sie 2018 begann, mit Fred zu schreiben "Mid Air" führt uns durch die Höhen und Tiefen - einer Nacht, einer Beziehung, von Trauer und Heilung - und endet schließlich an einem Ort des Optimismus. Der letzte Track "She"s on My Mind" ist eine bewusste Anspielung auf den Disco-Song, der am Ende der Nacht in angesagten Queer-Clubs wie der Paradise Garage gespielt wurde und bei dem die getrennt tanzenden Körper zueinander fanden. Es ist das Ende eines Albums, das die besonderen, aber flüchtigen Momente der Ekstase feiert, die man nur in der Tanzmusik finden kann. Oder wie Romy es ausdrückt: "Das Gefühl der Gemeinschaft in den Clubs ermöglicht eine Flucht vor der Realität der Welt. Ich bin vielleicht nicht das Leben und die Seele einer Party, aber in der Atmosphäre eines Clubs zu sein, zu beobachten und sich zu verbinden - dadurch fühle ich mich weniger allein und lebendiger"