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Fishing for Gravel is the debut solo mini-LP from Dublin-born, Amsterdam-based producer Paraflow (aka Niall Rogers), via Superconscious Records. Known for his work as a music supervisor and dream pop collaborator (Officer John), Paraflow dives deep into a world of EBM and dub-infused electronics-granular textures, mid-tempo chug, and flashes of blissful uplift driving seven tracks of earthy, drum-heavy synthesis. Includes a rugged remix from Superconscious' own FIO. For fans of Jonquera, Parchman, BPM AM.

Coastal County II marks the fifth release from Oslo-based Lomas Productions, the long-running collaboration between musicians and producers Lars Mellgren and Thomas Hauge. Following the underground success of their 2019 Coastal County, the duo returns with a new installment that expands their instrumental universe. Coastal County II continues the sonic explorations of its predecessor, expanding the palette with a rich blend of cinematic moods and classic soundtrack grooves. Across eight tracks, the album moves from noir-infused symphonics and beat-driven progressions to Anatolian-inspired rock, jazz-tinged vignettes, and mountainous melodies. While steeped in the traditions of composers like David Axelrod and Alessandro Alessandroni, Coastal County II adds a Nordic sensibility – rich in details with shadows around the edges. This is not just a follow-up. It's a continuation.

Sunshine and Balance Beams, das neunte Album von Pile, ist eine Sisyphus-Parabel über Arbeit und Leben. Um es zu schreiben, begab sich Sänger Rick Maguire an ,einen dunklen Ort" und rang mit dem Konzept, dass es keine Erleuchtung und kein Ende des Leidens gibt. Maguire erforscht den Workaholismus, den Mythos der Leistungsgesellschaft und die Akzeptanz der Sterblichkeit - und das alles in einer teuflischen Allegorie, in der es darum geht, durch einen schattigen Wald zu stapfen und dem ungewissen Traum einer hellen Lichtung entgegenzugehen. Pile ringt mit existenziellen und sozialen Widersprüchen, indem er klangliche Zwischenräume heraufbeschwört. Die Musik existiert irgendwo im temporären Gleichgewicht von Licht und Schatten, Chaos und Ordnung. Heiße, regenähnliche Gitarren, sich verschiebende Drums, die gewundene Wege in Klang und Tempo ebnen, unheimliche Synthesizer und wässrige Streicher fügen sich zu einem Panorama aus lauter und leiser Dynamik zusammen, das der Emotionalität der donnernden Auftritte der Band entspricht. Die Gruppe bevorzugte auch freilaufende Darbietungen, die das Erzählen von Geschichten belebten, während sie eine Streichergruppe (Geigen, Bratsche, Cello) engagierte, um glühende, durchkomponierte Arrangements zu spielen, die von der Cellistin Eden Rayz und Pile mitgeschrieben wurden. Sie ließen sich von Kino- und Opernpartituren von Chopin, Bernard Herrmann und Ralph Vaughan Williams inspirieren, was Sunshine einen überlebensgroßen Sound verleiht, der Piles blitzschnelle Umsetzungen einiger ihrer bisher zugänglichsten Songtexte noch verstärkt. Die Aufnahme ist ein deutlicher Sprung im Produktionswert und stellt Maguires Gesang auf neue und aufregende Weise in den Mittelpunkt. Pile reiste nach Pawtucket, RI, um zwei Wochen lang bei Machines with Magnets mit der langjährigen Tontechnikerin Miranda Serra (Kal Marks, Kira McSpice) aufzunehmen. Das Album wurde von Seth Manchester (Lightning Bolt, Mdou Moctar) gemischt und von Matt Colton (Aphex Twin, Swans, Muse) gemastert. Sunshine and Balance Beams ist das erste Album von Pile für das Chicagoer Label Sooper Records.

Sunshine and Balance Beams, das neunte Album von Pile, ist eine Sisyphus-Parabel über Arbeit und Leben. Um es zu schreiben, begab sich Sänger Rick Maguire an ,einen dunklen Ort" und rang mit dem Konzept, dass es keine Erleuchtung und kein Ende des Leidens gibt. Maguire erforscht den Workaholismus, den Mythos der Leistungsgesellschaft und die Akzeptanz der Sterblichkeit - und das alles in einer teuflischen Allegorie, in der es darum geht, durch einen schattigen Wald zu stapfen und dem ungewissen Traum einer hellen Lichtung entgegenzugehen. Pile ringt mit existenziellen und sozialen Widersprüchen, indem er klangliche Zwischenräume heraufbeschwört. Die Musik existiert irgendwo im temporären Gleichgewicht von Licht und Schatten, Chaos und Ordnung. Heiße, regenähnliche Gitarren, sich verschiebende Drums, die gewundene Wege in Klang und Tempo ebnen, unheimliche Synthesizer und wässrige Streicher fügen sich zu einem Panorama aus lauter und leiser Dynamik zusammen, das der Emotionalität der donnernden Auftritte der Band entspricht. Die Gruppe bevorzugte auch freilaufende Darbietungen, die das Erzählen von Geschichten belebten, während sie eine Streichergruppe (Geigen, Bratsche, Cello) engagierte, um glühende, durchkomponierte Arrangements zu spielen, die von der Cellistin Eden Rayz und Pile mitgeschrieben wurden. Sie ließen sich von Kino- und Opernpartituren von Chopin, Bernard Herrmann und Ralph Vaughan Williams inspirieren, was Sunshine einen überlebensgroßen Sound verleiht, der Piles blitzschnelle Umsetzungen einiger ihrer bisher zugänglichsten Songtexte noch verstärkt. Die Aufnahme ist ein deutlicher Sprung im Produktionswert und stellt Maguires Gesang auf neue und aufregende Weise in den Mittelpunkt. Pile reiste nach Pawtucket, RI, um zwei Wochen lang bei Machines with Magnets mit der langjährigen Tontechnikerin Miranda Serra (Kal Marks, Kira McSpice) aufzunehmen. Das Album wurde von Seth Manchester (Lightning Bolt, Mdou Moctar) gemischt und von Matt Colton (Aphex Twin, Swans, Muse) gemastert. Sunshine and Balance Beams ist das erste Album von Pile für das Chicagoer Label Sooper Records.

Sunshine and Balance Beams, das neunte Album von Pile, ist eine Sisyphus-Parabel über Arbeit und Leben. Um es zu schreiben, begab sich Sänger Rick Maguire an ,einen dunklen Ort" und rang mit dem Konzept, dass es keine Erleuchtung und kein Ende des Leidens gibt. Maguire erforscht den Workaholismus, den Mythos der Leistungsgesellschaft und die Akzeptanz der Sterblichkeit - und das alles in einer teuflischen Allegorie, in der es darum geht, durch einen schattigen Wald zu stapfen und dem ungewissen Traum einer hellen Lichtung entgegenzugehen. Pile ringt mit existenziellen und sozialen Widersprüchen, indem er klangliche Zwischenräume heraufbeschwört. Die Musik existiert irgendwo im temporären Gleichgewicht von Licht und Schatten, Chaos und Ordnung. Heiße, regenähnliche Gitarren, sich verschiebende Drums, die gewundene Wege in Klang und Tempo ebnen, unheimliche Synthesizer und wässrige Streicher fügen sich zu einem Panorama aus lauter und leiser Dynamik zusammen, das der Emotionalität der donnernden Auftritte der Band entspricht. Die Gruppe bevorzugte auch freilaufende Darbietungen, die das Erzählen von Geschichten belebten, während sie eine Streichergruppe (Geigen, Bratsche, Cello) engagierte, um glühende, durchkomponierte Arrangements zu spielen, die von der Cellistin Eden Rayz und Pile mitgeschrieben wurden. Sie ließen sich von Kino- und Opernpartituren von Chopin, Bernard Herrmann und Ralph Vaughan Williams inspirieren, was Sunshine einen überlebensgroßen Sound verleiht, der Piles blitzschnelle Umsetzungen einiger ihrer bisher zugänglichsten Songtexte noch verstärkt. Die Aufnahme ist ein deutlicher Sprung im Produktionswert und stellt Maguires Gesang auf neue und aufregende Weise in den Mittelpunkt. Pile reiste nach Pawtucket, RI, um zwei Wochen lang bei Machines with Magnets mit der langjährigen Tontechnikerin Miranda Serra (Kal Marks, Kira McSpice) aufzunehmen. Das Album wurde von Seth Manchester (Lightning Bolt, Mdou Moctar) gemischt und von Matt Colton (Aphex Twin, Swans, Muse) gemastert. Sunshine and Balance Beams ist das erste Album von Pile für das Chicagoer Label Sooper Records.

CATCHY, MESMERIZINGLY BEAUTIFUL, DREAMY CHAMBER POP WITH A FOLKY TWIST

Music can have a multitude of emotional impacts and can create inner worlds out of voices, sounds, and moods.
If you open heart and ear to the mesmerizing, hauntingly beautiful soundscapes of AURI, you might find a beacon of light inside a sonic realm untouched by today’s often scary, grim realities; a dreamscape that can be profoundly uplifting.
On their third studio album, III - Candles & Beginnings’ the stars have aligned yet again. Propelled by the unique and celestial voice of Johanna Kurkela, the magical textures of Nightwish mastermind Tuomas Holopainen and the almost unlimited musical palette of Nigtwish multi-instrumentalist Troy Donockley, Auri have presented a world to be unlocked with the senses, blending folk, progressive and symphonic elements, world music, pop and avantgarde.
Right after completing Nightwish’s 2024 monument Yesterwynde, the songwriting for the third chapter in Auri’s musical adventures started in 2023, with Troy writing in Yorkshire and Tuomas and Johanna working their creative magic in Kitee, Finland. By Autumn 2024, a 10-song demo was complete, setting the stage for what would become another breathtaking Auri journey. The band and their trusted engineer Tero “Teecee” Kinnunen took the mixing process to sunny Spain, letting the Andalucian vibes infuse the music whereas in March 2025 mastering was wrapped up by Tim Oliver at the legendary Real World Studios - a ground-breaking recording complex started by Peter Gabriel in 1989.
The album is a tapestry of emotions - each song a world of its own, touching on childhood memories, vivid life experiences, and even a nod to one of the group’s most beloved places on Earth - The Lion Inn at Blakey Ridge, a historic spot nestled in the North York Moors and one of the most remote pubs you will ever find.
Visually, the cover artwork by Pete Voutilainen, layout and watercolors by Mikko Pankasalo plus calligraphy by Johanna Kurkela provide wonderful illustrations perfectly capturing Auri’s unique musical visions.
With guest musicians like Frank Van Essen (strings), Jonas Pap (cello), Juho Kanervo (basses), and the incredible drumming and percussion courtesy of Nightwish’s Kai Hahto, Auri III - Candles & Beginnings is as lush as it is atmospheric and provides astonishing dynamics.
Having been a studio endeavor in the past, Auri is finally going on tour with their first-ever live European trek kicking off in August 2025, followed by summer festivals in 2026, allowing you to hear, see and feel songs from their previous two albums, as well as brand new pieces from III - Candles & Beginnings.

Zur Feier des 40-jährigen Jubiläums des Debütalbums "First And Last And Always" von The Sisters Of Mercy wird ein 4LP-Vinylset veröffentlicht.

Es enthält das Originalalbum sowie die drei EPs auf Black & Red Marbled Vinyl, die vor der Veröffentlichung erschienen sind - »Body & Soul«, »Walk Away« und »No Time To Cry«. Jede EP enthält Bonustracks, die nicht auf dem Album enthalten sind.

Die 1980 in Leeds von Gitarrist Gary Marx und Sänger Andrew Eldritch gegründete Band veröffentlichte im März 1985 »First And Last And Always«, den Höhepunkt von fünf Jahren unabhängiger Veröffentlichungen, mit denen sie sich eine große Fangemeinde erspielte.

Ihre erste Veröffentlichung bei Warner (die sie 1984 unter Vertrag nahmen) erreichte Platz 14 der UK Album Charts. Zu dieser Zeit spielte die Band mit Wayne Hussey an der Gitarre und Craig Adams am Bass - beide verließen später die Band und gründeten The Mission.

Making Room for Light, Mae Powells Debütalbum für Karma Chief Records, ist wie ein Lagerfeuer im Morgengrauen, wenn die Feuerstelle vom ersten Aufbruch des Tages abgelöst wird. Glut, Asche und Rauch der Erinnerung weichen dem Duft von frisch gebrühtem Kaffee und einem Frühstück aus gusseisernen Pfannen. Powells jazzige Stimme umhüllt die Kopfhörer mit einem hauchzarten Schleier, während schimmernde Akkorde und Klänge die aufkommende Wärme ausstrahlen. Der Klang ist ein Traum, der vollständig dem Morgen weicht, geteilt mit Freunden und Liebenden, die sowohl abwesend als auch anwesend sind. Powells zweites Album, das sie in einer Übergangsphase ihres Lebens geschrieben hat, präsentiert die Singer-Songwriterin sowohl als Heilerin als auch als Geheilte, geerdet durch ihre Verbindung zur Natur und zum Klang, immer auf der Suche nach Räumen, um sich als Künstlerin zu entfalten und zu wachsen. Das Album wurde von David Parry, dem Multi-Instrumentalisten von Loving, produziert und im Risque Disque Studio vor der Küste von Vancouver Island aufgenommen. Making Room for Light ist ebenso sehr ein Albumtitel wie Mae Powells künstlerisches Manifest. Begleiten Sie Mae Powell zum Campingplatz am Bach, tauchen Sie Ihre Zehen in das warme Wasser und genießen Sie den Nachhall dieses Sommeralbums.

Making Room for Light, Mae Powells Debütalbum für Karma Chief Records, ist wie ein Lagerfeuer im Morgengrauen, wenn die Feuerstelle vom ersten Aufbruch des Tages abgelöst wird. Glut, Asche und Rauch der Erinnerung weichen dem Duft von frisch gebrühtem Kaffee und einem Frühstück aus gusseisernen Pfannen. Powells jazzige Stimme umhüllt die Kopfhörer mit einem hauchzarten Schleier, während schimmernde Akkorde und Klänge die aufkommende Wärme ausstrahlen. Der Klang ist ein Traum, der vollständig dem Morgen weicht, geteilt mit Freunden und Liebenden, die sowohl abwesend als auch anwesend sind. Powells zweites Album, das sie in einer Übergangsphase ihres Lebens geschrieben hat, präsentiert die Singer-Songwriterin sowohl als Heilerin als auch als Geheilte, geerdet durch ihre Verbindung zur Natur und zum Klang, immer auf der Suche nach Räumen, um sich als Künstlerin zu entfalten und zu wachsen. Das Album wurde von David Parry, dem Multi-Instrumentalisten von Loving, produziert und im Risque Disque Studio vor der Küste von Vancouver Island aufgenommen. Making Room for Light ist ebenso sehr ein Albumtitel wie Mae Powells künstlerisches Manifest. Begleiten Sie Mae Powell zum Campingplatz am Bach, tauchen Sie Ihre Zehen in das warme Wasser und genießen Sie den Nachhall dieses Sommeralbums.

Making Room for Light, Mae Powells Debütalbum für Karma Chief Records, ist wie ein Lagerfeuer im Morgengrauen, wenn die Feuerstelle vom ersten Aufbruch des Tages abgelöst wird. Glut, Asche und Rauch der Erinnerung weichen dem Duft von frisch gebrühtem Kaffee und einem Frühstück aus gusseisernen Pfannen. Powells jazzige Stimme umhüllt die Kopfhörer mit einem hauchzarten Schleier, während schimmernde Akkorde und Klänge die aufkommende Wärme ausstrahlen. Der Klang ist ein Traum, der vollständig dem Morgen weicht, geteilt mit Freunden und Liebenden, die sowohl abwesend als auch anwesend sind. Powells zweites Album, das sie in einer Übergangsphase ihres Lebens geschrieben hat, präsentiert die Singer-Songwriterin sowohl als Heilerin als auch als Geheilte, geerdet durch ihre Verbindung zur Natur und zum Klang, immer auf der Suche nach Räumen, um sich als Künstlerin zu entfalten und zu wachsen. Das Album wurde von David Parry, dem Multi-Instrumentalisten von Loving, produziert und im Risque Disque Studio vor der Küste von Vancouver Island aufgenommen. Making Room for Light ist ebenso sehr ein Albumtitel wie Mae Powells künstlerisches Manifest. Begleiten Sie Mae Powell zum Campingplatz am Bach, tauchen Sie Ihre Zehen in das warme Wasser und genießen Sie den Nachhall dieses Sommeralbums.

Evolving from my earlier sample-based works, the Nothingburger EP is a pair of emotionally and
sonically dense songs, where layer upon layer of live instrumentation build a heartsick wall of
sound. Called in friends from NYC to reinterpret the tracks, ambient dub group Purelink and
shoegaze kings Hotline TNT.

Cleaning Out The Empty Administration Building ist Ross Farrars neuestes Werk aus rohem, gesprochenem Wort und experimentellem Sounddesign, hier präsentiert unter dem Namen R.J.F.. Der Frontmann der amerikanischen Bands Ceremony und SPICE begann dieses Soloprojekt zunächst als persönliche Herausforderung: Songs von Grund auf selbst zu schreiben, sich mit Instrumenten vertraut zu machen und dabei zugleich sein Unterbewusstsein freizulegen. Dabei ging es weniger um musikalische Virtuosität als um Verletzlichkeit - darum, etwas Ehrliches aus einem ungeschützten, unbearbeiteten, unpolierten Moment zu ziehen, kompromisslos amateurhaft und rein.Diese Sammlung zeigt Farrar im offenen, poetischen Dialog: mit Drumloops und gefundenen Klängen, durchbrochen von Gitarren, Bass und Tasteninstrumenten. Nach über zwanzig Jahren in der vertrauten wie chaotischen Welt von Band-Kollaborationen, legt Farrar all das ab - als Experiment. Das Ergebnis ist unverwechselbar und bewegend.Farrars Punk-Pathos ist in Spuren vorhanden, doch seine deutlichsten Einflüsse stammen von repetitiven Musikformen: Drone, No-Wave, Avant-Jazz und darüber hinaus. Seine nüchternen Texte erinnern an Lou Reed, Rowland S. Howard und andere große Exzentriker. Farrars Texte kreisen um Liebe, Sucht, Vaterschaft und das Leben in der heutigen Welt. ,Ich wollte Bilder schaffen, die die Menschen klar vor sich sehen können", sagt er. Farrar unterrichtete früher Schreiben und Literatur - und wendet hier ein einfaches Prinzip an, das er auch seinen Schülern mitgab: Nicht zu viel nachdenken. ,Ich habe mir einfach gesagt: Diese Songs sollen Spaß machen. Sie sollen nicht stressig sein. Zwei, drei Takes aufnehmen und dann gut ist. Nicht über jedes Geräusch den Kopf zerbrechen. Mach einfach das, was natürlich aus dir herauskommt - und wenn es sich gut anfühlt, dann nimm es."Aus hunderten freier Songs, die Farrar in den letzten Jahren mit geliehenem Equipment aufgenommen hat, kristallisierte sich dieses Album langsam heraus. ,Es kam einfach immer wieder."Der Ton von Cleaning scheint die Zeit zu verbiegen, versetzt die Hörer in eine Art Gang voller Songs, bei denen jede Tür in einen neuen Raum führt - Räume, die oft auf unheimliche Weise vertraut wirken. Der gurgelnde Bass des Openers ,Advance" taucht auch in anderen Stücken wieder auf, etwa im gespenstischen ,Ovidian", benannt nach Ovids Metamorphosen, in dem Farrar über das Wunder der Veränderung sinniert - begleitet von fernen Glockenklängen. Instrumentalstücke wie ,Gravity Hill" - ein Flattern aus Synth-Brummen und statischem Rauschen - oder ,Frogs", mit Saiteninstrumenten und perkussivem Topfschlagen, wirken wie tranceartige Zwischenspiele und verstärken die Wirkung der Texte drumherum.,Exile" blickt zurück auf Verluste, die sich nicht mehr reparieren lassen: ,So much of your heart caught in my exile", singt Farrar mit sanfter Resignation - über einer einsamen Klaviermelodie und schlingernden Gitarrenakkorden. Es ist das strukturierteste Stück der Sammlung und erinnert daran, dass Farrar ein Gespür für melodische Linien besitzt.Das Album endet mit ,Traveling Light From Afar", deutlich schneller als alle vorherigen Songs. Hier, über einem stoischen Motorik-Beat, spricht Farrar das zentrale Thema des Projekts direkt an:,I've been so young in my old age / Selfish & self-pitying / But that's just narcissism - man."Genau dieser Balanceakt - zwischen schonungsloser Selbstbefragung und der Klarheit, die mit dem Älterwerden kommt - schafft Raum für Entwicklung. Farrar leert das Gebäude - Zeile für Zeile.

Musique de Niche Vol.1 barked for a Vol.2. The second opus of any relevant trilogy (did I just spoil a Vol.3?) undergoes always the hardest trial by fire: but the bois, Pierre Marty and Admo, once again delivered these flavors you didnt know your collection was missing.

Same city, different district and new inspirations: following the world premiere in Berlin of their Liveset, they hit the home studio, refining the last bits of this new EP and giving it a new twist while still echoing the first volume.

Tech-house yes, but is it really ?

Indecisiveness feels like we could've said maybe yes but no but...
Well: Alpyren did the quite impressive feat of pressing this feeling on a record - that's A1. The haunting voice sample is this sassy inner self trying to tell you whats up. At least, you're not alone: the quirky bleeps and the punchy bassline are there lending you a hand to make that surely bad decision.

By flipping the record or the usb, you get to the two tracks where they let their new inspirations hit the speakers.

B1 is out before GTA VI, but it could've been in the soundtrack if the game was actually happening between Los Santos and Marseille.G-funk with the Alpyren touch: for the floor, a tune that will make you sway. Broken beats, almost broken legs.

B2 is the freaky one of the bunch: starts with the gloomy sound signature of the duo, but we're back with more 80's inspirations.Darker synth pop with a twist: you end up following the kick with the head bobbing in sync, while all the FX sounds bring to the track this extra spice.

It's 5pm here at the Ordinateuf HQ and we've just finished listening to the latest masters of the new E.P by Alpyren 'Musique de Niche vol2'. Before we're back to more phone calls, we'd like to thank all the friends that bought the first volume: the support has been quite amazing so far.

Enjoy this new one - its got our paw of approval.

Full Dose head honcho Brollachan is back with a fresh project alongside fellow Glasgow artist, Limiting Factor. Collaboration between Brollachan and this new name on the scene results in a weighty two track, 2-stepping EP - “Garden of Gelsemine”

The pair conjure up sounds reminiscent of early 2000s UK bass music, but with a certain Full Dose flair. As with some of the best and murkiest Dubstep and dub influenced cuts from yesteryear, these tracks aim for a deeper connection. Off-kilter rhythms and a significant focus on low end mean “Garden of Gelsemine” works well both in the club environment and as an introspective headphone listen.

Welcome to the garden, where Brollachan and Limiting factor have cultivated 2 particularly wacky specimens. "

Brainfeeder stellt Tres Leches vor - ein Trio herzzerreißender Troubadoure, bestehend aus Paul Bender und Simon Mavin von Hiatus Kaiyote, ergänzt durch das tourende Bandmitglied und dem langjährigen Kollaborateur, Alejandro „Silentjay“ Abapo - und ihr kommendes Album, „The Smooth Sounds of Tres Leches, LHCC Mart Vol. 1“, das Mitte August 2025 auf dem Label erscheint.

Liebevoll aufgenommen und abgemischt in verschiedenen Hotelzimmern an den freien Tagen einer Nordamerika-Tournee, drehen Tres Leches die Lichter herunter und interpretieren Hiatus Kaiyote-Evergreens wie „Get Sun“, „Red Room“, „Make Friends“, „Nakamarra“ und mehr neu, um Leidenschaften zu wecken, die Sinne zu entzünden und die wilde Bestie in sich zu beruhigen. Ursprünglich als Soundtrack zu einem imaginären Supermarkt für „Love Heart Cheat Code“ gedacht, nahmen diese schwülen und sinnlichen Interpretationen der Hiatus Kaiyote-Tracks bald ein Eigenleben an. Hiatus Kaiyote - das Quartett bestehend aus Naomi „Nai Palm“ Saalfield (Gitarre, Gesang), Paul Bender (Bass), Simon Mavin (Keyboards) und Perrin Moss (Schlagzeug) - wurde von vielen bekannten Namen gesampelt, darunter The Carters (Beyoncé & Jay-Z), Kendrick Lamar, Anderson .Paak und Chance The Rapper. Außerdem wurden sie von gefeierten Künstler:innen wie SZA, Kehlani, Willow Smith und Virgil Abloh unter Vertrag genommen. Letzten Herbst coverte Doja Cat die „Mood Valiant“-Single, „Red Room“, in der Live Lounge in Los Angeles und spielte den Song auch mehrfach auf ihrer damaligen Tour.

Old-time and traditional music stay exciting for their contrasts. Exacting instrumentation honed through mentorships and late-night jams at fiddler's conventions tangles with a community-sourced inventiveness that influences variants and new sounds. Joseph Decosimo is a master of this genre for this very reason, blending deep technique with an openness and curiosity that keep his music crackling with life. A "marvelous fiddler" (No Depression) and banjo player who braids "exultation and veneration" (INDY Week) into his music, on his third solo album Fiery Gizzard Decosimo gathers a close-knit ensemble of friends from his musical career to infuse his interpretations of fiddle and banjo pieces with a contagious communal joy. As an artist working with traditional music from the South and Appalachia, Decosimo chooses songs based not only on historical significance and lineage but also his own sensory approach. For Fiery Gizzard, his ear was tuned to otherworldly tones and mystery, sourcing from field recordings such as Virginia fiddler Luther Davis' hypnotic version of "Shady Grove" while amping up the music's psychedelic potential. On the middle Tennessee banjo composition "Flowery Girls," a VHS of bluesman Abner Jay inspired Decosimo to rig up a pickup inside a fretless banjo and play it thr ough a tube amp to capture some of Jay's edge and funkiness. But to round out the sound and keep it kinetic meant galvanizing a genre-eschewing crew to jam out - and not in a "spaced-out drooly" kind of way, he laughs, but as a sort of "responsive conversation." Decosimo has always been a community-minded artist. He began playing as a seventh graderin Tennessee, fostering relationships with older players at jams and in homes, a learning mode natural to his inquisitive nature and desire for musical connection. A folklorist by intuition, he later became one by profession, studying with old-time legend Clyde Davenport, teaching in East Tennessee State University's renowned bluegrass program, and receiving his PhD at the University of North Carolina with a dissertation titled "Catching the `Wild Note': Listening, Learning, and Connoisseurship in Old-Time Music." In North Carolina, Decosimo kicked about in the verdant environment of Durham and Chapel Hill's folk and indie scenes, collaborating with artists including Alice Gerrard, Hiss Golden Messenger, and Jake Xerxes Fussell. This community has influenced his own music, including his "sublime and strangely heartening" (Bandcamp Daily) 2022 release While You Were Slumbering and Beehive Cathedral, Decosimo's 2024 "Appalachian mountain music treasury" (New Commute) trio album with Luke Richardson and Cleek Schrey for Dear Life Records. Continuing on this path, Fiery Gizzard is home base for a loose outfit of mostly Tarheel-based musicians from within and beyond traditional music. Inspired by a tour with fiddler Stephanie Coleman (Nora Brown), guitarist Jay Hammond, and synth builder and multi-instrumentalist Matthew O'Connell, Decosimo assembled studiomates based on close friendships and comfort. Coleman, O'Connell, and Hammond contribute to Fiery Gizzard, along with bassist and producer Andy Stack (Helado Negro, Wye Oak), horn player Kelly Pratt (Beirut, David Byrne), Mipso and Fust's Libby Rodenbough, Joseph O'Connell (Elephant Micah), andtrad/experimental artist Cleek Schrey. Decosimo's fiddle and banjo work is virtuosic, intricate and simple simultaneously, a testament to his many years of study. On some tracks, his playing or lovely, plain-hearted singing is the centerpiece, such as on his interpretations of Texan street preacher Washington Phillips' 1929 recording "I Had a Good Father and Mother" or the Eastern Kentucky fiddle barn-burner "Glory in the Meetinghouse," famously played by Luther Strong for Alan Lomax. But there's also a trusting open-door policy, like where Southern Appalachian tune "Ida Red" relaxes into Coleman's sweet, confident fiddling and Hammond's loping guitar. As a bandleader, Decosimo's confidence and enthusiasm for the music reveal the heart of traditional music and how it can come to life through community. Fiery Gizzard is Joseph Decosimo as a powerful champion of traditional music - a sponge who soaks up as much as he squeezes out, a responsive artist who makes his genre accessible, and a magnet who can bring musicians of all sorts into his orbit with his same passion.

Purple Vinyl 7" Single! limited edition! Chastity Belt's version of "Loaded Painted Red" doesn't just cover 764-Hero's original. It dissolves into it, rebuilding it with a gauzy, wide-open clarity. It's a song that's always carried a certain weight: bruised and echoing with late '90s Pacific Northwest melancholy. In their first-ever recorded cover, Chastity Belt traces that ache into new territory, drawing it out like bated breath. Lydia Lund threads a new guitar line through the song, tugging it towards their distinct style like a slow orbit around the song's core feeling. "I've been a fan of 764-Hero for a while now, and 'Loaded Painted Red' is one of my faves!" says Julia Shapiro. "It was hard to do the song justice because the original is so perfect, but we also had fun reimagining it and making it our own." Initially released in 1998 on 764-Hero's Get Here and Stay (Up Records), "Loaded Painted Red" has long been a fan-favorite, a softly jagged and charged meditation. The new split 7" pairs the cover with the original, a full-circle release that marks 764-Hero's catalog joining the Suicide Squeeze family. Together, the two versions collapse decades into a single foggy breath riding out the dusky golden-hour light of the Pacific Northwest.

The label from DJ Zyco is back with the 9th Acid Resistance. Still Rocking and pumpin' - with 4 more spanish / colombian type summer acid techno tracks !! Go check this one out !! Acid Resistance is a member of the Flatlife Records Labelgroup.


Hailing from Paraguay, Victoria Mussi brings "Imaginary Rush", a track that shifts the grid: behind the steady four-to-the-floor pulse hides a maze of unexpected sound accents. This is techno that demands both dancing and deep listening.

Monzanto Sound are a rising South East London-based music collective fusing together different styles from the African Diaspora with a hypnotic, psychedelic edge and a passion for the alchemical practice of sonic storytelling. Traversing through jazz-inflected funk, psychedelic trip-hop and cosmic neo-soul; they connect the dots using pulsating grooves, hypnotic polyrhythms and soaring vocals. The band consists of Mimi Koku on vocals, Mali Baden-Powell on keys, Wazoo Baden Powell on drums, Anthony Boatright on bass and Rachel Asafo-Agyei on guitar and supporting vocals.

Set for release in August, debut album 'The Channel' explores themes of love and conflict, justice and injustice, fantasy and mythology. Its title is a reference to many things: a journey, a portal or window to another place, a connection, a transformation. It also makes links, conceptually and sonically, between the organic and the technological, the material and immaterial.

The dons from Down Under have only gone and done it again. Demonstrating the breadth of the Sleep D sound, the ever-prolific duo dish out a 3-track invocation of mesmeric techno and trance.

Following a remix cameo on Alfred Czital and Ayu’s recent ‘Talk To Me’ EP, this is the fully fledged label debut. A truly engrossing triple-pronged attack from two intrepid explorers of the “rave unconscious”.

Celebrated for live hardware sets and in-the-moment improvisation, that same freeform NRG courses throughout. Synapses firing on all cylinders as we’re caught somewhere between the warped, direct and emosh.

Pivoting from cybernetic meltdown to sci-fi dystopia before finally settling on some full-blown trance ascension. Proper techno freak-out into the levitational and sublime, all primed for the big room.

Triple LP pressed on oxblood red, silver and deep ocean pearl vinyl. Pearl Abyss, in collaboration with Black Screen Records, is announcing the release of a special vinyl album set, commemorating the 10th anniversary of its flagship MMORPG, Black Desert. The 3xLP collection celebrates a decade of the game's rich musical legacy, marking a milestone in the globally successful Black Desert IP. Music has been a core pillar of Black Desert's immersive experience since its inception. The anniversary vinyl set pays tribute to that legacy, offering fans an opportunity to revisit their in-game memories through the iconic compositions that have accompanied them on their adventures. The album features a handpicked selection of tracks, composed by Hwiman Ryu and his team, spanning a wide range of genres including jazz, ethnic fusion and alternative rock. Each piece reflects the emotional depth and cultural vibrancy of the Black Desert universe. "I believe vinyl is a journey through time, through music," said Hwiman Ryu, music director at Pearl Abyss. "Since it's common to listen to one side in its entirety, each track builds on the next, complementing each other and deepening the emotional experience. When you listen to the Black Desert soundtrack on vinyl, we hope it will stir something in your adventuring heart and bring about unforgettable memories." In addition to the music, the album's richly designed sleeves are collectible artworks in themselves, making the 10th anniversary set a must-have for audiophiles and longtime fans alike.

Buh Records presents "El tiempo quiere cantar" ("Time Wants to Sing") the debut album by Pacha Wakay Munan, a duo formed by Peruvian musicians and researchers Dimitri Manga Chávez and Ricardo López Alcas. This album explores the sonic possibilities of pre-Hispanic instruments in a contemporary musical context. Through their performance, they explore their tonal possibilities, the interaction between their frequencies, and their ability to generate new dialogues. The work of Pacha Wakay Munan aligns with the tradition of sound explorers such as the Peruvians Arturo Ruiz del Pozo and Luis David Aguilar or the Colombians Yaki Kandru. The album's repertoire consists of pieces that explore diverse sonorities and musical concepts. "Pacha Wakay Munanqa" introduces the timbral variety of the instruments used. "El Taki Onkoy" draws inspiration from historical accounts and the meaning of its name ("Sick Song"), based on a Culina chant documented by Rodolfo Holzmann. It features vocals by the experienced singer Ximena Menéndez. "Mundo Posible" is a reinterpretation of an improvisation session with musicologist Chalena Vásquez Rodríguez, where the piano dialogues with ceramic antaras. Other pieces delve into the sonic construction of these instruments in relation to their cultural contexts. "Machu Tara" explores the concept of tara, a rough and vibrant sound quality found in certain Andean musical traditions. "Túpac Huaca" references the Huaca Aliaga in Lima, creating a sound palette where pututos, whistling vessels, and quenas converge. "Agua, Cuarzo y Viento" introduces quartz sikus and bowls tuned to different frequencies, evoking the interaction between natural elements and resonant vibrations. In the piece "Qinray Tema", Camilo Angeles plays the metal transverse flute, creating a contrast with the pre-Hispanic ceramic flutes and pelican bone flutes.

This isn't your abuela's salsa night - this is CHEO Y LOS CONSENTIDOS DE LA CASA. Funk-forward. Rhythm-obsessed. 100% dance floor approved. Cheo y Los Consentidos de la Casa is a dynamic, funk-infused Latin music project led by Cheo Pardo (of Los Amigos Invisibles). Serving as the house band for a bi-weekly dance night at NYC's Nublu, the group blends salsa, boogaloo, cha-cha-cha, and bolero with psychedelic effects and deep grooves. Their debut live album captures this high-energy fusion, reimagining Latin classics with a modern, electrifying twist that honors tradition while pushing boundaries. Born from a love of vintage Latin soul and the raw energy of NYC's dance floors, Cheo assembled an all-star crew of the city's hottest Latin players to cook up a high-octane blend of salsa, boogaloo, cha-cha-cha, and bolero - all filtered through wah-wah pedals, space echoes, fuzzy guitar solos, and a deep, unshakable groove. The result? A psychedelic, percussive party that's equal parts tradition and funked-out future. Their debut album, recorded live at Nublu, captures the heat, sweat, and sabor of their wildest nights - reimagining classics from Joe Cuba, Willie Colón, Eddie Palmieri, Mon Rivera, and more. Each track is a tribute and a reinvention, breathing new life into the old- school with a cosmic twist, and opening the doors for a whole new generation to feel that sabrosura in their bones.

New colour on Enter Shikari’s 2023 number 1 album.

Enter Shikari are a rock band from St Albans, UK. In 2020, they released their sixth album - Nothing Is True & Everything Is Possible - which also gave them their sixth album to debut in the UK Album Chart top 5. Frequently collecting Best Live Artist awards, Enter Shikari’s seventeen-year career thus far has seen them rise from teenagers touring the UK grassroots venues, to festival main stages and arena headliners worldwide.

It was in the Spring of 2022 that the band descended to the coastal town of Chichester, and a delipidated farmhouse, to rebuild their studio setup and capture their renewed momentum on record. Using only solar power to track the album–in what Reynolds says was to “bring back some sense of naivety” – the life-giving properties and Technicolor palate of A Kiss For The Whole World were made real. Reynolds continues: “Back to basics. This band - my best friends - bundled into an old farmhouse, miles away from anywhere. Off-grid, and ready to rediscover ourselves. This album is powered by the sun, the most powerful object in our solar system. And I think you can tell. It’s a collection of songs that represent an explosive reconnection with what Enter Shikari is. The beginning of our second act”.

Mutant is proud to present Academy Award®-winning composer Michael Giacchino’s latest installment of his Exotic Themes for the Silver Screen series - Featuring more iconic scores from Giacchino’s career that have been exclusively rearranged and re-recorded for this series in the retro lounge style of the 1950s.

Volume 2 spans the period of 2012 to 2022 and features not only his work with Marvel Studios (including their iconic Marvel Studios Fanfare, Spider-Man, Doctor Strange and more!) but also more career defining music for Disney • Pixar (Inside Out, Coco and Lightyear) as well as smaller, cult classics like John Carter, and Tomorrowland, more personal films such as Jojo Rabbit and The Book of Henry. He has taken these iconic themes and transformed them into soothing, beautiful 60’s lounge-inspired reworks.

Other highlights include ‘The Batman Suite’, taken from Matt Reeves' 2022 blockbuster The Batman, ‘Jyn Erso’s Theme’ from Rogue One: A Star Wars Story, as well as themes for War For The Planet Of The Apes, Jurassic World and two selections taken from his directorial debut Werewolf By Night

"We are thrilled to continue exploring Michael’s storied career with this incredible collection of some of his most beloved themes reworked for warm summer nights with a cocktail (or mocktail) in hand," says Mutant co-founder Spencer Hickman. "Michael is a rare composer who is comfortable with superheroes, horror, action, or intimate drama. He always manages to create incredibly beautiful earworms that have been further highlighted by these stripped-back downtempo versions of his award-winning themes.’

Featuring liner notes by Charles Phoenix, artwork by Luke Insect, and pressed on limited edition color vinyl (also available on CD)
“So much was rooted in the big orchestral sound, so it was really about scaling it back. The real trick is figuring out the little fun hooks and things you can add along the way. There were no rules; I was up for anything. It was a way to re-engage with the material and be creative in a new way.”

Exotic Themes for the Silver Screen – Volume 1 includes an array of reinterpreted pieces from Michael Giacchino’s career. Highlights include ‘Primordial Forest’ from the 1997 video game The Lost World: Jurassic Park, ‘Life and Death’ from Lost, the theme from Ratatouille, ‘Roar!’ from Cloverfield, ‘Enterprising Young Men’ from Star Trek (2009), ‘A Man, A Plan, A Code, Dubai’ from Mission: Impossible - Ghost Protocol, and a Super 8 suite.

Featuring package design by Luke Insect, and liner notes by Charles Phoenix.

COLDPLAY VERÖFFENTLICHEN ALBEN AUF ECORECORDS AUS PLASTIKFLASCHEN NEU


Coldplay setzen ihre Mission der Nachhaltigkeit fort und veröffentlichen alle ihre Alben als durchsichtige 140g EcoRecords, die aus recycelten Plastikflaschen hergestellt werden. Die Herstellung erfolgt im Spritzgussverfahren, das die Kohlenstoffemissionen während der Herstellung um beeindruckende 85% im Vergleich zur herkömmlichen Vinylproduktion reduziert.
Eine EcoRecord klingt und sieht genauso gut aus wie eine herkömmliche Vinyl-Schallplatte, wurde aber aus 100 % recyceltem Polyethylenterephthalat (PET) hergestellt, einem leichten und haltbaren Material, das leicht recycelbar ist und für eine Kreislaufwirtschaft konzipiert wurde, was erheblich zur Verringerung der Transportemissionen und der Umweltbelastung am Ende des Lebenszyklus beiträgt.
Jede spritzgegossene 140g-LP wird aus durchschnittlich neun recycelten PET-Kunststoffflaschen hergestellt. Diese Flaschen werden von den Verbrauchern im Rahmen eines als Post-Consumer-Recycling (PCR) bekannten Prozesses zurückgewonnen, bei dem sie gereinigt, zu kleinen Pellets verarbeitet und dann zu neuen Artikeln geformt werden. Während EcoRecords entweder aus frischem PET oder aus recyceltem PET (rPET) hergestellt werden können, hat sich Coldplay dafür entschieden, für alle EcoRecord-Produkte ausschließlich rPET zu verwenden.

Dieser bahnbrechende Schritt folgt auf die erfolgreiche Veröffentlichung des 10. Albums der Band, Moon Music, im letzten Jahr, das bereits auf 100% recycelten PET EcoRecords veröffentlicht wurde, dem weltweit ersten Album, das als 140g EcoRecord rPET LP herausgegeben wurde. Coldplay ist weiterhin Vorreiter in Sachen nachhaltiger Musik und hat beispielsweise den CO2-Fußabdruck ihrer Music Of The Spheres World Tour um 59 % reduziert.

COLDPLAY VERÖFFENTLICHEN ALBEN AUF ECORECORDS AUS PLASTIKFLASCHEN NEU


Coldplay setzen ihre Mission der Nachhaltigkeit fort und veröffentlichen alle ihre Alben als durchsichtige 140g EcoRecords, die aus recycelten Plastikflaschen hergestellt werden. Die Herstellung erfolgt im Spritzgussverfahren, das die Kohlenstoffemissionen während der Herstellung um beeindruckende 85% im Vergleich zur herkömmlichen Vinylproduktion reduziert.
Eine EcoRecord klingt und sieht genauso gut aus wie eine herkömmliche Vinyl-Schallplatte, wurde aber aus 100 % recyceltem Polyethylenterephthalat (PET) hergestellt, einem leichten und haltbaren Material, das leicht recycelbar ist und für eine Kreislaufwirtschaft konzipiert wurde, was erheblich zur Verringerung der Transportemissionen und der Umweltbelastung am Ende des Lebenszyklus beiträgt.
Jede spritzgegossene 140g-LP wird aus durchschnittlich neun recycelten PET-Kunststoffflaschen hergestellt. Diese Flaschen werden von den Verbrauchern im Rahmen eines als Post-Consumer-Recycling (PCR) bekannten Prozesses zurückgewonnen, bei dem sie gereinigt, zu kleinen Pellets verarbeitet und dann zu neuen Artikeln geformt werden. Während EcoRecords entweder aus frischem PET oder aus recyceltem PET (rPET) hergestellt werden können, hat sich Coldplay dafür entschieden, für alle EcoRecord-Produkte ausschließlich rPET zu verwenden.
Dieser bahnbrechende Schritt folgt auf die erfolgreiche Veröffentlichung des 10. Albums der Band, Moon Music, im letzten Jahr, das bereits auf 100% recycelten PET EcoRecords veröffentlicht wurde, dem weltweit ersten Album, das als 140g EcoRecord rPET LP herausgegeben wurde. Coldplay ist weiterhin Vorreiter in Sachen nachhaltiger Musik und hat beispielsweise den CO2-Fußabdruck ihrer Music Of The Spheres World Tour um 59 % reduziert.

Abel Selaocoe, der gefeierte südafrikanische Cellist und Komponist, präsentiert sein erstes Cellokonzert: FOUR SPIRITS. Das Werk verbindet die reiche Klangwelt seiner Heimat mit alten Melodien, Gesang auf Sotho und Zulu sowie fesselnder Improvisation. Durch einzigartige rhythmische Cello-Spieltechniken und die Zusammenarbeit mit Perkussionist Bernhard Schimpelsberger sowie dem Aurora Orchestra unter Nicholas Collon entsteht ein zutiefst persönliches Erlebnis. FOUR SPIRITS ehrt das Township-Leben: Es reicht von traditionellen Heilern über die Freude der Kinder und die universelle Kraft des Gebets bis zur Feier der Gemeinschaft, die zum Mitsingen einlädt. Diese Live-Aufnahme aus der Londoner Queen Elizabeth Hall fängt die Magie eines einzigartigen Konzerterlebnisses ein.

On Rollerstate, Belgian duo Mosley Jr. (Niels Blondeel & Ijsbrand De Wilde) embrace a sound that’s raw and free, yet impossibly refined. This 7-track EP offers a journey through their unfiltered creativity, where analog imperfections, captivating grooves and nostalgic soundscapes collide.

Rollerstate is creatively underground, yet undeniably catchy, capturing an era of old-school dance influence, TV-commercials and vague hazy distant airwaves. Rollerstate is both the state of mind and fictional place we all tend to escape to.

Released on Moodfamily, the EP is available digitally and physically on vinyl and limited edition cassette (MFC001)

Linda Smith and The Smashing Times are the best of friends. They are both currently based in Baltimore, USA. This split 7” EP celebrates that friendship with two new tracks by each act; united by DIY spirit, a bedroom-pop sensibility and now a puddle of black vinyl.

Songwriter Linda Smith has a gentle but unconventional experimental style that continues to evolve as she adds new entries to her storied catalogue. Smith’s pioneering work with four-track production in the '80s found her at the beginning of a home-recording movement that would set the pace for the decades of indie rock that followed. During this most active period, Smith's music was limited mostly to obscure cassette and 7" releases. This trailblazing time was recently revisited on Captured Tracks’ compilation ‘Till Another Time: 1988-1996’. Shortly after Smith’s retrospective, she teamed up with like-mind and collaborator Nancy Andrews to release an album of beguiling pop entitled ‘A Passing Cloud’ (2023). The duo performed songs from that record at Upset The Rhythm’s 20th anniversary party at Café OTO that same year. 2024 saw further reissues of Smith’s music including Nothing Else Matters (1995) and I So Liked Spring (1996).

The Smashing Times are a premier East Coast Pop Experimental Group. They have also gleefully performed in London for Upset The Rhythm twice in quick succession. Known for their dogtooth style, waggish mod attitude and tumbledown sound, The Smashing Times have holes in their socks and sit idly between The Kinks and Tori Kudo. Their previous albums on K Records, Perennial and Meritorio are a cherished commodity steeped in Paisley psyche and slapdash panache.

Delving into the Great American Songbook of Howe Gelb, Sandworms is a new collection that rephrases and rephases the legacy of Giant Sand acrossgenerations. This release offers bold reinterpretations from Water From Your Eyes, Deradoorian, Jesca Hoop & John Parish, Lily Konigsberg, Holiday Ghosts, Ella Raphael, Monde UFO, The Golden Dregs, and Gently Tender. The ever-present Giant Sand and their one-man cerebral traveller, Howe Gelb, are anchored by a reputation for idiosyncratic storytelling. A "natural storyteller," Gelb's multifarious musical delivery adds an enduring sense of wonder as he extols the virtues of happenstance. This collection celebrates the esoteric and singular journey Giant Sand have taken, through alt-country, jazz, lo-fi experiments, and beyond, while their legacy is reimagined here by a new generation of artists paying tribute to their lasting influence. Brooklyn duo Water From Your Eyes, known for their stoner humour, fatalistic undercurrents, and art-pop flair, bring a delicate balance of punk riffing and dream-pop escapism to Warm Storm, first heard on Giant Sand's Ramp (1991). Whitney K takes on Happenstance (from 1994's Glum), unravelling its existential puzzles with a whispering baritone that recalls the hushed intensity of Leonard Cohen. Drifting further into orbit, Angel Deradoorian reinterprets Center Of The Universe, the title track from the band's 1992 album, transforming its desert-fried rock into a spaced-out Sun Ra-paced drama. Elsewhere, Yer Ropes, a jaw-dropping highlight from Glum, is taken on by The Golden Dregs, blurring sentimentality and relationship mismanagement into something truly strange and moving. A special collection for both long-time fans and the newly curious, Sandworms: The Songs of Howe Gelb and Giant Sand is released via Fire Records and includes liner notes from Dave Henderson (Mojo).

Special fifth anniversary repress of 2020 debut album by bdrmm. Named after a postcode in their native Hull, the HU5 Edition comes pressed on blackand amber vinyl, features alternate artwork and a printed lyric insert. The almost self-titled Bedroom was hailed by The Guardian as a lockdown classic on its original release and ended up in Rough Trade's top ten albums of the year. The 10-track album was recorded in 2019 at The Nave studio in Leeds by Alex Greaves (Working Mens Club, Bo Ningen) and mastered in Brooklyn by Heba Kadry (Slowdive, Beach House). It's a hugely accomplished debut and a real step up both sonically and lyrically from their early singles and EPs. Musically, there are nods to The Cure's Disintegration, Deerhunter and DIIV, while the band reference RIDE and Radiohead. There are also echoes of krautrock and post-punk, from The Chameleons to Protomartyr, plus the proto shoegaze of the Pale Saints' The Comforts Of Madness, not least in the cross fading of some tracks, meaning the album is an almost seamless listen. "A modern day shoegaze classic" - NME "The general roller coaster of being twenty-somethings in post-Brexit England who find themselves awash with a shimmering soundscape that recalls Oshinera DIIV, Deerhunter's Microcastle, or even The Cure at their most ambiently grandiose" - Under The Radar "Assured and brilliant" - The Line Of Best Fit

2xLP+Book. Black & White Splatter vinyl. Between 1975-77, Chicago's southside nightclubs were experiencing dark times. The after-hours routine may have been on the up, but the sound of urban blues was on its way down, getting funkier, heavier, picking up a Zeppelin echo from the British rock scene that had raided its larder. Thankfully, lightening came by way of a lanky white guy skulking from club to club with a camera and strobe light. Chicago photographer Michael Abramson hit Perv's House, Pepper's Hideout, The High Chaparral, The Patio Lounge, and The Showcase Lounge nightly, not to capture the artists on stage but instead popping off a half-dozen rolls every night exclusively on the seldom photographed crowd. Light: On The South Side gathers more than 100 beautiful black and white Abramson images, as Numero shines its own light on yet another dark corner of the musical past. The 132-page hardback book features not just these photos, but an extended and wildly colorful ephemera section, plus an essay by British novelist and Numero fan Nick Hornby. Housed in a gorgeous slipcase with the 12X12 monograph is the 2LP set Pepper's Jukebox, a 17-track compilation of Chicago blues in transition, as heard from both the stage and the Wurlitzer.

Mrs. Piss is a new collaboration between Chelsea Wolfe and Jess Gowrie . Drawing on their collective rock, metal, and industrial influences, the project began while the two were touring around together during Wolfe's Hiss Spun album in 2017. The result is their debut album Self-Surgery, which was recorded at The Dock Studio in Sacramento, CA and in Wolfe's home studio, The Canyon. These songs feel more urgent and visceral than anything either of them has created before: heaviness spurred on by punk spirit. Chelsea Wolfe (vocals, guitar): "Working on this project brought Jess and I so much closer as songwriters and production partners, after reuniting as friends and bandmates. It was freeing and fun to channel some wild energies that I don't typically put into my own music. We tried not to overthink the songs as we were writing them, but at the same time we did consciously put a lot into crafting them into our own weird sonic vision. This project was a chance for us to do things our own way, on our own terms, and we plan to invite more womxn musicians along for future Mrs. Piss recordings." CW Jess Gowrie (drums, guitar, bass, programming): "To me, Mrs. Piss represents a musical chemistry cut short long ago that now gets a second chance. Creating with Chelsea has always been very liberating for me, and we both push each other to try new things: anything and everything. Both of us have grown so much as writers and musicians since our first band together (Red Host), and with the journeys we had to take separately to get there, we both have so much more to say; so much more pain and anger to express. That said, we also had a lot of fun doing it, not to mention how freeing it is to not give a f-k and to just create." JG "Doomy chugs, ethereal vocals and massive distortion sounds are the order of the day, summoning the menacing timbres that fueled Wolfe's Abyss and Hiss Spun records" GUITAR WORLD "a grungy, sludgy new project that defies expectations" REVOLVER "Together, they make a grandly grungy noise - something bigger and more anthemic than what we're used to hearing from Wolfe" STEREOGUM "urgent and abrasive" CONSEQUENCE OF SOUND " thundering tracks that sound as if they had diliberately set about to destroy a roomful of amplifiers" BLACKBOOK

Lee Morgans enormer kreativer Output in den Jahren nach dem durchschlagenden Erfolg von “The Sidewinder”
war in jeder Hinsicht atemberaubend - sei es in Bezug auf Qualität oder Quantität. Tatsächlich nahm der
Trompeter zwischen 1964 und 1968 15 Alben für Blue Note auf, von denen viele zunächst im Archiv landeten. So auch “The Procrastinator”. Das Album, das Morgan 1967 mit einer absoluten Traumbesetzung
eingespielt hatte, erschien erst 1978 und gilt rückblickend als eine seiner monumentalen Leistungen der
späten 60er Jahre

Clear Vinyl. While Jamie Saft has been a significant presence on previous RareNoise recordings by Slobber Pup, Plymouth and Metallic Taste of Blood, the renegade keyboardist and essential Downtown improviser steps into a dramatically different role on The New Standard. A collaborative trio outing featuring the dream rhythm tandem of drummer Bobby Previte and bassist Steve Swallow, both prolific composers and venerable bandleaders in their own right, it showcases Saft alternating between piano and organ and making thoughtful, melodic contributions throughout. The album is the result of a magical recording and direct mixing session in Saft's own Pottervilles Studios, masterfully setup and captured by 5 - Time Grammy winning engineer Joe Ferla, who is regarded as the fourth member of the band for this remarkably empathetic endeavour. Ferla recorded everything analog direct to two-track 1/2" tape through a Neve console. On ten original tracks, seven of which the keyboardist composed, Saft blends brilliantly with his esteemed elders on this remarkable RareNoise release.

Deluxe heavyweight sleeve with leather laminate finish Includes insert with liner notes by Steven Spielberg Movie directed by Steven Spielberg, loosely based on Spielberg’s adolescence and first years as a filmmaker Film stars an ensemble cast including Michelle Williams, Paul Dano, Seth Rogen, Gabriel LaBelle and Judd Hirsch Golden Globe nominated score composed by John Williams Film won the People’s Choice Award and nominated for five Golden Globe Awards Exclusive limited edition of 333 numbered copies on turquoise coloured vinyl This is a new colour variant – sales notes and tracks are as the previous version, note new cat number and barcode

Von Punk-/Hardcore-Clubs aller Altersgruppen in Orange County, Kalifornien, bis hin zum Headliner der größten Rockfestivals und Veranstaltungsorte der Welt - »The Illusion of Safety« gilt als Katalysator für den großen Erfolg der Band. Auch 20 Jahre und zehn Alben später kann man bei jeder Thrice-Show unweigerlich die Aufforderung hören, »Deadbolt« zu spielen - ein Beweis für das Durchhaltevermögen eines Albums, das die Screamo / Post-Hardcore-Ära definiert hat. Mit der Jubiläumsversion von »The Illusion of Safety« feiert die Band das Vermächtnis des Emo / Post-Hardcore-Klassikers, indem sie als Bonus die B-Seite »That Hideous Strength« zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht. Electric Blue Vinyl LP mit Extratrack zum 20. Jubiläum!