Search:ander b

Wooohaaa! The figure 8 always meant more to us than just a symbol on your screen. For this very reason on our eighth vinyl release from Minor Notes Recordings we’re featuring non other than the legendary producer BMB SpaceKid. Stemming from St. Petersburg and from an early age, BMB proved himself to be an extraordinary musician. Able produces top quality compositions with ease, and in any style, but all with his unique twist.

To date BMB is best known in hip-hop circles as he made album beats for many key underground rap artists. He also went international and produced joint tracks with Dj Premier, Anderson Paak, Raekwon, GoldLink and many others.
BMB has also performed at the Fabric Club in London, the Outlook Origins festival, live on Boiler Room and BBC Radio 1. He also participated in the Red Bull Bass Camp and the Hip-Hop Academy.

On the record "Taste Booster" BMB SpaceKid showcases his taste and skills in the production of house style dance music. A tribute to the traditions of African-American music, the virtuoso mastery of MPC and sampling techniques, and an outstanding approach to melodic rhythms.
We are convinced that this record will appeal to everyone who loves true house music, acting as a breath of fresh air. To enhance the overall effect we invited one of our favorite French producers Art Of Tones, who for a long time, and just like us, has been promoting the organic sound of electronic music 4x4.

Incoming, a massive EP from Anderson.

After his recent easter eggs EP, this four tracker is a blend of trance, breaks, drum & bass and experimental electronica.

Starting off the A side with the ‘Jelly Bean (Virus Outbreak Mix)’, this monster of tune will rattle your subs (and brain) with his crunchy kicks and trancey sequencing. This track will blast you off into oblivion eventually bringing you right into A2, ‘Level Quest’, a trancey chugging progressive tune building energy from the moment the first kick ignites.

After a much needed break, the B1 puts you in an immediate trancestate lasting just a few minutes and before you know it you will be blasted into drum and bass land with ‘Tasteful Nudes’ closing out the EP.

See you on the other side..

Pink Marbled
Limited 50 copy press

Bringing a combination of two conceptual artists Ultrastretch 11 moves away from dance music to present this comtemporary off kilter.


On the A side, Montreal based producer Ohm Hourani, known for minimalistic jazz influenced works on his own imprint ANOMA and beyond, with compositions showcasing infusions of organic sounds combined with modular synthestisers, drum machines and vocalists such as his collaboration with award winning Jazz singer and Vocalist Diminique Fils Aime.


On this release he presents a 14 minute stripped down, intrinsically and subtly arranged combination of elements Initiale by a minimalistic kick drum joined by a synth driven, quirky / hypnotic mind drilling element paired with the finest straight hihats delicately placed on the background as the Constant. The subtle movement of the track is introduced by percussive drumming, vocals and piano keys forming the most beautiful atmospheric melody. The last element of surprise brings shuffling hihats bringing amazing swing to the overall elegantly slick piece.

The B side brings the highly sought-after drummer Samuel Rohrer. Ranging from ECM sideman to member of KAVE, a quartet alongside techno pioneer Max Loderbauer, Stian Westerhus and Tobias Freund as well as collaborative works with Ricardo Villalobos and Laurie Anderson, he is known for his unique sound aesthetics on advanced musical cross-pollination, developments of improvisation in acoustic jazz and wider horizons of live electronics.
Rohrer also brings a hypnotic reinterpretation but in a very different manner / mood than the A side. Initiated by strings combined with Rohrer’s tight drumming patterns at the forefront and bass line underneath as the constant, combination by which forms a tense yet peaceful core pattern to this track. To compliment this, synths create movement by adding cosmic and quirky sounds forming an atmospheric soundscape with the whispering vocal “shake it” on top. Overall, the paradoxical relationship between tight (rhythm) and lose (soundscape) is presented in perfect harmony with each other.

Wex sub label, Day By Day, is back.
After the first VA and four track EP from Lisene, this time we present Sider. Residing in Ukraine this mastermind has a unique and fresh sound that blends electro, techno and tribal sounds. Peep the snippets of this four track EP and be sure to secure your copy!
Keep an eye out for dbd004 which is immanent and will be from Wex ’s Anderson, his first on the day by day catalog!

Repress

After last year's lauded 3-track EP "TOPINAMBUR" we're more than happy to announce ROBAG WRUHME's return to SPEICHER. On the A-side, Robag delivers a deep hypnotic chugger that goes by the simple but ultimately affirmative name "YES". In all its simplicity, it's one of those tracks that gently tosses you down the famous rabbit hole. The flip side "CALMA CALMA" is pure summer festival bliss, resurrecting the spine-tingling a cappella from C'Hantal's proto techno classic "The Realm" for the 2020's. Both tracks are 100% Robag... highly emotive, über sexy and yet somehow hazardous.

Nach der hochgelobten 3-Track EP “Topinambur” freuen wir uns sehr, ROBAG WRUHME’s Rückkehr auf SPEICHER anzukündigen. Auf der A-Seite liefert Robag einen tiefgehenden, fast hypnotischen Track, der den simplen und durchweg bejahenden Titel “YES” trägt. In all seiner Einfachheit ist das ein Stück, das dich behutsam das berühmt-berüchtigte Rabbit Hole hinunter bugsiert. Die andere Seite “CALMA CALMA” ist pure Festival-Sommer Wonne: Es lässt das A cappela von C’hantal’s Proto-Techno Classic “The Realm” wieder aufleben und sorgt damit auch in den 2020ern für Gänsehaut. Beide Tracks sind dabei 100% Robag... extrem gefühlsbetont, über sexy und doch irgendwie gefährlich.

Lapalux kehrt für sein viertes Album zu Flying Lotus' Brainfeeder-Label zurück! Während es beim Vorgängeralbum „Ruinism“ 2017 um klangliche Wrackteile und Dekonstruktionen ging, ging Howard mit „Amnioverse“ einen anderen Weg, indem er jeden Track um einen Ausschnitt gesprochenen Wortes von „Freund*innen, Liebhaber*innen und Ex-Partner*innen“ konstruierte und die Musik darum baute.

Die erste Inspiration für das Album kam von einem Foto von James Turrells „Twilight Epiphany Skyspace“ Installation in Texas. „Ich habe es mir drei Jahre lang jeden Tag angesehen, während ich diese Platte gemacht habe.“, erklärt Howard, „die Leute sitzen in einem Wartezimmer, das in einem violetten Farbton beleuchtet ist, und schauen durch ein rechteckiges Loch in der Decke in den dunklen Nachthimmel.
Das Bild hat so viel Tiefe und bedeutet mir so viel … es scheint, als wären wir alle in diesem Wartezimmer und warten darauf, irgendwo zu sein oder irgendwo hinzugehen. Das ist es, was ich versucht habe, mit dieser Platte abzubilden.“

For its second installment, Tresydos presents ‘Description’, a selective, four track EP from US producer Matt Anderson. Normally working and releasing on the label Wex, he has shared with us a unique EP, a dive into the flavors and varied tastes he is inspired by.

Leading off on A1 is the title track ‘Description’. With an emotive melody & pushing jungle bass, this tune is a mixed and mangled, psy-hypnotic, peak time bouncer. A2 follows with ‘Small Talk’, which holds a smooth and liquidy touch, sprinkled with notes of jazzy bends & spacey arpeggios. On the flip side for B1 is ‘Gangsta.vox’, a playful tune, varied between a 4/4, acidic zooming, & airy, euphoric breaks. Last up is ‘Inside A Neutron Star’, a chugger that offers an acidic, yet smooth psychedelic theme to carry you on.

London's Release/Sustain imprint returns this April with a four-track package featuring material from Eduardo De La Calle, XDB, Joey Anderson Moody Waters feat. Carolina Damas.
The Release/Sustain imprint has gone from strength to strength over the years, welcoming the likes of Alton Miller, DJ Aakmael, Benjamin Brunn, Losoul, Norm Talley and many more respected names in underground house and techno over its past twenty nine releases.
Here we see this continue with some more welcome additions, first up is Eduardo De La Calle with 'The Protosoul' and as always the Spanish artist offers up a perfectly crafter slice of hazy, groove-driven Techno, led by bleepy arps, winding stabs and robust analogue rhythms. XDB then offers up heady, subtly blooming leads, pulsing subs and shuffled drums with 'Another Night' next.
Opening the flip is New York's Joey Anderson with 'Drum Play' which as the name suggest sees the percussive aspects dynamically evolve throughout amongst choppy bass hits, stutter arpeggio blips and warm string melodies. Moody Waters then teams up with Carolina Damas, vocalist on anthemic house cut 'Sueno Latino' for 'Acid Lovin'', edging into deeper territory with ethereal pads, crunchy drums and squelching 303 licks while Damas' soft, spoken-word Latin vocals wander within.

REPRESS 2017
Early Support from Stephan Bodzin, Steve Bug, Lexy, Christian Fischer, Markus Guentner, Laurent Garnier, Tim Xavier, Someone Else, Gunjah, Oliver Klein, H*O*S*H, Sebbo, Anderson Noise, Habersham, Emma Thompson, Markantonio and Jamie Stevens.

Kein anderer Künstler unserer Zeit dominiert Pop und Politik wie Kendrick Lamar: Er ist der junge König des Rap, die schonungslose Stimme der Alternativdenker, Armen & Anderen, der größte, einflussreichste MC des neuen Jahrtausends. Nachdem er vor kurzem seine neuen Sensations-Single - HUMBLE.' vom Stapel gelassen hat, folgt nun sein neues Album. Nach dem fulminanten Doppelerfolg bei den Grammys 2014 setzte Kendrick Lamar seinen Siegeszug 2015 dem Hit-Album - To Pimp A Butterfly' fort, das als - ein Meisterwerk der Komplexität, politisch, musikalisch und konzeptionell' (Die Welt) gefeiert wurde und rund um den Globus die Spitze der Charts erstürmte (u. a. #1 D, #1 USA). Anfang 2016 räumte er für das Album gleich fünf Grammys ab. Im März letzten Jahres legte er dann überraschend mit - untitled unmastered' ein neues Werk vor, um die Wartezeit auf die nun kommende LP zu verkürzen: Auch diese - unfertigen, titellosen Rohversionen' eroberten direkt die Spitze der Billboard-200. Mit einem neuen Album festigt er seine Position auf demjenigen Thron, auf dem er nun schon seit Jahren sitzt: Bevor der - König von Compton' (Der Spiegel) im Sommer seinen Dreißigsten feiert, läutet er nun das vierte Kapitel seiner Ausnahmekarriere ein.

Series-A was the duo of Sam Anderson aka DJ Maestro and Dave Webb aka Kid Fresh. Sam and Dave both grew up listening to the sounds of the Electrifying Mojo on WJLB in Detroit. They met in 1983 at a DJ gig that they were both hired to play. In 1986, they collaborated on the Nu-Sound II Crew project. After developing a friendship with Juan Atkins, they became hip to the emerging new club sounds that were to become electro and techno.Their subsequent project, Series-A, was named after different car model numbers, but also hints at the evolution of humankind into a new species.

In 1987, Series-A recorded the single Evolution 5 Technology' at Spectrum Sounds Studio in St. Clair Shores, Michigan. Their set up was a vocoder, E-mu Emulator III, Roland 909 drum machine, and an Otari 24-Track recorder. They landed a record deal with Satellite Records in Burbank, California, which had been founded by Pete Moore of The Miracles. After pressing 50 promotional copies, the label ran into financial problems, and the record never reached a full release. Taking cues Kraftwerk, Grand Master DST, Grandmaster Flash & Jam Master Jay, Series-A created dark electro beats in an era when sampling appeared to be the future of music. Lyrically the song addresses our species' entry into the technological age. For this EP reissue, the 7' Mix and Dub Mix are included on the A-side. On the flip is a new remix by prolific Ann Arbor producer JTC, an alias of Tadd Mullinix (aka Dabrye, SK-1, & Charles Manier). JTC speeds up and expands the song to seven minutes. Drawing on influences from Ron Hardy to Jeff Mills, he drives around suburban techno landscapes while simultaneously launching the listener into deep space.

All songs have been remastered for vinyl by George Horn at Fantasy Studios in Berkeley. The jacket is specially designed by Eloise Leigh and features a cyborg fossil motif with RGB color band and gradients. Each copy includes a post card with with notes.

endlich: mit bittersweet legt marek hemmann sein zweites Soloalbum auf Freude am Tanzen vor. ein großer Schritt nach der letzten duo-Veröffentlichung unter dem namen marian, und in seiner weiter gedachten Pop-klangsprache ganz eindeutig: ein echter hemmann. zehn Tracks, schnörkellos und vorwärtsdrängend, nach hemmann-manier diffe- renziert abgemischt und lakonisch betitelt durch knappe wortmarken. der feine elektronische Sound wird immer wieder aufgebrochen durch den einsatz knarzig-poppiger Synthies, eingespielt mit einem augenscheinlich stark vermehrten maschinenpark. diese warmen, bassigen Sounds sind der stete begleiter durch das album, und führen die analoge Vergangenheit in die digitale zukunft. denn sie sind nicht mittelpunkt, sondern Teil eines erdigen bodens, auf dem alle Songs stehen. es gibt kaum einen Song, der in seinem Stil dem anderen gleicht, das album führt seine hörer von tiefem house über knackige Tanzflächenkracher und ambientsongs bis hin zu frühlingshaften romanzen mit gitarrensamples. Schon auf seinen bisherigen Veröffentlichungen offenbarte sich hemmann immer ganz einfach als großer liebhaber elektronischer musik mit einem feinen händchen für vielschichtige arrangements und den gewissen schwebenden, ins unendliche weisenden Sound. Ja, er ist gewiss der große romantiker unter den elektro-musikern, und er weiß seine musikalischen Talente auch dementsprechend einzusetzen. und so ist auch bittersweet wieder solch ein schönes, geheimnisvolles wesen zwischen Tanzfläche und balkon, zwischen süßem Sonnenaufgang und energiegeladener club-nacht.

Repressed !!! Ipoly Music is the new imprint A&Red by Alec Troniq and Mentalic. After various releases for Etui Records, Phonocake and Microtonal the two talented travellers have found their own place of creativity and reveries. Early support by Laurent Garnier, Alland Byallo, Jamie Stevens, Anderson Noise, Chris Fortier and Gunjah

Tramhaus aus Rotterdam wurden nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums "The First Exit" (2024) und zahlreichen Shows in ganz Europa (und weit darüber hinaus!) bereits als "DIE holländische Post-Punk-Sensation" beschrieben und wahrgenommen. Im Oktober 2026 erscheint das neue Album "Blister" bei Siluh Records. Die Band bewegt sich seit ihrer Gründung 2020 zwischen treibendem Post-Hardcore und Indierock-/Shoegaze-Anleihen, garniert mit einem Schuss kalkulierter Dissonanz. Dabei verorten sich Tramhaus, über die musikalischen Einflüsse hinaus, explizit als Teil einer organisch gewachsenen, internationalen Szene, eines Netzwerks aus unabhängigen Agenturen, Labels und Veranstaltern mit deren Hilfe die Band nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums innerhalb ein, zwei Jahren zum Szene-Tipp und must-see avancierte. Kraftvoll, laut und selbstbewusst gewinnt Blister bei wiederholtem Hören an Format. Das Album besticht durch eine neue Eleganz sowie spürbarem Raumgefühl und enormer Wucht. Dies rührt zum Teil aus einer gewachsenen, detailierteren Produktion her, die auch die vielen Zwischentöne einfängt. Die schwindelerregende Natur des fast zweijährigen, ununterbrochenen Reisens spiegelt sich im Titel des ungeduldigen Eröffnungsstücks "Plovdiv" wider (ein Ort, an dem sie übrigens tatsächlich gespielt haben): Ein Glam-artiger Stampf-Rhythmus und eine federnde Basslinie treiben eine Reihe bedrohlicher Gitarrenriffs voran - Elemente, die allesamt jenen Sound widerspiegeln, mit dem Tramhaus in letzter Zeit die Konzertbühnen in Schutt und Asche gelegt haben. Auch weitere Stücke wie "Rat Race" und "I Was Never Alone" klingen ganz ähnlich. Die langsameren Titel des Albums offenbaren bisweilen eine ,rockistische" Erhabenheit, die sie zuvor lediglich angedeutet hatten: vielleicht im Stil der Pixies oder der späten Nirvana (man höre und staune!) - oder, an anderer Stelle als leises Flüstern, das an Nick Cave and the Bad Seeds erinnert. "Overachiever, Big Believer" und "Sly (Like Ever)" zeichnen sich durch eine beißende, knurrende Grundstimmung sowie geduldig ausgearbeitete Melodielinien aus - Eigenschaften, die im Jahr 1991 zweifellos hervorragend ins musikalische Zeitbild gepasst hätten. An anderer Stelle besticht "Solace" mit seinem offenen Akkordanschlag durch eine lässige Attitüde, die direkt einem Stück der Saints oder der Bad Seeds entstammen könnte. Das Beste wird sich für den Schluss aufgehoben: Bei "Swarm" bricht nach einem monolithischen, an die frühen Pere Ubu erinnernden Bass-Grollen ein grandioses, Sabbath-artiges Riff über den Hörer herein. Es ist ein hymnisches, transzendentes Stück, das in früheren Zeiten ein garantierter Hit gewesen wäre - eine Single, die Teenager auf der ganzen Welt dazu animiert hätte, ihre Air-Guitar-Künste vor Mamas Schlafzimmerspiegel zu perfektionieren. Also, das zweite Album der genau richtig neben dem Mainstream verorteten Postpunk-Niederländer*innen nicht verpassen!

Tramhaus aus Rotterdam wurden nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums "The First Exit" (2024) und zahlreichen Shows in ganz Europa (und weit darüber hinaus!) bereits als "DIE holländische Post-Punk-Sensation" beschrieben und wahrgenommen. Im Oktober 2026 erscheint das neue Album "Blister" bei Siluh Records. Die Band bewegt sich seit ihrer Gründung 2020 zwischen treibendem Post-Hardcore und Indierock-/Shoegaze-Anleihen, garniert mit einem Schuss kalkulierter Dissonanz. Dabei verorten sich Tramhaus, über die musikalischen Einflüsse hinaus, explizit als Teil einer organisch gewachsenen, internationalen Szene, eines Netzwerks aus unabhängigen Agenturen, Labels und Veranstaltern mit deren Hilfe die Band nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums innerhalb ein, zwei Jahren zum Szene-Tipp und must-see avancierte. Kraftvoll, laut und selbstbewusst gewinnt Blister bei wiederholtem Hören an Format. Das Album besticht durch eine neue Eleganz sowie spürbarem Raumgefühl und enormer Wucht. Dies rührt zum Teil aus einer gewachsenen, detailierteren Produktion her, die auch die vielen Zwischentöne einfängt. Die schwindelerregende Natur des fast zweijährigen, ununterbrochenen Reisens spiegelt sich im Titel des ungeduldigen Eröffnungsstücks "Plovdiv" wider (ein Ort, an dem sie übrigens tatsächlich gespielt haben): Ein Glam-artiger Stampf-Rhythmus und eine federnde Basslinie treiben eine Reihe bedrohlicher Gitarrenriffs voran - Elemente, die allesamt jenen Sound widerspiegeln, mit dem Tramhaus in letzter Zeit die Konzertbühnen in Schutt und Asche gelegt haben. Auch weitere Stücke wie "Rat Race" und "I Was Never Alone" klingen ganz ähnlich. Die langsameren Titel des Albums offenbaren bisweilen eine ,rockistische" Erhabenheit, die sie zuvor lediglich angedeutet hatten: vielleicht im Stil der Pixies oder der späten Nirvana (man höre und staune!) - oder, an anderer Stelle als leises Flüstern, das an Nick Cave and the Bad Seeds erinnert. "Overachiever, Big Believer" und "Sly (Like Ever)" zeichnen sich durch eine beißende, knurrende Grundstimmung sowie geduldig ausgearbeitete Melodielinien aus - Eigenschaften, die im Jahr 1991 zweifellos hervorragend ins musikalische Zeitbild gepasst hätten. An anderer Stelle besticht "Solace" mit seinem offenen Akkordanschlag durch eine lässige Attitüde, die direkt einem Stück der Saints oder der Bad Seeds entstammen könnte. Das Beste wird sich für den Schluss aufgehoben: Bei "Swarm" bricht nach einem monolithischen, an die frühen Pere Ubu erinnernden Bass-Grollen ein grandioses, Sabbath-artiges Riff über den Hörer herein. Es ist ein hymnisches, transzendentes Stück, das in früheren Zeiten ein garantierter Hit gewesen wäre - eine Single, die Teenager auf der ganzen Welt dazu animiert hätte, ihre Air-Guitar-Künste vor Mamas Schlafzimmerspiegel zu perfektionieren. Also, das zweite Album der genau richtig neben dem Mainstream verorteten Postpunk-Niederländer*innen nicht verpassen! Dieses frisch grüne Vinyl ist limitiert (100 Stück weltweit)!

Tramhaus aus Rotterdam wurden nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums "The First Exit" (2024) und zahlreichen Shows in ganz Europa (und weit darüber hinaus!) bereits als "DIE holländische Post-Punk-Sensation" beschrieben und wahrgenommen. Im Oktober 2026 erscheint das neue Album "Blister" bei Siluh Records. Die Band bewegt sich seit ihrer Gründung 2020 zwischen treibendem Post-Hardcore und Indierock-/Shoegaze-Anleihen, garniert mit einem Schuss kalkulierter Dissonanz. Dabei verorten sich Tramhaus, über die musikalischen Einflüsse hinaus, explizit als Teil einer organisch gewachsenen, internationalen Szene, eines Netzwerks aus unabhängigen Agenturen, Labels und Veranstaltern mit deren Hilfe die Band nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums innerhalb ein, zwei Jahren zum Szene-Tipp und must-see avancierte. Kraftvoll, laut und selbstbewusst gewinnt Blister bei wiederholtem Hören an Format. Das Album besticht durch eine neue Eleganz sowie spürbarem Raumgefühl und enormer Wucht. Dies rührt zum Teil aus einer gewachsenen, detailierteren Produktion her, die auch die vielen Zwischentöne einfängt. Die schwindelerregende Natur des fast zweijährigen, ununterbrochenen Reisens spiegelt sich im Titel des ungeduldigen Eröffnungsstücks "Plovdiv" wider (ein Ort, an dem sie übrigens tatsächlich gespielt haben): Ein Glam-artiger Stampf-Rhythmus und eine federnde Basslinie treiben eine Reihe bedrohlicher Gitarrenriffs voran - Elemente, die allesamt jenen Sound widerspiegeln, mit dem Tramhaus in letzter Zeit die Konzertbühnen in Schutt und Asche gelegt haben. Auch weitere Stücke wie "Rat Race" und "I Was Never Alone" klingen ganz ähnlich. Die langsameren Titel des Albums offenbaren bisweilen eine ,rockistische" Erhabenheit, die sie zuvor lediglich angedeutet hatten: vielleicht im Stil der Pixies oder der späten Nirvana (man höre und staune!) - oder, an anderer Stelle als leises Flüstern, das an Nick Cave and the Bad Seeds erinnert. "Overachiever, Big Believer" und "Sly (Like Ever)" zeichnen sich durch eine beißende, knurrende Grundstimmung sowie geduldig ausgearbeitete Melodielinien aus - Eigenschaften, die im Jahr 1991 zweifellos hervorragend ins musikalische Zeitbild gepasst hätten. An anderer Stelle besticht "Solace" mit seinem offenen Akkordanschlag durch eine lässige Attitüde, die direkt einem Stück der Saints oder der Bad Seeds entstammen könnte. Das Beste wird sich für den Schluss aufgehoben: Bei "Swarm" bricht nach einem monolithischen, an die frühen Pere Ubu erinnernden Bass-Grollen ein grandioses, Sabbath-artiges Riff über den Hörer herein. Es ist ein hymnisches, transzendentes Stück, das in früheren Zeiten ein garantierter Hit gewesen wäre - eine Single, die Teenager auf der ganzen Welt dazu animiert hätte, ihre Air-Guitar-Künste vor Mamas Schlafzimmerspiegel zu perfektionieren. Also, das zweite Album der genau richtig neben dem Mainstream verorteten Postpunk-Niederländer*innen nicht verpassen! Dieses frisch grüne Vinyl ist limitiert (100 Stück weltweit)!

Recently unveiled Norwegian Heavy Metal act Avrak was founded in 2023 by guitarists Anders Hegna & Ted Skjellum; himself notable for being half of legendary duo, Darkthrone. The pair had known each other for many years, & with a mutual passion for old, classic rock & metal they finally embarked upon this new journey together under the banner of Avrak.

Ted had declared from the beginning that he would in fact not carry out main vocal duties in the band, & so Anders - with his own voice befitting of the style - took on this task.

Still quite early on within the formative stages, Terje Kråbøl was brought in on the drums &, from there-on, with his percussive presence backing up some thunderous riffing, the creative work accelerated until enough material was produced (and relentlessly refined), culminating in the self-titled, hook-laden & doom-laced rock debut, ‘Avrak’.

Suitably & epically defined as a monumental “Heavy Metal voyage from the peak of the mountains to the depths of the seas”, & delivering themes relating to empowerment in the face of increasingly corrupt times, ‘Avrak’ is a combination of a vast multitude of influences, as the eclectic, deceptively nuanced nine track offering features a classic heavy metal & doom rock backbone, with further experimentation including synth passages, & even some traces of black metal riffing in its DNA.

Avrak subsequently held its debut show in their local town of Porsgrunn in late April 2026, backed by the brand new bassist & final piece of the puzzle, Steinar Gundersen, with more live shows intended in future to support the release.

This edition of ‘Avrak’ is presented on limited silver vinyl, including printed inner sleeve with full lyrics.

Recently unveiled Norwegian Heavy Metal act Avrak was founded in 2023 by guitarists Anders Hegna & Ted Skjellum; himself notable for being half of legendary duo, Darkthrone. The pair had known each other for many years, & with a mutual passion for old, classic rock & metal they finally embarked upon this new journey together under the banner of Avrak.

Ted had declared from the beginning that he would in fact not carry out main vocal duties in the band, & so Anders - with his own voice befitting of the style - took on this task.

Still quite early on within the formative stages, Terje Kråbøl was brought in on the drums &, from there-on, with his percussive presence backing up some thunderous riffing, the creative work accelerated until enough material was produced (and relentlessly refined), culminating in the self-titled, hook-laden & doom-laced rock debut, ‘Avrak’.

Suitably & epically defined as a monumental “Heavy Metal voyage from the peak of the mountains to the depths of the seas”, & delivering themes relating to empowerment in the face of increasingly corrupt times, ‘Avrak’ is a combination of a vast multitude of influences, as the eclectic, deceptively nuanced nine track offering features a classic heavy metal & doom rock backbone, with further experimentation including synth passages, & even some traces of black metal riffing in its DNA.

Avrak subsequently held its debut show in their local town of Porsgrunn in late April 2026, backed by the brand new bassist & final piece of the puzzle, Steinar Gundersen, with more live shows intended in future to support the release.

This edition of ‘Avrak’ is presented on limited silver vinyl, including printed inner sleeve with full lyrics.

Möge es den Menschen im bekannten Universum gefallen, dass das musikalische Ensemble mit zahlreichen Namen, das rechtlich unter dem Namen ,Kay-Bee Funk Music Group" firmiert, sein - alphabetisch gesehen - erstes Album mit dem Titel ,Access All Areas" veröffentlicht. Diese Aufnahmen, die mit der von Karate Boogaloo patentierten ,Lovely Recording Technique" entstanden sind, machen deutlich, dass jeder ein VIP ist, wenn man KB hört. ,Access" war das einzige Wort, das The Old Kar-Boo's bei diesem Projekt philosophisch leitete. Wurde ein Stück zu verworren, landete es im Papierkorb. Nur diejenigen, die von jedem und allen gesummt werden konnten, blieben erhalten. Dieses Sieb kam während des gesamten Prozesses zum Einsatz; Arrangements und Formen wurden straff gehalten, Schnickschnack auf ein Minimum reduziert. War ,Hold Your Horses" aus dem Jahr 2024 noch ein Epos, so ist ,Access All Areas" ein Haiku. Der bewährte Aufnahmeprozess der Band wurde gewissenhaft eingehalten, abgesehen von einer wunderbaren Ergänzung: den großartigen ,Sound Recordings" unter der Leitung ihres Inhabers und außergewöhnlichen Toningenieurs Alex Bennet. Alex, der den 4-Spur-Ampex 440 bei Bedarf abseits der ausgetretenen Pfade steuerte und stets dafür sorgte, dass die Stimmung stimmte, ist ein waschechter Booger. Auch wenn es sich nur wie ein Augenblick anfühlt, sagt uns die Uhr, dass fast 20 Jahre vergangen sind, seit Kay's Bees zum ersten Mal versuchten, die Songs ihrer musikalischen Helden - The Meters, Booker T & The MG's und The JB's, um nur einige zu nennen - zu spielen. Seitdem haben die Famous Flying Karate Boogaloo Brothers einen Schritt nach dem anderen gemacht und ihren eigenen Sound entwickelt - einen, der die Geschichte der instrumentalen Funk- und Soul-Musik respektvoll würdigt und die Zeit widerspiegelt, die sie damit verbracht haben, ihren unverwechselbaren Sound zu entwickeln. So sehr jedes Mitglied auch für sich allein glänzt, ist es doch ein besonderes Ereignis, wenn alle vier Planeten im Booger-System in einer Linie stehen. ,Access All Areas" ist eine solche Finsternis - ein künstlerischer Ausdruck, an dem jedes Mitglied gleichermaßen beteiligt ist und der einen Schatten wirft, der einzigartig für diesen Anlass ist. Jede Sekunde der Musik wurde unter voller Beteiligung aller Mitglieder komponiert und produziert; das Mixing übernahm Henry Jenkins, das Artwork stammte von Hudson Whitlock und Callum Riley, und Darvid Thor vollbrachte Dinge, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben. Musik ist ein Mannschaftssport, und es gibt kein ,Ich" im Funk. Das Album erscheint bei den beiden großartigsten Plattenlabels der Galaxie: ,Colemine Records" aus Loveland, USA, und ,College of Knowledge" aus Coburg, Australien. Hören Sie sich bitte das neue Album ,Access All Areas" von Karate Boogaloo an.

Möge es den Menschen im bekannten Universum gefallen, dass das musikalische Ensemble mit zahlreichen Namen, das rechtlich unter dem Namen ,Kay-Bee Funk Music Group" firmiert, sein - alphabetisch gesehen - erstes Album mit dem Titel ,Access All Areas" veröffentlicht. Diese Aufnahmen, die mit der von Karate Boogaloo patentierten ,Lovely Recording Technique" entstanden sind, machen deutlich, dass jeder ein VIP ist, wenn man KB hört. ,Access" war das einzige Wort, das The Old Kar-Boo's bei diesem Projekt philosophisch leitete. Wurde ein Stück zu verworren, landete es im Papierkorb. Nur diejenigen, die von jedem und allen gesummt werden konnten, blieben erhalten. Dieses Sieb kam während des gesamten Prozesses zum Einsatz; Arrangements und Formen wurden straff gehalten, Schnickschnack auf ein Minimum reduziert. War ,Hold Your Horses" aus dem Jahr 2024 noch ein Epos, so ist ,Access All Areas" ein Haiku. Der bewährte Aufnahmeprozess der Band wurde gewissenhaft eingehalten, abgesehen von einer wunderbaren Ergänzung: den großartigen ,Sound Recordings" unter der Leitung ihres Inhabers und außergewöhnlichen Toningenieurs Alex Bennet. Alex, der den 4-Spur-Ampex 440 bei Bedarf abseits der ausgetretenen Pfade steuerte und stets dafür sorgte, dass die Stimmung stimmte, ist ein waschechter Booger. Auch wenn es sich nur wie ein Augenblick anfühlt, sagt uns die Uhr, dass fast 20 Jahre vergangen sind, seit Kay's Bees zum ersten Mal versuchten, die Songs ihrer musikalischen Helden - The Meters, Booker T & The MG's und The JB's, um nur einige zu nennen - zu spielen. Seitdem haben die Famous Flying Karate Boogaloo Brothers einen Schritt nach dem anderen gemacht und ihren eigenen Sound entwickelt - einen, der die Geschichte der instrumentalen Funk- und Soul-Musik respektvoll würdigt und die Zeit widerspiegelt, die sie damit verbracht haben, ihren unverwechselbaren Sound zu entwickeln. So sehr jedes Mitglied auch für sich allein glänzt, ist es doch ein besonderes Ereignis, wenn alle vier Planeten im Booger-System in einer Linie stehen. ,Access All Areas" ist eine solche Finsternis - ein künstlerischer Ausdruck, an dem jedes Mitglied gleichermaßen beteiligt ist und der einen Schatten wirft, der einzigartig für diesen Anlass ist. Jede Sekunde der Musik wurde unter voller Beteiligung aller Mitglieder komponiert und produziert; das Mixing übernahm Henry Jenkins, das Artwork stammte von Hudson Whitlock und Callum Riley, und Darvid Thor vollbrachte Dinge, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben. Musik ist ein Mannschaftssport, und es gibt kein ,Ich" im Funk. Das Album erscheint bei den beiden großartigsten Plattenlabels der Galaxie: ,Colemine Records" aus Loveland, USA, und ,College of Knowledge" aus Coburg, Australien. Hören Sie sich bitte das neue Album ,Access All Areas" von Karate Boogaloo an.

Mit "Milky Way" kehrt ein lange vergriffenes Juwel des Jazzrock und Fusion zurück. Das einzige Album der gleichnamigen Supergroup wurde Ende der 1980er-Jahre von dem renommierten polnischen Saxophonisten, Violinisten und Komponisten Michal Urbaniak initiiert und vereint einige der bedeutendsten Musiker des Genres. Zur hochkarätigen Besetzung zählen unter anderem Lenny White (Return To Forever), Victor Bailey (Weather Report), Randy Brecker (Brecker Brothers) und Ray Gomez. Gemeinsam verbindet die Band virtuose Improvisation, eingängige Melodien und den charakteristischen Sound des klassischen Fusion-Jazz. Ursprünglich auf Fritz Raus Label L+R Records veröffentlicht, war das Album über Jahre hinweg nicht mehr erhältlich. Diese remasterte Wiederveröffentlichung würdigt das musikalische Erbe von Michal Urbaniak und macht einen besonderen Titel der internationalen Fusion-Geschichte wieder zugänglich

,Do to the Beast" war bei seiner Veröffentlichung das erste neue Album der Afghan Whigs seit über anderthalb Jahrzehnten. Die 1988 in Cincinnati, Ohio, gegründete Band hebt sich seit jeher deutlich von ihren Mitstreitern ab - durch ihre wilde, mitreißende Mischung aus Hardrock, klassischem Soul und den eindringlichen Obsessionen ihres Frontmanns Greg Dulli. Das Album war sowohl eine Art Heimkehr - es markierte ihre damalige Rückkehr zu Sub Pop, für das die Whigs der erste Neuzugang außerhalb der nordwestlichen Heimat des Labels waren - als auch ein Blick in die Zukunft einer der meistgefeierten Bands der letzten dreißig Jahre. Doppel-LP, gepresst auf ,Pearl Flip"-/,Lagoon"-Vinyl!

Einerseits ist ,In Spades" so typisch für die Afghan Whigs wie kaum ein anderes Werk der Band - und wird damit ihrem ursprünglichen Anspruch gerecht, die fehlende Verbindung zwischen dem heulenden Punk des Mittleren Westens à la Die Kreuzen und Hüsker Dü, den psychedelischen Soul-Symphonien der Temptations und den weitläufigen Hardrock-Klangerlebnissen von Led Zeppelin und Lynyrd Skynyrd zu erkunden. Gleichzeitig geht dieses Album weit über alles hinaus, was das bisherige Repertoire der Whigs zu bieten hatte - ein weiteres Markenzeichen, ebenso wie die explosive Gruppendynamik, die auf der Aufnahme eingefangen wurde. Klapphülle mit maßgefertigter Schutzhülle. Gepresst auf kristallklarem Vinyl!

20 Jahre „Lebe Lauter“ – Christina Stürmers Erfolgsalbum erstmals auf Vinyl!
2006 erschien mit „Lebe Lauter“ eines der erfolgreichsten und prägendsten Alben in Christina Stürmers Karriere. Zum 20-jährigen Jubiläum bringt AMADEO diesen Meilenstein nun erstmals auf Vinyl – und
zwar als hochwertige, farbige „Oxblood“ Doppel-Vinyl.
Mit dabei sind einige der größten Christina-Stürmer-Hits überhaupt: „Nie genug“, „Lebe Lauter“, „Scherbenmeer“, „Um bei dir zu sein“ und viele mehr. Songs, die eine ganze Generation begleitet haben und bis
heute fixer Bestandteil ihrer Live-Shows sind.
„Lebe Lauter“ erreichte 2006 Platz 1 der Albumcharts in Österreich und Deutschland und steht wie kaum
ein anderes Album für Christina Stürmers Durchbruch im gesamten deutschsprachigen Raum. Mehr als 20
Jahre nach ihrem Karrierestart zählt sie zu den erfolgreichsten österreichischen Pop-Rock-Künstlerinnen –
mit zahlreichen Gold- und Platinauszeichnungen, Nummer-1-Alben, großen Tourneen und einer Fanbase,
die längst mehrere Generationen umfasst.
Für die Jubiläumsausgabe wurde das Album aufwendig remastered, das Original-Artwork neu veredelt
und mit der Oxblood-Farbvinyl auch optisch zu einem echten Sammlerstück gemacht.
Extra-Bonus für Fans: Zwei von Christina persönlich ausgewählte Lieblingstracks aus dem Akustik-Album
„laut-Los“– „Lebe Lauter“ und „An Sommertagen“ – erscheinen als Bonus ebenfalls erstmals auf Vinyl.
Ein starkes Jubiläum, ein Album voller Hits und ein hochwertiges Vinyl-Produkt für Fans, Sammler:innen
und alle, die mit Christina Stürmers Musik groß geworden sind.
20 Jahre „Lebe Lauter“. Erstmals auf Vinyl. Remastered. Oxblood. Doppel-Vinyl. Plus zwei exklusive
Vinyl-Bonustracks.
Es wird wieder laut!

Auf ihrem sechzehnten Studioalbum "Far And Wide" wirken The Pineapple Thief mehr denn je wie eine Rockband. Nach wie vor progressiv. Nach wie vor Meister einer Gänsehaut erzeugenden Atmosphäre. Nach wie vor im Einklang mit der seltsamen, unruhigen Welt um uns herum. Und nun - ein Jahrzehnt und sieben Alben nach dem Einstieg von Gavin Harrison am Schlagzeug - fangen sie die Chemie, die zurückgelegten Kilometer und die größeren Bühnen der letzten Jahre ein. Diese Energie in Echtzeit ist in diesen Songs deutlich zu spüren. Angefangen bei den stimmungsvollen Klängen des Openers "New World Order" schlägt diese Musik hart zu - voller Biss und imposanter Schatten, ohne dabei die subtilen Wendungen und die Leichtigkeit zu opfern, die ihnen so natürlich abhandenkommen. Mit anderen Worten: Rocksongs von echter Klasse und Nuance.Bei "Far And Wide" geht es um gemeinsame Grundlagen. Eine abstrakte Sammlung von Gefühlen über den Zustand der Welt, die menschliche Erfahrungen auf eine Weise erschließt, wie es vielleicht nur Musik vermag. Erhältlich als limitiertes 2CD+Blu-ray-Artbook, inklusive 1 Bonustrack sowie einer Bonus-CD mit Instrumentalversionen und einer Blu-ray mit Dolby Atmos, 5.1-Surround- und 24-Bit-Stereo-Dateien

»Moondram Sevi«, ein Album, das vertraut und gleichzeitig aufregend anders klingt: Dub und Disco-Diaspora treffen auf Kollywood-Soundtracks, Balearic-Sound, Neo-Library-Music, Psychedelic, Prog und krautige Grooves. Sahana Naresh singt auf drei Songs, darunter »Pambu Mookan Uncle« und »Sa Re Ga Ma Pa«. In all seiner kaleidoskopischen Bildkraft und rauschhaften Fabulierfreudigkeit hat »Moondram Sevi« etwas Cineastisches – und auch das für Keshavara typische babylonische Sprachgewirr aus Deutsch, English, Tamil & Gibberish regiert wieder.
Bei Keshavara versteht sich die Sprache als Musik, während die Musik sich als Sprache versteht. Und mag diese Musik auch noch so filmisch daherkommen, so bleibt sie doch immer tanzbar: »Moondram Sevi« (Tamil für »das dritte Ohr«) ist Kopfkino für die Füße.

1986 veröffentlichten Bassist Ron Royce (Ron Broder), Gitarrist Tommy T. Baron (Tommy Vetterli) und Schlagzeuger Marquis Marky (Markus Edelmann) ihr erstes Demotape »Death Cult« mit Hilfe von Celtic Frosts Tom Gabriel Fischer am Gesang (Fischer war auch für die Texte verantwortlich).
Kurz darauf, Anfang 1987, unterschrieben Zürichs Avantgarde-Metal-Pioniere einen Vertrag mit Noise Records aus Berlin. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich Bassist Ron Royce entschieden, selbst die Rolle des Leadsängers von Coroner zu übernehmen.
Schließlich buchte Karl-Ulrich Walterbach von Noise Records für Coroner Studiozeit im Berliner Music Lab Studio, damit sie ihr Debütalbum unter den wachsamen Augen von Harris Johns aufnehmen konnten. »R.I.P.« wurde im Juni 1987 veröffentlicht und erhielt ausgesprochen positives Feedback in der Presse.

1988 folgte auf Coroners Debütalbum »Punishment For Decadence« (diesmal produziert im Sky Trak Studio in Berlin, produziert von Guy Bidmead). Laut Gitarrist Tommy Vetterli war das eine natürliche Weiterentwicklung für die Band: „Wir haben uns mehr auf die Tiefe der Musik konzentriert, es war nicht mehr nur eine Demonstration unserer technischen Fähigkeiten. Die Band war ziemlich tight, definitiv tighter als auf unserem ersten Album. Insgesamt denke ich, dass die Platte etwas reifer ist. Es ging weniger darum zu zeigen: ‚Schaut her, wie gut wir spielen können‘, sondern der Fokus lag auf den Songs.“
Der herausragende Track auf dem Album ist „Masked Jackal“, ein Fanliebling bis zum heutigen Tage. Außerdem wurde ein Musikvideo zu dem Song gedreht, wie der Gitarrist erklärt: „Es ist das Stück, das auf dem Album heraussticht. MTV war damals für jede Band extrem wichtig. Deshalb ist ‚Masked Jackal‘ bis heute ein Favorit der Fans.“

»Punishment For Decadence« kam mit einem auffälligen Cover-Artwork daher (ein Gemälde mit dem Titel „Porte de L'enfer“), eine Idee von Schlagzeuger Marky: „Er kletterte mitten in der Nacht eine Leiter hinauf und fotografierte hier in Zürich das Artwork von Rodin. Das Plattenlabel fand jedoch, dass dieses Cover nicht ‚Heavy Metal‘ genug sei, also veröffentlichten sie für die zweite Pressung ein anderes Cover mit diesem Skelett, das Geige spielt. Jenes Motiv war eigentlich nur als T-Shirt-Design gedacht.“

Laut Tommy lief das Album in Sachen Verkaufszahlen ordentlich: „Anscheinend müssen die Verkaufszahlen befriedigend gewesen sein; sonst hätten wir wahrscheinlich nicht weitermachen können. Wir haben nicht viel Geld mit Coroner verdient, aber das Ganze hat viel Spaß gemacht. Wir konnten überleben und das tun, was wir lieben. Die Presse und andere Musiker mochten uns, aber wir erreichten niemals die breite Masse.“
Im Februar 2026 von Patrick W. Engel bei TEMPLE OF DISHARMONY remastert und restauriert. Die Schneidearbeiten wurden von SST Germany auf Neumann-Geräten durchgeführt, um in jeder Hinsicht optimale Qualität zu gewährleisten. Die ultimative audiophile Ausgabe dieses zeitlosen Klassikers!

"Burning Down Paradise", das sechste Studioalbum der NWOBHM-Legende Tokyo Blade, erblickte ursprünglich im Jahre 1995 über Fresh Fruit das Licht der Welt. Fresh Fruit war ein Sublabel von SPV in Hannover. High Roller Records legt »Burning Down Paradise« jetzt zum allerersten Mal als Vinyl auf.
Die Platte markierte die Wiedervereinigung von Gitarrist Andy Boulton und Sänger Alan Marsh, die das erste Mal seit dem Debütalbum von Tokyo Blade im Jahre 1983 wieder gemeinsame Sache machten. Die damalige Besetzung wurde komplettiert von John Wiggins an der zweiten Gitarre, Colin Riggs am Bass und Marc Angel hinterm Schlagzeug.
„Ich denke, alle zwölf Songs haben den Test der Zeit gut überstanden“, kommentiert Gitarrist und Gründungsmitglied Andy Boulton heute. „Allerdings war es eine schwierige Zeit für Hardrock und Heavy Metal. Der musikalische Geschmack hatte sich drastisch verändert. Das Album wurde in einem kleinen Studio direkt außerhalb von Marlborough in Wiltshire aufgenommen. Zusammen mit einem Tontechniker namens Nick Beer. Ich nehme an, man könnte sagen, dass die ganze Band »Burning Down Paradise« produziert hat. Als Hauptsongwriter hatten Alan und ich am Ende aber wohl den größten Einfluss auf den Sound der Platte.“
Laut Aussage des Gitarristen erntete das Album zum Erscheinungszeitpunkt unterschiedliche Reaktionen: „Die Meinungen gingen auseinander, einige alte Fans mochten unsere neue Richtung nicht, während andere positiver eingestellt waren. Und was die Kritiker an sich betrifft, auf die höre ich eh nicht. Meine Einstellung ist: Wenn dir die Musik nicht gefällt, hör sie dir einfach nicht an.“
Nach der Veröffentlichung von "Burning Down Paradise" gingen Andy Boulton und Alan Marsh abermals getrennte Wege. Tokyo Blade lösten sich (zwischenzeitlich) auf: „Wir hatten die Schnauze voll, ohne Unterstützung von irgendwoher weiterzumachen. Es war eine schlechte Zeit für unsere Art von Musik, und wir sahen keinen Sinn darin, die Band weiterhin am Leben zu halten und unsere Kraft zu vergeuden.“
Remastered von Patrick W. Engel at TEMPLE OF DISHARMONY im März 2026.

Widow aus London (auch als Ritual bekannt) machten erstmalig 1983 im Zuge der NWOBHM-Bewegung auf sich aufmerksam, als ihr selbstbetiteltes Debütalbum auf Legend Records erschien. Zu jenem Zeitpunkt waren Re Bethe (Gitarre, Gesang), Phil Mason (Bass) und Rex Duval (Schlagzeug) allerdings bereits ganze zehn Jahre aktiv. Ihr allererster Live-Auftritt fand im September 1973 im ""Café des Artistes"" in der Fulham Road in London statt.
Heutzutage werden Widow/Ritual in bestimmten Kreisen als Säulenheilige der originalen Okkult-Rock-Welle verehrt. Re Bethe hingegen sieht wenig Parallelen zwischen seiner Band und Black Widow, Atomic Rooster oder Coven: ""Ich glaube, wir haben uns selbst niemals als Okkult-Rock-Band bezeichnet. Ich denke, wir waren eher ganz normaler Heavy Rock. Aber selbstverständlich haben wir beobachtet, was um uns herum musikalisch passierte. In den ganz frühen Tagen waren wir sicherlich ein wenig von Black Sabbath beeinflusst. Ich wollte schon immer wie eine Mischung aus Black Sabbath und Deep Purple klingen. Das waren wirklich die einzigen beiden Rockbands, die ich mir überhaupt angehört habe. Black Sabbath und Deep Purple hatten irgendwie den Dreh raus.”
Als Widow (oder Ritual) schließlich im Jahre 1983 ihre Platte vorlegten, hatte die NWOBHM ihren Höhepunkt bereits überschritten. “Wir sahen, was mit den anderen Bands geschah”, gibt Re Bethe zu Protokoll. “Wir fühlten uns dieser Bewegung auf eine bestimmte Art und Weise verbunden. Die Leute haben uns oft mit Samson, Quartz oder Pagan Altar verglichen. Im Grunde genommen gehörten wir aber einer früheren Generation an, die sich bereits vor der Punk-Revolution formiert hatte und nun mit der Schwierigkeit konfrontiert wurde, Arbeit an Land zu ziehen. Es war schier unmöglich, einen Deal zu ergattern, es war sogar unmöglich, überhaupt einen Vertrieb für die Platte zu bekommen.”
Audio-Restaurierung und Mastering durch Patrick W. Engel bei TEMPLE OF DISHARMONY im März 2026. Cutting durch SST Germany auf Neumann-Geräten für optimale Qualität in jeder Hinsicht.

Die Synthesizer-Künstlerin und Komponistin Emily A. Sprague verbindet intuitive Klangstrukturen mit ausdrucksstarkem Songwriting und schafft so weitläufige Klangwelten, die unmittelbar und mitreißend sind. Nach ersten Experimenten mit Gitarre und Keyboard als Teenager gründete Sprague Anfang der 2010er Jahre die Indie-Band Florist und gewann damit ein treues Publikum. Nach einer Reihe gefeierter EPs nahmen Florist fünf Studioalben auf, die sich durch ihre intime Weltgestaltung und durch Spragues gefühlvollen Gesang auszeichnen. Den Soloalben "Hill, Flower, Fog" aus dem Jahr 2020 und "Cloud Time" aus dem Jahr 2025 - einem Album mit modularen Synthesizern, das live in Japan aufgenommen wurde - nachfolgend, ist "Cyano" ist ihr erstes Soloalbum, das Spragues intuitive Synthesizer-Musik mit dem Songwriting verbindet, für das sie mit ihrer Band Florist bekannt ist, und führt Gesang in ihr bisher rein instrumentales Schaffen ein. Absichtlich minimalistisch gehalten, ist Spragues Gesang wie eine rauschbehaftete Übertragung, die einen technischen und symbolischen Wendepunkt markiert - mit experimenteller, formloser Musik, die die eher konventionellen Songstile von Florist dekonstruiert. Emotional verankert und von Vergänglichkeit getrieben, spiegelt das Album sowohl Spragues inneren Raum als auch den konzeptionellen Planeten "Cyano" wider und setzt sich mit dem Selbst, dem Anderen, der Ökologie und dem Leben in einer fernen Welt auseinander. Spragues musikalischer Ansatz ist geprägt von einer zutiefst persönlichen Atmosphäre, die darin wurzelt, Geschichten über sich selbst und andere - Formen der innerpersönlichen und zwischenmenschlichen Verbindung - sowie die Unbeständigkeit dieser Versuche zu ergründen. Durch intime phänomenologische Erkundungen bietet "Cyano" subtile und eindrucksvolle Klangtexturen, die Verletzlichkeit einbeziehen. Emily A. Sprague erschafft eine komplexe Welt und erweitert dabei ein Klangspektrum, das zugleich vertraut und zutiefst neu ist - ein Spiegelbild ihres inneren Spektrums, das in andere Welten blickt.

Semiratruth ist ständig in Bewegung. Der in Brooklyn lebende, in Chicago geborene Elektronik-Künstler reist von Bühne zu Bühne und pendelt zwischen unterschiedlichen Underground-Musikszenen - von den USA über Guatemala bis in die Niederlande -, Synthesizer und Sampler im Gepäck, als wären sie ein Teleportationsgerät. Auf der Bühne lenkt er intuitiv die Energie im Raum und scheint den kollektiven Herzschlag des Publikums mit einem universellen Metronom zu synchronisieren. Mit einem Tisch voller Elektronik-Geräte klopft er ganz beiläufig klangliche Portale in eine andere Welt auf. Semiras sich ständig wandelndes Umfeld und ihr eigener gelebter Schwung sind auf ihrer neuen LP ,S!M" zu hören, die am 25. September über das vielseitige Chicagoer Label Sooper Records erscheint. ,S!M" schafft eine einzigartige Balance: Der kompositorische Minimalismus von Acid, Juke und Baile Funk schlängelt sich in industrielle Klanglandschaften, um dann durch experimentelle und melodische Improvisationen ins Licht gerückt zu werden, die an Cosmic Synth und Spiritual Jazz der 1970er Jahre erinnern. Das Selbstbewusstsein, mit dem Semiratruth diese klangliche Dualität nutzt, spiegelt sich in den Themen ihres schwindelerregenden instrumentalen Multiversums mit 20 Tracks wider. Disharmonische Stimmen von Gedanken und Gefühlen, Sehnsucht und Hingabe, Hinterfragen und Träumen - all das findet Harmonie in Semiras Welt, in der unterschiedliche Realitäten gleichzeitig existieren. Jeder Track ist ein Universum, das sich in einem Existentialismus ergeht, der zu gleichen Teilen aus Freude und Schmerz besteht - eine Aufforderung, den Kosmos mit Kopfhörern zu ergründen oder ihn auf der Tanzfläche auszuleben. Semiratruths bisheriges Werk und vergangene Live-Auftritte haben dem Künstler einen Ruf für seine lyrische Gewandtheit eingebracht, doch ihre Leidenschaft für instrumentale Arrangements ist in all ihren bisherigen selbstproduzierten Werken zu hören. Auf ,S!M" richtet Semira den Fokus ganz einfach auf die Sounddesign-Aspekte ihrer Kunst. Tracks wie ,Atitlán", benannt nach Guatemalas großem See, zeigen Semiratruths disziplinierte kompositorische Stärke. In seiner Mikrotonalität sehr intim, breitet sich ein sich langsam wandelndes Synth-Pad aus, während Spritzer maschineller Töne die Mehrdeutigkeiten des Lebens zwischen den Noten melodisch zum Leben erwecken. Diese Zurückhaltung steht in krassem Kontrast zu Tracks wie ,Blood Moon Eclipse" und ,we gotta GO!", in denen dröhnende Kick-Drums den Hörer in den Rhythmus des Stadtlebens katapultieren. In jedem Moment könnte Semiratruth überall sein. Wo auch immer Semira nicht ist, füllt ihr Geheimnis die Leere. Ihr Schatten-Ich stürzt sich in ein pulsierendes Publikum von NYC-Fans, während sie die Lautsprecher mit einem Fingertipp zum Beben bringen. Im selben Moment wird ihre Geschichte zum Mythos in den Chicagoer DIY-Szenen, aus denen sie hervorgegangen sind. Genau in derselben Sekunde schwärmen Farm-Core-Songwriter hinter der Bühne eines Folk-Festivals von ihrer neu entdeckten musikalischen Obsession und rufen aus: ,Semira ist die WAHRHEIT!" Wie Semira es ausdrückt: ,All diese S!Mulationen und Zeitachsen finden S!Multan statt. Je tiefer du eintauchst, desto seltsamer wird es."

ERSTMALS AUF VINYL! Ursprüngliche 2-CD-Veröffentlichung: 1995. 32 Improvisations- und Dub-Tracks von The Ex! Die Verbindungen zwischen einer Punkband und improvisierter Musik liegen also auf der Hand: Ablehnung von Autorität, Hinterfragung traditionell gepriesener Maßstäbe, Erforschung von Kreativität jenseits der Zwänge kommerzieller Verkäuflichkeit. Kein Instantkaffee, kein Instant-Frühstück, kein Instant-Geld - INSTANTS, DIE BEWIRKEN. Momente, die bekräftigen: ,Das ist jetzt; hier sind wir, das tun wir." Auch improvisierte Musik braucht so einen Energieschub, um nicht engstirnig, verfestigt, elitär, kleinlich oder elitär zu werden. Wie Misha Mengeberg sagte: ,Ich bin im Moment sehr weit davon entfernt, Aussagen zu treffen wie ,Komposition sollte so oder so sein` oder ,Improvisation war bisher so und so`. Das hebe ich mir für den Moment auf, in dem ich tatsächlich in eine musikalische Aktion einsteige. In solchen Momenten habe ich vielleicht ein paar Definitionen. Aber jetzt noch nicht." - John Corbett ,32 Miniaturen. Manche sind ehrlich gesagt faszinierend, andere auf jeden Fall umwerfend. Aber es wird nie langweilig oder glatt. Praktisch ohne Gesang reisen The Ex durch eine Traumwelt, in der Überraschungen sich gegenseitig überraschen und in der sich neue und bisher verborgene Welten offenbaren." - The Wire THE EX: Terrie, Luc, Andy, Katrin, Han Buhrs, G.W.Sok & Gäste: Ab Baars, Wolter Wierbos, Han Bennink, Dolf, Tristan Honsinger, Michael Vatcher.

Die Synthesizer-Künstlerin und Komponistin Emily A. Sprague verbindet intuitive Klangstrukturen mit ausdrucksstarkem Songwriting und schafft so weitläufige Klangwelten, die unmittelbar und mitreißend sind. Nach ersten Experimenten mit Gitarre und Keyboard als Teenager gründete Sprague Anfang der 2010er Jahre die Indie-Band Florist und gewann damit ein treues Publikum. Nach einer Reihe gefeierter EPs nahmen Florist fünf Studioalben auf, die sich durch ihre intime Weltgestaltung und durch Spragues gefühlvollen Gesang auszeichnen. Den Soloalben "Hill, Flower, Fog" aus dem Jahr 2020 und "Cloud Time" aus dem Jahr 2025 - einem Album mit modularen Synthesizern, das live in Japan aufgenommen wurde - nachfolgend, ist "Cyano" ist ihr erstes Soloalbum, das Spragues intuitive Synthesizer-Musik mit dem Songwriting verbindet, für das sie mit ihrer Band Florist bekannt ist, und führt Gesang in ihr bisher rein instrumentales Schaffen ein. Absichtlich minimalistisch gehalten, ist Spragues Gesang wie eine rauschbehaftete Übertragung, die einen technischen und symbolischen Wendepunkt markiert - mit experimenteller, formloser Musik, die die eher konventionellen Songstile von Florist dekonstruiert. Emotional verankert und von Vergänglichkeit getrieben, spiegelt das Album sowohl Spragues inneren Raum als auch den konzeptionellen Planeten "Cyano" wider und setzt sich mit dem Selbst, dem Anderen, der Ökologie und dem Leben in einer fernen Welt auseinander. Spragues musikalischer Ansatz ist geprägt von einer zutiefst persönlichen Atmosphäre, die darin wurzelt, Geschichten über sich selbst und andere - Formen der innerpersönlichen und zwischenmenschlichen Verbindung - sowie die Unbeständigkeit dieser Versuche zu ergründen. Durch intime phänomenologische Erkundungen bietet "Cyano" subtile und eindrucksvolle Klangtexturen, die Verletzlichkeit einbeziehen. Emily A. Sprague erschafft eine komplexe Welt und erweitert dabei ein Klangspektrum, das zugleich vertraut und zutiefst neu ist - ein Spiegelbild ihres inneren Spektrums, das in andere Welten blickt.

Wishys ,Nature's Pill" fängt eine Welt ein, in der sich das Leben unvorhersehbar und überwältigend anfühlt, aber dennoch voller Möglichkeiten ist. Auf ihrem pulsierenden zweiten Album gibt sich Wishy dem Wahnsinn hin - und fängt romantische Frustration, neurotisches Verlangen und das Melodram ein, das sich daraus ergibt, einfach nur Mensch zu sein, in einem ausgelassenen Remix der Vergangenheit. ,Nature's Pill" trägt alle Markenzeichen von Wishy: schräge Texte, die Melancholie in Freiheit verwandeln, Refrains, die sofort zu Klassikern werden, und eine unheilige Fusion aus zuckersüßem Grunge, Indie-Rock und Dream-Pop. Wishys Entstehungsgeschichte war ein produktiver Ausbruch, angetrieben von der musikalischen Synergie der Band: die EPs ,Mana" und ,Paradise" im Jahr 2023, das Debütalbum ,Triple Seven" im Jahr 2024 und die Folge-EP ,Planet Popstar" im Jahr 2025. Nachdem diese Veröffentlichungen Beifall fanden und das Ansehen der Band wuchs, war die Konzeption von ,Nature's Pill" grundlegend anders. Das Album entstand in engerer Zusammenarbeit als frühere Veröffentlichungen, und die Gruppe traf sich erneut mit dem ,Triple Seven"-Co-Produzenten Ben Lumsdaine in Los Angeles, wo sich das Quintett in ein winziges Studio quetschte und die Hälfte der Songs live im Raum aufnahm, wodurch das Album die unmittelbare Energie einer Band erhielt, die nach intensiven Tourneen perfekt aufeinander eingespielt ist. Das gab ihnen diesmal die Möglichkeit, eine noch größere Bandbreite an Einflüssen zu vereinen, wobei sich der 90er-Jahre-Dream-Pop und Alternative-Rock von ,Triple Seven" mit dem College-Rock der 80er und dem Indie der 00er vermischte.

Wishys ,Nature's Pill" fängt eine Welt ein, in der sich das Leben unvorhersehbar und überwältigend anfühlt, aber dennoch voller Möglichkeiten ist. Auf ihrem pulsierenden zweiten Album gibt sich Wishy dem Wahnsinn hin - und fängt romantische Frustration, neurotisches Verlangen und das Melodram ein, das sich daraus ergibt, einfach nur Mensch zu sein, in einem ausgelassenen Remix der Vergangenheit. ,Nature's Pill" trägt alle Markenzeichen von Wishy: schräge Texte, die Melancholie in Freiheit verwandeln, Refrains, die sofort zu Klassikern werden, und eine unheilige Fusion aus zuckersüßem Grunge, Indie-Rock und Dream-Pop. Wishys Entstehungsgeschichte war ein produktiver Ausbruch, angetrieben von der musikalischen Synergie der Band: die EPs ,Mana" und ,Paradise" im Jahr 2023, das Debütalbum ,Triple Seven" im Jahr 2024 und die Folge-EP ,Planet Popstar" im Jahr 2025. Nachdem diese Veröffentlichungen Beifall fanden und das Ansehen der Band wuchs, war die Konzeption von ,Nature's Pill" grundlegend anders. Das Album entstand in engerer Zusammenarbeit als frühere Veröffentlichungen, und die Gruppe traf sich erneut mit dem ,Triple Seven"-Co-Produzenten Ben Lumsdaine in Los Angeles, wo sich das Quintett in ein winziges Studio quetschte und die Hälfte der Songs live im Raum aufnahm, wodurch das Album die unmittelbare Energie einer Band erhielt, die nach intensiven Tourneen perfekt aufeinander eingespielt ist. Das gab ihnen diesmal die Möglichkeit, eine noch größere Bandbreite an Einflüssen zu vereinen, wobei sich der 90er-Jahre-Dream-Pop und Alternative-Rock von ,Triple Seven" mit dem College-Rock der 80er und dem Indie der 00er vermischte.