GERMit Everything in Readiness legt Shovel Dance Collective sein drittes Album vor und bestatigt damit die Ausnahmestellung des neunkopfigen Ensembles innerhalb der aktuellen Folk-Renaissance Großbritanniens. Aufbauend auf der Resonanz der Vorganger The Water is the Shovel of the Shore und The Shovel Dance entwickelt die Gruppe ihren Ansatz konsequent weiter: Traditionelle Lieder werden aus unterschiedlichsten Quellen zusammengetragen, neu arrangiert und zu vielschichtigen Klangcollagen verwoben. Dabei verbindet das Kollektiv akustische Instrumentierung, Improvisation, experimentelle Aufnahmetechniken, Field Recordings und gemeinsame Gesangsarrangements zu einem unverwechselbaren Gesamtbild. Inhaltlich rucken soziale, politische und historische Perspektiven in den Vordergrund, ohne den Charakter der uberlieferten Songs zu verlieren. Erscheint auf dem tak:til-Imprint von Glitterbeat Records und positioniert sich gleichermaßen fur Folk-, Experimental-, Avantgarde- und World-Music-Kundschaft.[ENG]The nine-piece ensemble Shovel Dance Collective have been at the forefront of the resurgence of interest in traditional music since they came together in late 2019 and their two albums thus far - "The Water is the Shovel of the Shore" and "The Shovel Dance" - have been celebrated within, and far beyond, the confines of the folk scene in the UK and internationally.After recent acclaimed releases from artists such as Brighde Chaimbeul, Sirom, Alison Cotton and Cerys Hafana, Glitterbeat's tak:til imprint feels like a natural home for their exhilarating third album "Everything in Readiness".
Eine sorgfältig zusammengestellte Kollektion, die Desmond Dekkers Einfluss auf Ska, Rocksteady und
frühen Reggae unterstreicht. Mit herausragenden Titeln wie „Israelites“ und „007 (Shanty Town)“ fängt
sie jenen Sound ein, der dazu beitrug, jamaikanische Musik einem internationalen Publikum nahezubringen.
Dies ist eine kompaktere Version der „Essential Collection“ von 2023; sie erscheint anlässlich des National
Album Day 2026 (10. Oktober 2026) sowohl als Pressung auf schwarzem „Ecorecord“-Vinyl als auch
im Digisleeve-Format (1 CD) inklusive Booklet. Die Veröffentlichung bietet ein klares, warmes Klangbild
und dient als prägnanter Überblick über Dekkers wichtigste Aufnahmen – eine verlässliche Ergänzung für
Sammler und ein idealer Einstieg für alle, die den klassischen Reggae für sich entdecken möchten.
Mit ’Fix Your Face’ präsentiert MASEGO sein drittes Album. Auf 16 Tracks verbindet der GRAMMY
nominierte Künstler seinen charakteristischen Sound mit neuer emotionaler Offenheit, Selbstreflexion und
Spiritualität. Gastbeiträge von Buju Banton, Keyshia Cole, Leon Thomas und Musiq Soulchild unterstreichen die musikalische Vielfalt des Albums - jetzt auch auf Vinyl.
Michael Kiwanuka veröffentlicht sein 5. Studioalbum ”Fudge”, welches von Druck, Erwartungen, Zweifeln
und dem spielerisch kindlichen Umgang damit handelt. Für Kiwanuka ist das Album eine höfliche Art zu
sagen: Egal was du davon hälst, Ich werde es einfach tun! Das Album markiert das erste Werk seit 13
Jahren in dem Kiwanuka ohne sein bewährtes Produktionsteam arbeitet. Die ersten Ideen zum Album
sind bereits in der Zeit des Lockdowns entstanden, besonders prägend war ein Interview auf Instagram mit
dem verstorbenen Jazzpianisten Chick Corea. Besonders das Zitat: ”Du musst herausfinden, was du schön
findest, und darauf vertrauen und daran glauben” hat den Entstehungsprozess nachhaltig geprägt.
Für die Deluxe-Edition ihres zweiten Albums hat dodie neue Songs und Neuinterpretationen einiger ihrer
Songs aufgenommen. Die britische Singer-Songwriterin hat sich vom YouTube-Phänomen zur international
erfolgreichen Indie-Pop-Künstlerin entwickelt. Mit knapp zwei Millionen Abonnenten und rund 460 Millionen YouTube-Views verfügt sie über eine große, loyale Fangemeinde.
Ihr zweites Album „Not For Lack Of Trying“ erschien 2025 und wurde von ihr gemeinsam mit dem
Grammy-nominierten Produzenten Joe Rubel (Maisie Peters, Griff, Sigrid) produziert. Für die DeluxeEdition kommen mit „Fruit In The Sun“ und „As Far As We Know“ zwei neue Stücke hinzu, außerdem
erscheint „Maybe, Finally“ erstmals auf einem physischen Tonträger. Vier Songs aus „Not For Lack Of
Trying“ wurden zudem in den Middle Farm Studios mit Freunden und musikalischen Weggefährten komplett neu interpretiert.
Die Deluxe Edition mit sieben zusätzlichen Songs erscheint als transparente/graue 140g Eco-Doppel-LP
sowie als CD.
Mit gerade einmal 19 Jahren hat sich die irische Gitarristin und Sängerin Muireann Bradley als außergewöhnliche Blues-Interpretin einen Namen gemacht. TV-Auftritte bei Jools Holland u.a., sowie ausverkaufte
Konzerte dies- und jenseits des Atlantiks sowie Festivalshows in einem Umfeld, zu dem auch Neil Young,
Lana Del Rey und Beck gehörten, machten sie bekannt.
Wer Muireann Bradley spielen hört, dürfte kaum vermuten, dass die Musikerin aus dem irischen County
Donegal erst 19 Jahre alt ist. Zu selbstverständlich klingt ihr Fingerpicking, zu tief scheint sie in jene
musikalische Welt eingetaucht zu sein, die von Blind Blake und Mississippi John Hurt über frühen Bob
Dylan bis zur irischen Folk-Tradition reicht.
Jetzt geht sie einen entscheidenden Schritt weiter und rückt eigene, unter die Haut gehende Songs ins
Zentrum. Ihr Album „Rose Dogs & Blackwood Pew“ verbindet die fünf Stücke der 2025 nur digital
erschienenen EP „Rose Dogs“ mit den sechs Titeln der neuen EP „Blackwood Pew“.
Amazing house anthems! The debut release, FD001 quickly gained international attention for its lowslung, dirty house groove, catching the attention of Claude VonStroke and the Dirtybird camp, with the track selected for Claude’s Live @ Movement mix. Since launching the label, Freak Division has continued to build momentum with a growing catalogue of original releases while also maintaining a strong presence on respected house labels worldwide. Drawing inspiration from their US house influencers, the duo’s recent productions have evolved to incorporate the warmth, swing and character of classic 90s house. The new direction has also seen the emergence of their latest moniker, House Monsters, showcasing a deeper connection to timeless house music while pushing their sound into new territory.
FROM THE HEART OF STAR TREK – 60 YEARS
From the Archives – Vol. 2 Vinyl Box
60 Jahre Star Trek – die Jubiläumsreise geht weiter! Vol. 2 der zweiteiligen Vinyl-Box-Edition widmet sich der großen Kinofilm-Ära von Star Trek: The Next Generation. Enthalten sind die Soundtracks zu Star Trek: Generations, Star Trek: First Contact und Star Trek: Insurrection – drei prägende Klangwelten zwischen Jahrhunderten, Kino-Geschichte(n) und Emotionen.
Ergänzt wird die Box durch TV Series Soundtracks, eine Compilation mit musikalischen Höhepunkten aus dem StarTrek-Serienkosmos.
Enthaltene Vinyls:
· Star Trek: Generations
· Star Trek: First Contact
· Star Trek: Insurrection
· Star Trek – TV Series Soundtracks (Doppel-Vinyl)
From the Archives – Vol. 2 ist eine besondere Jubiläumsedition für Vinyl-Liebhaber, Soundtrack-Sammler und Trekkies – ein weiteres Stück Star-Trek-Geschichte zum Auflegen.
At the foot of the mountain. Our gaze is inclined toward the summit.
Toward the ascent. The destination that awaits us.
From the valley, we look up at the summit: our destination. But also the path: the true destination.
We can already trace our route, and we are already imagining ourselves walking up there. Along the small ridge, just above the tree line. There, we take a short break and look for the exact spot in the valley where we were standing earlier. It is strange to grasp that we have actually climbed this mountain. To look down from up here at the place where we were just moments ago – the same place we looked up from, toward the place where we are standing now.
And now, knowing what it is like to be up here, we remember what we imagined it would be like back then. What we believed it would mean to stand here.
Along the way, our gaze wanders back and forth. Up toward the mountain, down into the valley, sometimes only at our shoes. We keep walking, one step after another. Our thoughts detached. Our body functioning purely mechanically.
Step left. Step right. Step left. Step right.
Our mind has completely detached itself, and our thoughts race at an immense speed. They summon the most different moments. Moments from our lives. Moments that shaped us, that made us who we are. Or are we perhaps simply trying to understand who we are and how we got here?
It is strange that reaching the summit and looking down could make us believe that we have finally reached, or are striving toward, some superior, triumphant position. When in fact, it is really only about looking at the path we inevitably have to take. Processing impressions from a certain distance. Reconsidering what we have experienced, without losing sight of what lies ahead.
Our gaze turns back toward the summit.
Is there a destination?
An ascent? A summit? A descent? The return?
Or is it only about the insights we encounter along the way?
Am Fuß des Berges. Unser Blick ist zum Gipfel geneigt.
Auf den Aufstieg. Das Ziel, das uns erwartet.
Vom Tal aus blicken wir auf den Gipfel: unser Ziel. Aber auch den Weg: das wahre Ziel. Unsere Route kann man jetzt schon abstecken, und wir stellen uns bereits vor, wie wir dort oben laufen. Über den kleinen Grat, leicht oberhalb der Baumgrenze. Dort machen wir eine kleine Pause und suchen genau die Stelle im Tal, an der wir vorhin noch standen. Es ist verrückt, zu begreifen, dass wir diesen Berg tatsächlich hinaufgestiegen sind. Von hier oben auf den Ort hinunterzusehen, an dem wir eben noch waren – an denselben Ort, zu dem wir hinaufgeblickt haben, als wir noch dort unten standen. Und jetzt, da wir wissen, wie es ist, hier oben zu sein, erinnern wir uns daran, was wir uns damals darunter vorgestellt haben. Was wir geglaubt haben, es würde bedeuten, hier zu stehen.
Unterwegs wandert unser Blick hin und her. Hinauf zum Berg, hinunter ins Tal, manchmal nur auf unsere Schuhe. Wir gehen weiter, einen Schritt nach dem anderen. Unsere Gedanken losgelöst. Unser Körper funktioniert rein mechanisch. Schritt links. Schritt rechts. Schritt links. Schritt rechts.
Unser Geist hat sich völlig losgelöst, und unsere Gedanken rasen mit einer ungeheuren Geschwindigkeit. Sie rufen die verschiedensten Momente herauf. Momente aus unserem Leben. Momente, die uns geprägt haben, aus denen wir geworden sind, wer wir sind. Oder versuchen wir vielleicht einfach nur zu verstehen, wer wir sind und wie wir hierhergekommen sind?
Es ist schon seltsam, dass das Erreichen des Gipfels und der Blick nach unten uns glauben lassen könnten, dass wir endlich eine überragende, triumphale Position erreicht haben oder anstreben würden. Dabei geht es doch eigentlich nur um den Blick auf den Weg, den wir zwangsläufig beschreiten müssen. Eindrücke mit etwas Abstand zu verarbeiten. Erlebtes noch einmal Revue passieren zu lassen, ohne den Blick nach vorne zu verlieren.
Unser Blick wendet sich wieder dem Gipfel zu. Gibt es ein Ziel? Einen Aufstieg? Einen Gipfel? Einen Abstieg? Die Rückkehr? Oder geht es nur um die Erkenntnisse, die uns unterwegs begegnen?
XKatedral ist stolz darauf, ein neues Album in voller Länge von Label-Mitbegründerin Maria W. Horn zu präsentieren. ,Melting Pillars of Snow" ist eine Sammlung neuer Kompositionen der renommierten schwedischen Komponistin, geschrieben für Kontrabassblockflöte, Sho, Percussion, E-Gitarre, Gesang und Elektronik, gespielt von Horn zusammen mit einem Kammerensemble bestehend aus Anna Petrini, Mattias Hallsten, Magdalena Meitzner und Mats Erlandsson. Das Album enthält außerdem eine Erzählung von Horn sowie einen Gastauftritt von Michael Gira auf der ersten Single ,Scythe of Saturn". Für ,Melting Pillars of Snow" ließ sich Maria von W. G. Sebalds Roman ,Die Ringe des Saturn" inspirieren, einer poetischen Reflexion, die einem namenlosen Erzähler folgt, der an der Küste von Suffolk in England umherwandert. Während sich die Landschaft allmählich verändert, thematisiert der Text auf vielfältige Weise den Lauf der Zeit und die Distanz zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft und spiegelt dabei sowohl weitreichende zeitliche Maßstäbe wie die Zyklen der Jahreszeiten und die tiefe historische Zeit als auch mikroskopisch kleine Momente und Fragmente wider. Mit den Kompositionen auf dieser Veröffentlichung beschwört Maria ein ähnliches Gefühl der Stille herauf - eine Umgebung, in der die Bewegung der Zeit selbst beleuchtet und beobachtet werden kann. Das Instrumentarium auf diesem Album ist Horns bislang ambitioniertestes: Sie ergänzt ihre gewohnte Palette aus maßgeschneiderter algorithmischer Synthese und elektronischer Bearbeitung um eine komplexe Auswahl an Perkussionsinstrumenten, Blasinstrumente, die an beiden Enden des musikalischen Spektrums spielen, sowie E-Gitarre, um so einen spiralförmigen, spektralen Klangteppich durch den gesamten Frequenzbereich zu weben. Die Perkussionistin Magdalena Meizner spielt spezielle Techniken auf dem Obertondreieck, dem Dubachi, den Pauken und dem Tam-Tam sowie auf gestimmten Weingläsern und gestrichenen Crotales. Die von Anna Petrini gespielte tieftönige Kontrabassblockflöte und das von Mattias Hallsten gespielte hochfrequente Sho fügen kontrastierende Akkordarrangements hinzu, die in strengen metrischen Strukturen eingebettet sind. Das Ensemble wird durch Mats Erlandsson vervollständigt, der auf E- und Akustikgitarren spielt und dabei von sanften Arpeggio-Figuren zu düsteren Drones und Feedback-Heulern wechselt.
Die Legenden der elektronischen Musik, Soft Cell, bestehend aus Sänger & Frontmann Marc Almond und Multiinstrumentalist & Produzent Dave Ball, veröffentlichen mit "Danceteria" ihr sechstes und letztes Studioalbum - zugleich ein Liebesbrief an das New York der frühen 80er Jahre, wo Soft Cell ihre ersten drei Alben aufnahmen. "Danceteria" ist ein großartiger, stilvoller und verspielter Abschied von 47 Jahren gemeinsamer Musikgeschichte von Marc & Dave als Soft Cell und präsentiert Darbietungen, die für die Karriere dieser Electro-Pop-Legenden prägend sind. Mit Anklängen an Sparks und die Pet Shop Boys sowie Texten, für die Lady Gaga töten würde, nimmt das Album den Hörer mit auf eine lebendige Reise durch einen Tag im New York der frühen 80er Jahre – eine Reise, die rund um die Uhr von der Nacht über den verschwommenen Tagesanbruch bis zum direkten Wiedereintritt in den Club führt.
"Danceteria" ist gleichermaßen eine Hommage an den verstorbenen, großartigen Dave Ball. Dieses letzte Album gehört zu den letzten Werken, an denen Ball als Co-Autor und Produzent mitwirkte, bevor er am 22. Oktober 2025 auf tragische Weise viel zu früh verstarb. Marc Almond führte die Reihe der Nachrufe an und bezeichnete Dave als "geniales musikalisches Genie". Die weltweiten Medien und Musikstars wie Neil Tennant & Chris Lowe (Pet Shop Boys), Daniel Miller (Mute Records), Cabaret Voltaire sowie Richard Norris aus Daves Techno-Duo The Grid würdigten ihn voller Anerkennung und Wehmut als Pionier der elektronischen Musik. Dave stellte "Danceteria" zwei Tage vor seinem Tod fertig, und ganz in seinem Sinne wurde die Veröffentlichung des Albums wie geplant durchgeführt. Auch aufgrund von Daves Tod muss "Danceteria" zwangsläufig das letzte Soft Cell-Album sein, wie Marc erklärt: "Ohne Dave kann es keine weiteren Aufnahmen von Soft Cell geben; das wäre schlichtweg unmöglich. Die traurige Realität ist, dass Dave Ball die eine Hälfte von Soft Cell war, und abgesehen von Live-Auftritten kann ich ohne ihn keine Soft-Cell-Songs schreiben."
Der dritte Teil der Pentimento-Trilogie. Aufgenommen am 23. Mai 2015 in der Londoner St John at Hackney-Kirche während Jon Hassells letztem Live-Konzert, gemeinsam mit Rick Cox und John von Seggern. Themen, Motive und Riffs aus Hassells letzten beiden Alben – "Listening To Pictures" und "Seeing Through Sound" – durchziehen diese einzigartigen, halb-improvisierten Variationen. Sorgfältig abgemischt und bearbeitet von Jon Hassell und seinem langjährigen Weggefährten Jeff Rona, bildet dieses Werk einen würdigen Abschluss für die Renaissance der Pentimento-Reihe in seiner späten Schaffensphase.
Chopping Mountain, das neue Album von Ibibio Sound Machine, ist die bislang deutlichste Umsetzung der langjährigen Mission des Londoner Kollektivs, Liebe, Einheit und Widerstand durch Musik zu fördern. Es ist das sechste Album der Band in voller Länge und das erste, bei dem Max Grunhard seit ,Doko Mien" aus dem Jahr 2019 als Produzent mitwirkt. Nach ihrem von Hot Chip produzierten Durchbruch ,Electricity" (2022) und dem düstereren, clubbigen Einschlag des von Ross Orton produzierten ,Pull the Rope" (2024) fühlt sich ,Chopping Mountain" an, als stamme es direkt aus den Herzen und Erfahrungen der von Eno Williams und Grunhard angeführten Band. Williams ist wie immer eine Sirene - eine Frontfrau, wie sie nur einmal in einer Generation vorkommt, deren Ruf, sowohl auf die Tanzfläche als auch nach einer besseren Zukunft, unmöglich zu widerstehen ist. Wie sie das macht, ist ein Rätsel. Nimm zum Beispiel einen Song wie ,Return to Sender". Inspiriert von einem Autounfall, bei dem sie spürte, wie ihr das Lenkrad buchstäblich aus den Händen sprang - was sie mit ,einem spirituellen Angriff durch unsichtbare Kräfte" verglich -, ist der Track ein kraftvoller, kathartischer Rager, ein Ganzkörper-Workout und eine lautstarke Ablehnung des Bösen in mehreren Sprachen, Englisch und ihrer Muttersprache Ibibio. Sie ist natürlich kaum allein am Fuße des ,Chopping Mountain". Ibibio Sound Machine - Grunhard (Saxophon, Keyboards), Alfred Bannerman (Gitarre), PK Ambrose (Bass, Keyboards), Joseph Amoako (Schlagzeug), Afla Sackey (Percussion), Scott Baylis (Trompete, Keyboards) und Tony Hayden (Posaune, Synth) - sind übernatürlich eingespielt und schöpfen aus ihren Wurzeln und Inspirationen in Highlife, Disco, Afrobeat, Funk, Post-Punk und Electropop, um um ihre Stimme herum gewaltige Klangkathedralen zu errichten. Vor dem Hintergrund einer entmutigenden Welt bleiben Ibibio Sound Machine hoffnungsvoll, auf der Suche nach Bewusstsein und Verbundenheit. Sie setzen den Weg fort, den sie erstmals auf ,Pull the Rope" eingeschlagen haben: Viele Songs auf ,Chopping Mountain" entstanden aus Jam-Sessions, bei denen sie sich auf einen Groove, ein Instrument oder einen Text konzentrierten. Auf ,Concept of Love" formen sie einen Afro-Disco-Song, auf ,Love" vertiefen sie das Konzept und liefern ein ätherisches Stück Highlife. Bei ,Give Me Peace" ist sogar Dele Sosimi von Fela Kutis Egypt 80 zu hören. Diese berauschende Mischung aus unterschiedlichen Stilen und Herkunftsorten verschmilzt über das gesamte ,Chopping Mountain", wobei die Songs darin vereint sind, dass sie die schärfsten Werkzeuge sind, die Ibibio Sound Machine im gegenwärtigen Moment einsetzen können. Sie stellen den Kampf um Freiheit als einen gemeinschaftlichen dar. Der Weg zur Befreiung ist lang und beschwerlich, aber er ist nicht ohne Freude - hier ist ein Album, das vor ihr nur so strotzt.
Es gibt wohl kaum ein Projekt, das die Welt der instrumentalen Musik zuletzt so nachhaltig revolutioniert
hat wie die Hermanos Gutiérrez. Mit ihrem meditativen Signature-Sound haben sich die Brüder Alejandro
und Estevan eine treue weltweite Fangemeinde erspielt. Doch während ihre bisherigen Erfolgsalben uns
durch die Canyons des amerikanischen Westens führten, schlägt das Duo mit Los Ojos del Cóndor ein
faszinierendes neues Kapitel auf.
Diesmal lassen die Brüder die Wüstenhitze hinter sich und reisen dorthin, wo ihre familiären Wurzeln
liegen: in den geheimnisvollen Küstennebel von Lima, Peru. Für diese musikalische Weiterentwicklung
vertrauen sie erneut auf ein bewährtes Erfolgsrezept: Es ist bereits ihre dritte Zusammenarbeit mit dem
Black-Keys-Frontmann und Grammy-Gewinner Dan Auerbach, der das Album für sein Kult-Label Easy Eye
Sound produziert hat.
Unter Auerbachs Regie ist eine üppige musikalische Odyssee entstanden, die die Weite der Prärie gegen die
hypnotischen Rhythmen Südamerikas eintauscht.
Aaron Dilloway kehrt mit ,No Skill Comedy Mind Reading" zu Dais Records zurück - seinem ersten echten Album in voller Länge seit 2017, einer Sammlung von typisch verstörendem, absurdem Material. Geprägt von seinen typischen Verzerrungen und Verformungen - von Feedback umhüllte Fundstücke, Feldaufnahmen und Gesangsimprovisationen - versammelt ,No Skill" fast ein Jahrzehnt ausgewählter Soloarbeiten und wirkt dennoch ganz und gar zeitgemäß: ein sprunghaftes Produkt der Unbeständigkeit, zugleich hart und humorvoll. Nur wenige zeitgenössische Experimental-Künstler des letzten Vierteljahrhunderts sind so produktiv und verehrt wie Dilloway, ein Pionier der amerikanischen Noise-Szene im Mittleren Westen, ehemaliges Mitglied von Wolf Eyes und Gründer des in Oberlin ansässigen Labels und Plattenladens Hanson Records. Doch trotz seines immensen Gesamtwerks hat er nur zwei richtige Solo-LPs veröffentlicht, neben einer regelmäßigeren Produktion von Kassettenveröffentlichungen und Kollaborationsprojekten. Mit ,No Skill" vollendet er nun eine vieldeutige Albumtrilogie, die mit seinem wegweisenden Werk ,Modern Jester" aus dem Jahr 2012 begann. ,Ich habe fast das Gefühl, dass sie irgendwie Teil eines Ganzen sind. Alle drei Alben versuchen, in den schlimmstmöglichen Situationen Humor zu finden. Je nachdem, wer zuhört und wie die jeweilige Einstellung ist, könnten sie als lustig oder einfach nur als grauenhafte, schreckliche Alben empfunden werden." Halb im Ernst fährt Dilloway fort: ,Für mich ist dieses hier das Ergebnis von, na ja, verkorksten Sachen: psychische Erkrankungen, Medikamente, Scheidung, komischer Scheiß. Das Eintauchen in seltsame Dinge fasziniert mich immer auf die eine oder andere Weise." Neben den bereits erwähnten Einflüssen aus der menschlichen Erfahrung greift ,No Skill" auf verschiedene technische und ästhetische Kuriositäten zurück: das methodische Sounddesign von Alvin Lucier, Andy Milligans Low-Budget-Kult-Horrorfilm ,The Weirdo" aus dem Jahr 1989 und die pop-exzentrische Art des Filmkomponisten Hugo Montenegro. Dilloway stieß bei einer Lagerraumversteigerung auf dessen skurrile Habseligkeiten, darunter Notizen zu den frühen elektronischen Experimenten des Komponisten. Einige der beunruhigendsten Momente des Albums, wie das Lachen, das ,Bring Me The Head Of The Unknown Comic" heimsucht - klanglich eine Anspielung auf die Avantgarde-Größen Nurse with Wound und thematisch auf den Komiker aus den 1970er Jahren mit der Papiertüte über dem Kopf -, lassen sich auf den Einfluss dieses wahrhaft ungewöhnlichen Fundes zurückführen. ,No Skill" knüpft zudem an Dilloways jüngste künstlerische Ausflüge an: seine Umsetzung von John Cages 88-Band-Loop ,Rozart Mix"; die Originalmusik für ,The Absence of Milk In The Mouths of the Lost"; Gemeinschaftsalben mit Lucrecia Dalt (Lucy & Aaron) sowie Kim Gordon & Bill Nace (Body/Dilloway/Head). Während er an diesen und anderen Projekten arbeitete, legte er in Gedanken einen Ordner für sein nächstes Dais-Album an und sammelte Aufnahmen, die zu einer ziemlich vagen Vision passten. ,Dieses Album hat mich irgendwie völlig in Beschlag genommen, seit ich ,The Gag File` 2017 fertiggestellt habe. Zuerst dachte ich, es würde eher ein Pop-Album werden, aber dann hat mir das Lucrecia-Projekt diese Idee irgendwie aus dem Kopf getrieben. Es begann, eher wie meine Live-Sets zu fließen." Er entschied sich für eine Abfolge, die den Hörer ein wenig im Ungewissen lässt - ob erschrocken, amüsiert oder verwirrt; der Effekt soll absichtlich den Eindruck erwecken, dass etwas kaputt ist. Das Album beginnt mit schrillen Kreischen, bevor es in Drone-Passagen eintaucht, die durch zwei aneinander geriebene nepalesische Sarangi-Bögen entstehen, begleitet vom ersten Auftauchen seiner ogerartigen stimmlichen Präsenz. Anschließend werden mehrere Minuten von weißem Rauschen verschluckt (,Forced Auctioneer"). Dilloway verweist auf The Weirdos seltsamen Einsatz ausgedehnter Übergänge mit schwarzem Raum und seine lebenslange Liebe zum Bandrauschen. Er bekam Kassetten von älteren Kindern und hörte diese Geräusche als Teil der Songs, nur um später zu erfahren, dass es sich um klangliche Artefakte handelte, die von Generationen des Kopierens auf Kassette übrig geblieben waren. ,Ich stehe total auf die Idee, all diese Schichten aufzubauen und sie in etwas anderes zu verwandeln. Wenn ich zum Beispiel live spiele, kann es rauer zugehen als bei meiner aufgenommenen Musik, und dafür wollte ich genau dieses Gefühl einfangen - dass diese Ausbrüche laut sind, aber ein bisschen gedämpfter. Dieser totale Rauschklang, fast so, als wärst du unter Wasser." Dilloway sammelt Tonpoesie-Platten, und obwohl er seine eigene Arbeit nicht gerne in dieses Genre einordnet, spricht die Absurdität dieses Handwerks - die Verwendung von phonetischen Lauten und nonverbalen Geräuschen als Ersatz für traditionelle semantische Bedeutung - durch sein Werk. Auf ,Possession Audition Tape" liest er verschiedene Passagen aus einem Buch vor, das von einer französischen religiösen Gruppe aus dem 18. Jahrhundert handelt, die zu öffentlichen Unruhen neigte, und schneidet diese digital auseinander, wodurch er im Mix seine eigenen, echoartigen Stotterausbrüche erzeugt. ,No Skill Comedy Mind Reading" endet mit einem Stück aus Synthesizer und Orgel-Rhythmusmaschine, das auf Musik basiert, die er für den Film ,Supporting Actor" von Pieter Schoolwerth und Phil Vanderhyden komponiert hat - in dem ein Avatar von Dilloway in ein Portal gezogen wird. Dort trifft er in einem fantastischen Club auf posthumane Wesen. Die Szene, die sich irgendwie auf Audio übertragen lässt, versetzt das Set in einen passend verwirrenden Traumzustand. Ein Star der Noise-Musik, ein moderner Hofnarr, der aus dem Unbekannten berichtet.
Das neue Album "The Lying Swans" der deutsch-brasilianischen Musikerin und bildenden Künstlerin Gloria de Oliveira entfaltet sich wie ein Werk des Magischen Realismus - bevölkert von Vögeln, Heiligen, Sirenen, blutigen Gesichtern, Geisterschiffen und gespenstischen Erscheinungen - und lädt die Hörer*innen in ihr bislang unmittelbarstes und komplexestes Werk ein. De Oliveiras drittes Album aber eigentliches Debut wirkt wie ein Werk der Gothic-Literatur, angestoßen durch das Bild einer Frau, die aus einem Spukhaus flieht; dieses zentrale Motiv prägte auch die visuelle Welt des Albums. Produziert von Randall Dunn (Anna von Hausswolff, Sunn O))), Marissa Nadler) und aufgenommen zwischen Island, New York und Berlin, ist das Ergebnis eine traumhafte Welt, in der Zauber und Gefahr nebeneinander existieren. Nach der EP-Compilation "Fascination" (2020, Reptile Music) sowie "Oceans of Time" (2022, Sacred Bones) - ihrer Zusammenarbeit mit David Lynchs langjährigem Sounddesigner Dean Hurley - führt "The Lying Swans" de Oliveira in neues Terrain. Sowohl thematisch als auch klanglich scheinen diese neun Songs aus den nebligen Gefilden von Hall und ätherischem Fuzz-Sound herauszutreten und eine erdige, greifbarere und damit verletzlichere Seite zu offenbaren. Dennoch bleibt ihre seraphische, sehnsuchtsvolle Stimme der Mittelpunkt, flankiert von einer beeindruckenden Riege an Musikern: Schlagzeuger Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, Pearl Jam), Gitarrist Lennard Zander, Cellistin Gyda Valtysdóttir (múm), Harfenistin Marilu Donovan (LEYA, Eartheater, Julie Byrne) und Keyboarder Ulfur Hansson wirken mit, während Ambient-Ikone Tor Lundvall eine seltene Spoken-Word-Darbietung beisteuert. Lina Andonovskas Querflöte spielt eine tragende Rolle und verleiht den Songs einen ebenso luftigen wie beunruhigenden Klang - inspiriert sowohl von de Oliveiras brasilianischen Wurzeln als auch von den Giallo-Soundtracks der 1970er und 1980er Jahre, jenen atmosphärischen italienischen Horror-Krimis, die stilisierte, drastische Gewalt und Voyeurismus mit prachtvoller Schönheit verbinden. Inspiriert von Lyrik, Literatur, Film und bildender Kunst ebenso wie von Musik, haben de Oliveira und Dunn ein Album geschaffen, das sich mühelos zwischen dem Spektralen und dem Pastoralen bewegt - ein Werk, in dem Anklänge an Fantasy- und Giallo-Soundtracks, alte Folk-Traditionen sowie die rhythmische Zartheit von Bossa Nova, MPB und Tropicália verschmelzen. Auch die Texte verweben Mythologie mit Anspielungen auf Miltons Paradise Lost*sowie die Lyrik von John Keats, Emily Brontë und Anne Sexton. Ein durchweg erhabenes Werk. Als CD (Digisleeve) mit Booklet oder auf LP (in klassisch Schwarz, Coke-Bottle-Green oder weiß-blau marmoriert) mit bedruckter Innenhülle & inside-out Sleeve.
Das neue Album "The Lying Swans" der deutsch-brasilianischen Musikerin und bildenden Künstlerin Gloria de Oliveira entfaltet sich wie ein Werk des Magischen Realismus - bevölkert von Vögeln, Heiligen, Sirenen, blutigen Gesichtern, Geisterschiffen und gespenstischen Erscheinungen - und lädt die Hörer*innen in ihr bislang unmittelbarstes und komplexestes Werk ein. De Oliveiras drittes Album aber eigentliches Debut wirkt wie ein Werk der Gothic-Literatur, angestoßen durch das Bild einer Frau, die aus einem Spukhaus flieht; dieses zentrale Motiv prägte auch die visuelle Welt des Albums. Produziert von Randall Dunn (Anna von Hausswolff, Sunn O))), Marissa Nadler) und aufgenommen zwischen Island, New York und Berlin, ist das Ergebnis eine traumhafte Welt, in der Zauber und Gefahr nebeneinander existieren. Nach der EP-Compilation "Fascination" (2020, Reptile Music) sowie "Oceans of Time" (2022, Sacred Bones) - ihrer Zusammenarbeit mit David Lynchs langjährigem Sounddesigner Dean Hurley - führt "The Lying Swans" de Oliveira in neues Terrain. Sowohl thematisch als auch klanglich scheinen diese neun Songs aus den nebligen Gefilden von Hall und ätherischem Fuzz-Sound herauszutreten und eine erdige, greifbarere und damit verletzlichere Seite zu offenbaren. Dennoch bleibt ihre seraphische, sehnsuchtsvolle Stimme der Mittelpunkt, flankiert von einer beeindruckenden Riege an Musikern: Schlagzeuger Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, Pearl Jam), Gitarrist Lennard Zander, Cellistin Gyda Valtysdóttir (múm), Harfenistin Marilu Donovan (LEYA, Eartheater, Julie Byrne) und Keyboarder Ulfur Hansson wirken mit, während Ambient-Ikone Tor Lundvall eine seltene Spoken-Word-Darbietung beisteuert. Lina Andonovskas Querflöte spielt eine tragende Rolle und verleiht den Songs einen ebenso luftigen wie beunruhigenden Klang - inspiriert sowohl von de Oliveiras brasilianischen Wurzeln als auch von den Giallo-Soundtracks der 1970er und 1980er Jahre, jenen atmosphärischen italienischen Horror-Krimis, die stilisierte, drastische Gewalt und Voyeurismus mit prachtvoller Schönheit verbinden. Inspiriert von Lyrik, Literatur, Film und bildender Kunst ebenso wie von Musik, haben de Oliveira und Dunn ein Album geschaffen, das sich mühelos zwischen dem Spektralen und dem Pastoralen bewegt - ein Werk, in dem Anklänge an Fantasy- und Giallo-Soundtracks, alte Folk-Traditionen sowie die rhythmische Zartheit von Bossa Nova, MPB und Tropicália verschmelzen. Auch die Texte verweben Mythologie mit Anspielungen auf Miltons Paradise Lost*sowie die Lyrik von John Keats, Emily Brontë und Anne Sexton. Ein durchweg erhabenes Werk. Als CD (Digisleeve) mit Booklet oder auf LP (in klassisch Schwarz, Coke-Bottle-Green oder weiß-blau marmoriert) mit bedruckter Innenhülle & inside-out Sleeve.
Das neue Album "The Lying Swans" der deutsch-brasilianischen Musikerin und bildenden Künstlerin Gloria de Oliveira entfaltet sich wie ein Werk des Magischen Realismus - bevölkert von Vögeln, Heiligen, Sirenen, blutigen Gesichtern, Geisterschiffen und gespenstischen Erscheinungen - und lädt die Hörer*innen in ihr bislang unmittelbarstes und komplexestes Werk ein. De Oliveiras drittes Album aber eigentliches Debut wirkt wie ein Werk der Gothic-Literatur, angestoßen durch das Bild einer Frau, die aus einem Spukhaus flieht; dieses zentrale Motiv prägte auch die visuelle Welt des Albums. Produziert von Randall Dunn (Anna von Hausswolff, Sunn O))), Marissa Nadler) und aufgenommen zwischen Island, New York und Berlin, ist das Ergebnis eine traumhafte Welt, in der Zauber und Gefahr nebeneinander existieren. Nach der EP-Compilation "Fascination" (2020, Reptile Music) sowie "Oceans of Time" (2022, Sacred Bones) - ihrer Zusammenarbeit mit David Lynchs langjährigem Sounddesigner Dean Hurley - führt "The Lying Swans" de Oliveira in neues Terrain. Sowohl thematisch als auch klanglich scheinen diese neun Songs aus den nebligen Gefilden von Hall und ätherischem Fuzz-Sound herauszutreten und eine erdige, greifbarere und damit verletzlichere Seite zu offenbaren. Dennoch bleibt ihre seraphische, sehnsuchtsvolle Stimme der Mittelpunkt, flankiert von einer beeindruckenden Riege an Musikern: Schlagzeuger Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, Pearl Jam), Gitarrist Lennard Zander, Cellistin Gyda Valtysdóttir (múm), Harfenistin Marilu Donovan (LEYA, Eartheater, Julie Byrne) und Keyboarder Ulfur Hansson wirken mit, während Ambient-Ikone Tor Lundvall eine seltene Spoken-Word-Darbietung beisteuert. Lina Andonovskas Querflöte spielt eine tragende Rolle und verleiht den Songs einen ebenso luftigen wie beunruhigenden Klang - inspiriert sowohl von de Oliveiras brasilianischen Wurzeln als auch von den Giallo-Soundtracks der 1970er und 1980er Jahre, jenen atmosphärischen italienischen Horror-Krimis, die stilisierte, drastische Gewalt und Voyeurismus mit prachtvoller Schönheit verbinden. Inspiriert von Lyrik, Literatur, Film und bildender Kunst ebenso wie von Musik, haben de Oliveira und Dunn ein Album geschaffen, das sich mühelos zwischen dem Spektralen und dem Pastoralen bewegt - ein Werk, in dem Anklänge an Fantasy- und Giallo-Soundtracks, alte Folk-Traditionen sowie die rhythmische Zartheit von Bossa Nova, MPB und Tropicália verschmelzen. Auch die Texte verweben Mythologie mit Anspielungen auf Miltons Paradise Lost*sowie die Lyrik von John Keats, Emily Brontë und Anne Sexton. Ein durchweg erhabenes Werk. Als CD (Digisleeve) mit Booklet oder auf LP (in klassisch Schwarz, Coke-Bottle-Green oder weiß-blau marmoriert) mit bedruckter Innenhülle & inside-out Sleeve.
Eine historische Begegnung zwischen zwei der größten und legendärsten Bands des ehemaligen Jugoslawiens: LAIBACH - international anerkannt für ihre kompromisslose Auseinandersetzung mit Ideologie, Ästhetik und Macht - präsentieren "Die Kanone". Dabei handelt es sich um eine Neuinterpretation von "Top", der ersten, 1974 veröffentlichten Single von BIJELO DUGME, den Pionieren der jugoslawischen Rockkultur, gegründet von Goran Bregovic. Gemeinsam verwandeln sie einen historischen Song in ein neues Statement über die Zyklen der Geschichte und die Mechanismen, die die Gegenwart prägen - ein Werk, das tief in der Kulturlandschaft des ehemaligen Jugoslawiens verwurzelt ist, aber ebenso deutlich darüber hinausweist. Die Version von Laibach, unter Mitwirkung von Bijelo Dugme und insbesondere Goran Bregovic an der Gitarre, erschien 2025 digital, sowohl in deutscher als auch in slowenischer Sprache. Nun zusätzlich von DIE KRUPPS, THE LINCOLNSHIRE POACHER, BLACK DOT und dem RTV Slovenia Symphony Orchestra neu gemischt und interpretiert, um die allererste physische Veröffentlichung auf 12"-Vinyl und CD zu vervollständigen. Mehr als fünfzig Jahre nachdem das Debüt von Bijelo Dugme ein neues Kapitel in der Geschichte des Balkan-Rock aufschlug, greifen Laibach dieses ikonische Material auf und interpretieren es in ihrer eigenen, monumentalen Klangsprache neu. Das Ergebnis ist ein Dialog zwischen zwei Epochen, zwei künstlerischen Visionen und zwei Herangehensweisen an die Symbole, durch die sich Gesellschaften selbst definieren. "Die Kanone" ist nicht bloß eine Neuinterpretation eines historischen Songs - es ist ein zeitgenössischer Kommentar zum sich wandelnden Verhältnis zwischen Industrie, Technologie und Militarisierung. Der Titel evoziert den Wandel der industriellen Produktion und die beunruhigende Neuausrichtung etablierter Fertigungstraditionen hin zur Herstellung von Waffen und Kriegssystemen. Durch das Aufeinandertreffen der ursprünglichen Rock-Mythologie von Bijelo Dugme und dem Industrial-Ritualismus von Laibach untersucht der Song, wie wirtschaftliche Macht, technologischer Fortschritt und militärische Ambitionen miteinander verflochten sind. Das Stück reflektiert eine Welt, in der die Sprache der Produktion zunehmend mit der Sprache des Konflikts verschmilzt. "Die Kanone" und die slowenische Version "S topom te bom ciljal moja mala" erscheinen erstmals physisch, mit Remixen der deutschen Industrial/EBM-Legenden DIE KRUPPS (die eine episch-wuchtige Version beisteuern, welche ein Hit in ganz eigener Sache ist), des britischen Produzenten The Lincolnshire Poacher sowie des slowenisch-kroatischen Elektronik-Duos Black Dot. Der sechste Titel der 12"-Vinylversion ist eine Live-Aufnahme aus der Oper von Ljubljana, eingespielt mit dem RTV Slovenia Symphony Orchestra. Erhältlich ist klassisch schwarzes oder limitiertes farbiges Vinyl sowie CD mit zwei Bonustracks (iTurks Symphonic Mix der slowenischen Version und eine Instrumental-/Karaoke-Version). Beide Formate mit Obi-Banderole.
You are Spring!" beginnt mit einer gewundenen Klangwand, A-cappella-Stimmen, die sich in üppiger Harmonie überlagern und den halb-titelsgebenden Frühling besingen. Sofort entführt uns Tasha aus dem tristen, grauen Winter in eine Welt voller Bilder und Empfindungen von neuem Leben. Stell dir vor: ein Feuerwerk aus glockenförmigen Blüten; Rosa, Citrin und Buttergelb; der Himmel klar, eine Lunge voll Blau; Wärme, überall, die die über den Winter geheilte Haut küsst und sich nach Berührung sehnt; Leichtigkeit nach dem Leiden; ein tiefer Atemzug nach dem Ersticken. "Don't die now / There's life to be found now,", beginnt sie. In Texten, die von Gwendolyn Brooks' Gedicht "To The Young Who Want To Die" inspiriert sind, formuliert Tasha die These dieses Albums mit exquisiter Präzision. Es gibt Jahreszeiten der Härte, Jahreszeiten der Schwierigkeit, ja. Aber hier, in diesem Album, meditieren wir über den Frühling über eine Zeit des Feierns, die umso süßer ist, weil wir wissen, was man ertragen muss, um dorthin zu gelangen. "Alive now / It's spring now / Alive now / You're spring now" schließt sie, getragen von den samtigen Stimmen von Jamila Woods und Taja Cheek von L'Rain, die auf diesem Track zu hören sind, und lädt uns in die paradiesische Schatzkiste ein, die sie hier geschaffen hat. Für Tasha ist der Frühling ein Ort, an dem wir ankommen, aber auch ein Zustand, in dem wir uns befinden, eine Art, wie wir geworden sind. Wenn sie darüber spricht, was das Album ihrer Hoffnung nach vermitteln soll, erläutert sie die Bedeutung von "You Are Spring!" weiter und sagt: Es ist eine Art zu sagen, dass du das bist, worauf sich andere Menschen freuen; du bist das, worauf wir warten; du bist das Schöne." Wenn es im vorherigen Album um Sehnsucht ging, darum, sich nach einer Fülle zu strecken, von der du weißt, dass sie kommt, dann ist "You are Spring!" eine Gelegenheit, innezuhalten und alles in dich aufzunehmen, sobald du in deine Fülle eingetreten bist. Das heißt, You Are Spring!" ist in seiner Aufmerksamkeit für die Glückseligkeit so eindringlich wie sein Ausrufezeichen, aber es hat auch einen klaren Blick auf die Welt um sich herum. Die zweite Hälfte des Albums bewegt sich auf diesem schmalen Grat zwischen Wonne und Untergang. Sieh dir zum Beispiel "Actor" an und seine Auseinandersetzung mit den Gesten, die wir in einer Liebe machen, die hohl geworden ist, gefolgt von Special" und seinem aufwendig arrangierten Klangteppich, komplett mit Tashas Klarinetten-Debüt. Im letzten Titel, Quick!", steigt Tashas Stimme in einer fast Stephen-Sondheim-artigen Tonfolge empor und drängt uns singend: "Quick! See how this beauty rushes by?" Es gibt Dissonanzen im Klimpern der Akkorde, das Keuchen ihrer Finger, die über den Gitarrenhals gleiten, eine raue, fast wie von einer Kassette klingende Qualität der Produktion, wieder von Gregory Uhlmann. Aber wir werden noch nicht aus dem Garten vertrieben; der Song klingt langsam aus, zurück in den Glockenblumenhain von Tashas sanftester Stimmlage. "You Are Spring!" fordert uns heraus, uns an unserer Gegenwart zu erfreuen, uns selbst als die lang ersehnte Jahreszeit des neuen Lebens und Wachstums zu sehen. Und wenn der Winter wiederkommt, wie er es immer tun muss, die Trauer sich einschleicht, Herzschmerz vor der Tür steht, gibt Tasha uns etwas, an dem wir uns festhalten können. Die Gewissheit, dass der Frühling wiederkommen wird, selbst dann. Dass die Schönheit und Fülle, die uns jetzt umgibt, uns wieder umgeben wird, noch einmal.
Das rare German New Wave-Kultalbum von 1982 neu aufgelegt! Inkl. sagenhafter Versionen von "Psychokiller" (Talking Heads) & "Mongoloid" (Devo) sowie der ERNST-Originale "C2H5OH" & "Autonome Einheit" "Ernst entstand wegen der Talking Heads. Ernst ist keine typische Neue Deutsche Welle Band. Ernst kam nicht aus dem Punk. Ernst war auch kein Spaß-Produkt der Plattenindustrie. Ernst gab eine so eigenwillige wie charmante Antwort auf die Frage, wie New Wave in Deutschland klingen könnte. - Auf dem ersten, einzigen, unbetitelten und nun wieder veröffentlichten Ernst-Album von 1982 finden sich gleich mehrere Coverversionen der Talking Heads - ins Deutsche übersetzt, gesungen von Bassistin Dorle Bausinger. Die New Yorker hatten die Tübinger dazu inspiriert, eine New Wave Combo zu gründen. Auch ihre geniale Version von Devos "Mongoloid" steht dem Original in nichts nach. Die Band verstand sich aber nicht nur darauf, sich coole Musik aus Amerika anzueignen, sondern schrieb selbst sehr gute Songs wie "C2H5OH (Alkohol)" oder "Autonome Einheit". - Also veröffentlichten Ernst ihre Platte kurzerhand im Eigenvertrieb. "Wir schickten ein paar Exemplare ans Radio, und bestückten die Plattenläden in der näheren Umgebung, viel mehr unter-nahmen wir nicht." Beim Tübinger Plattenladen Rimpo waren die Verkaufszahlen so hoch, dass Ernst, das Album, mehrmals Platte des Monats wurde. Die knallblau-roten Cover füllten über Wochen ein ganzes Schaufenster. - Dennoch blieben die Band und ihr außergewöhnliches Album bis heute ein Geheimtipp. Ernst bekam nie die Anerkennung, die er verdient hätte. Zeit, dass sich das ändert." - Ulrich Gutmair (Kulturredakteur taz, Autor u.a. "Wir Sind Die Türken Von Morgen" (2023), "Die ersten Tage von Berlin" (2013)), 2026 aus den Linernotes zur Neuausgabe von ERNSTs "Ernst". Wiederhergestelltes original Artwork! Transparent rotes Vinyl in Glanzlack-Sleeve mit ausführlichen deutschsprachigen Linernotes und Fotos auf 6-seitigem, gefalztem 12"-Insert oder inside-out Digipak-CD (das Format erstmals überhaupt) mit den Linernotes in 28seitigem Booklet. Beide Formate sind in den Erstausgaben streng limitiert auf nur 500 Stück weltweit!
Mit ihren ersten beiden Alben verwandelten Dream Unending die vertraute Architektur des Death Doom in einen eigenen Ort. Eine Sprache, in der tiefste Schwere mit Progressive Rock, Ambient-Musik, jazzinspirierter Improvisation und unverblümter emotionaler Offenheit koexistieren konnte.
Auf dem neuen Album 'Certain Uncertainties' bleibt dieser Ausdruck intakt, doch der Blick hat sich verändert. Wo frühere Werke oft nach oben und außen zu greifen schienen, kehrt dieses auf die Erde zurück: schlanker im Aufbau, rauere Kanten und von einer ausgeprägt nächtlichen Atmosphäre geprägt. Man könnte es vielleicht 'Adult Contemporary Doom' nennen; Musik von erheblichem Gewicht, die dennoch gelernt hat, wie viel gesagt werden kann, indem man bestimmte Dinge ungesagt lässt.
Aufgenommen mit weniger Schichten und einem bewusst unmittelbaren instrumentalen Ansatz, gibt 'Certain Uncertainties' den einzelnen Darbietungen Raum zum Atmen. Derrick Vellas Gitarren bewegen sich mit ungewohnter Freiheit durch Blues-, Jazz- und Progressive-Vokabular und tragen zuweilen den offen geführten Charakter amerikanischer Roots-Musik in Gefilde, die man im Doom selten antrifft. Justin DeTores Schlagzeug ist durchgehend präsent, verleiht dem Album eine physischere Dynamik und hilft den Kompositionen, ihre Ziele mit größerer Sparsamkeit zu erreichen. Dennoch hat die Prägnanz die Vorliebe von Dream Unending für Entladung nicht geschmälert: Insbesondere das Eröffnungs- und das Schlussstück steuern auf enorme Druckpunkte zu, während die Zwischenräume Vellas Spiel zum Wandern, Reagieren und gelegentlichen Unvollkommenheiten einladen. Jeder Song funktioniert als eigene Vignette – teils Wüsten-Träumerei, teils After-Hours-Noir – durchzogen von Spuren westlicher Landschaften, dämmrigen Räumen und leeren Straßen.
Diese erdgebundene Qualität passt zu einem Album, das sich im Kern mit Instabilität und Wiederaufbau beschäftigt. Entstanden in einer Phase, in der Vella sein eigenes Vertrauen ins Risikoeingehen neu aufbaute, trägt 'Certain Uncertainties' Zweifel in sich, ohne der Verzweiflung zu verfallen. Die versehrte Balladenhaftigkeit von 'I Carry Your Burden' (mit Gastgesang von Brendan Radigan), die improvisatorische Offenheit des Titeltracks und die hässlicheren Ausbrüche des Death Doom gehören alle zum selben emotionalen Terrain: Schönheit und Unbehagen dürfen denselben Rahmen einnehmen. Wenn das frühere Werk von Dream Unending eine andere Welt jenseits der Grenzen schwerer Musik imaginierte, findet 'Certain Uncertainties' etwas ebenso Seltsames in der Welt unter unseren Füßen. Ein Album voller trockener Luft, langer Schatten, ungelöster Fragen und dem sturen Impuls, sich weiter durch sie hindurchzubewegen.
NEUES ALBUM MIT DEN PUNK-ROCK-LEGENDEN CHARLIE HARPER (U.K. SUBS) UND DEL GREENING (PETER AND THE TEST TUBE BABIES) Eine wunderbare neue Punkrock-Partnerschaft! Charlie Harper ist ein langjähriger Bewunderer von Del Greenings Gitarrenspiel und beide leben in Brighton. Da Del nicht mehr mit Peter And The Test Tube Babies auf Tour war und Charlie ,etwas" weniger Gigs mit den U.K. Subs spielte, hatten beide Zeit, etwas Neues und Frisches zu starten. Ohne Proben, ohne Vorproduktion und mit nur ein paar groben Songideen machten sich Del und Charlie zusammen mit Vicky Smith von den Ramonas am Bass und Marley Perez (Charlies Enkel) am Schlagzeug im Oktober 2025 auf den Weg zu den Brighton Road Recording Studios und legten los. Die Songs ,Deadlines", ,Divide", ,Cyber War" und ,Lost" wurden in der ersten sechsstündigen Session geschrieben. Nachdem der Großteil von Marleys Schlagzeug bereits aufgenommen war und er nun auf Tour war, zogen die Sessions in das winzige Studio im Hinterhof von (Toningenieur) Ali Gavin im Dorf Aulburn in Mid Sussex um. ,Ali war für die Tontechnik zuständig. Ich habe Gitarren und Gesang überlagert. Charlie saß hinter uns und warf Ideen, Geschichten, Songtexte oder - je nach Tageszeit - völlige Verwirrung ein. Irgendwie nahm das Album aus all dem Chaos langsam Gestalt an.", so Del zum Aufnahmeprozess. Eine kurze Krankheitsphase von Charlie führte jedoch dazu, dass die Disasters an einigen Songs ohne ihn arbeiteten. ,Wir drei haben schließlich ein paar neue Tracks aufgenommen: ,Scars` und ,The Disasters`. Vicky spielte Bass, während Ali das Mixing übernahm, dann setzte er sich ans Schlagzeug, während ich mich um die Gitarren kümmerte. Wir schickten die Rohaufnahmen an Charlie. Er war begeistert. Bei den letzten Sessions war das Album zu etwas geworden, womit keiner von uns gerechnet hatte. Nicht wirklich ein Subs-Album und auch nicht wirklich mein oder Charlies Soloalbum. Etwas völlig anderes." ,Derik & The Disasters" besteht aus vierzehn Songs, die sowohl an Charlies als auch an Dels musikalisches Erbe anknüpfen und gleichzeitig einen einzigartigen, lebendigen Sound schaffen - mit Texten, die sich nicht scheuen, die vielen Probleme anzusprechen, mit denen die Welt heute konfrontiert ist. Das ist Punkrock im Jahr 2026. Laut abspielen.
NEUES ALBUM MIT DEN PUNK-ROCK-LEGENDEN CHARLIE HARPER (U.K. SUBS) UND DEL GREENING (PETER AND THE TEST TUBE BABIES) Eine wunderbare neue Punkrock-Partnerschaft! Charlie Harper ist ein langjähriger Bewunderer von Del Greenings Gitarrenspiel und beide leben in Brighton. Da Del nicht mehr mit Peter And The Test Tube Babies auf Tour war und Charlie ,etwas" weniger Gigs mit den U.K. Subs spielte, hatten beide Zeit, etwas Neues und Frisches zu starten. Ohne Proben, ohne Vorproduktion und mit nur ein paar groben Songideen machten sich Del und Charlie zusammen mit Vicky Smith von den Ramonas am Bass und Marley Perez (Charlies Enkel) am Schlagzeug im Oktober 2025 auf den Weg zu den Brighton Road Recording Studios und legten los. Die Songs ,Deadlines", ,Divide", ,Cyber War" und ,Lost" wurden in der ersten sechsstündigen Session geschrieben. Nachdem der Großteil von Marleys Schlagzeug bereits aufgenommen war und er nun auf Tour war, zogen die Sessions in das winzige Studio im Hinterhof von (Toningenieur) Ali Gavin im Dorf Aulburn in Mid Sussex um. ,Ali war für die Tontechnik zuständig. Ich habe Gitarren und Gesang überlagert. Charlie saß hinter uns und warf Ideen, Geschichten, Songtexte oder - je nach Tageszeit - völlige Verwirrung ein. Irgendwie nahm das Album aus all dem Chaos langsam Gestalt an.", so Del zum Aufnahmeprozess. Eine kurze Krankheitsphase von Charlie führte jedoch dazu, dass die Disasters an einigen Songs ohne ihn arbeiteten. ,Wir drei haben schließlich ein paar neue Tracks aufgenommen: ,Scars` und ,The Disasters`. Vicky spielte Bass, während Ali das Mixing übernahm, dann setzte er sich ans Schlagzeug, während ich mich um die Gitarren kümmerte. Wir schickten die Rohaufnahmen an Charlie. Er war begeistert. Bei den letzten Sessions war das Album zu etwas geworden, womit keiner von uns gerechnet hatte. Nicht wirklich ein Subs-Album und auch nicht wirklich mein oder Charlies Soloalbum. Etwas völlig anderes." ,Derik & The Disasters" besteht aus vierzehn Songs, die sowohl an Charlies als auch an Dels musikalisches Erbe anknüpfen und gleichzeitig einen einzigartigen, lebendigen Sound schaffen - mit Texten, die sich nicht scheuen, die vielen Probleme anzusprechen, mit denen die Welt heute konfrontiert ist. Das ist Punkrock im Jahr 2026. Laut abspielen.
„The Who By Numbers“, das Anfang Oktober 1975 erschien, ist das siebte Studioalbum von The Who
und stellte einen Wendepunkt für die Band dar, da die Songs größtenteils introspektiver und persönlicher
waren als ihre bisherigen Veröffentlichungen. Das Album war ein kommerzieller Erfolg und erreichte Platz
8 der US-Billboard-Charts sowie Platz 7 in Großbritannien, was zum Teil auf den Erfolg eines der leichteren
Stücke des Albums zurückzuführen war: „Squeeze Box“ wurde zu einem internationalen Hit und schaffte
es in Großbritannien in die Top Ten, in den USA in die Top 20 und in Kanada auf Platz 1.
50 Jahre später wird „The Who By Numbers“ im Oktober dieses Jahres als Super-Deluxe-Edition-Box
mit 5 CDs und 1 Blu-ray neu aufgelegt. Diese enthält ein 100-seitiges Hardcover-Buch mit Fotos, Erinnerungsstücken und exklusiven Anmerkungen von Pete Townshend und dem Who-Experten Andy Neill, 92
unveröffentlichte Titel und Mixe, brandneue Atmos-, 5.1- und Stereo-Mixe von Pete Townshend, 11 von
Petes Original-Demos für das Album, Aufnahmesessions aus den Ramport- und Shepperton-Studios, frühe
Mixe, Guide-Vocals, die bislang umfassendste Version von „Live At Vetch Field, Swansea, Wales, 12. Juni
1976“ sowie auf der Blu-ray Audio- und Videomaterial von einem bisher unveröffentlichten Who-Konzert,
das auf 2-Zoll-Videoband im Metropolitan Stadium in Pontiac, Michigan, aufgenommen wurde.
Simon Reynolds erzählt von der letzten großen Blütezeit der analogen Musikkultur und schließt damit direkt an sein Standardwerk zum Post-Punk, 'Rip It Up and Start Again', an. In einer Zeit, in der Musik noch greifbar war - als Schallplatte, als Zeitschrift, als Objekt -, war jeder neue Tonträger ein Ereignis, jede Ausgabe eines Magazins ein Ritual. Zwischen den späten Achtzigern und den frühen Neunzigern entfaltete sich ausgehend von diesen Objekten und Ereignissen eine musikalische Revolution, in der die Underground-Szene die Gitarrenmusik neu erfand und langsam in den Mainstream einsickerte, während sich politisch statt Utopien und Zukunftsentwürfen der Konservatismus festgesetzt hatte.
Reynolds erzählt von der Explosion des Noisepop, von Shoegaze, Slackern und Grunge - von My Bloody Valentine und Sonic Youth, die mit atemberaubenden Sounds eine zweite Psychedelic-Welle entfachten, den Cocteau Twins und Slowdive, die in Traumwelten entführten. Außerdem treten auf: Dinosaur Jr., Björk, Pixies, PJ Harvey, Nirvana, Felt, R. E.M., Hüsker Dü, Talulah Gosh, Big Black, Butthole Surfers, Spacemen 3, Spiritualized, Galaxie 500, Mercury Rev, Pavement, Stereolab, Stone Roses, Pussy Galore und viele mehr.
'Still in a Dream' ist der sehr persönliche Blick eines Journalisten, der damals als Autor diverser Musikmagazine dabei war, diese musikalischen Entwicklungen zu begleiten und ihnen Namen zu geben. Simon Reynolds beschwört die Magie der analogen Welt, bevor das Internet, Streaming und soziale Medien die Spielregeln der Musik für immer verändert haben. Ein Buch für alle, die sich fragen, was verloren ging - und was vielleicht nie ganz verschwunden ist.
Die Band ,The Black Heart Procession" besteht aus den beiden Hauptsongwriter Tobias Nathaniel und Pall A. Jenkins, die beide zuvor bei ,Three Mile Pilot" mitwirkten. Manchmal treten sie als reines Duo auf, zu anderen Zeiten laden sie Freunde ein, mitzuspielen. Mario Rubalcaba (Clikitat Ikitowi), Jason Crane (Rocket from the Crypt) und Kazu Makino (Blonde Redhead) wirkten an der Entstehung von ,Three" mit. ,Three", das ursprünglich im Jahr 2000 erschien, ist das dritte Album der Black Heart Procession in voller Länge. Die Klänge der Instrumente verschmelzen miteinander und untermalen den Rhythmus von Palls ausdrucksstarkem Gesang. Jeder Song scheint sich unaufhörlich vorwärts und rückwärts zu bewegen und spielt dabei mit dem Kontrast zwischen hellen Klängen und dunklen, grüblerischen Themen. The Black Heart Procession brechen Herzen mit der Verschmelzung von Klängen aus Klavier, Säge, Pumporgel, Gitarre, Trompete und Gesang sowie dem einen oder anderen ungewöhnlichen Perkussionsinstrument. Die Klänge mögen bei einigen von Ihnen Schmerz oder Freude auslösen - oder beides -, da ihre Musik von Trauer und Herzschmerz durchdrungen ist, doch es liegt ein unterschwelliges Element der Befreiung darin.
Seit der Gründung von 2nd Grade im Jahr 2018 hat der in Philadelphia ansässige Songwriter und Produzent Peter Gill (der auch Gitarrist der Alt-Country-Band Friendship ist) eine Reihe spektakulärer neuer Welten erschaffen ausgehend vom 20. Jahrhundert-Gitarrenpop, wobei er dessen typischen Klischees irgendwie meilenweit hinter sich lässt, indem er sie genau bis zu ihrem logischen Ende verfolgt. Girls and Boys" ist das neueste Album von 2nd Grade und das erste bei Lame-O Records eine Sammlung von zwanzig Songs, von denen keiner länger als drei Minuten dauert, vollgepackt mit unwiderstehlichen Gitarrenriffs, Power-Akkorden, rasanten Drumbeats und wirbelnden Melodien. Songs von schwindelerregender Komplexität, die man trotzdem nicht aufhören kann zu summen. Auf Girls and Boys" gelingt 2nd Grade immer wieder der wundersame Trick des perfekten Popsongs: Es so aussehen zu lassen, als wäre es ganz einfach.
Nach der Veröffentlichung der Lead-Single ,Glowin'" im Jahr 2025 kehrt Mike James Kirkland mit seinem lang erwarteten Album ,The Business" zurück. Begleitet von den Monophonics präsentiert Kirkland eine facettenreiche, von Bläsern geprägte Sammlung, die beschwingten Soul nahtlos mit gefühlvollen Balladen verbindet und damit seinen Platz als eine der beständigen Stimmen des Genres bekräftigt. Das Album beginnt mit dem energiegeladenen ,Ready Or Not", in dem Kirkland selbstbewusst verkündet: ,Baby, I am ready", und damit den Ton für ein triumphales Comeback angibt. Produzent Kelly Finnigan lässt in ,Where Did We Go Wrong" die üppige Raffinesse des Philly-Soul einfließen und unterlegt Kirklands Reflexion über eine Liebe in Aufruhr mit Bläsern, Flöte, Waldhorn und Sitar. Finnigan arrangiert zudem das romantische ,Leading Lady" und begleitet Kirkland beim zarten ,Remembering Our Love" im Hintergrundgesang. Der Midtempo-Titelsong ,The Business" widmet sich sozialen Themen und verbindet fließende Streicherklänge mit Texten, die systemische Ungerechtigkeit und polizeiliche Unterdrückung thematisieren. Im Gegensatz dazu fängt ,Joyriding" die Unbeschwertheit des Sommers mit einem mitreißenden Groove ein, der zu den Höhepunkten des Albums zählt. Die vielbeachtete Single ,Glowin'" bildet den Abschluss des Albums. Inspiriert von der Version der Rationals aus dem Jahr 1969 des von Dr. John komponierten Stücks spiegelt der Song Kirklands beständige Botschaft wider, spirituelles Gleichgewicht und Glück dem materiellen Erfolg vorzuziehen. ,The Business" wurde zwischen Ende 2021 und Mitte 2022 geschrieben und aufgenommen, unter Mitwirkung von Jimmy James (Parlor Greens) und Lou King (Ironsides). Das Album verbindet Kirklands zeitlosen Gesang mit der üppigen Musikalität der Monophonics und markiert damit eine willkommene Rückkehr des legendären Soulsängers.
Mit INSTINCTA, ihrer Debüt-EP auf Sony Classical, zeigt sich Suena von einer völlig neuen Seite. Die gefeierte Produzentin und Songwriterin hinter Erfolgen von Apache 207, Herbert Grönemeyer, Capital Bra und Ikkimel kehrt zu ihren musikalischen Wurzeln zurück und präsentiert erstmals eigene Kompositionen für Klavier und Streicher, die in den renomierten Emil Berliner Studios eingespielt wurden.Dabei verbindet Suena in Songs wie Primapulsa, Calma oder Adulta die Eleganz klassischer Komponisten wie Chopin und Debussy mit einer modernen, cineastischen Klangsprache sowie den feinen Produktionstechniken ihrer Pop-Karriere. Das Ergebnis ist ein emotionales Hörerlebnis voller Melodie, Hoffnung und zeitloser Schönheit, dass sich zwischen moderner Klassik und Filmmusik bewegt und zum Innehalten, Träumen und Entspannen einlädt. Als Special Guest hat sie Esther Abrami eingeladen, die sie bei Victoria auf der Geige begleitet.INSTINCTA ist die perfekte Begleitung für alle, die die poetischen Klangwelten von Ludovico Einaudi, Yiruma oder Ólafur Arnalds schätzen.Die Bubblegum-Pink Colour Vinyl von INSTINCTA enthält einen handsignierten Artprint von Suena.
„Rejoice“ ist eine ganz besondere Zusammenarbeit zwischen Tony Allen, dem legendären Schlagzeuger und
Mitbegründer des Afrobeat, und Hugh Masekela, dem Trompetenmeister des südafrikanischen Jazz.
Die beiden weltberühmten Musiker, die sich in den 1970er Jahren durch ihre jeweiligen engen Verbindungen
zu Fela Kuti kennengelernt hatten, sprachen jahrzehntelang davon, gemeinsam ein Album aufzunehmen.
Als sich ihre Tourneepläne im Jahr 2010 in Großbritannien überschnitten, bot sich die Gelegenheit, und
Produzent Nick Gold nutzte den Moment, um ihr Zusammentreffen aufzunehmen. Kurz nach dem sehr
traurigen Tod von Hugh Masekela im Jahr 2018 und mit neuem Elan holten Tony Allen und Nick Gold
– mit dem Segen und der Beteiligung von Masekelas Nachlassverwaltung – die Originalbänder hervor und
stellten die Aufnahmen im Sommer 2019 fertig; dies geschah in jenem Londoner Studio, in dem auch die
ursprünglichen Sessions stattgefunden hatten.
Das von der Kritik gefeierte Album wurde vom „Guardian“ als „bemerkenswert stimmige Mischung aus
Swing und Afrobeat“ beschrieben, die „einige von Allens bisher besten Arbeiten am Schlagzeug sowie
Masekelas unnachahmliche Bläsermelodien“ präsentiert.
Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums von World Circuit Records erscheint diese Veröffentlichung nun auf
„Splatter-Vinyl“ in den Farben Orange, Pink und Weiß.
Punk Rock in Großbritannien: In John Robbs ultimativer Oral History erzählen die prägenden Protagonisten der ersten Stunde, wie es wirklich war. Robb, Autor mehrerer Bestseller und selbst von Beginn an mit seiner Band The Membranes Teil der Szene, hat sie alle vors Mikrofon geholt: John Lydon, Lemmy, Ari Up, Mark E. Smith, Poly Styrene, Malcolm McLaren, Siouxsie Sioux ... you name it. Sie erzählen, was sie zum Punk brachte und welche Musik sie inspirierte, lassen legendäre Gigs Revue passieren, sprechen über bahnbrechende Platten und die obskursten Ereignisse hinter den Kulissen.
Das Buch ergründet die viel diskutierten Wurzeln des Punk, vermittelt die ganze Intensität der Anfangstage und widmet sich der Post-Punk-Periode ebenso wie dem anhaltenden Einfluss auf heutige Bands. 'Punk Rock - Die ganze Geschichte' ist ein pulsierendes Stück Zeitgeschichte, das die Bewegung in ihrer ganzen Breite beleuchtet: von Mode über Politik bis zur Musik!
Zum 50. Punk-Jubiläum erscheint Robbs lange vergriffener Klassiker der Punk-Geschichtsschreibung, übersetzt von Martin Büsser und Chris Wilpert, endlich in einer überarbeiteten Neuauflage mit einem Vorwort von Glen Matlock (Sex Pistols).
Die ikonische Band Dead Moon war ein von 1987 bis 2006 aktives Garage-Rock-Trio aus Portland, Oregon, das in den 20 Jahren seines Bestehens weltweit über tausend Konzerte gespielt hat. Und fast jedes Konzert von Dead Moon wurde mit einem eigenen Plakat und eigenen Flyern beworben, die dank ihrer originellen Mixtur aus DIY-, Sixties- und Trash-Ästhetik im Rockbiz bis heute stilprägend sind. Originalausgabe in englischer Sprache. Mit einer Einleitung von Steve Turner von Mudhoney.
Vier Jahre brodelte es im Berliner Untergrund: Nach zwei DIY-Tape-Releases durchbrechen SEK die Flanke und präsentieren mit Wallensteins Garage ihr erstes Album auf Vinyl ein Debüt, das gleichermaßen Geschichtserzählung, Konzeptalbum und ausufernde Jam-Session ist. SEK benannt nach den Anfangsbuchstaben der Nachnamen ihrer Mitglieder - Paul-Willy Stoyan (Gavial, Jacke Schwarz), Georg Edert (Elder, Gaffa Ghandi) und Lucas Kazzer (Gaffa Ghandi, Borders Down) - vereint drei Musiker, die seit Jahren in der Berliner Underground-Szene aktiv sind. Ihre gemeinsame Sprache findet sich zwischen Improvisation, historischer Erzählung und druckvollem Rock. Was die drei verbindet, ist weniger ein gemeinsamer Stil als die Lust am Ausprobieren: ausufernde Proben, lange Improvisationen und die Suche nach Klanglandschaften, die ebenso sperrig wie eingängig sein können. Was 2022 während des pandemiebedingten Lockdowns mit stundenlangen Jams begann, entwickelte sich in den vergangenen vier Jahren zu einer eigenwilligen Mischung aus Psychedelic Rock, Krautrock und einer Prise Prog. Die Band selbst nennt diesen Sound augenzwinkernd HOR Historian Oriented Rock: Musik, die historische Stoffe nicht illustriert, sondern in Klang übersetzt. Die Inspiration für die Songs stammt aus dem Dreißigjährigen Krieg (16181648), insbesondere aus dem Leben des böhmischen Feldherrn Albrecht Wenzel Eusebius von Wallenstein und den Ereignissen rund um die Schlacht bei Lützen (1632). Das musikalische Arsenal ist ebenso vielseitig wie die erzählte Geschichte: verfuzzte Gitarren mit wabernden Delays treffen auf einen galoppierenden Bass und treibende Drums, getragen von träumerischen Keyboards. Immer wieder öffnen sich freie, fast chaotische Passagen, in denen Harmonie und Rhythmus auseinanderbrechen wie Schlachtordnungen, die im brutalen Nahkampf ihre Form verlieren. An anderer Stelle schaffen sanfte Mandolinenklänge Momente der Ruhe, bevor sie sich in schwere, schmerzvolle Trauermusik verwandeln, inspiriert von Doom und Drone Metal. Zwischen hypnotischen Grooves, improvisatorischer Freiheit und cineastischer Dramaturgie erschaffen SEK einen Sound, der Vergangenheit nicht nachstellt, sondern neu erfahrbar macht. Die Platte erscheint auf Exile On Mainstream als schwarzes Vinyl mit beigelegter CD. Genre: Krautrock, Psychedelic, Alternative Für Fans von: Elder, Gentle Giant, Amon Düül, Zahn.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums von ,Lost Themes II" präsentiert Sacred Bones stolz eine neue, erweiterte Kunstausgabe von John Carpenters gefeiertem zweitem Album mit Nicht-Soundtrack-Kompositionen. Mit neu in Auftrag gegebenem Artwork von Randy Ortiz vereint diese Jubiläumsausgabe das Originalalbum auf limitiertem "Violet Sunrise" Vinyl mit einer Bonus-7"-Single, die ,Real Xeno" enthält - nun zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich, abseits der ursprünglichen, limitierten Veröffentlichung der Sacred Bones Society. Die B-Seite zeigt ein exklusives, speziell für diese Ausgabe entworfenes Gravurdesign. Die ,Lost Themes"-Reihe hat sich zu einem der prägendsten Kapitel in Carpenters Karriere entwickelt. Befreit von den Zwängen der Leinwand haben diese Kompositionen ein Eigenleben entwickelt und Carpenters Vermächtnis über Filmmusik hinaus erweitert. Das 2016 erschienene ,Lost Themes II" erweiterte die Klangwelt seines Vorgängers und verband Carpenters unverkennbares Gespür für Atmosphäre und Spannung mit seinem charakteristischen Minimal-Synth, reichhaltigeren Arrangements sowie elektrischen und akustischen Gitarren. Ein Jahrzehnt später bleibt ,Lost Themes II" ein Meilenstein in einer Reihe, die weit über imaginäre Soundtracks hinausgewachsen ist und als unverzichtbare Werke in Carpenters Katalog gilt - ein Zeugnis seiner musikalischen Vision und seiner bemerkenswerten Fähigkeit, Welten zu erschaffen, die weit über den Film hinausreichen.
Mehr als zwanzig Jahre nachdem Nouvelle Vague mit ihrem inzwischen kultigen Debütalbum den Post-Punk neu erfunden haben, schlagen sie mit A Date with Depeche Mode ein mutiges neues Kapitel auf – einer abendfüllenden Neuinterpretation eines der einflussreichsten und beliebtesten Songkataloge der modernen Musik.
Nur wenige Bands haben die Popkultur so geprägt wie Depeche Mode. Nur wenige Künstler beherrschen die Kunst der musikalischen Neuinterpretation so meisterhaft wie Nouvelle Vague. Diese beiden Welten zusammenzubringen wirkt zugleich völlig unerwartet und doch unvermeidlich.
Aufgenommen zwischen Rio de Janeiro und Paris, verwandelt das Album dreizehn Depeche-Mode-Klassiker in intime, filmische und tief emotionale Songs. Was einst von Maschinen und elektronischen Klängen geprägt war, wird hier warm, organisch und zeitlos – und legt das Songwriting offen, das den Kern dieser ikonischen Kompositionen bildet.
Gesungen von einer außergewöhnlichen internationalen Besetzung von Gastvokalistinnen und -vokalisten – darunter Skye Edwards (Morcheeba), Beth Hirsch, Flavia Coelho, Mélanie Pain, Phoebe Killdeer, Fredrika Stahl und weitere – bietet jeder Titel eine einzigartige Begegnung zwischen einer Stimme und einem Song und bleibt dabei dem charakteristischen Stil von Nouvelle Vague treu
,CHRISTFUCKER" ist das zweite Album der texanischen Extremband Portrayal of Guilt und verbindet Hardcore, Black Metal, Industrial und düstere Noise-Elemente zu einem beklemmenden, atmosphärischen Gesamtwerk. Inspiriert von Horrorfilmen und existenziellen Themen erschafft die Band eine Klangwelt voller Angst, Verzweiflung und emotionaler Intensität. Die Songs reichen von rasendem, chaotischem Extrem-Metal bis hin zu experimentellen Passagen mit Industrial-, Ambient- und Drone-Einflüssen. Gastbeiträge von Jenna Rose (Anatomy) und Jeremy Bolm (Touché Amoré) erweitern den düsteren Klangkosmos zusätzlich. Das Ergebnis ist ein kompromissloses Album, das die kreative Weiterentwicklung von Portrayal of Guilt eindrucksvoll dokumentiert.
Ein Deluxe-Box-Set zum 45. Jubiläum von Mötley Crües Debütalbum „Too Fast For Love“. Es enthält den
„Heiligen Gral“ für alle Fans: die ursprüngliche Version des Albums von Leathür Records. Sie unterscheidet
sich durch einen anderen Mix und eine abweichende Tracklist. Ebenfalls enthalten sind die Version von
Elektra Records aus dem Jahr 1982, die legendären, bislang unveröffentlichten Live-Aufnahmen aus dem
Perkins Palace (1982), ihre allererste Studiosession vom März 1981 sowie eine Demo-Session – ergänzt
durch Nachbildungen ihrer ursprünglichen 7-Zoll-Single und der Demo-Kassette. Ein 100-seitiges Fotobuch
im Hardcover-Format (ca. 30 x 30 cm) präsentiert zahlreiche bisher unveröffentlichte Fotos von Don Adkin
und Kevin Estrada, engen Vertrauten der Band, sowie Aufnahmen seltener Erinnerungsstücke aus dem Jahr
1981. Zudem sind Nachbildungen der frühen Pressemappe, eines Songtextbuchs, eines Posters und eines
Autoaufklebers enthalten.
Das Wiener Kollektiv TAKESHI'S CASHEW präsentiert sein neues, drittes Album "Planet Odyssey 64". Nach weltweiten Tourneen mit ihren ersten beiden Alben, gönnte sich die Band eine kreative Pause und kehrt nun mit neuem Sound zurück. Der bisherige analoge Cosmofunk der Band wurde um Electro-Einflüsse erweitert. Die sechs Musiker experimentierten mit alten Synthesizern, ließen sich von vintage Computerspielen inspirieren und schufen so ein neuartiges Klanguniversum. Ihre besondere Spielfreude brachte die Idee für eine Art Konzeptalbum namens "Planet Odyssey 64" hervor. Zahlreiche Bands kreisen nach ihrem zweiten oder dritten Album um Fragen der Standortbestimmung - auch Takeshi's Cashew mussten eine Weiche stellen bzw. wollten ein Konzept: nun treffen - back to the 90s - Mittelalterwelten auf Game Boy & Nintendo 64. Wie die loopbasierten Klangwelten der ersten Konsolen oder die höfischen Tanzmusiken, arbeiten Takeshi's Cashew auf Planet Odyssey 64 ebenfalls mit zyklischen Figuren. Nicht nur 8-Bit-Games erzeugten ihre Atmosphären mit reduzierten Mitteln - auch die Wiener Instrumentalisten haben ihre Werkzeugkiste im Vergleich zum bisherigen Ouvre komprimiert. Di verwendeten Leitmelodien und Chiptunesounds gedenken Videospielikonen wie "The Legend of Zelda: Ocarina of Time" oder "Pokémon Saphir Edition". Das rhythmische Amalgam hingegen formt ein Hybrid aus synthetischen Elementen und organischen Bausteinen. Präsent im Klangraum steht ein vorwärts kippendes Krautrock-Gerüst samt E-Bass und Schlagzeug. Die zweite Säule übernimmt ein monophoner Bass-Synthesizer namens Roland SH-101. Völlig verabschiedet haben sich Takeshi's Cashew trotzdem nicht von ihrer originären Herangehensweise, dem Jam. So entstand z.B. binnen eines Tages der vibrierende "Operator" auf dem alten Moog-Synthesizer eines Familienmitgliedes. Im Kern dient diese Musik als Transzendenzapparat, die Hörer*innen kehren mit heiterer Verwandlung von dieser Odyssey zu sich selbst zurück. Möglich auf klarem Vinyl, als analoges Tape, auf CD im Digi-Sleeve oder als Album Digital.
Das Wiener Kollektiv TAKESHI'S CASHEW präsentiert sein neues, drittes Album "Planet Odyssey 64". Nach weltweiten Tourneen mit ihren ersten beiden Alben, gönnte sich die Band eine kreative Pause und kehrt nun mit neuem Sound zurück. Der bisherige analoge Cosmofunk der Band wurde um Electro-Einflüsse erweitert. Die sechs Musiker experimentierten mit alten Synthesizern, ließen sich von vintage Computerspielen inspirieren und schufen so ein neuartiges Klanguniversum. Ihre besondere Spielfreude brachte die Idee für eine Art Konzeptalbum namens "Planet Odyssey 64" hervor. Zahlreiche Bands kreisen nach ihrem zweiten oder dritten Album um Fragen der Standortbestimmung - auch Takeshi's Cashew mussten eine Weiche stellen bzw. wollten ein Konzept: nun treffen - back to the 90s - Mittelalterwelten auf Game Boy & Nintendo 64. Wie die loopbasierten Klangwelten der ersten Konsolen oder die höfischen Tanzmusiken, arbeiten Takeshi's Cashew auf Planet Odyssey 64 ebenfalls mit zyklischen Figuren. Nicht nur 8-Bit-Games erzeugten ihre Atmosphären mit reduzierten Mitteln - auch die Wiener Instrumentalisten haben ihre Werkzeugkiste im Vergleich zum bisherigen Ouvre komprimiert. Di verwendeten Leitmelodien und Chiptunesounds gedenken Videospielikonen wie "The Legend of Zelda: Ocarina of Time" oder "Pokémon Saphir Edition". Das rhythmische Amalgam hingegen formt ein Hybrid aus synthetischen Elementen und organischen Bausteinen. Präsent im Klangraum steht ein vorwärts kippendes Krautrock-Gerüst samt E-Bass und Schlagzeug. Die zweite Säule übernimmt ein monophoner Bass-Synthesizer namens Roland SH-101. Völlig verabschiedet haben sich Takeshi's Cashew trotzdem nicht von ihrer originären Herangehensweise, dem Jam. So entstand z.B. binnen eines Tages der vibrierende "Operator" auf dem alten Moog-Synthesizer eines Familienmitgliedes. Im Kern dient diese Musik als Transzendenzapparat, die Hörer*innen kehren mit heiterer Verwandlung von dieser Odyssey zu sich selbst zurück. Möglich auf klarem Vinyl, als analoges Tape, auf CD im Digi-Sleeve oder als Album Digital.
PISS ist eine laute, genreübergreifende vierköpfige Band aus Vancouver, B.C. Durch die Kombination von Punk, Poesie, Soundcollagen, Performancekunst und bildender Kunst schafft die Band ein multidisziplinäres Gesamtwerk, das die Grenze zwischen Persönlichem und Politischem verschwimmen lässt. Angetrieben von durchdachter Musikalität, energiegeladenen Live-Auftritten und einer kristallklaren künstlerischen Mission schreibt PISS Punkmusik, die darauf abzielt, die Grenzen eines etablierten Genres zu überwinden. Ihre Arbeit schöpft Inspiration aus einer Reihe unerwarteter Einflüsse: literarische Größen, Philosophen, Filmemacher, Maler, Psychoanalytiker, Aktivisten, Kinder, Mitglieder einer deutschen anarcho-feministischen militanten Gruppe und Gespräche mit Zuschauern. Diese Stimmen repräsentieren unterschiedliche ideologische Überzeugungen zum Thema geschlechtsspezifische Gewalt und ermöglichen es PISS, Kunst zu schaffen, die herausfordernde und kontroverse Themen wie sexuelle Gewalt und verinnerlichte Geschlechternormen darstellt - ohne Vereinfachung, Romantisierung, Polemik oder Dogmatismus. you made me / skin on linen ist das Debütalbum der Band. Es schildert eine Kindheit, die von struktureller, systemischer und intimer Gewalt geprägt ist. Auf dem gesamten Album dienen Motive aus der Kunst als Metaphern für die unzähligen Arten, wie wir die Auswirkungen dieser Gewalt in uns tragen: Jede Erfahrung hinterlässt einen Eindruck und formt oder verzerrt nach und nach das Selbst - ganz wie ein Stück Ton, das durch jeden Abdruck, den es erhält, geformt wird.
PISS ist eine laute, genreübergreifende vierköpfige Band aus Vancouver, B.C. Durch die Kombination von Punk, Poesie, Soundcollagen, Performancekunst und bildender Kunst schafft die Band ein multidisziplinäres Gesamtwerk, das die Grenze zwischen Persönlichem und Politischem verschwimmen lässt. Angetrieben von durchdachter Musikalität, energiegeladenen Live-Auftritten und einer kristallklaren künstlerischen Mission schreibt PISS Punkmusik, die darauf abzielt, die Grenzen eines etablierten Genres zu überwinden. Ihre Arbeit schöpft Inspiration aus einer Reihe unerwarteter Einflüsse: literarische Größen, Philosophen, Filmemacher, Maler, Psychoanalytiker, Aktivisten, Kinder, Mitglieder einer deutschen anarcho-feministischen militanten Gruppe und Gespräche mit Zuschauern. Diese Stimmen repräsentieren unterschiedliche ideologische Überzeugungen zum Thema geschlechtsspezifische Gewalt und ermöglichen es PISS, Kunst zu schaffen, die herausfordernde und kontroverse Themen wie sexuelle Gewalt und verinnerlichte Geschlechternormen darstellt - ohne Vereinfachung, Romantisierung, Polemik oder Dogmatismus. you made me / skin on linen ist das Debütalbum der Band. Es schildert eine Kindheit, die von struktureller, systemischer und intimer Gewalt geprägt ist. Auf dem gesamten Album dienen Motive aus der Kunst als Metaphern für die unzähligen Arten, wie wir die Auswirkungen dieser Gewalt in uns tragen: Jede Erfahrung hinterlässt einen Eindruck und formt oder verzerrt nach und nach das Selbst - ganz wie ein Stück Ton, das durch jeden Abdruck, den es erhält, geformt wird.
Eine Hommage an innovative mexikanische Musiker, die elektronische und indigene Instrumente mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik verschmolzen haben Mit 12 visionären Künstlern, darunter Luis Pérez, Arturo Meza, Jorge Reyes, Aristeo und Tribu, um nur einige zu nennen Zusammengestellt und produziert vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill Cover-Artwork vom legendären Künstler Eduardo Terrazas sowie Design und Layout von D.Norsen Design Doppel-LP, gepresst bei Optimal, inklusive Booklet mit Liner Notes Audio remastered vom GRAMMYr-nominierten Toningenieur John Baldwin Limitierte Farbvinyl-Edition, gepresst auf violettem und rosa Vinyl //// ,A LA ALTURA" - oder ,To The Height" - würdigt mexikanische Musiker, die sich in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts mit elektronischen und indigenen Instrumenten auf experimentelles Terrain wagten und dabei im Dialog mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik standen. Über ein Jahrzehnt in Arbeit und liebevoll kuratiert vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill, basiert A LA ALTURA auf Originalbändern und Masteraufnahmen mit unveröffentlichten, längst vergriffenen und privat gepressten Aufnahmen. Die Bände 1 & 2 präsentieren 25 visionäre Künstler, die sich aktiv für eine Art Bewusstseinserweiterung einsetzten - sei es durch die Suche nach den Sternen mittels ihrer Musik oder durch die Weiterentwicklung der Kunstform selbst. Ebenso kühn setzen diese beiden Bände ein Zeichen dafür, dass mexikanische Künstler und Komponisten wie Luis Pérez, Arturo Meza, Jorge Reyes, Ana Ruiz und Antonio Zepeda in einem Atemzug mit Michael Rother, Terry Riley, Hiroshi Yoshimura und den vielen anderen Künstlern genannt werden sollten, die zu Recht für ihren Experimentiergeist gefeiert wurden.
Eine Hommage an innovative mexikanische Musiker, die elektronische und indigene Instrumente mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik verschmolzen haben Mit 12 visionären Künstlern, darunter Luis Pérez, Arturo Meza, Jorge Reyes, Aristeo und Tribu, um nur einige zu nennen Zusammengestellt und produziert vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill Cover-Artwork vom legendären Künstler Eduardo Terrazas sowie Design und Layout von D.Norsen Design Doppel-LP, gepresst bei Optimal, inklusive Booklet mit Liner Notes Audio remastered vom GRAMMYr-nominierten Toningenieur John Baldwin Limitierte Farbvinyl-Edition, gepresst auf violettem und rosa Vinyl //// ,A LA ALTURA" - oder ,To The Height" - würdigt mexikanische Musiker, die sich in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts mit elektronischen und indigenen Instrumenten auf experimentelles Terrain wagten und dabei im Dialog mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik standen. Über ein Jahrzehnt in Arbeit und liebevoll kuratiert vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill, basiert A LA ALTURA auf Originalbändern und Masteraufnahmen mit unveröffentlichten, längst vergriffenen und privat gepressten Aufnahmen. Die Bände 1 & 2 präsentieren 25 visionäre Künstler, die sich aktiv für eine Art Bewusstseinserweiterung einsetzten - sei es durch die Suche nach den Sternen mittels ihrer Musik oder durch die Weiterentwicklung der Kunstform selbst. Ebenso kühn setzen diese beiden Bände ein Zeichen dafür, dass mexikanische Künstler und Komponisten wie Luis Pérez, Arturo Meza, Jorge Reyes, Ana Ruiz und Antonio Zepeda in einem Atemzug mit Michael Rother, Terry Riley, Hiroshi Yoshimura und den vielen anderen Künstlern genannt werden sollten, die zu Recht für ihren Experimentiergeist gefeiert wurden.
Eine Hommage an innovative mexikanische Musiker, die elektronische und indigene Instrumente mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik verschmolzen haben Mit 12 visionären Künstlern, darunter Luis Pérez, Arturo Meza, Jorge Reyes, Aristeo und Tribu, um nur einige zu nennen Zusammengestellt und produziert vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill Cover-Artwork vom legendären Künstler Eduardo Terrazas sowie Design und Layout von D.Norsen Design Doppel-LP, gepresst bei Optimal, inklusive Booklet mit Liner Notes Audio remastered vom GRAMMYr-nominierten Toningenieur John Baldwin Limitierte Farbvinyl-Edition, gepresst auf violettem und rosa Vinyl //// ,A LA ALTURA" - oder ,To The Height" - würdigt mexikanische Musiker, die sich in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts mit elektronischen und indigenen Instrumenten auf experimentelles Terrain wagten und dabei im Dialog mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik standen. Über ein Jahrzehnt in Arbeit und liebevoll kuratiert vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill, basiert A LA ALTURA auf Originalbändern und Masteraufnahmen mit unveröffentlichten, längst vergriffenen und privat gepressten Aufnahmen. Die Bände 1 & 2 präsentieren 25 visionäre Künstler, die sich aktiv für eine Art Bewusstseinserweiterung einsetzten - sei es durch die Suche nach den Sternen mittels ihrer Musik oder durch die Weiterentwicklung der Kunstform selbst. Ebenso kühn setzen diese beiden Bände ein Zeichen dafür, dass mexikanische Künstler und Komponisten wie Luis Pérez, Arturo Meza, Jorge Reyes, Ana Ruiz und Antonio Zepeda in einem Atemzug mit Michael Rother, Terry Riley, Hiroshi Yoshimura und den vielen anderen Künstlern genannt werden sollten, die zu Recht für ihren Experimentiergeist gefeiert wurden.
Eine Hommage an innovative mexikanische Musiker, die elektronische und indigene Instrumente mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik verschmelzen Mit 13 visionären Künstlern, darunter Ana Ruiz, Oxomaxoma, Gerardo Bátiz, Antonio Zepeda und Airwaves, um nur einige zu nennen Enthält 4 bisher unveröffentlichte Titel Zusammengestellt und produziert vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und dem Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill Covergestaltung vom legendären Künstler Eduardo Terrazas, Design und Layout von D.Norsen Design Doppel-LP, gepresst bei Optimal, inklusive Booklet mit Liner Notes Audio remastert vom GRAMMYr-nominierten Toningenieur John Baldwin Limitierte Farbvinyl-Auflage auf gelbem und blauem Vinyl ///// ,A LA ALTURA" (zu Deutsch: ,Zu den Höhen") würdigt mexikanische Musiker, die sich in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts mit elektronischen und indigenen Instrumenten auf experimentelles Terrain wagten - im Dialog mit Minimalismus, Ambient, Jazz und New-Age-Ästhetik. Über ein Jahrzehnt in der Entstehung und liebevoll zusammengestellt vom mexikanischen Journalisten, Musiker und DJ Carlos ,Tropicaza" Icaza sowie dem Gründer von dublab radio und Creative Producer des LA Phil, Mark ,Frosty" McNeill, basiert A LA ALTURA auf Originalbändern und Masteraufnahmen mit unveröffentlichten, längst vergriffenen und privat gepressten Aufnahmen. Die Bände 1 und 2 präsentieren 25 visionäre Künstler, die sich aktiv für eine Form der Bewusstseinserweiterung einsetzten - sei es durch das Streben nach den Sternen mittels ihrer Musik oder durch die Weiterentwicklung der Kunstform selbst. Ebenso kühn setzen diese beiden Bände ein Zeichen dafür, dass mexikanische Künstler und Komponisten wie Luis Pérez, Arturo Meza, Jorge Reyes, Ana Ruiz und Antonio Zepeda in einem Atemzug mit Michael Rother, Terry Riley, Hiroshi Yoshimura und den vielen anderen Künstlern genannt werden sollten, die zu Recht für ihren Experimentiergeist gefeiert wurden.
Das zweite Album von Sleepytime Gorilla Museum entstand zwischen 2002 und 2004 und spiegelt die politisch und gesellschaftlich aufgewühlte Zeit nach der Jahrtausendwende wider. Die Band verarbeitete diese Eindrücke in ihrem charakteristischen Mix aus Avant-Rock, experimenteller Komposition und theatralischer Intensität. Während der Entstehung stieß Schlagzeuger Matthias Bossi zur Band und prägte den Sound maßgeblich mit. Ein Höhepunkt des Albums ist der Song ,Phthisis", der in einem Studio in den Hollywood Hills aufgenommen wurde und zu den bekanntesten Stücken der Band zählt. Die nun erstmals in den USA auf Vinyl erhältliche Neuauflage wurde von Bassist und Produzent Dan Rathbun remastert und unterstreicht den Stellenwert des Albums als eines der zentralen Werke im Katalog von Sleepytime Gorilla Museum.
Es ist ihr drittes Studioalbum und das erste, das bei Fat Wreck Chords erschien. Mit der Verbindung von Punk und Hardcore schufen Strike Anywhere mit Dead FM einen musikalischen Stil, der eine klare Alternative zum Mainstream-Pop-Punk bot und die Underground-Szene des folgenden Jahrzehnts maßgeblich prägte. Das von Brian McTernan produzierte Album hebt sich aus der Masse politisch orientierter Veröffentlichungen hervor, indem es komplexe politische, ökologische und gesellschaftliche Themen mit zutiefst persönlichem Songwriting verknüpft. Damit setzte das Album Maßstäbe für den modernen melodischen Hardcore. "14 break-neck hardcore tracks laden with a passion rarely achieved in modern music. Seriously, this is going to melt your face_ with love." -Fat Wreck Chords 2006 Erstmals seit Erstveröffentlichung reissued, also genau 20 Jahre nicht neu aufgelegt gewesen! Für Fans von The Flatliners, A Wilhem Scream, Rise Against, Avail. Grape Coloured EU Vinyl-LP (Auflage 500), CD noch erhältlich.
„Me and the Noise“ von Wasuremono ist das bislang ambitionierteste und klanglich vielschichtigste Album von William Southward, auf dem er schimmernden Indie-Pop, mitreißende Hooks und eine euphorische, groß angelegte Produktion mit intimeren und nachdenklichen Momenten verbindet. Nachdem Southward ein Jahrzehnt lang unabhängig in seinem Gartenschuppen in Bradford-on-Avon Musik geschaffen hatte, öffnete er den Produktionsprozess und holte Tony Draper für den Mix sowie Dick Beetham für das Mastering mit ins Boot – das Ergebnis ist ein kühner neuer Sound, der auf seinem melodieorientierten Songwriting aufbaut. Das Album knüpft an eine Reihe von Erfolgen an, darunter über 16 Millionen Streams für „Are You OK?“ sowie die Verwendung seiner Musik in „Heartstopper“ und im Trailer zu „Goodrich“, während Titel wie „No More Dancing“, „Is It Weird or Is It Me?“ und „Sleeping Out“ die Bandbreite seines Songwritings demonstrieren. Die Vinyl-Ausgabe erscheint auf schwarzem Heavyweight-Vinyl, wurde im Half-Speed-Verfahren gemastert und ist in einer Gatefold-Hülle untergebracht – damit ist sie eine hochwertige physische Ausgabe, die ein bedeutendes neues Kapitel für Wasuremono einläutet.
„Continue Here“ ist das Album, das es bisher noch nicht gab. „Continue Here“ schließt die Lücke zwischen „Begin Here“ und „Odessey & Oracle“ und enthält die bei den Fans beliebten Titel „I Love You“, „Leave Me Be“ und „I Want You Back Again“. Zum ersten Mal auf einem Album vereint, dokumentiert „Continue Here“ alle 18 Nicht-Album-Singles und B-Seiten aus den Jahren 1964 bis 1967 in ihrer ursprünglichen Mono-Mischung. „Continue Here (Mono Remastered)“ ist das nächste Kapitel in der Reihe der Zombies-Neuauflagen über das bandeigene Label Beechwood Park Records, mit demselben Team wie bei „Begin Here“ und „Odessey & Oracle“ – erneut unter der Leitung von Matthew und Jamie White, gemastert von Reuben Cohen bei Lurssen Mastering, mit brandneuem Artwork von Darren Evans und Liner Notes des legendären David Fricke. Die CD enthält einen Bonustrack: „I’m Going Home“.
"Baby put that cheecky dress on_get your feet on the ground, shake your hips to the sound! We're dancing to the music!"_of THE MODBIRDS! Ladies & Gentleman, die Tanzfläche ist freigegeben! Spotlights an, Boxen auf Anschlag aufgedreht bis die rotierende Discokugel in 1000 Scherben zersplittert - hier kommt "Shards", der erste Longplayer der Modbirds. Einen berauschenderen Cocktail mit allerfeinsten musikalischen Zutaten wirst Du an keiner Theke finden! Der abwechslungsreiche Mix aus Ska, Soul, Reggae, Rocksteady, einer kleinen Prise Punk bis hin zu Swing und klassischen Big Band Elementen macht süchtig und vereint alles was Birdies, Rudeboys und sonstige Nachtschwärmer lieben werden. Nach ihrer Mini-LP "Spin it to win it" hat die 7-köpfige Big Band mit u.a. ehemaligen Mitglieder von The Porters und Los Placebos im Music Area Studio bei ihrem ehemaligen Bandkollegen Beagle 12 neue Songs aufgenommen und all ihre musikalischen Einflüsse und Vorlieben darin einfließen lassen. Ob Jamaica-Roots, Ausflüge in verschiedenen Waves of Ska-Äras, den typischen UK-2 Tone Sound nach Art von Madness bis Buster Shuffle oder eine einfach nur Spaß machende Reminiszenz an all die deutschen Ska-Bands von El Bosso bis Frau Doktor (mit dem einzig deutschsprachigen Song "Jogger"): Mit jeder Note und Takt merkt man diesem Album an: Die Modbirds leben und lieben diese Subkultur seit Jahrzehnten und kreieren daraus ihren eigenen Sound! Die 180g Vinyl-Edition kommt im Gatefold in klassisch schwarz oder silber mit mehrfarbigem Splatter. Limitiert auf insgesamt nur 300 Exemplare!
"Baby put that cheecky dress on_get your feet on the ground, shake your hips to the sound! We're dancing to the music!"_of THE MODBIRDS! Ladies & Gentleman, die Tanzfläche ist freigegeben! Spotlights an, Boxen auf Anschlag aufgedreht bis die rotierende Discokugel in 1000 Scherben zersplittert - hier kommt "Shards", der erste Longplayer der Modbirds. Einen berauschenderen Cocktail mit allerfeinsten musikalischen Zutaten wirst Du an keiner Theke finden! Der abwechslungsreiche Mix aus Ska, Soul, Reggae, Rocksteady, einer kleinen Prise Punk bis hin zu Swing und klassischen Big Band Elementen macht süchtig und vereint alles was Birdies, Rudeboys und sonstige Nachtschwärmer lieben werden. Nach ihrer Mini-LP "Spin it to win it" hat die 7-köpfige Big Band mit u.a. ehemaligen Mitglieder von The Porters und Los Placebos im Music Area Studio bei ihrem ehemaligen Bandkollegen Beagle 12 neue Songs aufgenommen und all ihre musikalischen Einflüsse und Vorlieben darin einfließen lassen. Ob Jamaica-Roots, Ausflüge in verschiedenen Waves of Ska-Äras, den typischen UK-2 Tone Sound nach Art von Madness bis Buster Shuffle oder eine einfach nur Spaß machende Reminiszenz an all die deutschen Ska-Bands von El Bosso bis Frau Doktor (mit dem einzig deutschsprachigen Song "Jogger"): Mit jeder Note und Takt merkt man diesem Album an: Die Modbirds leben und lieben diese Subkultur seit Jahrzehnten und kreieren daraus ihren eigenen Sound! Die 180g Vinyl-Edition kommt im Gatefold in klassisch schwarz oder silber mit mehrfarbigem Splatter. Limitiert auf insgesamt nur 300 Exemplare!
„ZIRP!“ ist das fünfte Studioalbum von DIIV und zeigt die New Yorker so zugänglich wie je zuvor. Produziert vom Hyperpop-Pionier A. G. Cook (Charli XCX, Caroline Polachek) begeben sie sich dabei in neue
Sound-Gefilde: Zwar bleiben die für DIIV typischen Shoegaze-Elemente erhalten, doch nun steht zum ersten Mal der Gesang von Frontmann Cole Smith im Mittelpunkt des Mixes. „ZIRP!“, benannt nach der
Niedrigzinspolitik, die uns in eine Welt gescheiterter Start-ups geführt und uns alle zu „Nutzern“ gemacht
hat, baut mit einer neu gewonnenen Leichtigkeit auf den Themen des Vorgängers „Frog In Boiling Water“
auf. Durchweg konzentrieren sich DIIV bei ihrem neuen Album auf ihre bisher kraftvollsten und einprägsamsten Melodien; jeder neue, in sich geschlossene Hook und jeder beiläufig eingestreute Ohrwurm zeugen von
einer Band, die mehr als bereit ist, ihr Potenzial im Mainstream voll auszuschöpfen.
„ZIRP!“ ist das fünfte Studioalbum von DIIV und zeigt die New Yorker so zugänglich wie je zuvor. Produziert vom Hyperpop-Pionier A. G. Cook (Charli XCX, Caroline Polachek) begeben sie sich dabei in neue
Sound-Gefilde: Zwar bleiben die für DIIV typischen Shoegaze-Elemente erhalten, doch nun steht zum ersten Mal der Gesang von Frontmann Cole Smith im Mittelpunkt des Mixes. „ZIRP!“, benannt nach der
Niedrigzinspolitik, die uns in eine Welt gescheiterter Start-ups geführt und uns alle zu „Nutzern“ gemacht
hat, baut mit einer neu gewonnenen Leichtigkeit auf den Themen des Vorgängers „Frog In Boiling Water“
auf. Durchweg konzentrieren sich DIIV bei ihrem neuen Album auf ihre bisher kraftvollsten und einprägsamsten Melodien; jeder neue, in sich geschlossene Hook und jeder beiläufig eingestreute Ohrwurm zeugen von
einer Band, die mehr als bereit ist, ihr Potenzial im Mainstream voll auszuschöpfen.
Nach „EBM“ aus dem Jahr 2022, einer Zusammenarbeit mit dem Elektronik-Produzenten Benjamin John Power alias Blanck Mass, haben Editors auf „Surface, Echo & Sound“ völlig neue Wege eingeschlagen. Als sich die Band im Sommer 2025 wieder zusammenfand, um an einem Nachfolger zu arbeiten – nachdem die drei vorangegangenen Alben weitgehend als Studio-Projekte geschrieben und aufgenommen worden waren –, hatten die Editors das Bedürfnis, zu einem natürlicheren Ansatz zurückzukehren, der an ihre Anfänge erinnerte: als sie in einem Proberaum in Stafford saßen und sich gegenseitig gegenüberstanden, während sie gemeinsam an den Songs arbeiteten.
Ähnlich wie bei seinem letztjährigen Soloalbum „There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light“ verfolgte Frontmann Tom Smith auch bei dem neuen Material der Editors einen ähnlich reduzierten, akustikbasierten Ansatz: Er brachte eine Auswahl an Songs zur Band, damit sie diese gemeinsam spielen konnten, probierte verschiedene Dinge aus und schaute, wohin die Reise ging. Was die Entstehung des Albums angeht, „war es ein sehr produktiver Sommer“, sagt Smith. „Die Sonne schien die meiste Zeit, wir waren im grünen Gloucestershire, nicht weit von meinem Wohnort entfernt, in diesem unscheinbaren kleinen Gewerbegebiet – es war so ziemlich das Gegenteil von Berghain!“
„Surface, Echo & Sound“ ist als LP, Ltd. Col.LP CD und digital über Play It Again Sam erhältlich.
Info Englisch:
Following on from 2022’s EBM, a collaboration with electronic producer Benjamin John Power, aka Blanck Mass, on Surface, Echo & Sound, Editors have found themselves somewhere new entirely. When the band regrouped in summer 2025 to work on a follow-up, after three albums written and recorded very much as in-the-studio projects, Editors felt they wanted to go back to a more natural approach, something that harked back to their earliest days, sat in a practice room in Stafford, facing each other as they worked through songs together.
Like on last year’s solo record There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light, frontman Tom Smith took a similar stripped back, acoustic-based approach to the new Editors material, bringing a selection of songs to the band for them to play together, trying different things out, and seeing where they went. In terms of creating the record, “It was a very productive summer,” says Smith. “The sun was out for the most part, we were in greenest Gloucestershire, not far from where I live, on this innocuous little industrial estate – it was pretty much the opposite of being in Berghain!”
Surface, Echo & Sound is available on LP, Ltd. Col. LP and CD & Digital via Play It Again Sam.
Nach „EBM“ aus dem Jahr 2022, einer Zusammenarbeit mit dem Elektronik-Produzenten Benjamin John Power alias Blanck Mass, haben Editors auf „Surface, Echo & Sound“ völlig neue Wege eingeschlagen. Als sich die Band im Sommer 2025 wieder zusammenfand, um an einem Nachfolger zu arbeiten – nachdem die drei vorangegangenen Alben weitgehend als Studio-Projekte geschrieben und aufgenommen worden waren –, hatten die Editors das Bedürfnis, zu einem natürlicheren Ansatz zurückzukehren, der an ihre Anfänge erinnerte: als sie in einem Proberaum in Stafford saßen und sich gegenseitig gegenüberstanden, während sie gemeinsam an den Songs arbeiteten.
Ähnlich wie bei seinem letztjährigen Soloalbum „There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light“ verfolgte Frontmann Tom Smith auch bei dem neuen Material der Editors einen ähnlich reduzierten, akustikbasierten Ansatz: Er brachte eine Auswahl an Songs zur Band, damit sie diese gemeinsam spielen konnten, probierte verschiedene Dinge aus und schaute, wohin die Reise ging. Was die Entstehung des Albums angeht, „war es ein sehr produktiver Sommer“, sagt Smith. „Die Sonne schien die meiste Zeit, wir waren im grünen Gloucestershire, nicht weit von meinem Wohnort entfernt, in diesem unscheinbaren kleinen Gewerbegebiet – es war so ziemlich das Gegenteil von Berghain!“
„Surface, Echo & Sound“ ist als LP, Ltd. Col.LP CD und digital über Play It Again Sam erhältlich.
Info Englisch:
Following on from 2022’s EBM, a collaboration with electronic producer Benjamin John Power, aka Blanck Mass, on Surface, Echo & Sound, Editors have found themselves somewhere new entirely. When the band regrouped in summer 2025 to work on a follow-up, after three albums written and recorded very much as in-the-studio projects, Editors felt they wanted to go back to a more natural approach, something that harked back to their earliest days, sat in a practice room in Stafford, facing each other as they worked through songs together.
Like on last year’s solo record There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light, frontman Tom Smith took a similar stripped back, acoustic-based approach to the new Editors material, bringing a selection of songs to the band for them to play together, trying different things out, and seeing where they went. In terms of creating the record, “It was a very productive summer,” says Smith. “The sun was out for the most part, we were in greenest Gloucestershire, not far from where I live, on this innocuous little industrial estate – it was pretty much the opposite of being in Berghain!”
Surface, Echo & Sound is available on LP, Ltd. Col. LP and CD & Digital via Play It Again Sam.
Mit Autobigophonie schuf Françoise Cactus, die unvergessene Sängerin von Stereo Total, einen der charmantesten Klassiker der deutsch-französischen Popliteratur. In diesem autobiografisch inspirierten Roman erzählt sie mit lakonischem Humor, Melancholie und feiner Ironie vom Aufwachsen in der französischen Provinz, von Jugend, Rebellion und dem Aufbruch ins Berlin der Hausbesetzer- und Punkära. Zwischen Schloss, Mädchenpensionat, Revolutionsgeist und Underground-Musikszene entsteht das Porträt einer jungen Frau, die sich gegen Konventionen und Erwartungen behauptet. Fast 30 Jahre nach der Erstveröffentlichung erscheint dieses literarische Juwel nun in einer überarbeiteten Neuausgabe. Ein kluger, witziger und zeitloser Roman über Selbstfindung, Popkultur und die Sehnsucht nach einem anderen Leben.
Mit Clouds of Glory - The Story of Martin Rev widmet der renommierte Musikjournalist Kris Needs erstmals einem der großen visionären Außenseiter der Popgeschichte eine umfassende Biografie. Als Mitgründer des legendären Duos Suicide prägte Martin Rev die Entwicklung von Punk, Synth-Pop, New Wave, Techno und Industrial entscheidend mit - lange bevor diese Genres den Mainstream erreichten. Basierend auf jahrzehntelangen Gesprächen und persönlichen Einblicken zeichnet Needs nicht nur den außergewöhnlichen Lebensweg von Martin Rev nach, sondern erzählt zugleich die Geschichte des revolutionären Duos Suicide und des kreativen New Yorks der 1950er bis 1970er Jahre. Das Ergebnis ist ein fesselndes Porträt eines kompromisslosen Künstlers und einer Ära, deren Einfluss bis heute in der modernen Popmusik nachhallt.
Mit dieser festlichen Compilation stehen die unvergesslichen Weihnachtsaufnahmen von Elvis Presley im Mittelpunkt. Der "King of Rock "n" Roll" zählt bis heute zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Künstlern der Musikgeschichte, und seine Interpretationen klassischer Weihnachtslieder gehören seit Jahrzehnten zum festen Bestandteil der Advents- und Weihnachtszeit. Die Sammlung vereint zwölf seiner beliebtesten saisonalen Aufnahmen und verbindet traditionelle Weihnachtsklassiker mit Gospel-inspirierten Songs und gefühlvollen Balladen. Darunter finden sich zeitlose Titel wie "White Christmas", "Silent Night", "Blue Christmas" und "Santa Claus Is Back In Town". Mit seiner unverwechselbaren Stimme und seinem warmen Vortrag verleiht Elvis diesen Aufnahmen eine besondere Atmosphäre, die Generationen von Musikfans begeistert.
Im Jahr 2026 feiert Big Crown Records sein zehnjähriges Jubiläum. In zehn Jahren kann viel passieren, und das ist auch geschehen. Aus sehr bescheidenen Anfängen hat sich Big Crown zu einem der angesehensten Independent-Labels der Welt entwickelt - mit einem unglaublich talentierten internationalen Künstlerstamm und einem unvergleichlichen Katalog zeitloser Musik. Leon Michels und Danny Akalepse gründeten Big Crown im Jahr 2016 mit einem einfachen Leitgedanken: gute Musik zu veröffentlichen, an die sie glauben - unabhängig vom Genre. BCR10 - Ten Years of Big Crown ist eine Mischung aus Retrospektive und Aktualität: bewährte Perlen aus dem Backkatalog, gemischt mit grundsoliden Stücken aus den neuesten Alben. Eine Doppel-LP mit ausgewählten Titeln von Bacao Rhythm & Steel Band, Lady Wray, Brainstory, Derya Yildirim & Grup ímcek, El Michels Affair, Thee Lakesiders, Dave Guy, Les Imprimés, Homer, Thee Marloes, Lee Fields & The Expressions, Bobby Oroza, Marco Benevento, The Shacks, Paul & The Tall Trees, Thee Heart Tones, Surprise Chef, 79.5, Liam Bailey und Holy Hive. Einen tieferen Einblick in die Geschichte von Big Crown vermittelt auf perfekte Weise der Begleittext des einzigartigen Journalisten und DJs Jeff Mao.
Black Mekon gelten als Kultfavoriten und verbringen seit mehr als 15 Jahren ihre Zeit damit, rund um den Globus zu touren und eine Reihe hochgelobter Geheimtipp-Alben zu veröffentlichen. Dabei haben sie ihren einzigartigen Mix aus Lo-Fi-Garage-Rock, Punk und Blues stetig perfektioniert und sich eine treue Fangemeinde aufgebaut.Nachdem sie bereits mit Künstlern wie Jon Spencer, Black Lips, Kid Congo und The Scientists die Bühne geteilt haben, wurden sie kürzlich persönlich von Jack White als Support-Act ausgewählt. Dies geschah kurz nach einer weiteren Japan-Tournee gemeinsam mit Guitar Wolf.13 Songs About Monsters hält genau das, was der Titel verspricht: eine Sammlung von Horror-inspirierten Garage-Rock-Hymnen, die pünktlich zu Halloween erscheint und als streng limitierte Glow-in-the-Dark-Vinyl-Edition veröffentlicht wird.
Als genreübergreifende Meister des Stoner Metal präsentiert sich die neueste Besetzung von Sleep mit Gründungsmitglied und Hauptsongwriter Al Cisneros, der nun gemeinsam mit dem Ausnahmetalent Dale Crover (Melvins, Redd Kross) am Schlagzeug und dem ikonoklastischen Bubba Dupree (Void) an der Gitarre. Während einfachere Geister vielleicht die Redundanz einer monotonen, sich wiederholenden Übung suchen, ist der Fahrplan des neuen Albums ,Hempispheres" eine explorative Vision, die Überladung durch Nuancen und Subtilität ersetzt und dennoch das Zusammenspiel bewahrt, das die Band von Anfang an so besonders gemacht hat. Während also in den Diskussionen auf Foren und in den Kommentarbereichen das einvernehmliche Ausscheiden des langjährigen Gitarristen Matt Pike beklagt wird, werden echte Fans, Visionäre und aufgeschlossene Wahrheitssuchende gleichermaßen belohnt - nicht mit dem Sleep-Album , das sie erwartet oder erhofft hatten, sondern mit ,Hempispheres" als dem Album, das gerade gebraucht wird.
Als genreübergreifende Meister des Stoner Metal präsentiert sich die neueste Besetzung von Sleep mit Gründungsmitglied und Hauptsongwriter Al Cisneros, der nun gemeinsam mit dem Ausnahmetalent Dale Crover (Melvins, Redd Kross) am Schlagzeug und dem ikonoklastischen Bubba Dupree (Void) an der Gitarre. Während einfachere Geister vielleicht die Redundanz einer monotonen, sich wiederholenden Übung suchen, ist der Fahrplan des neuen Albums ,Hempispheres" eine explorative Vision, die Überladung durch Nuancen und Subtilität ersetzt und dennoch das Zusammenspiel bewahrt, das die Band von Anfang an so besonders gemacht hat. Während also in den Diskussionen auf Foren und in den Kommentarbereichen das einvernehmliche Ausscheiden des langjährigen Gitarristen Matt Pike beklagt wird, werden echte Fans, Visionäre und aufgeschlossene Wahrheitssuchende gleichermaßen belohnt - nicht mit dem Sleep-Album , das sie erwartet oder erhofft hatten, sondern mit ,Hempispheres" als dem Album, das gerade gebraucht wird.
Mit der 30th Anniversary Edition von Weekend wird eines der pragenden Alben der deutschen Nachwendegeneration elektronisch gepragter Independent-Musik neu aufgelegt. Als das Album 1996 erschien, markierte es einen entscheidenden Wendepunkt fur Kreidler: Die Dusseldorfer Gruppe bundelte erstmals die unterschiedlichen Einflusse aus Electronica, Post-Rock, Krautrock und improvisierter Musik zu einer eigenstandigen kunstlerischen Sprache. Entstanden aus Live-Improvisationen und weitgehend direkt im Studio eingespielt, entwickelte Weekend eine bemerkenswerte Naturlichkeit und Dynamik, die bis heute nichts von ihrer Wirkung verloren hat. Nationale und internationale Medien feierten das Album als wichtigen Beitrag zwischen Clubkultur und experimenteller Rockmusik, wahrend der Titel "Reflections" der Band erstmals großere Aufmerksamkeit verschaffte. Die Jubilaumsausgabe wurdigt nicht nur einen Meilenstein der Bandgeschichte, sondern unterstreicht zugleich die anhaltende Relevanz einer Gruppe, die auch drei Jahrzehnte spater kreativ und produktiv bleibt.
Continuing its mission to bring classic records to a modern audience, Tresor Records celebrates the 30th anniversary of The Infiniti Collection with a remastered & expanded edition of this classic compilation from Infiniti, an alias of Detroit originator Juan Atkins, available on vinyl for the very first time.
First gathered together in the mid-'90s, The Infiniti Collection draws together tracks Atkins cut under the Infiniti name across a number of labels into a single, cohesive listen. Where his Model 500 work pushed toward the electro-funk that built Detroit techno's foundation, Infiniti was always the deeper, more
playful persona concentrated on what was then a nascent yet burgeoning techno sound. The collection stands as a document of Atkins at his most exploratory: futurist, hypnotic, and unmistakably human despite its machine architecture.
This collection brings together some of Atkins’ most essential work with tracks like "Sunlight", "Flash Flood", fan favourite "Game One", and the deep dub of the Moritz von Oswald remix of "Think Quick". Alongside Infiniti's Skynet reissue, a significant part of the Infiniti catalogue now lives in Tresor
catalogue, forming the ultimate archive.
The Infiniti Collection will be available from 30th October on triple vinyl and digitally with a cassette version being available exclusively through Tresor.
,In Glorious Times", das dritte Album von Sleepytime Gorilla Museum, verbindet avantgardistischen Rock, experimentelle Kompositionen und theatralische Elemente zu einem ebenso komplexen wie mitreißenden Werk. Inhaltlich kreist das Album um Transformation, Chaos und die ständigen Veränderungen des Lebens, die sich in ebenso dramatischen wie humorvollen Songs widerspiegeln. Die nun erstmals in den USA auf Vinyl erscheinende, von Dan Rathbun remasterte Neuauflage würdigt eines der zentralen Werke der Band. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus Progressive Rock, Avantgarde und Performance-Kunst festigen Sleepytime Gorilla Museum hier ihren Ruf als eine der außergewöhnlichsten Experimental-Bands ihrer Generation.
IROIRO ist eine aufstrebende Rockband aus Seattle um die ehemaligen IQU-Mitglieder Michiko Swiggs und Kento Oiwa. Auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum verbinden sie instrumentalen Psychedelic Rock mit Noise-, Krautrock- und experimentellen Einflüssen und entwickeln aus improvisierten Jams einen kraftvollen, dynamischen Sound. Die sechs Stücke steigern sich von hypnotischen Grooves zu ausufernden Klanglandschaften voller verzerrter Gitarren, treibender Rhythmen und ausgedehnter Spannungsbögen. Entstanden aus den gemeinsamen Sessions von Swiggs, Oiwa, Schlagzeuger Justin Schwartz und Bassist James Drage, präsentiert ,IROIRO" eine kreative und energiegeladene Neuinterpretation moderner Rockmusik.
IROIRO ist eine aufstrebende Rockband aus Seattle um die ehemaligen IQU-Mitglieder Michiko Swiggs und Kento Oiwa. Auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum verbinden sie instrumentalen Psychedelic Rock mit Noise-, Krautrock- und experimentellen Einflüssen und entwickeln aus improvisierten Jams einen kraftvollen, dynamischen Sound. Die sechs Stücke steigern sich von hypnotischen Grooves zu ausufernden Klanglandschaften voller verzerrter Gitarren, treibender Rhythmen und ausgedehnter Spannungsbögen. Entstanden aus den gemeinsamen Sessions von Swiggs, Oiwa, Schlagzeuger Justin Schwartz und Bassist James Drage, präsentiert ,IROIRO" eine kreative und energiegeladene Neuinterpretation moderner Rockmusik.
Das zweite Album der "Colors"-Trilogie! Der aufstrebende Metal(core)- und Alternative-Künstler hält seine über 2 Millionen TikTok-Follower in Atem. Arankai stammt aus Wisconsin (USA) und trat erstmals 2022 mit einer Reihe von Independent-Veröffentlichungen in Erscheinung. Durch die Kombination von Elementen aus Metal, Alternative Rock und emotionalem Storytelling baute er sich dank seines rohen Sounds und seiner markanten Präsenz in den sozialen Medien schnell eine treue Fangemeinde auf. Nach der "The Portrait Tour" im Mai und Juni 2026 - seiner ersten Headliner-Tournee, die mehrere ausverkaufte Shows in den USA umfasste - wird Arankai ausgewählte Headliner-Konzerte in Europa spielen (darunter einen Auftritt beim Reeperbahn Festival). Anschließend nimmt er diesen Schwung mit ins Frühjahr 2027, wenn er gemeinsam mit Melrose Avenue als Support-Act durch Europa tourt. Arankai in his own words: ""The Shape of Blue", like its predecessor "A Portrait of Red," covers a range of human experiences: rebellion, pride, sacrifice, to name a few that stick out. I tend to draw from personal experiences, but with this particular record I found myself writing songs that reflected specific situations involving other people; sometimes I wasn't even a part of those situations, it was just a powerful moment I found inspiring. I really wanted this record to be something special. I did a lot of things I haven't done before, wrote songs in styles that were new to me; I really wanted to give people a new, exciting experience. I believe "The Shape of Blue", as an album, is a strong, emotive piece. And I hope people enjoy it as much as I loved making it."
Zweite Auflage 2026 -Ein PUNK-ROCK-MEISTERWERK neu aufgelegt - mit, aus aktuellem Anlass, aktualisiertem 2026 Cover-Artwork, Vinylfarbe Starlight Yellow! Das erste Studioalbum von NOFX auf Fat! Die Band behandelte ernste Themen (Punk-Kultur und Politik) mit ihrem typischen Witz und Sarkasmus und zielte auf George W. Bush. Nun ist ein neuer Clown am Start! Damals (2003) schaffte es das Album sowohl in Großbritannien als auch in den USA in die Top 50 und war auch auf dem europäischen Festland erfolgreich, wo es in der Schweiz und in Deutschland die Top 30 erreichte, in Österreich die Top 50 und in Frankreich die Top 100. "Musically, NOFX fuses its political cynicism with criticism of punk rock itself and suggests that the best thing for all the kids and the bands might be to close ranks and start their own little hardcore community. 'Irrationality of Rationality' and 'Franco Un-American'_two of the album's most melodic, catchy songs_are also two of War on Errorism's most biting commentaries. The first personalizes the trickle-down effect of corporate decision-making over a lockstep hardcore rhythm; the second gets all-new wavy as Fat Mike reasons out his own world view, and somehow rhymes "apathy" with "Noam Chomsky.'" - NOFX hat sich zwar aufgelöst, aber das Vermächtnis lebt weiter. Die Band ist derzeit Gegenstand ihrer ersten umfassenden Ausstellung im Punk Rock Museum in Las Vegas. Die Dokumentation "40 Years of Fuckin Upmakes" feiert beim SXSW 2026 Premiere und ist ab April umfassend zu sehen (Score & Original Soundtrack mit neuer Musik von NOFX folgen in Kürze). Der zweite Teil der A-Z-Raritäten-Trilogie "I to Q" soll Ende 2026 erscheinen. Und behaltet Fat Mike im Auge, denn Gerüchten zufolge hat er eine eigene Meinung zur aktuellen Weltlage. Warning: owning this record might piss off (more than ever) your army recruiter, grizzled grampa, or those wacky flag-wavin' nationalist buddies of yours.
Zum 100. Geburtstag von John Coltrane verneigt sich Miguel Atwood-Ferguson mit “ANANTA: Spirit
of Coltrane” vor einer seiner wichtigsten musikalischen und spirituellen Inspirationsquellen. Der in Los
Angeles beheimatete Komponist, Arrangeur und Multiinstrumentalist ist ein Grenzgänger zwischen Jazz,
Klassik, Hip-Hop und elektronischer Musik und arbeitete bereits mit Künstler wie Flying Lotus, Kamasi
Washington, Thundercat und Anderson .Paak.
Gemeinsam mit einem 21-köpfigen Ensemble und Gästen wie Brandee Younger, Shabaka, Immanuel Wilkins,
Jeff Parker, Flying Lotus und Aja Monet überführt er Coltranes Musik ins Hier und Jetzt. Klassiker wie
“Naima”, “My Favorite Things”, “A Love Supreme” und “Giant Steps” erscheinen in neuen Klangfarben.
Mehr als eine reine Hommage versteht Atwood-Ferguson “ANANTA” als spirituelle “Cosmic Music” – und
als zeitgenössische Weiterführung von Coltranes grenzenloser musikalischer Vision.
„Glitter“ ist das achte Studioalbum von Mariah Carey und dient als Soundtrack zum gleichnamigen Film
aus dem Jahr 2001. Das im September 2001 veröffentlichte, schillernde Album verbindet retro-inspirierten
Disco, Funk, R&B, Hip-Hop und Pop und fängt den pulsierenden Sound der frühen 1980er Jahre ein,
während es gleichzeitig Careys unverwechselbaren Gesang und ihr Songwriting zur Geltung bringt. Mit
Songs wie „Loverboy“, „Never Too Far“ und „Lead The Way“ beschäftigt sich „Glitter“ mit Themen wie
Liebe, Ehrgeiz, Liebeskummer und Selbstfindung. In den letzten Jahren hat das Album eine treue Fangemeinde gewonnen und wird heute weithin für seine nostalgische Produktion, seine kraftvollen Balladen
und die kreative Verschmelzung von klassischem Disco mit zeitgenössischem R&B und Hip-Hop geschätzt.
Anlässlich seines 25-jährigen Jubiläums wird das Album zum ersten Mal seit seiner ursprünglichen Veröffentlichung auf Vinyl neu aufgelegt, gepresst auf 2LP in fuchsiafarbenem Vinyl.
Mit Punktraditionen - Alles, wirklich alles, was man über Punks wissen muss widmet sich Joachim Hiller den Eigenheiten, Ritualen und liebenswerten Absurditäten einer der langlebigsten Subkulturen der Musikgeschichte. Zum 50-jährigen Jubiläum des Punk erklärt der langjährige Herausgeber des Ox-Fanzine mit viel Humor und Insiderwissen, warum Punks trotz aller Revolte überraschend traditionsbewusst sind. In 50 kurzweiligen Kapiteln beleuchtet Hiller die kleinen und großen Phänomene der Szene - von Doc Martens und Dosenbier über Chaostage und Schnorren bis hin zu kuriosen Verhaltensregeln und Szene-Mythen. Dabei entsteht kein trockenes Sachbuch, sondern eine unterhaltsame Liebeserklärung an eine Kultur, die sich seit Jahrzehnten konsequent gegen Konventionen stellt und dabei ihre ganz eigenen Traditionen entwickelt hat.
,Yaphet" ist das neue Album des Rappers Curly Castro - auch bekannt als eine Hälfte des dynamischen Duos Shrapknel - das am 18. September 2026 bei Backwoodz Studioz erscheint. Auf ,Yaphet" lässt sich Castro vom Blaxploitation-Filmgenre der 1970er Jahre inspirieren; die schwarzen Helden und Antihelden jener Zeit dient ihm als Sprungbrett für seine filmische Lyrik. Die Flows wechseln so mühelos wie Kamerawinkel, die Strophen sind gespickt mit Anspielungen und Zweideutigkeiten - eine Rap-Meisterklasse, die man endlos wiederholen kann. Aber ,Yaphet" ist auch Castros erstes Soloalbum seit ,Little Robert Hutton" aus dem Jahr 2021, und hinter dem Feuerwerk spiegelt dieses Album die Tiefe seiner Erfahrungen in den dazwischenliegenden Jahren wider. ,Ich hatte nicht vor, so ehrlich über mein Leben zu sein, aber genau das ist dabei herausgekommen, und das Album ist dadurch besser geworden", erklärt Castro, ,vom Tod meiner kleinen Tochter über den Tod meines Vaters bis hin zur Konfrontation mit meiner eigenen bevorstehenden Sterblichkeit - das sind meine verwundbarsten Klingen, die meine tiefsten Wunden aufreißen." Genau wie Castro marschiert auch diese Platte im Takt ihrer eigenen Trommel, und täuscht euch nicht: Es gibt jede Menge Trommeln, mit denen sich der erfahrene MC messen kann, wie nur er es kann. Komplett produziert vom Milwaukeeer Beatmaker Locust, ist ,Yaphet" ein schwungvolles, vielseitiges Hörerlebnis, das seinen Einflüssen zunickt, ohne jemals zurückzuschauen. Castro wird von einem Wirbelwind der Besten des Genres begleitet: billy woods, PremRock, Fatboi Sharif, Brian Ennals, SKECH185, Blueprint, AJ Suede, shemar, ALASKA, Sunmundi, blackchai und Margel the Sophant.
a 1.1BLACK DON'T CRACK [FT. FATBOI SHARIF, BLUEPRINT, BRIAN ENNALS, SKECH185, ...]
[d] 1.4ENEMY-MINDED [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[f] 1.6RAILROAD SPIKES [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[g] 1.7BLOOD IN THE GARDEN [FT. PREMROCK]
Für ihre zweite LP ,Iconoclast HaHa" greift das Vierer-Ensemble Aluminum aus San Francisco den Shoegaze, Big Beat und Alt-Pop ihres Debüts ,Fully Beat" (Felte, 2024) auf und heizt die Stimmung richtig ein. Im Gegensatz zu früheren, selbst aufgenommenen Alben besteht das Album aus einer Reihe mitreißender Studioaufnahmen der gesamten Band , die alle während einer inspirierten Woche mit Toningenieur Jack Shirley im Atomic Garden Studio in Oakland aufgenommen, abgemischt und gemastert wurden. Die Leadsänger und Songwriter Marc Leyda und Ryann Gonsalves schaffen weiterhin die Balance zwischen poppiger Eingängigkeit und experimenteller Unbekümmertheit, während sie diese Songs mit Spontaneität, Unmittelbarkeit und Post-Punk-Hartnäckigkeit erfüllen. ,Wir wollten, dass dieses Album gitarrenlastiger wird", bemerkt Leyda, ,deshalb haben wir über Marshall-Stacks aufgenommen, um ihm ein schwereres Feeling zu verleihen und einen schnelleren, punkigeren Sound zu erzielen, der bei Live-Auftritten gewaltig und mitreißend wirkt." Thematisch nennt Gonsalves als große Inspiration ,die Frustration, in einem gesellschaftlichen System zu leben, das dich zum Scheitern verurteilt, in dem du immer ,nicht genug` oder ,zu viel` bist, und all die Wut, Erschöpfung und den Druck, dich anzupassen." Im Rückblick auf das Zusammenspiel von Stimmung, Botschaft und Strudel auf ,Iconoclast HaHa" erläutert Leyda anhand seiner ultimativen künstlerischen Frage: ,Wenn es sich so anfühlt, als würde die Welt in Richtung Untergang kippen, machst du einfach weiter und versuchst, etwas Kraftvolles und Sinnvolles zu schaffen - denn was bleibt dir sonst übrig?"
Sleepytime Gorilla Museum wurden 1999 gegründet und verbinden seitdem experimentellen Rock, Avantgarde, Theater und Performance-Kunst zu einem einzigartigen Gesamterlebnis. Entstanden aus den Bands Idiot Flesh und Charming Hostess, entwickelte die Gruppe einen ebenso präzisen wie chaotisch wirkenden Stil, der musikalische Komplexität mit spektakulären Live-Auftritten verbindet. Die nun erstmals in den USA auf Vinyl erhältliche Neuauflage ihres Debütalbums wurde von Bassist Dan Rathbun remastert und erscheint parallel zu weiteren Wiederveröffentlichungen aus dem Katalog der Band. Mit ihrer aktuellen Besetzung knüpfen Sleepytime Gorilla Museum an ihre lange Geschichte an und zeigen, warum sie bis heute zu den ungewöhnlichsten und einflussreichsten Bands zwischen Avant-Rock, Progressive Rock und experimenteller Musik zählen.
"3TWI" ist die neue EP von Fatima Al Qadiri und verbindet regionale Clubmusik mit traditionellen westasiatischen Tanz- und Musikeinflüssen. Gemeinsam mit Bobo Secret, Lama3an und Gumar erkundet sie Themen wie Identität, Geschlechterrollen und queere Perspektiven in Westasien. Die vier Songs, gesungen in kuwaitischem und klassischem Arabisch sowie im 3eemi-Farsi-Dialekt, feiern die kulturelle Vielfalt der Region und verbinden improvisierte Texte, Spoken Word und emotionale Melodien zu einer modernen Hommage an westasiatische Musiktraditionen.
a 17ILWEEN FT. BOBO SECRET & LAMA3AN
b 2ZAN KARDEH YA NAH [FT. GUMAR]
[c] 3ZILIM [FT. BOBO SECRET & LAMA3AN]
[d] 4TA3ALAY [FT. GUMAR]
Dieser Nussknacker zählt zu den meistverkauften Alben von Sir Simon Rattle und den Berliner Philharmonikern und ist ein Meilenstein ihrer Diskografie. Die wunderschöne, limitierte Deluxe-Version mit farbigem Vinyl ist das perfekte Sammlerstück für die Weihnachtszeit! "Rattle agiert wie gewohnt herzlich und ausdrucksstark, und das Spiel der Berliner ist einfach herrlich.“ The Sunday Times
Foreigner – Head Games (Remixed) (1LP) Multi-Platin-Klassiker erstmals im neuen Studio-Sound auf Vinyl. - Neuer Studio-Remix auf 180g Vinyl - Inklusive der Megahits „Dirty White Boy“ & „Head Games“ - Mastering überwacht von Jeff Pilson - Limitierte Erstauflage für den Fachhandel
Mutant präsentiert in Zusammenarbeit mit Hollywood Records und 20th Century Studios stolz die erste Veröffentlichung der Filmmusik von Sarah Schachner und Benjamin Wallfisch zu „PREDATOR: BADLANDS“ auf physischen Tonträgern.
