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Indiana Jones and the Last Crusade original motion picture soundtrack, now available on sand colour vinyl, featuring music composed and conducted by John Williams.

Soul Jazz Records’ long out of print classic ‘Studio One Funk’ collection is being re-released in three new one-off limited-edition coloured pressing 18th anniversary format editions!
Firstly, a heavyweight special limited edition one-pressing only red 2xLP vinyl + download. Secondly, there is also a new special limited-edition one-off pressing edition red-pressed CD enclosed in jewel case and slipcase. And thirdly there is a very limited unique new one-off pressing red-cased cassette format (200 copies only)! 18 years on from its original release Studio One Funk remains one of our Studio One releases most in-demand titles and like all our earlier special coloured editions is sure to sell out fast!
Studio One Funk is made up of rare and unreleased Reggae Funk from the vaults of Studio One. Ever since the birth of Funk in America, the sound has been an ever-present ingredient in the melting pot of Studio One’s musical output.
The music on this release is a combination of originals, US covers and versions of existing Studio One cuts. Jackie Mittoo shows his appreciation for Booker T and The MGs, the studio group at Memphis’ famous Stax Records with ‘Hang Em High’, itself a cover of a film soundtrack by Dominic Frontiere. Incredibly this version has never before been released. Booker T’s super-funky ‘Melting Pot’ is also covered by the little-known Underground Vegetables.
Other versions include Isaac Hayes’ classic Blaxploitation soundtrack ‘Shaft’ again by Cedric Im Brooks track - another unreleased gem, straight from the tape master. Motown gets a look in with Alton’s stripped-down version of the Spinners classic ‘It’s A Shame’, written by Stevie Wonder and Syreeta.
James Brown is apparent in spirit with the JBs-inspired groove on the super rare cut “Now” by Lee Arab. Lloyd Williams similarly does a fine Kingston-style version of the hardest-working man in showbusiness on ‘Reggae Feet’.
Version-wise, we have ‘Idleberg’, Cedric Im Brooks tough instrumental cut on Horace Andy’s seminal ‘Skylarking’. The little-known Prince Moonie gives us a rare DJ cut of another Horace Andy classic, ‘See A Man’s Face’.
Pablove Black’s cut of Sidewalk Doctor (A/K/A Poco Tempo) is one of a handful of Studio One releases featuring Augustus Pablo’s trademark instrument, the melodica, played by Black himself.
Add to these original cuts from Studio One’s heavyweight session players including Leroy Sibbles, Jackie Mittoo, Leroy Sibbles, Eric Frater, Leroy ‘Horsemouth’ Wallace, Richard Ace, Vin Gordon and more and you have one of the finest selections of reggae and funk you will ever hear.







"This collection goes deep into the Brentford Road vaults and unearths a rake of previously unreleased gems alongside hard to find classics. Heavy and inspirational, totally unique and essentially timeless." Straight No Chaser
"An absolute treasure trove for the collector as well as being great for the ears and feet. Jackie Mittoo's 'Hang Em High' is worth the price of the album on its own." Echoes
"A superb collection that shows how much many Jamaican musicians were influenced by the heavy funk belting out of American studios from the early seventies onwards.” Touch
"The most satisfying listening experience so far in the Studio One series." The Wire
"Rare and unreleased grooves from Jamaica's house of excellence." Mojo

Neu-Auflage auif schwarzem Vinyl im Gatefold

Die schwedischen High-Energy-Rocker The Hellacopters haben kürzlich ihr 30-jähriges Jubiläum gefeiert und nach der Veröffentlichung ihres neuen, vielgelobten Albums »Overdriver« am 31. Januar 2025, das zum zweiten Mal in der Bandgeschichte Platz 1 der schwedischen Charts erreichte 1 der schwedischen Charts erreichte – ist es nun an der Zeit, ihrer treuen Fangemeinde etwas wirklich Nostalgisches zu bieten.

»Cream Of The Crap! Collected Non-Album Works • Volume 3« ist der lang erwartete Nachfolger einer Reihe von Raritäten-Sammlungen, die 2002 begann und Material aus einer Vielzahl von Singles, EPs und Compilations vereint. Die 24 Titel dieses Sets wurden ursprünglich zwischen 1995 und 2004 veröffentlicht, die meisten davon nur auf Vinyl, und umfassen Originale wie »Disappointment Blues«, »Freeway To Hell«, »Doggone Your Bad-Luck Soul« und »Long Gone Losers« sowie Coverversionen von Songs von Motörhead, Wilson Pickett, Mc5, Smokey Robinson, Alice Cooper, The Ramones, The Nomads, Adam West – dessen Sänger Jake Starr die Liner Notes für diese Veröffentlichung verfasst hat – und vielen, vielen anderen.

Actor, comedian, friend of the label, Aziz Ansari (of Parks and Rec fame) has visited Third Man a handful of times, even gracing us with a surprise live set back in 2013. For years we've been working hard to find something to release together and his second Comedy Central stand-up special, Dangerously Delicious, which was originally released in 2012, contains so many great moments (50 Cent's 1st grapefruit experience, anyone?), it just needs to be pressed into wax. So, here we've done it! Put the needle in the groove and let the good times roll, friends. Co-released with Comedy Central

Under the mentorship and executive production of Grammy-winning hip-hop producer 9th Wonder (Jay-Z, Destiny's Child, Kendrick Lamar) come North Carolina's fastest-rising hip-hop duo! THE ZENITH is produced entirely by 9th's daughter JADA and includes 15 tracks of lyrical raps from Fayetteville's own S14H over JADA's smooth sampling.
With features from established and revered hip-hop acts such as Murs and Swank & King Draft as well as from fellow members of THE COLLECTIVE, KMac, Carri Starr, and Iris Moon, THE ZENITH is living proof that the soul of lyrical hip-hop lives on in the next generation through artists like JADA X S14H.

Drawing inspiration from the golden era of tech house and shaped by hip hop and dub production methods, the EP reflects an intention to create timeless music for the dance floor and an essential tool
for your record bag.

Starting in 2021 the critically acclaimed Next Wave Acid Punx series has seen Luca Venezia, aka Curses, celebrate the music that has shaped both his life and career. Across the first two compilations Luca took us from theindustrial and post-punk sounds of the late 70s, through the emergence of EBM, new beat and freestyle in the 1980s and onto the music he both makes and plays himself in clubs today. Bringing the series to a close Next Wave Acid Punx TROIS sees the Berlin-based musician and DJ return full circle, this time exploring the sounds that first initiated him into Brooklyn's rave scene and the music that, in some way, continues to embody its eclectic spirit today.

Spread across three 2LPs and 3CDs Next Wave Acid Punx TROIS captures a moment whose influence can still be heard reverberating around clubland today. With the nascent rave scene obliterating boundaries, this was a moment where the darker, harder industrial electronic sounds of the mid 1980s were crashing headfirst into the ecstatic wave that was washing over clubland creating thrilling juxtapositions. Whether in the clubs and warehouses of New York, London, Frankfurt, Valencia and beyond, electronic music would never be the same again as countless new genres we take for granted today were born from the chaos and energy that had been unleashed.

Featuring 46 hard-to-find, new and exclusive tracks, Next Wave Acid Punx TROIS both documents that fertile period and shows how, despite rumours to the contrary, that early anarchic spirit can still be found today. From the Detroit Techno of Model 500 to Nitzer Ebb's EBM and the proto-Trance of Age of Love and onto brand new tracks from some of today's best producers such as Zaatar, Italo Deviance and Leona Jacewska, this compilation closes out a series that has to date revelled in exploring the darker corners of clubland in uplifting style.

This is Chapter 2.

Starting in 2021 the critically acclaimed Next Wave Acid Punx series has seen Luca Venezia, aka Curses, celebrate the music that has shaped both his life and career. Across the first two compilations Luca took us from the industrial and post-punk sounds of the late 70s,through the emergence of EBM, new beat and freestyle in the 1980s and onto the music he both makes and plays himself in clubs today. Bringing the series to a close Next Wave Acid Punx TROIS sees the Berlin-based musician and DJ return full circle, this time exploring the sounds that first initiated him into Brooklyn's rave scene and the music that, in some way, continues to embody its eclectic spirit today.

Spread across three 2LPs and 3CDs Next Wave Acid Punx TROIS captures a moment whose influence can still be heard reverberating around clubland today. With the nascent rave scene obliterating boundaries, this was a moment where the darker, harder industrial electronic sounds of the mid 1980s were crashing headfirst into the ecstatic wave that was washing over clubland creating thrilling juxtapositions. Whether in the clubs and warehouses of New York, London, Frankfurt, Valencia and beyond, electronic music would never be the same again as countless new genres we take for granted today were born from the chaos and energy that had been unleashed.

Featuring 46 hard-to-find, new and exclusive tracks, Next Wave Acid Punx TROIS both documents that fertile period and shows how, despite rumours to the contrary, that early anarchic spirit can still be found today. From the Detroit Techno of Model 500 to Nitzer Ebb's EBM and the proto-Trance of Age of Love and onto brand new tracks from some of today's best producers such as Zaatar, Italo Deviance and Leona Jacewska, this compilation closes out a series that has to date revelled in exploring the darker corners of clubland in uplifting style.

This is Chapter 3.







f B2. Javi Redondo - HALT [Process]

Jazzbois is a jazz-hiphop fusion trio from Budapest, Hungary. Their studio albums and live shows are all equally heavily rooted in improvisation and momentary self expression, each performance is absolutely unique and daring.
In the past 3 years Jazzbois has played SOLD OUT headline shows in: Melkweg Amsterdam NL, Jazz Café London UK, Village Underground London UK, Duc des Lombards Paris FR, La Hasard Ludique Paris FR, Gretchen Berlin DE, Knust Hamburg DE, Ekko Utrecht NL, Simplon Groningen NL x 2, Jassmine Warsaw PL x 2, AKvarium Budapest x 3
Played on festivals like: Montreal Jazz Festival CAN, Montreux Jazz Festival CH, SZIGET HU, X the Tracks London UK, Brick Lane Jazz festival UK, Jazz á Vienne FR, Istanbul Jazz Festival TR, Jazz Open Stuttgart DE, Blue Summer Festival PL, Jazz Around PL, Jazz in the Park RO, JAZZx RO…

In June 2025 Jazzbois performed at the Montreal Jazz Festival in Canada. The boys were approached by Rémi Hermoso to record a live session video in front of a small audience in Studio Fast Forward. The session was planned for 4 hours to have time to record with a small live audience, but Jazzbois went in and played 5 songs in only one take without any pause and were done with the material. They handled this recording session like all of them, do one take and be done with it. This way they can get the essence of the moment and not have to worry about making a mistake and starting over. All of these are part of the song, it's honest and raw as it was born right in the moment.

“We did all this for the passion of it, for the music and for the culture, thank you to old and new friends who took part in this intimate gettogether” - said Viktor Sági ‘Vanis’ bass player of Jazzbois.

妖精の通る道 (The Path Where Fairies Pass) is the debut vinyl release by Reimaki, the duo of Rei Yokoyama (Triggers Flowers, Stakaidan, Lapiz Trio, 新井薬師自警団, and Fujio, Chiko Hige and Rei), and Maki Miura (Tsubamegami, Les Rallizes Dénudés, Shizuka, Fushitsusha, Ohkami No Jikan and Katsurei). The duo has been an understated presence in Tokyo, playing occasional under-the-radar shows and self- releasing a few CD-Rs, but they’ve recently started to break cover, with a recent cassette on UFO Creations, released in support of a late 2024 tour of China. It’s also a welcome reappearance on the scene for both musicians; Miura’s musical history, in particular, is being reevaluated thanks to a recent string of welcome Shizuka reissues.

But the music Reimaki make together is a different thing entirely, much as it shares some psychological and aesthetic interests with both Miura’s and Nokoyama’s other projects. Their sound is split between two main interests – an extension of glacial, deoxygenating psychedelic improvisations, and a deep interest in medieval European music. They’ve also been known to cover compositions by English prog/improv musician Fred Frith. These various elements of the Reimaki aesthetic are all present through 妖精の通る道, from the fragility of the opening “Novel Amor” through to the smeared, hazy textures of the three extended pieces that comprise the album’s flipside.

There’s a beautiful sympathy in these performances, and a generous simplicity, too; you can sense that this music is informed by decades of finding just the right way to say the right thing in the clearest manner possible. Yokoyama and Miura never overstate things; make the statement, play the song, let it hang in the air for a while, and then move on to the next essential expression. The music is unburdened by self- consciousness. Their take on medieval music cuts to the core of melody and melancholy; their psych- improv side is blurred and drifting without ever lapsing into rote generic gestures.

There’s some shared space with other artists who suspend the timeless within the kaleidoscopic possibilities of the psychedelic – Kendra Smith & The Guild of Temporal Adventurers; Emmanuelle Parrenin; Rosina de Peira – and a tangled folksiness that might put listeners in mind of Jan Dukes De Grey, Comus, Current 93, and Tower Recordings. Accompanied by beautiful photography from street photographer Takehiko Nakafuji, who was also personally chosen by Mizutani to document Les Rallizes Dénudés, 妖精の通る道 is a most unique and necessary trip.

Collecting Orders for 2026 Repress

Music for Swimming Pools has put together their first-ever compilation here and it's a self-titled series that launches with Volume One. It's an assembly of their friends and label family members in with newly discovered gems.

Some cuts are exclusive and some of them hint at projects to come, while some are making vinyl debuts. Pete Herbert kicks off with a seductive downbeat jam, Max Essa's 'Sacaton Skylines' is a new age delight and Gafas Du Soul lays down deep sunset house vibes on the gorgeous 'Embers' amongst many other highlights. A fine first collection for sure.

For the first time in its 27-year history, Defected compile its greatest hits, underground anthems and bonafide house music classics into a five volume triple vinyl collectors series.

Volume One collects twelve of Defected’s most established and sought after releases.
Featuring arguably ‘the' Defected anthem; Kings of Tomorrow ‘Finally’ alongside Solomon’s huge Noir & Haze remix, Ibiza anthems ‘Guitarra G’, ‘At Night’ and ‘Coma Cat’ plus productions and remixes from Louie Vega, Dennis Ferrer and Dimitri From Paris.

An essential addition to your record collection.

First released in 1998, Luvstruck became an instant house anthem and a defining track of the era. This limited edition red vinyl celebrates that legacy with four essential old school remixes: Marco V & Benjamin, TimoMaas, Alex Trackone, and Klubbheads 2005 Remix. Each version brings its own flavour, from deep underground grooves to peak-time euphoria. A true collector's piece, this pressing pays tribute to the track's timeless impact on dance culture.

'Brooklyn-based pianist and composer Eva Novoa presents Eva Novoa Solo (I), her first solo piano recording and seventh album with 577 Records. Recorded at the legendary Sear Sound Studios in Manhattan, the album captures Novoa alone in the studio, embracing the artistic challenge of vulnerability, introspection, and creative freedom that defines the solo piano format.
'After several years working primarily within piano trio settings and other ensemble configurations, Novoa turned inward, embarking on a deeply personal sonic journey. Solo (I) marks a pivotal moment in her artistic evolution and establishes the foundation for a new series of solo recordings.
'An active and respected member of New York’s experimental and creative music community, Novoa prepared extensively for this session through months of solo performances - mostly in Brooklyn - leading up to the recording. These included a standout solo concert at the Brooklyn edition of the New York Forward Festival, where her approach to the solo format fully crystallized.
'On Solo (I), Novoa expands the traditional piano vocabulary. While the grand piano remains her primary instrument, she also performs on Fender Rhodes and electric harpsichord (the latter to be explored further in upcoming volumes), incorporating Chinese gongs, additional percussion, vocals, and even whistling on select tracks. The result is an intensely intimate and sonorous experience - raw, cinematic, and emotionally charged.
'Eva Novoa Solo (I) is the first installment in a planned trilogy of solo recordings. Across six original pieces, Novoa approaches the solo piano format with boldness, rhythmic fire, and fearless energy. Her percussive use of the instrument, expansive dynamic range, and deep command of tone transform the piano into both an emotional soundscape and a cinematic narrative.
'Recorded in Fall 2024, Eva Novoa Solo (I) captures an intimate session and deeply emotive music shaped by mature technical mastery and a highly compositional approach. Novoa dazzles on piano, Fender Rhodes, electric harpsichord, Chinese gongs, vocals, and whistle, revealing an expansive and deeply personal sonic universe.
'Originally from Barcelona, Spain, Eva Novoa has cultivated her distinctive musical voice since childhood. Now firmly rooted in New York, she has performed internationally and collaborated with some of the most adventurous voices in jazz and beyond.'

The Bug Club sind mit einem neuen Album zurück. Seit ihrem letzten Album sind ganze sieben Monate vergangen. Wo waren sie denn? Every Single Muscle, das fünfte Album der Band, ist das dritte, das von Sub Pop, dem angesehenen Label des walisischen Duos aus Seattle, veröffentlicht wird. Seit Very Human Features, das im Juni 2025 rauskam, sind die Lieblinge von BBC 6 Music und KEXP auf ihrer Nonstop-Tour quer über den Atlantik geflitzt, wie sie es früher auf der Severn Bridge gemacht haben. Verschiedene Festivalauftritte im Sommer haben sie davon abgehalten, Urlaub zu machen - wer braucht schon Urlaub, wenn man in Wales lebt? - bis es Zeit war, wieder ins Songwriting-Studio zu gehen. Das ist wahrscheinlich immer noch ein Schlafzimmer in Caldicott, das von einem Windhund namens Ted frequentiert wird (aufgepasst - er taucht in einem der Songs auf). Die Songwriter Sam (Gitarre, Gesang) und Tilly (Bass, Gesang) sind immer bescheiden und behaupten sogar, dass sie während des Songs ,It's Our Manager David" nur ,herumsassen und nichts taten". Das ist eindeutig eine Lüge. Every Single Muscle startet mit ,Miss Wales 2012" voll durch und bezieht sich dabei auf einen Wettbewerb, den sowohl Tilly als auch Sam tatsächlich gewonnen haben. Es ist der erste von vielen Tracks auf dem Album, die weniger als zwei Minuten lang sind, und gibt den Ton für das bisher punkigste Album von The Bug Club an, das sowohl an die kurzen, knackigen Snaps ihrer allerersten Singles als auch an das Grunzen ihrer jüngsten Veröffentlichungen erinnert. Das Album ist so vollgepackt mit Riffs und eingängigen Hooks, dass Sam tatsächlich um Erlaubnis bittet, im zweiten Track ,A Good Day For Dying" ein Solo einbauen zu dürfen. Er bekommt zwei Sekunden Zeit. Glücklicherweise fragt Sam später noch einmal und bekommt mehr Zeit. Auf achtzehn Songs gibt's genug klassisches Gitarrenspiel von Sam und Tilly, um selbst die lautstärksten Bug Club-Fans zufrieden zu stellen und die Behauptung der Band, sie seien ,nur technisch versiert auf ihren Instrumenten", klar zu widerlegen. Dieses Album ist ein Beispiel für effizienten Maximalismus - so wie wenn dein Vater das Auto für den Urlaub vollpackt. Bring mit, was du willst; der Platz ist knapp, aber sie kriegen es irgendwie rein. Zu den Texten: Während ,Very Human Features" hervorragend alltägliche Dinge aufzeigte und ihre Absurdität hervorhob, schauen The Bug Club auf ,Every Single Muscle" genauer auf sich selbst. Allerdings nicht so sehr auf introspektive Weise, sondern eher so, wie ein Außerirdischer ein gefangenes Exemplar auf einer intergalaktischen Trage untersuchen würde. Horrorfilme haben ihr ,Body"-Subgenre, jetzt bekommen auch Garage-Rock-Alben ihres. In einem völlig neuen Sinne des Wortes selbstbezogen, wird die menschliche Form und Verfassung im Laufe des Albums aus jedem Blickwinkel beleuchtet und untersucht. Wir spüren eine surreale Distanz zum Selbst, die den allgegenwärtigen, von Langeweile geprägten Humor hervorbringt; im letzten Song verkündet Sam, dass er ,es satt hat, ein Mensch zu sein". The Bug Club scheinen dem Konzept, ein Mensch zu sein, fast misstrauisch gegenüberzustehen - als wären sie in einem Kostüm aufgewacht, das sie nicht anziehen wollten und nicht ausziehen können. Ist drei die magische Zahl? Wahrscheinlich nicht. Aber Every Single Muscle - das dritte Sub-Pop-Album von The Bug Club - kommt dieser Vorstellung nahe genug, um den durchschnittlichen seltsamen Menschen davon zu überzeugen, dass es so sein könnte.

Greg Mendez war schon immer ein sparsamer Songwriter - er nutzt Zurückhaltung und Einfachheit als Werkzeuge, um den Kern seiner Songs zu schärfen. Auf Beauty Land, seinem neuen Album und Debüt-LP für Dead Oceans, werden wir von einem ironischen, aber nachsichtigen Erzähler begleitet, einem Underdog, der gelernt hat, Zynismus und Glauben in Einklang zu bringen. Diese Songs sind zurückhaltend, ohne selbstmitleidig zu sein, sorgfältig konstruierte Altäre der Unvollkommenheit, vermittelt durch Pop-Melodien, schimmernde, aber eindringliche Gitarren und eine Stimme, die nach der Unschuld eines Chorknaben strebt. Der Großteil von ,Beauty Land" wurde direkt auf Band aufgenommen, fast ganz allein in Mendez' provisorischem Heimstudio in Philadelphia - einem kleinen Raum ohne Tageslicht. Es ist sein erstes Album in voller Länge seit seinem unerwarteten Durchbruch mit dem selbstbetitelten Album im Jahr 2023, das nach 15 Jahren des Schreibens und Aufnehmens von Musik in relativer Unbekanntheit zwischen Philly und New York ein langsamer Erfolg wurde. ,Beauty Land" knüpft dort an, wo wir vor drei Jahren aufgehört haben - es lotet die Tiefen von Trauer, Liebe und Sucht aus -, aber seine intensive, ruhige Klarheit zeigt Mendez von seiner besten Seite als Songwriter. Teile von ,Beauty Land" fühlen sich wie ein luzider Traum an, in dem angeschlagene Charaktere sich ihren Weg durch eine karikaturhafte und verzerrte Welt bahnen - der gebrochene Uhrentakt von ,I Wanna Feel Pretty", das klingende Spielzeugklavier in ,Gentle Love". ,Mary / Dreaming" beginnt als spärliche, fingergezupfte Klage, bevor es abrupt zu einer enttäuschten, Beach-Boys-artigen, aber verkorksten Auflösung übergeht, die sowohl Melancholie als auch Freude hervorruft; ein Gefühl, dass alle Dinge gleichzeitig wahr sein können. Keiner der 14 Tracks ist länger als drei Minuten, aber sie erzählen Geschichten, die ein ganzes Leben umfassen. Der Tod schwebt durch das Album, sei es als Erinnerung oder als Bedrohung. Alles fühlt sich prekär an. Die Art und Weise, wie diese Songs aufgebaut sind, hat etwas Zerbrechliches: die Art und Weise, wie die Begräbnisorgel neben dem Morphium in ,Looking Out Your Window" erklingt, die verheerende Einfachheit von ,Frog" mit seinem verlangsamten Keyboard und dem nackten Refrain: ,Bitte vergib mir meine Fehler." Beauty Land fühlt sich manchmal unmöglich einsam an. Umso mehr zählt es, wenn das nicht der Fall ist - wie zum Beispiel, wenn Mendez gegen Ende von ,So Mean" im Duett mit seiner Frau und Bandkollegin Veronica singt und es sich wie ein lang ersehntes Wiedersehen anfühlt, wie ein flüchtiger Moment der Erlösung, wie eine vorübergehende Teilung der Meere.

Greg Mendez war schon immer ein sparsamer Songwriter - er nutzt Zurückhaltung und Einfachheit als Werkzeuge, um den Kern seiner Songs zu schärfen. Auf Beauty Land, seinem neuen Album und Debüt-LP für Dead Oceans, werden wir von einem ironischen, aber nachsichtigen Erzähler begleitet, einem Underdog, der gelernt hat, Zynismus und Glauben in Einklang zu bringen. Diese Songs sind zurückhaltend, ohne selbstmitleidig zu sein, sorgfältig konstruierte Altäre der Unvollkommenheit, vermittelt durch Pop-Melodien, schimmernde, aber eindringliche Gitarren und eine Stimme, die nach der Unschuld eines Chorknaben strebt. Der Großteil von ,Beauty Land" wurde direkt auf Band aufgenommen, fast ganz allein in Mendez' provisorischem Heimstudio in Philadelphia - einem kleinen Raum ohne Tageslicht. Es ist sein erstes Album in voller Länge seit seinem unerwarteten Durchbruch mit dem selbstbetitelten Album im Jahr 2023, das nach 15 Jahren des Schreibens und Aufnehmens von Musik in relativer Unbekanntheit zwischen Philly und New York ein langsamer Erfolg wurde. ,Beauty Land" knüpft dort an, wo wir vor drei Jahren aufgehört haben - es lotet die Tiefen von Trauer, Liebe und Sucht aus -, aber seine intensive, ruhige Klarheit zeigt Mendez von seiner besten Seite als Songwriter. Teile von ,Beauty Land" fühlen sich wie ein luzider Traum an, in dem angeschlagene Charaktere sich ihren Weg durch eine karikaturhafte und verzerrte Welt bahnen - der gebrochene Uhrentakt von ,I Wanna Feel Pretty", das klingende Spielzeugklavier in ,Gentle Love". ,Mary / Dreaming" beginnt als spärliche, fingergezupfte Klage, bevor es abrupt zu einer enttäuschten, Beach-Boys-artigen, aber verkorksten Auflösung übergeht, die sowohl Melancholie als auch Freude hervorruft; ein Gefühl, dass alle Dinge gleichzeitig wahr sein können. Keiner der 14 Tracks ist länger als drei Minuten, aber sie erzählen Geschichten, die ein ganzes Leben umfassen. Der Tod schwebt durch das Album, sei es als Erinnerung oder als Bedrohung. Alles fühlt sich prekär an. Die Art und Weise, wie diese Songs aufgebaut sind, hat etwas Zerbrechliches: die Art und Weise, wie die Begräbnisorgel neben dem Morphium in ,Looking Out Your Window" erklingt, die verheerende Einfachheit von ,Frog" mit seinem verlangsamten Keyboard und dem nackten Refrain: ,Bitte vergib mir meine Fehler." Beauty Land fühlt sich manchmal unmöglich einsam an. Umso mehr zählt es, wenn das nicht der Fall ist - wie zum Beispiel, wenn Mendez gegen Ende von ,So Mean" im Duett mit seiner Frau und Bandkollegin Veronica singt und es sich wie ein lang ersehntes Wiedersehen anfühlt, wie ein flüchtiger Moment der Erlösung, wie eine vorübergehende Teilung der Meere.

Greg Mendez war schon immer ein sparsamer Songwriter - er nutzt Zurückhaltung und Einfachheit als Werkzeuge, um den Kern seiner Songs zu schärfen. Auf Beauty Land, seinem neuen Album und Debüt-LP für Dead Oceans, werden wir von einem ironischen, aber nachsichtigen Erzähler begleitet, einem Underdog, der gelernt hat, Zynismus und Glauben in Einklang zu bringen. Diese Songs sind zurückhaltend, ohne selbstmitleidig zu sein, sorgfältig konstruierte Altäre der Unvollkommenheit, vermittelt durch Pop-Melodien, schimmernde, aber eindringliche Gitarren und eine Stimme, die nach der Unschuld eines Chorknaben strebt. Der Großteil von ,Beauty Land" wurde direkt auf Band aufgenommen, fast ganz allein in Mendez' provisorischem Heimstudio in Philadelphia - einem kleinen Raum ohne Tageslicht. Es ist sein erstes Album in voller Länge seit seinem unerwarteten Durchbruch mit dem selbstbetitelten Album im Jahr 2023, das nach 15 Jahren des Schreibens und Aufnehmens von Musik in relativer Unbekanntheit zwischen Philly und New York ein langsamer Erfolg wurde. ,Beauty Land" knüpft dort an, wo wir vor drei Jahren aufgehört haben - es lotet die Tiefen von Trauer, Liebe und Sucht aus -, aber seine intensive, ruhige Klarheit zeigt Mendez von seiner besten Seite als Songwriter. Teile von ,Beauty Land" fühlen sich wie ein luzider Traum an, in dem angeschlagene Charaktere sich ihren Weg durch eine karikaturhafte und verzerrte Welt bahnen - der gebrochene Uhrentakt von ,I Wanna Feel Pretty", das klingende Spielzeugklavier in ,Gentle Love". ,Mary / Dreaming" beginnt als spärliche, fingergezupfte Klage, bevor es abrupt zu einer enttäuschten, Beach-Boys-artigen, aber verkorksten Auflösung übergeht, die sowohl Melancholie als auch Freude hervorruft; ein Gefühl, dass alle Dinge gleichzeitig wahr sein können. Keiner der 14 Tracks ist länger als drei Minuten, aber sie erzählen Geschichten, die ein ganzes Leben umfassen. Der Tod schwebt durch das Album, sei es als Erinnerung oder als Bedrohung. Alles fühlt sich prekär an. Die Art und Weise, wie diese Songs aufgebaut sind, hat etwas Zerbrechliches: die Art und Weise, wie die Begräbnisorgel neben dem Morphium in ,Looking Out Your Window" erklingt, die verheerende Einfachheit von ,Frog" mit seinem verlangsamten Keyboard und dem nackten Refrain: ,Bitte vergib mir meine Fehler." Beauty Land fühlt sich manchmal unmöglich einsam an. Umso mehr zählt es, wenn das nicht der Fall ist - wie zum Beispiel, wenn Mendez gegen Ende von ,So Mean" im Duett mit seiner Frau und Bandkollegin Veronica singt und es sich wie ein lang ersehntes Wiedersehen anfühlt, wie ein flüchtiger Moment der Erlösung, wie eine vorübergehende Teilung der Meere.

Ein neues dynamisches Kapitel in der Diskografie von villagerrr: Carousel, das fünfte Album von Mark Scott als villagerrr, bewegt sich von Slowcore zu Shoegaze, von Log-Cabin-Folk zur beschleunigten Glückseligkeit des Rocks, der wie geschaffen ist für eine leere Autobahn. ,Carousel" ist das bisher kühnste und feinfühligste Album des Songwriters aus Ohio und eine umfassende Erkundung dessen, was es bedeutet, in einem überbelichteten und einengenden Zeitalter aufrichtige Kunst zu schaffen, in dem Scotts große Songs aus dem Mittleren Westen von dem Wunsch geprägt sind, in einer von Kommerzialisierung geprägten Ära nach bleibender Bedeutung zu suchen. Scott stellte die Musik im Laufe von zwei Jahren zusammen und ließ den kollaborativen Geist seines vorherigen Albums aufblühen. 2024s ,Tear Your Heart Out" führte zu Tourneen mit Real Estate, Greg Freeman und Momma, einem neuen Plattenvertrag mit Winspear und einer kürzlichen Deluxe-Neuauflage, wodurch sich der Kreis der Zuhörer und Mitwirkenden vergrößerte. ,Carousel" enthält eine Mischung aus Scotts aufstrebenden Folk- und Indie-Rock-Kollegen wie Boone Patrello von Teethe, h. pruz und Carolina Chau e von Hemlock und wurde von Scott selbst gemischt, nachdem er sich die Aufnahmen angehört hatte. ,Carousel" bietet eine Mischung aus Scotts aufstrebenden Folk- und Indie-Rock-Kollegen wie Boone Patrello von Teethe, h. pruz und Carolina Chau e von Hemlock und wurde von Scott gemischt, nachdem er sich die Rohfassungen auf langen Autofahrten oder beim Laufen angehört hatte. Mit Scotts feinem Gehör für Details und weitläufige Landschaften fühlt sich das Hören von villagerrr an, als würde man in das Gras der Prärie spähen, um zu sehen, was dort krabbelt, und dann plötzlich aufstehen, um die Pracht eines herannahenden Sturms zu beobachten. Carousel hegt eine gesunde Skepsis gegenüber der Welt, in der wir leben, aber es liefert auch den Beweis, dass man, wenn man seine Schutzmauer fallen lässt und auf andere Menschen zugeht, kreative und bereichernde Beziehungen aufbauen kann - und damit die Grundlage für ein tiefes, sinnvolles Leben schafft. Das Album wurde von Scott gemischt, nachdem er sich die Rohfassungen auf langen Autofahrten oder beim Joggen angehört hatte. Mit Scotts ausgeprägtem Gespür für Details und weitläufige Klanglandschaften fühlt man sich beim Hören von villagerrr wie beim Beobachten von Insekten im Präriegras, um dann plötzlich aufzustehen und die Pracht eines herannahenden Sturms zu erleben. Carousel hegt eine gesunde Skepsis gegenüber der Welt, in der wir leben, aber es liefert auch den Beweis, dass man, wenn man seine Schutzmauer fallen lässt und auf andere Menschen zugeht, kreative und bereichernde Beziehungen aufbauen kann - und damit die Grundlage für ein tiefes, sinnvolles Leben schafft.

Ein neues dynamisches Kapitel in der Diskografie von villagerrr: Carousel, das fünfte Album von Mark Scott als villagerrr, bewegt sich von Slowcore zu Shoegaze, von Log-Cabin-Folk zur beschleunigten Glückseligkeit des Rocks, der wie geschaffen ist für eine leere Autobahn. ,Carousel" ist das bisher kühnste und feinfühligste Album des Songwriters aus Ohio und eine umfassende Erkundung dessen, was es bedeutet, in einem überbelichteten und einengenden Zeitalter aufrichtige Kunst zu schaffen, in dem Scotts große Songs aus dem Mittleren Westen von dem Wunsch geprägt sind, in einer von Kommerzialisierung geprägten Ära nach bleibender Bedeutung zu suchen. Scott stellte die Musik im Laufe von zwei Jahren zusammen und ließ den kollaborativen Geist seines vorherigen Albums aufblühen. 2024s ,Tear Your Heart Out" führte zu Tourneen mit Real Estate, Greg Freeman und Momma, einem neuen Plattenvertrag mit Winspear und einer kürzlichen Deluxe-Neuauflage, wodurch sich der Kreis der Zuhörer und Mitwirkenden vergrößerte. ,Carousel" enthält eine Mischung aus Scotts aufstrebenden Folk- und Indie-Rock-Kollegen wie Boone Patrello von Teethe, h. pruz und Carolina Chau e von Hemlock und wurde von Scott selbst gemischt, nachdem er sich die Aufnahmen angehört hatte. ,Carousel" bietet eine Mischung aus Scotts aufstrebenden Folk- und Indie-Rock-Kollegen wie Boone Patrello von Teethe, h. pruz und Carolina Chau e von Hemlock und wurde von Scott gemischt, nachdem er sich die Rohfassungen auf langen Autofahrten oder beim Laufen angehört hatte. Mit Scotts feinem Gehör für Details und weitläufige Landschaften fühlt sich das Hören von villagerrr an, als würde man in das Gras der Prärie spähen, um zu sehen, was dort krabbelt, und dann plötzlich aufstehen, um die Pracht eines herannahenden Sturms zu beobachten. Carousel hegt eine gesunde Skepsis gegenüber der Welt, in der wir leben, aber es liefert auch den Beweis, dass man, wenn man seine Schutzmauer fallen lässt und auf andere Menschen zugeht, kreative und bereichernde Beziehungen aufbauen kann - und damit die Grundlage für ein tiefes, sinnvolles Leben schafft. Das Album wurde von Scott gemischt, nachdem er sich die Rohfassungen auf langen Autofahrten oder beim Joggen angehört hatte. Mit Scotts ausgeprägtem Gespür für Details und weitläufige Klanglandschaften fühlt man sich beim Hören von villagerrr wie beim Beobachten von Insekten im Präriegras, um dann plötzlich aufzustehen und die Pracht eines herannahenden Sturms zu erleben. Carousel hegt eine gesunde Skepsis gegenüber der Welt, in der wir leben, aber es liefert auch den Beweis, dass man, wenn man seine Schutzmauer fallen lässt und auf andere Menschen zugeht, kreative und bereichernde Beziehungen aufbauen kann - und damit die Grundlage für ein tiefes, sinnvolles Leben schafft.

Ein neues dynamisches Kapitel in der Diskografie von villagerrr: Carousel, das fünfte Album von Mark Scott als villagerrr, bewegt sich von Slowcore zu Shoegaze, von Log-Cabin-Folk zur beschleunigten Glückseligkeit des Rocks, der wie geschaffen ist für eine leere Autobahn. ,Carousel" ist das bisher kühnste und feinfühligste Album des Songwriters aus Ohio und eine umfassende Erkundung dessen, was es bedeutet, in einem überbelichteten und einengenden Zeitalter aufrichtige Kunst zu schaffen, in dem Scotts große Songs aus dem Mittleren Westen von dem Wunsch geprägt sind, in einer von Kommerzialisierung geprägten Ära nach bleibender Bedeutung zu suchen. Scott stellte die Musik im Laufe von zwei Jahren zusammen und ließ den kollaborativen Geist seines vorherigen Albums aufblühen. 2024s ,Tear Your Heart Out" führte zu Tourneen mit Real Estate, Greg Freeman und Momma, einem neuen Plattenvertrag mit Winspear und einer kürzlichen Deluxe-Neuauflage, wodurch sich der Kreis der Zuhörer und Mitwirkenden vergrößerte. ,Carousel" enthält eine Mischung aus Scotts aufstrebenden Folk- und Indie-Rock-Kollegen wie Boone Patrello von Teethe, h. pruz und Carolina Chau e von Hemlock und wurde von Scott selbst gemischt, nachdem er sich die Aufnahmen angehört hatte. ,Carousel" bietet eine Mischung aus Scotts aufstrebenden Folk- und Indie-Rock-Kollegen wie Boone Patrello von Teethe, h. pruz und Carolina Chau e von Hemlock und wurde von Scott gemischt, nachdem er sich die Rohfassungen auf langen Autofahrten oder beim Laufen angehört hatte. Mit Scotts feinem Gehör für Details und weitläufige Landschaften fühlt sich das Hören von villagerrr an, als würde man in das Gras der Prärie spähen, um zu sehen, was dort krabbelt, und dann plötzlich aufstehen, um die Pracht eines herannahenden Sturms zu beobachten. Carousel hegt eine gesunde Skepsis gegenüber der Welt, in der wir leben, aber es liefert auch den Beweis, dass man, wenn man seine Schutzmauer fallen lässt und auf andere Menschen zugeht, kreative und bereichernde Beziehungen aufbauen kann - und damit die Grundlage für ein tiefes, sinnvolles Leben schafft. Das Album wurde von Scott gemischt, nachdem er sich die Rohfassungen auf langen Autofahrten oder beim Joggen angehört hatte. Mit Scotts ausgeprägtem Gespür für Details und weitläufige Klanglandschaften fühlt man sich beim Hören von villagerrr wie beim Beobachten von Insekten im Präriegras, um dann plötzlich aufzustehen und die Pracht eines herannahenden Sturms zu erleben. Carousel hegt eine gesunde Skepsis gegenüber der Welt, in der wir leben, aber es liefert auch den Beweis, dass man, wenn man seine Schutzmauer fallen lässt und auf andere Menschen zugeht, kreative und bereichernde Beziehungen aufbauen kann - und damit die Grundlage für ein tiefes, sinnvolles Leben schafft.

Eine Sammlung von 21 Titeln mit Klassikern aus „Mister Rogers’ Neighborhood“.• Gepresst auf opaken gelben Vinyl.• Begleittext von dem mit einem Oscar und einem Grammy ausgezeichneten Regisseur Morgan Neville und dem Fernsehkritiker Robert Bianco aus Pittsburgh.„Mister Rogers’ Neighborhood“ feierte vor über fünf Jahrzehnten seine Fernsehpremiere. Auch wenn es manchen noch wie gestern vorkommt, als die Sendung brandneu war, ist es doch herzerwärmend zu wissen, wie sehr sie Teil des Lebens unzähliger Kinder und Erwachsener war, die die Sendung über die Jahrzehnte hinweg erlebt und daraus gelernt haben.Obwohl seine Popularität nie nachließ, hat der 2018 erschienene Dokumentarfilm „Won’t You Be My Neighbor?“ des Oscar- und Grammy-Preisträgers Morgan Neville unsere Liebe zu Fred Rogers neu entfacht und ihn einer neuen Generation vorgestellt. Mit dem bevorstehenden Kinostart von „A Beautiful Day In The Neighborhood“ (mit Tom Hanks als Fred Rogers) im November werden der geliebte Mister Rogers und seine Nachbarschaft wieder einmal im Mittelpunkt der Herzen, Gedanken und Ohren aller stehen.„It’s Such A Good Feeling: The Best Of Mister Rogers“ versammelt 21 Lieder des beliebten Moderators (begleitet von seinem langjährigen Partner und Pianisten Johnny Costa, Carl McViker am Bass und dem Percussionisten Bobby Rawsthorne). Neben Klassikern wie „Won’t You Be My Neighbor“, „You Are Special“ und dem Titelsong enthält diese Veröffentlichung auch fünf bisher unveröffentlichte Titel, darunter den ursprünglichen Schlusssong der Sendung, „Tomorrow“.Diese LP ist auf opaken gelben Vinyl gepresst und die Verpackung enthält Fotos, eine Einleitung von Neville sowie einen Essay des Fernsehkritikers aus Pittsburgh (und langjährigen Mitarbeiters von USA Today) Robert Bianco. Also, steigt in den Trolley zum Land Of Make Believe, denn es ist wirklich so ein gutes Gefühl.

Record Kicks freut sich, die Vinyl-Neuauflage zum 10-jährigen Jubiläum von ,Late Nights & Heartbreak" zu präsentieren, dem Durchbruchsalbum von Hannah Williams & The Affirmations, auf dem der Song zu finden ist, der zum emotionalen Rückgrat von Jay-Zs wegweisendem Album ,4:44" wurde. ,Late Nights & Heartbreak" kam 2016 raus und wurde von Kritikern gelobt. Seitdem ist es ein moderner Soul-Klassiker. Sein Vermächtnis wurde besiegelt, als Jay-Z den Titelsong von ,4:44" komplett um Hannah Williams' Originalaufnahme herum aufgebaut hat. Der Song, der als unverfälschtes Geständnis der Untreue genutzt wurde, war Jay-Zs Antwort auf ,Lemonade" von seiner Frau Beyoncé und machte Hannahs unverwechselbare Stimme einem weltweiten Publikum bekannt. Aufgenommen im Quatermass Studio in London - der Heimat der Kulthelden The Heliocentrics - zeigt ,Late Nights & Heartbreak" Hannah, begleitet von ihrer neu gegründeten Band The Affirmations. Produziert wurde das Album von Malcolm Catto, der für seine Arbeit mit Künstlern wie Mulatu Astatke, Orlando Julius, Floating Points, Quantic, DJ Shadow und Madlib. Das Album wurde komplett analog gemischt und auf Band gemastert und bietet einen rohen, druckvollen und zutiefst eindringlichen Sound. Auf 13 Tracks erkundet ,Late Nights & Heartbreak" viszeralen, kraftvollen Soul mit einem subtilen psychedelischen Touch. Von der eindringlichen ersten Single ,Tame in the Water" bis zum unerbittlichen achtminütigen Groove von ,Still in My Head" zeigt das Album die schiere Kraft und Kontrolle von Hannahs Stimme in ihrer elektrisierendsten Form. ,Woman Got Soul" liefert fünf Minuten mitreißenden, kraftvollen Funk, während tiefgründigere Stücke wie ,Another Sunrise" und ,Your Luck Can Change" einen üppigen, emotionalen Hintergrund für Themen wie Liebe, Lust, Sehnsucht, Wut und Verletzlichkeit bieten. Alle Songs sind Originalkompositionen, die von dem in Bristol ansässigen Kollektiv um The Affirmations unter der Leitung von Musikdirektor James Graham geschrieben wurden - mit Ausnahme einer atemberaubenden, psychedelisch-souligen Neuinterpretation von ,Dazed and Confused", die stark von der Originalversion von Jake Holmes inspiriert ist. Hannah Williams, die schon früh von der verstorbenen Sharon Jones gesegnet wurde, eroberte 2012 mit ihrem Debütalbum ,A Hill of Feathers" die Soul-Szene. Die Single ,Work It Out" wurde ein Indie-Radiohit und ebnete den Weg für eine Karriere, die von moderner Soul-Mythologie geprägt ist. Aufgewachsen in einem musikalischen Haushalt, sang Hannah ab dem Alter von sechs Jahren im Kirchenchor und konnte Noten lesen, bevor sie richtig lesen konnte. Heute ist sie eine unaufhaltsame Kraft - eine Künstlerin mit einem seltenen Talent, wie es nur einmal in einer Generation vorkommt. Zehn Jahre später kehrt ,Late Nights & Heartbreak" in dieser speziellen Jubiläumsausgabe auf Vinyl zurück und bestätigt erneut, warum Hannah Williams & The Affirmations nach wie vor zu den kraftvollsten Stimmen des zeitgenössischen Soul gehören.

■ Human is a deeply “human” cover album by Gota Nishidera (NONA REEVES), focusing on the world of 80s–90s Japanese kayokyoku and new music.
Following his well received 2023 solo cover album Sunset Rain, this new release features an unprecedentedly wide ranging selection of songs spanning works
by Kyohei Tsutsumi, Reiko Yugawa, and Eiichi Ohtaki, all of whom Nishidera either learned from directly or profoundly respects for their devotion to the study and
practice of pop music.

■ After experiencing major success across Asia including two China tours with NONA REEVES and solo performances in Taiwan Gota Nishidera revisited the essence
of Japanese pop music from a renewed perspective. The result is a meticulously crafted collection of eight ultimate tracks, tightly packed with the charm of Japanese
pop. Born in 1973, Nishidera absorbed the new wave of Japanese music that began in 1980 in real time, and here he updates that experience for the present day.
With arrangements and vocals filled with deep affection for the originals, he offers a modern and fresh reinterpretation of these classics.

■ The album is produced by long time collaborators Yuzuru Tomita, Tomoya Yamagata, and rising talent Yudai Ohi. On the track “Woman (from W’s Tragedy)”,
Nishidera performs a duet with Megumi Mashiro of Hicksville, a vocalist he has worked with for many years on NONA REEVES recordings and live shows.

■ Mastering is handled by ambient/balearic maestro Calm, delivering a stunning final sound.

■ The jacket design is created by Keita Fukumi, producer of the YouTube channel Gota Nishidera Channel NGC. Shot at Nishidera’s local barbershop in Sangenjaya
during his usual haircut, the artwork vividly captures the “human” essence at the heart of this project."

STINGRAY returns three years after Fortress Britain. Back with a new line up and an ever more savage sound, massive sounding on a 5 track 12” EP.
ENEMY is London on a plate. Stench-tinged hardcore punk born of the ever reaching infinity of Britain’s complex and confusing capital. Nihilistic acid burns in the style of NEUROOT, DEATH SIDE and DOOM, under a few minutes per piece, peppered with prosciutto-dipped VAN HALEN style solos Ala later WRETCHED or SHOTGUN SOLUTION. Vocal visitations by Ciara Savage bring frightening melodic elements into the occasional foray into truly irresistible mosh, not far from the barbed wire trailblazing of GASTUNK, SOD, and SACRILEGE before flying back into fast paced passages of “Scandinavian Jawbreaker” worthy velocity.
Recorded at Fuzzbrain by Jonah Falco. Mixed and mastered by Chris Corry at the Paincave. Draped in a Tin Savage sleeve, and released on the ever eternal home of musical suffering, La Vida Es Un Mus Discos.

Maybe it was inevitable that Vilhelm Bromander and Fredrik Rasten would find each other. A symbiotic musical alliance of suggestive combinatory magic that stretches back to the interstitial two day space that separates their dates of birth and manifests here as the movement between ‘perfect’ or ‘just’ intonation and the ragged, psychoactive energy of the slippages from and towards that togetherness that render otherwise simple patterns or generally understood repetitions as wildly other and alive.

Astral Twins shares ‘twin’ works by each composer. The patiently unfolding real time retuning of Fredrik Rasten’s guitars on the a-side’s Sojourns and Vilhelm Bromander’s quickened steps and spry looping melodies on the flip’s Partially Dancing.

Both artists have history of going deep into the aesthetic and acoustic impact of intonation (how you think about what is ‘in tune’). Where their first LP (...for some reason that escapes us, 2019, Differ Records) shared a gorgeous set of sustained tone colour fields, this time they lean more explicitly into the folk music traditions of Scandinavia and further afield, whilst echoing the zoned minimalist atmosphere of Arthur Russell’s classic Instrumentals.

Recorded up close and in real time at Fylkingen’s soon-to-be-abandoned temporary location in Stockholm’s southern suburb of Bredäng, Astral Twins sings with the possibility that one plus one can equal more than two.

Fredrik Rasten:
 Sojourns explores the live retuning of guitar and double bass in a sequence of just intonation harmonies. A guitar ostinato runs throughout the piece where the retuning becomes an integral part of the composition. The slow pace reveals every detail in the transition from one harmonic arpeggio to another — how interfering waves emerge and disappear as the tonal interactions settle in electric clarity. The double bass shadows the guitar's process and comments with occasional pizzicato tones and register jumps, at times providing a low foundation for the sound and sometimes soaring together with the guitar. This is music that is deeply listening; experimental and at the same time humbly inviting many kinds of being with sound.

Vilhelm Bromander: 
As the title suggests, this song has a partially dancing character. The title also has a double meaning with reference to the partials and harmonics that dance together. The basic idea was to write music in just intonation that instead of being drone-based is reminiscent of a lightly dancing folk music, where the joyous feeling of just being in the music — “musicking" — is allowed to lead the way.

The double bass plays repeated overtone double stops in an open harmonic progression with subtle modulations that is inspired in equal parts by Steve Lacy's persistent repetition of phrases as east-asian khaen music. The guitars and mandolin have a freer role, with plucked retuned strings that enhance the bass's modulations and provide forward movement. The music invites to both melodic and spectral listening, suddenly halting so that other focal points can reveal themselves. For example, a chord sequence suddenly transitions to a more spectral part where Fredrik is playing a bowed guitar with a chain, several plucking guitars, voices, and pitch pipes. I wanted to make something ‘orchestral’ with just two people and no overdubs: a dance of overtones and open resonant strings, where we seamlessly take turns standing in the foreground.

BLUE & WHITE COLOUR IN COLOUR VINYL

In the culinary arts, it’s easy to overcomplicate the final product. Theme, presentation, texture…they’re important but should work to complement the raison d'etre of any food. At the end of cooking a dish, it should taste good and feed people. Some dishes, like barbeque or provoleta, resist the tendency towards hollow showmanship. One of their expressions can be more or less aesthetic, but the first purpose is to be simple and tasteful. Argentinian provoleta goes so far as to blur the line between ingredient and dish. It relies on the inherent flavor of provolone being heated at the right speed for the perfect amount of time. You can add garlic or chives or red pepper to the slice, but ultimately they serve to bring out an essence that’s already there.

Los Angeles’ Cousin Feo has developed his rapping acumen in the five years since releasing Provoleta, but returning to the project today shows that he always had the penmanship, grit and delivery that christens an emcee worthy of remembrance. Like the bubbles rising up in the appetizer that is the album’s namesake, Feo showed that true profundity is found in the simple gestures.

Since dropping the project in 2019, Cousin Feo has expanded his vision of a world where hip-hop and football, two proletarian art forms, mingle in creative and compelling ways. He has collaborated across multiple continents, chronicled football histories, aided in canonizing legends, kept the flames high in age-old rivalries and constantly forced his audience to search for the last time they heard bars this hard. In anyone else’s hands it would be too great a task.

The maturity he showed on Provoleta wasn’t nascent, it was an inherent quality forcing itself to the surface. The songs refract his experience as a working class Angeleno through the archetypes of Argentinian football legends. The kernel that unites the two worlds is hustle. When Feo was coming up, missteps had greater consequences than crashing out in the group stage and street deals had the weight of a Boca-River Plate match.

Each track uses slightly different ingredients to let Feo’s underlying talent shine. “Maradona” feels salvific, fitting for a football legend canonized from the Andes to the Alps and a Los Angeles rapper looking to inspire similar hope in the neighborhoods that raised him. On “Di Stefano” Feo massages the instrumental with the same composure of the late forward, until he pierces through the headphones like one of Di Stefano’s arrows. It’s also refreshing to hear a song celebrating Messi before his meme-ification, focusing on the universal truths contained in his footballing talent instead of using number 10 as a stand-in to make a point in a fruitless argument. And he still finds space to show deference to Batistuta, Kempes and other members of the Argentinian pantheon who’ve been erased from the popular imagination by the national team's contemporary success.

Real ones know that true players, true rappers, and true artists will always stand the attacks of time and consensus. In Provoleta’s first verse, Cousin Feo says he moves with the hand of God. Maybe one day he’ll tell the whole truth and let us know how he was able to wrestle the pen away too. Limited edition of 300 hand-numbered copies.

TASAVALLAN PRESIDENTTI’s legendary sophomore album reissued on vinyl Tasavallan Presidentti are one of the most loved Finnish progressive rock bands of all time. Their second album II has become a very hard to find collector’s item, with Svart Records reissuing it officially on vinyl for the first time back in 2014, in close co-operation with the band members. The reissues sold out fast and it’s about time to bring back this timeless classic on vinyl, for the ages. Tasavallan Presidentti was established in 1969 by guitarist Jukka Tolonen and drummer Vesa Aaltonen. Joined by the English-born singer Frank Robson, bassist Måns Groundstroem, and saxophonist-flutist Juhani Aaltonen, who left the band after the release of the first album and was replaced by Eero Pöyry. Their sophomore album that resulted with this new lineup is highly praised for the band’s exceptional instrumental skills, and the album’s mix of harder, jazzier tracks with mellower, flute-infused pieces. II is now presented with new vinyl colours packed in a tip-on sleeve, with an insert featuring photos and interview with Aaltonen, Tolonen, and Robson.

TASAVALLAN PRESIDENTTI’s legendary sophomore album reissued on vinyl Tasavallan Presidentti are one of the most loved Finnish progressive rock bands of all time. Their second album II has become a very hard to find collector’s item, with Svart Records reissuing it officially on vinyl for the first time back in 2014, in close co-operation with the band members. The reissues sold out fast and it’s about time to bring back this timeless classic on vinyl, for the ages. Tasavallan Presidentti was established in 1969 by guitarist Jukka Tolonen and drummer Vesa Aaltonen. Joined by the English-born singer Frank Robson, bassist Måns Groundstroem, and saxophonist-flutist Juhani Aaltonen, who left the band after the release of the first album and was replaced by Eero Pöyry. Their sophomore album that resulted with this new lineup is highly praised for the band’s exceptional instrumental skills, and the album’s mix of harder, jazzier tracks with mellower, flute-infused pieces. II is now presented with new vinyl colours packed in a tip-on sleeve, with an insert featuring photos and interview with Aaltonen, Tolonen, and Robson.

London-based musician, composer, and NTS resident Kit Grill presents his extraordinary new album 'Andøya', inspired by a solo residency on the eponymous Norwegian island, a profoundly dramatic territory situated in the Vesterålen archipelago, inside the Arctic circle.

With evocative, sonorous ambient, drone, minimalism, experimentalism, and modern classical music, Grill captures the environmental essence of a remarkable region; an isolated Nordic landscape of small coastline villages, raw peatlands and sublime mountain ranges, surrounded by wide, open views of the Arctic ocean.

Drawn from his experience on solitary excursions around the island - hiking, exploring, and encountering the locals - 'Andøya' is a beautifully stark, stirring exploration of acoustic phenomena, seclusion in nature, and the expressive power of unique landscapes. For Grill, the trip entailed a surreal day-night cycle, and his experience has had far-reaching, existential implications, both for his practice and his perspective:

"On the 8th January 2025 I travelled to the Norwegian island of Andøya, in the Arctic Circle for a three week solo residency. Surrounded by sea, snow, and mountains, I lived in isolation and travelled around the island each day documenting the landscape. At 10am, the background light of the sun beneath the horizon would light the day and in the 4 hour window of light, I would hike into the mountains and explore the wilderness. It was a profound experience that changed the way I thought about sound, solitude, and what it means to be alone in nature."

"Since returning, I created a body of music informed by that time to try and capture the vastness and unpredictability of the Arctic landscape. The album moves through the sensory extremes: ice cracking, storms forming and fading, the rumble of tectonic plates, waves crashing, harsh winds, trudging through snow, and the sharpness of freezing air. The album aims to reflect both the landscape itself and the shifting emotions that came with living in isolation and the Arctic environment. The music and photography serve as a recorded diary of my time there, documenting the experience."

WRWTFWW Records is thrilled to announce their 5th archival release taken from cult Tokyo label FORM@ RECORDS' catalogue, this time with the first-ever vinyl edition of Re-Form Ver-1.0. The remarkable, yet not widely known, 1999 remix compilation is now available as a limited edition 45rpm cut double LP housed in a heavyweight sleeve, as well as in digital format.
Originally only available on CD in extremely limited quantities, Re-Form Ver-1.0 resurfaces as a fascinating document of FORM@ RECORDS' late-1990s creative peak. Re-imagining key pieces from the label's catalogue, the remix collection offers a rare glimpse into Tokyo's electronic underground, where techno, house, ambient, and IDM breathe freely through FORM@'s soulful and exploratory vision.
Highlights include two remixes of Missing Project's adored gem "Poisson D'Avril" (including its well known ethereal ambient Galaxy Dub which appeared on Music From Memory's Virtual Dreams II) as well as the otherworldly Fossil (aka the legend Virgo) Mix of Penance's "Cure & Soul". Throughout, the compilation balances dancefloor sensibility with introspective listening, embodying the warm human approach to machine music FORM@ RECORDS excels in.
Another essential time capsule from a crucial era of underground music, Re-Form Ver-1.0 echoes the spirit of Warp's Artificial Intelligence era, alongside the forward-thinking energy of Ken Ishii, Carl Craig, The Black Dog, and Ian O'Brien, while keeping its feet and individuality firmly rooted in local context - the magic recipe for creating a universal, timeless language of electronic expression.
Re-Form Ver-1.0 follows the vinyl edition of Virgo's Landform Code (1998) and Remnants (1999), as well as the FORM@ compilations Art Form I (1997) and Art Form 2 (1998), further expanding WRWTFWW's archival series dedicated to uncovering hidden gems of late '90s Japanese electronic music.

After thirteen years of silence from the compound, during which anticipation has grown day by day, Boards of Canada finally return. Inferno retains their signature melodies and atmospheres, drawing on the esoteric influences explored in Societas X Tape (their 2019 NTS mix for Warp Records’ 30th anniversary) and the darker ambience introduced on Tomorrow’s Harvest, further deepened by an expanded role for speech soundbites.


Spanning seventy minutes, the new album is available on special edition limited red translucent 2LP vinyl in triple gatefold sleeve with a 16-page booklet, black 2LP vinyl and CD with 20-page booklet.

Between Bodies als Geheimtipp der europäischen Punk/Indie-Szene zu bezeichnen, ist mittlerweile ein großes Understatement. Nach ihrem Debütalbum, "Electric Sleep" von 2022, war die Band in aller Munde derer, die ein Herz für melodischen, treibenden, emotionalen Punkrock mit DIY Spirit haben. Spätestens über das Jahr 2025, als die Band aus Köln, Toronto und Paderborn, etablierte Acts wie Touché Amore, The Get Up Kids, The Hotelier oder Captain Planet in ausverkauften Clubs supportet hat, auf zahlreichen Szene-Festivals zu sehen war und seine Hörer*innenschaft noch einmal deutlich erweitern konnte, sind Between Bodies zu einer der spannendsten up-and-coming Punk-Bands hierzulande geworden. Die Songs und Texte der Ende 2019 gegründeten Band haben - wird oft behauptet, hier stimmt es einmal - internationales Format und erinnern an Lieblinge wie Joyce Manor, The Menzingers oder Tigers Jaw. Ihr Sound lässt ebenso an 90er Jahre Emo-Punk Klassiker denken, zeigt sich beeinflusst von 00er Jahre Post-Punk/Indie und verfügt dabei über reichlich Charakter und ein Ideenreichtum, der Between Bodies schlicht zu einer außergewöhnlichen Band macht.

AAls "Inbegriff des Southern Soul" (VIBE) und "bluesiger Geniestreich" (Okayplayer) gefeiert, mit "einer Stimme, die von der Gospelkirche geprägt ist, und einem fast übernatürlichen Umgang mit der tiefen Intensität des Blues" (KCRW), baut "Miss Black America" KIRBYs Mission weiter aus, ihre Wurzeln zurückzugewinnen und die Musik und Kultur von Mississippi den Massen näherzubringen. Wie Elton John kürzlich verkündete, ist KIRBY "zu Großem bestimmt", und mit diesem Album schlägt sie ein neues, tiefgründiges und persönliches Kapitel auf, in dem sie die Zuhörer dazu herausfordert, das Stampfen, Summen und Sehnen zu hören und diese Klänge in Sinn und Kraft zu verwandeln. Während KIRBY bereits mit Rihanna, Kanye West, Paul McCartney, Beyoncé, Black Thought, Ariana Grande, Demi Lovato, Donald Glover und vielen anderen zusammengearbeitet und Songs mitgeschrieben hat und Millionen von Fans, darunter Hayley Williams und unzählige andere, für sich gewinnen konnte, ist "Miss Black America" ganz und gar ihr eigenes Werk. Dieses Projekt, bei dem Hymnen statt Hits, Geschichten statt Samples und Wahrheit statt Trends im Vordergrund stehen, ist das inspirierendste Werk ihrer Karriere und begleitet dich vom Grillfest am Samstag über den Gottesdienst am Sonntag bis hin zur Arbeit für "den Mann" am Montag. Es ist Blues- und Soulmusik für die Zukunft, gemacht für diejenigen, die vor ihr da waren: die Vorfahren, die auf dem Land der Dockery-Plantage, von der sie abstammt und die viele als Geburtsort des Delta-Blues bezeichnen, tanzten, weinten und sangen.

Nina Nastasia nahm mit Steve Albini bei Electrical Audio in Chicago auf und engagierte den Instrumentalisten und Arrangeur Paul Bryan aus Los Angeles, um ihre Songs für ein kleines Orchester zu arrangieren. Mit dem Schlagzeuger Jay Bellerose und dem Gitarristen Jeff Parker aus Chicago wird Outlaster von einer absoluten Traumband unterstützt. Dieses Album ist ein Werk von üppiger Raffinesse, das ohne Verlust an Charakter oder Wirtschaftlichkeit über Nastasias berühmte Sparsamkeit hinausgeht. Das Orchester geht mit Bryans kraftvoller, bewegender Partitur - die an Gil Evans und den verstorbenen Phil Ochs erinnert - eher formell vor und veredelt die Platte mit glänzenden Bläsern und einem dynamischen Streichensemble. Nachdem Outlaster mehr als ein Jahrzehnt lang vergriffen war, ist es nun endlich wieder auf Vinyl erhältlich. Die Neuauflage von Outlaster wurde 2025 von Josh Bonati für Vinyl remastert und ist auf limitiertem burgunderfarbenem Vinyl gepresst.

Die hochgeschätzten Euro-Metal-Pioniere Oz wurden ursprünglich 1977 in der kleinen finnischen Stadt Nakilla gegründet. Die Band bestand aus Mark Ruffneck (bürgerlicher Name Pekka Mark) am Schlagzeug, Sänger Ape De Martini (Eero Hämäläinen), Bassist Tauno Vajavaara sowie Kario Elo an der Gitarre.

Fünf Jahre nach ihrer Gründung legten Oz ihr Debütalbum vor. Mit Krachern wie “Saturday Night”, “Capricorn Man” oder dem schlüpfrigen “Second-Hand Lady” avancierten Oz schnell zur HM-Band Nummer eins in Skandinavien.

In der Folge zog man nach Stockholm um, wo 1983 der gefeierte Zweitling »Fire In The Brain« entstand. Die Platte enthielt höchst energetische Heavy-Metal-Hymnen wie “Fortune”, “Megalomaniac” oder “Gambler”. Der kanadische Journalist Martin Popoff verteilte in seinem »Collector’s Guide To Heavy Metal« 9 von 10 Punkten und schrieb: »Fire In The Brain« ist eine düstere, fast depressiv wirkende Platte, die den Hörer wie ein Güterzug trifft. Es ist ein sehr europäisch klingendes Werk – vom apokalyptisch anmutenden ‘Searchlights’ über das zähflüssige ‘Black Candles’ bis hin zum gewaltigen Titelsong werden absolut keine Gefangenen genommen.“

High Roller Records, silver vinyl, ltd 450, 425gsm heavy cardboard cover with 5mm spine, lyric sheet, 12 page booklet, poster

2026 Repress!

The story begins in 2000 in Britany (France). Two guys decide to create a sound system with the aim of sharing their common passion for roots reggae and early digital. Rootystep (selecta) and MacGyver (operator) begin to collect records and purchase music equipment. They are quickly joined by Pupajim who becomes the MC, the singer and the dub builder. The Stand High Patrol first toured the land of Brittany, gradually moving towards stepper dub production emanating from the English stage. Fifteen years later, the sound is more present than ever. Stand High has created a true identity and has established itself as one of the essential sound systems of the French dub scene. In 2009, Stand High Patrol creates his own label "Stand High Records". In 2012, after releasing several records, the Dubadub Musketeerz present their debut album "Midnight Walkers", 13 exclusives & wicked tracks inna pure Dubadub Style. In 2015 the dubadub experience takes on new dimensions with their second album : "A Matter Of Scale". In 2017 they are back with "The Shift" a third LP totally dedicated to Boom Bap & 90s Hip Hop. Words, blue notes, boom bap and bad news: here comes "The Shift", the third album of Stand High Patrol.

IN 2017, TRYING TO MAKE BOOM BAP FROM THE 90s, INSPIRED BY JAZZ FROM THE 60s, MIXED WITH MACHINES FROM THE 50s

Lyrics, Boom bap and bad news: Stand High Patrol present their third album 'The Shift' and confirm their attachment to 90s hiphop.

Als Begleitwerk zum 2020er-Album ,I Feel Alive" ist das längst ausverkaufte ,Empty Seats" ein absoluter Fan-Favorit, der einige der pointiertesten und spritzigsten Stücke der Band enthält und Vergleiche mit Bands wie The Whitest Boy Alive und Men I Trust hervorruft. Wie es in der Biografie heißt, legen sie ihr Herz offen auf den Tisch und tauchen mit ihrem Songwriting in die emotionale Komplexität persönlicher Beziehungen ein, wobei sie Fragen nach Macht und Begierde stellen. Riley Flecks ausgewogenes Schlagzeugspiel und David Carrieres charakteristische Gitarrenriffs verschmelzen mit Marta Cikojevics üppigen Keyboards. All diese Elemente wirken zusammen und stehen im Dienst von Jane Pennys unverwechselbarer, wehmütiger Stimme. Das Ergebnis dieser Mischung ist eine Sammlung von vier selbstproduzierten Alben und einer Handvoll Singles, die eine Bandbreite an Stimmungen und ein komplexes emotionales Spektrum abdecken, ohne dabei den Groove und die Musikalität aus den Augen zu verlieren.

Eines der prägendsten Merkmale des Ansatzes der Blues-Newcomer GA-20 in Bezug auf traditionelle Bluesmusik ist ihr unerschütterliches Engagement, die Songs zu spielen, die sie lieben, oder wie Bandleader Matthew Stubbs es ausdrückt: ,Wir spielen die Musik, die wir selbst hören wollen." Kenner sind fasziniert von der mitreißenden Energie, die die Band in die Welt des Heavy Blues bringt, und von den Songs, die sie spielen. Mit ORPHANS hat die Band eine Sammlung von Blues- und Blues-nahen Titeln zusammengestellt, die perfekt in diesen Rahmen passen. Die Songs auf ORPHANS sind genau das - einzigartige Stücke, die man sonst nur bei Live-Shows hört, Singles, die zwischen den Alben veröffentlicht wurden, und einfache Favoriten, die die Band (Stubbs, Cody Nilsen & Josh Kiggans) schon lange aufnehmen wollte. Und genau wie der Blues eine Tradition des Ausleihens, Teilens und der Transformation ist, werden diese Melodien und Texte auf ähnliche Weise neu interpretiert und neu erdacht - Waisen und Streuner, die liebevoll adoptiert und mit neuem Leben erfüllt werden. Die Nachfrage der Fans nach einer richtigen Veröffentlichung dieser Songs in voller Länge sowie der Wunsch, Nilsens Gesang und seine Meisterschaft an der Begleitgitarre zu präsentieren, werden hier in physischer Form verwirklicht.

Norway's Aura Noir was formed in 1993 by Aggressor & Apollyon in pursuit of a more thrash-based form of black metal than much of what was coming out at the time - particularly in their homeland - citing bands such as Slayer, Sodom & Kreator as inspirations along with purveyors of the scene such as Venom, for a dirtier, stripped down, violent black/thrash metal sound. Their first official release was the 'Dreams Like Deserts' EP on Hot Records, & from there-on the band became a truly cult act, releasing a string of albums among ongoing live performances over the subsequent decades.

'Black Thrash Attack' was Aura Noir's debut full length album, originally recorded & released in 1996, & was a continuation of the intense thrash riffing displayed on 'Dreams Like Deserts'. This edition of 'Black Thrash Attack' includes a cover of the venom classic 'Heavens on Fire', from the cult 'Black Metal' album. All members of Aura Noir have had illustrious careers to date, with Carl-Michael Eide (Aggressor) notable for his work in Ved Buens Ende, Dødheimsgard, Virus, & Fleurety, as well as being part of other scene icons such as Ulver & Satyricon in their formative years. Apollyon, currently also seen in Coffin Storm with Darkthrone's Fenriz, previously featured in Dødheimsgard, as well as Lamented Souls & Immortal. Completing the trio is Blasphemer, formerly of fellow Norwegian legends Mayhem, as well as being current mainman in his recently established band, RUiM.

This edition of 'Black Thrash Attack' marks the 30th anniversary of the release, & is presented on limited marble vinyl, following the layout of the original.