Search:vera

Mexico city based, Guatemalan cellist Mabe Fratti releases second album (translated Can We Understand Each Other Now) on new experimental label Unheard of Hope (Peter Zummo, Military Genius). Reconciling Mabe's steps throughout her musical past, the LP features pop and experimentation that reflects her time working amongst the improvisation scene in Mexico City. Mabe Fratti's sensibility is the triumph of experimentation over technical do-minion of an instrument. The experimentation of sound with feelings, with ex-istence itself, with an open heart, letting herself to be transformed by what she lives and hears. This is what has led Mabe Fratti from Guatemala to Mexico City. From the crea-tion of pop songs to free improvisation, from the academy to noise, from col-laborations in ensembles and duos to the profound personal journey that is reflected in her solo works. This album was created during May 2020 in an old juice factory in a place in Veracruz called La Orduna. We were quarantining with many musician friends who had moved into the place some months before everyone went into lock down. The general lyri-cal idea of the album was inspired by a conversation about how we are some kind of funnel and how we need to simplificate in order to communicate. Even when we want to communicate things to ourselves. The idea of understanding becomes complicated but based in this fact of omission and clumsiness.

Auf ihrem Sony Classical Debüt Album "Beyond the Screen" gewährt die Filmkomponistin Rachel Portman einen persönlichen und emotionalen Einblick in ihre wegweisende Karriere. Dafür hat sie einige ihrer beliebtesten Filmmusiken neu am Klavier aufgenommen, darunter ihr Oscar-prämierter Soundtrack "Emma", "Gotteswerk und Teufels Beitrag" und "Chocolat". Insgesamt 20 Piano Arrangements verbindet Rachel Portman zu einer emotionalen musikalischen Reise. Vom Arrangement bis zur Performance: Bei der Produktion von "Beyond The Screen" hat Rachel Portman künstlerisch alles selbst verantwortet: "Es musste eine sehr direkte Verbindung zwischen mir als Autorin und dem Interpretieren bestehen. Für mich hat sowieso alles seinen Ursprung am Klavier, weil ich am Klavier schreibe. Ich verbringe den ganzen Tag am Piano. Wahrscheinlich bin ich in meiner Seele Pianistin. Es fühlt sich also sehr befriedigend an, die Stücke am Klavier gespielt zu haben. In gewisser Weise hat sich damit der Kreis geschlossen." Rachel Portman hat in knapp 40 Jahren über 100 Scores für Film- und Fernseh-Produktionen komponiert und ist bekannt für ihre lyrischen Melodien und ihre reinen, transparenten Orchestrierungen. Darüber hinaus hat sie auch Musik für Opern (Le Petit Prince) und Theaterstücke und ein Oratorium komponiert. 1996 gewann sie als erste Frau einen Academy Award in der Kategorie Best Musical or Comedy Score für "Emma" und 2015 als erste Frau einen Primetime Emmy Award für "Outstanding Music Composition for a Mini Series, Movie or a Special" für "Bessie". Weitere Nominierungen erhielt sie u.a. für "Oliver Twist", "The Cider House Rules" und "Chocolat"."Jeder Film ist mit einer persönlichen Geschichte verbunden. Um diese Geschichten geht es in 'Beyond The Screen'" erklärt Rachel Portman.

Xiu Xiu setzen sich seit 20 Jahren mit Verarbeitung, Empathie, Ungehorsam und Neuordnung des Grauens auseinander. Ihr neues Album 'Ignore Grief' ist eine Platte mit zwei Hälften. Angela Seo singt auf der einen, Jamie Stewart auf der anderen. Die eine Hälfte ist real, die andere imaginär. Die realen Songs versuchen, das Schlimmste, was das Leben den 5 Bandmitgliedern zu bieten hat, in eine Art verzweifelte Form zu bringen, die ihre Herzen und ihr Gedächtnis in diesen schrecklichen Erfahrungen nicht zermalmen und verrohen läßt. Die imaginären Songs sind eine abstrakte Erkundung des frühen Rock'n'Roll-Genres 'Teen Tragedy' als Ausgangspunkt, um die Emotionen der Band zu dekontaminieren, weil sie weiß, was diesen fünf Menschen widerfahren ist.

- LP auf Silver Ghost farbenem Vinyl mit DL Code in breiter Außenhülle mit Booklet (Lyrics, Poesie)

The Stranglers waren in den Siebzigern und Achtzigern
nicht zu stoppen und wurden zu einer der größten
europäischen Bands. Feline erreichte Platz 4 in den
britischen Albumcharts. Die Leadsingle "European
Female" erreichte Platz 9 der Single-Charts und ebnete
den Weg für den Wandel im Sound der Band, die damit
ihren Platz in einer sich ständig verändernden
Klanglandschaft festigte. Anlässlich des 40. Jubiläums von
Feline erscheint das Album als neu als erweiterte
Deluxe-Edition. Diese epische Edition erscheint als CD,
sowie als rote & transparente Marble-Vinyl und wird ein
Sammlerstück für die nächsten Jahre sein

Wattstax war ein Benefizkonzert, das von Stax Records in Verbindung mit dem Watt Summer Festival organisiert wurde, um den siebten Jahrestag der Watts-Unruhen von 1965 in Los Angeles zu feiern.

Das Konzert, das von mehr als 100.000 Menschen besucht wurde und 7 Stunden dauerte, fand am 20. August 1972 im Los Angeles Memorial Coliseum statt und bot eine Mischung aus Soul, Funk und Gospel. Auf dem Programm standen Auftritte der größten Künstler von Stax, darunter Isaac Hayes, die Staple Singers, Rufus Thomas, Johnnie Taylor, die Bar-Kays und viele andere. Rev. Jesse Jackson trat bei der Veranstaltung als Moderator auf und eröffnete die Veranstaltung mit seiner oft zitierten ”I Am Somebody”-Rede.
Ein 2-LPSoundtrack mit den Höhepunkten des Konzerts wurde einige Monate später veröffentlicht. 1973 folgte der von Mel Stuart inszenierte Konzertfilm ”Wattstax” mit Richard Pryor als Moderator des Films, der 1974 für einen Golden Globe als bester Dokumentarfilm nominiert wurde.

Mit dem 2008 erschienenen Album „Gumbo“ fiel der Startschuss für Brenk Sinatras interna-tionale Producerlaufbahn. Vom JUICE Magazin zu einem der Top 20 besten Instrumentalalbenaller Zeiten gewählt, schaffte „Gumbo“ mit seinen brachialen und zugleich sehr souligen,sample-basierten Instrumentals den Sprung raus aus Österreich und rückte Brenk als Aus-nahmeproducer erstmals in den Fokus.Der Nachfolger„Gumbo II“erschien 2011 über das Kölner Label MPM, das mit Brenk Sinatra so-wie weiteren Ausnahmeproducern an Bord den wachsenden Hype um instrumentalen Hip-Hopmitzündete. Brenks kompromissloser, zweiter Part der Gumbo-Reihe katapultierte ihn kurzer-hand in die Riege der gefragtesten Beat-Produzenten Europas. Seither war auch der dritte undfinale Teil der Gumbo-Reihe in Planung, jedoch hinderten die immer mehr werdenden musi-kalischen Projekte und nicht zuletzt auch der Druck, die ersten beiden Albumteile zu toppen,Brenk an der Fertigstellung seiner Instrumental-Trilogie. Der Folder mit den dafür selektiertenInstrumentals wuchs auf weit über 100 Beats, wurde teilweise gelöscht und ständig in seinerZusammenstellung verändert, bis Brenk das gezielte Sammeln von Gumbo-Material 2017 vor-erst einstellte. Damals vollzog Brenk einen stilistischen Wechsel, der ihn weg von klassischen,Samplebasierten Beats hin zu jenen entspannten Trap-Hybriden führte, die heute als seinTrademark-Sound bekannt sind. Auch wollte sich das Mindset für die Fertigstellung von „Gum-bo III“ nicht einstellen und andere Projekte wurden vorgezogen, bis das Album komplett in denHintergrund rückte. Über die Jahre wurden Fans und Journalist*innen auf die Frage nach einemRelease Date immer wieder von Brenk vertröstet, „Gumbo III“ wurde zu einem sehnsüchtigerwarteten Phantomprojekt.

Fast Forward in das Jahr 2021: erstmals seit vier Jahren klickt sich Brenk wieder durch den Folder mit den einst für die „Gumbo III“ produzierten Interludes, musikalischen Skizzen undbereits fertiggestellten Beats. Mit einer neuen Label- und Verlagssituation im Hintergrund(2021 gründete Brenk das MusiklabelWave Planet Recordssowie den dazugehörigen VerlagWave Planet Publishing) fällt er den Entschluss, dass die Zeit für den Abschluss der Gumbo-Trilogie nun reif ist und Wave Planet Records zur neuen Heimat dieses Projekts werden muss.Danach folgt eine wochenlange und mühselige Wiederherstellung der in den Jahren 2012 bis2016 produzierten Instrumentals. Brenks Hauptaugenmerk war es, den musikalischen Spiritder Instrumentals unverändert zu lassen und den Sound nicht zu modernisieren. Aus heutigerSicht klingt das mit unzähligen Vinyl-Samples gespickte Chop-Gewitter auf der „Gumbo III“wie man es von Brenks früheren Beats kennt, anachronistisch und gerade dadurch erfrischendanders. Als einziges Update für die „Gumbo III“ Instrumentals wurden lediglich ein neuesMixing von Brenk sowie das Mastering seines hochkarätigen Producer-Kollegen Dexter zu-gelassen.Für die perfekte visuelle Ergänzung des Gumbo-Sounduniversums sorgt das verspielte, vorDetails strotzende Cover-Artwork von Cone The Weird, der bereits das markante Artwork zum„Gumbo II“ Album lieferte.Die Vollendung der Trilogie wird unter anderem mit einer ganz besonderen „Gumbo TrilogyBox“ zelebriert, die im Oktober 2022 erscheinen und das Herz jedes passionierten Sammlershöherschlagen lässt

Red Vinyl

Nachdem Meg Remy, alias U.S. Girls, zuletzt schon in Form der Singles "So Typically Now" und "Bless This Mess" nach zweijähriger Abwesenheit neue Lebenszeichen aussendete, kündigt die kanadische multi-disziplinäre und experimentelle Pop-Künstlerin nun auch ihr neues Album an! "Bless This Mess" erscheint am 24. Februar 2023 bei 4AD und zeugt von der langen künstlerischen Evolution, die Remy unter ihrem musikalischen Alter Ego vollzogen hat: Eigentlich geboren in Illinois, hat sich Remy in den letzten Jahren zu einer der Stimmen und Performer*innen der Torontoer Szene entwickelt. Von den ersten Anfängen in Kellern in Philadelphia und Chicago, als sie durch Delay-Pedals über rohe Loops summte, hin zur selbstbewussten Frontfrau eines achtköpfigen Art-Soul-Orchesters, das die Welt bereist, hat die Vision, sowie das Talent Remys das Projekt über die letzten 15 Jahre zusammengehalten und geprägt. Mit "Half Free" (2015), "In A Poem Unlimited" (2018) und "Heavy Light" (2020) veröffentlichte sie drei Juno Award nominierte Alben (in der Kategorie "Best Alternative Album"), die auch jeweils auf der Shortlist für den Polaris Prize standen. Und das neuste U.S. Girls Album fügt der eh schon ausufernden Palette an Einflüssen, Themen und Sounds noch Bausteine wie Funk, ihre Mutterschaft, griechische Mythologie, langsame Jams, Erwachen und Schmerzen in das lebhafte Hymnen-Treiben hinzu! "Bless This Mess" entstand dabei, während in Remy ihre beiden Zwillings-Jungs heranwuchsen, in Kooperation mit einer ganzen Reihe an Musikern (Alex Frankel von Holy Ghost!, Marker Starling, Ryland Blackinton von Cobra Starship, Basia Bulat, Roger Manning Jr. von Jellyfish und Beck), sowie mithilfe einiger Tontechniker (Neal H Pogue, Ken Sluiter, Steve Chahley, Maximilian Turnbull). Da es weder eine feste Band noch immer gleiches Aufnahme-Personal während der Produktion gab, fühlt sich das neue Album vielmehr wie ein Mixtape an, gleichzeitig befindet sich Remy darauf selbst im stetigen Wandel. Denn während sich ihr Körper der Schwangerschaft anpasst, verändert sich auch ihre Stimme, verlor etwas Raum zum Atmen, bei einigen Gesangsaufnahmen waren ihre Neugeborenen sogar auf ihrem Arm. Keine Überraschung, dass Remy sogar ihre Milchpumpe auf "Pump" sampelte. Und doch beinhaltet das neue Album so viel mehr - mehr Blut, mehr Gefühle, die miteinander verflochtenen Wunder und Wunden des Lebens. Dementsprechend variieren auch die Songs in Tempo, Instrumentierung und geben sich zwischen experimenteller Hingabe, Entdeckungen und Delirium der aktuellen Gefühlslage der Künstlerin hin.

Nachdem Meg Remy, alias U.S. Girls, zuletzt schon in Form der Singles "So Typically Now" und "Bless This Mess" nach zweijähriger Abwesenheit neue Lebenszeichen aussendete, kündigt die kanadische multi-disziplinäre und experimentelle Pop-Künstlerin nun auch ihr neues Album an! "Bless This Mess" erscheint am 24. Februar 2023 bei 4AD und zeugt von der langen künstlerischen Evolution, die Remy unter ihrem musikalischen Alter Ego vollzogen hat: Eigentlich geboren in Illinois, hat sich Remy in den letzten Jahren zu einer der Stimmen und Performer*innen der Torontoer Szene entwickelt. Von den ersten Anfängen in Kellern in Philadelphia und Chicago, als sie durch Delay-Pedals über rohe Loops summte, hin zur selbstbewussten Frontfrau eines achtköpfigen Art-Soul-Orchesters, das die Welt bereist, hat die Vision, sowie das Talent Remys das Projekt über die letzten 15 Jahre zusammengehalten und geprägt. Mit "Half Free" (2015), "In A Poem Unlimited" (2018) und "Heavy Light" (2020) veröffentlichte sie drei Juno Award nominierte Alben (in der Kategorie "Best Alternative Album"), die auch jeweils auf der Shortlist für den Polaris Prize standen. Und das neuste U.S. Girls Album fügt der eh schon ausufernden Palette an Einflüssen, Themen und Sounds noch Bausteine wie Funk, ihre Mutterschaft, griechische Mythologie, langsame Jams, Erwachen und Schmerzen in das lebhafte Hymnen-Treiben hinzu! "Bless This Mess" entstand dabei, während in Remy ihre beiden Zwillings-Jungs heranwuchsen, in Kooperation mit einer ganzen Reihe an Musikern (Alex Frankel von Holy Ghost!, Marker Starling, Ryland Blackinton von Cobra Starship, Basia Bulat, Roger Manning Jr. von Jellyfish und Beck), sowie mithilfe einiger Tontechniker (Neal H Pogue, Ken Sluiter, Steve Chahley, Maximilian Turnbull). Da es weder eine feste Band noch immer gleiches Aufnahme-Personal während der Produktion gab, fühlt sich das neue Album vielmehr wie ein Mixtape an, gleichzeitig befindet sich Remy darauf selbst im stetigen Wandel. Denn während sich ihr Körper der Schwangerschaft anpasst, verändert sich auch ihre Stimme, verlor etwas Raum zum Atmen, bei einigen Gesangsaufnahmen waren ihre Neugeborenen sogar auf ihrem Arm. Keine Überraschung, dass Remy sogar ihre Milchpumpe auf "Pump" sampelte. Und doch beinhaltet das neue Album so viel mehr - mehr Blut, mehr Gefühle, die miteinander verflochtenen Wunder und Wunden des Lebens. Dementsprechend variieren auch die Songs in Tempo, Instrumentierung und geben sich zwischen experimenteller Hingabe, Entdeckungen und Delirium der aktuellen Gefühlslage der Künstlerin hin.

Endlevel sind mit ihrem zweiten Album "Weekend War" zurück und starten ihre zweite Offensive. Die 11 neu komponierten Tracks beinhalten alles was Endlevel ausmacht. Thrashige Riffs mit einem Death Metal Einschlag, gutturaler Gesang und hohe Thrash Vocals, treffen auf rhythmische Finesse und unterhaltsame Texte - Metallerherz was willst du mehr? Das entsprechende Artwork von Martin Chmelícek (u.A. Spasm, Gutalax, Insistent, Obscene Extreme Festival) fängt visuell perfekt die Marschrichtung ein: Jeder Track, voll gegen die Kauleiste, dazu viel Bier und das Wochenende steckt einem Montags noch in den Knochen! Die 11 Tracks fräsen sich mit einer Unbekümmertheit und gleichzeitig brillanten Produktion in den Gehörgang, dass es einfach nur Spaß macht. Für den tollen Sound war Christian Schäfer verantwortlich, der unter Anderem auch schon für Fateful Finality oder Doom Division an den Reglern saß. Wer also seinen Death Metal auch gerne mit etwas Thrash Metal vermischt und auf Bands wie "Inhuman Condition", "Bolt Thrower", aber auch "Malevolent Creation" und einer Prise "Anthrax" steht, der sollte sich aber ganz schnell "Endlevel - Weekend War" auf den Plattenteller legen und sich bei einem bis 12 Bier ordentlich die Kauleiste massieren lassen. Das Album erscheint auf CD, Vinyl und ist auf allen gängigen Streaming-Plattformen verfügbar.

Bukahara veröffentlichen mit 'Tales of the Tides' die bislang besten Songs ihrer Karriere!

Das neue, im Februar erscheinende Album der größten unbekannten Band Deutschlands basiert auf sehnsuchtsvoller Rootsmusik und ist geprägt von einem postmigrantischen, grenzüberschreitenden und freiheitlichen Selbstverständnis. Damit gehen Bukahara jetzt in die größten Hallen.

Darum geht es auf 'Tales of The Tides', dem wunderbaren neuen Album der Global-Folkband Bukahara: unser gestörtes Verhältnis zur Natur und untereinander, die Agonie und den Zynismus, vor allem aber um den unbeirrbaren Glauben an Veränderung und Menschlichkeit, an eine liberale Mehrheitsgesellschaft und internationale Solidarität.

Die Lieder, die Soufian Zoghlami zu diesen Themen geschrieben hat, sind ihrerseits freiheitlich und international, vor allem aber sind es die bislang besten Songs dieser Karriere. Die Musik von Bukahara ist auch auf 'Tales of The Tides' immer noch durchdrungen von nordafrikanischen Einflüssen ebenso wie von Balkan-, Klezmer- und arabischen Akzenten. Ihre sich aus diesen Einflüssen ergebende Musik haben Bukahara indes zu einer Folk-Internationale gebündelt, die aktuell niemand so spielt wie sie.

Auf 'Tales of The Tides' türmt sich diese Folk-Internationale zu einer Flut der ganz anderen Art auf: Ja, dieses Album beschreibt einen Flutzyklus. Aber einen lichtdurchfluteten, in dem Liebe, Verständnis, Menschlichkeit und Wärme zählen. Und Hoffnung, die ganz besonders. Themen, mit denen die größte unbekannte Band Deutschlands eigentlich in jedes Radio und jede Zeitung gehört.

Red Vinyl

Bukahara veröffentlichen mit 'Tales of the Tides' die bislang besten Songs ihrer Karriere!

Das neue, im Februar erscheinende Album der größten unbekannten Band Deutschlands basiert auf sehnsuchtsvoller Rootsmusik und ist geprägt von einem postmigrantischen, grenzüberschreitenden und freiheitlichen Selbstverständnis. Damit gehen Bukahara jetzt in die größten Hallen.

Darum geht es auf 'Tales of The Tides', dem wunderbaren neuen Album der Global-Folkband Bukahara: unser gestörtes Verhältnis zur Natur und untereinander, die Agonie und den Zynismus, vor allem aber um den unbeirrbaren Glauben an Veränderung und Menschlichkeit, an eine liberale Mehrheitsgesellschaft und internationale Solidarität.

Die Lieder, die Soufian Zoghlami zu diesen Themen geschrieben hat, sind ihrerseits freiheitlich und international, vor allem aber sind es die bislang besten Songs dieser Karriere. Die Musik von Bukahara ist auch auf 'Tales of The Tides' immer noch durchdrungen von nordafrikanischen Einflüssen ebenso wie von Balkan-, Klezmer- und arabischen Akzenten. Ihre sich aus diesen Einflüssen ergebende Musik haben Bukahara indes zu einer Folk-Internationale gebündelt, die aktuell niemand so spielt wie sie.

Auf 'Tales of The Tides' türmt sich diese Folk-Internationale zu einer Flut der ganz anderen Art auf: Ja, dieses Album beschreibt einen Flutzyklus. Aber einen lichtdurchfluteten, in dem Liebe, Verständnis, Menschlichkeit und Wärme zählen. Und Hoffnung, die ganz besonders. Themen, mit denen die größte unbekannte Band Deutschlands eigentlich in jedes Radio und jede Zeitung gehört.

Red Vinyl

Die 6 Musiker der Band Maerzfeld sind nach der langen Corona-Zwangspause zurück. Während der Pandemie hatte die Gruppe um Sänger Heli Reißenweber ihrer deutschsprachigen Rockmusik ein neues akustisches Gewand verpasst und war - wie der Franke sagt - "Anblaggd" auf Tour. Nun werden die Akustikinstrumente wieder gegen ihre elektrifizierten Pendants getauscht - allerdings nicht ohne etwas aus den Erfahrungen der vergangenen anderthalb Jahre mitzunehmen: Der intime Kontakt zu unserem Publikum und der pure Sound hat bei den zurückliegenden Shows eine ganz besondere Energie erzeugt, die wir beibehalten wollen", so die Band.

Alles anders, so der bewusst plakativ gewählte Titel des neuen Maerzfeld Albums.
Die Welt ist nicht mehr die gleiche wie vor 3 Jahren und auch für die Musiker gab es prägende Erlebnisse und damit verbundene Veränderungen, die in den neuen Songs verarbeitet werden und einen oft sehr persönlichen Einblick in das Gefühlsleben der einzelnen Künstler erlauben.
So hört und spürt man eine Mischung aus Depression, Hoffnung, Wut, Verzweiflung, Freude und Mut. Dabei macht Maerzfeld gleich zu Beginn des Albums mit dem Titelsong klar, dass die Band neugierig auf die Zukunft blickt und Veränderung als Chance versteht mit Gewohnheiten zu brechen. Daher ist nun im positiven Sinne "Alles anders".

Das Sony Classical-Debütalbum "Arctic" der international hochgelobten norwegischen Geigerin Eldbjørg Hemsing ist eine musikalische Reise durch die Arktis mit neuer Musik u.a. von den Star-Komponisten Jacob Shea ("The Blue Planet") von Bleeding Fingers Music und Frode Fjellheim ("Frozen"). Zusammen mit dem Arctic Philharmonic Orchestra zelebriert Eldbjørg Hemsing darauf die zerbrechliche und weithin unentdeckte Schönheit eines Ökosystems, das in einem beispiellosen Ausmaß vom Klimawandel bedroht ist. "Die Arktis wird oft als ein schroffer, unbewohnbarer Ort verkannt, dabei handelt es sich um eine Region von einmaliger Schönheit und voller Leben, die auf faszinierende Weise illustriert, wie alles in fragilen Kreisläufen zusammenhängt. 'Arctic' ist eine musikalische Reise durch diesen einmaligen, gefährdeten Naturraum", erklärt Eldbjørg Hemsing. "Ich möchte mit diesem Projekt den Menschen zeigen, wie großartig und schützenswert diese Landschaft ist und auf die Bedrohung durch den Klimawandel hinweisen, die Auswirkung auf uns alle hat." "Arctic" ist voller mitreißender Melodien und beeindruckenden orchestralen Klanglandschaften, die sich beim Anhören des Albums aufbauen, wie die atemberaubenden Lebensräume der Arktis im Lauf der Jahreszeiten. Für die musikalische Gestaltung ihres Albums hat die im norwegischen Valdres geborene Musikerin mit einer Vielzahl an Komponisten zusammengearbeitet und ein einmaliges Album kreiert, das amerikanische Filmmusik mit europäischer Klassik verbindet. So enthält "Arctic" neue Musik von den Filmkomponisten Jacob Shea von Bleeding fingers Music und Frode Fjellheim wie auch neue Arrangements von Melodien der Komponisten Selim Palmgren, Einojuhani Rautavaara, Henning Sommerro, Ola Gjeilo, Ole Bull, Edvard Grieg und James Newton Howard. Aufgenommen wurde das Album in Bodø innerhalb des norwegischen Polarkreises mit dem Arctic Philharmonic Orchestra. "Ich wollte einmalige, einprägsame Melodien mit einem malerischen orchestralen Klang verbinden, der dem großen Panorama der Arktis entspricht, um diese emotionale Geschichte zu erzählen. Entstanden ist eine sehr abwechslungsreiche Art Filmmusik für den Konzertsaal oder ein Soundtrack für eine innere Reise", sagt Eldbjørg Hemsing über die Musik von "Arctic". Das zentrale Werk des Albums ist die 20 Minuten lange "Arctic Suite" des amerikanischen Filmkomponisten Jacob Shea von Bleeding Fingers Music, der zusammen mit Hans Zimmer die millionenfach gespielte, ikonische Musik zu "The Blue Planet" geschrieben hat. In den sechs Teilen der "Arctic Suite" vertont Jacob Shea die einmaligen arktischen Naturphänomene und findet Melodien für "Frozen Worlds" im Winter, die "Aurora" in der Polarnacht oder den "Sunrise" in der Morgendämmerung des Polartages. Er gibt den Fischschwärmen im Malmström einen Klang in "Rush of Life" oder dem poetischen Pfeifen der "Polar Winds" und endet mit einem melancholischen Blick auf aktuelle Veränderungen in "Sea Ice Melting". Komponist Frode Fjellheim ist bekannt von seiner Arbeit zu "Frozen". Er entstammt den Samen, einem Volk, das bereits seit Jahrhunderten den europäischen Polarkreis bewohnt. Für seine Kompositionen "Under the Arctic Moon" und "The Return of the Sun" lässt er sich von den traditionellen Liedern der Samen, den "Joik", inspirieren. In "The Return of the Sun" singt er sogar eine dieser traditionellen Melodien. Die musikalische Reise durch die "Arctic" umfasst weitere neue und farbenfrohe Orchesterarrangements von Werken nordischer Komponisten wie das klangmalerische "Snowflakes" von Selim Palmgren, "Whispering" von Einojuhani Rautavaara, "Dawn" von Ola Gjeilo und "Vårsøg" von Henning Sommerro. "Vårsøg" ist eine bekannte Melodie in Norwegen und steht sinngemäß für die "Suche nach einem neuen Frühling". Das ursprünglich als Folk-Pop Song geschriebene Lied verkörpert damit die Hoffnung auf einen Neuanfang im Leben. Arrangeur Ben Palmer hat die Melodie in eine emotionale Hymne für Violine und Orchester gebettet.

Die Prägung als Künstler:in gelingt durch den Einsatz von satten Gitarren und einer modernen Interpretation von deutschsprachigem Alternative Rock. Das Album beschreibt einen Verarbeitungsprozess von intensiven Selbst- und Fremderfahrungen und wird zum namensgebenden Akt, der Pyrolyse: Hoher Druck trifft auf hohe Temperatur und führt zu einer Neuverteilung und -Verbindung der Moleküle. Im Mai 2023 ist AYMZ als Toursupport von YAENNIVER mit 9 Terminen auf Achse. Nun auch auf Vinyl erhältlich.

HEUT IST EIN GUTER TAG. Gegenwart mit Blick nach
vorn. Endlich. Es ist da, das neue Studioalbum: "Heut
ist ein guter Tag".
15 Songs mit geballten Fäusten und für immer Grinsen
im Gesicht. Positive Grundstimmung, ja. Aber kein
zahnloses Happy-Go-Lucky-Statement. Sondern: Wut,
Witz und WTF.
Das neue Album der DONOTS kommt zur richtigen Zeit.
Es ist nicht weniger als eine Wohltat. In ihren
besten Momenten kommt die Scheibe so nah an die
Live-Energie der Band wie keins ihrer vorherigen Alben.
An den entscheidenden Stellen aber ruht sie wie
selbstverständlich in sich und nimmt sich die Zeit, die sie
braucht, um ihre Wirkung voll zu entfalten.
HEUT IST EIN GUTER TAG verbeugt sich zeitgemäß
vor den Old School-Einflüssen der Band: Punk, Rock,
HC, Indie und Pop. Dabei hebt die Platte jedoch alle
Trademarks der DONOTS elegant auf das nächste
Level. Keine Wiederholungen, keine Kompromisse.
Natürlich wurden sämtliche Spielarten der klassischen
DONOTS Sportgitarre ausgelotet. Doch was auf früheren
Platten ähnlich, aber besser zu finden war, wurde sofort
verworfen.
So entstand in liebevoller Kleinarbeit ein Meilenstein der
Bandgeschichte. HEUT IST EIN GUTER TAG ist eine
weitere erfolgreiche Zusammenarbeit mit Produzent und
Bandfreund Kurt Ebelhäuser, der schon für Alben wie
"Coma Chameleon" und "Lauter als Bomben"
verantwortlich zeichnete. Beim Mixing der Platte sorgte
das Jungtalent Michel Wern verlässlich dafür, dass HEUT
IST EIN GUTER TAG bei aller Vielfalt wie aus einem
Guss klingt

Mit ihrem aktuellen Album "Gods Verging on Sanity" (2020) haben BLACK NAIL CABARET ein musikalisches Ausrufezeichen gesetzt. Obwohl die geplanten Touren der letzten zwei Jahren natürlich auch ein Opfer der Umstände wurden, ist es der Band allein durch Mundpropaganda dennoch gelungen, gestärkt aus der Krise hervorzugehen. Dies bietet eine hervorragende Gelegenheit, um ein frühes Juwel ihrer Bandgeschichte in neuem Glanz erscheinen zu lassen:

Als Sängerin Emèse Árvai-Illes und Keyboarder Krisztián Árvai das Album "Pseudopop" im Jahr 2018 auf ihrem eigenen Label veröffentlichten, hatten sie bereits Kunst, Pop, dunkle Harmonien und aufregende Elektronik organisch miteinander verschmolzen. So vergab der ungarische Journalist Mariusz Bari (Planet Damage) die Höchstpunktzahl (10)/10 und schrieb: "BLACK NAIL CABARET waren schon immer auf dem Weg, sich selbst zu perfektionieren, und dieses neueste Album ist der perfekte Beweis dafür, dass sie weder den Anschluss noch die Kontrolle dabei verloren haben."

Was BLACK NAIL CABARET markant von anderen Bands in ihrem Genre abhebt, ist ein Faible für sexuell explizite Provokationen. Dabei gelingt es den Ungarn niemals peinlich oder schlüpfrig zu wirken, sondern ihre gelebte BDSM-Wirklichkeit mit hohem ästhetischen Anspruch künstlerisch abzubilden. Wer in den Rohrschach-Klecksen auf dem Albumcover einen Frosch sieht, sollte vielleicht noch einmal hinsehen.

In eigenen Worten klingt das bei dem Duo wie folgt: "'Pseudopop' ist die Gesamtheit aller musikalischen Einflüsse, die unsere Leben beeinflusst und geprägt hat", schrieben BLACK NAIL CABARET. "Unabhängig von der Stilrichtung haben wir einfach unser Köpfe frei gemacht, uns vom Genregedanken verabschiedet und losgelassen. Es ist ein Hybrid aus dem Chaos, das in uns beiden steckt, und wir möchten meinen, dass im Ergebnis dabei avantgardistischer, zeitgenössischer Pop mit dunklen elektronischen Wurzeln als herauskam."

Bei der Erstveröffentlichung hatte "Pseudopop" bereits fast alles, was ein außergewöhnliches, hervorragendes Werk ausmacht. Es fehlte dem Album lediglich die Reichweite, um auch international die verdiente Beachtung zu finden. Mit dieser Neuauflage durch Dependent mit sorgfältigem Re-Mastering und einem Bonus-Track wird endlich das verdiente Rampenlicht auf BLACK NAIL CABARET und "Pseudopop" geworfen.

Symphonische Extrem-Heavy-Metal-Band aus Stockholm - gegründet und geleitet von Multiinstrumentalist und Songwriter Zorn. Nachdem er sich von Dark Funeral trennte, war er entschlossen, mit seiner neuen Band Zornheym den traditionellen "Metal-meets-Symphony"-Ansatz aufzurütteln. Zornheym entwickelte sich schnell von einer ambitionierten Idee zu einem dramatischen musikalischen und narrativen Konzept, das sich um die Schrecken einer psychiatrischen Anstalt und ihrer Häftlinge drehte. Vier Jahre, nachdem die Tore der Anstalt erstmals erdacht wurden, wurden sie mit der Veröffentlichung des Debütalbums endlich geöffnet. Wo Hass wohnt und Dunkelheit herrscht. " Dieses Album stellte das erschreckende Konzept des Asyls und die darin enthaltenen schrecklichen Charaktere vor. Zornheym's Sound wurde als kraftvoll und filmisch beschrieben und das zweite Album lädt dazu ein, diese Erfahrung in "The Zornheim Sleep Experiment" fortzusetzen, das tief im Inneren der Anstalt stattfindet. Mit einem echten Chor und einem Streichquartett kreieren sie erneut ihre Klangwand und lassen die Geschichte in einer Graphic Novel zum Leben erwecken, die die Geschichten des Albums begleitet und erweitert.

Zornheym debütierte auf dem französischen Motocultor-Festival und sie haben ihre energiegeladenen, bombastischen Erfahrungen auf vielen weiteren Festivals und Veranstaltungsorten in ganz Europa weitergegeben.

Symphonische Extrem-Heavy-Metal-Band aus Stockholm - gegründet und geleitet von Multiinstrumentalist und Songwriter Zorn. Nachdem er sich von Dark Funeral trennte, war er entschlossen, mit seiner neuen Band Zornheym den traditionellen "Metal-meets-Symphony"-Ansatz aufzurütteln. Zornheym entwickelte sich schnell von einer ambitionierten Idee zu einem dramatischen musikalischen und narrativen Konzept, das sich um die Schrecken einer psychiatrischen Anstalt und ihrer Häftlinge drehte. Vier Jahre, nachdem die Tore der Anstalt erstmals erdacht wurden, wurden sie mit der Veröffentlichung des Debütalbums endlich geöffnet. Wo Hass wohnt und Dunkelheit herrscht. " Dieses Album stellte das erschreckende Konzept des Asyls und die darin enthaltenen schrecklichen Charaktere vor. Zornheym's Sound wurde als kraftvoll und filmisch beschrieben und das zweite Album lädt dazu ein, diese Erfahrung in "The Zornheim Sleep Experiment" fortzusetzen, das tief im Inneren der Anstalt stattfindet. Mit einem echten Chor und einem Streichquartett kreieren sie erneut ihre Klangwand und lassen die Geschichte in einer Graphic Novel zum Leben erwecken, die die Geschichten des Albums begleitet und erweitert.

Zornheym debütierte auf dem französischen Motocultor-Festival und sie haben ihre energiegeladenen, bombastischen Erfahrungen auf vielen weiteren Festivals und Veranstaltungsorten in ganz Europa weitergegeben.

Mit »A Corner Of The Sky« veröffentlicht der britische Singer-Songwriter Rhys Lewis sein zweites Album.
Das Album beinhaltet unter anderem die bereits veröffentlichten Singles »Simple« und »Symmetrical«.
Lewis hat sich für dieses Album auf eine besondere, persönliche Reise begeben. Über mehrere Wochen
hinweg lebte er auf einer kleinen Farm, umgeben von Natur und einer Hand voll Musiker-Freunden. So
entstand das für den aus Oxofordshire stammenden Musiker ein Album, wessen Fokus war, sich selbst
kennenzulernen und Abstand zum meist wilden und hektischen Alltag zu gewinnen.
Die Veränderungen seines Lebensstils ist auch in seiner Musik erkennbar. Ihm gelang es so beispielsweise
das Gefühl des „im Moment lebens“ musikalisch zum Ausdruck zu bringen und Menschen auf diese Art
und Weiße emotional zu berühren.
„Corner Of The Sky“ diente für Lewis als Anstoß, mehr aus den uns gebotenen Situationen und Tagen zu
machen die wir geschenkt bekommen.
Das Album ist eine Art Liebeserklärung an genau diese Momente.
Das Album ist auf CD und Vinyl erhältlich.

Die Meister des hymnischen Rock'n'Roll Black Star Riders sind stolz, ihr neues Album mit dem Titel »Wrong Side Of Paradise« ankündigen zu können. Das Album mit 11 Tracks wurde im Herbst 2021 im Studio 606 in Northridge, Kalifornien und Toochtoon Sound in Redmond, Oregon mit dem Produzenten und langjährigen BSR-Mitarbeiter Jay Ruston aufgenommen.

Mit Ricky Warwick (Leadgesang/Gitarre), Robert Crane (Bass), Christian Martucci (Gitarre) und Schlagzeuger Zak St. John veröffentlicht die Band 2022 ihre erste Single und ein Video mit dem Titel »Better Than Saturday Night« (mit Backing Vocals von Joe Elliott von Def Leppard). Das Video zeigt eine blitzschnelle Performance der viermaligen UK Top 25 Band und lässt den Betrachter ein Standard-Rockvideo-Klischee vermuten, bevor es mit dem Auftritt der rauen Roller Derby Dolls auf den Kopf gestellt wird.

Über das Album sagt Ricky: »Ich bin sehr stolz auf dieses Album, Black Star Riders fünfte Veröffentlichung und die erste mit unserer neuen und aufregenden Beziehung zu Earache Records. Wie alle BSR-Alben ist auch ›Wrong Side Of Paradise‹ eine hymnische Absichtserklärung, angetrieben von wilden Gitarren und donnernden Drums. Ich kann nur über meine eigenen persönlichen Erfahrungen schreiben, über meine Familien, meine Freunde und darüber, wie ich eine Welt sehe, die sich schneller verändert, als wir sie begreifen können. Davon abgesehen glaube ich fest an die Kraft der Positivität, etwas, das in diesem Album widerhallt

Die Meister des hymnischen Rock'n'Roll Black Star Riders sind stolz, ihr neues Album mit dem Titel »Wrong Side Of Paradise« ankündigen zu können. Das Album mit 11 Tracks wurde im Herbst 2021 im Studio 606 in Northridge, Kalifornien und Toochtoon Sound in Redmond, Oregon mit dem Produzenten und langjährigen BSR-Mitarbeiter Jay Ruston aufgenommen.

Mit Ricky Warwick (Leadgesang/Gitarre), Robert Crane (Bass), Christian Martucci (Gitarre) und Schlagzeuger Zak St. John veröffentlicht die Band 2022 ihre erste Single und ein Video mit dem Titel »Better Than Saturday Night« (mit Backing Vocals von Joe Elliott von Def Leppard). Das Video zeigt eine blitzschnelle Performance der viermaligen UK Top 25 Band und lässt den Betrachter ein Standard-Rockvideo-Klischee vermuten, bevor es mit dem Auftritt der rauen Roller Derby Dolls auf den Kopf gestellt wird.

Über das Album sagt Ricky: »Ich bin sehr stolz auf dieses Album, Black Star Riders fünfte Veröffentlichung und die erste mit unserer neuen und aufregenden Beziehung zu Earache Records. Wie alle BSR-Alben ist auch ›Wrong Side Of Paradise‹ eine hymnische Absichtserklärung, angetrieben von wilden Gitarren und donnernden Drums. Ich kann nur über meine eigenen persönlichen Erfahrungen schreiben, über meine Familien, meine Freunde und darüber, wie ich eine Welt sehe, die sich schneller verändert, als wir sie begreifen können. Davon abgesehen glaube ich fest an die Kraft der Positivität, etwas, das in diesem Album widerhallt

Die Meister des hymnischen Rock'n'Roll Black Star Riders sind stolz, ihr neues Album mit dem Titel »Wrong Side Of Paradise« ankündigen zu können. Das Album mit 11 Tracks wurde im Herbst 2021 im Studio 606 in Northridge, Kalifornien und Toochtoon Sound in Redmond, Oregon mit dem Produzenten und langjährigen BSR-Mitarbeiter Jay Ruston aufgenommen.

Mit Ricky Warwick (Leadgesang/Gitarre), Robert Crane (Bass), Christian Martucci (Gitarre) und Schlagzeuger Zak St. John veröffentlicht die Band 2022 ihre erste Single und ein Video mit dem Titel »Better Than Saturday Night« (mit Backing Vocals von Joe Elliott von Def Leppard). Das Video zeigt eine blitzschnelle Performance der viermaligen UK Top 25 Band und lässt den Betrachter ein Standard-Rockvideo-Klischee vermuten, bevor es mit dem Auftritt der rauen Roller Derby Dolls auf den Kopf gestellt wird.

Über das Album sagt Ricky: »Ich bin sehr stolz auf dieses Album, Black Star Riders fünfte Veröffentlichung und die erste mit unserer neuen und aufregenden Beziehung zu Earache Records. Wie alle BSR-Alben ist auch ›Wrong Side Of Paradise‹ eine hymnische Absichtserklärung, angetrieben von wilden Gitarren und donnernden Drums. Ich kann nur über meine eigenen persönlichen Erfahrungen schreiben, über meine Familien, meine Freunde und darüber, wie ich eine Welt sehe, die sich schneller verändert, als wir sie begreifen können. Davon abgesehen glaube ich fest an die Kraft der Positivität, etwas, das in diesem Album widerhallt

Repress auf babypink w/ blue splatter Vinyl, limitiert auf 200 Exemplare. Be Well - ein Zusammenschluss bekannter Gesichter der Hardcore Szene! Ins Leben gerufen von Brian McTeran, Gründer der ikonische Straightedge-Hardcore-Band Battery und ergänzt durch Mike Schleibaum von Darkest Hour und Battery, Aaron Dalbec von Bane sowie Peter Tsouras und Shane Johnson von Fairweathe, wurde Be Well gegründet um McTeran einen neuen Output für seine Emotionen zu geben. Nach der Auflösung von Battery im Jahr 2000 lenkte McTernan seine Energie zunächst in eine arbeitsreiche Karriere als Produzent um. Er hinterließ auf wegweisenden Alben von Bands wie unter anderem Thrice, Hot Water Music, Circa Survive und Turnstile seine Spuren. Bis er 2014 schließlich eine radikale Kehrtwende machte und eine Projektmanagement-Funktion für ein Bauunternehmen übernahm. Anfangs fühlte sich der Wechsel in Tempo und Karriere gesund an. Doch nachdem er oft zwischen Baustellen hin und her und reiste und dabei 400 Meilen pro Tag fuhr - traten größere Probleme in McTernans psychischer Gesundheit hervor. Eine Zeit schwerer Depressionen verlief laut McTernan jahrelang unkontrolliert, bis sich Battery 2017 vorübergehend wiedervereinigten und ihren ersten neuen Song nach 17 Jahren schrieben. Der Song, "My Last Breath", unterschied sich deutlich von allem, was vor ihm kam. In vielerlei Hinsicht diente der Text als spiritueller Vorläufer dessen, was schließlich zu Be Well wurde. Also schrieb McTernan weiter, began seine Erfahrungen durch Texte zu verarbeiten und eine neue Band zu formen. The Weight And The Cost ist das Ergebnis dieser gesammelten Erlebnisse. Ein Album das weit über die Grenzen dessen hinausgeht, was man über die früheren Bands seiner Mitglieder weiß. Die Vergangenheit der Be Well-Mitglieder könnte sogar das Uninteressanteste an diesem Projekt sein. Wo die meisten Hardcore-Platten ihren Inhalt an die Form der Genrekonventionen anpassen, zeigt dieses Album, was möglich ist, wenn der Inhalt die Form schafft: The Weight and the Cost folgt McTernans zutiefst persönlicher Erfahrung.

Wer liebt Belle and Sebastian nicht? Springt dein Herz auch jedes Mal, wenn du ihre Musik hörst? Hast du dich auch zum ersten Mal in Belle and Sebastian verliebt, als du "If You"re Feeling Sinister" auf Repeat gehört hast und hat dieser Song danach auch dein Leben verändert? Wenn du Belle and Sebastian liebst, war "A Bit of Previous" von 2022 ein kleines Geschenk für dich. Belle and Sebastian haben uns bereits eine Fülle von Klassikern geschenkt, so dass man angesichts des Outputs des letzten halben Jahrzehnts, verstreut über EPs, Soundtracks und ein Live-Album (das gleichzeitig eine Greatest Hits-Sammlung war), annehmen könnte, es sei nichts mehr im Tank und es sei an der Zeit, den Tourbus für ein paar Album-Jubiläumsshows anzuwerfen. Aber das wäre ein Irrtum. Wie sich herausstellte, verbrachte die Band die trostlosesten Zeiten der Pandemie miteinander, nutzte die Situation und die Einsamkeit für neue Musik. Sie verwandelten diese Energie in Freude und in einen Herzschmerz, der jeden Moment durchschimmert. Als Zentrum diente ein Raum, der früher eigentlich für den Versandhandel bestimmt war und nun die neue Kreativzelle der Band ist. Aufgenommen in denselben Sessions wie der Vorgänger "A Bit of Previous", fühlt sich das neue Album "Late Developers" nicht wie eine Sammlung von weniger guten Songs an, die nicht gut genug waren, um auf das auf das erste Album zu kommen. Vielmehr ist es ein Beweis für die ungezügelte Kreativität, die die Band während der Aufnahmen entfachte und die das letzte Album nun ergänzt. Während man in einer Album-Info gerne versucht Musik mit markigen Worten zu beschreiben, entzieht sich "Late Developers" den Genres und schwebt zwischen den Welten. Belle and Sebastian hatten schon immer ein Händchen dafür, Musik und Texte so zu kombinieren, dass sie die chaotische Welt der menschlichen Empfindungen perfekt einfangen - ein Soundtrack des Lebens. Und es gibt eine gewisse Leichtigkeit auf "Late Developers", die einen daran erinnert, dass man hier den Experten in Sachen Gefühlswelten zuhört. Stuart Murdoch ist einfach ein meisterhafter Beobachter und Geschichtenerzähler. Es ist bemerkenswert, dass eine Band mit einer derart langen Karriere Musik machen kann, die sich nicht nur unmittelbar anfühlt, sondern auch zwei aufeinanderfolgende Alben, die klingen, als wären Belle and Sebastian auf dem Höhepunkt ihres Schaffens. "Late Developers" ist ein überzeugendes Beispiel dafür, dass Belle and Sebastian stets auf der Suche nach der perfekten Melodie sind, um uns immer wieder aufs Neue zu verzaubern und um klarzumachen, warum wir uns damals auf den ersten Blick in diese Band verliebt haben.

Strictly Limited Orange Vinyl

Wer liebt Belle and Sebastian nicht? Springt dein Herz auch jedes Mal, wenn du ihre Musik hörst? Hast du dich auch zum ersten Mal in Belle and Sebastian verliebt, als du "If You"re Feeling Sinister" auf Repeat gehört hast und hat dieser Song danach auch dein Leben verändert? Wenn du Belle and Sebastian liebst, war "A Bit of Previous" von 2022 ein kleines Geschenk für dich. Belle and Sebastian haben uns bereits eine Fülle von Klassikern geschenkt, so dass man angesichts des Outputs des letzten halben Jahrzehnts, verstreut über EPs, Soundtracks und ein Live-Album (das gleichzeitig eine Greatest Hits-Sammlung war), annehmen könnte, es sei nichts mehr im Tank und es sei an der Zeit, den Tourbus für ein paar Album-Jubiläumsshows anzuwerfen. Aber das wäre ein Irrtum. Wie sich herausstellte, verbrachte die Band die trostlosesten Zeiten der Pandemie miteinander, nutzte die Situation und die Einsamkeit für neue Musik. Sie verwandelten diese Energie in Freude und in einen Herzschmerz, der jeden Moment durchschimmert. Als Zentrum diente ein Raum, der früher eigentlich für den Versandhandel bestimmt war und nun die neue Kreativzelle der Band ist. Aufgenommen in denselben Sessions wie der Vorgänger "A Bit of Previous", fühlt sich das neue Album "Late Developers" nicht wie eine Sammlung von weniger guten Songs an, die nicht gut genug waren, um auf das auf das erste Album zu kommen. Vielmehr ist es ein Beweis für die ungezügelte Kreativität, die die Band während der Aufnahmen entfachte und die das letzte Album nun ergänzt. Während man in einer Album-Info gerne versucht Musik mit markigen Worten zu beschreiben, entzieht sich "Late Developers" den Genres und schwebt zwischen den Welten. Belle and Sebastian hatten schon immer ein Händchen dafür, Musik und Texte so zu kombinieren, dass sie die chaotische Welt der menschlichen Empfindungen perfekt einfangen - ein Soundtrack des Lebens. Und es gibt eine gewisse Leichtigkeit auf "Late Developers", die einen daran erinnert, dass man hier den Experten in Sachen Gefühlswelten zuhört. Stuart Murdoch ist einfach ein meisterhafter Beobachter und Geschichtenerzähler. Es ist bemerkenswert, dass eine Band mit einer derart langen Karriere Musik machen kann, die sich nicht nur unmittelbar anfühlt, sondern auch zwei aufeinanderfolgende Alben, die klingen, als wären Belle and Sebastian auf dem Höhepunkt ihres Schaffens. "Late Developers" ist ein überzeugendes Beispiel dafür, dass Belle and Sebastian stets auf der Suche nach der perfekten Melodie sind, um uns immer wieder aufs Neue zu verzaubern und um klarzumachen, warum wir uns damals auf den ersten Blick in diese Band verliebt haben.

Es gibt ein neues Faber Album. Ein Live-Album, mit dem Titel „Orpheum“.
Im Frühjahr 2022 im großen Saal des historischen gleichnamigen Grazer Veranstaltungshauses aufgenommen.
Berüchtigt für stundenlange Sets, die überragenden Fähigkeiten seiner Band und dramatische Performances,
erscheint es sinnvoll, dass neue Songs in ihrer reinen Form - gespielt vor einem wahnsinnig gewordenem
Publikum - vorgestellt werden.

Smashed Gladys, aus der pulsierenden Toronto Punk Szene, gründeten sich 1984. Unter der legendären Sängerin Sally Cato wurden Smashed Gladys Teil der Glam Metal/Punk Szene. Smashed Gladys waren Teil einer legendäre Periode des New Yorker Rock. Das 1. Album der Mitglieder Sally Cato (Gesang), Bart Lewis (Gitarre), Matt Stellutto (Schlagzeug) und Ken Fox (Bass) wurde von Gene Simmons (Kiss) produziert, der die Persönlichkeit und rauhe Energie der Band perfekt einfing. In dieser wilden Zeit gründeten sie die berüchtigte Mittwochabendserie im Cat Club. Die Nacht wurde zu einer Startrampe für Bands und entwickelte sich zu einem Showcase-Veranstaltungsort und Partybühne für Künstler wie David Bowie, Duran Duran, Mick Jagger und andere. SG machten Demos für ihre dritte Platte, als Bassist Mark Sliker an einer Überdosis starb. Nach dem Chaos verließ Sally das Musikgeschäft und wurde Grafikerin. Das Album "Raw" ist eine Sammlung von Songs, die ursprünglich Demos für diese dritte Platte waren, die vom ersten Produzenten der Band, Mark Dearnley geremixt wurden. Das Album wird mit weiteren 4 Songs aus den Gene Simmons Sessions komplettiert. Tragischerweise ist Sally Cato 2020 verstorben. Raw' ist ihr Denkmal und ein begeisterndes Rock'n'Roll-Album, das einen zurück in die 80er Jahre versetzt

This compilation brings together 22 sound poems, including both pioneering and current pieces, and constitutes itself as the first great overview of sound poetry from Peru. It continues a cycle that began in 2009 with the appearance of a CD called Inventar la voz: Nuevas tradiciones orales To Invent the Voice: New Oral Traditions and was followed up in 2011 with another one called Irse de lengua [To Let It Slip], both of which contributed to articulate diverse manifestations of poetry that used technological means, also in the context of intense activity in the local scenes of experimental music and sound art that opened spaces for interdisciplinary dialogues. What we know as sound poetry is the product of a technological revolution associated with the appearance of various means of recording, transmission and amplification of the voice. A long process that took shape in the 20th century, until it became a discipline, articulated as an international movement which, based on phonetic research, expanded into a universe of oral/vocal artistic practices as part of a new technological context. The recordings gathered here comprise a time frame that goes from 1972 to 2021. We find poems that work with montage techniques, either because they explore simultaneity or juxtaposition, such as those by Mario Montalbetti, Frido Martín, Florentino Díaz, Carlos Estela, Luisa Fernanda Lindo, Macri Cáceres, Rodrigo Vera Cubas, Tilsa Otta, Giancarlo Huapaya/Omar Córdova, Virginia Benavides, Lisa Carrasco and Luis Alvarado. Others emphasize vocal/oral performance: we find the phonetic poems of Carlos Germán Belli and Eduardo Chirinos, as well as the concrete conceptual poems of Michael Prado, Sandra Suazo, Peru Saizprez, and the oral/guttural poem of Omar Aramayo. Finally, we find another group of pieces where the poem starts with the creation of a computational parameter or algorithm, as is the case with the pieces by Jorge Eduardo Eielson and Enrique Verástegui, eventually reaching the use of Artificial Intelligence as in the poems by Francisco Mariotti and Paola Torres Núñez del Prado. The Verbal Matter: An Anthology of Peruvian Sound Poetry is part of a series produced by Buh Records for Centro del Sonido, a website set up as a digital archive of Peruvian experimental music and sound art. The compilation has been made by Luis Alvarado and is published in a limited edition of 300 copies in vinyl format. It includes extensive notes and visual documentation. Mastered by Alberto Cendra. Art by René Sánchez.

John Holt has one of the finest and most versatile voices to come out of Jamaica.Whether fronting the great vocal group 'The Paragons' which he joined around 1965,singing many of their greatest hits including'Tide is High','On the Beach','Wear You to the Ball' to name but a few or his extensive solo career.A career that saw him covering every musical style from Pop,Lovers,Soul and his much overlooked Roots period.

John Holt (b.1947,Kingston,Jamaica) was a child prodigy he began his career being a regular voice on talent contests run by Vera Johns across the Jamaican Island.He cut his first single in 1963 for Leslie Kong's Beverly's label,'I Cried a Tear/Forever I'll Stay' and sang many duets with various singers of the day including 'Rum Bumper' with Aton Ellis.
In 1965 to 1970 as stated above was John Holts Paragon years in a period which he also ran solo with hits such as 'Fancy Make Up','A Love I Can Feel' and 'Lets Build Our Dreams'.
For this release we are looking at his extremely productive period working with Bunny'Striker'Lee.This reissue of John Holts classic1976 album 'Before The Next Tear Drop' is an album filled with classic after classic sung by Mr.Holt effortlessly.....
Hope you enjoy visiting these tracks....

Mit der Platte „Der Blonde schickt mich“ veröffentlicht der aus Celle stammende Rapper Benelüx sein Solo-Debüt auf dem Label „Okocha Records“. Für die komplette Produktion der Scheibe zeichnet sich HawkOne verantwortlich. Beide sind Teil des Berliner Untergrund-Kollektives Forcki9ers. Die Vinylversion ist auf 300 Exemplare limitiert

Die Martens Army, wie man sie kannte, wird nach dem Ableben ihres Drummers Fabi wohl nie wieder dieselbe sein. Aber dennoch muss es irgendwie weitergehen, denn das Leben schreibt weiterhin Geschichten, die erzählt und verarbeitet werden müssen.Aus diesem Grunde rückte auch das englischsprachige Musikprojekt zwischen Fabi und Stöbi namens "Skinhead Pride" schon aus Nachlassgründen in den Vordergrund.Seit mehr als 8 Jahren wurde an den Songs und den Texten gefeilt, die nun endlich ihren Abschluss fanden. Stöbi hat seine besten Mannen um sich geschart um ein spielerisch, sowie gesanglich hochwertiges Ergebnis zu erzielen. Mit talentierten Musikern wie Tim Steinfort (Gesang), Karsten Fiebig (Gitarre) und Rick Groenewegen (Bass) greifen die creme de le creme der deutschen und internationalen Oi! Szene an und präsentieren einen Sound, der in der heutigen Szene seinesgleichen sucht. Jeder einzelne Song ist durchdacht aufgebaut, grandios vertont und mit Gänsehautchören unterlegt, ohne irgendeinen Ausfall.Die Lieder reichen von schnellen melodischen Hymnen wie "Skinhead Rock´n´Roll" über eher szeneuntypischen aber dennoch grandiosem Rock a la ACDC ("My throat is calling for beer") bis hin zu eher ruhigen Nummers wie "Phoenix rising", welche auch dem härtesten Kerl die Tränen in die Augen treiben können. Dennoch bleibt man uneingeschränkt seinen Skinheadwurzeln treu.Diese eher besondere Plattenreihe der Martens Army wird zukünftig insgesamt 2 Alben umfassen, welche ausschließlich in englischer Sprache veröffentlicht werden. Dies bedeutet für Allrounder Stöbi allerdings nicht, dass er nicht bereits wieder an neuem deutschsprachigem Material arbeitet. Es bleibt also spannend bei den Jungs…..aber jetzt ist erstmal Zeit für "A Skinhead's Pride Part 1"!!!

Das Soloalbum des Black Uhuru-Gründungsmitglieds von 1982 im Originalcover als LP neu aufgelegt! Der Longplayer wurde mit den Roots Radics und dem Bläsersatz von Dean Fraser & Nambo Robinson im Channel One Studio von Soldgie und Scientist aufgenommen und abgemischt, als Produzent zeichnete Henry 'Junjo' Lawes verantwortlich.

"Black Screen Records has once again teamed up with Tumult Kollektiv to release their soundtrack to Hundred Days, a game of choice, nostalgia and winemaking.Departing from the folkloristic orchestral sounds of Pine, the music for Hundred Days strives for an intimate setting, prominently featuring a small ensemble of synthesizers, cello and guitar. The compositions are lush and intricate, creating a soothing and light-hearted score, tinged with a sense of melancholy.""We are really proud to be releasing our second soundtrack with Black Screen Records and would like to thank everyone that has been supporting our music.Working on the music for Hundred Days was a wonderful experience and a great opportunity to taste some wines (and learn about winemaking).Thanks to Weinhof Lindicke for allowing us to record sounds on their vineyard, and Lawrence Herlyn for showing us around.Furthermore, our deepest gratitude to the wonderful musicians we got to work with on this project. Thanks for borrowing us your talent, near infinite patience, and making the music sing."" - Alexander van der Kruijf, Jonathan Howe & Leonhard van Voorst"

"Dieses Album habe ich Bliss (Seligkeit) genannt, denn
es verkörpert eine Periode des Glücks und das Ende
einer schmerzvollen Vergangenheit", verrät RIOPY die
Hintergründe zu seinem dritten Album extended Bliss .
In seiner Musik verarbeitet der französisch-britische
Pianist und Komponist , was das Leben für ihn
bereithält. Seine beiden ersten Alben RIOPY (2018) und
Tree of light (2019) begleiteten ihn auf dem Weg durch
die Depression - und katapultierten den musikalischen
Autodidakten ganz nebenbei an die Spitze der
amerikanischen Billboard-Classical-Charts , wo sich sein
zweites Album über 100 Wochen hielt. Die Einspielung
erschien bereits im Sommer 2021. Aber weil Werk und
Leben sich bedingen, bleibt es "work in progress". Unter
dem Titel [extended] Bliss erweiterte der Künstler das
Album nun um einige Tracks.
Die Ergänzungen erklärt RIOPY so: " Fantasy , The First
Waltz und Human Compassion - diese drei Stücke
beenden eine Trilogie, sie markieren das Ende der Angst
und eröffnen einen Weg zu neuen Erfahrungen". Diese
Reise in ein sehr ruhiges und heiteres Universum und
der Kontakt mit der Natur beeinflussten den Klang
des Albums.

Erinnert sich noch jemand an die Descendents? Hoffentlich! Die kalifornische, 1978 gegründete Punkband war neben Bad Religion prägend für melodischen Hardcore. Zwölf Jahre war es recht still um die Formation gewesen, das letzte Album, "Cool To Be You", erschien bereits 2004. Doch Sendepausen, Auflösungen und Reunions gehören bei den Descendents gewissermaßen zum guten Ton, irgendwie ging"s dann doch immer wieder weiter. So auch jetzt. "Hypercaffium Spazzinate" ist das neunte Studioalbum des Quartetts. Es wurde von Milo Aukerman (Vocals), Stephen Egerton (Gitarre), Karl Alvarez (Bass) und Bill Stevenson (Schlagzeug) eingespielt, und damit der langjährigen, seit 1986 existierenden Besetzung. Und das ist nicht die letzte Kontinuität, mit der die Descendents aufwarten, die 16 neuen Tracks erreichen wie gehabt nur selten die magische Dreiminutengrenze und werden entsprechend vom gleichen unbändigen Energielevel getragen, das die Vier seit eh und je in ihre popgesteuerten Punk-Songs einbringen. Verantwortlich dafür sind "die Kräfte, die sie aus "rejection, food, coffee, girls, fishing, and food" ziehen", wie sie selbst sagen. So einfach ist das. Obwohl die Aufnahmen alles andere als unkompliziert waren und sich über Jahre hinzogen, da alle vier Musiker in einem anderen Bundesstaat leben.

GALDERIA präsentieren ihr neues Album "Endless Horizon", das durch seine kraftvollen und melodischen Metal Songs besticht, die einmal mehr vom Geist der Freiheit und Einheit erfüllt sind. Freut euch auf schwere Riffs, atemberaubende Leadgitarren sowie fantastische Vocals und Chorarrangements.

"Endless Horizon" ist ein melodisches Metal-Album mit 10 Songs voller Chorgesänge und Harmonien.
Es bietet eine massive Produktion, schwere Gitarrenriffs, atemberaubende Leadgitarren und fantastischen Gesangs- und Chorarrangements. Das Album wurde im Domination Studio vom talentierten Simone Mularoni gemischt und gemastert. Das Artwork wurde vom guten Freund der Band, Felipe Machado Franco, entworfen, mit dem sie seit ihrem ersten Album ein großartiges visuelles Universum erschaffen haben. Die Band ist sehr stolz auf das Ergebnis und für sie ist es bei weitem das beste Album, das sie zusammen gemacht haben. Seb und Tom haben Seite an Seite am Songwriting und an den Arrangements gearbeitet und dabei etwas wirklich Einzigartiges geschaffen. Alle Songs sind vom Geist der Freiheit und Einheit erfüllt.
Das Hauptthema des Albums ist das Erwachen des menschlichen Bewusstseins und die Emanzipation der Menschheit. Es geht um die Entscheidung, die wir treffen müssen, um diese Welt zum Besseren zu verändern, indem wir uns einfach selbst verändern.

Das 2021 erschienene Dream Unending-Debütalbum "Tide Turns Eternal" stellte für Derrick Vella (Tomb Mold) und Justin DeTore (Innumerable Forms, Sumerlands) eine deutliche Veränderung ihrer musikalischen Ambitionen dar. Obwohl das Album fest im Death/Doom-Bereich angesiedelt war, zeichnete es sich durch eine weitaus höhere Zielsetzung und Progressivität aus und distanzierte sich damit von anderen Vertretern dieses Stils. Jetzt, nur ein Jahr später, kehrt die Band mit dem atemberaubenden "Song of Salvation" zurück und lässt diesem Erkundungseifer wesentlich mehr Raum, sich zu entfalten und zu glänzen.

Der 14-minütige Opener des Titeltracks beginnt wie ein morgendlicher Sonnenaufgang über einem ruhigen Meer, bevor er sich zu ätherischer Schwere steigert wie die reich strukturierten Wellen eines plötzlichen Meeressturms. Der Schwung des Songs zieht sich nie in mühsame Wiederholungen zurück, sondern öffnet immer wieder neue Türen, ebbt und fließt wie das Wasser eines Flusses aus seiner Quelle.

Wie ein einsamer Blick aus dem Fenster eines abgedunkelten Zimmers auf die nächtlichen Lichter der Stadt, so bietet "Secret Grief" die Gasttalente des Sängers Phil Swanson und Leila Abdul-Rauf an der Trompete, was die Bandbreite der beteiligten musikalischen Talente und die Tragweite der unverwechselbaren Erzählung von "Song of Salvation" noch weiter vergrößert.

Das ruhige Zwischenspiel "Murmur Of Voices" weicht dem beschwörenden "Unrequited", das mit einem einsamen Gitarrensolo beginnt, bevor es in eine treibende Nachmittagsträumerei und unterbewusste Meditation übergeht.

Schließlich kommt das epische Ende des Albums, der 16-minütige Abschluss 'Ecstatic Reign'. Es enthält die vielleicht schwersten Doom-Momente des Albums sowie die Rückkehr von "Tide Turns Eternal" mit den Gaststimmen McKenna Rae und Richard Poe. Tomb Mold-Schlagzeuger / Kehlkopf Max Klebanoff taucht ebenfalls auf und liefert sich ein beeindruckendes Vocal Battle mit DeTore. Die cineastische Vision des Albums und die akribische, farbenfrohe Detailtreue bringen diese fesselnde Reise zu ihrem dauerhaften Höhepunkt.

Nur ein Jahr nach "Tide Turns Eternal" bieten Dream Unending auf dem grenzenlosen Panorama von "Song of Salvation" eine fortgesetzte Abkehr von begrenzenden Genre-Normen - und gleichsam eine geschickte Neudefinition derselben.

- Decibel Magazine Album des Monats November 2022 Ausgabe
- Gastauftritte von Phil Swanson (Solemn Lament, ex-Sumerlands, ex-Hour of 13), Leila Abdul-Rauf (Vastum, Ionophore) und Max Klebanoff (Tomb Mold, Death Kneel)
- Die Vinyl-Edition enthält ein riesiges 24x36-Zoll-Poster
- Aufgenommen von Sean Pearson und Arthur Rizk. Gemischt und gemastert von Arthur Rizk (Gravesend, Daeva, Eternal Champion, Power Trip, Kreator).
- Wunderschönes Cover-Artwork von Benjamin A. Vierling (Joanna Newsom, Nightbringer, Aosoth)
- Hauptmitglieder sind Derrick Vella (Tomb Mold) und Justin DeTore (Innumerable Forms, Sumerlands, Solemn Lament)

- FFO: Anathema, Evoken, Tiamat, Opeth, Trouble, Blue Nile, Live, Alice In Chains, Kings X

"Abhorrent Abomination', der Name des Debüt-Openers der Deather Autophagy, bedeutet frei übersetzt "abscheuliche Abscheulichkeit". Ein ziemlich zutreffender Begriff für ihre Musik, doch rein im positiven Sinne. Die Growls von Andy Swarthout sind stets etwas im Hintergrund verankert und sorgen somit für eine etwas surreale Atmosphäre. Die Gitarristen Justin Yaquinto und Kevin Miller hauen neben Doom-angehauchten Düster-Riffs auch ziemlich groovige, fast schon an Pantera erinnerte Rhythmen raus ('Beneath The Moss, Between The Roots'). Auf einer Spielzeit von rund 33 Minuten kommt daher wenig Langeweile auf. Im Titel-Track entscheiden sich die Herren aus dem amerikanischen Oregon für ein langsam schlürfendes Outro, welches durch seine Behäbigkeit an Brutalität gewinnt - die Kirsche auf der Torte sind die Slayer-Soli gen Ende des Songs. Die runde und kraftvolle Produktion von Billy Anderson (unter anderem Sleep, Neurosis, Eyehategod) sorgt für ein angenehm deftiges Sound-Erlebnis..." (Metal Hammer)

"Nach nur einem Demo heizen die Portland-Deather AUTOPHAGY mit ihrem Debüt "Bacteriophage" mächtig ein. Das Quartett spielt düsteren Death Metal, der extrem basslastig aus den Boxen dröhnt und tempomäßig zwischen Geholze, Uffta-Rhythmen und doomigem Geschrote hin und her pendelt. Die pechschwarzen, Lava-artigen Arrangements erinnern an Bands wie Incantation, Portal oder Immolation. Wenn´s abgeht und das Tempo etwas flotter wird, scheppert es in alter Carcass-Manier. AUTOPHAGY liefern mit "Bacteriophage" ein solides Debütalbum ab, das man als Fan genannter Bands durchaus mal anchecken sollte." (Rock Hard)
Weitere Formate

‘Dead End Kings‘, eines der ehrgeizigsten Werke der Band,
wurde in den Ghost Ward Studios und in The City Of Glass
aufgenommen. Anders Nyström und Jonas Renkse kümmerten sich um die Produktion des Albums, während David
Castillo, der für seine früheren Kooperationen mit Katatonia
sowie Opeth und Bloodbath bekannt ist, für den Mix des
Albums verantwortlich war. ‘Dead End Kings‘ war das
Aufnahmedebüt von Gitarrist Per Eriksson für die Band,
zusammen mit dem neuen Bassisten Niklas Sandin.