Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
the iconic project returns late September with its milestone 10th studio album, ‘I Wrote You A Letter’.
Twenty-five years after his debut, M83 (Anthony Gonzalez) stands as a genuinely era-defining electronic act, renowned for pushing indie-electronic into the mainstream while maintaining absolute critical credibility. With a massive catalog compounding billions of streams—anchored by the timeless “MIDNIGHT CITY” (1.5B streams)—the iconic project returns late September with its milestone 10th studio album, I WROTE YOU A LETTER’.
Recorded between Los Angeles and Paris alongside BENOIT DE VILLENEUVE, this new record follows the highly acclaimed ‘FANTASY’ (2023) and features striking artwork by celebrated Australian photographer BILL HENSON. This release marks a historic chapter, encapsulating a quarter-century of sonic evolution.
Commercially, M83’s power lies in an unmatched ability to transcend generations. Synonymous with cinematic emotion, nostalgia, and immense scale, M83’s sound is virtually a genre of its own, heavily sought after for film, TV, and sync. Live, the act holds top-tier global status, proven by headlining slots at major festivals like Coachella, Glastonbury, and Primavera.
‘I WROTE YOU A LETTER’ delivers exactly what M83 does best: big emotional scale, breathtaking cinematic atmospheres, and sharp hooks, all pushed into a fresh, modern palette.
Fünfundzwanzig Jahre nach seinem Debüt gilt M83 (Anthony Gonzalez) als ein wahrhaft epochaler Elektro-Künstler, der dafür bekannt ist, Indie-Elektro in den Mainstream zu bringen. Mit einem riesigen Repertoire, das Milliarden von Streams umfasst – angeführt von dem zeitlosen „MIDNIGHT CITY“ (1,5 Milliarden Streams) – kehrt das ikonische Projekt Ende September mit seinem wegweisenden zehnten Studioalbum „I WROTE YOU A LETTER“ zurück.
Das neue Album, das gemeinsam mit BENOIT DE VILLENEUVE in Los Angeles und Paris aufgenommen wurde, knüpft an das hochgelobte „FANTASY“ (2023) an und besticht durch ein eindrucksvolles Cover des gefeierten australischen Fotografen BILL HENSON.
Diese Veröffentlichung markiert ein historisches Kapitel und fasst ein Vierteljahrhundert klanglicher Entwicklung zusammen.
Kommerziell liegt die Stärke von M83 in der unübertroffenen Fähigkeit, Generationen zu verbinden.
Als Synonym für filmische Emotionen, Nostalgie und immense Größe ist der Sound von M83 praktisch ein eigenes Genre, das für Film, Fernsehen und Synchronisation sehr gefragt ist.
Live genießt die Band weltweit Spitzenstatus, was durch Headliner-Auftritte bei großen Festivals wie Coachella, Glastonbury und Primavera unter Beweis gestellt wird.
„I WROTE YOU A LETTER“ liefert genau das, was M83 am besten kann: große emotionale Bandbreite, atemberaubende filmische Atmosphären und eingängige Hooks, alles verpackt in einer
frischen, modernen Klangpalette.
Abramelin’s self-titled 1995 debut is a landmark in the Australian Death Metal scene, featuring some of the heaviest riffs ever recorded Down Under and deranged lyrics brimming with unbridled brutality and violence! Australian Death Metal for the most part has been really solid. Abramelin does nothing to deter from that thought and “Abramelin” is known by many death metal fans as a classic. These Aussies laid forth a chunk of brutal death metal in 1995. Around that time, the established sound of the Florida scene and even in other areas such as Sweden had begun to morph into something else as bands attempted to prevent stagnation. One such new avenue of creativity was to simply get heavier, louder, and more punishing, and by those standards Abramelin’s self-titled debut delivers on every level. Now available again on CD and vinyl, this long overdue re-issue brings back a true underground classic from one of Australia’s most overlooked Death Metal bands.
The third album from Max McNown, Leave On A Light, reveals a rare artist whose breakout success has brought him even closer to his truest instincts. Amid an explosive ascent that solidified his status as one of his generation’s most compelling singer/songwriters, the Oregon native came to a deeper conviction in music’s power to honor what matters most, such as the people and values who anchor his life. Born from a year of extraordinary momentum—including completing his sold-out, continent-hopping headline tour—Leave On A Light ultimately finds McNown more grounded than ever in his artistic vision, arriving as the fullest expression yet of his singular songwriting voice.
Mit der neuen Ausgabe der Vintage Sounds Vinyl Collection steht diesmal die traditionsreiche Welt der Country Music im Mittelpunkt. Die sorgfältig zusammengestellte Compilation vereint 18 zeitlose Klassiker und präsentiert einige der bedeutendsten Künstlerinnen und Künstler des Genres in klanglich überarbeiteten Versionen. Von den unverwechselbaren Stimmen von Dolly Parton und Patsy Cline bis zu den legendären Interpretationen von Kenny Rogers und Willie Nelson bietet diese Sammlung einen repräsentativen Querschnitt durch die Geschichte der Country-Musik. Zwischen Nashville-Sound, Honky-Tonk, Country-Pop und klassischen Balladen entsteht ein stimmungsvolles Hörerlebnis, das die Vielfalt und den nachhaltigen Einfluss des Genres eindrucksvoll dokumentiert. Eine hochwertige Zusammenstellung für Vinyl-Liebhaber, Sammler und alle, die die großen Songs des amerikanischen Country neu entdecken oder wieder erleben möchten.
A side is "Drumfetish" a ZMK 01 hit combo... The music is exactly at the inbetween Hardtek and Hardcore... And also it's a super cut-off/bring-it-in crossfader tune for actives deejays ! Eenjoy the different ways to spin it... Or with Drum & Bass or with Hardcore !
The flip is "Refuse To Believe", it brings a very mystical or nostalgic, or new wave feeling, using flangers and Transcore tricks... I always felt it was an node to the IST productions.
At a time Stefan ZMK was making lots of music for our scene, and ZMK was one of my favorite crew on vinyl. I am really proud he accepted to make a vinyl with us. Nowadays he is one of my favorite mastering studio...
So I asked him if he could re-master his own music ?
Here's the result : one track per side, playing 45 RPM (wich is cool because at 33 it's a bloody weapon too).
We all definitely hope you'll enjoy this new mastering & cut as we do !
Mastering : Stefan ZMK
Cut by : Simon Davey
Visuel : Vstee FDB
Pressing : Record Industry
Distro : Toolbox Records
out of Stock
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Intentions, the debut of LA-via-Chicago beat maker, composer, and multi-instrumentalist megiapa, is a 40 minute master class in synth-heavy, jazz-informed Neo-soul. megiapa"s lush and emotionally layered album, feels less like a collection of songs and more like a living archive of transformation. Across its warm synths, fluttering basslines, meditative voice notes and spiritual grooves, the Los Angeles based producer, vocalist and composer maps the uncertain terrain between heartbreak, healing, fear, and surrender. Featuring: Ahmad Muhammad (aka Kafari), Mekala Session, Blvck Spvde, Aankha Neal, Telemakus, Aisha Mars, 10.4 ROG
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"Solaris", das zwölfte Studioalbum von The Ocean, würdigt die bisherige Entwicklung der Band und verleiht ihr eine neue, intensive Note. Mit Mitgliedern aus sechs verschiedenen Ländern im Kern-Line-up kehrt The Ocean zu einer kollektiven Besetzung zurück und schöpft aus dem Erfahrungsschatz und Talent eines Pools außergewöhnlicher Musiker. Nachdem man mit dem Vorgängeralbum "Holocene" einen anderen Weg eingeschlagen hatte, zeichnet für den weitläufigen, organischen Klang von "Solaris" erneut der schwedische Produzent Jens Bogren verantwortlich, der bereits die beliebtesten Alben der Band - "Pelagial" sowie "Phanerozoic I" und "II" - abgemischt hat. Das neue Album stellt die Sänger*innen Lane Shi und Enrico Tiberi sowie die Gitarristen Emmanuel Jessua und Marco Gennaro vor; sie ergänzen den Gründungs-Gitarristen Robin Staps, den langjährigen Bassisten Mattias Hägerstrand und Schlagzeuger Jordi Farré. Jeder von ihnen bringt seine ganz eigene Note ein, um dieses fast 70-minütige Opus zum Leben zu erwecken - ein Werk, das für The Ocean hinsichtlich Ambition und erzählerischer Tiefe einen neuen Höhepunkt darstellt. Für die Aufnahmen wurde der Kreis der Mitwirkenden noch weiter gefasst: Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) steuerte modulare Synthesizer bei, der griechische Komponist Orestis Zafiriou (Playgrounded) lieferte ebenfalls Elektronik- und Synthie-Elemente, und Simen Eifring von der norwegischen Post-Rock-Band Spurv übernahm den Posaunenpart. Aufgenommen wurde das Album in den legendären Berliner Hansa Studios, wo bereits Klassiker wie David Bowies Low und Heroes, Iggy Pops Lust For Life und Depeche Modes Construction Time Again entstanden. Innerhalb dieser Studiowände entwickelte sich "Solaris" zu einem lebendigen Zeugnis für die Kraft von Entdeckergeist und Teamarbeit. Da der neue Sänger Tiberi zudem ein versierter Pianist und Multiinstrumentalist ist, wurden Klänge von Celesta, Flügel, Rhodes-Piano und Hammond-Orgel zu einem integralen und unverwechselbaren Bestandteil des Solaris-Sounds. Der für The Ocean typische, atmosphärische Post-Metal wird durch den experimentierfreudigen Geist der neuen Mitglieder sowie die Beiträge der exzellenten Gastmusiker bereichert. Die CD und 2LP Gatefold-Sleeves sind jeweils auf 360g Spezial-Karton gefertigt und auf Vorder- wie Rückseite mit roter Metallic-Heißfolien-Prägung veredelt. Die CD mit 6seitigem Fold-Out-Booklet, die 2LP in bedruckten Innenhüllen kommt zusätzlich mit A2-Poster.
Die in London lebende schwedische Künstlerin Josefin Öhrn (Ex-Mitglied der Grammy-nominierten Band Josefin Öhrn & The Liberation) veröffentlicht mit "Cherry" ihr Solodebütalbum, das sie mit den Gastsängern Bobby Gillespie (Primal Scream) & Anton Newcombe (The Brian Jonestown Massacre) sowie Andy Bell (Ride) an der Gitarre aufnahm. "Cherry" ist Josefins bislang persönlichstes und eigenständigstes Album. Es widmet sich Themen wie Neuanfang, Begehren, Liebe und Trauer und reiht sich so in eine neue musikalische Strömung ein – ähnlich Robyn ("Sexistential") und Lykke Li ("The Afterparty") -, in der weibliche Erfahrungen offen und ohne Scham in farbenfroher Aufrichtigkeit geschildert werden. Solche Alben zeugen von einer faszinierenden Phase roher, intensiver und tiefgreifend transformativer Selbstverwirklichung. Obwohl "Cherry" musikalisch an den hypnotischen Psychedelic-Rock ihrer Ex-Band erinnert, sind die Arrangements, Strukturen und der Mix weniger avantgardistisch und orientieren sich eher an der entspannten Atmosphäre von Künstlern wie Kurt Vile, Lana Del Rey oder Natalie Bergman. Klare Melodiebögen und Josefins Stimme – intim, magnetisch und unerschütterlich – stehen im Vordergrund und verleihen dem Album seine eindringlich-emotionale Unmittelbarkeit. Josefin bat persönlich Kalle Jerneholm Gustavsson (Soundtrack Of Our Lives), mit dem sie bereits früher zusammenarbeitete, das Album zu produzieren.
Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.
The final album from Brian Auger & The Trinity released in 1970. Features inspired reinterpretations of material by Sly & The Family Stone, Herbie Hancock, Traffic and Gabriel Fauré, now regarded as a landmark British jazz-rock recording. Newly remastered reissue, curated ith the Auger family and presented as a high-quality single LP replica edition.
The Garden, a magical place where lost dreams don't fade, but grow like silent flowers. Each petal holds an unfulfilled wish, each scent a memory left behind. In this garden, those who enter rediscover parts of themselves they thought lost and understand that nothing should be forgotten if it has touched their heart. The garden is the image that recurs most frequently throughout the album. We chose it as a metaphor for "refuge," a place where we can choose to nurture our natural inclinations, let them grow and blossom, but where we can also keep our shadows and our lights hidden. Where our secrets, our most authentic truths, our aspirations and our dreams, can therefore remain guarded until we are ready to reveal them to those who can contain and appreciate them.
Magenta Coloured Vinyl, limited to 400 copies. The Garden, a magical place where lost dreams don't fade, but grow like silent flowers. Each petal holds an unfulfilled wish, each scent a memory left behind. In this garden, those who enter rediscover parts of themselves they thought lost and understand that nothing should be forgotten if it has touched their heart. The garden is the image that recurs most frequently throughout the album. We chose it as a metaphor for "refuge," a place where we can choose to nurture our natural inclinations, let them grow and blossom, but where we can also keep our shadows and our lights hidden. Where our secrets, our most authentic truths, our aspirations and our dreams, can therefore remain guarded until we are ready to reveal them to those who can contain and appreciate them.
Jim Legxacy's mixtape homeless n*gga pop music arrives on LP & CD for the first time via XL Recordings. The 3x BRIT Award nominated and MOBO Award winning artist broke through with the 2023 project to critical acclaim, with the South-Londoner grappling with his relationships, identity, and homelessness. The mixtape is an impressive collision of midwest emo guitar samples, UK drill, afrobeats, and Jersey club, not only reshaping what UK music can sound like, but what it can stand for — a bold, fully-formed record that could only have come from one mind.
Die Neuauflagen von The Runaway Found (2004), Nux Vomica (2006) und Sun Gangs (2009) geben Fans und Sammlern die seltene Gelegenheit, diese einflussreichen Alben in hochwertiger Vinyl-Qualitat neu zu entdecken. Die Re-Releases sind besonders bemerkenswert, da die Originalausgaben auf Schallplatte in den 2000er-Jahren nur in begrenzter Stuckzahl erschienen. Zu einer Zeit, als Vinyl kommerziell noch eine untergeordnete Rolle spielte, waren die Veroffentlichungen nur schwer erhaltlich. Die neuen Pressungen ermoglichen nun ein Horerlebnis mit der Klangtiefe, Detailtreue und dem Artwork, die den atmospharischen Kompositionen von The Veils besonders gerecht werden. Unter der Fuhrung von Sanger und Songwriter Finn Andrews, der die Band bereits als Teenager grundete, entwickelten The Veils mit ihren ersten drei Alben einen unverwechselbaren Stil. Zwischen uppigem Indie-Rock, romantischer Melancholie und filmischer Dramatik schufen sie einen Sound, der von orchestralen Arrangements, eindringlichen Rhythmen und emotionaler Intensitat gepragt ist. Mit The Runaway Found, Nux Vomica und Sun Gangs etablierte sich die neuseelandische Band als eine der eigenstandigsten Stimmen der internationalen Indie-Szene. Die Alben verbinden weitlaufige, cineastische Klanglandschaften mit intimen, personlichen Momenten und zeigen eine beeindruckende kreative Entwicklung wahrend der fruhen Bandjahre. Finn Andrews freut sich uber die Wiederveroffentlichungen: "Es ist eine große Freude zu sehen, dass diese Alben, die uns und vielen anderen so viel bedeuten, von dem Label, das uns von Anfang an unterstutzt hat, erneut auf Vinyl veroffentlicht werden. Ich bin Rough Trade und den Songs dieser leidenschaftlichen, suchenden und wunderbar jugendlichen ersten Jahre sehr dankbar."
Originally conceived as the solo project of Izio Orsini (Rancho Bizzarro), Bantoriak has evolved into a collective sonic ritual, bringing together an impressive cast of friends and collaborators from the Italian and international underground scene. Steeped in warm 70s inspired sounds, hypnotic grooves, expansive jams and heavy psychedelic atmospheres, Vol. II travels from the dusty landscapes of the Californian desert to more mystical and introspective territories. The album features special appearances by Sergio Ch. (Los Natas, Soldati) on "Blu Bus" and Dome La Muerte on "Ritualism" and "La Muerte". For fans of: Kyuss, Los Natas, Colour Haze, Yawning Man, Monster Magnet, Dead Meadow and Black Sabbath.
Originally released by CRI in 1974 and now reissued on vinyl for the first time by Death Is Not The End, Music by Earle Brown is a concise overview of the composer's landmark early experiments with graphic notation, open form structures and magnetic tape.
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Times Five (1963): Govert Jurriaanse (flute), John Floore (trumpet), Harry Sparnaay (bass clarinet), Jaring Walta (violin), Roelof van Driesten (violin), Gerrit Oldeman (viola), and Harro Ruijsenaars (cello). Ton Hartsuiker acts as piano leader, with Earle Brown conducting the acoustic instruments alongside pre-recorded magnetic tape.
Octet I (1953): Composed, created, and realised entirely by Earle Brown using multi-channel magnetic tape.
December 1952: Composed by Earle Brown, solo piano by David Tudor.
Novara (1962): Govert Jurriaanse (flute), John Floore (trumpet), Harry Sparnaay (bass clarinet), Jaring Walta (violin), Roelof van Driesten (violin), Gerrit Oldeman (viola), Harro Ruijsenaars (cello), and Ton Hartsuiker (piano), with Earle Brown conducting.credits
Originally released by CRI in 1974 and now reissued on vinyl for the first time by Death Is Not The End, Music by Earle Brown is a concise overview of the composer's landmark early experiments with graphic notation, open form structures and magnetic tape.
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Times Five (1963): Govert Jurriaanse (flute), John Floore (trumpet), Harry Sparnaay (bass clarinet), Jaring Walta (violin), Roelof van Driesten (violin), Gerrit Oldeman (viola), and Harro Ruijsenaars (cello). Ton Hartsuiker acts as piano leader, with Earle Brown conducting the acoustic instruments alongside pre-recorded magnetic tape.
Octet I (1953): Composed, created, and realised entirely by Earle Brown using multi-channel magnetic tape.
December 1952: Composed by Earle Brown, solo piano by David Tudor.
Novara (1962): Govert Jurriaanse (flute), John Floore (trumpet), Harry Sparnaay (bass clarinet), Jaring Walta (violin), Roelof van Driesten (violin), Gerrit Oldeman (viola), Harro Ruijsenaars (cello), and Ton Hartsuiker (piano), with Earle Brown conducting.credits
A powerful new track arrives on 7-inch, marking a collaboration between MAJOR FORCE PRODUCTIONS and DJ KRUSH, featuring the gentle, soothing vocals of guest singer Kyoko Koizumi.
This joint production by MAJOR FORCE PRODUCTIONS-comprised of K.U.D.O and Kan Takagi, two key figures who have helped shape Japan’s music scene-and the internationally acclaimed DJ KRUSH results in a single that vividly captures everyday scenes and the deeper layers of human emotion through diverse beats and floating electronic textures.
Conceived as a sequel to Kan Takagi’s 1997 release “LOVE THEME,” the track unfolds with a memorable melody expressing a sincere longing for love and freedom. Refined yet warm, it stands as a timeless piece of electric folk blues.
For this 7-inch edition, the track has been given a single edit, making it a special and essential release.
A side is a trip... Bloody experience...
Like I say "if a record does not have something to say... then abort !"
Here frequencies becomes weapons !
Screwdrivers for solid brains !
The flip brings 2 Speedcore at same speed for a deejay pleasure, as expected with this vinyl only project !
The name of the EP in in memory of parties organised between 1994 and 1995 where the music was...
Enjoy !
Mastered by ArmguetNad.
Cut at The Exchange.
Visuals by Artcoton
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"Solaris", das zwölfte Studioalbum von The Ocean, würdigt die bisherige Entwicklung der Band und verleiht ihr eine neue, intensive Note. Mit Mitgliedern aus sechs verschiedenen Ländern im Kern-Line-up kehrt The Ocean zu einer kollektiven Besetzung zurück und schöpft aus dem Erfahrungsschatz und Talent eines Pools außergewöhnlicher Musiker. Nachdem man mit dem Vorgängeralbum "Holocene" einen anderen Weg eingeschlagen hatte, zeichnet für den weitläufigen, organischen Klang von "Solaris" erneut der schwedische Produzent Jens Bogren verantwortlich, der bereits die beliebtesten Alben der Band - "Pelagial" sowie "Phanerozoic I" & "II" - gemischt hat. Das neue Album stellt die Sänger*innen Lane Shi und Enrico Tiberi sowie die Gitarristen Emmanuel Jessua und Marco Gennaro vor. Sie ergänzen den Gründungs-Gitarristen Robin Staps, den langjährigen Bassisten Mattias Hägerstrand und Schlagzeuger Jordi Farré. Jeder von ihnen bringt seine ganz eigene Note ein, um dieses fast 70-minütige Opus zum Leben zu erwecken. Für die Aufnahmen wurde der Kreis der Mitwirkenden noch weiter gefasst: Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) steuerte modulare Synthesizer bei, der griechische Komponist Orestis Zafiriou (Playgrounded) lieferte ebenfalls Elektronik- und Synthie-Elemente, und Simen Eifring von der norwegischen Post-Rock-Band Spurv übernahm den Posaunenpart. Aufgenommen wurde das Album in den legendären Berliner Hansa Studios, wo bereits Klassiker wie David Bowies Low und Heroes, Iggy Pops Lust For Life und Depeche Modes Construction Time Again entstanden. Innerhalb dieser Studiowände entwickelte sich "Solaris" zu einem lebendigen Zeugnis für die Kraft von Entdeckergeist und Teamarbeit. Da der neue Sänger Tiberi zudem ein versierter Pianist und Multiinstrumentalist ist, wurden Klänge von Celesta, Flügel, Rhodes-Piano und Hammond-Orgel zu einem integralen und unverwechselbaren Bestandteil des Solaris-Sounds. Der für The Ocean typische, atmosphärische Post-Metal wird durch den experimentierfreudigen Geist der neuen Mitglieder sowie die Beiträge der exzellenten Gastmusiker bereichert. Ein Werk, das für The Ocean hinsichtlich Ambition und erzählerischer Tiefe einen neuen Höhepunkt darstellt. Das CD- und 2LP Gatefold-Sleeve ist jeweils aus 360g Spezial-Karton gefertigt und auf Vorder- wie Rückseite mit roter Metallic-Heißfolien-Prägung veredelt. CD mit 6seitigem Fold-Out-Booklet, die 2LP in bedruckten Innenhüllen kommt zusätzlich mit A2-Poster.
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Es war ein Coup, als Gründer und Bassist Lee Payne vor drei Jahren ankündigte, dass Harry „The Tyrant“ Conklin, der nach Griechenland gezogen war, seiner Band Cloven Hoof beitreten würde. Der ehemalige Jag-Panzer-Frontmann war der perfekte Nachfolger für Russ North, der für die Fans bis dahin als der ultimative Cloven-Hoof-Sänger galt – leider weilt er nicht mehr unter uns. Daher waren die Reaktionen auf das erste Album der Band mit Harry Conklin am Mikrofon herausragend. »Heathen Cross« wurde 2024 bei High Roller Records veröffentlicht.
Nun folgt Cloven Hoofs zehntes Studioalbum mit dem Titel »Never A Prophet In Your Own Land«. Wieder einmal ist die Gesangsleistung vom „Tyrant“ absolute Weltklasse. Lee Payne grinst: „Das Lob gebührt einzig und allein Harry. Wir können uns glücklich schätzen, einen so brillanten Sänger und Frontmann in der Band zu haben.“
Kontinuität ist für jede Band wichtig, und Cloven Hoof hatten in der Vergangenheit mehr als einen Besetzungswechsel zu verzeichnen. Diesmal nicht, wie der Bassist nicht ohne Stolz erklärt: „Wir haben dieselbe feste Besetzung wie auf »Heathen Cross«, das kann ich mit Freude sagen. Am Gesang der einzig wahre Harry Conklin und an den Gitarren Luke Hatton sowie Chris Coss. Dazu Ash Baker am Schlagzeug. Luke, Chris und Ash sind nun seit über zehn Jahren bei Cloven Hoof; sie kennen ihre Rollen in- und auswendig. Ich selbst bin seit 1979 in der Band, also sollte ich inzwischen eine Vorstellung davon haben, was ich mache (lacht).“
„»Never A Prophet In Your Own Land« ist keine direkte Fortsetzung von »Heathen Cross«“, fährt Payne fort. „»Heathen Cross« hatte seine eigene schwere und düstere Atmosphäre. »Never A Prophet In Your Own Land« ähnelt eher »A Sultan‘s Ransom«, doch diese Ähnlichkeit war weder konstruiert noch geplant. Es ist einfach so gekommen.“
Die Legenden der elektronischen Musik, Soft Cell, bestehend aus Sänger & Frontmann Marc Almond und Multiinstrumentalist & Produzent Dave Ball, veröffentlichen mit "Danceteria" ihr sechstes und letztes Studioalbum - zugleich ein Liebesbrief an das New York der frühen 80er Jahre, wo Soft Cell ihre ersten drei Alben aufnahmen. "Danceteria" ist ein großartiger, stilvoller und verspielter Abschied von 47 Jahren gemeinsamer Musikgeschichte von Marc & Dave als Soft Cell und präsentiert Darbietungen, die für die Karriere dieser Electro-Pop-Legenden prägend sind. Mit Anklängen an Sparks und die Pet Shop Boys sowie Texten, für die Lady Gaga töten würde, nimmt das Album den Hörer mit auf eine lebendige Reise durch einen Tag im New York der frühen 80er Jahre – eine Reise, die rund um die Uhr von der Nacht über den verschwommenen Tagesanbruch bis zum direkten Wiedereintritt in den Club führt.
"Danceteria" ist gleichermaßen eine Hommage an den verstorbenen, großartigen Dave Ball. Dieses letzte Album gehört zu den letzten Werken, an denen Ball als Co-Autor und Produzent mitwirkte, bevor er am 22. Oktober 2025 auf tragische Weise viel zu früh verstarb. Marc Almond führte die Reihe der Nachrufe an und bezeichnete Dave als "geniales musikalisches Genie". Die weltweiten Medien und Musikstars wie Neil Tennant & Chris Lowe (Pet Shop Boys), Daniel Miller (Mute Records), Cabaret Voltaire sowie Richard Norris aus Daves Techno-Duo The Grid würdigten ihn voller Anerkennung und Wehmut als Pionier der elektronischen Musik. Dave stellte "Danceteria" zwei Tage vor seinem Tod fertig, und ganz in seinem Sinne wurde die Veröffentlichung des Albums wie geplant durchgeführt. Auch aufgrund von Daves Tod muss "Danceteria" zwangsläufig das letzte Soft Cell-Album sein, wie Marc erklärt: "Ohne Dave kann es keine weiteren Aufnahmen von Soft Cell geben; das wäre schlichtweg unmöglich. Die traurige Realität ist, dass Dave Ball die eine Hälfte von Soft Cell war, und abgesehen von Live-Auftritten kann ich ohne ihn keine Soft-Cell-Songs schreiben."
Rejoice is surely the album Tahiti 80 always wanted to make: free from all constraints, driven by curiosity. A collection of independent songs that speak to each other without sounding alike, yet form a cohesive whole, somewhere between the freedom of the White Album and the eclecticism of a Souljazz compilation.
Rejoice is surely the album Tahiti 80 always wanted to make: free from all constraints, driven by curiosity. A collection of independent songs that speak to each other without sounding alike, yet form a cohesive whole, somewhere between the freedom of the White Album and the eclecticism of a Souljazz compilation.
Reissue of the second album by the almighty TDeK, an absolute classic and one of the very best and most important Spanish Hardcore Punk records ever, originally released in 1986. An even more focused and destructive effort than their legendary debut, "Esto es Una Empresa Capitalista" (1984), with the band in top, killer shape ripping through 13 nasty, explosive and unforgettable songs. A memorable, ugly and fierce milestone of Spanish Punk and Hardcore created by an infamous band, absolutely essential! Includes two inserts.
Reissue with bonus tracks of the legendary debut album by Madrid's Hardcore Punk legends TDK, born from the ashes of the almighty Espasmódicos. Originally released in 1984, this is a pivotal and pioneering record for enthusiasts of Hardcore Punk made in Spain. An explosive, powerful outburst of pure, unfiltered, nasty Hardcore Punk delivered with fierce energy and precision. Includes two bonus tracks, one from their split 7" with Panadería Bollería Nuestra Señora del Karmen from 1984 and one from "La Movida Madrileña" compilation from the same year and two inserts.
Following the 2023 album Young Hearts, produced in collaboration with Kenny Beats, 22 Durnham Dew finds Benny Sings turning inward for his most personal album to date.
After decades of touring and recording, Benny has embraced a more grounded, family-focused lifestyle. 22 Durnham Dew was created with and about his immediate family, featuring contributions from both his wife and daughter. Across its songs, Benny reflects on fatherhood, family life, and the everyday moments of adulthood.
Long celebrated as one of the most distinctive voices in modern pop, Benny Sings continues to showcase the warmth, craftsmanship, and effortless charm that define his work.
BRUTAL TRUTH's defining 1997 album is one of Grindcore's most essential releases! Now fully remastered by Brad Boatright and available on vinyl for the first time in more than 20 years! "From startling exercises in savage brevity to disorientating psych-rock squalls, it’s grind with no brakes, no safety net and absolutely no fear." - Metal Hammer
Canyon Falls Trailer Band is considered a bookend to this trilogy of albums. It is an expansive double album, centered around Noe's more poignant and compelling assessment of his home and the people from there, yet broadly all people with stories like their own.
,Cotton Crown" zeigt The Tubs als eine Band, die ihren Indie-Rock-Sound weiter ausbaut und Einflüsse von Jangle Pop, Folk-Rock, Power Pop und Punk miteinander verbindet. Angeführt von Sänger Owen Williams, dessen oft düster-humorvolle Texte persönliche Krisen, Beziehungen und die Herausforderungen des Lebens als Musiker thematisieren, verbindet das Album emotionale Tiefe mit eingängigen Melodien. Im Mittelpunkt stehen Williams' Erfahrungen nach dem Tod seiner Mutter, der Folksängerin Charlotte Greig. Trotz dieser ernsten Themen bleibt die Musik lebendig und melodieverliebt: Gitarrist George Nicholls steuert virtuose Jangle-Gitarren bei, während die Rhythmussektion aus Max Warren und Taylor Stewart mit viel Energie und Dynamik für den unverwechselbaren Bandsound sorgt. Nach dem Erfolg ihres Debüts ,Dead Meat", das von Medien wie Pitchfork, The Guardian und MOJO gefeiert wurde, knüpfen The Tubs mit ,Cotton Crown" an diesen Erfolg an und präsentieren ein ebenso emotionales wie mitreißendes Indie-Rock-Album.
The newest SOUTHSIDE 004; straight from Brasil with big names from the acidtechno scene this time; pressed at 200 copies limited ! Southside Records is a member of the Flatlife Records Labelgroup.
out of Stock
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Featuring Nicholas Semrad (Empire of the Sun), Stu Brooks (Nine Inch Nails, Danny Elfman), Tim Lefebvre (David Bowie) and vocalist Gretchen Parlato, this new hardhitting, synth-fueled album distills Guiliana's vision into eight cinematic compositions that fuse retro production with futuristic playing. Transmitted through an original 8-bit visual universe created by artist and long-term collaborator Steve Wall, BEAT MUSIC 2.0 draws inspiration from early gaming culture and electronic music, looking both to the past and the future for answers. Guiliana's compositional voice is on full display alongside the energetic and precise grooves that define his singular approach. In an age increasingly shaped by automation, BEAT MUSIC 2.0 keeps its focus on human connection and collaboration.
DJ Support: Laurent Garnier, DJ Deep, Moplen, Tedd Patterson, Hector Romero, Quentin Harris, Jamie Jones, Danny Krivit and many more
Rocco Rodamaal puts his touch to 'More' (Danism + Train feat. Toshi) and delivers a deadly touch. Following on from ’Ndisole’ and ‘Mabele’, Danism + Train continue their regular collaborations with Toshi on 'More’. The original mixes dropped in the summer as the trio continue to explore a journey through afrocentric grooves. Now Rocco Rodamaal takes things in a new direction; maintaining focus on Toshi’s etheral vocals while adding deep, driving drums and a fierce baseline. It's a real pleasure to have one of our favourite remixers back on SoSure Music. Moplen adds stunning touch to 'Mabele' from Danism + Train. Reimagining the track as only he could with some tremendous additional production and new arrangement on Toshi's vocal.
![MAJOR FORCE PRODUCTIONS - LOVE THEME, Pt. 2 (7inch Edit) [feat. DJ Krush] (7")](https://www.deejay.de/images/l/5/9/1266359.jpg)
