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Yukimi, die gefeierte Sängerin und Mitbegründerin der Grammy-nominierten Band, Little Dragon, veröffentlicht ihr Debütalbum „For You“ am 28. März 2025 bei Ninja Tune.

Mit ihrem Debüt-Soloalbum löst sie sich von einer Band und schafft einige ihrer schönsten und intimsten Werke, die es bisher gab: sehr persönlich und brillant nachvollziehbar. Auf „For You“ verwebt Yukimi auf elegante Weise Musikstile von Jazz über Soul und elektronischen Pop bis hin zu Hiphop, Folk und Psychedelic, aber die Themen ihrer Solosongs gehen tiefer als je zuvor und umfassen Liebe, Verlust, weibliche Energie und angeborene Widerstandsfähigkeit. Die Zusammenarbeit mit Erik Bodin (Schlagzeug bei Little Dragon) und Lianne La Havas war für Yukimi das erste Mal, dass sie mit einer anderen Frau Musik schreibt und kreiert, was ihr erlaubt, ihre weibliche Energie auf eine befreite und persönliche Weise auszudrücken. Passenderweise geht es in den Texten des Songs um die Erforschung ihrer inneren Stärke während herausfordernder Lebenserfahrungen. Es ist ein bemerkenswertes Statement einer Künstlerin, die eine neue Phase ihrer Karriere als Solokünstlerin einleitet, jedoch mit der Gelassenheit und Intuition einer „alten Häsin“ mit jahrelanger Erfahrung im Musikbusiness. Yukimis markante und anmutige Stimme hat seit der Gründung von Little Dragon ihre Fans in ihren Bann gezogen. Der Erfolg der Band führte dazu, dass sie auf einigen der größten (und kleinsten) Bühnen der Welt auftrat - von Coachella bis zu NPRs Tiny Desk - und mit Künstler:innen wie u.a. KAYTRANADA, Killer Mike, Gorillaz, Tinashe, Mac Miller, De La Soul, BADBADNOTGOOD, DJ Shadow, ODESZA, Kali Uchis, Faith Evans, Dave Sitek, Big Boi, Flume und JID zusammenarbeitete.

- Format: 140G schwarzes Eco Vinyl mit bedruckter Innenhülle und Downloadcode-Sticker

Im Lateinischen bedeutet das Wort Gemini "zwei zusammen" oder "Zwillinge". Astrologisch gesehen sind Zwillinge unter anderem dafür bekannt, dass sie neugierig und vielseitig sind. Für die 9-köpfige (meist) instrumentale Combo The Sure Fire Soul Ensemble aus San Diego waren Jazz und Funk schon immer die beiden Genres, die sie konsequent und effektiv miteinander verschmolzen haben und die das Fundament ihres Sounds bilden. Mit ihrer stilistischen Neugier und Vielseitigkeit haben sie dieses Fundament auf ihrem neuen 11-Song-Longplayer für Colemine Records weiter ausgebaut. Aufgenommen zwischen Ende 2021 und Anfang 2024 im The Kitchen II in ihrer Heimat Lemon Grove, Kalifornien, lenken SFSE ihre ,introspektive Partymusik" in neue klangliche Gefilde. Während ihr Breakbeat-lastiger Funk-Soul-Jazz immer noch der Eckpfeiler ihres Sounds ist, wie er in Stücken wie ,Makin' Moves", ,TheGrifter" und ,Don't Trip" zum Ausdruck kommt, haben sie begonnen, mehr und mehr Einflüsse von Library-Musik-Labels wie KPM Music, spirituell orientierten Jazz-Labels wie Tribe & Black Jazz Records und exotisch angehauchten Jazz-Künstlern wie Cal Tjader und Dorothy Ashby aufzunehmen. Jetzt lehnen sie sich mehr an den ,introspektiven" Teil ihres Sounds an, insbesondere bei ,Mother Earth", ,Freddie" und dem Titeltrack, und beschwören die Geister von Freddie Hubbard, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Bubbha Thomas, Chester Thompson und sogar Cannonball Adderley in seiner kopflastigsten und kosmischsten Zeit herauf (hören Sie sich Adderleys Alben ,Soul Zodiac" und ,Soul of The Bible" als Referenz an). ,Corporatocracy" geht noch einen Schritt weiter mit einem ausgedehnten Tabla-Solo, das auf der perkussiven Welle reitet, bevor es in seinen funkgetriebenen, modalen Vibe übergeht. In der aktuellen Besetzung mit Tim Felten an den Tasten, Jake Najor am Schlagzeug, Omar Lopez am Bass, Kiko Cornejo Jr. an Conga/Percussion, Aquiles ,Lito" Magana an der Gitarre, Wili Fleming an der Posaune, Sheryll Felten an der Percussion, und Jesse Audelo und Travis Klein am Saxophon und an der Flöte. SFSE bleibt dem Funk treu, traut sich aber auch, neue Wege zu gehen, die sie bisher noch nicht beschritten haben, und betritt damit faszinierendes Neuland in ihrem Gesamtsound.

Im Lateinischen bedeutet das Wort Gemini "zwei zusammen" oder "Zwillinge". Astrologisch gesehen sind Zwillinge unter anderem dafür bekannt, dass sie neugierig und vielseitig sind. Für die 9-köpfige (meist) instrumentale Combo The Sure Fire Soul Ensemble aus San Diego waren Jazz und Funk schon immer die beiden Genres, die sie konsequent und effektiv miteinander verschmolzen haben und die das Fundament ihres Sounds bilden. Mit ihrer stilistischen Neugier und Vielseitigkeit haben sie dieses Fundament auf ihrem neuen 11-Song-Longplayer für Colemine Records weiter ausgebaut. Aufgenommen zwischen Ende 2021 und Anfang 2024 im The Kitchen II in ihrer Heimat Lemon Grove, Kalifornien, lenken SFSE ihre ,introspektive Partymusik" in neue klangliche Gefilde. Während ihr Breakbeat-lastiger Funk-Soul-Jazz immer noch der Eckpfeiler ihres Sounds ist, wie er in Stücken wie ,Makin' Moves", ,TheGrifter" und ,Don't Trip" zum Ausdruck kommt, haben sie begonnen, mehr und mehr Einflüsse von Library-Musik-Labels wie KPM Music, spirituell orientierten Jazz-Labels wie Tribe & Black Jazz Records und exotisch angehauchten Jazz-Künstlern wie Cal Tjader und Dorothy Ashby aufzunehmen. Jetzt lehnen sie sich mehr an den ,introspektiven" Teil ihres Sounds an, insbesondere bei ,Mother Earth", ,Freddie" und dem Titeltrack, und beschwören die Geister von Freddie Hubbard, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Bubbha Thomas, Chester Thompson und sogar Cannonball Adderley in seiner kopflastigsten und kosmischsten Zeit herauf (hören Sie sich Adderleys Alben ,Soul Zodiac" und ,Soul of The Bible" als Referenz an). ,Corporatocracy" geht noch einen Schritt weiter mit einem ausgedehnten Tabla-Solo, das auf der perkussiven Welle reitet, bevor es in seinen funkgetriebenen, modalen Vibe übergeht. In der aktuellen Besetzung mit Tim Felten an den Tasten, Jake Najor am Schlagzeug, Omar Lopez am Bass, Kiko Cornejo Jr. an Conga/Percussion, Aquiles ,Lito" Magana an der Gitarre, Wili Fleming an der Posaune, Sheryll Felten an der Percussion, und Jesse Audelo und Travis Klein am Saxophon und an der Flöte. SFSE bleibt dem Funk treu, traut sich aber auch, neue Wege zu gehen, die sie bisher noch nicht beschritten haben, und betritt damit faszinierendes Neuland in ihrem Gesamtsound.

Dreiundfünfzig Jahre, nachdem er mit dem Debütalbum von Roxy Music seine Visitenkarte abgab, ist Ferrys neuestes Projekt eine ebenso
unerwartete Veröffentlichung.
Einerseits ist Loose Talk sein erstes Album mit neuer Musik seit Avonmore von 2014. Andererseits ähnelt wenig hier, von den Klängen und Formen
dieser Musik bis hin zu ihrer Verwendung, irgendeinem früheren Bryan Ferry-Album. Dann wiederum - und das ist die dritte Seite - ist es auch ein
Stück, das tief in seinem Werk des letzten halben Jahrhunderts verwurzelt ist.
„Ein Gespräch zwischen zwei Künstlern“, so beschreibt Amelia Barratt, eine der beteiligten Künstlerinnen, Loose Talk. „Wir haben gemeinsam etwas
geschaffen, das keiner von uns allein schaffen könnte“, fügt Bryans Ferry, ihr Gesprächspartner in diesem kreativen Austausch, hinzu. „Und für mich
scheint sich dadurch ein ganz neues Kapitel meiner Arbeit aufgetan zu haben“.

Dreiundfünfzig Jahre, nachdem er mit dem Debütalbum von Roxy Music seine Visitenkarte abgab, ist Ferrys neuestes Projekt eine ebenso
unerwartete Veröffentlichung.
Einerseits ist Loose Talk sein erstes Album mit neuer Musik seit Avonmore von 2014. Andererseits ähnelt wenig hier, von den Klängen und Formen
dieser Musik bis hin zu ihrer Verwendung, irgendeinem früheren Bryan Ferry-Album. Dann wiederum - und das ist die dritte Seite - ist es auch ein
Stück, das tief in seinem Werk des letzten halben Jahrhunderts verwurzelt ist.
„Ein Gespräch zwischen zwei Künstlern“, so beschreibt Amelia Barratt, eine der beteiligten Künstlerinnen, Loose Talk. „Wir haben gemeinsam etwas
geschaffen, das keiner von uns allein schaffen könnte“, fügt Bryans Ferry, ihr Gesprächspartner in diesem kreativen Austausch, hinzu. „Und für mich
scheint sich dadurch ein ganz neues Kapitel meiner Arbeit aufgetan zu haben“.

Von seiner Arbeit in der explosiven frühen Hollywood-Punk-Musikszene mit seiner Band The Plugz über das Produzieren von Bands wie The Gun Club bis hin zur Filmmusik, seiner beachtlichen Schauspielkarriere und der Gründung von Fatima Records - Tito Larriva verdient den Titel, den ihm die LA Times einst verliehen hat, durch und durch: "Renaissance Man".

The Plugz, 1978 in Los Angeles von Tito Larriva gegründet, waren inspirierend für die frühe Latino/Latinx-Punk-Gemeinschaft und ihr "West Coast Punk" hatte einen anhaltenden Einfluss auf ganze Generationen von Rockbands.
Kenner der Latino-Kultur würdigten die Band für ihre unkonventionelle Version von "La Bamba" und ihren Einfluss auf die Chicano/Xicanx-Rocker in Südkalifornien.

Mit "Hombre Secreto", einer spanischen Version des 60er-Jahre-Klassikers "Secret Agent Man", brachte Larriva seine einzigartige Handschrift in die Filmmusik des Kult-Klassikers "Repo Man" ein. Seine Karriere ging von hier aus kontinuierlich und vielfältig weiter; zu den wichtigsten Etappen zählen seine Arbeit als Produzent des Cast-Albums der "Pee-Wee Herman Show" und des Debüts "Fire of Love" von The Gun Club, sein Einsatz als Schauspieler in David Byrnes "True Stories" und die von ihm 1984 gegründeten The Cruzados. 1992 entwickelte sich aus The Cruzados die Band Tito & Tarantula, mit der Larrivas intensive Arbeitsbeziehung zu Robert Rodriguez und Quentin Tarantino begann. Er spielte in einem halben Dutzend ihrer Filme mit, unter anderem auch in "From Dusk Till Dawn", wo sein Song "After Dark" und sein musikalischer Auftritt im legendären "Titty Twister Club" eine legendäre Rolle spielt.

Nun veröffentlichen Tito & Tarantula ihr mit Spannung erwartetes Album "!Brincamos!". Das neue Werk ist eine Soundreise, die die Tiefen der menschlichen Seele erforscht, durchsetzt von der rohen Kraft des Rock und dem reichen Erbe des Latino/Latinx-Punkrock. Jeder Track ist ein Beweis für die Fähigkeit Larrivas, Grenzen, Genres und Sprache zu überwinden und einen Sound zu kreieren, der bei Fans auf der ganzen Welt Anklang findet. Mit rohen Balladen und emotionalen Rock-Hymnen ist Larriva mit "!Brincamos!" ein musikalisches Meisterwerk gelungen, das die Geschichte von Tito & Tarantula mehr als würdig fortschreibt.

Neben der Veröffentlichung dieses Albums bereiten sich Tito & Tarantula derzeit auf ihre "!Brincamos!"-Europatournee vor, um ihre berüchtigten Live-Performances auf die Bühnen des europäischen Kontinents zu bringen. Die Fans werden eine Verschmelzung von Rock'n'Roll und cineastischen Welten erleben und Teil unvergesslicher Konzerte sein. Mit Titos intensivem Gesang und der unvergleichlichen Bühnenpräsenz der Band schickt diese Tournee sich an, eines der großen Highlights des Jahres für Musik-Enthusiasten zu werden.

Mit der Veröffentlichung von "!Brincamos!" und dem Beginn ihrer Europatournee im März 2025 laden Tito & Tarantula alte und neue Fans ein, sie auf dieser aufregenden Reise zu begleiten. Die Musik dieser Band ist ein Zeugnis für die Energie des Rock und den vereinenden, kulturellen Stolz der Latinos.

"!Brincamos!" erscheint am 14.03.2025 als Vinyl (aufgrund der Spiellänge des Albums fallen 2 Live Tracks weg), limitierte Vinyl mit einer separaten 10" incl. der Livetracks, CD und digital auf allen gängigen Streaming Plattformen

Auf ihrem ersten Album mit Alt-Pop-Hymnen - "When I'm Alone" (2022) - hatte girlpuppy (geborene Becca Harvey) oft das Gefühl, im Schatten ihrer Mitstreiter zu stehen. "Sweetness" entstand auf der anderen Seite einer Beziehung, in der sie sich oft an den Rand gedrängt fühlte. Für die 25-jährige Singer-Songwriterin aus Atlanta war "Sweetness" das richtige Projekt, um ihre kreative Herangehensweise zu überdenken und ausschließlich mit ihren eigenen lyrischen und melodischen Ideen zu arbeiten. Das Ergebnis dieses Prozesses ist ein dunkleres, textlich weitläufigeres Album als sein Vorgänger, voller herzzerreißender Songs über das Zurückdrängen von Selbstvorwürfen und Zweifeln. Von den kraftvollen Klängen über die natürlich fließenden Melodien bis hin zu den emotional großzügigen Texten strahlt jedes Element von "Sweetness" Zuversicht aus und zeigt, dass Harvey die rohe Kreativität genießt und ihren Neigungen vertraut. Das Album spielt sich in dem Moment ab, auf den alle Künstler warten: wenn ihre "Stimme" so klar wird, dass sie einfach den Mund aufmachen und anfangen können zu sprechen. Befreit von der nagenden Unsicherheit, dass sie keine Songwriterin sein kann, ohne ein Instrument zu spielen - sie nennt Matt Berninger von The National als Inspiration - begann Harvey für "Sweetness" mit der Aufnahme von Acapella-Stimmnotizen in voller Länge. Um einen Hintergrund für den Gesang zu finden, griff Harvey auf ihre vielfältigen, lebenslangen musikalischen Bezugspunkte zurück, von der Country- und Top-40-Popmusik, mit der sie in der Kleinstadt Georgia aufgewachsen ist, bis hin zu ihren späteren Lieblingsliedern, die ihre Vorstellung davon, was Songwriting erreichen kann, erweitert haben: Elliott Smith, Lana Del Rey, Yo La Tengo und mehr. Mit Hilfe des in Asheville ansässigen Produzenten und Co-Autors Alex Farrar und den weiteren Co-Autoren Tom Sinclair und Holden Fincher hat Harvey den Sweet Spot zwischen Shoegaze, Dream-Pop und Pop-Rock-Hymnen der Jahrtausendwende ausfindig gemacht. Harvey mischt das Verspielte mit dem Zerstörerischen und schwimmt in "Sweetness" auf kathartischen Wellen von Emotionen und Monster-Hooks - eine Dynamik, die sie garantiert an die Spitze der furchtlosesten aufstrebenden Indie-Pop-Singer-Songwriterinnen von heute katapultieren wird.

Kerrigan sind eine der hoffnungsvollsten deutschen Newcomer-Bands aus dem Bereich des traditionellen Heavy Metal. 2019 in Freiburg als Nebenprojekt der Funeral-Doomer Lone Wanderer von Bruno S. (Gitarre, Bass) und Jonas W. (Gesang, Gitarre) gegründet, veröffentlichten High Roller Records 2023 das von der Presse in den höchsten Tönen gelobte Debütalbum »Bloodmoon«. Die Scheibe enterte in der metallischen Fachpresse sogar die eine oder andere Jahresbestenliste. Wegen der großen Nachfrage haben sich High Roller Records nun dazu entschieden, auch das Mini-Album »Heavy Metal 2020« wieder für die Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Bruno S. und Jonas W. hatten im Jahre 2020 vier Stücke als Demo-Tape aufgenommen: das Titelstück “ Heavy Metal 2020”, “Intruders”, “Force And Will” sowie die Coverversion von “Rest In Peace” der englischen Wolf. Fucking Kill Records sorgten später für eine limitierte Veröffentlichung auf Kassette und Vinyl. Ursprünglich war das Material während eines Jams für die Hauptband von Bruno und Jonas entstanden, die Doom-Formation Lone Wanderer. “Mit Lone Wanderer machen wir eigentlich genau das Gegenteil von Kerrigan”, lacht Gitarrist und Bassist Bruno: “Langsam, tief dröhnend und depressiv. Da nimmt man sich spielerisch sehr zurück, weshalb sich Kerrigan manchmal wie ein Befreiungsschlag anfühlt. Es erinnert mich auch an die Jugend, als ich meinen ersten Gitarrenhelden nacheiferte.” Ein prägendes Merkmal von Kerrigan sind die teilweise doppelstimmig gespielten Gitarrenleads, die im Ansatz auch bereits auf »Heavy Metal 2020« zu hören waren. Mit “Rest In Peace” verbeugten sich Kerrigan seinerzeit vor der NWOBHM, wie Gitarrist und Sänger Jonas bestätigt: “Ja, Wolf war eine der Bands, die wir während der frühen Jam-Phasen sehr intensiv gehört haben, und ‘Rest In Peace’ ist einfach ein Überhit! An den Größen Maiden und Priest kommt man eh nicht vorbei, diese Einflüsse können wir nicht abstreiten. Neben den NWOBHM-Bands lief bei mir aber auch sehr viel Heavy Load oder frühe Accept, deren ‘Neon Nights’ in unserer Demophase wohl die teutonische Entsprechung zu ‘Rest In Peace’ war, was die Dauerschleife angeht.” Mit Sicherheit werden wir von Kerrigan in Zukunft noch viel hören. Jetzt ist es allerdings erstmal an der Zeit, sich noch einmal dem Frühwerk dieses hoffnungsvollen Newcomer-Acts zu widmen. Lehnt euch zurück, dreht den Lautstärkeregler auf und genießt »Heavy Metal 2020«.

(2018 Remix)

30. Juni 2022 – Im Januar 1977 veröffentlichten Pink Floyd ihr zehntes Studioalbum „Animals“. Das Werk eroberte Platz 1 der deutschen Charts, gilt als eines ihrer besten – und es wird nun, 45 Jahre später, als Deluxe Gatefold, CD, LP und Blu-ray wiederveröffentlicht. Zum ersten Mal überhaupt wird das Album in 5.1 Surround-Sound zu hören sein. Die einzelnen Versionen werden ab dem 16. September 2022 erhältlich sein, die Deluxe-Version folgt am 7. Oktober.

Pink Floyd – David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters und Richard Wright – nahmen „Animals“ 1976 und Anfang 1977 in den bandeigenen Britannia Row Studios in London auf und produzierten auch selbst.

„Animals 2018 Remix“ wird als CD, LP (mit Klapphüllen-Artwork), Blu-Ray und als Deluxe-Gatefold-Format veröffentlicht. Die Deluxe-Gatefold-Version beinhaltet eine LP, CD, Audio-Blu-Ray, Audio-DVD und ein 32-seitiges Booklet. Die Audio-Blu-Ray und -DVD enthalten den Remix von 2018 in Stereo, in 5.1 Surround (beide von James Guthrie) und den ursprünglichen Stereo-Mix von 1977. Das 32-seitige Booklet gewährt mit selten gezeigten Fotos einen Blick hinter die Kulissen des Shootings für die Plattenhülle sowie Live-Bilder und Memorabilia. Das Album-Artwork wurde für diese Veröffentlichung mit einem zeitgemäßen Motiv neu interpretiert.

„Animals“ ist ein Konzeptalbum, das sich kritisch mit den sozialpolitischen Verhältnissen im Großbritannien der mittleren 1970er-Jahre auseinandersetzt und damit eine Abkehr vom Stil der früheren Arbeiten der Band markierte. Aus einer Ansammlung ursprünglich nicht miteinander zusammenhängender Songs entwickelten Pink Floyd ein Konzept, das den offenkundigen sozialen und moralischen Verfall der Gesellschaft beschreibt. Inspiriert von George Orwells „Farm der Tiere“, verbildlichen sie die menschliche Natur mit einer Analogie zum Tierreich und teilen die Menschen in drei Klassen von Tieren ein: Die Schweine stehen an der Spitze der sozialen Kette, die Schafe tun als hirnlose Herde, was man ihnen sagt, und die Hunde sind die Geschäftsbosse, die sich am Profit und ihrer Macht über andere schamlos bereichern. Seit 1977 ist viel Zeit vergangen – und dann wieder gar nicht, denn die Erzählung des Albums hat als Kommentar auf unsere gesellschaftliche und wirtschaftliche Situation nichts von ihrer Aktualität verloren.

Das berühmte Cover von „Animals“ zeigt ein aufblasbares Schwein (heute bekannt als Algie), das in luftigen Höhen zwischen zwei Schornsteinen der Battersea Power Station in London schwebt. Die Idee für das Cover kam von Roger Waters, die Umsetzung übernahm der langjährigen Kreativpartner der Band, Storm Thorgerson von Hipgnosis Studios. Für die jetzige Neuveröffentlichung wurde das Artwork von Storms Hipgnosis-Partner Aubrey „Po“ Powell für die heutige Zeit neu gestaltet. Basierend auf neuen Aufnahmen des Gebäudes während der jüngsten Umgestaltungsarbeiten (das ehemalige Kraftwerk wird für die kulturelle und gewerbliche Nutzung umgebaut, gestaltet von Frank Gehry und Norman Foster), experimentierte Po mit neuen Blickwinkeln und erschuf einige beeindruckende neue Varianten des berühmten Originals. Po dazu: „Das Original-Albumcover von 1977 ist ikonisch und steht so sehr für sich, dass ich eine Menge Respekt davor hatte, ihm ein Update zu verpassen. Doch Hipgnosis nahm die Gelegenheit zum Anlass, das Motiv neu zu fotografieren und damit eine sich verändernde Welt widerzuspiegeln. Durch den Einsatz moderner digitaler Färbetechniken konnte ich Pink Floyds düstere Botschaft des moralischen Verfalls beibehalten, und auch die Orwellsche Tier-Analogie in Form des Schweins Algie lebt in dem neuen Artwork fort.“

Pink Floyds „Animals 2018 Remix” kann ab jetzt hier vorbestellt werden.

Revolution Rock Deluxe vereint das bahnbrechende erste Album von Greenleaf mit ihrer lange vergriffenen Debüt-EP in einer einzigen atemberaubenden Neuauflage! Angeführt von Gitarrist Tommi Holappa von den europäischen Wüstenrock-Ikonen Dozer, begannen Greenleaf als informelles Kollektiv von Freunden, die Musik machten, inspiriert von ihrer gemeinsamen Liebe zum Riff-Rock der 70er Jahre. Nachdem sie sich 2013 in eine richtige Band verwandelt haben, stehen Greenleaf jetzt an der Spitze der globalen Heavy-Szene, nachdem sie ihr letztes Album The Head & The Habit 2024 veröffentlicht haben. Im fünfundzwanzigsten Jahr ihrer unglaublichen Karriere markieren sie diese beeindruckende Leistung mit einer speziellen Neuauflage ihrer frühesten Veröffentlichungen. Mit Jungs von Dozer, Lowrider, Demon Cleaner und anderen wurde Greenleafs erstes Album Revolution Rock 2001 in Eigenregie veröffentlicht und seit der ursprünglichen Auflage von 500 Exemplaren noch nie neu aufgelegt. Revolution Rock Deluxe vereint dieses bahnbrechende Album mit der lange vergriffenen Debüt-EP von Greenleaf aus dem Jahr 2000 in einer einzigen, atemberaubenden Ausgabe. Alle Songs wurden von Karl Daniel Lidén komplett neu gemastert und das ursprüngliche Artwork und Design von Lowriders Peder Bergstrand brillant aufgefrischt und aktualisiert.Feiern wir ein Vierteljahrhundert majestätischer Riffs mit Revolution Rock Deluxe und erleben Greenleafs Big Bang zum ersten Mal wieder! Präsentiert in einer luxuriösen, aufklappbaren 2LP-Edition auf limitiertem farbigen Vinyl oder als Einzel-CD im Digipack. Alle Songs wurden vollständig neu gemastert und die Verpackung und das Design aktualisiert und aufgefrischt. Eine der aktivsten und beliebtesten Bands der europäischen Stoner-/Desert-Rock-Szene

Während er weiterhin als Produzent und Musiker für andere Künstler tätig ist, verwöhnt uns El Michels Affair mit einem neuen Zweiseiter mit Instant-EMA-Klassikern. Die bedrohliche Einleitung von ,Mr Brew" auf der A-Seite weicht einer schönen und weitläufigen Melodie in einer klassischen Spannungs- und Entspannungsdynamik. Sanfte Gitarren, Streicher, Flöten und Blechbläser wechseln sich nahtlos mit der schweren Schlagzeugspur ab und schicken jeden mit Synästhesie in eine Welt voller Farben. Die B-Seite ,Kodak" ist eine Meisterklasse in Raum und Arrangement. Der sanfte Rhythmus des Schlagzeugs wird mit großartiger Instrumentierung geschmückt, die die perfekte Stimmung erzeugt. EMA bringt nie zu viel Farbe auf die Leinwand und fängt immer die Stimmung ein.

Am 28. März 2025 erscheint »Field of Lights«, das dritte Album von REGENER PAPPIK BUSCH. Das
Jazz-Trio verschiebt den Schwerpunkt seines Repertoires mit diesem neuen Album in Richtung Cool Jazz
und Post Bop und stellt erstmals drei eigene Stücke vor. Gleich mit dem Debüt, »Ask Me Now«, erreichten REGENER PAPPIK BUSCH 2021 die Spitze der deutschen Jazz-Charts, das Trio spielte bei den
Leverkusener Jazztagen, veröffentlichte 2022 das zweite Album »Things to Come«, gab mit Blixa Bargeld
einen Abend aus Werken der Beatliteratur und Bebop-Klassikern und spielte zahlreiche Konzerte.
»Field of Lights«, ihr drittes Album, ist von maximaler Unmittelbarkeit geprägt. Wir hören auf »Field of
Lights« Klassiker wie »All Alone« und »Billie’s Blues« von Billie Holiday und Mal Waldron, »Nostalgia In
Times Square« von Charles Mingus und eine äußerst raffnierte, pointierte Version von Thelonious Monks
»Bye-Ya«. Wir hören diese und andere bekannte Stücke, aber wir erkennen sie nicht immer gleich – weil
es REGENER PAPPIK BUSCH tatsächlich gelingt, ihnen eine neue Perspektive abzugewinnen.

Der gefeierte Komponist (A Scanner Darkly, Before Midnight, Hit Man) und musikalische Außenseiter Graham Reynolds veröffentlicht sein erstes Soloalbum für Fire Records. Gepresst auf limitiertem lila/weißem Splatter-Vinyl in einem Deluxe Die Cut Mountain Sleeve. Eine sozio-geografische Reise entlang der Sierra im Kopf. Der herausragende Titeltrack "Mountain (Part 1)" ist voll von romantischen orchestralen Schwüngen, die das Bild einer weiten Landschaft heraufbeschwören, die von einem einzelnen Gipfel unterbrochen wird, während "...Part 2" einen zerklüfteteren Weg einschlägt, der einen kantigen Bergrücken überquert, bevor er sich in einem Hermann-esken Hitchcock-Stück festigt. "Mt. Monadnock" in New Hampshire wird namentlich erwähnt, während der "Enchanted Rock" (ein donnerndes, an die Einstürzenden Neubauten erinnerndes Wiedererwachen der Sinne, das von Grahams charakteristischer dröhnender Orchestertrommel begleitet wird) etwas außerhalb von Austin, Texas, steht, wo Reynolds seit über 30 Jahren zu Hause ist. Das Album wurde von Reynolds komponiert und eingespielt, mit Beiträgen vieler seiner musikalischen Freunde. Produziert und abgemischt wurde es von geheimnisvollen englischen Duo PeterTalisman. Das Album birgt einige Überraschungen, Austin-Nachbar Jad Fair (Half Japanese) taucht mit Backing Vocals auf, ebenso die italienische Chanteuse Marta del Grandi, deren beschwörende Worte auf "Linger In Silence" das exquisite siebenminütige "Prophet Harmonic" wieder zum Leben erwecken. ,Dieses Album ist sehr persönlich. Es beginnt mit Monadnock, dem ersten Berg, den ich je bestiegen habe, oben in Neuengland. Die erste Seite endet mit dem Enchanted Rock, dem ersten Berg, den ich in meiner Wahlheimat Texas bestiegen habe. Und obwohl ich schon mein ganzes Leben lang Musik veröffentlicht habe, ist dies das erste Mal, dass ich für etwas Eigenes, das nicht an einen Film oder ein anderes Medium gebunden ist, echte Labelunterstützung bekomme. In gewisser Weise ist es also mein erstes echtes Soloalbum", so Graham Reynolds.

Mit ihrem achten Studio Album präsentiert das von Journalisten oft als "Deutschlands unterbewertetste Punk-Rock Band" bezeichnete Berliner Trio ein Cover-Album das es in sich hat. Im klassischen "K-Tel" Gewand werden hier 12 Kracher der 50er, 60er, 70er und 80er Jahre abgeliefert. Allerdings nicht im üblichen, "wir spielen einfach mal alles doppelt so schnell-Hauruck Sound", nein, hier wurde mal richtig tief in die musikalische Trickkiste gegriffen. So kommen die ,Rubettes" im Gewand der ,Ramones" daher, ,Slade" im Sound der ,Stranglers" und ,Jimi Hendrix" sogar als waschechte Southern Rock Nummer a la ,Lynyrd Skynyrd". Von Uli Confidence dem Mastermind der Band und Betreiber des Berliner Kult-Clubs ,Wild At Heart" im hauseigenen Studio produziert, wird auf dieser Scheibe völlig ungeniert von klassischem Rock`n`Roll, über 70s Rock, Glam und sogar New Wave alles zelebriert, was der Kirche des Vertrauens lieb und heilig ist. Spaß-, Party-, und Unterhaltungsfaktor bis zum Anschlag auf Maximum gedreht, zündet hier ein Kracher nach dem anderen... 500 Stück weltweit, klassisch schwarzes Vinyl, durchnummeriert.

Reverend Gary Davis aus Laurens, South Carolina war Singer-Songwriter, Gitarrist
und ein wahrer Virtuose des Piemont-Blues-Fingerpicking-Stils. Jack White
erwähnte ihn als einen seiner Gitarrenhelden in der Dokumentation It Might Get Loud
und zeigte darin den Videoclip von Death Don't Have No Mercy (He'll come to your
house and he won't stay long).
Blind Gary Davies spielte Gitarre mit Daumen und Zeigefinger auf eine Weise, die nur
ein blinder Mann spielen kann. Viele seiner Songs wurden im Laufe der Zeit von
internationalen Künstlern gecovert; unter anderem gehören The Grateful Dead und Bob
Dylan zu den Interpreten, die durch ihre Davis-Interpretationen dem blinden Virtuosen
Ehre erwiesen. Harlem Street Singer beinhaltet seine größten Hits, die bis heute
populär sind.

Bristol label-turned-blog Innate launches a new sub-label, Innate Editions, which it says is dedicated to timeless UK techno, IDM, electro and ambient music, and it will all come on heavyweight vinyl. The first release revives Connective Zone's Palm Palm, a millennium-era cult classic and Ben UFO favourite that first came out on Mark Broom and Dave Hill's Unexplored Beats in 2001. Now, this long-out-of-print, expensive and hard to find gem has been remastered by Jamie Anderson and so sounds superb with many lavish electronic layers, richly emotive melodies and dynamic drums that lean on UK techno, IDM, and deep electro. Sounds as good now as it ever did.

DJ Feedback

Dan Curtin (Metamorphic):
"This sounds fantastic. I don't think I ever got it back when it came out but I'm glad I do now, it's really nice. Every track is the standout track!"

Dj Harri (Sub Club):
"Lovely stuff here, will be playing and supporting."

Laurent Garnier (COD3QR):
"Awesome 4 tracker, thanks a million times for this. Beautiful way to start a new label."

Midland:
"Thanks for sending this over. Really in to it, Function especially."

Mr Scruff (Ninja Tune):
"Thanks for this! Didn’t know this release. Function is great. Quite like Returned too."

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

Im Herbst 2022 lebte Phil Cook allein in einem kleinen Haus am Rande von Feld und Wald in North Carolinas Piedmont. Die meiste Zeit seines Leben lang lebte er in der Nähe der Herzen der Städte, die er sein Zuhause nannte, in der Nähe des ächzenden Verkehrs und des Trubels in den Coffee Shops. Diese Nähe Nähe trug dazu bei, dass der gesellige Cook ein produktiver Mitarbeiter wurde, als Mitbegründer von Megafaun bis zur Zusammenarbeit mit The Blind Boys of Alabama, Bon Iver, Hiss Golden Messenger und unzähligen anderen. Aber Cooks nächster war ein Wanderweg, und so ging er hin und lauschte, hingerissen erst von der Stille und dann von den vielen Vögeln. Er begann, sein Fensterbrett jede Nacht einen Spalt offen zu lassen, damit der Chor der Vögel im Morgengrauen ihn begrüßte. Cook begann, diese verworrenen Vogelstimmen aufzunehmen, und er schloss sich ihnen an. Wenn die Sonne schließlich hoch stand, hörte Cook sich die Aufnahmen des Tages an und improvisierte in Echtzeit auf dem Instrument, das seine erste und unerschütterlichste Liebe seines musikalischen Lebens geblieben ist: das Klavier. Als Cook diese Hütte nach einem Jahr verließ, zog er in ein eigenes Haus in Durham, mit viel Platz für seine beiden Jungs zum Spielen und für etwas, das er noch nie besessen hatte: ein richtiges Klavier. In den nächsten Monaten verbrachte Cook unzählige Stunden damit, an diesen Stücken zu feilen. Während des Unterrichts beim großen Südstaaten-Gospelpianisten Chuckey Robinson hatte dieser Cook aufgefordert, weniger Noten zu halten und seine Melodien nicht mehr durch die Verwendung der Pedale des Instruments als Krücken zu benutzen. Seine Musik hatte plötzlich mehr Klarheit, und die Klänge und Gefühle, die sie transportierten, hatten mehr Raum zum Funktionieren. Cook grub sich in die Gefahr und Freude, in die Idee, dass wir unsere Körper zu Knoten verdrehen um zu verstehen, was das Beste für unsere Herzen ist. Im April 2024 kehrte Cook in das Chippewa Valley in Wisconsin zurück, wo er aufgewachsen war. Sein lebenslanger Freund und Bandkollege, Justin Vernon, hatte gerade die Renovierung von April Base abgeschlossen, dem Studio, in dem Cook in den letzten 15 Jahren an mehr als einem Dutzend Platten gearbeitet hat. Cook bat Vernon, Appalachia Borealis so einfach wie möglich zu produzieren, nur zuzuhören und in zwei ausgedehnten Nachmittagssitzungen Feedback zu geben, um die richtigen Takes auszuwählen, die, die das Herz erfasst haben. Natürlich wurde das Ganze komplizierter, als sie anfingen in dem Prozess zu experimentierten. Vernon fügte die Vogelstimmen zu Cooks Kopfhörern hinzu oder entfernte sie, um zu sehen, wie sie sich auf sein Spiel auswirkten. Oder sie leiteten seine Noten durch eine massive Hallkammer und Cook reagierte darauf mit hauchzarten Improvisationen. Appalachia Borealis ist eine zutiefst ergreifende und persönliche Sammlung von 11 Klavier Meditationen, die die emotionale Bandbreite einer vollen und offenen Existenz abbilden. Inspiriert von diesen Improvisationen auf der Fensterbank, spiegelt es nicht nur die Aufruhr und die Traurigkeit einer schwierigen Zeit für Cook, sondern auch die Hoffnung, das Licht und die Freude, nach der anderen Seite zu schauen. Manchmal kann man noch die Vögel hören, deren Melodie und Zeit so viele dieser Lieder inspiriert haben. Selbst wenn sie nicht in Hörweite sind, bleibt ihre Essenz bestehen.

Jetzt gibt es endlich das Debutalbum "Rapper's Delight" der Ausnahmeproduzentin Melbeatz. Obwohl Optik's First Lady bis jetzt noch keinen eigenen Release veröffentlicht hat, wählten sie die JUICE Leser zwei Jahre in Folge auf Platz 1 (2004) und Platz 2 (2003) in der Kategorie "Best Producer". Kein Wunder, da sie ja unter anderem das Top 10 Album "Der Beste Tag Meines Lebens" von Kool Savas komplett alleine produzierte.
"Rapper's Delight" sollte eigentlich ihre erste eigenständige Eintrittskarte für den deutschen Markt werden, möglicherweise beinhaltet es aber bereits das Ticket bis in die USA. Der internationalen Qualität ihrer Produktionen wegen genauso, wie dank der Unzahl höchst prominenter Gastfeatures: Kanye West (verantwortlich für diverse US-Billboard-No.1´s), Mobb Deep, die Alkoholiks, Ol´ Dirty Bastard oder Thirstin Howl (um nur einige zu nennen) haben sich alle einen höchst eigenständigen Beat der Künstlerin gepickt. Hochkarätige deutsche Gäste wie Xavier Naidoo, Curse, Cassandra Steen (Glashaus), Eizi Eiz (Beginner), Mieze von Mia, die komplette Optik Army und nicht zuletzt die lang antizipierte Berlin-Hamburg-Kollabo Kool Savas-Samy Deluxe machen das Line Up komplett.

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

Als Sohn der berühmten Theater- und Filmschauspielerin Angela Winkler ("Dark", "Die Blechtrommel") ist dem Berliner Songwriter, Theatermusiker, Technoproduzenten und Labelbetreiber Lasse Winkler der Kultur-Rummel bekannt. Engagieren tut er sich jedoch bislang vor allem in der berliner Technoszene und veröffentlicht spaßige Electro-Titel wie "Supermarkt" oder "Matjesfilet", die unter seinem Pseudonym Acud die Runde machen. Unter seinem Klarnamen arbeitet er nicht nur als Musikproduzent für "Tatort" und Theaterinszenierungen, sondern veröffentlicht deutschsprachige Pop-Musik. Das kommende Album "Weltflucht", welches unter anderem in einer Speisekammer in der französischen Auvergne aufgenommen wurde, geht auch mal tiefer unter die Haut. Teils in die Kopfstimme abdriftend, singt er über das berliner Lotterleben oder dem Drang nach Realitätsflucht, so wie er auf der anderen Seite die Schönheit des Moments frönt, angetrieben von der Kraft der Natur.

"Tonky" ist Lonnie Holleys fünftes Studioalbum und enthält Gastauftritte von Isaac Brock, Angel Bat Dawid, Billy Woods, Alabaster de Plume, Mary Lattimore und anderen. Bei der Leadsingle "Protest With Love" ist Jacknife Lee, der auch das gefeierte Vorgängeralbum "Oh Me Oh My" produziert hat, als Bassist, Keyboarder, Synthesizer, Schlagzeuger, Programmierer, Flötist, Percussionist und Sänger zu hören. Weitere Mitwirkende sind The Legendary Ingramettes am Gesang, Kelly Pratt an den Bläsern und Flöten, Jordan Katz an den Bläsern und natürlich Holley am Gesang. Holley fordert die Zuhörer auf, "mit Liebe zu protestieren" und "die Liebe zu deiner Waffe zu machen". Es gibt Dichter wie die große Mary Oliver, die vorschlagen, dass die Hauptfunktion des Menschen, wenn er sich durch die Welt bewegt, solange er Leben und die Fähigkeit hat, sich durch die Welt zu bewegen, darin besteht, dem Aufmerksamkeit zu schenken, was andere törichterweise als klein oder alltäglich bezeichnen mögen. Das Gehirn und das Herz sind beides Gefäße, die so viel Platz haben, wie man ihnen zugestehen möchte, und zu leben bedeutet, Sammlungen von gefundenen Zuneigungen zu schaffen. Die Geräusche der geliebten und vertrauten Häuser, die Bewegungen der Bäume und der Menschen unter ihnen, die Art und Weise, wie jemand, den man verehrt, einen ein paar Sekunden lang umarmt, bevor er sich aus der Umarmung löst und in einer überfüllten Fußgängerzone verschwindet. Wenn wir unser Leben, unser Schaffen und unsere Liebe auf diese Weise betrachten, bedeutet das, dass wir, zumindest für einige von uns, durch die Aussicht auf das, was als Nächstes kommt, vorwärts getrieben werden können. Welchen Moment wir festhalten und in unsere überquellenden Taschen stecken können. Die Arbeit von Lonnie Holley ist ein Werk dieser Art von Anhäufung und genauer Aufmerksamkeit. Das Vergnügen, einen Klang zu finden und ihn gegen einen anderen gefundenen Klang und einen weiteren zu pressen, bis der Hörer, bevor er es merkt, von einer Klangsinfonie überflutet wird, die sich anfühlt, als würde sie sich zusammenfügen, während sie über einen hinwegspült. "Tonky" ist ein Album, das seinen Namen von einem Spitznamen aus der Kindheit hat, der Holley anhaftete, als er einen Teil seiner Kindheit in einem Honky Tonk verbrachte. Lonnie Holleys Leben des Überlebens und der Ausdauer erforderte - und erfordert zweifellos immer noch - eine Art Erfindung. Eine Erfindung, die auch in Holleys Liedern reichhaltig und präsent ist, die auf "Tonky" voll und eindringlich sind, einem Album, das mit seinem längsten Lied beginnt, einem neunminütigen, erschöpfenden Marathon eines Stücks namens "Seeds", das mit einem einzigen spärlichen Klang beginnt und sich dann ausdehnt. Gesänge, schwache Tasten, Streicher und als Krönung Holleys Stimme, die nicht singt, sondern klar und deutlich von der Arbeit auf der Erde erzählt, als er jung war, und von der Gewalt, die er dabei ertragen musste, als er blutig und mit Schmerzen von Schlägen ins Bett ging. Der Song weitet sich zu einer Metapher über den Ort aus, über das Versagen des Zuhauses oder eines Ortes, der einen beschützen soll, der nicht das hält, was er zu sein vorgibt, selbst wenn man unermüdlich daran arbeitet, daran arbeitet, daran arbeitet, etwas Sinnvolles daraus zu machen. "Seeds" gibt nicht nur den Ton für ein Album an, das sich um Wiedergeburt, Erneuerung und die Grenzen von Hoffnung und Glaube dreht, sondern unterstreicht auch, was Holleys größte Stärke als Musiker ist, nämlich sein Engagement für Fülle und Großzügigkeit. Er ist ein unglaublich begabter Geschichtenerzähler, der sich der mündlichen Tradition verschrieben hat, so dass viele Hörer völlig zufrieden wären, wenn sie zu Füßen einer Lonnie-Holley-Platte säßen und seinen robusten, ausladenden Erzählungen lauschen könnten. Aber "Tonky" ist ein Album, das sowohl klanglich als auch in Bezug auf die vielen verschiedenen Künstler, die auf dem Album vertreten sind, einen Platz bietet, an dem sie sich zu Hause fühlen können, ganz gleich, wie sie die Zeit verbringen, die sie für einen Song brauchen.

Benefits kehren mit ihrem mit Spannung erwarteten zweiten Album "Constant Noise" zurück. "Constant Noise" erscheint am 21. März über Invada Records und folgt auf das Debütalbum "NAILS". Nach einer Reihe verschiedener Besetzungen haben sich Benefits nun als Zwei-Mann-Band etabliert, bestehend aus Frontmann Kingsley Hall und dem Elektronik-Virtuosen Robbie Major. "Wir sind immer noch wütend", sagt Hall, "nur auf eine andere Art als früher. Wenn die vorherige Platte schwarz-weiß war, wollten wir, dass diese Platte in Technicolor erstrahl". Der erste Vorgeschmack auf diese neue musikalische Richtung kam in Form von "Land Of The Tyrants", bei dem die Band in basslastige, tanzbare Rhythmen und subtile Industrial-Unterströmungen eintauchte. Bei der Nachfolgesingle "Relentless" wirkte Peter Doherty von den Libertines mit, und die Band bewegte sich weiter in Richtung elektronischer Ambient-Atmosphären. Doherty ist nur einer der Mitstreiter auf dem neuen Album. Zera Tonin, der Sänger des Queerpop-Elektro-Duos Arch Femmesis, Neil Cooper von Therapy? und der Rapper Shakk aus Middlesborough haben alle einen Gastauftritt. Zusätzlich zu den Gastmusikern wurde das Album von James Welsh (Phantasy Sound) und James Adrian Brown (ex-Pulled Apart By Horses) produziert, die die neue Richtung mitbestimmten. Das Ergebnis ist ein Album, das von Underworld und Leftfield ebenso viel hat wie von The Streets oder den Beastie Boys in ihrer Blütezeit oder sogar von der Indie-Sleaze-Ära der 90er und frühen 00er Jahre.

Der ranzige Kern von Cerebral Rot, bestehend aus Ian Schwab (Gitarre / Gesang) und Clyle Lindstrom (Gitarre), ist nach wie vor dabei, doch die Rhythmusgruppe von Corpus Offal, bestehend aus Jason Sachs (Bass) und Jesse Shreibman (Schlagzeug), sorgt nun für intensive Wellen von magenverbrennendem Übelkeit. Nach der letztjährigen Demo-Entjungferung präsentieren Corpus Offal ihr selbstbetiteltes Album, das wie eine eiternde Leiche aus der mitternächtlichen Kanalisation auftaucht: faulig, pulverisierend und auf perverse Weise belebend.

Eine knüppelnde Autopsie von Death Metal, Gore und Deathgrind. Die tief gestimmten Grooves, die unharmonischen Leads und das Mid-Tempo-Rumpeln von Cerebral Rot sind in Tracks wie 'Spinous Forms of Mortal Abhorrence' und dem Titeltrack zu hören, während sie die Messlatte für Tansformation in noch grässlichere, verflüssigte Formen legen. Die gurgelnden Schleimvocals von Ian Schwab sind gefährlich radioaktiv, direkt aus dem versiegelten Keller eines nuklearen Leichenschauhauses beschworen und erzählen von einem Splatterfest aus morbider Poesie, verwesendem Fleisch, absurden Experimenten und grausamen Überschreitungen. Jeder Song liest sich wie die Akte eines Gerichtsmediziners, gekreuzt mit dem fiebrigen Geschwafel eines Psychopathen - präzise in seinem anatomischen Horror und abstoßend in seiner bizarren Verderbtheit.

Wenn Corpus Offal seinen katastrophalen Abschluss findet, ist man erschöpft, desorientiert und fragt sich, ob man ein Meisterwerk überlebt oder das musikalische Äquivalent eines Snuff-Films gesehen hat - und das mit einer unglaublich schweren Billy-Anderson-Produktion. Betritt also das Krematorium, atme tief ein und lass dich vom körperlichen Rausch des Gemetzels von Corpus Offal anstecken. Dies ist ein akustisches Schlachthaus und du bist der Kadaver.

Der ranzige Kern von Cerebral Rot, bestehend aus Ian Schwab (Gitarre / Gesang) und Clyle Lindstrom (Gitarre), ist nach wie vor dabei, doch die Rhythmusgruppe von Corpus Offal, bestehend aus Jason Sachs (Bass) und Jesse Shreibman (Schlagzeug), sorgt nun für intensive Wellen von magenverbrennendem Übelkeit. Nach der letztjährigen Demo-Entjungferung präsentieren Corpus Offal ihr selbstbetiteltes Album, das wie eine eiternde Leiche aus der mitternächtlichen Kanalisation auftaucht: faulig, pulverisierend und auf perverse Weise belebend.

Eine knüppelnde Autopsie von Death Metal, Gore und Deathgrind. Die tief gestimmten Grooves, die unharmonischen Leads und das Mid-Tempo-Rumpeln von Cerebral Rot sind in Tracks wie 'Spinous Forms of Mortal Abhorrence' und dem Titeltrack zu hören, während sie die Messlatte für Tansformation in noch grässlichere, verflüssigte Formen legen. Die gurgelnden Schleimvocals von Ian Schwab sind gefährlich radioaktiv, direkt aus dem versiegelten Keller eines nuklearen Leichenschauhauses beschworen und erzählen von einem Splatterfest aus morbider Poesie, verwesendem Fleisch, absurden Experimenten und grausamen Überschreitungen. Jeder Song liest sich wie die Akte eines Gerichtsmediziners, gekreuzt mit dem fiebrigen Geschwafel eines Psychopathen - präzise in seinem anatomischen Horror und abstoßend in seiner bizarren Verderbtheit.

Wenn Corpus Offal seinen katastrophalen Abschluss findet, ist man erschöpft, desorientiert und fragt sich, ob man ein Meisterwerk überlebt oder das musikalische Äquivalent eines Snuff-Films gesehen hat - und das mit einer unglaublich schweren Billy-Anderson-Produktion. Betritt also das Krematorium, atme tief ein und lass dich vom körperlichen Rausch des Gemetzels von Corpus Offal anstecken. Dies ist ein akustisches Schlachthaus und du bist der Kadaver.

Bloodywood ist eine Metal-Band aus Indien, die für ihren bahnbrechenden Sound bekannt ist, der indische
Folk-Instrumente nahtlos und mit verheerender Wirkung mit Metal verschmilzt. Erwarten Sie die perkussive Kraft der mächtigen Dhol, die melancholische Flöte, die einsaitige Tumbi und verschiedene andere
ungewöhnliche, aber unverkennbar charakteristische Klänge aus Indien. Die Kombination aus donnernden Hindi/Punjabi-Refrains und bedeutungsvollen, aber unerbittlichen Rap-Strophen zusammen mit der
ethnischen Instrumentierung macht Bloodywood zu einem wahrhaft einzigartigen Erlebnis.

Das dritte Album von Courting aus Liverpool wird 'Lust for Life', Or: 'How To Thread The Needle And Come Out The Other Side To Tell The Story' heißen und ist eine kühne Erforschung der Dualität, die Indie-Pop-Hooks mit gewagtem Experimentalismus verwebt. Jeder Track paart sich mit einem anderen und erschafft eine dynamische, miteinander verbundene Welt, in der orchestrale Intros in Dance-Punk-Hymnen übergehen und Dubstep-inspirierte Beats auf Saxophon-Soli treffen - alles mit raffinierter Präzision gemacht.

Es ist das Jahr 2012. No Future war gestern, Phon heißt jetzt dB und sogar das Internet hat sich halbwegs
durchgesetzt. Nun auch noch „auch“. Hast du nichts Besseres zu tun als die die ärzte zu hör’n?
Das Ende ist noch nicht vorbei. Die Beste Band der Welt ist jetzt eine Demokratie, ein Triumvirat
des guten Willens, eine GbR der Gerechtigkeit und sie haben viel zu viel Zeit, um sich nicht um den Rock
zu kümmern. Und natürlich um alle Phasen der engeren Beziehung zwischen Männern & Frauen & allen
anderen. Vom mehr oder weniger schüchternen Balzverhalten beim mehr oder weniger hoffnungsbeladenen ersten Fernblickkontakt bis zum passiv-aggressiven Psychoterror der Post-Partnerschaft. Philosophisch
wird’s obendrein.
„zeiDverschwÄndung“ fragt nach dem Sinn unseres Daseins und ob wir nicht einfach mal irgendwas anderes machen sollten, als Fan von BelaFarinRod zu sein. „Tamagotchi“ stellt den schwierigen ethischen
Problemen im beginnenden Zeitalter der Künstlichen Intelligenz eine wahre Hymne an Emotion entgegen.
„Waldspaziergang mit Folgen“ liefert einen ganz neuen Denkansatz der Theosophie. „M&F“ hingegen
wollen in aller Regel einfach nur in allen Konstellationen poppen.
die ärzte: Jetzt mit der absoluten Leere, ordentlich HeyHey!, einem Gott im Regal und der entscheidenden
Frage: Ist das noch Punkrock?

Zoetrope Vinyl. Schrank zu klein, Arsch zu groß, blasse Waden, hellgrüne Luftballons in der Steckdosenfrisur - das ist Schwiegermutters Fiebertraum in Reinform, das ist der körperhafte Stinkefinger an die Selbstoptimierer*innen-Gesellschaft, das ist Punk in der Jetztzeit-Version, das ist der "EXTRA"Lifestyle. Paula Carolina zelebriert eben diesen Lifestyle Woche für Woche erfolgreich auf den Festivalbühnen der Bundesrepublik - und hat ihm mit "EXTRA" ein musikalisches Denkmal gesetzt. Paulas neue Single ist eine Musik-gewordene Ode auf die Weirdness und das Besonderssein, ein augenzwinkernd-romantischer Vorstoß gegen Normschönheit, Langweilertum und "Otto Normal"-Standards - "als wär' auf der Tanzfläche jedem scheißegal, was man anhätte". "EXTRA" ist nicht umsonst der Namensgeber des Ende September erscheinenden Paula Carolina-Debütalbums - dieser Song steht exemplarisch für die künstlerische Vision seiner Macherin, die ihren Platz zwischen den Stühlen unlängst gefunden hat: "Fühl' ich mich heute wie ein Punk oder doch nur wie die Göre von Nebenan? Egal!". Paula-Carolina-Musik ist "irgendwie anders" und jedes Mal ein bisschen neu. Zwischen rustikalem Gitarren-Geschrubbel, tanzbar-schiebenden Drums und kaum erwartbaren Airhorn Einschüben blüht die Weltenbummlerin in "EXTRA" erstmals überhaupt mit einer Rap-ähnlichen Stimmperformance auf. Paulas Vocal-Experimente münden zwischendurch in einer Vulkanausbruch-artigen Ohrwurm-Hook und im letzten Drittel des Songs in einer epochalen SingSang-Bridge. Zwischen Punk-Attitüde und Techno-Club-eske Hektik mischt sind also auch die nötige Portion Pop-Appeal. Wer "EXTRA" lieber in einem anderem Genre-Gewand hören will und sich in Jungle-, Dancehall- oder Happy-Hardcore-typischem Tanzstill zum Song bewegen möchte, kann dies übrigens auch tun. Ja, richtig gehört: Ab 3. August - also einen Tag nach Single-Release - wird täglich ein neuer Remix des Originalsongs veröffentlicht. Star-Produzent Marti Fischer, den Paula-Carolina-Fans spätestens seit seinem erfolgsgekrönten "Schreien! - Turbo Remix" kennen dürften, hat ein umfangreiches Begleitwerk zu "EXTRA" realisiert und mehrere, verschiedenartig elektronische Alternativ-Versionen der Außenseiter-Hymne zusammengeschustert. Als wäre das nicht genug "EXTRA" zu "EXTRA", haben auch Großstadtgeflüster eine stilechte Remix-Version der Single gefertigt und der Bonus-EP ihren Stempel aufgedrückt. "Es geht wieder los", im Kosmos Paula Carolina - und zwar so richtig.

HET VERMOEDEN - anders dan de titel zou vermoeden - is concreter dan mijn cryptische debuutalbum. Bij momenten ook ernstiger. Met liedjes over moeilijke mannen, andere vrouwen, broers, dochters en vaders. Liedjes over op reis gaan, settelen en middagdutjes.

Het is bovenal een eerbetoon aan de mensen rondom. Buren, vrienden en familieleden. HET VERMOEDEN is een intiem album geworden, recht uit het hart. Dichterbij ga je als luisteraar voorlopig niet komen...

Ik ben benieuwd naar wat ons mensen drijft. Wat er omgaat in onze hoofdenen onze harten. Ik tast vermoedens af, maar de hele waarheid krijg ik natuurlijk niet te pakken. Het is hoogstens een rake benadering.

HET VERMOEDEN was in zekere zin al af voordat ik eraan begon. Ik had het geluk om tijdens het schrijfproces de nummers al live op mijn gitaar te kunnen uitproberen. Nummers waarvan ik vermoedde: dit gaat iets worden.

Ik ging dus de opnamestudio in met een reeks uitgewerkte en doorleefde liedjes, die ik vervolgens live inspeelde met bassist Dries Laheye en drummer Simon Segers. Producer en mixer Frederik Segers waakte over de eenheid in sfeer en klank. Hij leverde prachtig werk af; het album klinkt buitengewoon warm en tijdloos.

Das dritte Album von Courting aus Liverpool wird 'Lust for Life', Or: 'How To Thread The Needle And Come Out The Other Side To Tell The Story' heißen und ist eine kühne Erforschung der Dualität, die Indie-Pop-Hooks mit gewagtem Experimentalismus verwebt. Jeder Track paart sich mit einem anderen und erschafft eine dynamische, miteinander verbundene Welt, in der orchestrale Intros in Dance-Punk-Hymnen übergehen und Dubstep-inspirierte Beats auf Saxophon-Soli treffen - alles mit raffinierter Präzision gemacht.

R.M.K returns to NECHTO with his latest release, ‘NECH028’, following his previous solo record ‘NECH021’, his features on the label's VAs and numerous label event appearances. Hailing from London, R.M.K, the alias of Fossil Archive label head Roberto, brings a unique, evolving take on his sound. With over 20 years of experience, he has performed at iconic venues like Berghain, Tresor, and fabric, and collaborated with artists such as Trevino, Jamie Anderson, and Goldie.
‘NECH028’ marks a new chapter in R.M.K’s artistic growth, with the EP taking over a year to complete. The release includes four vinyl tracks, plus an additional digital-only track. R.M.K notes that while each track has its own distinct style, they collectively tell a cohesive story. He also
acknowledges the role of Nastia in pushing him to deliver the best possible quality, and he takes great pride in the result.
This release reflects the evolution of R.M.K’s sound, demonstrating his dedication to refining his craft and offering a compelling narrative through techno.

Six track EP full of warm deep house music, spacy jazz not jazz, african and brasil rhythms, plus a portion of psychedelic funk poetry.

‚Children Of Zu Zu‘ is Charles Petersohn‘s restart after his previous label release from 18 years ago, besides some experiments on Bandcamp and SoundCloud. On this EP sound merges into each other, is producing an organic flow. Smooth deep house, different kinds of jazz and jazznotjazz, african rhythms, Brasil batucada, psychedelic funk poetry, inspired by Dr. John and most of all the space music and afrofuturist philosophy of Sun Ra and his Arkestra. Soundscapes and atmos in the background of each song give the music a deeper feel. It took its time to get the music ready. There was the desire of having Web Web pianist Roberto di Gioia in the music, took months. But it was worth waiting. Roberto planted some magic moments in to it. On other hand Charles is hyper critic with his own sound. If jumping into to arena again, there should be something special. When he will be okay with every inch of his sonic work, then its done! ‚Children Of Zu Zu‘ became a collage of thick, warm and smooth housemusic, spacy Ambient Jazz and two dancefloor tools with a deep Afro and Brasil feel.

Here we go with six tracks full of love, full of dreams and full of space.

"Children Of Zu Zu" ist Charles Petersohns Neustart nach seiner letzten Label-Veröffentlichung vor 18 Jahren mit dem Pianisten Jasper van't Hof bei "Jaro". Deep House Music, Jazz Not Jazz, afrobrasilianische Jazz-Grooves, Ambient Jazz, eine von New Orleans Legende Dr. John inspirierte spirituelle Botschaft, einen Gesang von Frauen und Mädchen aus Samoa vom "British Commonwealth Sound Archive" und nicht zuletzt die intergalaktische Poesie von Sun Ra und seinem Arkestra. Soundscapes im Hintergrund fast aller Tracks versetzen die Musik jeweils an einen fiktiven Ort. Es hat seine Zeit gedauert, bis die Musik fertig war. Der Wunsch, den Web Web Pianisten Roberto Di Gioia für die Musik zu gewinnen, schien fast unmöglich. Seine Teilnahme verzögerte sich um mehrere Monate, denn Roberto ist ein vielbeschäftigter Musiker und Produzent. Am Ende hat sich das Warten gelohnt. Er hat der Musik einige magische Momente beschert. Auf der anderen Seite ist Charles mit seinem eigenen Material meist überkritisch. "Wenn ich mich parallel zu so vielen großartigen Musikern und Produzenten überall in der Welt und darüber hinaus mit einer eigenen Botschaft in die Welt begebe, muss das schon etwas Besonderes werden!" Nach endlosen Sessions in seinem Mini-Studio ist 'Children Of Zu Zu' um einiges mehr geworden, als er sich vorgenommen hat. Statt zwei, sind es am Ende sechs Tracks und zwei Bonus-Versionen voller Liebe, voller Träume und voller Space, innerspace und outerspace, geworden. Musik für den Dancefloor, für Jazz Clubs, Chill Zones und obendrein für Kinderzimmer!

Von seiner Arbeit in der explosiven frühen Hollywood-Punk-Musikszene mit seiner Band The Plugz über das Produzieren von Bands wie The Gun Club bis hin zur Filmmusik, seiner beachtlichen Schauspielkarriere und der Gründung von Fatima Records - Tito Larriva verdient den Titel, den ihm die LA Times einst verliehen hat, durch und durch: "Renaissance Man".

The Plugz, 1978 in Los Angeles von Tito Larriva gegründet, waren inspirierend für die frühe Latino/Latinx-Punk-Gemeinschaft und ihr "West Coast Punk" hatte einen anhaltenden Einfluss auf ganze Generationen von Rockbands.
Kenner der Latino-Kultur würdigten die Band für ihre unkonventionelle Version von "La Bamba" und ihren Einfluss auf die Chicano/Xicanx-Rocker in Südkalifornien.

Mit "Hombre Secreto", einer spanischen Version des 60er-Jahre-Klassikers "Secret Agent Man", brachte Larriva seine einzigartige Handschrift in die Filmmusik des Kult-Klassikers "Repo Man" ein. Seine Karriere ging von hier aus kontinuierlich und vielfältig weiter; zu den wichtigsten Etappen zählen seine Arbeit als Produzent des Cast-Albums der "Pee-Wee Herman Show" und des Debüts "Fire of Love" von The Gun Club, sein Einsatz als Schauspieler in David Byrnes "True Stories" und die von ihm 1984 gegründeten The Cruzados. 1992 entwickelte sich aus The Cruzados die Band Tito & Tarantula, mit der Larrivas intensive Arbeitsbeziehung zu Robert Rodriguez und Quentin Tarantino begann. Er spielte in einem halben Dutzend ihrer Filme mit, unter anderem auch in "From Dusk Till Dawn", wo sein Song "After Dark" und sein musikalischer Auftritt im legendären "Titty Twister Club" eine legendäre Rolle spielt.

Nun veröffentlichen Tito & Tarantula ihr mit Spannung erwartetes Album "!Brincamos!". Das neue Werk ist eine Soundreise, die die Tiefen der menschlichen Seele erforscht, durchsetzt von der rohen Kraft des Rock und dem reichen Erbe des Latino/Latinx-Punkrock. Jeder Track ist ein Beweis für die Fähigkeit Larrivas, Grenzen, Genres und Sprache zu überwinden und einen Sound zu kreieren, der bei Fans auf der ganzen Welt Anklang findet. Mit rohen Balladen und emotionalen Rock-Hymnen ist Larriva mit "!Brincamos!" ein musikalisches Meisterwerk gelungen, das die Geschichte von Tito & Tarantula mehr als würdig fortschreibt.

Neben der Veröffentlichung dieses Albums bereiten sich Tito & Tarantula derzeit auf ihre "!Brincamos!"-Europatournee vor, um ihre berüchtigten Live-Performances auf die Bühnen des europäischen Kontinents zu bringen. Die Fans werden eine Verschmelzung von Rock'n'Roll und cineastischen Welten erleben und Teil unvergesslicher Konzerte sein. Mit Titos intensivem Gesang und der unvergleichlichen Bühnenpräsenz der Band schickt diese Tournee sich an, eines der großen Highlights des Jahres für Musik-Enthusiasten zu werden.

Mit der Veröffentlichung von "!Brincamos!" und dem Beginn ihrer Europatournee im März 2025 laden Tito & Tarantula alte und neue Fans ein, sie auf dieser aufregenden Reise zu begleiten. Die Musik dieser Band ist ein Zeugnis für die Energie des Rock und den vereinenden, kulturellen Stolz der Latinos.

"!Brincamos!" erscheint am 14.03.2025 als Vinyl (aufgrund der Spiellänge des Albums fallen 2 Live Tracks weg), limitierte Vinyl mit einer separaten 10" incl. der Livetracks, CD und digital auf allen gängigen Streaming Plattformen

Sun Ra was a master of misdirection. Tape boxes wrongly labeled—whether by accident or design—are legendary among Ra archivists. One can speculate about the artist's intent or carelessness, but source misinformation abounds on Ra tape cases, album jackets, cassettes, ephemera—as well as in interviews. It's as if Ra, in furtherance of his own mythmaking, wanted to keep historians guessing.

This project began as a misidentified tape discovered by Michael D. Anderson of the Sun Ra Music Archive. The 7-inch reel, which contained a live Ra solo piano performance of 11 works—some recognizable, others not—was of stellar quality, and was marked as a 1979 Carnegie Hall date. But the program on the tape did not align with known facts (e.g., titles played, concert duration) which were chronicled in a Newsday review of Ra's appearance at Carnegie in September of that year. With a prod from writer/historian Ted Gioia and further research by myself, the tape was eventually identified as a mostly unreleased July 1977 performance by Ra at a downtown NYC "jazz café" called The Axis-in-Soho.

Der kanadische Starpianist Jan Lisiecki bringt die vielfältigen Klänge des fantasieartigen Instrumentalwerks
des Präludiums auf seinem neuen Album zum Strahlen und zeigt, dass es weitaus mehr ist als nur ein
Vorspiel zu etwas anderem. Frédéric Chopins außergewöhnliche 24 Préludes op. 28 sind dabei Inspiration
und Ausgangspunkt der vorliegenden Aufnahme. Chopin war laut Lisiecki ein „Meister der Kurzform,“, der
„das Präludium aus dem Schatten ins Rampenlicht“ brachte. Verbunden und kontrastiert werden Chopins
Stücke mit ausgewählten Präludien weiterer Komponisten aus über drei Epochen, die jeweils Höhepunkte
in der Geschichte des Genres markieren - von Bach, Messiaen, Rachmaninoff bis Górecki. Damit möchte
Lisiecki „die vielfältigen Möglichkeiten des bescheidenen Präludiums aufzeigen“ und nimmt „das Publikum
auf eine musikalische Entdeckungsreise“ durch den Kosmos dieser abwechslungsreichen Miniaturen.

An der Seite von John Coltrane und Archie Shepp hatte Altsaxofonist Marion Brown ab 1965 bei Impulse!
Records zur Speerspitze der avantgardistischen ”New Wave in Jazz” gehört. Von einer vollkommen anderen
Seite - sehr entspannt, meditativ und melodienselig - zeigte sich Brown dagegen 1975 auf ”Vista”, seinem
vierten und zugleich letzten Album für das Label.