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In a world of endless, bottomless content, to find something that stands out from the crowd is a rare thing. But it’s something that 7ebra manage without breaking a sweat. Based in Malmö, twin sisters Inez and Ella Johansson deal in sparkling indie-rock that’s pretty without being soft, sweet without losing its edge and catchy without being cheap. With Inez on guitar and vocals and Ella on keys, organ and Mellotron, their minimal set-up makes a virtue of simplicity – with a sliver of guitar fuzz, and organ lines snaking around stark, striking vocals, augmented by shivering harmonies, they don’t need a lot to make music that’s colourful, kaleidoscopic, and effortlessly original.

7ebra debuted in 2022 with the double-single “I Have A Lot To Say”/ “If I Ask Her”, two helpings of psych-tinged, street-smart rock and roll, and the music scene around them wasn’t slow to notice. They opened for the Future Islands and the Dandy Warhols, were picked out by Apple Music’s Matt Wilkinson as a Hidden Gem of 2022 and were booked for prestigious showcases SXSW and Eurosonic. With a packed schedule of shows across Europe and the UK already planned for 2023, their world looks set to get a lot bigger – something that their debut album Bird Hour makes certain. The record is a warm, elegant introduction to the sound 7ebra have crafted. The songs are full of personality and character, but also retain a little bit of enigma, a sense of keeping something secret to themselves. To unwrap that elusiveness is a daunting task, but one the listener can’t resist leaping into.

Ella and Inez’s parents played in bands as they were growing up, so picking up music was a natural thing for them. The origins of 7ebra start with Inez whiling away the hours playing guitar in her bedroom. “I learned by playing covers by myself in my room”, she says. “Ella didn’t do that as much, but we sometimes played and sang together, country songs”. Eventually she would start writing her own. Ella wasn’t involved originally (“we did play together a few times”, she says, “and it just went to shit laughs. We fought a lot”), and Inez was originally reluctant: “I was a bit unsure whether I wanted to be in a band with my sister. Because you get clumped together all the time, when you’re twins”. But Ella was keen to join, and eventually persuaded Inez to let her join for a show. It went – so well that producer Tore Johansson (The Cardigans, Franz Ferdinand), saw it and asked if they’d like to record with him. That changed things, says Ella: “It made us think there might be something in this music”. As a duo, 7ebra were in flight. “In the end, it’s kind of a nice thing too being sisters in a band”, Inez says. “It doesn’t bother me anymore. It just made sense to play together”.

On the album that they eventually came up with, the talent that caught Johansson’s eye is immediately obvious. Opener “Secretly Bad” has a way of walking along your nerves, an eerie echo of a hymn in Inez’s vocal backed by a swirl of woozy blend of guitars and organ. That’s followed up by “I Like To Pretend”, an easily charming song that has a sleepy brightness about it, like morning sunlight breaking through a window. They take a couple of different genres for a whirl on Bird Hour – they’re tense and snappy on “If I Ask Her”, breezy and cocky on “Lighter Better”, and there’s even a couple of droplets of blues and folk in the mix, in the raw intensity of the emotions in the slower songs, the vulnerability and aching of songs like “Lean” and “Stripey Horsey”. The record has a way of sweeping you along in its mood and tones, fuelled in part by the band’s use of repetition, sometimes fast and fevered, sometimes crawling and hypnotic. The duo’s musical input blends perfectly, with Inez’s guitar and vocals forming the core, and Ella drawing in the detail with keys, organ, and harmonies, to really bring out the vivid nature of the songs. Indie rock that’s melodic and sweet, but with enough shadow mixed in to make it really compelling.

On Bird Hour, what strikes you first about 7ebra’s sound is how fully formed it is, how much they’ve carved out their own sonic territory, perfected by trial and error in the studio with Johansson. “Tore wanted us to try everything possible”, says Ella. “We had moments where things weren’t working. But that was necessary in order to find the good stuff”. 7ebra’s signature might be found in the deft way they deal with emotion – unafraid of being open, but a little too clever to make things too clear cut: “You can’t take yourself that seriously. It’s too emotional to take it seriously, to start hating yourself. But at the same time, it is quite serious”, says Ella. Another trademark is the simplicity – a 7ebra song has just enough to make it work, and nothing more. “I think it was important for me that our voices were at the centre of the songs”, says Inez, “that all the little melodies have their place, and don’t get overwhelmed. With lyrics, I sometimes come up with something, and just feel ‘there’s no need to add more to this’. Sometimes a line works by itself. You don’t have to add a bunch of lyrics”. Finally, the album’s themes are ones that will resonate with most people that have set foot on this planet. “I guess it’s about trying to understand yourself, in relation to others. Just life. ‘Why am I not good at this, why is this thing happening to me, why is this thing so hard, why am I so stupid?’”, laughs Ella.

7ebra haven’t been around for very long – but a handful of songs and their fizzing live shows have stirred up the biggest buzz in Scandinavian music in quite a while. Their debut album justifies it all. It showcases the magic they’re capable of conjuring up, and hints at even more to come in the future. But from where they are right now, they’ve made something very special. Bird Hour takes all that promise and turns it into something concrete, in the form of one of the year’s best rock debuts.

In a world of endless, bottomless content, to find something that stands out from the crowd is a rare thing. But it’s something that 7ebra manage without breaking a sweat. Based in Malmö, twin sisters Inez and Ella Johansson deal in sparkling indie-rock that’s pretty without being soft, sweet without losing its edge and catchy without being cheap. With Inez on guitar and vocals and Ella on keys, organ and Mellotron, their minimal set-up makes a virtue of simplicity – with a sliver of guitar fuzz, and organ lines snaking around stark, striking vocals, augmented by shivering harmonies, they don’t need a lot to make music that’s colourful, kaleidoscopic, and effortlessly original.

7ebra debuted in 2022 with the double-single “I Have A Lot To Say”/ “If I Ask Her”, two helpings of psych-tinged, street-smart rock and roll, and the music scene around them wasn’t slow to notice. They opened for the Future Islands and the Dandy Warhols, were picked out by Apple Music’s Matt Wilkinson as a Hidden Gem of 2022 and were booked for prestigious showcases SXSW and Eurosonic. With a packed schedule of shows across Europe and the UK already planned for 2023, their world looks set to get a lot bigger – something that their debut album Bird Hour makes certain. The record is a warm, elegant introduction to the sound 7ebra have crafted. The songs are full of personality and character, but also retain a little bit of enigma, a sense of keeping something secret to themselves. To unwrap that elusiveness is a daunting task, but one the listener can’t resist leaping into.

Ella and Inez’s parents played in bands as they were growing up, so picking up music was a natural thing for them. The origins of 7ebra start with Inez whiling away the hours playing guitar in her bedroom. “I learned by playing covers by myself in my room”, she says. “Ella didn’t do that as much, but we sometimes played and sang together, country songs”. Eventually she would start writing her own. Ella wasn’t involved originally (“we did play together a few times”, she says, “and it just went to shit laughs. We fought a lot”), and Inez was originally reluctant: “I was a bit unsure whether I wanted to be in a band with my sister. Because you get clumped together all the time, when you’re twins”. But Ella was keen to join, and eventually persuaded Inez to let her join for a show. It went – so well that producer Tore Johansson (The Cardigans, Franz Ferdinand), saw it and asked if they’d like to record with him. That changed things, says Ella: “It made us think there might be something in this music”. As a duo, 7ebra were in flight. “In the end, it’s kind of a nice thing too being sisters in a band”, Inez says. “It doesn’t bother me anymore. It just made sense to play together”.

On the album that they eventually came up with, the talent that caught Johansson’s eye is immediately obvious. Opener “Secretly Bad” has a way of walking along your nerves, an eerie echo of a hymn in Inez’s vocal backed by a swirl of woozy blend of guitars and organ. That’s followed up by “I Like To Pretend”, an easily charming song that has a sleepy brightness about it, like morning sunlight breaking through a window. They take a couple of different genres for a whirl on Bird Hour – they’re tense and snappy on “If I Ask Her”, breezy and cocky on “Lighter Better”, and there’s even a couple of droplets of blues and folk in the mix, in the raw intensity of the emotions in the slower songs, the vulnerability and aching of songs like “Lean” and “Stripey Horsey”. The record has a way of sweeping you along in its mood and tones, fuelled in part by the band’s use of repetition, sometimes fast and fevered, sometimes crawling and hypnotic. The duo’s musical input blends perfectly, with Inez’s guitar and vocals forming the core, and Ella drawing in the detail with keys, organ, and harmonies, to really bring out the vivid nature of the songs. Indie rock that’s melodic and sweet, but with enough shadow mixed in to make it really compelling.

On Bird Hour, what strikes you first about 7ebra’s sound is how fully formed it is, how much they’ve carved out their own sonic territory, perfected by trial and error in the studio with Johansson. “Tore wanted us to try everything possible”, says Ella. “We had moments where things weren’t working. But that was necessary in order to find the good stuff”. 7ebra’s signature might be found in the deft way they deal with emotion – unafraid of being open, but a little too clever to make things too clear cut: “You can’t take yourself that seriously. It’s too emotional to take it seriously, to start hating yourself. But at the same time, it is quite serious”, says Ella. Another trademark is the simplicity – a 7ebra song has just enough to make it work, and nothing more. “I think it was important for me that our voices were at the centre of the songs”, says Inez, “that all the little melodies have their place, and don’t get overwhelmed. With lyrics, I sometimes come up with something, and just feel ‘there’s no need to add more to this’. Sometimes a line works by itself. You don’t have to add a bunch of lyrics”. Finally, the album’s themes are ones that will resonate with most people that have set foot on this planet. “I guess it’s about trying to understand yourself, in relation to others. Just life. ‘Why am I not good at this, why is this thing happening to me, why is this thing so hard, why am I so stupid?’”, laughs Ella.

7ebra haven’t been around for very long – but a handful of songs and their fizzing live shows have stirred up the biggest buzz in Scandinavian music in quite a while. Their debut album justifies it all. It showcases the magic they’re capable of conjuring up, and hints at even more to come in the future. But from where they are right now, they’ve made something very special. Bird Hour takes all that promise and turns it into something concrete, in the form of one of the year’s best rock debuts.

After an international tour of over 100 dates, French 79 is ready to unveil his third album entitled TEENAGERS. This opus gives us such unique and strong sensations, partly because the synths were recorded at Jean-Michel Jarre's studio in Paris and the tracks were mixed and mastered by Damien Quintard a Miraval studios.

TEENAGERS alternates between signature songs like the masterful opening song, as well as unsuspected romantic and nostalgic songs, epic and flamboyant

tracks, tracks with liberating harmonies, sensational electronic swirls, pop gems ("You Always Say" feat. Prudence, the singer of The Dø) and sumptuous introspective tracks ("Walking on Mars"). Not only does this opus reflect his wide range of talents as a songwriter and producer, but also it definitely takes us on a very powerful sensorial and introspective journey.

Terr’s debut LP 'Consciousness As A State Of Matter’ arrives on green and orange split double-vinyl, limited to a pressing of just 400 copies, housed in a sleeve of hallucinatory artwork from designer Sebastian Ofuszak.

Across eleven tracks, Terr continues a long, fulfilling journey in electronic music with a visceral, vulnerable full-length statement inspired by tireless and timeless innovators in the history of electronic music such as Giorgio Moroder, Wendy Carlos and Phil Oakey. Achieving a delicate, wide-eyed chemistry between the catharsis of the dancefloor and the ever-renewing promise of pop, 'Consciousness As A State Of Matter’ includes and expands upon the vision of singles ‘Only For Tonight’, ‘Tale of Devotion’ and ‘Layers’.

‘Where is Agartha? What is the specific region in which it lies? Along what road, through what civilizations, must one walk in order to reach it?.’ Saint-Yves d’Alveydre in 1886

Agartha, the debut full-length album by Japanese producer Wata Igarashi, is a mysterious, divine thing. Named for the mythical secret kingdom, understood as a complex maze of underground tunnels, perhaps designed by Martians who colonised the Earth tens of thousands of years ago, it’s a similarly mystical, perhaps even cosmic trip – but this time, exploring an inner, deeply personal cosmos. Beautifully detailed and bustling with rich incident, it takes Igarashi’s music to new places, which still retaining his unique sonic imprimatur; in this respect, it’s perfectly at home with Kompakt, a label that’s always encouraged artists to make the visionary music they need to create, to take risks and make sideways steps into uncharted territory.

An eloquent producer and DJ, Igarashi has been releasing techno for eleven years now, appearing on such imprints as The Bunker NY, Delsin, Midgar, and Time To Express; he has also self-released his productions via his WIP net label. Throughout, Igarashi has consistently explored his unique approach to techno and electronic music, one that’s eloquent and poised, even when it shifts into more psychedelic terrain; he’s a master at balancing the sensual and the functional, and he has an unerring ear for the right texture, the right tone, at the right time. He brings all of this into Agartha, his most thorough-going expression of self to date.

For Agartha, Igarashi had a strong concept he wanted to explore. Visualising specific scenes from an imaginary film based on the titular secret kingdom, he created soundtracks for those scenes, spending time during the pandemic in his studio, working away carefully at the ten tracks here. Given his background in creating music for television and advertisements, Igarashi is well-placed to explore the marriage of the sonic and the visual in such intimate ways, but freed from commercial concerns, he let his imagination run riot. He also drew on a rich palette of musical influences – techno is in there, of course, but you can also hear the smoky, improvised jazz of the likes of Miles Davis (to whom the album’s title is an indirect nod), and the minimalism and systems music of Steve Reich.

The latter is particularly pronounced on the gorgeous, beatless drift of “Floating Against Time”, where an arpeggiated sequence lingers, lovingly, around your ears for nine blissful minutes, coasting across swooning drones and waves of ambient noise. “Ceremony Of The Dead”, originally composed as part of a Sony 360 Reality Audio spatial sound concert, is a deep pass into systems composition, with various patterns overlaid and interlocking, before a wordless vocal rises from the depths, a gorgeous counterpoint to the swarming textures that gather across the track. On the other hand, tracks like “Burning” and “Subterranean Life” nudge toward Fourth World territory, painting deluxe dreamscapes of uncertain provenance; the title cut is an abstract drift-world, Igarashi painting an alien tableau dotted by shape-shifting creatures.

Agartha’s conceptual framework means that everything on the album sits perfectly together; listening to it in one sitting is a dizzying, lush experience. Its imaginings of inner landscapes recall, in some respects, the nautical, aqueous mythologies of the Drexciyan universe, though from different perspectives. But the result is Igarashi’s own creation, a deluxe, enchanting trip through the visionary Agartha of this unique producer’s cinematic mind’s-eye.

Wo liegt Agartha? In welcher spezifischen Region liegt es? Auf welchem Weg, durch welche Zivilisationen muss man gehen, um dorthin zu gelangen?'

Saint-Yves d'Alveydre im Jahr 1886

Agartha, das Debütalbum des japanischen Produzenten Wata Igarashi, ist ein geheimnisvolles, göttliches Ding. Benannt nach dem mythischen, geheimen Königreich, das als ein komplexes Labyrinth unterirdischer Tunnel verstanden wird, die vielleicht von Marsmenschen angelegt wurden, die vor Zehntausenden von Jahren die Erde kolonisierten, ist es eine ähnlich mystische, vielleicht sogar kosmische Reise - aber dieses Mal erforscht es einen inneren, zutiefst persönlichen Kosmos. Wunderschön detailliert und voller reichhaltiger Begebenheiten, führt es Igarashis Musik an neue Orte, die dennoch seine einzigartige klangliche Handschrift bewahren. In dieser Hinsicht hat es bei Kompakt ein perfektes Zuhause gefunden - einem Label, das Künstler immer ermutigt hat, jene visionäre Musik zu machen, Risiken einzugehen und seitwärts Schritte in unbekanntes Terrain zu tun.

Der eloquente Produzent und DJ Igarashi veröffentlicht seit elf Jahren Techno auf Labels wie The Bunker NY, Delsin, Figure und Time To Express; außerdem hat er einige Produktionen über sein Label WIP net selbst veröffentlicht. Dabei hat Igarashi stets seinen einzigartigen Ansatz für Techno und elektronische Musik verfolgt, der kontrolliert und ausgeglichen ist, selbst wenn er sich in psychedelisches Terrain begibt; er ist ein Meister der Balance zwischen dem Sinnlichen und dem Funktionalen und hat ein untrügliches Gespür für die richtige Textur, den richtigen Ton zur richtigen Zeit. All das bringt er in Agartha ein, dem bisher umfangreichsten Ausdruck seiner selbst.

Für Agartha hatte Igarashi ein starkes Konzept, das er erforschen wollte. Er stellte sich bestimmte Szenen eines imaginären Films vor, der auf dem titelgebenden geheimen Königreich basiert, und schuf Soundtracks für diese Szenen. Während der Pandemie verbrachte er Zeit in seinem Studio und arbeitete sorgfältig an den zehn Tracks. Mit seinem Hintergrund als Komponist von Fernseh- und Werbemusik ist Igarashi prädestiniert dafür, die Verbindung von Klang und Bild auf solch intime Weise zu erforschen, aber frei von kommerziellem Dünkel ließ er seiner Fantasie freien Lauf. Er schöpfte auch aus einer reichen Palette musikalischer Einflüsse - Techno ist natürlich dabei, aber man hört auch den rauchigen, improvisierten Jazz von Miles Davis (an den der Titel des Albums eine indirekte Anspielung ist) und den Minimalismus und die Systemmusik von Steve Reich.

Letzteres ist besonders ausgeprägt in dem wunderschönen, beatlosen "Floating Against Time", wo eine arpeggierte Sequenz neun Minuten lang liebevoll um die Ohren fliegt und über schwelende Drones und Wellen von Umgebungsgeräuschen gleitet. "Ceremony Of The Dead", ursprünglich als Teil eines Sony 360 Reality Audio-Raumklangkonzerts komponiert, ist ein tiefes Eintauchen in eine Systemkomposition, bei der sich verschiedene Muster überlagern und ineinander greifen, bevor sich ein wortloser Gesang aus der Tiefe erhebt, ein wunderschöner Kontrapunkt zu den wimmelnden Texturen, die sich über den Track legen. Andererseits bewegen sich Tracks wie "Burning" und "Subterranean Life" in Richtung der Vierten Welt und malen luxuriöse Traumlandschaften ungewisser Herkunft; der Titeltrack ist eine abstrakte Scheinwelt, in der Igarashi ein außerirdisches Tableau malt, das von formwandelnden Kreaturen übersät ist.

Der konzeptionelle Rahmen von Agartha ermöglicht, dass alles auf dem Album perfekt zusammenpasst; es in einem Zug durchzuhören ist eine schwindelerregende, opulente Erfahrung. Wata's Vorstellungen von inneren Landschaften erinnern in gewisser Hinsicht an die nautischen, wässrigen Mythologien des drexciyanischen Universums, wenn auch aus einer anderen Perspektiven betrachtet. Aber das Ergebnis ist Igarashis ureigene Schöpfung, ein luxuriöser, bezaubernder Trip durch das visionäre Agartha dieses einzigartigen Produzenten mit seinem cineastischen Blick.

With this release TAL delves deep into the very beginnings of Düsseldorf's post punk scene of the early 1980s. STUMM was the duo of Detlef Funder and Bernd Sevens who both would become pivotal figures in the tape underground movement of West-Germany, when they launched the SDV label in 1986. Individually they went on to produce boundary defying works as Konrad Kraft and Seventh Day respectively.

The material on this album was recorded by Funder and Sevens quite casually in 1980 in a rehearsal studio in the centre of Düsseldorf. Right from the beginning the two young musicians incorporated the atmosphere of the space in order to document the process of their sound experiments on a 4-track tape machine. For those recording sessions, which are now released for the first time ever on vinyl and download, Funder and Sevens managed to get their hands on a very rudimentary set of equipment consisting of merely a Korg MS 20 synth, a Roland CR 78 drum machine, a few electronic effects and a drum kit. The urgent and rough sound of the recordings imbues their production with a characteristic and era-specific edge that's hard to imitate today. Spontaneity and understatement were key elements in the brief creative period of STUMM. The recordings still have a uniquely dizzying quality and are somewhat of a basic blueprint for a lot of industrial/techno and post punk which was about to loom in all corners of the world. These tracks are also a testament to the vivid spark of a period in time that would soon be radically changed through the rise of digital technology.

Bernd Sevens: “Around 1980 there was a great musical awakening. Punk, New Wave, Industrial and of course Dub Reggae -- the electronic music blew us away. Everything we heard influenced us. Back then, cassette tapes were cheap and easily available. We could record our ideas on the spot and then copy and distribute the tapes. That's how it started. Giving it a go, experimenting, trial and error. The music you hear on the record was spontaneous and had no concept. Our collaboration was also not intended to be a permanent project. You could say we were dilettantes setting out on our journey, making it up as we went along. It felt like a beginning.”

Es war einmal eine Bande von Trollen aus dem dunklen Norden. Tief in den Höhlen der Wälder feierten sie die ganze Nacht lang zu ihren eigenen Melodien aus Flöten, Mandolinen und Akkordeons. Meistens umgaben sie sich mit Fleischkeulen und Metkrügen, aber sie mochten auch die eine oder andere Prinzessin. Obwohl sie ein paar faule Säcke waren, reisten sie durch das ganze Königreich, um ihre trollige Musik für die guten Leute zu spielen. Und schließlich, nach unzähligen Raubzügen, sind ihre Geschichten von Abenteuern, Missgeschicken und anderen Märchen nun zu ihrem Debütalbum "Der Var Engang..." geworden.Trold spielt Folk Metal mit einem verschmitzten Lächeln, der garantiert die Party in den großen, dunklen dänischen Wäldern anheizt. Die Geschichten und Melodien stehen im Mittelpunkt, wenn sie mit verschiedenen Instrumenten und schweren
Gitarrenrhythmen gespielt werden, um die perfekte Atmosphäre zu schaffen. Die Geschichten wachsen, zischen und werden gesungen, während die Zuhörer auf eine Vielzahl von Abenteuern mitgenommen werden.Trold ist tief im nordischen Boden verwurzelt, wo sie sich von einer Fülle von Märchen und Mythologien inspirieren lassen. Riesen, Götter, die Tiere des Waldes und die wunderbare Welt des Meeres sind nur einige der Orte, an die Trold die Zuhörer entführt.Wenn die Trolle auf der Bühne stehen, kann man sicher sein, dass die Party beginnt und die gute Laune in Gang kommt.

Finally back on vinyl, this time a limited pressing of 500 copies on 180g white vinyl, 'More Wealth Than Money' by Normil Hawaiians quickly sold-out upon its initial release in 2017.
'More Wealth Than Money' proved a vastly ambitious debut album, sprawling across four sides of vinyl in a way that still feels truly expansive, brave, cinematic even. From the plaintive pastoralism of 'British Warm' to the transcendental vistas of 'Other Ways Of Knowing', the album constantly surprises with its ringing trails of guitar, motorik pulse and synth rambles. From the striving incursion of 'Sally IV' to the softly spoken disbelief of 'Yellow Rain' the album is nothing short of a waking dream. Guy Smith's vocal floats through the album in a haunting manner, at times heartfelt at others overcome. He's on a quest to his own celestial city and we can stay for the whole journey if we only listen.
Described by the press upon its release in 1982 as an "absolutely mesmerising double album travelling through progressive rock, via industrial folk to freaky art-punk whilst sounding delightfully coherent" and "a huge slab of mindblowing dark psychedelia" the album was critically acknowledged for its peculiarly British kosmische. However, for an album so indebted to the fertile soil from which it sprang, it's curious that 'More Wealth Than Money' never came out officially in the UK. The band's label Illuminated were temporarily blacklisted by their distributor because of unpaid debts and so the album was only available from the band at concerts within the UK. The bulk of the record's sales went to mainland Europe on export.
Upset The Rhythm are now very proud to finally give 'More Wealth Than Money' the release it's always deserved. On December 1st, 35 years since the album first appeared, Upset The Rhythm will be reissuing the newly re-mastered 'More Wealth Than Money' album, alongside a further full-length collection of demos and unreleased tracks from the album's overlooked corners. Both the 2xCD and DLP versions also come with a booklet contextualizing the release, full of anecdotes and photos from all band members.
Track listing:

Sometimes I sink into the dark side of life,
Lucky me to have music to pull me back into the light” Kutiman

Following on from his critically acclaimed Open LP released in October, revered polymath Kutiman returns to Siyal Music with his Dense EP. Kutiman continues to push forward with developing his sound as we see the artist creating his first ever electric leaning release. Not the only first, as the haunting vocals layered throughout are a result of Kutiman debuting his very own voice. Kutiman pulls elements from various musical inspirations, be it moody electronica, garage and 2step, modern classical music, ambient or twisted r'n'b. The outcome is a unique, cutting edge blend of emotional pitched down vocals, melodic airy pianos and glitching sound effects.

“This EP expresses emotions from a dark period that I went through. At the time I was into dark electronics and also found inspiration from Rhythm and Sound, Burial, The Blaze, Plasticman and more. The EP all started from a little "Volca" drum machine, which I hooked up and set up a mostly analogue setup around it with some synths and drum machines that enabled me to "jam" a lot of the music without the need to stop for overdubbing or editing”. Kutiman

With an illustrious career spanning over a decade, Ophir Kutiel aka Kutiman moved to Tel Aviv as a teenager to study jazz at the prestigious Rimon music college. It was during this time that he was able to immerse himself in music, with influences cited as Massive Attack, DJ Shadow, Amon Tobin and Parliament. Fast forward to 2007 and his self-titled debut album received a 8.2 rating from Pitchfork and set the precedent for what was to come. Other tastemakers to highlight over the years include; The Guardian, Billboard, The New Yorker, The Wire, Uncut and XLR8R among others. Kutiman is forever pushing boundaries with his music, and draws on a range of world influences from spiritual jazz to psychedelic funk. ‘Dense EP’ sees Kutiman adding yet another string to his musical bow, as we enter the era of electronic inspired music.

Fuzzybrains' Debütalbum The Less I Know ist ein Indie Pop-Album, dem man die Spontaneität seiner Entstehung im besten Sinne anhört
The Less I Know ist der Titel von Fuzzybrains Debütalbum und auch beim Sound ist darauf weniger oft mehr. Dass das Album in den Wohnzimmern des Duos Amalia Hauser und Benjamin Steiger aufgenommen wurde ist aufgrund des eindringlich-klaren Klangs schon alleine technisch beeindruckend.

Noch mehr Spuren aber hinterlässt die dadurch entstandene intime Atmosphäre, die manchmal das Gefühl vermittelt, als würde man heimlich lauschen und den beiden unbemerkt über die Schulter schauen. Trotz der schwierigen Themen strahlen diese Songs Zuversicht aus, sie geben sich den Problemen, den Ängsten und Schwierigkeiten nicht hin, sondern möchten Wege zeigen, damit umzugehen.

Black Vinyl
In jedem ernsthaften Gespräch über Death Metal muss der Name Vomitory auftauchen. Nach ihrer Gründung im Jahr 1989 veröffentlichten sie zwischen 1996 und 2011 acht der besten Alben, die das Genre je hervorgebracht hat. 2013 trennte sich das Quartett. Der Ruhestand der Band war jedoch nur von kurzer Dauer: 2019 kehrten sie auf die Bühnen zurück, um ihr 30-jähriges Bestehen zu feiern, und jetzt veröffentlichen sie ihr erstes neues Album seit zwölf Jahren, das monströse "All Heads Are Gonna Roll". Es bietet den klassischen Vomitory-Sound mit einigen neuen Wendungen und ist alles, was sich die treuen Fans erhofft haben, denn die Band hat sich Zeit gelassen, bevor sie sich dem Album widmete, anstatt es zu überstürzen. "Wir haben uns nicht unter Druck gesetzt gefühlt, es ging vielmehr darum, eine Entscheidung zu treffen, ob wir als Band weitermachen, d.h. neues Material veröffentlichen, oder die Band einfach wieder zu Grabe tragen", erklärt Schlagzeuger Tobias Gustafsson. "Wir haben erst mal nur zum Spaß ein paar Songs geschrieben, um zu sehen, ob wir es noch 'drauf haben', bevor wir die endgültige Entscheidung getroffen haben, weiterzumachen und ein neues Album zu machen."

Red Vinyl
In jedem ernsthaften Gespräch über Death Metal muss der Name Vomitory auftauchen. Nach ihrer Gründung im Jahr 1989 veröffentlichten sie zwischen 1996 und 2011 acht der besten Alben, die das Genre je hervorgebracht hat. 2013 trennte sich das Quartett. Der Ruhestand der Band war jedoch nur von kurzer Dauer: 2019 kehrten sie auf die Bühnen zurück, um ihr 30-jähriges Bestehen zu feiern, und jetzt veröffentlichen sie ihr erstes neues Album seit zwölf Jahren, das monströse "All Heads Are Gonna Roll". Es bietet den klassischen Vomitory-Sound mit einigen neuen Wendungen und ist alles, was sich die treuen Fans erhofft haben, denn die Band hat sich Zeit gelassen, bevor sie sich dem Album widmete, anstatt es zu überstürzen. "Wir haben uns nicht unter Druck gesetzt gefühlt, es ging vielmehr darum, eine Entscheidung zu treffen, ob wir als Band weitermachen, d.h. neues Material veröffentlichen, oder die Band einfach wieder zu Grabe tragen", erklärt Schlagzeuger Tobias Gustafsson. "Wir haben erst mal nur zum Spaß ein paar Songs geschrieben, um zu sehen, ob wir es noch 'drauf haben', bevor wir die endgültige Entscheidung getroffen haben, weiterzumachen und ein neues Album zu machen."

High Roller Records, Wiederveröffentlichung 2023, schwarzes Vinyl, ltd 150, Einleger. In den Fußstapfen der einzigartigen Mercyful Fate und zusammen mit obskureren Acts wie Alien Force, Randy und Crystal Knight gehören die Kopenhagener Witch Cross zu den besten dänischen Heavy-Metal-Bands aller Zeiten. Das 1984er Album "Fit For Fight" ist sicherlich eines der Top-5-Alben in der Geschichte des dänischen Heavy Metal. Nach einer langen Pause folgte auf "Fit For Fight" das zweite Album "Axe To Grind" im Jahr 2013 (ursprünglich veröffentlicht von Hell's Headbangers und nun auf High Roller Records für ein breiteres Publikum wiederveröffentlicht). "Axe To Grind" war für mich ein großartiges Comeback-Album", sagt Gitarrist und Gründungsmitglied Mike Koch heute. "Wir hatten einige Gastmusiker/Sänger Gastsänger und Chris Tsangarides hat das Album gemischt, es war also eine starke Verbindung zur Vergangenheit. Die Songs waren wirklich gut, vielleicht ein bisschen zu old-school, aber das ist es, was wir auf dem Album wollten."Wir waren überwältigt, wie die Presse uns gelobt hat", fährt der Witch Cross-Gitarrist fort. "Es fühlte sich gut an und gab uns das Gefühl, dass die Band das Richtige getan hat, obwohl "Fit For Fight" so ein Kultalbum war. Es gab allerdings eine Ausnahme: "In unserem Heimatland bekam "Axe To Grind" nicht so viel Aufmerksamkeit, wie wir gehofft hatten. Aber die Konzerte, die wir dort gespielt haben, waren großartig." "Axe To Grind" war das zweite Album der Band nach einer langen Pause. Wie kam es überhaupt zu der Wiedervereinigung und wann und warum hat Mike Koch beschlossen, doch ein neues Studioalbum aufzunehmen? "Ich war mit einer Menge anderer Musik beschäftigt und wollte ein Metal-Album schreiben", erklärt er. "Also habe ich angefangen Ideen zu sammeln, und als wir 2012 bei Keep It True spielten, hatten wir ‚Demon In The Mirror' aufgenommen, das wir auf dem Festival spielten, um zu sehen, wie die Leute darauf reagieren. Zusammen mit 'Demon In The Mirror' sind 'Pandora's Box' und 'Bird Of Prey' meine Lieblingssongs auf der Platte. Nach 'Keep It True' beschlossen wir, dass wir mit 'Witch' weitermachen müssen." Koch hält es jedoch nicht für richtig, zu sagen, dass "Axe To
Grind" dort weitermachte, wo "Fit For Fight" aufgehört hatte: "Nein, das stimmt nicht wirklich. Es ist eher eine Verbindung zur Vergangenheit, als zu dem, was wir 1985-86 musikalisch weitergekommen wären, wenn wir ein weiteres Album gemacht hätten. Es gibt einen Song namens 'The Chosen One' auf dem neuen Album "Angel Of Death", der meiner Meinung nach viel mehr im Stil von Witch Cross von 1985 ist."

High Roller Records, Wiederveröffentlichung 2023, schwarzes Vinyl, ltd 150, Einleger. In den Fußstapfen der einzigartigen Mercyful Fate und zusammen mit obskureren Acts wie Alien Force, Randy und Crystal Knight gehören die Kopenhagener Witch Cross zu den besten dänischen Heavy-Metal-Bands aller Zeiten. Das 1984er Album "Fit For Fight" ist sicherlich eines der Top-5-Alben in der Geschichte des dänischen Heavy Metal. Nach einer langen Pause folgte auf "Fit For Fight" das zweite Album "Axe To Grind" im Jahr 2013 (ursprünglich veröffentlicht von Hell's Headbangers und nun auf High Roller Records für ein breiteres Publikum wiederveröffentlicht). "Axe To Grind" war für mich ein großartiges Comeback-Album", sagt Gitarrist und Gründungsmitglied Mike Koch heute. "Wir hatten einige Gastmusiker/Sänger Gastsänger und Chris Tsangarides hat das Album gemischt, es war also eine starke Verbindung zur Vergangenheit. Die Songs waren wirklich gut, vielleicht ein bisschen zu old-school, aber das ist es, was wir auf dem Album wollten."Wir waren überwältigt, wie die Presse uns gelobt hat", fährt der Witch Cross-Gitarrist fort. "Es fühlte sich gut an und gab uns das Gefühl, dass die Band das Richtige getan hat, obwohl "Fit For Fight" so ein Kultalbum war. Es gab allerdings eine Ausnahme: "In unserem Heimatland bekam "Axe To Grind" nicht so viel Aufmerksamkeit, wie wir gehofft hatten. Aber die Konzerte, die wir dort gespielt haben, waren großartig." "Axe To Grind" war das zweite Album der Band nach einer langen Pause. Wie kam es überhaupt zu der Wiedervereinigung und wann und warum hat Mike Koch beschlossen, doch ein neues Studioalbum aufzunehmen? "Ich war mit einer Menge anderer Musik beschäftigt und wollte ein Metal-Album schreiben", erklärt er. "Also habe ich angefangen Ideen zu sammeln, und als wir 2012 bei Keep It True spielten, hatten wir ‚Demon In The Mirror' aufgenommen, das wir auf dem Festival spielten, um zu sehen, wie die Leute darauf reagieren. Zusammen mit 'Demon In The Mirror' sind 'Pandora's Box' und 'Bird Of Prey' meine Lieblingssongs auf der Platte. Nach 'Keep It True' beschlossen wir, dass wir mit 'Witch' weitermachen müssen." Koch hält es jedoch nicht für richtig, zu sagen, dass "Axe To
Grind" dort weitermachte, wo "Fit For Fight" aufgehört hatte: "Nein, das stimmt nicht wirklich. Es ist eher eine Verbindung zur Vergangenheit, als zu dem, was wir 1985-86 musikalisch weitergekommen wären, wenn wir ein weiteres Album gemacht hätten. Es gibt einen Song namens 'The Chosen One' auf dem neuen Album "Angel Of Death", der meiner Meinung nach viel mehr im Stil von Witch Cross von 1985 ist."

Sól án varma, übersetzt "Sonne ohne Glanz", ist ein 70 Minuten langes Stück, das von einigen wenigen berüchtigten Namen aus dem isländischen Black-Metal-Underground geschrieben und aufgeführt wird. Gegründet von T.Í. und D.G. (Mitglieder von Misþyrming, Naðra, Núll, Drottinn usw.), prominenten Mitgliedern der isländischen Vánagandr-Elite, ist Sól án varma eher eine konzeptionelle Idee als eine Band oder ein Nebenprojekt. Ursprünglich wurde Sól án varma als eine spezielle, einmalige Show für das Roadburn Festival 2018 in Auftrag gegeben. Das 70-minütige Stück ist weder vor noch nach dieser besonderen Aufführung zu hören gewesen.

Nachdem Misþyrming bereits zwei Jahre zuvor als "Artist in Residence" auf dem Festival zu Gast war, wollte Walter Hoeijmakers, der Direktor des Roadburn Festivals, dass die isländischen Musiker ein neues und fesselndes Phänomen für die 2018er Ausgabe des Festivals auf die Bühne bringen. Nach einem Treffen mit Walter in Island im Jahr 2017 stellten D.G. und T.Í. eine Gruppe sorgfältig ausgewählter Musiker zusammen, um das zu bilden, was später das Sól án varma-Konzept werden sollte. Diese Mitglieder sind: G.E. (Misþyrming, Naðra, Svartidauði), Á.B.Z. (Carpe Noctem, Árstíðir Lífsins), M.S. (Svartidauði, Drottinn), S.V. (Svartidauði, Drottinn) und H.V. (Wormlust).

Nach einer langen und intensiven Schreib- und Probenphase hat die Gruppe das Stück auf dem Roadburn Festival 2018 vor dreitausend Fans in der 013-Venue in Tilburg uraufgeführt. Ein Jahr nach der Aufführung beschloss die Gruppe, das Stück unsterblich zu machen, indem sie es in ein gut vorzeigbares Aufnahmeformat brachte. Die Gruppe ging ins Studio und nahm den Großteil der Instrumentalstücke innerhalb von fünf Wochen auf.

Zunächst nannte Gia Margaret ihr neues Album Romantic Piano, um ein wenig frech zu sein. Denn die sparsamen, sanften Klavierstücke haben mehr mit Erik Satie, Emahoy Tsegué-Maryam Guébrou und den "Marginalia"-Veröffentlichungen von Masakatsu Takagi gemeinsam als mit einem gemütlichen Date-Abend bei Kerzenschein. Doch in dieser Frechheit liegt eine verborgene Absicht: In dem wunderschönen Set wird "Romantik" in einem eher klassischen Sinne suggeriert, was die Deutschen als Waldeinsamkeit bezeichnen. Die Kompositionen beschwören die erhabenen Themen der romantischen Dichter herauf: Einsamkeit in der Natur, die Fähigkeit der Natur zu heilen und zu lehren, ein Gefühl von zufriedener Melancholie. "Ich wollte Musik machen, die nützlich ist", sagt Margaret und untertreibt damit gewaltig die Kraft der Platte. Romantic Piano ist neugierig, beruhigend, geduldig und unglaublich bewegend - aber es verweilt nicht länger als eine Sekunde. Margarets Debütalbum There's Always Glimmer war ein lyrisches Wunderwerk, aber als sie wegen einer Krankheit auf Tournee nicht mehr singen konnte, nahm sie ihr Ambient-Album "Mia Gargaret" (ein weiterer frecher Titel!) auf, das ein feines Gespür für Arrangement und Komposition zeigte, das bei den lyrischen Songs von There's Always Glimmer nicht voll zum Tragen kam. Auch Romantic Piano kommt fast ganz ohne Worte aus. "Das Schreiben von Instrumentalmusik ist im Allgemeinen ein viel freudigerer Prozess als das Schreiben von Lyrics und wirkt sich letztlich auf mein Songwriting aus.", sagt sie. Romantic Piano festigt sie als kompositorische Kraft. Ursprünglich hatte Margaret einen Abschluss in Komposition angestrebt, brach die Musikschule aber auf halbem Weg ab. "Ich wollte wirklich nicht in einem Orchester spielen", sagt sie über ihre Entscheidung, "ich wollte eigentlich nur Filmmusik schreiben. Dann begann ich, mich mehr und mehr darauf zu konzentrieren, eine Songschreiberin zu sein." Romantic Piano berührt in der Tat ein seltenes Gefühl in der Kunst, das oft nur dem Kino vorbehalten ist - die gleichzeitige Ehrfurcht vor dem Dasein mit der großen Linse und der intime innere Monolog nach der Sprache, wenn wir in unseren Schädeln festsitzen. Und das ist sehr romantisch!

Zunächst nannte Gia Margaret ihr neues Album Romantic Piano, um ein wenig frech zu sein. Denn die sparsamen, sanften Klavierstücke haben mehr mit Erik Satie, Emahoy Tsegué-Maryam Guébrou und den "Marginalia"-Veröffentlichungen von Masakatsu Takagi gemeinsam als mit einem gemütlichen Date-Abend bei Kerzenschein. Doch in dieser Frechheit liegt eine verborgene Absicht: In dem wunderschönen Set wird "Romantik" in einem eher klassischen Sinne suggeriert, was die Deutschen als Waldeinsamkeit bezeichnen. Die Kompositionen beschwören die erhabenen Themen der romantischen Dichter herauf: Einsamkeit in der Natur, die Fähigkeit der Natur zu heilen und zu lehren, ein Gefühl von zufriedener Melancholie. "Ich wollte Musik machen, die nützlich ist", sagt Margaret und untertreibt damit gewaltig die Kraft der Platte. Romantic Piano ist neugierig, beruhigend, geduldig und unglaublich bewegend - aber es verweilt nicht länger als eine Sekunde. Margarets Debütalbum There's Always Glimmer war ein lyrisches Wunderwerk, aber als sie wegen einer Krankheit auf Tournee nicht mehr singen konnte, nahm sie ihr Ambient-Album "Mia Gargaret" (ein weiterer frecher Titel!) auf, das ein feines Gespür für Arrangement und Komposition zeigte, das bei den lyrischen Songs von There's Always Glimmer nicht voll zum Tragen kam. Auch Romantic Piano kommt fast ganz ohne Worte aus. "Das Schreiben von Instrumentalmusik ist im Allgemeinen ein viel freudigerer Prozess als das Schreiben von Lyrics und wirkt sich letztlich auf mein Songwriting aus.", sagt sie. Romantic Piano festigt sie als kompositorische Kraft. Ursprünglich hatte Margaret einen Abschluss in Komposition angestrebt, brach die Musikschule aber auf halbem Weg ab. "Ich wollte wirklich nicht in einem Orchester spielen", sagt sie über ihre Entscheidung, "ich wollte eigentlich nur Filmmusik schreiben. Dann begann ich, mich mehr und mehr darauf zu konzentrieren, eine Songschreiberin zu sein." Romantic Piano berührt in der Tat ein seltenes Gefühl in der Kunst, das oft nur dem Kino vorbehalten ist - die gleichzeitige Ehrfurcht vor dem Dasein mit der großen Linse und der intime innere Monolog nach der Sprache, wenn wir in unseren Schädeln festsitzen. Und das ist sehr romantisch!

25 Jahre Garish - dazu haben zahlreiche Prominente und Gäste Songs (mit) der prägenden österreichischen Indie-Band neu aufgenommen.

Für das Compilation-Album 'Hände hoch ich kann dich leiden' haben Prominente und Weggefährten wie Thees Uhlmann, Amadeus-Preisträgerin Ina Regen, Schauspielerin und Filmakademie-Präsidentin Verena Altenberger u.v.a. ihre Versionen von Garish-Songs eingespielt. Die Jubiläums-LP erscheint im Mai, eingebettet in eine Jubiläums-Tournee der Band.

Österreich-Tournee (teilweise bereits ausverkauft). Garish waren mit 7 verschiedenen Alben insgesamt 8x für einen Amadeus Austrian Music Award nominiert, haben aber nie einen gewonnen - und gelten daher als 'Scorseses der österreichischen Musik'; die Band gilt als verlässlicher Top 20-Album-Act in den österreichischen Charts und als strukturelle und ideelle Wegbereiter des "österreichischen Popwunders" der 2010er-Jahre.

Nico Santos meldet sich nach mehr als 1 Milliarde globaler Streams mit seinem dritten Album zurück:
„Ride“ ist nicht nur eine faszinierende, sich an keine Regeln haltende Songsammlung, ein Werk, dessen Bestandteile wie Puzzlestücke ineinander greifen. Nico: „»Ride« beschreibt perfekt meine letzten Jahre.

Mein Leben war ein unglaublicher Ritt. Die Hochzeit, die Höhen und die Tiefen… Es gab große Momente, aber nur wenig Zeit, in der umso mehr passierte. In diesem Sinne ist mein Album autobiografisch. Ich
habe mein Leben Revue passieren lassen, es ist eine Bestandsaufnahme.«

Das Leben ist im Moment furchtbar düster und dennoch ist es nicht ganz unlustig. Das ist genau das Gefühl, das Water From Your Eyes auf ihrem ersten Album für Matador beseelt. Auf dem Nachfolger ihres Debüts "Structure" tanzen Albernheit und Fatalismus im Gleichschritt. Rachel Brown und Nate Amos verwenden herzklopfende Rhythmen und zum Teil absurde Texte, um ihre Geschichten von persönlichem und gesellschaftlichem Unbehagen zu erzählen. Das Duo begann 2016 in Chicago gemeinsam Musik zu machen und beschloss, eine "Sad Dance Band" zu gründen. Schnell veröffentlichten sie eine EP. In den folgenden Jahren entwickelte sich die Musik von Water From Your Eyes in Richtung schräger und weniger konventioneller Klänge, die ruhige industrielle Polyrhythmen, Ambient-Drone-Musik und zeitgenössische Kompositionen verschmelzen ließen. Amos und Brown trennten sich, zogen aber beide nach New York und begannen mit der Arbeit an "Structure". Dieses Album brachte die Pop-Momente und die experimentellen Impulse des Duos in Einklang, bestand aus hauchdünnen Popsongs, die sowohl von ihrem Gespür für klassische Hooks als auch von ihrem Sinn für Humor zeugten. Obwohl beide Trost in der Band fanden, beschreiben sie das Jahr 2021 als eines der schlimmsten Jahre ihres Lebens - Brown musste sich mit dem Unbehagen auseinandersetzte, den beide empfanden, als sie sahen, wie Kapitalismus und Establishment-Politik wieder auf Hochtouren liefen, als die Pandemie in ihre letzten Monate eintrat, und Amos mit Browns Unterstützung seine Drogenprobleme bewältigte. Das Ergebnis ist, dass "Everyone"s Crushed" von ungelösten Spannungen durchzogen ist. Die neun Tracks weigern sich beharrlich, ein eindeutiges Ende zu finden oder sich an traditionelle Strukturen zu halten. Viele Songs wurden unter Verwendung von Serialismus und Mikrotonalismus geschrieben und erinnern zuweilen an die futuristisch-poppigen Bewegungen des japanischen Komponisten Haruomi Hosono und den Brutalismus von Glenn Branca.