Buscar:alles

Limitierte Auflage: Transparentes rotes Vinyl im Klappcover. Im Jahr 1942 baute die Entwicklungsabteilung der US Pentecostal Church einen Roboterprediger, um menschliche Prediger zu ersetzen, die im Krieg im Ausland waren. Alles lief gut bis das Programm von einem Pharmaunternehmen aufgekauft wurde. Durch regelmäßige Software Aktualisierungen begannen sie, das Sprachprogramm mit Verkaufsargumenten zu erweitern. Nach dem Krieg kehrten die menschlichen Prediger zurück und das Litronix-Programm wurde Ende 1945 eingestellt. Die Litronix Einheit wurde in die Wüste von Nevada gebracht und an einem unbekannten Ort vergraben. 80 Jahre später, beim Ausheben der neuen Fundamente eines Hotels, wurde die Litronix gefunden - immer noch voll funktionsfähig. Als sie wieder erwachte, begann die Litronix in Richtung Los Angeles zu laufen. Im Laufe der letzten Jahre haben sich die religiösen und pharmazeutischen Programme in LA zu einem spirituellen und holistischen Ansatz entwickelt. Seine externe Festplatte hat mehr als 4500 Dokumente zum Thema Hypnose heruntergeladen. Regierungsbehörden und viele neue amerikanische Wirtschaftsoligarchen haben sich deswegen an die Litronix mit Jobangeboten gewandt. Litronix lehnte ab. Litronix hatte auch Jingles und Songs mit seinem internen Aufnahmesystem aufgenommen. Dieses Album "One a Day Keeps The Doctor Away" ist eine bearbeitete Version der 200 Stunden aufgenommenen Materials.

Alexandre Tharaud mit drei Uraufführungen
Das neue Album des vielseitigen französischen Star-Pianisten Alexandre Tharaud enthält drei Klavierkonzerte, allesamt Uraufführungen, die für ihn geschrieben und ihm gewidmet wurden. O-Töne der Komponisten zu ihren Werken:

Alex Nante: „Das Spiel von Alexandre Tharaud war für mich während der gesamten Komposition des Stücks eine Inspiration. Von der ersten Toccata im Barockstil über die geschmeidige, kristalline Atmosphäre von Anunciación bis hin zu den energischen und kraftvollen Klängen von Toccata II war es meine Absicht, in diesem Werk besondere interpretatorische Facetten zu erforschen, über die er verfügt."
Thierry Pécou: “Cara Bali“ könnte man mit ‚Bali-Stil‘ übersetzen. Mir ging es nicht darum, das Unnachahmliche zu imitieren, sondern im Kopf Assoziationen zu wecken (...) - eine Art imaginärer Umweg oder Szenenwechsel bei einem Projekt, das mich glücklicherweise wieder mit meinem treuen Komplizen Alexandre Tharaud zusammengebracht hat...“
Ramon Lazkano: „Dieses Konzert ist in erster Linie die Frucht einer großen Freundschaft zwischen Alexandre Tharaud und mir und unserer Liebe zu unserem Instrument, dem Klavier, mit all seinen vertrauten Merkmalen, aber auch mit seinen verborgenen Formen der Verzauberung.“

Im Jahr 1988 erschien das bahnbrechende, aber zu seiner Zeit noch weitgehend unverständliche Album MYSTERY. Diese einzigartige Mischung aus Progressive-ThrashCrossover polarisierte bei seiner Veröffentlichung und wurde sowohl gefeiert als auch kritisiert. Während die deutsche Metal Hammer-Redaktion nur eine mittelmäßige Bewertung vergab, lobte das britische Kerrang! das Album als „den interessantesten Progressive-Thrash-Crossover, den ich seit Langem gehört habe“. Mit seinem futuristischen Cover und eigenwilligen, innovativen Songs stellte MYSTERY alles in Frage, was man damals von Metal erwartete. Die Kompositionen ließen vermuten, dass hier keine jungen Heavy Metal Fans am Werke waren, die auf den Pfaden ihrer Idole wanderten. Die Songs stecken voller Ideen, die die meisten Metalmusiker niemals in dieser Form gehabt hätten. Und auch die Umsetzung ließ schon immer den Verdacht aufkommen, dass hier Profimusiker aus einem anderen Genr beauftragt wurden, ein Heavy Metal Album zu schreiben und aufzunehmen – natürlich standesgemäß mit Künstlernamen wie The Lion oder Mike Battista. Ein Verdacht, der sich nach Jahren der Recherche nun bestätigt hat. Auch heute wird nich jeder Metalfan in die Welt von Mystery hineinfinden, doch we es schafft, hat ein Album fürs Leben gefunden und muss sich der Suchtgefahr hingeben. Gleichförmige Metalalben gab es i den letzten 40 Jahren schon genug…

Dieses exklusive LP-CD Paket enthält nicht nur die ursprüngliche LP, sondern auch die CD des Albums, sodass man das Meisterwerk in beiden Formaten genießen kann.

Mit einem Dutzend wilder und gefeierter Alben seit Daemon Qui Fecit Terram (1996) praesentiert Hate mit dem dreizehnten Album Bellum Regiis ein noch kuehneres und aggressiveres Klangbild als je zuvor. Die neun Songs von Bellum Regiis zeigen, wie Saenger und Gitarrist ATF Sinner, Gitarrist Domin, Schlagzeuger Nar-Sil und Bassist Tiermes einen modernen Sound mit unheimlicher Atmosphaere und Tiefe formen. Produziert wurde das Album von David Castillo (Candlemass, Carcass, Dark Tranquility, Katatonia) in den Grondahl Studios in Stockholm. Textlich ist Bellum Regiis ein persoenlicheres, mehr auf die Menschheit fokussiertes Album als Rugia. Die Songs, so Gruendungsmitglied Sinner, sind eine aktuelle klangliche und visuelle Auseinandersetzung mit dem "Kampf um Macht und allem, was damit einhergeht."Hate, gegruendet 1990 in Warschau, wird als "Inbegriff von Konstanz" gefeiert und als "glatte und praezise Death-Metal-Maschine" gelobt. Seit dem 2017er Album Tremendum hat sich die Band thematisch auf die Natur und ihre Mysterien konzentriert. Wie Sinner erklaert: "Egal ob die Natur in uns, um uns herum oder aus der Ferne betrachtet - die daraus gewonnenen Perspektiven und ihre Verbindung zu verschiedenen uebergeordneten Themen haben jedes Album gepraegt." So behandelte etwa Auric Gates of Veles (2019) den Tod - insbesondere die slawische Sichtweise darauf. Sechs Jahre spaeter widmet sich Bellum Regiis der Menschheit selbst und der Frage, warum wir als Wesen so tief durch Konzepte wie Macht, Reichtum, Ruhm und Glauben motiviert sind. Das zentrale Thema ist der Kampf um Macht und alles, was damit verbunden ist.Daher auch der Albumtitel Bellum Regiis, was uebersetzt "Krieg der Koenige" oder "Koeniglicher Krieg" bedeutet. Sinner stellt sich die grossen Fragen rund um Macht - macht uns deren Erreichung abartig oder sind wir es von Natur aus? Der Titelsong bildet das Leitmotiv des Albums. "Als Song besitzt Bellum Regiis sowohl eine tiefe Melancholie als auch eine gewisse Erhabenheit", sagt Sinner. "Der Gesang von Eliza Sacharczuk (eine bekannte Saengerin und Gesangslehrerin, die ein ganzheitliches Kunstzentrum in Bialystok leitet) verleiht dem Lied ein starkes Zeitgefuehl. Ob das nun Nostalgie, Rueckblick, Reue oder Vorbereitung auf die Zukunft ist, liegt im Auge des Betrachters. Diese Kriege, diese Kaempfe gibt es seit Anbeginn unserer Existenz", erklaert der Frontmann. "Ob sie sinnlos sind oder nicht, sie sind Narben auf unserer eigenen Natur."Verkaufsargumente/Treiber (Karriere-Highlights/Fakten/Marketing-Infos):- HATE ist seit mehr als 25 Jahren eine feste Groesse im slawischen Black/Death Metal- Bellum Regiis wurde von David Castillo (Candlemass, Carcass, Dark Tranquility, Katatonia) in den Grondahl Studios in Stockholm produziert- HATE haben mehrfach durch Europa, Nordamerika, Asien und Australien getourt und auf zahlreichen Metal-Festivals weltweit gespielt- Nordamerika-Tour im Fruehjahr 2025 bestaetigt - als direkter Support von Belphegor; weitere US-Tour fuer 2026 geplant- Europatour mit Venom Inc. fuer 2025 bestaetigt; zusaetzliche Europatour in Planung fuer 2026- Tour durch Lateinamerika fuer Oktober 2025 bestaetigt- Hochwertiges Musikvideo zur ersten Single "Iphigenia" verfuegbar- Erhaeltlich auf allen digitalen Plattformen

Rotes Vinyl. Vier Jahre nach "Golden Staples" erscheint das dritte Album der Franzosen, diesmal als Kooperation von Kicking Records (F), Kidnap Music und Rookie Records. "Staring at the Sun" ist eine Ode an die Melodien des New Wave, eine Hommage an The Cure und Killing Joke, der Eckpfeiler einer Band, die mit halsbrecherischer Geschwindigkeit auf dem Highway der Unberechenbarkeit fährt. "Like Gods We Feast" oder "Secrets" fassen den fantastischen Wechsel der Gangwechsel: Hinzufügen von Loops und Synthesizern, Beharrlichkeit einer unverwüstlichen Bass/Schlagzeug-Kombination, eine Fülle kristalliner und kraftvoller Gitarren, eine Menge eindringlicher Vocals. Diese Jungs wissen, wie man gute Songs schreibt, das ist eine Tatsache. Und sie wissen auch, wie man sie zu spielen hat. Aber vor allem wissen sie, wie man ihnen eine Seele gibt, indem sie die Kraft der Klänge mit der Unmittelbarkeit von raffinierten Texten versehen. Die Texte mit klaren und kraftvollen Bildern, die sich mit radikalen Themen wie Scheitern, Einsamkeit, Isolation oder Geisteskrankheit befassen. Ein Alltag, der alles andere als einfach ist, mit einer Botschaft der Hoffnung. Wenn man Ed Scientist fragt, ob dieses Album die perfekte Mischung aus den ersten beiden Alben sein könnte, teilt der Gitarrist/Sänger diesen Standpunkt nicht: "Das würde ich nicht sagen. Ich betrachte Staring at the Sun als eine echte Weiterentwicklung unseres Stils. Mit der Hilfe von (Produzent) Santi, der eine echte Meisterleistung vollbracht hat, haben wir Dinge gewagt, die wir nie zuvor ausprobiert haben".

Limtierte Auflage des Debüt Albums "Atzelgift" (2008) der Hamburger Indie Rock Band Herrenmagazin.

Deutschland, deine Städte. Der Schauplatz aller Songs und Erzählungen des Berliner Duos Die Anteile ist klar umrissen: Sie interessieren sich für die dunklen Ränder, für Ecken, in denen lange niemand mehr gekehrt hat. Holzvertäfelte Eckkneipen, asphaltierte Garagenhöfe, aber auch mitten in die Scheinwerfer blicken sie, die ihr Licht werfen auf alles, was einmal subversiv und anders war. "Pelzwerk", das nun bei Tapete Records erscheinende Debütalbum der Anteile, wurde geschrieben in einem feuchten Berliner Kellerraum. Einige Meter unter der Erde erblickte eine Vielzahl an Figuren das Licht, die auch einem düsteren Varietétheater entstammen könnten: Nazi-Erben, die dem Sheriff hinterher reiten, Sammler, die Vergangenheiten in Vitrinen ausstellen und Zirkusdirektoren im Gewand von Bürgermeistern sind im "Pelzwerk" beschäftigt. Dabei sind Die Anteile keine Kinder von Traurigkeit: Das Debütalbum ist umspült von quirligen Synthielines, überschwänglichen Gitarrenriffs und liebevoll garniert mit allerlei Sounds aus dem Krautrock-Zauberkasten. "Ich beherrsche wenig / aber du würdest mir auch schon reichen", singen sie auf dem Titeltrack. Bass und Drum Machine zielen auf die Beine, die Stimme - mal als Sprechgesang, mal oddly elegant - auf den Kopf. Hinterher ist man immer schlauer - "Und ich wurde aufgeklärt / vernünftig ist was sich rentiert" - oder zumindest nass geschwitzt. "Pelzwerk" vereint viele Genres in sich. Ist es EBM, ist es IDM oder - Gott bewahre! - NNDW? Ein begeisterter Konzertbesucher beschrieb Die Anteile einmal als "freundliche DAF". Doch eigentlich sind Die Anteile auch dafür zu verspielt. Statt mit Diktatoren tanzen sie eher im 4-eck, packen den Vocoder aus und halten die tanzende Menge mit knarzigen Basslines in Schach. Die Anteile sind im Nebenberuf Gärtner:innen. Ungeachtet der heimischen Witterungsbedingungen pflanzen sie munter verschiedenste musikalische Gewächse an. Prominent im Rundbeet wurzeln die japanischen Elektropioniere von Yellow Magic Orchestra in der selben Erde wie Proto-Industrialisten der Marke Crash Course in Science und Pyrolator. Am Gartenzaun treiben Post Punk-Bands wie Talking Heads und Magazine Blüten, während im Nachbarbeet gerade neu mit Electroclash gedüngt wird. Reichlich Grünzeug also, sodass jeden Tag ein frischer Wildblumensalat den Weg aufs Die-Anteile-Buffet findet.

Neues von Captain Planet: "Reste" umfasst fünf unveröffentlichte Songs aus den Aufnahmesessions des letzten Albums "Come On, Cat" (2023). Natürlich handelt es sich um alles andere als Ausschussware - die gibt es seit der Bandgründung in 2003 ohnehin nicht. Captain Planet treffen einfach immer wieder mit ihrem unverkennbaren, melodischen Emo-Punk und bewegenden Texten ins Schwarze und ins Herz. So auch mit den fünf Perlen auf "Reste". Die EP erscheint als farbige, einseitig bespielte 12" auf recyceltem Vinyl (jede Platte ist ein Unikat), in sehr schönem Inside/Out-Artwork und ist limitiert.

Melancholische Gitarrenakkorde, ein introspektiver Gesang, und immer wieder bedrohliche und energische Ausbrüche mit Percussions und Stakkato. Zwischen intimem Songwriting und Soundtrack-inspiriertem Pathos bewegt sich Jerome Reuter, der nun, 2025, das zweite Jahrzehnt seiner Band ROME feiert.

Zwei Dekaden begleitet das Luxemburgische Bandprojekt ROME nun also die Europäische Tragödie. Und während sich die Alben der ersten zehn Jahre noch vor allem historischen Themen widmeten, treten in der nicht mindert produktiven Ära zwischen 2016 und 2025, die auf dieser neuen "Anthologie" dokumentiert wird, auch aktuelle und grundsätzliche philosophische Fragestellungen ins Zentrum. ROME orientierte sich immer am großen Bild. Im Songwriting deutlich inspiriert vom französischen Chanson, dem späten Johnny Cash und Nick Cave, wurden von Beginn an auch literarische Quellen verarbeitet, und werden sie nicht namentlich genannt (wie bei "The Secret Germany" Paul Celan), so schwingen sie doch zwischen den Zeilen mit, die Denker - nicht nur - des 20. Jahrhunderts. Philosophische und gar okkulte Aspekte werden auf den Alben reflektiert ("The Hyperion Machine", "Hall of Thatch", "The Lone Furrow", "Le Ceneri di Heliodoro"), doch immer wieder wird es konkret, sei es mit Blick auf die russische Invasion in der Ukraine ("Gates of Europe", "World in Flames") und grundlegende Konflikte, die mythisch gelesen werden ("Coriolan", "Hegemonikon"). Wiederkehrend ist das mythische Motiv der Sonne, so auch auf dem jüngsten Werk "Civitas Solis".

Mal als volles Band-Line-Up, mal als Singer-Songwriter, und immer wieder im Austausch mit anderen Musikern (etwa Nergal von Behemoth oder der schwedischen Punklegende Thåström), Jerome Reuter erfindet sich beständig neu, und arbeitet kontinuierlich an einer singulären Stimme in der gegenwärtigen Popkultur. Wie ein Januskopf zurückgewandt in die Zukunft blickend.

Deerhoof haben sich schon vor langer Zeit als eine der großartigsten Rockgruppen des Planeten etabliert - wer das für übertrieben hält, hat noch nicht genug Zeit damit verbracht, Deerhoof zu hören - das wahnsinnig erfinderische Quartett behandelt jedes seiner neuen Alben als eine Gelegenheit zur kreativen Wiedergeburt. Und doch sind sie irgendwie auch zutiefst zuverlässig, eine seltsame, aber wahre Beschreibung für eine Band, die so kreativ rastlos ist. Man weiß nie, wie ein neues Deerhoof-Album klingen wird, außer dass es immer nach Deerhoof klingen wird. Die Band wird durch solche Paradoxien definiert, wie "Noble and Godlike in Ruin" erneut bestätigt. Ihr neuestes Album ist entweder ein Porträt einer Welt, die in monströsen Hass, Entmenschlichung und Dollarzeichen abgleitet, oder ein eindringliches Selbstporträt der Band als Monster: ein intelligentes, sensibles, hybrides Wesen, das unermüdlich von Liebe singt, sich aber zunehmend von dieser Welt entfremdet. Die Musik ist fröhlich und ahnungsvoll, kybernetisch und zutiefst menschlich, alles zugleich. Streicher, die an avantgardistische Kammermusik und klassische Horrorfilm-Soundtracks erinnern, prallen auf Gitarren- und Basslinien. Das Schlagzeug ist manchmal gefiltert und klingt fast elektronisch, aber kein Computer könnte einen so funkigen und dynamischen Rhythmus erzeugen, bei dem jede winzige Variation von einem Snare-Schlag zum nächsten Welten der Möglichkeiten vermittelt. An der Spitze steht die unnachahmliche Altstimme von Satomi Matsuzaki. Eine Stimme der Einsamkeit, deren schlichte Ruhe seltsam außerhalb des Mahlstroms der Band zu stehen scheint, zu dem sie mit ihren zackig-präzisen Bassläufen selbst beiträgt. Als Einwanderin der ersten Generation in den USA hat sie nie versucht, ihren japanischen Akzent oder ihre Karaoke-esken Vortrag zu verbergen. Auf "Noble und Godlike in Ruin" wirkt dies abwechselnd als Ausdruck von Einsamkeit und als kühle Provokation gegenüber Systemen der Unterdrückung und Kontrolle. ,Kindness is all I needed from you", singt sie auf dem epischen Albumabschluss ,Immigrant Songs`. ,But you think we're in your house." Nicht lange danach explodiert der Song, sein eng gewickelter Art-Pop macht Platz für mehrere Minuten heulenden Lärm. Auch wenn das Thema düster sein mag - wie könnte es anders sein - tragen die Songs trotzigen Optimismus in ihrer Weigerung, sich den Konventionen oder überlieferten Weisheiten zu beugen. Da ist diese berühmte Zeile von Dylan Thomas über das Wüten gegen das Sterben des Lichts: "Noble and Godlike in Ruin" fühlt sich ein wenig so an. Die Welt mag untergehen, aber Deerhoof gehen schwungvoll unter.

Nach zahlreichen Digital- und Tape-Releases legt das Freiburger Trio endlich ihr offizielles Debüt-Album vor! Überragend nonchalant kombinieren die drei Protagonisten darauf alles, was sie in ihrem jungen Leben so in sich aufgesaugt haben - sei es Team Scheisse, Queen oder die Tagesthemen. Da treffen ebenso clevere wie amüsante deutschsprachige und zumeist überaus politische Lyrics auf völlig überdrehte Stones-Uh-Uh"s und trashiges Hunde-Gehechel auf aggressive Gitarrenriffs, knackiges Drumming und wummernde Basshooks. Thematisch arbeitet man sich dabei von Migrationspolitik über Gentrifizierung zu Chancengleichheit, hat zwischendrin Zeit messerscharfe Beobachtungen anzustellen und in ironische Witze zu verpacken, mal eine Umarmung zu spendieren und uns immer wieder über"s Parkett zu jagen.

Joe Lovano und seine polnischen Mitstreiter vom Marcin Wasilewski Trio zeigen sich auf ihrem zweiten
gemeinsamen Album für ECM von einer besonders abenteuerlustigen Seite. Aufbauend auf den lyrischen
Stärken der vorherigen Aufnahme der Gruppe (Arctic Riff, 2020), erforscht das Quartett auf Homage
nun auch noch die Art von frei fließendem Zusammenspiel und ausgedehnten Improvisationspassagen, die
schon zu einem festen Bestandteil von Lovanos Unternehmungen mit seinem Trio Tapestry geworden sind.
Zwei lange Kompositionen und der Titeltrack „Homage“ - allesamt Originale von Lovano - bilden mit
einer Länge von jeweils über zehn Minuten das Fundament des Albums und zeigen die Musiker in ihrer
experimentierfreudigsten Form, wobei Joe häufig sein Tenorsaxophon und sein Tárogató gegen diverse
Perkussionsinstrumente tauscht. Bei „Love In The Garden“, einer Komposition des polnischen Geigenvirtuosen Zbigniew Seifert, schmückt die Gruppe die stimmungsvolle Melodie mit fließenden Harmonien aus,
die in eindringliche Rubato-Gefilde gehüllt sind. Improvisierte Miniaturen vervollständigen ein Programm,
das zeigt, dass Wasilewski und seine Trio-Kollegen die ideale Ergänzung zu Lovanos einzigartigen Improvisationslinien sind. Die schlackenlose Chemie der Gruppe wird auf Homage deutlicher denn je. Das Album
wurde von Manfred Eicher produziert.

Gegründet 2017 in Bristol, hat die vierköpfige Band bisher ein Album veröffentlicht - ihre Debüt LP 'All Gas No Brakes' (Alcopop! ) - sowie eine Reihe von EPs, allesamt bei Balley Records, dem Label von IDLES, mit denen die Band eine enge Freundschaft verbindet. Sie waren zusammen auf Tour und haben sogar eine gemeinsame Split 7" veröffentlicht. Auch als Support für The Oh Sees, Portishead und Metz konnte man Heavy Lungs schon bestaunen. Iggy Pop spielt ihre Songs regelmäßig in seiner Sendung auf BBC 6Music.

Heavy Lungs berufen sich auf verschiedene Referenzen - von Danny Brown bis zu Iggy's Stooges -, die Hinweise auf ihren Sound geben können oder eben auch nicht. Sie beschreiben sich selbst schlicht als „eine laute Band aus Bristol“.

Ihr zweites Album 'Caviar', das innerhalb von 10 Tagen in den Humm Studios aufgenommen wurde, besteht aus 11 Songs und zeigt die erstaunliche Fähigkeit der Band, nicht nur in einen Groove einzutauchen, sondern auch heftig aus ihm herauszuspringen.

"...unser bisher bestes Album". Darüber ist sich die Band einig.

"I want to be famous already. This is boring!" proklamiert Sänger Danny Nedelko in ihrem wohl poppigsten Song Mr. Famous. Das könnte ihm mit diesem Album gelingen.

- Ltd. LP

Macht euch bereit für eine unvergessliche musikalische Reise, denn Polo & Pan melden sich 2025 mit der Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten Albums '22:22' am 28. März zurück. '22:22', die magische Spiegelstunde, ist ein Symbol für Träume und erfüllte Wünsche und spiegelt das Universum des Duos wider, in dem alles möglich zu sein scheint.

L.A. Witch haben schon immer eine Aura müheloser Coolness ausgestrahlt, sei es in Form des Americana Noir und des lakonischen Back-to-Basics-Rock'n'Roll ihres selbstbetitelten Debüts oder des glühend strengen Abenteurertums ihres zweiten Albums "Play With Fire". Die Band - bestehend aus Sade Sanchez (Gitarre/Gesang), Irita Pai (Bass) und Ellie English (Schlagzeug) - begann als informelle Angelegenheit, aber die schwülen und betörenden, von Hall umhüllten Songs, die sie schufen, fanden beim Publikum Anklang und brachten das Projekt über den isolierten Raum von Freunden und Gleichgesinnten in Südkalifornien hinaus in die weite Welt. Auf ihrem neuesten Album "DOGGOD" geht das Trio über die bisherigen kreativen und geografischen Grenzen hinaus - das Material wurde in Paris produziert und die Tracks im Motorbass Studio in der Rue de Martyrs aufgenommen. "DOGGOD" erkundet ein breiteres klangliches Terrain, setzt ein größeres Arsenal an Sounds ein und erforscht größere existenzielle und kosmische Themen, ohne dabei den für die Band typischen Sinn für das Verbotene, das Verlassene und die Vorahnung zu verlieren. "DOGGOD" ist ein Weg, das universelle Rätsel der spirituellen Natur von Liebe und Hingabe anzugehen. "Ich habe das Gefühl, eine Art Dienerin oder Sklavin der Liebe zu sein", sagt Sanchez. "Ich bin bereit, für die Liebe zu sterben, indem ich ihr diene, für sie leide oder nach ihr suche - so wie ein treuer, ergebener Diensthund es tun würde." Der Titel des Albums ist ein Palindrom, das DOG und GOD zusammenfasst - eine Verherrlichung des Unterwürfigen und eine Subversion des Göttlichen. Es ist eine Anspielung auf die Reinheit von Hunden und eine Anerkennung ihrer bedingungslosen Liebe und ihres beschützenden Wesens, die im Widerspruch zu den verschiedenen abwertenden Assoziationen stehen, die mit dieser Spezies verbunden werden. "Es gibt diese symbolische Verbindung zwischen Frauen und Hunden, die die untergeordnete Stellung der Frau in der Gesellschaft zum Ausdruck bringt", erklärt Sanchez. "Und alles, was solche göttlichen Eigenschaften verkörpert, hat es nicht verdient, als Schimpfwort benutzt zu werden." Diese widersprüchlichen Erkundungen von Liebe und Unterwerfung manifestieren sich in der sanften und rauchigen Garagerock-Alchemie der Band, mit einer neu entdeckten Nutzung der disziplinierten Zurückhaltung und eisigen Instrumentierung des Post-Punk. Der Album-Opener "Icicle" zeigt, wie L.A. Witch aus dem Proto-Punk, der Psychedelia und den düsteren Riffs der 70er Jahre in die von Refrains durchtränkten Gitarren und den verlorenen Minimalismus von Joy Division und den frühen The Cure reist. Es wird eine Parallele zwischen romantischem Selbstmord und Märtyrertum gezogen, die sich im zweiten Song, "Kiss Me Deep", fortsetzt. Hier beschreibt Sanchez eine Liebe, die so rein ist, dass sie die Zeit übersteigt und sich über mehrere Leben erstreckt. Es ist ein Lied über Leidenschaft, vorgetragen mit dem weltlichen und verletzten Stoizismus der frühen Goth-Pioniere. Von dort aus geht die Band zur Leadsingle "777" über, einem Song über Hingabe bis hin zum Tod. Ein treibender Beat, ein treibendes, verzerrtes Riff und Sanchez' ätherischer Gesang vereinen sich zu einem Song, der sowohl düster in seinem Fatalismus als auch sinnlich in seiner treuen Leidenschaft ist. Auf dem gesamten Album "DOGGOD" weichen L.A. Witch nie von ihrer Muse ab. In "I Hunt You Pray" legt Pai einen hypnotischen Basslauf hin, während English einen zyklischen Krautrock-Groove einsetzt und Sanchez das Bild eines verlassenen Hundes am Straßenrand malt, der allein in der Nacht ist und sowohl als Jäger als auch als Gejagter lebt. Auf "Eyes of Love" macht sich die Band die meditativen Mid-Tempo-Wiederholungen, dekonstruierten Akkorde und esoterischen Betrachtungen über Liebe, Tod und Spiritualität zunutze, die Lungfish zu einer so beliebten Band gemacht haben. Es unterstreicht die Parallele zwischen der unerschütterlichen Liebe in den Augen eines Hundes und der Selbstaufopferung eines Erlösers. Auf "The Lines" nimmt die Band den treibenden Puls des Post-Punk und fügt dem Mix eine Extraportion Chorus hinzu. "Chorus ist ein moderner Effekt, der auf der Idee beruht, die leichten Tonhöhenunterschiede eines Chors nachzubilden. Es gibt eine schimmernde Qualität, die uns zurück zu diesem spirituellen, göttlichen Gefühl bringt", erklärt Sanchez. Gepaart mit dem Einsatz von Orgel und einer grüblerischen Moll-Melodie, beschwört der Song gleichzeitig das Heilige und das Sakrileg. Der Titeltrack "DOGGOD" hat vielleicht die größte Ähnlichkeit mit dem Material des Vorgängeralbums "Play With Fire", in den schlanken und gemeinen Gitarren auf eine raue Rhythmusgruppe und verträumten Gesang treffen. Aber während ihr vorheriges Album ein Aufruf war, seinen eigenen Weg zu gehen, bleibt "DOGGOD" dem "Bis dass der Tod uns scheidet"-Thema des Albums treu und geht sogar so weit, ein Maß an Unterwerfung zu beschreiben, das in gefährliche und ungesunde Gefilde übergeht, wobei Sanchez singt "hang me on a leash / `til I wait for my release". Letztendlich ist "DOGGOD" eine perfekte Verkörperung des Ansatzes von L.A. Witch. Es ist gleichzeitig romantisch und bedrohlich, ehrfürchtig und profan, eine Feier und ein Klagelied. Es spannt den Bogen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, indem es vertraute Klänge aufgreift und sie für die Jetztzeit aufbereitet. Aber es läutet auch eine neue Ära für die Band ein, die über die Kodachrome-Erinnerungen an das Amerika der Jahrhundertmitte hinausgeht und tiefer in den mittelalterlichen und gotischen Energien von Paris und darüber hinaus gräbt, während sie gleichzeitig ein besudeltes Herz erforscht.

Rot/grünes Vinyl, limitiert auf 300 Exemplare. RULAMAN steht für schwebende, psychedelische Klangteppiche, gewoben aus einem erdigen und analogen Sound. 2015 gegründet, gelang es ihnen unter dem Namen `TheHace' schnell lokale Erfolge zu feiern. Damals noch als Quartett unterwegs spielten sie überall, wo sie konnten -wobei das Publikum ständig wuchs. Nach zwei Jahre des Schaffens, Dichten und Texten steht das zweite Album DEATH WHISTLE in den Startlöchern. Der aktuelle Sound zeigt sich im düsteren Gewand, vereint dabei sowohl Doom als auch Stoner und klassischen Rock. Schwere Riffs, leicht im Ohr, brachiale Bässe gefolgt von tänzelnden Percussions. Textlich erkunden RULAMAN die Abgründe des menschlichen Daseins und die Verlockungen falscher Versprechen. Auf der Suche nach Glück und Zugehörigkeit, klingen die Versprechen skrupelloser Sekten und Kulte nur allzu verlockend. Alles, was man für wahr hält wird in Frage gestellt. Kenne ich mich? Kenne ich wirklich die Menschen um mich herum? Ist es nicht einfacher sich gänzlich dem Gemeinwohl aufzuopfern und sich selbst aufzugeben? Bis der Geist und alles drum herum ausgetrocknet ist.

Diese Show dürfen Sie nicht verpassen! Steffi Irmen, der Star des Theaters des Westens (Romeo & Julia / Ku'damm 59), schlüpft in ihre wohl kultigste Rolle: "Die Amme". Und diesmal erfahren wir die wahre Geschichte von Romeo und Julia - und das mit einer gehörigen Portion Humor. Steffi Irmen deckt auf, was Shakespeare uns verschwiegen hat, und sorgt dafür, dass kein Auge trocken bleibt.

Musikalische Highlights inklusive! Mit den größten Hits aus 35 Jahren der Erfolgs-Komponisten Peter Plate und Ulf Leo Sommer - von "Ich bin ich" bis "Vincent". Und natürlich dürfen auch brandneue Songs aus der Feder der beiden nicht fehlen.
Ein Highlight jagt das Nächste, und schon nach wenigen Minuten wird klar: Hier werden die Lachmuskeln trainiert!

Die Premiere steigt am 10.04.2025 - und dann heißt es jeden Freitag im Theater des Westens: "Lachen, weinen und staunen."

Und wenn Sie letztes Frühjahr keine Karten ergattern konnten: Achtung! Die Shows waren in 8 Minuten restlos ausverkauft! Also schnell sein, bevor wieder alles weg ist!

Lustigster Abend des Jahres garantiert - Seien Sie dabei!

Originally released on CD only – those were the days – “Triola im Fünftonraum“ counts as one of the most iconic albums of the early Kompakt era. Experience this timeless masterpiece of lush electronica lovingly restored and remastered for the first time on vinyl – 21 years after its inception.

We found this review from back in the days that perfectly sums up what “Triola im Fünftonraum” is all about:

The press material for “Triola im Fünftonraum” made allusions to home listening, when the album is mostly about movement… in a car …preferably a fast one … on a muggy spring day.

This might catch followers of producer Jörg Burger off guard. Up until this point, the producer’s Triola tracks – limited to three consecutive appearances on Kompakt’s yearly Pop Ambient series and a spot on “Leichtes Hören Teil 1” – were free-floating ambient washouts (albeit wondrous free-floating ambient washouts) with no pulse. The album, on the other hand, is beat-driven. Though still resolutely ambient – more an update of Burger’s lushest Bionaut tracks, only fully engaging instead of mildly diverting.

The soft, synthetic hand drums and tranquil vapors of “Leuchtturm” from Pop Ambient 2003, remain untouched and begin the album. Two other tracks that might sound familiar receive dynamic overhauls, now supported with quick dance rhythms and additional layers of synth gauze; the whispy flute trills and lightly flickering keys of “AG Penthouse”, for instance, are melted into a churning rhythm and some singing keyboard vamps that resemble a relaxed take on Tangerine Dream’s suspenseful soundtrack work for “Thief” (minus the crazy guitars).

What really makes the whole thing glow is the manner in which the tracks are attached, flowing in and out of another, rising and cresting and receding, with supreme poise – even if its title provides no indication, the album is as much a travelogue as Carl Craig’s “Landcruising”, Morgan Geist’s “Driving Memoirs” and Model 500’s “Deep Space”.

These are some of Burger’s most inventive productions, a remarkable feat since he’s been doing this so long. Catch yourself in the right frame of mind and you’ll wonder if everything he has released has been one extended ramp-up to this. In this age, it’s also refreshing to have a purely ambient techno album with absolutely no connection to “Boards of Canada”.

In other words, it’s a landmark for both its label and its genre.

Andy Kellman

Copyright 2025 TiVo Corporation
Ursprünglich nur auf CD veröffentlicht – das waren noch Zeiten – zählt „Triola im Fünftonraum“ zu den ikonischsten Alben der frühen Kompakt-Ära. Dieses zeitlose Meisterwerk schwelgerischer Electronica erscheint nun 21 Jahre nach seiner Entstehung erstmals liebevoll restauriert und remastered auf Vinyl.

Wir haben diese zeitgenössische Rezension gefunden, die perfekt zusammenfasst, worum es bei „Triola im Fünftonraum“ geht:

Das Pressematerial für „Triola im Fünftonraum“ spielt auf das Zuhören zu Hause an, obwohl es in dem Album hauptsächlich um Bewegung geht … in einem Auto … vorzugsweise einem schnellen … an einem schwülen Frühlingstag.

Das könnte die Fans des Produzenten Jörg Burger überraschen. Bis zu diesem Zeitpunkt waren die Triola-Tracks des Produzenten – beschränkt auf drei aufeinanderfolgende Auftritte in der jährlichen Pop-Ambient-Reihe von Kompakt und einen Platz auf „Leichtes Hören Teil 1“ – frei schwebende Ambient-Auswaschungen (wenn auch wundersame frei schwebende Ambient-Auswaschungen) ohne Puls. Das Album hingegen ist beatgetrieben, obwohl es immer noch entschieden Ambient ist – eher eine Aktualisierung von Burgers üppigsten Bionaut-Tracks, nur dass es voll und ganz fesselt, statt nur leicht abzulenken.

Die sanften, synthetischen Handtrommeln und die ruhigen Dämpfe von „Leuchtturm“ aus Pop Ambient 2003 bleiben unangetastet und bilden den Auftakt des Albums. Zwei weitere Stücke, die einem bekannt vorkommen könnten, erhalten eine dynamische Überarbeitung, die nun von schnellen Tanzrhythmen und zusätzlichen Schichten von Synthesizer-Gaze unterstützt wird; die flüsternden Flötentöne und leicht flackernden Tasten von „AG Penthouse“ zum Beispiel verschmelzen zu einem aufgewühlten Rhythmus und einigen singenden Keyboard-Vamps, die an eine entspannte Version des spannenden Soundtracks von Tangerine Dream erinnern, der für „Thief“ (ohne die verrückten Gitarren) verwendet wird.

Was das Ganze wirklich zum Leuchten bringt, ist die Art und Weise, wie die Tracks miteinander verbunden sind, wie sie ineinander fließen, ansteigen und ihren Höhepunkt erreichen und wieder abklingen, und das mit höchster Gelassenheit – auch wenn der Titel nichts darauf hindeutet, ist das Album ebenso ein Reisebericht wie Carl Craigs „Landcruising“, Morgan Geists „Driving Memoirs“ und Model 500s „Deep Space“.

Dies sind einige von Burgers einfallsreichsten Produktionen, eine bemerkenswerte Leistung, wenn man bedenkt, wie lange er schon dabei ist. Wenn man sich in die richtige Stimmung versetzt, fragt man sich, ob alles, was er bisher veröffentlicht hat, eine einzige Vorbereitung auf dieses Album war. In der heutigen Zeit ist es auch erfrischend, ein reines Ambient-Techno-Album zu hören, das absolut nichts mit „Boards of Canada“ zu tun hat.

Mit anderen Worten: Es ist ein Meilenstein für das Label und das Genre.

Andy Kellman

Copyright 2025 TiVo Corporation

Karma beginnt mit dem Verweis auf Schatten - den Opener von Licht. Eine Welt, die von ökonomischer Rationalität infiziert ist. Konsum, Ablenkung, Nebelkerzen, äußere Formen - die Menschen haben den Bezug zu sich selbst und zu ihrer Umwelt verloren. "Fühlst du nicht den einen Nerv, der richtig schmerzt, oder lässt der Schatten dich nur sehen, was er will?" Auf dem dritten Konzeptalbum dreht sich um das Prinzip Ursache und Wirkung. Wir werden sähen, was wir ernten. Im persönlichen Kontext, in unseren Beziehungen zu anderen Menschen und dem Planeten genauso wie auf der Metaebene in politischen und globalen Kontexten. Hass hört nie durch Hass auf. Nur Mitgefühl, Respekt und Vertrauen können uns einander näherbringen. Nur Demut, Rechtschaffenheit und Bescheidenheit können uns helfen, die Erde als lebenswerten Planeten zu erhalten. Wenn wir nicht mehr wissen, wer wir selbst sind, können wir keine bewussten Entscheidungen treffen. Wenn wir nicht mehr wissen, wofür wir stehen, können wir keine eigene Position mehr einnehmen. Wenn alles wichtig ist, ist nichts mehr wichtig. "Wer, wenn nicht wir? Wann, wenn nicht jetzt? Wo, wenn nicht hier? Ich nehme mein Leben in die Hand und fange neu an." KARMA ist deutlich. KARMA ist direkt. KARMA ist unumgänglich. TLUF halten der Gesellschaft den Spiegel vor und jedem Einzelnen. Musikalisch ohne Kompromisse. TLUF bringen auf KARMA ihren unvergleichlichen Sound erneut auf den Punkt.

Karma beginnt mit dem Verweis auf Schatten - den Opener von Licht. Eine Welt, die von ökonomischer Rationalität infiziert ist. Konsum, Ablenkung, Nebelkerzen, äußere Formen - die Menschen haben den Bezug zu sich selbst und zu ihrer Umwelt verloren. "Fühlst du nicht den einen Nerv, der richtig schmerzt, oder lässt der Schatten dich nur sehen, was er will?" Auf dem dritten Konzeptalbum dreht sich um das Prinzip Ursache und Wirkung. Wir werden sähen, was wir ernten. Im persönlichen Kontext, in unseren Beziehungen zu anderen Menschen und dem Planeten genauso wie auf der Metaebene in politischen und globalen Kontexten. Hass hört nie durch Hass auf. Nur Mitgefühl, Respekt und Vertrauen können uns einander näherbringen. Nur Demut, Rechtschaffenheit und Bescheidenheit können uns helfen, die Erde als lebenswerten Planeten zu erhalten. Wenn wir nicht mehr wissen, wer wir selbst sind, können wir keine bewussten Entscheidungen treffen. Wenn wir nicht mehr wissen, wofür wir stehen, können wir keine eigene Position mehr einnehmen. Wenn alles wichtig ist, ist nichts mehr wichtig. "Wer, wenn nicht wir? Wann, wenn nicht jetzt? Wo, wenn nicht hier? Ich nehme mein Leben in die Hand und fange neu an." KARMA ist deutlich. KARMA ist direkt. KARMA ist unumgänglich. TLUF halten der Gesellschaft den Spiegel vor und jedem Einzelnen. Musikalisch ohne Kompromisse. TLUF bringen auf KARMA ihren unvergleichlichen Sound erneut auf den Punkt.

Erfolg kommt selten über Nacht – so auch nicht bei MilleniumKid. Vor acht Jahren begann er, sich autodidaktisch das Produzieren von Musik beizubringen, verbrachte unzählige Stunden damit, sich als Singer-Songwriter und Produzent weiterzuentwickeln und veröffentlichte 2022 seine erste eigene Musik. Doch erst 2023 sollte sich für ihn alles ändern: Seine Single „Unendlichkeit" wird zum viralen Hit, steigt bis auf Platz 34 der Offiziellen Deutschen Singlecharts und ist der Beginn eines steilen Aufstiegs: Die folgenden Singles werden millionenfach gestreamt (allein „Vielleicht Vielleicht" hat über 60 Millionen Streams), seine erste Tour, bei der MilleniumKid zum ersten Mal überhaupt live auf der Bühne steht, ist sofort ausverkauft und im Sommer 2024 spielt er auf großen Festivals wie dem Deichbrand.

Den eigenen Schmerz herausschreien – die Songs von MilleniumKid haben etwas unglaublich Befreiendes. Die Stimmung ist oft düster, die Melancholie förmlich mit Händen zu greifen. Doch indem MilleniumKid seine Emotionen rauslässt, sie in gleißende Synthieflächen, treibende Produktionen und große Melodien kleidet, entfalten seine Songs eine befreiende Wirkung. Räume öffnen sich, und wo eben noch Schmerz war, kehrt so etwas wie Seelenfrieden ein. „Schmerz, Trauer und Sehnsucht sind drei Begriffe, die sich durch meine Lieder ziehen“, sagt MilleniumKid dazu, „Sehnsucht sollte man vielleicht etwas größer schreiben. Vielleicht ist die Sehnsucht sogar das Ergebnis oder die Voraussetzung für diesen Schmerz und die Traurigkeit, vielleicht ist es ein Pingpong-Spiel der Emotionen, die man in meiner Musik spürt.“


[a] Fiebertraum [Intro]












[n] Wer ich bin [Outro]

Halo Studios und Laced Records haben sich zusammengetan, um die ikonische Musik der ursprünglichen Halo-Trilogie zum ersten Mal auf Vinyl zu veröffentlichen.

Dieses Doppel-LP-Set enthält die Musik aus dem Spiel, mit dem alles begann, speziell für Vinyl neu gemastert und auf heavyweight LPs gepresst. Die Schallplatten befinden sich in einer breitrandigen Außenhülle und zwei bedruckten Innenhüllen.

Das Original-Cover-Artwork stammt von Art Director und Concept Artist Isaac Hannaford (alias Rhizus / Space Ship Guru), dem ehemaligen Lead Concept Artist und Mitwirkenden an Halo 3, Halo 3: ODST und Halo Reach. Das zusätzliche Artwork des Sets wurde von der Grafikdesignerin Maren Landsnes erstellt.

Halo: Combat Evolved war der Inbegriff des Konsolen-Ego-Shooters und sein Soundtrack legte den Grundstein für den legendären Sound der Serie. Der Soundtrack ist von verschiedenen Genres inspiriert und kombiniert schwungvolle Orchesterklänge mit marschierenden Militär-Snares, Prog-Rock-Percussion und - wer könnte den gregorianischen Mönchsgesang vergessen?

- 26 speziell remasterte Titel aus dem Spiel von 2001
- Cover-Artwork von Isaac Hannaford (ehemaliger Lead Concept Artist bei Bungie)

Die mehrfach preisgekrönte norwegische Jazzsängerin und Songwriterin Silje Nergaard präsentiert ihr neues Album "Tomorrow We'll Figure Out the Rest". Dies ist eine zutiefst persönliche Hommage an ihre Eltern und eine musikalische Reise, inspiriert von Erinnerungen, Momenten mit ihrer Familie und Szenen aus ihrem Leben."'Tomorrow We'll Figure Out the Rest' ist nicht nur der Titel eines Albums, sondern auch das, was das Leben im Moment ausmacht - die Erlaubnis, nicht alles perfekt durchdacht haben zu müssen", erklärt Silje Nergaard. "Diese Inspiration stammt aus einer Quelle, die mir sehr nahesteht: meinen Eltern. Sie haben mir gezeigt, wieviel Freude die Musik in ein Zuhause bringen kann - die Freude und auch die Traurigkeit, die sie in unsere Herzen bringt. Sie haben mir beigebracht, dass das Leben nicht immer bis ins letzte Detail geplant sein muss."Mit ihrer besonderen Fähigkeit, bewegende Geschichten mit Musik zu erzählen, vereint Silje auf "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" intime Jazzklänge mit orchestralen Arrangements. Dabei wird sie von führenden europäischen Jazzmusikern begleitet, darunter Helge Lien (Piano), Jarle Vespestad (Schlagzeug), Finn Guttormsen (Bass), George (Jojje) Wadenius (Gitarre) und Håkon Kornstad (Saxophon). Ergänzt wird das Ensemble durch das renommierte Stavanger Symphony Orchestra, dirigiert von Vince Mendoza, der die emotional-farbigen, bisweilen geradezu cineastischen Orchesterarrangements für das Album komponiert hat. Mendoza und Nergaard arbeiteten bereits bei dem Grammy-nominierten Album "A Thousand True Stories" zusammen.Besonders bewegend sind die persönlichen Einblicke, die Silje Nergaard in dieses Album eingebaut hat: "Es hat ein paar kleine Momente, die zeigen, wie mein Leben als Kind aussah. Ich habe eine alte Kassette gefunden, auf der ich mit meinem Vater spreche - da war ich gerade mal fünf Jahre alt. Darauf singen meine Schwester, meine Eltern und ich zusammen. Diese Aufnahmen haben mich tief berührt, und ich freue mich, sie mit euch teilen zu können."Das Album vereint die intime Atmosphäre eines Kammer-Jazzensembles mit dem majestätischen Klang eines großen Orchesters. Silje Nergaard beschreibt es als eine Sammlung von Erinnerungen, die die Vergangenheit feierlich nachvollziehbar machen, aber auch einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft werfen. "Das Cover des Albums zeigt ein altes Foto meiner Eltern, als sie jung und frisch verliebt waren - ein Moment purer musikalischer Freude, ohne Gedanken an den nächsten Tag. Dieses Bild und diese Stimmung haben mich inspiriert."Mit "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" zeigt Silje Nergaard einmal mehr, warum sie zu den herausragendsten Künstlerinnen der Jazzszene gehört: persönlich, authentisch und musikalisch brillant.

Produziert von Will Yip (Turnstile, Title Fight, Mannequin Pussy, etc.), der auch schon an der 2023er "Psychic Dance Routine" EP der Hardcore-Band Scowl aus Santa Cruz mitgewirkt hat, findet man auf "Are We All Angels" die giftige und antagonistische Band, die ihre Aggression durch eine expansivere Version ihrer selbst leitet. Das Album wurde von Rich Costey (Fiona Apple, My Chemical Romance, Vampire Weekend, etc.) gemischt. "Are We All Angels" ist geprägt von Entfremdung, Trauer und Kontrollverlust, und setzt sich größtenteils mit ihrem neu gefundenen Platz in der Hardcore-Szene auseinander, einer Gemeinschaft, die die Band in den letzten Jahren sowohl umarmt als auch zu einer Art Blitzableiter gemacht hat. Auf "Are We All Angels" erkunden Scowl auf Schritt und Tritt ehrgeizige neue Richtungen und verbiegen Genre-Normen. Sängerin Kat Moss macht die am unmittelbarsten erkennbare Entwicklung, indem sie einen strukturierteren und manchmal zarten Ansatz wählt. Sie spielt mit Harmonien und melodischem Feingefühl, das selbst die eingefleischtesten Scowl-Fans überraschen dürfte. Moss nennt eine breite Palette von Einflüssen außerhalb des harten Rock - alles von Billie Eilish bis Radiohead, Car Seat Headrest bis Julien Baker. "Die meisten von uns waren wirklich keine geübten Musiker, als die Band begann", gibt sie zu. "Es war in dieser Hinsicht sehr Germs-esque, wie die erste Hardcore-Band eines Babys, was großartig ist. Jetzt wissen wir vielleicht immer noch nicht, was wir tun, aber wir haben eine bessere Vorstellung davon, was wir tun wollen." Instrumental gibt die Band Einflüsse von Negative Approach, Bad Brains, Hole, Mudhoney, Garbage, Ramones, Pixies, Sonic Youth, Rocket From The Crypt und anderen an. Bassist Bailey Lupo merkt an: "Das Songwriting für die neue Platte war das bisher kollaborativste in der Geschichte von Scowl. Jeder hat so viele Ideen eingebracht, und wir konnten sie alle in Ruhe analysieren und uns Zeit nehmen. Wir haben alle so unterschiedliche Geschmäcker, Einflüsse und Persönlichkeiten, und das kann man auf diesem Album wirklich in jeder Ecke hören." Selbst durch diesen eklektischen Ansatz verlieren Scowl nichts von ihrer Schärfe und schaffen es immer noch, die Wut und Frustration zu vermitteln, die dahinter steckt. Sie sind zutiefst dem Ethos des Punk und seinem Gemeinschaftssinn verpflichtet. "Hardcore und Punk haben uns geprägt, wie wir arbeiten, was wir als Band tun wollen und wie wir uns beteiligen", sagt Greene. "Im Kern sind wir eine Punk- und Hardcore-Band, unabhängig davon, wie sich der Song verändert." Das Album wird von dem bereits veröffentlichten "Special" eröffnet, einen Song mit großer, hymnischer Energie, der die rohe Intensität von Scowl beibehält. Scowl haben sich schnell als einer der dynamischsten und fleißigsten Acts in der Rockszene etabliert und ausgiebig in den USA und international mit Bands wie Limp Bizkit, Destroy Boys, The Bronx, Militarie Gun, Show Me The Body, Zulu, Touche Amore, A Day To Remember, Speed, Sunami und vielen anderen getourt, sowie Festivalauftritte beim Coachella, Reading & Leeds, No Values, Outbreak, Primavera und Sick New World, um nur einige zu nennen, absolviert. Die Band - Malachi Greene (Gitarre), Bailey Lupo (Bass), Cole Gilbert (Schlagzeug), Mikey Bifolco (Gitarre) und Kat Moss (Gesang) - gründete sich 2019 und feierte 2021 mit ihrem Debütalbum "How Flowers Grow" ihren Durchbruch. Seitdem sind sie unaufhaltsam auf dem Vormarsch.

Black Country, New Road veröffentlichen ihr neues Studioalbum „Forever Howlong“ auf Ninja Tune! Das Album ist ihre erste Studioveröffentlichung seit ihrem Album, „Ants From Up There“, aus dem Jahr 2022, neben ihrem für den Mercury Prize nominierten Debüt, „For The First Time“ und folgt auf „Live At Bush Hall“ aus dem Jahr 2023. Jetzt, auf dem dritten Studioalbum, beginnt die Band wieder von Grund auf und vollzieht eine weitere wundersame musikalische Verwandlung.
Das lang erwartete neue Album wurde von James Ford (von Simian Mobile Disco, der u.a. bereits mit Arctic Monkeys, Depeche Mode und Blur zusammenarbeitete) produziert und zeigt Black Country, New Road in einer neuen Form, in der die Gesangsaufgaben - und der Großteil des Songwritings - zwischen Tyler Hyde, Georgia Ellery und May Kershaw aufgeteilt sind. „Forever Howlong“ ist ein ehrgeiziges, detailliert ausgearbeitetes Album, das von Folk über Prog und Barock-Pop bis hin zu einem Hauch von Alt-Rock alles enthält - mit Anklängen an Joanna Newsom, Randy Newman, Fiona Apple und Janis Ian - und dabei doch diesen unverwechselbaren, einzigartigen Sound beibehält, den nur diese Kombination von Musiker:innen hervorbringen kann. Obwohl das Album sehr vielfältig und umfangreich ist, fühlt es sich auch sehr kohärent und fokussiert an, da es drei verschiedene Stimmen und Stile aufnimmt und sie nahtlos in einen neuen kollektiven Sound einfließen lässt.

Black Country, New Road veröffentlichen ihr neues Studioalbum „Forever Howlong“ auf Ninja Tune! Das Album ist ihre erste Studioveröffentlichung seit ihrem Album, „Ants From Up There“, aus dem Jahr 2022, neben ihrem für den Mercury Prize nominierten Debüt, „For The First Time“ und folgt auf „Live At Bush Hall“ aus dem Jahr 2023. Jetzt, auf dem dritten Studioalbum, beginnt die Band wieder von Grund auf und vollzieht eine weitere wundersame musikalische Verwandlung.
Das lang erwartete neue Album wurde von James Ford (von Simian Mobile Disco, der u.a. bereits mit Arctic Monkeys, Depeche Mode und Blur zusammenarbeitete) produziert und zeigt Black Country, New Road in einer neuen Form, in der die Gesangsaufgaben - und der Großteil des Songwritings - zwischen Tyler Hyde, Georgia Ellery und May Kershaw aufgeteilt sind. „Forever Howlong“ ist ein ehrgeiziges, detailliert ausgearbeitetes Album, das von Folk über Prog und Barock-Pop bis hin zu einem Hauch von Alt-Rock alles enthält - mit Anklängen an Joanna Newsom, Randy Newman, Fiona Apple und Janis Ian - und dabei doch diesen unverwechselbaren, einzigartigen Sound beibehält, den nur diese Kombination von Musiker:innen hervorbringen kann. Obwohl das Album sehr vielfältig und umfangreich ist, fühlt es sich auch sehr kohärent und fokussiert an, da es drei verschiedene Stimmen und Stile aufnimmt und sie nahtlos in einen neuen kollektiven Sound einfließen lässt.

Nach zwei Jahren Solo-Tourneen präsentiert Yaron Herman sein neues Album. Er kehrt mit einem außergewöhnlichen Ensemble zurück und verbindet sich mit zwei der besten Saxophonisten der Welt: María Grand, ein aufsteigender, internationaler Star, und Alexandra Grimal, eine bedeutende Persönlichkeit der improvisierten Musik. Dieses Album nimmt uns mit auf die Suche nach Lyrik, Tiefe und Aufrichtigkeit, mit eleganten Melodien und kraftvollen Rhythmen, in einem Projekt, das sowohl spirituell als auch tief bewegend ist.

Als Yaron Herman mit der Arbeit an diesem Album begann, war das Erste, was ihm in den Sinn kam, die Melodie. Er habe in den letzten Jahren viel geschrieben, hauptsächlich in Notizbüchern, so der Künstler. Unterwegs oder zu Hause, alles von langen Zeilen bis zu kurzen Fragmenten. Mit der Zeit (und harter Arbeit) begannen diese "Motive" Gestalt anzunehmen und sich in "Lieder" zu verwandeln. Während er sie spielte und erkundete, was aus ihnen werden könnte, wurde klar, dass er nach einem Klang suchte, der nicht "nur" das Klavier war. Diese Melodien erforderten eine andere Stimme. Die Saxophonistinnen Maria Grand und Alexandra Grimal haben unterschiedliche Ansätze, doch beide haben eine geheimnisvolle, kraftvolle und lyrische Qualität, nach der gesucht wurde. Diese Qualitäten, kombiniert mit Haggai Cohen Milos wunderschönem Ton und rhythmischer Vielseitigkeit und dem Spiel und damit wertvollen Ideen von Herman's langjährigen musikalischen Bruders Ziv Ravitz während des gesamten Prozesses, ließen diese Lieder wirklich zum Leben erwachen. Im Studio hatte man das Glück, die Erfahrung und Perspektive des Produzenten Daniel Yvinec zu haben, der dazu ermutigte, die Musik weiter voranzutreiben und Risiken einzugehen. Improvisation: eine Suche nach dem Sweet Spot zwischen Freiheit und Zwang. Die Verspieltheit des Ganzen. Die Werkzeuge bereitstellen, aber nicht das endgültige Gebäude, die Leinwand bereitstellen, aber nicht vorschreiben, was darauf gemalt werden soll. So ist 'Radio Paradise' entstanden. Man ist im Studio auf den Titel gestoßen während einer Diskussion, wie sich Gegensätze ergänzen und wie die Rolle als Künstler darin besteht. Zu versuchen, das scheinbar Widersprüchliche in Einklang zu bringen. Den Raum zu finden, in dem Musik mühelos und aus dem Herzen fließt.

2025 Repress in Arctic Pearl Vinyl
Alles fließt, nichts bleibt wie es ist. Diese philosophische Erkenntnis gilt auch für das dritte Studioalbum der aufstrebenden niederländischen Rockband DOOL. Der treffende Titel "The Shape of Fluidity" zielt keineswegs nur auf die musikalische Innovation. Sondern das Album dreht sich um Themen wie persönlicher Wandel, physische Veränderung, psychologische Weiterentwicklung und die sich erneuernde Welt um uns herum. DOOL und insbesondere Sänger/in und Gitarrist/in Raven van Dorst stellen Fragen: Wie wirkt sich der Wandel auf uns aus? Wie bleiben wir uns selbst in einer Welt treu, die so unglaublich herausfordernd und aggressiv gegenüber dem Individuum ist? Wir müssen so fließend wie Wasser sein, um in diesem Ozean von Möglichkeiten und Ungewissheiten erfolgreich zu navigieren - und Frieden mit Chaos und Unbeständigkeit zu schließen. Musikalisch setzen DOOL den auf den beiden vorangegangenen Studioalben eingeschlagenen Weg fort, der emotionale Rockmusik mit Elementen aus dem Metal kombiniert. Dabei demonstrieren die Niederländer eine auffällige Reife und Kontrolle im Songwriting, die aus Jahren der Erfahrung gewachsen sind. "The Shape of Fluidity" zeigt eine eklektische, aber nahtlose Verschmelzung von Progressive und Post-Rock sowie Doom und Heavy Metal, die mit einer stets präsenten Eingängigkeit und hintergründigen Dynamik kombiniert sind. Es ist offenkundig, dass sich das Album thematisch mit dem Konzept der Identität vor dem Hintergrund einer sich ständig verändernden Welt befasst. Die Texte des Albums sind eng mit der Biografie von Leadsänger/in Raven verknüpft. Von Geburt an intersexuell, entschieden die Ärzte chirurgisch, dass der Säugling als Mädchen durchs Leben gehen solle. Dies führte zu einer Existenz auf der Suche nach der eigenen Seele, dem Kampf gegen Tabus und die Überschreitung von Grenzen, bis Raven vor kurzem beschloss, das zurückzufordern, was andere versuchten hatten, ihnen wegzunehmen - und ihre hermaphroditische Natur zu akzeptieren. Der Bandname DOOL leitet sich vom niederländischen Wort für "Wandern" ab. Bereits das im Jahr 2017 erschienene Debütalbum "Here Now, There Then" landete einen sofortigen Volltreffer. Der frisch-wilde Rock- und Metalsound aus den Niederlanden wurde von den renommierten deutschen Magazinen Metal Hammer und Rock Hard zum "Album des Monats" gekürt. Auch Vice (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL) überschütteten die junge Band mit Lob. Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das 2020 erschien, übertrafen DOOL die ohnehin schon hochgesteckten Erwartungen. Es gab weitere "Album des Monats"-Auszeichnungen in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie eine #2 Soundcheck-Position in Metal Hammer (DE) und Metal.de, und eine weitere #1 im polnischen Metal Hammer - mit einem Berg herausragender Kritiken auf beiden Seiten des Atlantiks. Mit "The Shape of Fluidity" bieten DOOL sehr viel mehr als nur verdammt coole Musik. Die zusätzlichen Dimensionen von Tiefe und Bedeutung sind Teil ihres einzigartigen Reizes und kommen auf dem neuen Album deutlich zum Vorschein. Mögen sich alle, die wandern, unter der fluiden Flagge von DOOL versammeln!

Genau genommen stammt die Idee zu Who Believes In Angels? von drei befreundeten Musiker:innen:
Neben Elton John und der 11-fachen GRAMMY-Gewinnerin Brandi Carlile aus dem US-Staat Washington
war auch der vielfach preisgekrönte US-Produzent und Songwriter Andrew Watt (zweifacher GRAMMYGewinner) von Anfang an am kreativen Prozess beteiligt. Ihre Vision war eine echte Zusammenarbeit: Sie
wollten einen Longplayer aufnehmen, der ein echtes Gemeinschaftsprojekt ist, der durch und durch auf den
Faktor Kollaboration setzt. Konkret schwebte ihnen ein Mix aus Stücken vor, bei denen mal Elton, mal
Brandi am Mikrofon den Ton angeben sollte, wobei die Songtexte sowohl von Brandi als auch von Eltons
angestammtem Kreativpartner Bernie Taupin stammen sollten. Als Produzent und Co-Songwriter kam
obendrein Andrew Watt ins Spiel, dem als kreatives Bindeglied und Vermittler eine zentrale Rolle zukam.
Schon im Oktober 2023 kamen sie alle in den Sunset Sound Studios in Los Angeles zusammen, und nach 20
Tagen war schließlich alles im Kasten. Unterstützung bekamen sie dabei von weiteren Weltklasse-Musikern
– u.a. von Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Pino Palladino (Nine Inch Nails, Gary Numan, David
Gilmour) und Josh Klinghoffer (Pearl Jam, Beck).
Erhältlich als CD I LP I CD Box (CD & DVD & Aufklappbare Box)

„Ich kenne keinen anderen Komponisten, der es mit Brahms im Hinblick auf die musikalische Qualität
aufnehmen kann. Alles in Brahms’ Kammermusik ist einfach fantastisch, die Sonaten, die Trios, das Klarinettenquintett. Da gibt es nicht ein schlechtes Stück.“
Krystian Zimermans Begeisterung für Kammermusik begann bereits in seiner Kindheit und begleitet ihn
seit jeher. Er sagt: „Jeder große Komponist hat irgendein Quartett mit Klavier geschrieben. Das ist ein
unglaublicher Schatz der Musikgeschichte, der viel zu wenig Beachtung bekommt.“
Obwohl das Klavierquartett Nr. 1 in g-Moll wohl das bekannteste von Johannes Brahms drei Klavierquartetten ist, konzentriert sich Zimerman stattdessen auf die oft weniger beachteten Quartette Nr. 2 und
Nr. 3, um ihnen die Aufmerksamkeit zu schenken, die sie verdienen. „Das Dritte Quartett liebe ich ganz
besonders. Es ist ein verrücktes, kraftvolles Stück, das einen unglaublichen Drive hat“, so Zimerman.
Für diese Einspielung hat sich Krystian Zimerman mit dem Cellisten Yuya Okamoto, der Geigerin Maria
Nowak und der Bratschistin Katarzyna Budnik zusammengetan.

Genau genommen stammt die Idee zu Who Believes In Angels? von drei befreundeten Musiker:innen:
Neben Elton John und der 11-fachen GRAMMY-Gewinnerin Brandi Carlile aus dem US-Staat Washington
war auch der vielfach preisgekrönte US-Produzent und Songwriter Andrew Watt (zweifacher GRAMMYGewinner) von Anfang an am kreativen Prozess beteiligt. Ihre Vision war eine echte Zusammenarbeit: Sie
wollten einen Longplayer aufnehmen, der ein echtes Gemeinschaftsprojekt ist, der durch und durch auf den
Faktor Kollaboration setzt. Konkret schwebte ihnen ein Mix aus Stücken vor, bei denen mal Elton, mal
Brandi am Mikrofon den Ton angeben sollte, wobei die Songtexte sowohl von Brandi als auch von Eltons
angestammtem Kreativpartner Bernie Taupin stammen sollten. Als Produzent und Co-Songwriter kam
obendrein Andrew Watt ins Spiel, dem als kreatives Bindeglied und Vermittler eine zentrale Rolle zukam.
Schon im Oktober 2023 kamen sie alle in den Sunset Sound Studios in Los Angeles zusammen, und nach 20
Tagen war schließlich alles im Kasten. Unterstützung bekamen sie dabei von weiteren Weltklasse-Musikern
– u.a. von Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Pino Palladino (Nine Inch Nails, Gary Numan, David
Gilmour) und Josh Klinghoffer (Pearl Jam, Beck).
Erhältlich als CD I LP I CD Box (CD & DVD & Aufklappbare Box)

Das Universum hat alles in ihrer Macht stehende getan, um dieses Album zu verhindern: die harte Hand des Kapitalismus geschwungen, Nachwuchs hervorgerufen, gar Siechtum ins Leben gesandt. Genützt hat es alles nichts, denn das Prinzip Freundschaft und zweieinhalb Hände voller Lieder waren stärker. Kurzum: Herrenmagazin veröffentlichen nach neun Jahren Pause ein neues Album. Wieso tun sie das? Um einen Punkt zu setzen? Eine Klammer zu schließen? Einen Strich unter irgendetwas zu machen? Vielmehr geht es um die Freude an der Musik und an der gemeinsam verbrachten Zeit. So einfach kann es sein und ist es diesmal auch.

Mit ihrem achten Studio Album präsentiert das von Journalisten oft als "Deutschlands unterbewertetste Punk-Rock Band" bezeichnete Berliner Trio ein Cover-Album das es in sich hat. Im klassischen "K-Tel" Gewand werden hier 12 Kracher der 50er, 60er, 70er und 80er Jahre abgeliefert. Allerdings nicht im üblichen, "wir spielen einfach mal alles doppelt so schnell-Hauruck Sound", nein, hier wurde mal richtig tief in die musikalische Trickkiste gegriffen. So kommen die ,Rubettes" im Gewand der ,Ramones" daher, ,Slade" im Sound der ,Stranglers" und ,Jimi Hendrix" sogar als waschechte Southern Rock Nummer a la ,Lynyrd Skynyrd". Von Uli Confidence dem Mastermind der Band und Betreiber des Berliner Kult-Clubs ,Wild At Heart" im hauseigenen Studio produziert, wird auf dieser Scheibe völlig ungeniert von klassischem Rock`n`Roll, über 70s Rock, Glam und sogar New Wave alles zelebriert, was der Kirche des Vertrauens lieb und heilig ist. Spaß-, Party-, und Unterhaltungsfaktor bis zum Anschlag auf Maximum gedreht, zündet hier ein Kracher nach dem anderen... 500 Stück weltweit, klassisch schwarzes Vinyl, durchnummeriert.

Was ist ein "Boogie"? In der Umgangssprache ist es ein Tanz oder eine Gelegenheit zum Tanzen. Da es sich hier um ein Destroyer-Album handelt und nicht um den allgemeinen Sprachgebrauch, sind die Implikationen eines Titels wie "Dan's Boogie" verführerischer und gefährlicher zugleich. "Ein Boogie ist ein Täuschungsmanöver, ein Betrug, der nicht ganz funktioniert, die Bewegungen, die wir machen, wenn wir damit konfrontiert werden", erklärt Dan Bejar. "Ich denke an Spionage, Doppelagenten, die mit einem offenen Auge schlafen und die Ausgänge im Auge behalten. Aber ich denke auch an kleine Siege und Niederlagen auf der Straße und an Improvisation". Um "Dan's Boogie" aufzunehmen, musste Bejar eine Reihe von gewollten und ungewollten Hindernissen überwinden, um die Songs zu schreiben. Die Monate nach der Fertigstellung von "LABYRINTHITIS" wurden zu einem Jahr und dann zu zwei Jahren, in denen Bejar sich selbst den Neujahrsvorsatz gab, jeden Tag eine Stunde lang Klavier zu spielen. Das hat ungefähr vier Tage gedauert, aber die Songs, die Bejar als Ergebnis dieses Vorsatzes bezeichnet - darunter "Cataract Time", "Hydroplaning Off the Edge of the World", "Bologna" und "Dan's Boogie" - sind allesamt Destroyer-Songs aus dem breiten Spektrum, das Bejar und seine Mitstreiter für sich selbst geschaffen haben: Spektakuläre Pop-Epen, persönliche Piano-Balladen und schwelende Stimmungsbilder, die die Grenzen zwischen Song, Roman und Kino verschwimmen lassen, jedes voll von der Dringlichkeit eines Staatsgeheimnisses im Kopf eines gequälten Spions. Die Leadsingle "Bologna" ist der radikalste Rahmen für diese Energie, denn es ist das erste Mal, dass Bejar einen Song schreibt, in dem er sich selbst als Nebenfigur vorstellt. In der Hauptrolle ist Simone Schmidt von Fiver zu hören, deren Stimme - hart und ausdrucksstark, durchdringend durch die Düsternis der Szene - ein Sirenengesang ist, der das ganze Album durchdringt. Die Schwere ihrer Stimme ordnet "Dan's Boogie" um ein Gefühl des drohenden Untergangs herum, so wie das Versprechen einer Fatale auf das Ungewöhnliche und Ekstatische die Hauptfigur eines erotischen Thrillers zum Verhängnis wird. "Hydroplaning Off the Edge of the World" ist ein köstlicher Widerspruch, ein schwungvoller Song, der aus der Verwüstung entstand, die Bejar absichtlich mit sich selbst anrichtete. "We are now entering a new phase", intoniert Bejar und führt Schichten von Gitarren und Synthesizern ein, die die Palette erheblich verdunkeln, während er zwischen Gesang und Sprache wechselt. Der Nebel, der Bejar umgibt, wird durch die Reibung zwischen konkurrierenden Wahrheiten und Geschmäckern erhellt, etwa wenn sein Interesse an jazzigen Balladen auf das Interesse des Produzenten und Bassisten John Collins an Bands wie Led Zeppelin und Scritti Politti trifft. Als Bejar Collins erzählte, dass er an Sammy Davis Jr. dachte, entstand der Titeltrack, in dem Bejar mit fast wahnhafter Freude einen Rat Pack-Swagger vor einer verträumten Klangkulisse aus schwebenden Gitarren, üppigen Bläsern, Jazz-Drumming, spacigen Synthesizern und - vielleicht am ehesten dem Selbstverständnis Bejars entsprechend - einem klimpernden Lounge-Piano annahm. Das Herzstück von "Dan's Boogie" ist vielleicht "Cataract Time", ein achtminütiges Epos, das zu den schwersten Texten gehört, die Bejar je geschrieben hat, und eine der musikalisch komplexesten Kompositionen von Destroyer ist. Getragen von einem lässigen Groove, sind Bejars Texte verklärt, ihre Melancholie schmeckt fast widersinnig nach Hoffnung. Es ist ein intimer Song, der Destroyers übliches urbanes Fabel-Milieu gegen eine erfrischende Innerlichkeit eintauscht, aber sein beschwingter Groove lässt eine Zukunft erahnen, der Bejar und seine Band entgegenfiebern. Wo frühere Destroyer-Alben mit der Welt kämpften, tanzt "Dan's Boogie" mit ihr, und seine neun Träumereien verschmelzen zu einem einzigen langen Treiben. Dan Bejar mag die Ausgänge im Auge haben, aber er wird nicht so bald abreisen.





e 5 BOLOGNA [FEAT. FIVER]

Auf dem vierten Album von Chrystia Cabral als SPELLLING verwandelt die Künstlerin aus der Bay Area ihr gefeiertes Avant-Pop-Projekt in einen Spiegel. Cabrals Texte auf „Portrait of My Heart“ befassen sich mit Liebe, Intimität, Angst und Entfremdung und tauschen den allegorischen Ansatz vieler ihrer früheren Werke gegen einen Blick in ihr menschliches Herz. Die thematische Unverblümtheit des Albums spiegelt sich in den Arrangements wider und macht es zum bisher schärfsten und direktesten SPELLLING-Album. Vom düsteren Minimalismus ihrer frühesten Musik über den üppig orchestrierten Prog-Pop von „The Turning Wheel“ aus dem Jahr 2021 bis hin zu diesem neuen energiegeladenen Ausdruck ihres kreativen Geistes hat Cabral immer wieder bewiesen, dass SPELLLING alles sein kann, was sie braucht. Der Titeltrack mit seinem treibenden Drum-Groove und dem hymnischen Refrain von „I don't belong here“ ist die stärkste Verkörperung der Hinwendung des Albums zu emotionaler Direktheit. Sobald sich die Hauptmelodie herauskristallisiert hatte, nutzte Cabral den Song als Werkzeug, um ihre Ängste als Performerin zu verarbeiten, und entschied sich für eine straffere, rockigere Komposition. Diese Transformation spiegelt die allgemeine Verlagerung des Albums in Richtung Energie und Unmittelbarkeit wider, die von der Kernband Wyatt Overson (Gitarre), Patrick Shelley (Schlagzeug) und Giulio Xavier Cetto (Bass) vorangetrieben wird, deren Zusammenarbeit neue Konturen des SPELLLING-Sounds offenbart. Cabral schreibt und demontiert immer noch alleine, aber die Präsentation der Songs für „Portrait of My Heart“ vor ihren Bandkollegen hat ihr geholfen, die späteren lebendigen, organischen Formen zu entdecken. Das gilt auch für die Zusammenarbeit mit einem Produzententrio: Drew Vandenberg, der Tontechniker von „The Turning Wheel“, Rob Bisel, der mit SZA zusammenarbeitet, und Psymun, der Produzent von Yves Tumor. Wichtige Gastbeiträge prägen das Album zusätzlich. Chaz Bear (Toro y Moi) liefert SPELLLINGs erstes Duett auf „Mount Analogue“, Turnstile-Gitarrist Pat McCrory verwandelt Cabrals ursprüngliches Piano-Demo für „Alibi“ in die knackige, rifflastige Version, die auf dem Album zu hören ist, während Braxton Marcellous von Zulu „Drain“ seine schlammige Wucht verleiht. Diese Teile fügen sich nicht nur nahtlos in das Album ein, sie fühlen sich wie ein integraler Bestandteil seines Universums an. Letztendlich ist Portrait of My Heart jedoch niemandes Platte, sondern die von Cabral. Sie zieht furchtlos den Vorhang über Teile ihrer selbst zurück, die sie in SPELLLING noch nie gezeigt hat - ihre Gefühle als Außenseiterin, ihre übermäßig vorsichtige Art, die Art und Weise, wie sie sich rücksichtslos in intime Beziehungen stürzen kann, um sie dann genauso schnell wieder abzubrechen. „Es ist wie ein offenes Tagebuch all dieser Empfindungen“, sagt sie.

Auf dem vierten Album von Chrystia Cabral als SPELLLING verwandelt die Künstlerin aus der Bay Area ihr gefeiertes Avant-Pop-Projekt in einen Spiegel. Cabrals Texte auf „Portrait of My Heart“ befassen sich mit Liebe, Intimität, Angst und Entfremdung und tauschen den allegorischen Ansatz vieler ihrer früheren Werke gegen einen Blick in ihr menschliches Herz. Die thematische Unverblümtheit des Albums spiegelt sich in den Arrangements wider und macht es zum bisher schärfsten und direktesten SPELLLING-Album. Vom düsteren Minimalismus ihrer frühesten Musik über den üppig orchestrierten Prog-Pop von „The Turning Wheel“ aus dem Jahr 2021 bis hin zu diesem neuen energiegeladenen Ausdruck ihres kreativen Geistes hat Cabral immer wieder bewiesen, dass SPELLLING alles sein kann, was sie braucht. Der Titeltrack mit seinem treibenden Drum-Groove und dem hymnischen Refrain von „I don't belong here“ ist die stärkste Verkörperung der Hinwendung des Albums zu emotionaler Direktheit. Sobald sich die Hauptmelodie herauskristallisiert hatte, nutzte Cabral den Song als Werkzeug, um ihre Ängste als Performerin zu verarbeiten, und entschied sich für eine straffere, rockigere Komposition. Diese Transformation spiegelt die allgemeine Verlagerung des Albums in Richtung Energie und Unmittelbarkeit wider, die von der Kernband Wyatt Overson (Gitarre), Patrick Shelley (Schlagzeug) und Giulio Xavier Cetto (Bass) vorangetrieben wird, deren Zusammenarbeit neue Konturen des SPELLLING-Sounds offenbart. Cabral schreibt und demontiert immer noch alleine, aber die Präsentation der Songs für „Portrait of My Heart“ vor ihren Bandkollegen hat ihr geholfen, die späteren lebendigen, organischen Formen zu entdecken. Das gilt auch für die Zusammenarbeit mit einem Produzententrio: Drew Vandenberg, der Tontechniker von „The Turning Wheel“, Rob Bisel, der mit SZA zusammenarbeitet, und Psymun, der Produzent von Yves Tumor. Wichtige Gastbeiträge prägen das Album zusätzlich. Chaz Bear (Toro y Moi) liefert SPELLLINGs erstes Duett auf „Mount Analogue“, Turnstile-Gitarrist Pat McCrory verwandelt Cabrals ursprüngliches Piano-Demo für „Alibi“ in die knackige, rifflastige Version, die auf dem Album zu hören ist, während Braxton Marcellous von Zulu „Drain“ seine schlammige Wucht verleiht. Diese Teile fügen sich nicht nur nahtlos in das Album ein, sie fühlen sich wie ein integraler Bestandteil seines Universums an. Letztendlich ist Portrait of My Heart jedoch niemandes Platte, sondern die von Cabral. Sie zieht furchtlos den Vorhang über Teile ihrer selbst zurück, die sie in SPELLLING noch nie gezeigt hat - ihre Gefühle als Außenseiterin, ihre übermäßig vorsichtige Art, die Art und Weise, wie sie sich rücksichtslos in intime Beziehungen stürzen kann, um sie dann genauso schnell wieder abzubrechen. „Es ist wie ein offenes Tagebuch all dieser Empfindungen“, sagt sie.

Was ist ein "Boogie"? In der Umgangssprache ist es ein Tanz oder eine Gelegenheit zum Tanzen. Da es sich hier um ein Destroyer-Album handelt und nicht um den allgemeinen Sprachgebrauch, sind die Implikationen eines Titels wie "Dan's Boogie" verführerischer und gefährlicher zugleich. "Ein Boogie ist ein Täuschungsmanöver, ein Betrug, der nicht ganz funktioniert, die Bewegungen, die wir machen, wenn wir damit konfrontiert werden", erklärt Dan Bejar. "Ich denke an Spionage, Doppelagenten, die mit einem offenen Auge schlafen und die Ausgänge im Auge behalten. Aber ich denke auch an kleine Siege und Niederlagen auf der Straße und an Improvisation". Um "Dan's Boogie" aufzunehmen, musste Bejar eine Reihe von gewollten und ungewollten Hindernissen überwinden, um die Songs zu schreiben. Die Monate nach der Fertigstellung von "LABYRINTHITIS" wurden zu einem Jahr und dann zu zwei Jahren, in denen Bejar sich selbst den Neujahrsvorsatz gab, jeden Tag eine Stunde lang Klavier zu spielen. Das hat ungefähr vier Tage gedauert, aber die Songs, die Bejar als Ergebnis dieses Vorsatzes bezeichnet - darunter "Cataract Time", "Hydroplaning Off the Edge of the World", "Bologna" und "Dan's Boogie" - sind allesamt Destroyer-Songs aus dem breiten Spektrum, das Bejar und seine Mitstreiter für sich selbst geschaffen haben: Spektakuläre Pop-Epen, persönliche Piano-Balladen und schwelende Stimmungsbilder, die die Grenzen zwischen Song, Roman und Kino verschwimmen lassen, jedes voll von der Dringlichkeit eines Staatsgeheimnisses im Kopf eines gequälten Spions. Die Leadsingle "Bologna" ist der radikalste Rahmen für diese Energie, denn es ist das erste Mal, dass Bejar einen Song schreibt, in dem er sich selbst als Nebenfigur vorstellt. In der Hauptrolle ist Simone Schmidt von Fiver zu hören, deren Stimme - hart und ausdrucksstark, durchdringend durch die Düsternis der Szene - ein Sirenengesang ist, der das ganze Album durchdringt. Die Schwere ihrer Stimme ordnet "Dan's Boogie" um ein Gefühl des drohenden Untergangs herum, so wie das Versprechen einer Fatale auf das Ungewöhnliche und Ekstatische die Hauptfigur eines erotischen Thrillers zum Verhängnis wird. "Hydroplaning Off the Edge of the World" ist ein köstlicher Widerspruch, ein schwungvoller Song, der aus der Verwüstung entstand, die Bejar absichtlich mit sich selbst anrichtete. "We are now entering a new phase", intoniert Bejar und führt Schichten von Gitarren und Synthesizern ein, die die Palette erheblich verdunkeln, während er zwischen Gesang und Sprache wechselt. Der Nebel, der Bejar umgibt, wird durch die Reibung zwischen konkurrierenden Wahrheiten und Geschmäckern erhellt, etwa wenn sein Interesse an jazzigen Balladen auf das Interesse des Produzenten und Bassisten John Collins an Bands wie Led Zeppelin und Scritti Politti trifft. Als Bejar Collins erzählte, dass er an Sammy Davis Jr. dachte, entstand der Titeltrack, in dem Bejar mit fast wahnhafter Freude einen Rat Pack-Swagger vor einer verträumten Klangkulisse aus schwebenden Gitarren, üppigen Bläsern, Jazz-Drumming, spacigen Synthesizern und - vielleicht am ehesten dem Selbstverständnis Bejars entsprechend - einem klimpernden Lounge-Piano annahm. Das Herzstück von "Dan's Boogie" ist vielleicht "Cataract Time", ein achtminütiges Epos, das zu den schwersten Texten gehört, die Bejar je geschrieben hat, und eine der musikalisch komplexesten Kompositionen von Destroyer ist. Getragen von einem lässigen Groove, sind Bejars Texte verklärt, ihre Melancholie schmeckt fast widersinnig nach Hoffnung. Es ist ein intimer Song, der Destroyers übliches urbanes Fabel-Milieu gegen eine erfrischende Innerlichkeit eintauscht, aber sein beschwingter Groove lässt eine Zukunft erahnen, der Bejar und seine Band entgegenfiebern. Wo frühere Destroyer-Alben mit der Welt kämpften, tanzt "Dan's Boogie" mit ihr, und seine neun Träumereien verschmelzen zu einem einzigen langen Treiben. Dan Bejar mag die Ausgänge im Auge haben, aber er wird nicht so bald abreisen.

Wenn es jemals ein Album für jeden Anlass gab, dann ist es dieses: Von gefühlvollen Balladen zum Entspannen bis hin zu durchdringenden Gitarrenkrachern zum Aufdrehen, wenn man spät nachts Auto fährt. Das Album hat alles. Eröffnet wird in gewohnter Allison Manier mit einer energetischen Mischung aus Funk und Blues, um über den Verlauf des Albums die ganze Bandbreite seines musikalischen Könnens, von soulgetränkten Bluessongs über treibende Funkgrooves, bis hin zu rockigen Gitarrenriffs zu zeigen.

"Nichts ist gut und alles könnte besser sein. Schlecht gelaunt und zuversichtlich, konzentriert und ablenkbar sucht das Berliner Trio Acht Eimer Hühnerherzen auf ihrem vierten Studioalbum "Lieder" das Glück dort, wo es knirscht im Nylonpunk-Gebälk: in der Sackgasse mit Wendekreis, in den kurzen hellen Nächten und den langen dunklen Tagen, an den Rändern des Alltags, wo die Sprachfetzen trauern und tanzen. 14 Montagen, die 15 mal neu ansetzen, abbiegen, vorankommen - und versprechen. Wo "Lieder" nicht drängelt, da ist es am dringlichsten; wo es rumpelt, ist es geschmeidig; und wo es leise ist, da wird es laut." Robert Zwarg Musik mit einer Dreiviertelmensur-Nylonsaiten-Konzertgitarre, einem Nylonsaiten-Kurzbass, Schlagzeug, Fuzz und Overdrive. Live und analog recorded im Studio-B Berlin, auf 16 Spur-Bandmaschine, keine Loops, keine Beats, keine Edits, keine Hunde. Produziert von Kurt Ebelhäuser & SmaiL Shock & Acht Eimer Hühnerherzen.

Marineblaues Vinyl, limitiert auf 500 Exemplare. Exklusiv für den Indie-Handel.



"Nichts ist gut und alles könnte besser sein. Schlecht gelaunt und zuversichtlich, konzentriert und ablenkbar sucht das Berliner Trio Acht Eimer Hühnerherzen auf ihrem vierten Studioalbum "Lieder" das Glück dort, wo es knirscht im Nylonpunk-Gebälk: in der Sackgasse mit Wendekreis, in den kurzen hellen Nächten und den langen dunklen Tagen, an den Rändern des Alltags, wo die Sprachfetzen trauern und tanzen. 14 Montagen, die 15 mal neu ansetzen, abbiegen, vorankommen - und versprechen. Wo "Lieder" nicht drängelt, da ist es am dringlichsten; wo es rumpelt, ist es geschmeidig; und wo es leise ist, da wird es laut." Robert Zwarg Musik mit einer Dreiviertelmensur-Nylonsaiten-Konzertgitarre, einem Nylonsaiten-Kurzbass, Schlagzeug, Fuzz und Overdrive. Live und analog recorded im Studio-B Berlin, auf 16 Spur-Bandmaschine, keine Loops, keine Beats, keine Edits, keine Hunde. Produziert von Kurt Ebelhäuser & SmaiL Shock & Acht Eimer Hühnerherzen.

Das Londoner Ska-Punk-Pop-Indie-Quartett Buster Shuffle kommt mit brandneuem Album zurück, welches am 21. März 2025 erscheinen wird. Das elf Tracks umfassende Album "Together" ist ihr sechstes Studioalbum und verspricht, ihr bisher größtes zu werden, randvoll mit eingängigen Singalongs die garantiert für Aufsehen sorgen und Mitsingen animieren. Sänger & Frontmann Jet sagt: "Unsere Fans, die Shuffle Army, bedeuten uns alles und haben uns vom ersten Tag an unterstützt, also wollten wir ein Album schreiben, auf dem wir zusammenkommen und uns die Seele aus dem Leib singen können. Wir freuen uns riesig darauf, diese Songs zu präsentieren". Die Platte wird einige Überraschungen bereithalten, so z.B. als Jet und die Jungs es schafften, eine 2000-köpfige Menge dazu zu bringen, die Hookline für den Track 'Take a Pill' einzusingen. Ein Lied über den Zusammenhalt und das Navigieren durch eine schwere Zeit: "Die Zeiten sind im Moment für viele Leute wirklich hart, also müssen wir aufeinander aufpassen. Frag deinen Kumpel, deinen Partner, deine Liebsten, wie es ihnen geht, lege deinen Arm um sie, melde dich. Das Ethos dieses Albums ist es, offen zu reden, sich gegenseitig zu unterstützen und zusammenzukommen." Die Jungs veröffentlichen "Together" auf ihrem eigenen Label Do Nothing Records, und wie ihre vorherige Veröffentlichung "Go Steady" wurde auch diese von der Band selbst produziert. Zur Feier der Veröffentlichung dieses "We're In This Together"-Albums wird die Band vier große Städte mit vier Album Launch Shows bespielen, die ihre bisher größten Shows im jeweiligen Land sein werden. "Together" kommt als CD, MC & LP, Vinyl in unterschiedlichen Farben und Sleeve-Artworks erhältlich!

Das Londoner Ska-Punk-Pop-Indie-Quartett Buster Shuffle kommt mit brandneuem Album zurück, welches am 21. März 2025 erscheinen wird. Das elf Tracks umfassende Album "Together" ist ihr sechstes Studioalbum und verspricht, ihr bisher größtes zu werden, randvoll mit eingängigen Singalongs die garantiert für Aufsehen sorgen und Mitsingen animieren. Sänger & Frontmann Jet sagt: "Unsere Fans, die Shuffle Army, bedeuten uns alles und haben uns vom ersten Tag an unterstützt, also wollten wir ein Album schreiben, auf dem wir zusammenkommen und uns die Seele aus dem Leib singen können. Wir freuen uns riesig darauf, diese Songs zu präsentieren". Die Platte wird einige Überraschungen bereithalten, so z.B. als Jet und die Jungs es schafften, eine 2000-köpfige Menge dazu zu bringen, die Hookline für den Track 'Take a Pill' einzusingen. Ein Lied über den Zusammenhalt und das Navigieren durch eine schwere Zeit: "Die Zeiten sind im Moment für viele Leute wirklich hart, also müssen wir aufeinander aufpassen. Frag deinen Kumpel, deinen Partner, deine Liebsten, wie es ihnen geht, lege deinen Arm um sie, melde dich. Das Ethos dieses Albums ist es, offen zu reden, sich gegenseitig zu unterstützen und zusammenzukommen." Die Jungs veröffentlichen "Together" auf ihrem eigenen Label Do Nothing Records, und wie ihre vorherige Veröffentlichung "Go Steady" wurde auch diese von der Band selbst produziert. Zur Feier der Veröffentlichung dieses "We're In This Together"-Albums wird die Band vier große Städte mit vier Album Launch Shows bespielen, die ihre bisher größten Shows im jeweiligen Land sein werden. "Together" kommt als CD, MC & LP, Vinyl in unterschiedlichen Farben und Sleeve-Artworks erhältlich!

Das Londoner Ska-Punk-Pop-Indie-Quartett Buster Shuffle kommt mit brandneuem Album zurück, welches am 21. März 2025 erscheinen wird. Das elf Tracks umfassende Album "Together" ist ihr sechstes Studioalbum und verspricht, ihr bisher größtes zu werden, randvoll mit eingängigen Singalongs die garantiert für Aufsehen sorgen und Mitsingen animieren. Sänger & Frontmann Jet sagt: "Unsere Fans, die Shuffle Army, bedeuten uns alles und haben uns vom ersten Tag an unterstützt, also wollten wir ein Album schreiben, auf dem wir zusammenkommen und uns die Seele aus dem Leib singen können. Wir freuen uns riesig darauf, diese Songs zu präsentieren". Die Platte wird einige Überraschungen bereithalten, so z.B. als Jet und die Jungs es schafften, eine 2000-köpfige Menge dazu zu bringen, die Hookline für den Track 'Take a Pill' einzusingen. Ein Lied über den Zusammenhalt und das Navigieren durch eine schwere Zeit: "Die Zeiten sind im Moment für viele Leute wirklich hart, also müssen wir aufeinander aufpassen. Frag deinen Kumpel, deinen Partner, deine Liebsten, wie es ihnen geht, lege deinen Arm um sie, melde dich. Das Ethos dieses Albums ist es, offen zu reden, sich gegenseitig zu unterstützen und zusammenzukommen." Die Jungs veröffentlichen "Together" auf ihrem eigenen Label Do Nothing Records, und wie ihre vorherige Veröffentlichung "Go Steady" wurde auch diese von der Band selbst produziert. Zur Feier der Veröffentlichung dieses "We're In This Together"-Albums wird die Band vier große Städte mit vier Album Launch Shows bespielen, die ihre bisher größten Shows im jeweiligen Land sein werden. "Together" kommt als CD, MC & LP, Vinyl in unterschiedlichen Farben und Sleeve-Artworks erhältlich!

Das Londoner Ska-Punk-Pop-Indie-Quartett Buster Shuffle kommt mit brandneuem Album zurück, welches am 21. März 2025 erscheinen wird. Das elf Tracks umfassende Album "Together" ist ihr sechstes Studioalbum und verspricht, ihr bisher größtes zu werden, randvoll mit eingängigen Singalongs die garantiert für Aufsehen sorgen und Mitsingen animieren. Sänger & Frontmann Jet sagt: "Unsere Fans, die Shuffle Army, bedeuten uns alles und haben uns vom ersten Tag an unterstützt, also wollten wir ein Album schreiben, auf dem wir zusammenkommen und uns die Seele aus dem Leib singen können. Wir freuen uns riesig darauf, diese Songs zu präsentieren". Die Platte wird einige Überraschungen bereithalten, so z.B. als Jet und die Jungs es schafften, eine 2000-köpfige Menge dazu zu bringen, die Hookline für den Track 'Take a Pill' einzusingen. Ein Lied über den Zusammenhalt und das Navigieren durch eine schwere Zeit: "Die Zeiten sind im Moment für viele Leute wirklich hart, also müssen wir aufeinander aufpassen. Frag deinen Kumpel, deinen Partner, deine Liebsten, wie es ihnen geht, lege deinen Arm um sie, melde dich. Das Ethos dieses Albums ist es, offen zu reden, sich gegenseitig zu unterstützen und zusammenzukommen." Die Jungs veröffentlichen "Together" auf ihrem eigenen Label Do Nothing Records, und wie ihre vorherige Veröffentlichung "Go Steady" wurde auch diese von der Band selbst produziert. Zur Feier der Veröffentlichung dieses "We're In This Together"-Albums wird die Band vier große Städte mit vier Album Launch Shows bespielen, die ihre bisher größten Shows im jeweiligen Land sein werden. "Together" kommt als CD, MC & LP, Vinyl in unterschiedlichen Farben und Sleeve-Artworks erhältlich!

Nach dem leichten Glanzpop von "Was Passiert Ist" strahlt Die Heiterkeit nun mächtig-mystisch in einem Schmiedewerk zwischen Pop und Folk und geht mit selbstverständlicher großer Geste ganz aufs Elementare. "Manchmal hilft nur noch schwarze Magie", singt Stella Sommer und nimmt uns, sicher eingehüllt in warme Klangkapuzen, mit auf den Teufelsberg und zwischen die Zeilen der großen Songwritingkunst. "Schwarze Magie" besitzt eine Tiefe und alte Weisheit, die hierzulande ihresgleichen suchen. Wie schwere Samtvorhänge legt sich dieses Album mit Abgründigkeit und einnehmender Gravitas auf unsere so genannte Wirklichkeit, immer wieder blitzt dabei der ganz eigene Heiterkeit-Esprit auf. Stella Sommer ist die Frau, die nicht nur den Blitz, sondern unbedingt auch den Witz in ihrer Jackentasche trägt.

Nach dem leichten Glanzpop von "Was Passiert Ist" strahlt Die Heiterkeit nun mächtig-mystisch in einem Schmiedewerk zwischen Pop und Folk und geht mit selbstverständlicher großer Geste ganz aufs Elementare. "Manchmal hilft nur noch schwarze Magie", singt Stella Sommer und nimmt uns, sicher eingehüllt in warme Klangkapuzen, mit auf den Teufelsberg und zwischen die Zeilen der großen Songwritingkunst. "Schwarze Magie" besitzt eine Tiefe und alte Weisheit, die hierzulande ihresgleichen suchen. Wie schwere Samtvorhänge legt sich dieses Album mit Abgründigkeit und einnehmender Gravitas auf unsere so genannte Wirklichkeit, immer wieder blitzt dabei der ganz eigene Heiterkeit-Esprit auf. Stella Sommer ist die Frau, die nicht nur den Blitz, sondern unbedingt auch den Witz in ihrer Jackentasche trägt.

El Dorado ist ein Meilenstein der guten Laune und der wohltemperierten Gesinnung. Das Album hat sich seit der Erstveröffentlichung (2016) zu einem digitalen Dauerbrenner entwickelt. Mehr als 50 Millionen Streams im Jahr, über 5 Millionen pro Monat, 1 Million Listener im Monat, davon mit 250.000 die meisten in Deutschland. 60% Zuwachs in 2023. Dies ist eine Erfolgsgeschichte, die noch lange nicht zu Ende erzählt ist. Am 31.03.2025 veröffentlicht Gizmo sein neues Studioalbum 'The World In Colour'.

„El Dorado“ hat alles, was einen Albumklassiker auszeichnet: gute, prägnante Songs mit feinem Timing und noch besserem Spirit. El Dorado ist ein realer Ort. Es ist die Erde, auf der wir leben. „El Dorado“ könnte für unsere Zeit das werden, was „Clandestino“ von Manu Chao vor knapp zwanzig Jahren war – ein Meilenstein der guten Laune und der wohltemperierten Gesinnung.

Schnuppe sind Diana, Kat und Mel, aus Köln. Spätberufene Newcomerinnen, wenn man so will. Sie treiben ihrer Musik alles Üppige aus, wirken daher bei aller Rotzigkeit leicht, fast fröhlich, obwohl der Ursprung ihrer Texte oft Wut ist. "Drin was draufsteht" ist schlicht und umwerfend, hat Klasse und beweist, dass man jeglicher Unbill, sogar dem Bösen an sich mit Selbstbewusstsein, mit Humor und Chuzpe begegnen kann. Schnuppe machen das was sie machen aus genau den richtigen Gründen. Was man ihren Songs anhört, was man ihnen auf der Bühne anmerkt, was dem Album mehr Tiefe verleiht, als es den ersten Anschein haben mag. Hier geht es um Lieder, die strahlen. Es ist tatsächlich drin was draufsteht: Schnuppe. Sie sind pures Gold.

Am 22.11.2019 erschien das erste richtige OG Keemo Album Geist. "Neue Ära, alte Schule," rappt Keemo an einer Stelle des Albums, und damit ist im Grunde alles gesagt. Inzwischen ist aus „Geist" ein moderner Klassiker geworden. Die verschiedenen Vinyl Editionen sind längst ausverkauft. Zum 5-jährigen Jubiläum veröffentlichen wir deswegen eine Re-Edition im aufklappbaren Gatefold. Schönes, schwarzes Gold als Doppelvinyl mit neuem Cover und inklusive der Instrumentals.

Das Londoner Ska-Punk-Pop-Indie-Quartett Buster Shuffle kommt mit brandneuem Album zurück, welches am 21. März 2025 erscheinen wird. Das elf Tracks umfassende Album "Together" ist ihr sechstes Studioalbum und verspricht, ihr bisher größtes zu werden, randvoll mit eingängigen Singalongs die garantiert für Aufsehen sorgen und Mitsingen animieren. Sänger & Frontmann Jet sagt: "Unsere Fans, die Shuffle Army, bedeuten uns alles und haben uns vom ersten Tag an unterstützt, also wollten wir ein Album schreiben, auf dem wir zusammenkommen und uns die Seele aus dem Leib singen können. Wir freuen uns riesig darauf, diese Songs zu präsentieren". Die Platte wird einige Überraschungen bereithalten, so z.B. als Jet und die Jungs es schafften, eine 2000-köpfige Menge dazu zu bringen, die Hookline für den Track 'Take a Pill' einzusingen. Ein Lied über den Zusammenhalt und das Navigieren durch eine schwere Zeit: "Die Zeiten sind im Moment für viele Leute wirklich hart, also müssen wir aufeinander aufpassen. Frag deinen Kumpel, deinen Partner, deine Liebsten, wie es ihnen geht, lege deinen Arm um sie, melde dich. Das Ethos dieses Albums ist es, offen zu reden, sich gegenseitig zu unterstützen und zusammenzukommen." Die Jungs veröffentlichen "Together" auf ihrem eigenen Label Do Nothing Records, und wie ihre vorherige Veröffentlichung "Go Steady" wurde auch diese von der Band selbst produziert. Zur Feier der Veröffentlichung dieses "We're In This Together"-Albums wird die Band vier große Städte mit vier Album Launch Shows bespielen, die ihre bisher größten Shows im jeweiligen Land sein werden. "Together" kommt als CD, MC & LP, Vinyl in unterschiedlichen Farben und Sleeve-Artworks erhältlich!

Das dritte Album von Courting aus Liverpool wird 'Lust for Life', Or: 'How To Thread The Needle And Come Out The Other Side To Tell The Story' heißen und ist eine kühne Erforschung der Dualität, die Indie-Pop-Hooks mit gewagtem Experimentalismus verwebt. Jeder Track paart sich mit einem anderen und erschafft eine dynamische, miteinander verbundene Welt, in der orchestrale Intros in Dance-Punk-Hymnen übergehen und Dubstep-inspirierte Beats auf Saxophon-Soli treffen - alles mit raffinierter Präzision gemacht.

Es ist das Jahr 2000. Der Begriff „Kuschelrock“ muss neu bewertet werden. Nach dem Megaerfolg des Vorgängers „13“ soll ein neues Album her. die ärzte wollen es noch ein bisschen alberner. Also wird zum Aufwärmen mit „5, 6, 7, 8 – Bullenstaat“ erstmal eine Ultra-Deutschpunk-EP eingespielt. Die Entstehung des neuen Albumtitels ist zwar beschreib- aber nicht erklärbar. Und: Plüsch. Unter der flauschigen Hülle entpuppt sich „Runter mit den Spendierhosen, Unsichtbarer!“ als Füllhorn von Hits, die nahezu alle noch ein knappes Vierteljahrhundert später einen festen Platz im nicht gerade schmalbrüstigen Klassiker-Kanon der Besten Band der Welt innehaben und dabei dem Zeitgeist weit voraus eilen. Denn die ärzte sind – Überraschung! – vor allem bei einem Thema außerordentlich divers aufgestellt: Geschlechtsverkehr. Den gibt es in allen erdenklichen Spielarten, inklusive mehr oder weniger geläufiger Probleme, die den Spaß zwischen Männern, Frauen und allem dazwischen leider zu oft verkomplizieren. „Du nervst noch mehr als Yoko Ono“ ist nicht nur längst Alltagssprache sondern landet für das kurze, aber schmerzvolle Video sogar im Guinness-Buch der Rekorde. „Manchmal haben Frauen“ wächst sich ob des handfesten Themas fast zu einem mittleren Skandal aus, wird dann – dank des noch handfesteren Videos – zum Radiohit und zeigt letztendlich eine Option zur feministischen Selbstermächtigung auf. „Rock Rendezvous“ ist überaus F-Wort-intensiv und hemmungslos lustig. Aber auch sonst sind BelaFarinRod äußerst gut aufgelegt, reimen sich selbst für ihre Maßstäbe extensiv um Kopf und Kragen und sind außerdem noch total Rock.

Zoetrope Vinyl. Schrank zu klein, Arsch zu groß, blasse Waden, hellgrüne Luftballons in der Steckdosenfrisur - das ist Schwiegermutters Fiebertraum in Reinform, das ist der körperhafte Stinkefinger an die Selbstoptimierer*innen-Gesellschaft, das ist Punk in der Jetztzeit-Version, das ist der "EXTRA"Lifestyle. Paula Carolina zelebriert eben diesen Lifestyle Woche für Woche erfolgreich auf den Festivalbühnen der Bundesrepublik - und hat ihm mit "EXTRA" ein musikalisches Denkmal gesetzt. Paulas neue Single ist eine Musik-gewordene Ode auf die Weirdness und das Besonderssein, ein augenzwinkernd-romantischer Vorstoß gegen Normschönheit, Langweilertum und "Otto Normal"-Standards - "als wär' auf der Tanzfläche jedem scheißegal, was man anhätte". "EXTRA" ist nicht umsonst der Namensgeber des Ende September erscheinenden Paula Carolina-Debütalbums - dieser Song steht exemplarisch für die künstlerische Vision seiner Macherin, die ihren Platz zwischen den Stühlen unlängst gefunden hat: "Fühl' ich mich heute wie ein Punk oder doch nur wie die Göre von Nebenan? Egal!". Paula-Carolina-Musik ist "irgendwie anders" und jedes Mal ein bisschen neu. Zwischen rustikalem Gitarren-Geschrubbel, tanzbar-schiebenden Drums und kaum erwartbaren Airhorn Einschüben blüht die Weltenbummlerin in "EXTRA" erstmals überhaupt mit einer Rap-ähnlichen Stimmperformance auf. Paulas Vocal-Experimente münden zwischendurch in einer Vulkanausbruch-artigen Ohrwurm-Hook und im letzten Drittel des Songs in einer epochalen SingSang-Bridge. Zwischen Punk-Attitüde und Techno-Club-eske Hektik mischt sind also auch die nötige Portion Pop-Appeal. Wer "EXTRA" lieber in einem anderem Genre-Gewand hören will und sich in Jungle-, Dancehall- oder Happy-Hardcore-typischem Tanzstill zum Song bewegen möchte, kann dies übrigens auch tun. Ja, richtig gehört: Ab 3. August - also einen Tag nach Single-Release - wird täglich ein neuer Remix des Originalsongs veröffentlicht. Star-Produzent Marti Fischer, den Paula-Carolina-Fans spätestens seit seinem erfolgsgekrönten "Schreien! - Turbo Remix" kennen dürften, hat ein umfangreiches Begleitwerk zu "EXTRA" realisiert und mehrere, verschiedenartig elektronische Alternativ-Versionen der Außenseiter-Hymne zusammengeschustert. Als wäre das nicht genug "EXTRA" zu "EXTRA", haben auch Großstadtgeflüster eine stilechte Remix-Version der Single gefertigt und der Bonus-EP ihren Stempel aufgedrückt. "Es geht wieder los", im Kosmos Paula Carolina - und zwar so richtig.

Das dritte Album von Courting aus Liverpool wird 'Lust for Life', Or: 'How To Thread The Needle And Come Out The Other Side To Tell The Story' heißen und ist eine kühne Erforschung der Dualität, die Indie-Pop-Hooks mit gewagtem Experimentalismus verwebt. Jeder Track paart sich mit einem anderen und erschafft eine dynamische, miteinander verbundene Welt, in der orchestrale Intros in Dance-Punk-Hymnen übergehen und Dubstep-inspirierte Beats auf Saxophon-Soli treffen - alles mit raffinierter Präzision gemacht.

Bambara, eine außergewöhnliche, zur Nacht neigende, modernistische Rockband, die von der Southern Gothic durchdrungen ist, hat ihre makabre Vision mit ihrem fünften Album „Birthmarks“ zur Perfektion weiterentwickelt. In Zusammenarbeit mit Co-Produzent Graham Sutton von den britischen Experimental-Pionieren Bark Psychosis (einem Mann, der auch maßgeblich für die bahnbrechenden Platten von These New Puritans verantwortlich ist) entstanden, handelt es sich weniger um ein Konzeptalbum als vielmehr um ein erstaunlich komplexes Werk der Erzählkunst, das unvergessliche Charaktere enthält, darunter die bereits erwähnte C&W-Karaoke-Bar-Sirene mit Heiligenschein-Haar und einem einäugigen Mörder, der um den elektrischen Stuhl bettelt – alles nicht gerade vertonte Musik, sondern tatsächlich daraus entstanden.

Vier erfolgreiche Studioalben, mehrere Theatertourneen in den Niederlanden und erste internationale Shows, die allesamt ausverkauft waren. Es folgten bereits zahlreiche Auszeichnungen, darunter eine Goldene Schallplatte und der renommierte Edison Jazz Award (der Holländische Grammy). Keine alltägliche Errungenschaft im Jazzbereich oder wie „Crooner“ Dennis es lieber nennt, im Swing, einem Stil, der für ihn unvergleichlich ist. Jeff Franzel, der ehemalige Pianist von Frank Sinatra und Sammy Davis Jr, sagt über Dennis: “Music is about working with young talent, especially for people my age. Dennis blew me away with his incredible voice. He’s also an artist who connects with his audience. I predict a great international career for him.“ Sein Repertoire umfasst eine Mischung aus klassischen Jazzstandards, zeitgenössischen Stücken und eigenen Kompositionen, die seinen persönlichen Stil unterstreichen. Neben seiner Musikkarriere engagiert sich van Aarssen auch in der Musikpädagogik und fördert junge Talente in der Jazzmusik. Im März 2025 erscheint sein aktuelles Album " Just call it Love" auf dem deutschen Markt, mit Titeln geschrieben von Maria Christensen, die u.a. für Céline Dion, Jennifer Lopez und Disney Productions Hits abgeliefert hat. Am Piano niemand geringerer als Jeff Franzel, der ihn auch auf seinen ersten Shows in Köln und Hamburg begleitet! Hier kommt ein junger Mann mit grossem Talent, der eine junge Zielgruppe für die Swingmusik begeistern wird.

Die Band strotzt vor Überzeugung und Klasse, Lifesons Gitarrenarbeit ist einfallsreicher und kraftvoller als je zuvor, aber es ist die talentierte Maiah Wynne, die ihren Sound wirklich defi niert. Die 11 Songs wurden akribisch auf ihre wesentlichsten und fesselndsten Elemente komprimiert. Präziser, straffer und einprägsamer als alles, was sie bisher gemacht haben, ist ‘Stygian Waves‘ das Werk einer Band, die sich auf dem Höhepunkt ihres Könnens befi ndet - und doch erst am Anfang steht.

Nach den zwei erfolgreichen Studioalben "Wo fängt dein Himmel an?" (2008) und "Bis nach Toulouse" (2010), die zusammen über eine Viertel Million Einheiten verkauft und beide den Goldstatus erreicht haben, wollte Philipp nach einem langen Festivalsommer 2011 zurück zu jenen intimen Momenten, die seine Konzerte in den Anfangsjahren für ihn und seine Fans so besonders machten. Alles Vorherige noch einmal unter die Lupe nehmen, neu arrangieren, sich mit der Band und Freunden in einer Tischlerei einmieten und eigene Bühnenbilder schreinern. Bis ins kleinste Detail den eigenen kreativen Kosmos auf die Bühne bringen und ihn in Eigenregie inszenieren. Das Ergebnis ist etwas, das der gegenwärtige Musikmarkt oft vermissen lässt: etwas Bleibendes, dennoch Flüchtiges, das sich vollkommen auf den Moment konzentriert. Philipp und seine Mitstreiter, darunter die wunderbare Alin Coen und ein Streichquartett, zauberten während der Tournee unvergessliche Momente, jenseits aller bekannten Konventionen auf die Bühnen. Irgendwo zwischen Unplugged Konzert, Varieté und Theater. Das nun erscheinende, gleichnamige Live-Album fängt die Energie und Magie des "Projekt Seerosenteich" ein, ist Erinnerung für alle die, die dabei waren und ein großer musikalischer Moment für alle Anderen.

B & C können laut sein, leise und alles dazwischen. Eine ziemlich treffende Beschreibung, wenn auch etwas heruntergebrochen. Ein sound-ästhetischer Angriff, der Einflüsse wie Sunny Day Real Estate, Neutral Milk Hotel und Nirvana offen legt, ihr 2011 erschienenes Debütalbum ,Separation", das Balance and Composure als eine der vielversprechendsten Underground-RockNewcomer präsentierte. Separation ist ein wegweisendes Werk des Post-Hardcore und Emo. Der kraftvolle und emotionale Sound ist ein Muss für Fans des Genres. Mit Tracks wie ,Void" und ,I Tore You Apart In MyHead" zeigt das Album die dynamische Bandbreite der Band und derer Songwriter-Skills ebenso. Die Themen des Albums - Isolation, Verlust und Bewältigung werden durch den leidenschaftlichen Gesang und die raue Instrumentierung bestens ins Bild gesetzt. Wenn Du auf der Suche nach einem authentischen Post-Hardcore-Erlebnis bist, ist ,Separation" ein Muss für deine Sammlung. Für Fans von Citizen, Turnover, Tigers Jaw, Touché Amoré, Sunny Day Real Estate.... - Neue 2025er-Pressung auf klarem, grünen Vinyl!

Balance and Composure machen 2013 da weiter, wo sie mit dem Debut Separation zwei jahre zuvor aufgehört hatten. Wieder einmal die Grenzen ihrer Musik auslotend, mit treibenden Riffs und intensivem, leidenschaftlichem Gesang auf dem damals zweiten Studioalbum "The Things We Think We're Missing". Es ist die Art von Album, die den Hörer zum Innehalten und Nachdenken anregt und Momente des Glücks und der Traurigkeit im Laufe von 13 Songs bereithält. Bei Erstveröffentlichung erreichte The Things We Think We're Missing #Platz 51 der Billboard 200 und wurde von mehreren Publikationen als "eines der besten Alben des Jahres" gelobt. Nach Alben auf No Sleep/Hopeless und Vagrant hat sich die Bnad nach einer Pause im Jahr 2023 wieder zusammengetan und veröffentlichte ihr viertes Studioalbum im Oktober 2024 auf Memory Music (Run For Cover). B & C können laut sein, leise und alles dazwischen. Eine ziemlich treffende Beschreibung, wenn auch etwas heruntergebrochen.Ein sound-ästhetischer Angriff, der Einflüsse wie Sunny Day Real Estate, Neutral Milk Hotel und Nirvana offen legt, seit 2011 sind Balance and Composure als einer der vielversprechendsten Underground-Rock-Newcomer im Segment Punk/HC präsent! Für Fans von Citizen, Turnover, Tigers Jaw, Touché Amoré, Sunny Day Real Estate.... - Neue 2025er-Pressung auf hell-rosa Vinyl!

Belgian duo Borokov Borokov present their new EP on Magma Records. Inspired by a surreal, feverish dream by one of its members, World War captures the raw energy of the band's live performances.
Incorporating live musicians, including the voices of Lara Chedraoui (Intergalactic Lovers) and Frankie Traandruppel, and co-produced with Youniss Ahamad, the EP showcases Borokov Borokov's distinctive blend of chaos and artistry while venturing into new dimensions of their sound. Departing from their signature DIY approach, the band enlisted Youniss Ahamad as a co-producer to bring out a visceral, live feel. Drums, bass guitars, and brass instruments layer over their electronic foundation, with guest vocalists adding depth to each track's unique intensity.

World War is a molten blend of sounds and emotions-a dance between chaos and order, built to radiate heat that pulls listeners into its burning core. Balancing raw analog sequences, mesmerizing chants, distorted effects and hypnotic synth loops, their new output embodies the sounds of a post-apocalyptic dream, influenced by DFA-inspired Electro Funk, echoes of the Italo Disco era, angular post-punk, and trippy Acid House.

Designed for the eccentrics of the dancefloor, the EP is slated for release on February 28 on vinyl and all digital platforms via Magma Records.

BLACK SPIDERS sind nicht totzukriegen kehren zu Beginn des Jahres 2025 zurück. Die authentischen Rocker aus Sheffield sind mit einem brandneuen Album voller Hochspannungs-Kracher zurück und werden ihr neues Album "Cvrses" veröffentlichen, das zwölf neue Tracks mit genau der Art von mitreißender Rock'n'Roll-Action enthält, die wir alle von Black Spiders erwarten, lieben und fordern. Ihre Absichten sind heute noch dieselben wie in dem Moment, in dem sie 2008 angefangen haben - sei dir selbst treu, ohne Kompromisse. ,Wir hoffen, dass alles gut wird, wenn man sich an diese Formel hält, und mit ein bisschen Glück kann einen das Leben überraschen", sagt Gitarrist Pete Spiby. ,Es ist unser fünftes Album, aus der Sicht von mir und Irwin. Es ist unser bestes. Unsere Absichtserklärung hat sich seit dem ersten Tag nicht geändert. Wieder in den Axis Studios in Doncaster mit Produzent Matt Ellis aufgenommen, ist das neue Album - und das sagen natürlich alle Bands - höchstwahrscheinlich ihr bisher bestes Album. Es destilliert erfolgreich alles, was an Black Spiders einzigartiger Marke der stampfenden Heaviness spannend und lebensbejahend ist. Massive Riffs, massive Hooks, massive Beats. "Cvrses" dampfrockt gleich eine Achterbahnfahrt der Rock-Emotionen mit Balladen, Uptempo und Härte.,Solange der Antrieb im Tank ist, werden wir weitermachen, denn das ist es, was wir tun müssen", sagen Pete und "Cvrses" zu jedem, der versucht, die BLACK SPIDERS aufzuhalten. Farbige Vinyl-LP sowie CD!

War "Funeral for Justice" der Klang der Entrüstung, so ist "Tears of Injustice" der Klang der Trauer. Mit dem neuen Album "Tears of Injustice", das am 28. Februar 2025 erscheint, hat Mdou Moctar sein Meisterwerk "Funeral for Justice" neu interpretiert. Dieses wurde vollständig neu aufgenommen und mit akustischen sowie traditionellen Instrumente arrangiert. Das Album ist die kontemplative Weiterentwicklung der Band - das ruhige Gegenstück zum intensiven Original. Im Juli 2023 war Mdou Moctar auf Tournee in den USA, als eine Militärjunta den nigrischen Präsidenten Mohamed Bazoum stürzte und ihn in der Präsidentenresidenz festsetzte. Aufgrund der geschlossenen Landesgrenzen konnten Mdou Moctar, Ahmoudou Madassane und Souleymane Ibrahim nicht zu ihren Familien zurückkehren. Obwohl bereits Pläne zur Aufnahme von Begleitmaterial zu Funeral for Justice - das zu diesem Zeitpunkt noch Monate vor der Veröffentlichung stand - existierten, gewann das Projekt plötzlich an Dringlichkeit und Tiefe. Nur zwei Tage nach Abschluss der Tour in New York City begann das Quartett im Bunker Studio in Brooklyn unter der Leitung von Toningenieur Seth Manchester mit den Aufnahmen zu Tears of Injustice. "Wir wollten unsere eigene Interpretation von 'Funeral" schaffen, die die Menschen auf eine andere Art erleben können", sagt Mikey Coltun, der in den USA lebende Bassist und Produzent der Band. "Bei unseren Konzerten experimentieren wir ständig mit den Arrangements. Nun wollten wir zeigen, dass wir diese kreative Vielfalt auch auf einem Album umsetzen können. Wenn wir ein reduziertes Set spielen, zeigt sich eine ganz neue Seite der Band - es wird zu etwas Eigenem." Sie entschieden sich, Tears gemeinsam in einem Raum aufzunehmen und die Session spontan und unstrukturiert zu gestalten. "Wir haben die Arrangements nicht im Voraus festgelegt", erinnert sich Coltun. "Wir haben einfach gespielt, das richtige Gefühl eingefangen und die Songs aufgenommen. Alles fügte sich schnell zusammen, und die Hauptaufnahmen waren in nur zwei Tagen abgeschlossen." Der hypnotische 8-Minuten-Track Imouhar besteht eigentlich aus zwei direkt hintereinander aufgenommenen Durchläufen - Moctar hörte kaum auf zu spielen, sodass die Takes nahtlos ineinander übergingen. Nach einem Monat konnte die Band schließlich nach Niger zurückkehren, und Coltun gab Madassane einen Zoom-Recorder mit. Damit nahm der Rhythmusgitarrist eine Gruppe von Tuaregs auf, die traditionelle Call-and-Response-Gesänge vortrugen, die später in den endgültigen Mix eingearbeitet wurden. Auf Funeral for Justice äußert sich die Wut über die schwierige Lage des Niger und des Tuareg-Volkes durch die Lautstärke und das Tempo der Musik. Auf Tears bewahren die Lieder dieses Gewicht, jedoch ohne elektrische Verstärkung. Sie sind von tiefer Traurigkeit durchdrungen und vermitteln das Leid eines Volkes, das in ständiger Armut, unter kolonialer Ausbeutung und politischen Umbrüchen lebt. Es ist Tuareg-Protestmusik in ihrer rohesten und essenziellsten Form. "Wenn Mdou die Texte schreibt, tut er das oft mit einer Akustikgitarre", erklärt Coltun. "Dadurch kommt man dem ursprünglichen Moment näher. Die Schwere bleibt, aber die Intensität ist auf eine eindringlichere Weise spürbar."

War "Funeral for Justice" der Klang der Entrüstung, so ist "Tears of Injustice" der Klang der Trauer. Mit dem neuen Album "Tears of Injustice", das am 28. Februar 2025 erscheint, hat Mdou Moctar sein Meisterwerk "Funeral for Justice" neu interpretiert. Dieses wurde vollständig neu aufgenommen und mit akustischen sowie traditionellen Instrumente arrangiert. Das Album ist die kontemplative Weiterentwicklung der Band - das ruhige Gegenstück zum intensiven Original. Im Juli 2023 war Mdou Moctar auf Tournee in den USA, als eine Militärjunta den nigrischen Präsidenten Mohamed Bazoum stürzte und ihn in der Präsidentenresidenz festsetzte. Aufgrund der geschlossenen Landesgrenzen konnten Mdou Moctar, Ahmoudou Madassane und Souleymane Ibrahim nicht zu ihren Familien zurückkehren. Obwohl bereits Pläne zur Aufnahme von Begleitmaterial zu Funeral for Justice - das zu diesem Zeitpunkt noch Monate vor der Veröffentlichung stand - existierten, gewann das Projekt plötzlich an Dringlichkeit und Tiefe. Nur zwei Tage nach Abschluss der Tour in New York City begann das Quartett im Bunker Studio in Brooklyn unter der Leitung von Toningenieur Seth Manchester mit den Aufnahmen zu Tears of Injustice. "Wir wollten unsere eigene Interpretation von 'Funeral" schaffen, die die Menschen auf eine andere Art erleben können", sagt Mikey Coltun, der in den USA lebende Bassist und Produzent der Band. "Bei unseren Konzerten experimentieren wir ständig mit den Arrangements. Nun wollten wir zeigen, dass wir diese kreative Vielfalt auch auf einem Album umsetzen können. Wenn wir ein reduziertes Set spielen, zeigt sich eine ganz neue Seite der Band - es wird zu etwas Eigenem." Sie entschieden sich, Tears gemeinsam in einem Raum aufzunehmen und die Session spontan und unstrukturiert zu gestalten. "Wir haben die Arrangements nicht im Voraus festgelegt", erinnert sich Coltun. "Wir haben einfach gespielt, das richtige Gefühl eingefangen und die Songs aufgenommen. Alles fügte sich schnell zusammen, und die Hauptaufnahmen waren in nur zwei Tagen abgeschlossen." Der hypnotische 8-Minuten-Track Imouhar besteht eigentlich aus zwei direkt hintereinander aufgenommenen Durchläufen - Moctar hörte kaum auf zu spielen, sodass die Takes nahtlos ineinander übergingen. Nach einem Monat konnte die Band schließlich nach Niger zurückkehren, und Coltun gab Madassane einen Zoom-Recorder mit. Damit nahm der Rhythmusgitarrist eine Gruppe von Tuaregs auf, die traditionelle Call-and-Response-Gesänge vortrugen, die später in den endgültigen Mix eingearbeitet wurden. Auf Funeral for Justice äußert sich die Wut über die schwierige Lage des Niger und des Tuareg-Volkes durch die Lautstärke und das Tempo der Musik. Auf Tears bewahren die Lieder dieses Gewicht, jedoch ohne elektrische Verstärkung. Sie sind von tiefer Traurigkeit durchdrungen und vermitteln das Leid eines Volkes, das in ständiger Armut, unter kolonialer Ausbeutung und politischen Umbrüchen lebt. Es ist Tuareg-Protestmusik in ihrer rohesten und essenziellsten Form. "Wenn Mdou die Texte schreibt, tut er das oft mit einer Akustikgitarre", erklärt Coltun. "Dadurch kommt man dem ursprünglichen Moment näher. Die Schwere bleibt, aber die Intensität ist auf eine eindringlichere Weise spürbar."

Eine Ella-Entdeckung sondergleichen: die „First Lady of Jazz“ singt und swingt ein dynamisches Konzert mit Top-Musikern der Ellington-Band. Dass dieses Traum-Konzert von 1967 in Stereo mitgeschnitten
wurde, war bislang unbekannt. Im Nachlass ihres Managers Norman Granz fanden sich jetzt die von Wally
Heider hervorragend aufgenommenen 4-Spur-Bänder, und die haben es in sich! Ella war in phänomenaler
Form und wurde vom Trio aus Jimmy Jones, Bob Cranshaw und Sam Woodyard sowie Ellington-Legenden
wie Paul Gonsalves, Jimmy Hamilton und Johnny Hodges zusätzlich beflügelt.
Vom swingenden Opener “The Moment Of Truth” und dem lässigen Klassiker „Let’s Do It“ bis zum
Fitzgerald-Evergreen „Mack The Knife“ ist alles dabei, was man als Fan liebt. Zwei zusätzliche Pop-Songs
der Sixties transponiert Ella meisterhaft in die Jazz-Welt: die bittersüße Ballade „Alfie“ von Burt Bacharach
und den Ohrwurm „Music To Watch Girls By”. Beide Songs waren bislang noch nie von Ella interpretiert
zu hören!
Ausstattung LP: 140g, Gatefold-Sleeve mit ausführlichen Linernotes von Will Friedwald
Ausstattung CD: Mintpack, Booklet mit ausführlichen Linernotes von Will Friedwald

Mit MORPH legt die Ellis Mano Band ein facettenreiches, in sich schlüssiges Opus vor. “MORPH ist für uns mehr als nur ein Album – es ist unser
nächster großer Schritt, unser musikalisches Reifezeugnis,“ so die Band. Mit Tracks wie dem epischen „Countdown To Nothing“ und der rockigen
Hymne „For All I Care“ lädt die multinational besetzte Blues-Rock Institution die Hörer auf eine intensive Reise durch moderne Interpretation des
Classic Rock ein. Dabei treffen energiegeladene Riffs auf überraschende, ruhige Momente – alles verpackt im Artwork der Grafiker Legende Hugh
Syme (Rush, Aerosmith, Bon Jovi…), das den Spirit von MORPH perfekt widerspiegelt. „Wir freuen uns, diese Klangwelten mit unseren Fans zu teilen,
sowohl auf Platte als auch live!“
Mit zahlreichen Top-2-Platzierungen in den Schweizer Albumcharts und hervorragenden Kritikerreaktionen schreitet die Ellis Mano Band weiter voran
und wird auch in Zukunft Musik vom Allerfeinsten liefern - zeitlos und 100% handgemacht!

Gelobt sei das allmächtige Riff! Triumphaler, großartiger, schwerer und kraftvoller Stoner Metal.Das Debütalbum von King Zog aus dem Jahr 2017
führte einen neuen Titanen in die Unterwelt des Doom ein und erntete einseitige Fangemeinde und Kritikerlob für sein hingebungsvolles Opfer an die
Götter des Metal. Songs wie Temple's Temple, Man-sized Rotisserie und Witchsmoker klangen so, wie das ikonische Album-Artwork von Dominic
Sohor aussah: feurig und grausam.Seit dem Erscheinen dieses musikalischen Leviathans haben King Zog an einer unermüdlichen Mission gearbeitet.
Daniel Durack (Gesang/Gitarre), Connor Pitts-West (Gitarre), Martin Gonzalez (Bass) und Sean Ryan (Schlagzeug) haben keinen einzigen Tag
vergeudet, sich während der Pandemie in die Kisten gekauert, um Album Nr. 2 zu schreiben, und nach Aufhebung der Sperren unermüdlich performt.
Die Belohnung für ihre Mühen steht kurz bevor: „Second Dawn“ soll Anfang 2024 auf Hammerheart Records erscheinen. Größer, schwerer und
doomiger als sein Vorgänger, ist King Zogs zweites Album alles, was Fans sich wünschen: ein wütender Stier aus iommischen Riffs, seismischen Bässen
und donnernden Rhythmen. Downtuned und verzerrt, das erdrückende Gewicht.

Mit Rio 1 setzte Rio Reiser ein kraftvolles musikalisches Statement. Das Album vereinte persönliche Geschichten und gesellschaftskritische Themen mit Melodien, die zwischen Eingängigkeit und Tiefgang balancierten. Reisers markante Stimme und seine unverwechselbare Art, Emotionen in Musik zu übersetzen, machten Rio 1 zu einem eindrucksvollen Werk, das seine künstlerische Vision eindrucksvoll unterstrich.

Mit Rio*** zeigte Rio Reiser sich von seiner leidenschaftlichsten Seite. Das Album vereinte tiefgreifende Texte mit eingängigen Melodien und bot einen unverfälschten Blick auf Reisers Welt. Seine unverkennbare Stimme und das Gespür für emotionales Songwriting machten Rio** zu einem intensiven Hörerlebnis, das den einzigartigen Stil des Künstlers in den Vordergrund stellte.

Erstmals ist Suicide Commando’s berüchtigtes Album “Critical Stage” nun auch auf Vinyl erhältlich!

Erlebe den rohen, bahnbrechenden Industrial Sound, mit dem alles begonnen hat, noch einmal ganz neu: Jetzt mit der Tiefe und Wärme, die nur Vinyl erzeugen kann. Diese Limited Edition gehört in die Sammlung eines jeden Suicide Commando Fans. Also, nicht warten, sichere Dir jetzt Deine “Critical Stage” Vinyl und damit Dein eigenes Stück EBM-Geschichte!

"For in My Way It Lies" ist nach geraumer Wartezeit endlich re-releaset. Das Debut-Album von Jesper Munk kommt punktgenau zur Yesterdaze-Tour die - der Titel verrät ist - die Versöhnung mit der eigenen Geschichte und Jugend feiert. "For In My Way it Lies" brachte in seinem Erscheinungsjahr 2013 den damals 21jährigen Musiker von ganz unten über Nacht nach ganz oben - Für Jesper Munk ist es das Album an dem er für immer gemessen wird; dem man alles verdankt und an dem man sich dann doch abarbeiten musste... Er nannte es einmal "im Auf und Ab des Lebens, das eine Dinge, dass ihn immer begleitetet hat und immer auf seiner Seite war"... Dieses unbedarfte Blues Album, das so jung wirkt, in manchem, und so alt in anderem, war der letzte Release des Künstlers auf einem Indie-Label, bevor Jesper Munk 2025 bei der Major Industrie signte. Seit 2024 ist Jesper Munk auf Glitterhouse Records - wir sind privilegiert, diesen wichtigen Re-Release von "For In My Way It Lies" machen zu dürfen!"

Seit der Gründung 2010 durch Andrew Weatherall und Sean Johnston entwickelte sich die Clubreihe "A Love From Outer Space" (ALFOS) zu einer britischen Institution, expandierte und erreichte ein internationales Publikum. Als Reaktion des Undergrounds auf den schnelllebigen Mainstream verfolgte ALFOS einen langsameren, nachhaltigeren Ansatz bei einem Tempo von maximal 122 bpm. ALFOS wurde für seinen eklektischen und hypnotischen Sound bekannt, der alles von Cosmic und House bis zu Dub und Post-Punk vermischte. Dieser Jubiläumssampler spiegelt die Musik wider, die ALFOS in den letzten 15 Jahren geprägt hat. Das von Johnston zusammengestellte und gemischte 19-Track-Album ist eine Hommage an die reiche Geschichte des Clubabends und sein Engagement, musikalische Grenzen zu erweitern. Es enthält zahlreiche exklusive Titel, darunter The Blow Monkeys' begehrten Neville Watson-Remix und Brioskis "Call 626", sowie eine breite Palette von Sounds, die sowohl die Vergangenheit ehren als auch die Zukunft begrüssen.

Mit Rausch Against the Machine kehren Schmutzki zu ihrer Brutstätte zurück: Die verregneten und mit Licht verklebten Straßen ihrer Stadt, wo sie einst in jenem verschimmelten Bunker die ersten 3 1/2 Akkorde in den feuchten Stahlbeton rotzten. Doch vieles hat sich geändert: Gute Freunde sind fort, die alte Liebe fast vergessen und von den damals grandiosen Nächten nur noch Schemen übrig. Sind wir erwachsen geworden_? Schmutzki stemmen sich mit aller Kraft und diesem Album dagegen! Sie beschwören die alten Geister und reanimieren die Nacht und den guten, alten Wahnsinn. Und plötzlich ist alles wieder da: Der Rausch, die Liebe und die alte Gang, die heute alles in Schutt und Asche legen wird. So wie früher. Aber diesmal für immer!

"Wien - die Stadt mit dem wahrscheinlich schönsten Namen. Allein der Klang ist schon Musik." (Andreas Dorau) Grund genug, der österreichischen Hauptstadt ein ganzes Album zu widmen. Die Idee dafür entstand, als Dorau gemeinsam mit zwei Freunden an einem Stadtplan Lübecks arbeitete und dessen brachliegende Geschichten abseits der üblichen Attraktionen erforschte. In Dorau entflammte die Faszination für das Porträtieren einer Stadt aus der Sicht des unvoreingenommenen Touristen, des Besuchers und Außenstehenden. Musikalisch spannt das Album einen weiten Bogen und bietet sowohl wunderschöne Pop-Momente ("Der Regen in Wien"), knarzigen Kawaii-Minimalismus zusammen mit der Kölnerin Stefanie Schrank ("Lass uns spazieren gehen") aber auch Stücke, die sich in ihrem Charakter jeder Einordnung entziehen ("Alles ist gleich"). "Wien" ist somit nicht das erwartbare Album, das der Titel zunächst vermuten lässt. Vielmehr bietet die Platte Einblicke in Andreas Doraus" persönlichen Zugang zur Stadt, die zuweilen auch ein schwierig-schmieriges Verhältnis offenbaren. Und während Popmusik aus und über Österreich im Grunde schon bei Mozart und Schönberg begann, ist Pop aus Deutschland über Österreich vermutlich eher eine Neuerung. Wenn es dann auch noch ein norddeutscher Musiker ist, der ein monothematisches Album über die österreichische Hauptstadt macht, drängt sich fast zwangsläufig die Frage auf: Ist das schon Austro-Pop?

"Wien - die Stadt mit dem wahrscheinlich schönsten Namen. Allein der Klang ist schon Musik." (Andreas Dorau) Grund genug, der österreichischen Hauptstadt ein ganzes Album zu widmen. Die Idee dafür entstand, als Dorau gemeinsam mit zwei Freunden an einem Stadtplan Lübecks arbeitete und dessen brachliegende Geschichten abseits der üblichen Attraktionen erforschte. In Dorau entflammte die Faszination für das Porträtieren einer Stadt aus der Sicht des unvoreingenommenen Touristen, des Besuchers und Außenstehenden. Musikalisch spannt das Album einen weiten Bogen und bietet sowohl wunderschöne Pop-Momente ("Der Regen in Wien"), knarzigen Kawaii-Minimalismus zusammen mit der Kölnerin Stefanie Schrank ("Lass uns spazieren gehen") aber auch Stücke, die sich in ihrem Charakter jeder Einordnung entziehen ("Alles ist gleich"). "Wien" ist somit nicht das erwartbare Album, das der Titel zunächst vermuten lässt. Vielmehr bietet die Platte Einblicke in Andreas Doraus" persönlichen Zugang zur Stadt, die zuweilen auch ein schwierig-schmieriges Verhältnis offenbaren. Und während Popmusik aus und über Österreich im Grunde schon bei Mozart und Schönberg begann, ist Pop aus Deutschland über Österreich vermutlich eher eine Neuerung. Wenn es dann auch noch ein norddeutscher Musiker ist, der ein monothematisches Album über die österreichische Hauptstadt macht, drängt sich fast zwangsläufig die Frage auf: Ist das schon Austro-Pop?

180 g clear transparent Vinyl

Einige werden diesen Moment kennen: Plötzlich ist alles klar. Als sich Lulu (Electric Moon) und Oli (ex-Urlaub in Polen) bei einem Konzert im legendären Vortex Surfer Musikclub in Siegen über den Weg laufen, wissen beide noch am selben Abend: Wir sind eine Band. Sie erzählen es Falko, der gerade mit seiner instrumentalen Post-Metal-Band Sarkh den Club verwüstet hat. Wenige Monate später entstehen bei den ersten Proben die ersten Songs - von Oli geschriebene Gedichtfragmente und Wortspiele, Melodielinien und Ideen, die von der Band aufgegriffen und an den jeweiligen Instrumenten verfeinert wurden. Das Debüt WHITE CLOUDS entstand in weniger als einem Jahr - aufgenommen, gemischt und gemastert in Falkos Underground-Tonstudio Institut Für Angewandten Krach. Während dieser Zeit besucht die Band eines der letzten Konzerte der wunderbaren Noise-Post-Math-Rock-Band Shellac in Amsterdam. Alle drei sind gleichermaßen tief beeindruckt und bewegt von dieser Show und lassen den Geist von Steve Albini in ihr Debüt einfließen, dass sie ihm schließlich widmen. Hinzu kommt ihr ganz eigener Drift - Schmerz und Hoffnung, der unbedingte Wille zum Rock'n'Roll, Tiefgang und Steilflug, hochdynamische, verspielte, hypnotisch treibende Passagen und immer wiederkehrende Melodien mit Nachhall sowie die Verbindung zwischen den drei Musikern versprechen ein Debüt und Live-Konzerte mit Yeah-Faktor.

Nach ihrem Debüt und den zwei EPs "In Theory Depression" und "twotwentytwo" veröffentlicht Thala nun ihr bemerkenswertes zweites Full Length Album ,Avalanche" auf Fire Records. Diese Songs, die sich an die zerebralen Emotionen des Shoegaze und Indie-Rock der frühen 90er Jahre anlehnen, sind musikalische Manifeste von tiefen und verwirrenden Gefühlszuständen. "Avalanche" zeigt Thala in dem Moment, in dem der Indie selbstbewusst in einen rauschenden Panorama-Rock ausbricht, ein Statement zum Erwachsenwerden und eine deutliche Weiterentwicklung ihrer bisherigen Arbeit. Das Eröffnungsstück ,1st of the year" ist ein berauschendes Stück der Erkenntnis, dass nicht alles so laufen wird wie geplant, und ist ein Gefühlsausbruch, der eine dunklere Seite ihrer Musik offenbart. Thala ist eine Performerin, die das Leben mit all seinen Abenteuern lebt und mit den Rückchlägen umzugehen weiß. "i don't want u to die" ist eine ehrliche Parabel voller moderner Melancholie, ein befreiendes Stück Indie-Rock, das mit dramatischer Wucht und punktgenauer Präzision daherkommt; "spit it out" ist eine flüchtige Chronik der Rache, die kalt serviert wird, während "tongue-tied & starry-eyed" (featuring Communion-Künstler Sfven) die Einsicht vermittelt, dass man manchmal einfach weiterziehen muss. Thala nimmt uns mit auf ihre persönliche Reise, wenn "drive song" in ein schlafwandlerisches Plädoyer mit Vintage Cure-ähnlich klingenden Gitarren gleitet, während 'body to you' mit einem herrlich triumphalen Refrain von "it's alright, it's alright" den Einsatz erhöht. Das ist Popmusik, Emo-Pop vielleicht, welche von Strophe zu Refrain aufblüht, ähnlich wie Sharon Van Etten oder hymnische Phoebe Bridgers, mit einem Klangbild, welches zu Weilen an Ethal Cain oder Wolf Alice erinnert. Für Fans von beabadoobee, boygenius, Sharon Van Etten, Wolf Alice und Phoebe Bridgers Ltd 'Avalanche White' Vinyl-LP mit DLC

Skrjabins »Poème de l’extase« steht heute stellvertretend für alles, was er als Komponist hervorgebracht
hat. Die Überdimensionierung seiner Kompositionen überfällt den Hörer geradezu. Der Schriftsteller Boris
Pasternak bekennt: „Ich konnte diese Musik nicht ohne Tränen hören“.
Sehr viel irdischere Freuden und Schmerzen beschreibt Tschaikowsky in seiner Fantasie-Ouvertüre »Romeo
und Julia«. Balakirew hatte den Komponisten auf Shakespeares Tragödie aufmerksam gemacht. Aus
Dankbarkeit widmete ihm Tschaikowsky die Partitur.
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie
nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

Das Allstar-Projekt des King Of Jazz - Miles Davis .ist gewiss die erfolgreichste alles Jazz-Legenden. Auch wenn seine Aufnahmen gelegentlich umstritten waren - bei einem war man sich stets einig: In den Sixties hat Davis einige der anrührendsten Jazz-Stücke der vergangenen Jahrzehnte geschaffen. Wer sich davon überzeugen möchte, ist mit "In A Silent Way" (1969) bestens bedient. Zu den Mitstreitern bei diesem Projekt seien nur deren Namen erwähnt: Joe Zawinul, Wayne Shorter, Dave Holland, Tony Williams, John McLaughlin, Chick Corea und Herbie Hancock.

Elkan's self titled debut LP is in a way a lifelong album in the making, it contains all the growing pains, internet isolation, losing one's self and finding it again, flourishing and finally releasing. Most of all it's like finding a little portal out of our universe into a new one. It was a bit of an excavation process to make this music available, some don't give themselves away so easily. Elkan's music is humble, quiet at times, but therein lies its power, it's a journey you don't quite come back from, at least not like how you once were. We are very happy to finally be able to share this music, and we hope it will resonate with you.

"Blackbirds and the Sun of October" von Pianist und Komponist Federico Albanese ist inspiriert von seiner Heimat Monferrato im Norden Italiens, wo das Album vollständig geschrieben und aufgenommen wurde. "Es ist ein Album über Heimkehr, vor allem aber über Herkunft und Erbe", sagt der Pianist, Komponist und Produzent.Nachdem er mehrere Jahre in Berlin gelebt hatte, kehrte Federico Albanese mit seiner Familie im Herbst 2022 in seine Heimat zurück - in eine malerische Landschaft und mit der Empfindung, wie er sagt, "tief mit diesem Ort verbunden zu sein". Dies erwies sich auf vielerlei Weise als inspirierend. "Es ist ein Gefühl der Freiheit, das mit der Rückkehr einhergeht und in alles einfließt, was man tut - auch in die Musik." Seine Kompositionen spiegeln die tiefe, natürliche Schönheit seiner Umgebung wider - die Farben, die Tierwelt, den Wechsel der Jahreszeiten, aber auch die reiche Geschichte und die vielen Mythen und Legenden, die über Jahrtausende hinweg von Generation zu Generation weitergegeben wurden. "Dieser Ort atmet Geschichte", fügt er hinzu. "Es ist sehr romantisch in diesem Sinne."Während seine früheren Alben sich oft um Erinnerungen, innere Welten und imaginäre Landschaften drehten, schöpft "Blackbirds and the Sun of October" aus der konkreten, physischen Welt um ihn herum - aus der Geschichte, der Natur und der Schönheit. "Ich spüre die Freiheit in dieser Musik", sagt er, "und es steckt mehr Positivität darin. Ich merke, dass etwas anders ist als zuvor."