quête:aspekt

WORM's zweites Album, das Anfang 2020 erschienene "Gloomlord", ist der direkte Vorläufer des massiven "Foreverglade", welches 2021 die Welt erzittern lassen sollte. "Gloomlord" war im Vergleich zum Debütalbum ein großer stilistischer Sprung nach vorne und verschaffte der Band eine breitere Aufmerksamkeit, und ihr Funeral Florida Doom hat seitdem eine eigene kultähnliche Anhängerschaft angehäuft.

Bis jetzt war "Gloomlord" schwer zu bekommen und oft nicht erhältlich. Da die Band nun fest auf 20 Buck Spin zu Hause ist und ihre ersten Live-Auftritte für 2023 plant, war es an der Zeit, die steigende Nachfrage zu befriedigen und "Gloomlord" für die breite Masse zugänglich zu machen.

Als zusätzlicher Bonus wurde das Album von Greg Chandler von den Funeral Doom Legenden ESOTERIC in den Priory Recording Studios in Großbritannien komplett neu gemastert. Und wie schon bei den Vinyl-Veröffentlichungen von "Foreverglade" und "Bluenothing" liegt auch der Neuauflage von "Gloomlord" ein großes Poster bei. Mit diesen zusätzlichen Aspekten betrachtet Hauptprotagonist Phantom Slaughter dies als die definitive Version von "Gloomlord".

"Gloomlord" ist eines dieser großartigen Alben, das die richtige Art von Hörer sofort durch die schiere Stärke seines Sounds und seiner Vision fesseln wird, aber es wird weiterhin sorgfältige Details offenbaren, je mehr und genauer man es hört." - Last Rites Mag

Swamp Green Clear Vinyl

WORM's zweites Album, das Anfang 2020 erschienene "Gloomlord", ist der direkte Vorläufer des massiven "Foreverglade", welches 2021 die Welt erzittern lassen sollte. "Gloomlord" war im Vergleich zum Debütalbum ein großer stilistischer Sprung nach vorne und verschaffte der Band eine breitere Aufmerksamkeit, und ihr Funeral Florida Doom hat seitdem eine eigene kultähnliche Anhängerschaft angehäuft.

Bis jetzt war "Gloomlord" schwer zu bekommen und oft nicht erhältlich. Da die Band nun fest auf 20 Buck Spin zu Hause ist und ihre ersten Live-Auftritte für 2023 plant, war es an der Zeit, die steigende Nachfrage zu befriedigen und "Gloomlord" für die breite Masse zugänglich zu machen.

Als zusätzlicher Bonus wurde das Album von Greg Chandler von den Funeral Doom Legenden ESOTERIC in den Priory Recording Studios in Großbritannien komplett neu gemastert. Und wie schon bei den Vinyl-Veröffentlichungen von "Foreverglade" und "Bluenothing" liegt auch der Neuauflage von "Gloomlord" ein großes Poster bei. Mit diesen zusätzlichen Aspekten betrachtet Hauptprotagonist Phantom Slaughter dies als die definitive Version von "Gloomlord".

"Gloomlord" ist eines dieser großartigen Alben, das die richtige Art von Hörer sofort durch die schiere Stärke seines Sounds und seiner Vision fesseln wird, aber es wird weiterhin sorgfältige Details offenbaren, je mehr und genauer man es hört." - Last Rites Mag

Deutsche Grammophon präsentiert das aufregende neue Filmprojekt der mehrfach ausgezeichneten (Oscar,
2 Grammys, Golden Globe, Emmy, BAFTA u.a.) isländischen Komponistin und Cellistin Hildur Guðnadóttir
(Joker, Chernobyl, Battlefield 2042 u.a.) - ein bahnbrechendes Konzeptalbum für den neuen Film TÁR
des dreifach Oscar-nominierten Todd Field mit Cate Blanchett in der Hauptrolle als Dirigentin Lydia Tár.
Blanchett tauchte in jeden Aspekt des Lebens ihrer Figur ein und ist auf dem Album zu hören, wie sie
die Proben einer Mahler-Sinfonie mit außerordentlichem Geschick leitet. Bereits bei der Premiere im
Rahmen des Venice Film Festivals wurde sie für diese herausragende Leistung ausgezeichnet, sodass der
Film schon jetzt als Frontrunner für die Oscars und Award Season 2022/23 gilt. Das facettenreiche Album
präsentiert sowohl Musik aus dem Film wie auch durch den Film inspirierte Musik, darunter eine Reihe von
eindringlichen neuen Stücken von Hildur Guðnadóttir, sowie Auszüge aus Werken Elgars und Mahlers. Es
ergänzt die faszinierende Handlung des Films, indem es vollendete, reale Versionen der Musik präsentiert,
an denen die fiktive Protagonistin Lydia Tár bereits im Film arbeitet. Ziel des Albums ist es, dem Hörer
etwas von der Komplexität des musikalischen Proben- und Aufnahmeprozesses zu vermitteln. ”Das Album,
wie auch der Film, soll für den Hörer das komplexe Wirrwarr erlebbar werden lassen, wenn Musik gemacht
wird.“ (Todd Field).

"Expanding Senses" - der heftige Nachfolger von "Insanity" - bietet viel Abwechslung in den Songs. Es gibt die schnelleren Tracks voller Chops, und dann gibt es mittelschnelle Songs mit viel Gitarren-Crunch (ein neuer Aspekt von DARKANE). Und natürlich dürfen wir die Tracks nicht vergessen, die beides mischen und sich von brutal zu melodisch und wieder zurückbewegen, während sie auf dem Weg dorthin das atmosphärische Cyber-Gefühl einbauen.

"Expanding Senses" ist etwas weniger progressiv und chaotisch, sondern eher geradlinig. Das ist aber in Ordnung, denn DARKANE haben es sich zur Aufgabe gemacht, ihre Songs konzentrierter, aber nicht zu einfach zu halten.

Andreas Sydow zeigt einen Gesangsstil, der eher an Slayers Araya erinnert, was perfekt zu den Songs passt.
Zu den herausragenden Tracks "Innocence Gone" und "Chaos vs Order" wurden zwei Videos produziert, die DARKANE einen weiteren Schub gaben. Diese beiden Songs werden immer noch bei den meisten Live-Shows gespielt.

Um "Expanding Senses" gebührend vorzustellen, absolvierten DARKANE ihre ersten größeren Tourneen, u.a. mit Testament, Behemoth, Death Angel und Marduk, und sie traten auch auf einigen Festivals wie dem Sweden Rock Festival und dem Wacken Open Air (Deutschland) auf. Auch in Japan und Israel waren sie erstmals zu Gast.

"Rob wollte, dass sich die Welt von The Northman rau und ungemütlich anfühlt, als wäre es mit Schlamm und getrocknetem Blut bedeckt, also war es wichtig, dass die Musik dies widerspiegelt." Die Komponisten Robin Carolan (Tri-Angle Records) und Sebastian Gainsborough (Vessel) wurden vor eine Aufgabe epischen Ausmaßes gestellt, als Regisseur Rob Eggers (The VVitch, The Lighthouse) sie bat, die Filmmusik für seinen ehrgeizigen Film The Northman zu schreiben. Sie mussten eine Filmmusik schaffen, die sowohl die immensen Recherchen zur Authentizität dieses historischen Stücks aus der Wikingerzeit würdigte; als auch den filmischen Maximalismus des Films für ein modernes Publikum ergänzte. Die Künstler gingen bis an die Grenzen ihrer Kreativität und das Ergebnis ist ein wunderschönes Klangbild, das den Hörer mitten in den Film versetzt. Beim Arrangieren der Partitur zogen die Komponisten den Musiker und Ethnographen Poul Hoxbro zu Rate, um sich inspirieren zu lassen und einen Einblick in die Geschichte der Wikingermusik zu erhalten. Da Robin und Sebastian aus dem Bereich der elektronischen Musik kommen, waren sie keinerlei Beschränkung auf eine kleine Auswahl von Musikinstrumenten unterworfen, nutzten diese aber als Ausgangsbasis. "Elektronische Musik hat ein fast grenzenloses Potenzial, wenn es darum geht, Klänge zu erzeugen, und das ist natürlich eine unglaubliche Sache, aber man kann auch in ein Wurmloch geraten und sich darin manchmal verlieren. Diese Gefahr besteht nicht, wenn man nur ein paar Hauptinstrumente hat, auf die man zurückgreifen kann" so Robin Carolan. Sie benutzten traditionelle Instrumente wie die Tagelharpa, die Langspil, die Kravik-Lyra und die Säckpip, um die filmische Welt von The Northman zu erschaffen, aber sie nahmen sich auch kreative Freiheiten, indem sie Instrumente wie Trommeln hinzufügten, von denen einige Wissenschaftler glauben, dass sie in der Musikkultur der Wikinger keine große Rolle gespielt hätten, einfach weil es keine archäologischen Beweise für echte Trommeln gibt. "Eines der Stücke sollte den Klang eines Bullroarers nachahmen; ein uraltes Instrument, das in heiligen Ritualen oder in der Schlacht zur Einschüchterung von Feinden eingesetzt wird. Es erzeugt einen wirklich verwirrenden, röhrenden Vibrato-Sound und tiefe Frequenzen, die wahnsinnige Entfernungen zurücklegen können." sagt Robin auf die Frage nach einem der einzigartigeren Aspekte der Partitur. Alle Beteiligten haben so viel Mühe in ihre Recherchen und ihre Kreativität gesteckt, und dieser Reichtum ist in jedem Stück offensichtlich. Das Album als Ganzes ist ein cineastisches Meisterwerk aus Klang und Atmosphäre, wunderschön und verstörend zugleich, genau wie der Film, den es so wunderbar begleitet.

"Rob wollte, dass sich die Welt von The Northman rau und ungemütlich anfühlt, als wäre es mit Schlamm und getrocknetem Blut bedeckt, also war es wichtig, dass die Musik dies widerspiegelt." Die Komponisten Robin Carolan (Tri-Angle Records) und Sebastian Gainsborough (Vessel) wurden vor eine Aufgabe epischen Ausmaßes gestellt, als Regisseur Rob Eggers (The VVitch, The Lighthouse) sie bat, die Filmmusik für seinen ehrgeizigen Film The Northman zu schreiben. Sie mussten eine Filmmusik schaffen, die sowohl die immensen Recherchen zur Authentizität dieses historischen Stücks aus der Wikingerzeit würdigte; als auch den filmischen Maximalismus des Films für ein modernes Publikum ergänzte. Die Künstler gingen bis an die Grenzen ihrer Kreativität und das Ergebnis ist ein wunderschönes Klangbild, das den Hörer mitten in den Film versetzt. Beim Arrangieren der Partitur zogen die Komponisten den Musiker und Ethnographen Poul Hoxbro zu Rate, um sich inspirieren zu lassen und einen Einblick in die Geschichte der Wikingermusik zu erhalten. Da Robin und Sebastian aus dem Bereich der elektronischen Musik kommen, waren sie keinerlei Beschränkung auf eine kleine Auswahl von Musikinstrumenten unterworfen, nutzten diese aber als Ausgangsbasis. "Elektronische Musik hat ein fast grenzenloses Potenzial, wenn es darum geht, Klänge zu erzeugen, und das ist natürlich eine unglaubliche Sache, aber man kann auch in ein Wurmloch geraten und sich darin manchmal verlieren. Diese Gefahr besteht nicht, wenn man nur ein paar Hauptinstrumente hat, auf die man zurückgreifen kann" so Robin Carolan. Sie benutzten traditionelle Instrumente wie die Tagelharpa, die Langspil, die Kravik-Lyra und die Säckpip, um die filmische Welt von The Northman zu erschaffen, aber sie nahmen sich auch kreative Freiheiten, indem sie Instrumente wie Trommeln hinzufügten, von denen einige Wissenschaftler glauben, dass sie in der Musikkultur der Wikinger keine große Rolle gespielt hätten, einfach weil es keine archäologischen Beweise für echte Trommeln gibt. "Eines der Stücke sollte den Klang eines Bullroarers nachahmen; ein uraltes Instrument, das in heiligen Ritualen oder in der Schlacht zur Einschüchterung von Feinden eingesetzt wird. Es erzeugt einen wirklich verwirrenden, röhrenden Vibrato-Sound und tiefe Frequenzen, die wahnsinnige Entfernungen zurücklegen können." sagt Robin auf die Frage nach einem der einzigartigeren Aspekte der Partitur. Alle Beteiligten haben so viel Mühe in ihre Recherchen und ihre Kreativität gesteckt, und dieser Reichtum ist in jedem Stück offensichtlich. Das Album als Ganzes ist ein cineastisches Meisterwerk aus Klang und Atmosphäre, wunderschön und verstörend zugleich, genau wie der Film, den es so wunderbar begleitet.

"Rob wollte, dass sich die Welt von The Northman rau und ungemütlich anfühlt, als wäre es mit Schlamm und getrocknetem Blut bedeckt, also war es wichtig, dass die Musik dies widerspiegelt." Die Komponisten Robin Carolan (Tri-Angle Records) und Sebastian Gainsborough (Vessel) wurden vor eine Aufgabe epischen Ausmaßes gestellt, als Regisseur Rob Eggers (The VVitch, The Lighthouse) sie bat, die Filmmusik für seinen ehrgeizigen Film The Northman zu schreiben. Sie mussten eine Filmmusik schaffen, die sowohl die immensen Recherchen zur Authentizität dieses historischen Stücks aus der Wikingerzeit würdigte; als auch den filmischen Maximalismus des Films für ein modernes Publikum ergänzte. Die Künstler gingen bis an die Grenzen ihrer Kreativität und das Ergebnis ist ein wunderschönes Klangbild, das den Hörer mitten in den Film versetzt. Beim Arrangieren der Partitur zogen die Komponisten den Musiker und Ethnographen Poul Hoxbro zu Rate, um sich inspirieren zu lassen und einen Einblick in die Geschichte der Wikingermusik zu erhalten. Da Robin und Sebastian aus dem Bereich der elektronischen Musik kommen, waren sie keinerlei Beschränkung auf eine kleine Auswahl von Musikinstrumenten unterworfen, nutzten diese aber als Ausgangsbasis. "Elektronische Musik hat ein fast grenzenloses Potenzial, wenn es darum geht, Klänge zu erzeugen, und das ist natürlich eine unglaubliche Sache, aber man kann auch in ein Wurmloch geraten und sich darin manchmal verlieren. Diese Gefahr besteht nicht, wenn man nur ein paar Hauptinstrumente hat, auf die man zurückgreifen kann" so Robin Carolan. Sie benutzten traditionelle Instrumente wie die Tagelharpa, die Langspil, die Kravik-Lyra und die Säckpip, um die filmische Welt von The Northman zu erschaffen, aber sie nahmen sich auch kreative Freiheiten, indem sie Instrumente wie Trommeln hinzufügten, von denen einige Wissenschaftler glauben, dass sie in der Musikkultur der Wikinger keine große Rolle gespielt hätten, einfach weil es keine archäologischen Beweise für echte Trommeln gibt. "Eines der Stücke sollte den Klang eines Bullroarers nachahmen; ein uraltes Instrument, das in heiligen Ritualen oder in der Schlacht zur Einschüchterung von Feinden eingesetzt wird. Es erzeugt einen wirklich verwirrenden, röhrenden Vibrato-Sound und tiefe Frequenzen, die wahnsinnige Entfernungen zurücklegen können." sagt Robin auf die Frage nach einem der einzigartigeren Aspekte der Partitur. Alle Beteiligten haben so viel Mühe in ihre Recherchen und ihre Kreativität gesteckt, und dieser Reichtum ist in jedem Stück offensichtlich. Das Album als Ganzes ist ein cineastisches Meisterwerk aus Klang und Atmosphäre, wunderschön und verstörend zugleich, genau wie der Film, den es so wunderbar begleitet.

Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...

Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...

Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...

Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...

Repressed !

Die in Berlin lebende peruanische Produzentin Sofia Kourtesis kündigt ihre neue EP „Fresia Magdalena“ an, die am 19. März 2021 über das Ninja Tune-Sublabel Technicolour erscheinen wird.

Nach ihrer bahnbrechenden EP „Sarita Colonia“ - die vom Observer als „One To Watch“ bezeichnet wurde, und auf den „Emerging Artist“-Listen von DJ Mag und Mixmag stand und in den diesjährigen NME 100 auftauchte - verfeinert sie auf der EP weiterhin ihren einzigartigen Sound, indem sie klug ausgewählte Samples und einen fröhlichen Sinn für Persönlichkeit und Lokalität verwendet, um etwas absolut Ansteckendes zu schaffen. Obwohl in all ihren Arbeiten unbestreitbar präsent, ist „Fresia Magdalena“ mehr denn je in Kourtesis Heimat Peru verwurzelt. Auf einer ihrer regelmäßigen, ausgedehnten Reisen nach Hause begann der Entstehungsprozess der EP mit dem Sammeln von Feldaufnahmen rund um die Stadt Lima, in der Kourtesis' Familie derzeit lebt, und speziell in Magdalena, ihrem Stadtteil. Das Ergebnis, das dann zwischen Peru und Berlin entstand, zeigt, dass beide Aspekte ihres Lebens mühelos in ihre Musik einfließen und sich um Themen und eine breite Palette von Stilen weben, die universell bleiben.

Es liegt in den Düsseldorfer Genen, dass Vibravoid Kunst vor Kommerz setzen. Sich auf den Aspekt beziehen, wie er 1967 im Creamcheese gelegt wurde. Deutschlands erste Psychedelic Diskothek, die mit Gerhard Richter, Joseph Beuys, Günther Ücker, Kraftwerk und NEU! die Düsseldorfer Blaupausen von Kunst und Pop Kultur schufen. Seit einigen Jahren haben Vibravoid die künstlerische Leitung des Creamcheese übernommen, das z.B. im Guggenheim Museum gewürdigt und in Zusammenarbeit mit H.A. Schult als großes Kunsthappening reanimiert wurde. Phasenvoind enthält zusätzlich ein glücklicher Weise erhaltenes Vibravoid Interview aus dem Jahr 1997, das aus erster hand ein heute unbekanntes Bild der 1990er Jahre zeichnet und für Musikhistoriker einen unschätzbaren Wert bietet. Ob Vinylschallplatten. Kraut und Psychedelic Rock, Theremin, Sitar, Light Show und der Underground - wer die Unsprünge der aktuellen Musikszene sucht wird sie hier finden_ und es mag viele überraschen, dass Begriffe wie ,Psych", Stoner oder Doom zu dieser Zeit noch keinerlei Relevanz besaßen und die Pionierleistungen von Vibravoid verdeutlichen.

"Stand in Your Light" ist eine Herzensangelegenheit. Die Liebe zur Musik und die Leidenschaft für Rock tropft bittersüß aus jeder Honigwabe der getragenen Melodien, die VENUS PRINCIPLE für ihr Debüt geschaffen haben. Obwohl es sich um den Erstling des britisch-schwedischen Kollektivs handelt, lässt sich die Reife und hart erarbeitete Erfahrung der beteiligten Veteranen aus jeder dieser Hymnen für die Geschundenen und Geplagten klar heraushören. Im Zentrum von "Stand in Your Light" steht der klassische Rock, dem VENUS PRINCIPLE jedoch ihren eigenen Stempel aufdrücken. Dabei treten besonders die Elemente Dunkelheit und Schmerz hervor, die eine schreckliche musikalische Schönheit erzeugen. Doch ebenso wie es keinen Schatten ohne Licht gibt, liefern die britisch-schwedischen Musiker als Kontrast auch zarte Momente der Hoffnung und Wärme. Gerade in diesen scheinbaren Widersprüchen schimmert aus "Stand in Your Light" der Metal-Aspekt einiger beteiligter Musiker durch und bietet Balsam für die Wunde, die das Ende von ANATHEMA geschlagen hat. VENUS PRINCIPLE wurden im Herbst 2019 gegründet, nachdem sich mehrere ihrer Mitglieder von CRIPPLED BLACK PHOENIX getrennt hatten. Da sich trotz der Trennung ihre Liebe zum dunklen, melodischen Art-Rock und zur psychedelische Musik aber keineswegs erkaltet hatte, beschloss die Gruppe enger Freunde noch weitere gute Bekannte zu rekrutieren, unter denen sich aktive und ehemalige Mitglieder von AT THE GATES, ISON, TACOMA NARROWS BRIDGE DISASTER und LOUISE LEMÓN befanden. Damit war die neue Rockband VENUS PRINCIPLE geboren. Obwohl "Stand in Your Light" ganz am Anfang einer langen Karriere steht, liefern VENUS PRINCIPLE bereits ein ausgereiftes Meisterwerk ab. Dieses Album vollbringt das schwierige Kunststück, die Anhänger von Rock und Metal gleichermaßen zu begeistern.

"Stand in Your Light" ist eine Herzensangelegenheit. Die Liebe zur Musik und die Leidenschaft für Rock tropft bittersüß aus jeder Honigwabe der getragenen Melodien, die VENUS PRINCIPLE für ihr Debüt geschaffen haben. Obwohl es sich um den Erstling des britisch-schwedischen Kollektivs handelt, lässt sich die Reife und hart erarbeitete Erfahrung der beteiligten Veteranen aus jeder dieser Hymnen für die Geschundenen und Geplagten klar heraushören. Im Zentrum von "Stand in Your Light" steht der klassische Rock, dem VENUS PRINCIPLE jedoch ihren eigenen Stempel aufdrücken. Dabei treten besonders die Elemente Dunkelheit und Schmerz hervor, die eine schreckliche musikalische Schönheit erzeugen. Doch ebenso wie es keinen Schatten ohne Licht gibt, liefern die britisch-schwedischen Musiker als Kontrast auch zarte Momente der Hoffnung und Wärme. Gerade in diesen scheinbaren Widersprüchen schimmert aus "Stand in Your Light" der Metal-Aspekt einiger beteiligter Musiker durch und bietet Balsam für die Wunde, die das Ende von ANATHEMA geschlagen hat. VENUS PRINCIPLE wurden im Herbst 2019 gegründet, nachdem sich mehrere ihrer Mitglieder von CRIPPLED BLACK PHOENIX getrennt hatten. Da sich trotz der Trennung ihre Liebe zum dunklen, melodischen Art-Rock und zur psychedelische Musik aber keineswegs erkaltet hatte, beschloss die Gruppe enger Freunde noch weitere gute Bekannte zu rekrutieren, unter denen sich aktive und ehemalige Mitglieder von AT THE GATES, ISON, TACOMA NARROWS BRIDGE DISASTER und LOUISE LEMÓN befanden. Damit war die neue Rockband VENUS PRINCIPLE geboren. Obwohl "Stand in Your Light" ganz am Anfang einer langen Karriere steht, liefern VENUS PRINCIPLE bereits ein ausgereiftes Meisterwerk ab. Dieses Album vollbringt das schwierige Kunststück, die Anhänger von Rock und Metal gleichermaßen zu begeistern.

In seiner mehr als drei Jahrzehnte umspannenden Karriere hat sich der Komponist und Multiinstrumentalist Arjen Lucassen weltweit als treibende Kraft des Progressive Rock etabliert. Der vielseitig begabte Niederländer ist vor allem für sein Rockopernprojekt Ayreon bekannt, widmet sich aber auch regelmäßig musikalischen Nebenprojekten, die alle verschiedenen Aspekte seiner musikalischen Persönlichkeit erforschen.Lucassen ist bestrebt, bei Star One eine gleichbleibende Sängerbesetzung beizubehalten. Für 'Victims of the Modern Age' hat er die hochkarätige Besetzung der Leadsänger des ersten Albums 'Space Metal' (2002) wieder zusammengeführt: Russell Allen (Symphony X), Damian Wilson (Headspace, Threshold), Floor Jansen (ReVamp, ex-After Forever), und Dan Swanö (Nightingale, Second Sky, ex-Edge Of Sanity). Die unterschiedlichen Gesangsstile dieser großartigen Vokalisten, die von hochfliegenden Power-Vocals über eindringlich-melodische Passagen bis hin zu brutalem Growl reichen, verleihen jedem Song eine atemberaubende Vielfalt an stimmlichen Texturen.Was die Instrumente betrifft, so spielte der Holländer die Rhythmusgitarren, die Hammondorgel, das Mellotron, die Solina-Streicher und die analogen Synthesizer selbst ein und lud Schlagzeuger Ed Warby (Ayreon, Hail of Bullets, Gorefest) und Bassist Peter Vink ein, die kraftvollen Rhythmusspuren zu liefern. Außerdem holte er sich die einschüchternden Solokünste des ehemaligen After Forever-Keyboarders Joost van den Broek und des Gitarristen Gary Wehrkamp (Shadow Gallery), die beide charakteristisch glühende Soli beisteuerten. Zusätzlich zu dieser formidablen Besetzung rekrutierte Lucassen drei weitere Sänger - Mike Andersson (Cloudscape, Full Force, Silent Memorial), Rodney Blaze und den ehemaligen Black Sabbath-Frontmann Tony Martin - für einige Bonustracks des Albums.Zum ersten Mal ist 'Victims of the Modern Age' auf Vinyl als Gatefold 2LP+2CD & LP-Booklet erhältlich, sowie als Ltd. 2CD Digipak und Digitales Album (2CD).

Deutsche Pressestimmen zu All Encores:

"Die Encore-Trilogie wird zum Album erhoben- und das mit Recht!" (Groove)
"Perfektes Release für goldene Herbsttage." (Groove)
"Angenehm facettenreich" (Rolling Stone)
"Buchstäblich Audio-Balsam" (Audio)
"Wunderwerk" (Flair)
Zur Feier des fünften Piano Days erscheint Nils Frahms All Encores Serie als 3-LP Set. Lag der Fokus von Encores 1 vor allem auf akustischen Klangwelten - Soloklavier und Harmonium standen hier im Mittelpunkt -, woraufhin Frahm für Encores 2 verstärkt auf Ambient-Texturen setzte, konzentriert er sich mit Encores 3 in erster Linie auf die rhythmischen und elektronischen Aspekte seiner Musik. "Die Idee zu All Encores hatten wir genau genommen schon vor All Melody: Nämlich drei Veröffentlichungen zu machen, von denen jede ihren eigenen musikalischen Stil hat und ihr eigenes Thema. Wir hatten daher zunächst sogar an ein Triple-Album gedacht. Doch dann wurde All Melody immer größer und verdrängte diese ersten Konzeptideen", kommentiert Frahm die Entstehung. "Ich denke, die Idee von All Encores ist gewissermaßen mit klanglichen Inseln zu vergleichen, die All Melody einrahmen."

Das britische Produzentenduo Jungle meldet sich zurück.
Das kommende Album von Jungle - ihr drittes - „Loving In Stereo" wird wahrscheinlich der Soundtrack zu einem Sommer werden, der anders ist als alle anderen. Das Duo hat das vergangene Jahr im Studio verbracht und ist mit einer unbändigen Dancefloor-Platte für die post „social distancing" Zeit herausgekommen: „With this record we’ve learned to trust our instincts and go with our gut,” sagt T. „We want it to be more raw, open, fun, enjoyable and entertaining, because that’s what music is,” fügt J. hinzu.

J und T sind das pulsierende Herz von Jungle, wo Musik, Ästhetik und Choreografie als eine unverwechselbare künstlerische Vision nebeneinander bestehen. Mit dem gleichen Ethos wie z.B. Gorillaz oder The Avalanches sind die beiden die Produzenten, Songwriter und Musiker, aber sie sind auch die Regisseure, Content-Schöpfer und Kuratoren. Sie stehen an der Spitze einer größeren Gemeinschaft von Kreativen. Sie sind Weltenbauer.
Mit dem neuen Album wird dies auf eine neue Ebene gehoben, wobei das größere Jungle-Kollektiv von Tänzern ein integraler Aspekt ist, wie die Musik visuell erlebt wird. Mit jedem Video, bei dem Josh Lloyd Watson und sein langjähriger Mitarbeiter Charlie Di Placido Regie geführt haben, schaffen sie es die Fans zu begeistern. Das Video zu „Keep Moving" ist in einem Take gedreht - teils Birdman, teils West Side Story und zeigt zwei Gangs von Tänzer*innen. Es beginnt mit dem Tänzer Che Jones (der im Video zu „Smile" vom letzten Jungle-Album mitspielte) in seinem Schlafzimmer und führt zu einer Szene im Freien, in der wir Mette Linturi (die im Video zu „Casio" vom letzten Album mitspielte) finden. Der Rest ist eine wunderschöne Entfesselung, die so atemraubend zu beobachten ist, dass sie den Zuschauer mit einem Gefühl der Ehrfurcht zurücklässt.

In ihrer bisherigen Karriere haben Jungle bereits auf mehreren Kontinenten gespielt und eine stetig wachsende internationale Fangemeinde gewonnen: Headline Shows von Sydney bis Moskau, vom ausverkauften Londoner Alexandra Palace mit 10.000 Plätzen bis zum 9.000 Kilometer von ihrem zu Hause entfernten ausverkauften Hollywood Palladium und Festivals wie Coachella, Bonnaroo und Lollapalooza. Ihr für den Mercury Prize nominiertes und mit Gold ausgezeichnetes Debütalbum und der Nachfolger "For Ever" von 2018 erreichten beide die UK Top 10. Diese beiden Alben haben seitdem 750.000 Verkäufe und fast eine Milliarde Streams erreicht.

SCAR OF THE SUN aus Griechenland erheben ihre Stimme gegen soziale Ungerechtigkeit und verbinden
Wissenschaft mit energiegeladenem Modern Metal!
Auf Inertia vermitteln SCAR OF THE SUN ihre leidenschaftlichen Botschaften über große Herausforderungen und soziales Bewusstsein kombiniert mit wissenschaftlicher Thematik. Auf diese Weise besingen sie
eine der schwersten gesellschaftlichen Bürden: finanzieller Gewinn gedeiht auf Kosten der Menschlichkeit
und der Lebensgrundlagen von Individuen. Das instrumentale Intro „Hydrogen” heizt die Stimmung an,
bevor der Titeltrack „Inertia“ die musikalisch harte Seite des Albums präsentiert – die stürmischen und von
donnernden Drums getragenen Strophen münden in einen unbestreitbar eingängigen Refrain. Mit seinen
messerscharfen Riffs reflektiert „I Am The Circle“ kompromisslos und aufrichtig über die härtesten Aspekte des Musikerdaseins, während die „Quantum Leap Zero“-Trilogie sehr intensiv von den dramatischen
Ereignissen erzählt, die 2015 in Griechenland stattfanden: von Unterdrückung, Aufstieg und Revolution
sowie von der finalen Niederlage.
Inertia endet mit „Anastasis“ (griechisch für ”Auferstehung”), das vom furchtbaren Schmerz erzählt, einen
geliebten Menschen zu verlieren. Mit dem finalen Song fassen SCAR OF THE SUN diesen Schmerz
gekonnt in Worte und verwandeln die spürbare Verzweiflung in gefühlvolle Musik.

Der Wunsch nach Veränderung regt sich aus dem Inneren. Entweder man hört ihm zu - oder nicht. Aluna hat sich entschieden, zuzuhören. Nach dem vielfachen Lob der Kritiker als eine Hälfte des MultiplatinDuos AlunaGeorge etablierte die Grammy-ausgezeichnete Sängerin, Songwriterin und Produzentin auf ihrem Solo-Debütalbum ”Renaissance” ihren unbestreitbar charakteristischen und unberechenbaren Sound. ”Ich bin eine schwarze Frau, aber ich bin auch eine multikulturelle Frau, und ich habe an vielen verschiedenen
Orten gelebt und Erfahrungen gesammelt, und so dachte ich mir, das ist es, was ich mitbringen werde”, so Aluna. ”Renaissance” stellt den Höhepunkt ihrer Reise als ”schwarzes Mädchen aus einem damals ganz weißen, britischen Vorort” dar, zum Beginn einer regelwidrigen Revolution bei der sich festgefahrene Grenzen zwischen Kultur, Rasse, Geschlecht und Genre auflösen. Aluna war an jedem Aspekt des Albumprozesses beteiligt - vom Verfassen der Texte über Gesang, Schlagzeug- , Keyboard- und Gitarrenspiel bis hin zur Koproduktion von ”Renaissance” zusammen mit Singer/Songwriter Lido. Zusätzlich enthält das Album Feature-Beiträge von Princess Nokia, Jada Kingdom, SG Lewis, KAYTRANADA, Scott Storch, GRADES, Mr. Carmack und Rema. Mit über 2 Milliarden generierten Streams weltweit gehört Aluna zu den erfolgreichsten Künstlerinnen des
Dance & Electronic Genres. Zudem arbeitete sie kürzlich mit Größen wie DJ Snake, Disclosure, Flume, Jungle, Popcaan, oder Cautious Clay zusammen.

Gigs vor 60.000 Menschen, 2,5 Millionen verkaufte Singles, vier Mal für die 1LIVE Krone nominiert, drei Mal für den Echo, 2017 den Echo in der Kategorie Dance National gewonnen, dreimal am Stück die Pole-Position der Airplaycharts: Die Karriere des international erfolgreichen DJs Alle Farben hat ihren Zenit noch längst nicht erreicht. Doch wie legt man einen solchen Senkrechtstart hin und schafft es, dass die Flamme immer weiter brennt?

Alle Farben ist ein Künstler, der vielleicht in Farben denkt. Ganz sicher aber nicht in Grenzen. Verschiedene Genres, Live-Musiker, Sänger, Orte: es gibt nichts, dass er sich nicht vorstellen kann. Er hat Shows im Dschungel von Thailand gespielt oder im Flugzeug über den Wolken. Ebenso legendär sind seine 6 Stunden Sessions. Der Name ist ein Versprechen: 8000 Menschen tanzen, während Alle Farben sechs Stunden ohne Unterbrechung auflegt. Unterstützung bekommt er von verschiedenen Künstlern, die er sich stündlich auf die Bühne holt: ob Sänger, klassisch ausgebildete Musiker oder unerwartete Instrumente Alle Farben liebt es, sein Publikum zu überraschen. Alles kann, nichts muss, aber eines wird es sicher nie: langweilig.

Überraschen wird Alle Farben auch mit seinem dritten Studioalbum. Sticker On My Suitcase zeigt einen großen, und inzwischen auch wichtigen Aspekt in seinem Leben: das Reisen. In den letzten Jahren immer on tour hat er gelernt, dass nicht immer das Ziel das Ziel ist. Und Reisen mehr als nur Fortbewegung. Unterwegs zu sein, ist genauso mein Leben, wie irgendwo anzukommen. Das Video seiner neuesten Single Fading drehten Alle Farben und sein Team in einer aufwendigen Produktion in Los Angeles. Wieder ein Sticker mehr auf dem Koffer, wieder eine Reise, die zeigt: Das Ziel ist die Reise selbst auf der Route Richtung Erfolg.

Boum Boum Boum! 25 years of KOMPAKT. When a record label still thrives after a quarter of a century thanks to a focus of what was expected to be a short lived music phenomenon called TECHNO, then it stands to prove two things; that it techno has taken its place amongst serious, multilayered musical genres like rock'n'roll, pop and folk music. And that KOMPAKT has never been only for techno, but KOMPAKT stands as a broad-minded, genre-defying entity that has set out to cross-pollinate all kinds of musical inventions within the realm of electronic music. Through its course, KOMPAKT has sent 'Around The World', all kinds of sub-genres, concept series and crossover adventures based on the non- negotiable 4/4 beat. And back again.

Without a doubt, the 100% kickdrum-free POP AMBIENT series is the most endearing and enduring concept that I have had the pleasure to curate. From the start, I felt there was a strong need to add a certain pop- elegance - ensouled by discourse as much as hedonism - to a sound that was recognized as 'Chill Out' music that could be heard in seedy techno club back rooms and forgotten festival areas. Over the years, I like to imagine that POP AMBIENT has crystallized into a highly recognizable trademark sound and a multi-facetted musical universe of its own.

So once again, I had the pleasure to put together this year's edition by plowing through an ocean of sonic jewelry that had been submitted from all over the world by new and old friends. The task was clear: for this special edition, I must create a homogenous listening experience that would both appeal to our trusting followers, to continue our tradition while integrating new micro facets , variations and influences from neighboring musical universes as possible. Obligatory while being innovative. Conspirative while being cosmopolitan. Albeit the headline 'Ambient' might sound a little too humble for a compilation that encompasses aspects of neo classic, atonal music and the most beautiful aural kitsch imaginable, it still helps as a necessary means of orientation in the best possible sense. Same goes for another dear tradition: Veronika Unland's abstract-floral cover design that keeps on pleasing our sore eyes year after year.

Although each and every POP AMBIENT edition doesn't shy away from diving into the relevant question of 'What is contemporary discourse music' - in the end it all boils down to that elevated moment where all theory dissolves into ambient air, into a higher state of cosmic bliss. POP AMBIENT is sacral music for non-believers.

Wolfgang Voigt Cologne, October 2018

Bum Bum Bum. 25 Jahre KOMPAKT. Wenn ein Musiklabel, das seine inhaltliche Ausrichtung im Wesentlichen auf den anfangs als schnelllebig und vor allem kurzlebig apostrophierten - hype' Techno setzt, nach 25 Jahren in jeder Beziehung immer noch voll im Saft steht, dann zeigt das zwei Dinge: Das erstens mittlerweile jeder bemerkt haben du¨rfte, dass Techno eben kein kurzftristiger hype ist, sondern vielmehr ein vielschichtiges, ernstzunehmendes Genre, das sich ebenso wie Rock'n'Roll oder Schlager fest in der Musikgeschichte etabliert hat.

Und zweitens, dass KOMPAKT nie nur ein reines Technolabel war und ist, sondern ein nach vielen Seiten aufgeschlossenes Experimentierfeld, das sich von Anfang an der Grenzu¨berschreitung und dem musikalischen Erfindungsreichtum verschrieben hat. U¨ber die Jahre wurden unter dem KOMPAKT-Signet etliche Subgenres, Konzeptreihen und Crossoverwagnisse auf Basis der unverhandelbaren geraden Bassdrum - around the world' und wieder zuru¨ck geschickt.

Eine der wohl scho¨nsten und nachhaltigsten Konzeptreihen du¨rfte wohl die bassdrumfreie POP AMBIENT-Serie sein, die ich als KOMPAKT-- Altvorderer' nach wie vor die ja¨hrliche Freude habe, zu kompilieren. Dabei hat sich u¨ber die Jahre aus dem anfa¨nglichen Bedu¨rfnis der seit den fru¨hen 90er Jahren in den sogenannten - Chilloutrooms ' grossra¨umiger Technoclubs, - Lounges' und - Muzakkneipen' entstandenen - Entspannungsmusik' etwas entgegenzusetzen, eine eher von Pop-Eleganz, Diskurs und Hedonismus beseelte, eigene Spielart ambienter Musik, eine vielschichtige programmatische Musik mit hohem Widererkennungswert entwickelt.

So hatte ich auch im Jubila¨umsjahr einmal mehr die Qual der Wahl, aus den aus aller Welt kommenden, grossartigen Klangpreziosen guter alter sowie neuer Freunde die subjektiv besten zu einem homogenen Ho¨rerlebnis zusammenzufu¨hren. Dabei ist mir immer sehr wichtig, einerseits den Erwartungen der treuen Ho¨rerschaft im Bezug auf Traditionsverpflichtung gerecht zu werden und andererseits auch immer mo¨glichst viele Mikrofacetten, Varianten und Einflu¨sse angrenzender Stile und Universen aufzugreifen. Innovativ und verbindlich. Konspirativ und weltoffen. Auch wenn der U¨berbegriff Ambient, fu¨r eine Kompilation die sowohl Aspekte von Neuer Klassik, Atonalita¨t und Kunstmusik mit den allerscho¨nsten Seelenkitschklangwelten zu vereinen sucht, zu eng gefasst ist, so hilft er doch bei der notwendigen Orientierung im besten Sinne. Ebenso wie die Tradition gewordenen, wunderscho¨n abstrakt-floralen Kunstblumenwelten der von Veronika Unland gestalteten Cover, die ein ums andere Jahr auch die Augen in Verzu¨ckung versetzten.

Auch wenn jede Kompilation sich aufs Neue an den relevanten Fragen zeitgema¨sser Diskursmusik abarbeitet, so ist der erhabene Moment am Ende doch der, in dem sich alles zu Gunsten eines - ho¨heren, kosmischen' Ho¨rerlebnisses, im wahrsten Sinne des Wortes in ambiente Luft auflo¨st.

POP AMBIENT ist die sakrale Musik der Ungla¨ubigen.

Wolfgang Voigt / September 2018

Lagaffe Tales co-founder Jónbjörn drops four tracks on Iceland's FALK Records beat driven sub-label, FALK DISKS.

Since 2008 FALK (Fuck Art Lets Kill) has become a creative hub for Icelandic and international artists involved in experimental and electronic music, spanning noise rock through to power electronics, underground hip-hop to DIY techno and electro. 2017 saw FALK continue with releases from Icelandic hip-hop producer LORD PUSSWHIP, techno/electro producer ThizOne and Canadian industrial techno musician //HUREN//. Berlin based Icelandic producer Jónbjörn, known for curating Reykjavík record label Lagaffe Tales - one of the main pillars in the Icelandic house scene - now joins FALKS' club focused sub-imprint with a robust four tracker.

Moving away from the deep house sound he's renowned for towards a darker and leaner night time aesthetic, 'Amsiak' inaugurates the release with an infectious electro groove as gurgling pings and acidic clangs and drones are liberally dropped throughout the track. 'Aspekte' is a spacious track with blown-out bass sounds that morph and glide across a tempered, slow burning planar rhythm.

On the flip, Jónbjörn goes for a harder techno sound influenced by his relocation to Berlin. 'Sunnudagskaffi' is a bendy, 4/4 roller that contains hidden grooves below the basslines and the acid pings that wouldn't be out of place on a Livity Sound release. Meanwhile, 'Holy B' is pure warehouse creeper techno, complete with machinic tones and the atmospherics of sweat and grime on dungeon brick walls.

3xLP+CD Artbook
(en) - Nearly two decades after the last official GAS album release, Wolfgang Voigt returns to his iconic Ambient project with a brandnew full-length.
- NARKOPOP continues the classic GAS aesthetic of symphonic scope and subtle variation, taking the listener on an otherworldly journey to the depths of rapture and reverie.
- Available as luxurious hardcover CD incl. 24 pages booklet.

In the body of work of Cologne artist Wolfgang Voigt - who, like few others, has informed, shaped and influenced the world of electronic music with countless different projects since the early 1990s -, GAS stands out in particular as a saturnine sound cosmos based on heavily condensed classic sequences. Even after nearly 20 years, the sound of GAS doesn't seem to have lost any of its luster, as shown by the commanding success of Kompakt's fall 2016 re-release of the essential back catalogue as a 10xLP/4xCD box set.

The overwhelming feedback from a loyal international fan community and worldwide media outlets attests once again to the sheer timelessness of GAS. Which is why it will feel like hardly a day has passed since the release of the last official album 'Pop' nearly two decades ago, when Wolfgang Voigt resumes this specific creative path with the upcoming new full-length NARKOPOP.

Even in the here and now, the unmistakable vibe of GAS immediately hits home, taking the listener on an otherworldly journey with the very first sounds, drawing him or her into an impervious sonic thicket, down to the depths of rapture and reverie. From wafts of dense symphonic mist emerges a floating and whirling feeling of weightlessness, before the listener steps into an eerily beautiful forest of fantasy, pulled in by the allure of a narcotic bass drum.

While earlier GAS tracks were often based on the hypnotic effects of looping techniques, the 10 new pieces on NARKOPOP unfold their magic in a more entwined manner, sometimes with the sonic might of an entire philharmonic orchestra, sometimes as subtle and fragile as the most delicate branch of a tree with many. A main characteristic of Voigt's oeuvre, the coalescence of seemingly contradictory stylistic aspects such as harmonious and atonal, concrete and abstract, light and heavy, near and far is also a decisive feature of NARKOPOP.

In accordance with the transgressive spirit of his collective work, Voigt carries the aesthetic conceptions of his music over to the realm of the visual. Based on his abstract forest pictures, the GAS artwork addresses Voigt's artistic affinity to romanticism and the forest as a place of yearning. For the first time, a closer look at the cover of NARKOPOP reveals signs of architectural fragments which hint at another, maybe parallel world behind Voigt's forest. Truth is the prettiest illusion.
(de) - Fast zwei Jahrzehnte nach dem letzten offiziellen GAS-Albumrelease kehrt Wolfgang Voigt mit einem brandneuen Langspieler zu seinem legendären Ambientprojekt zurück.
- NARKOPOP setzt die klassische GAS-Ästhetik zwischen symphonischer Grösse und subtiler Variation fort, eine Reise zu den Untiefen von Rausch und Entrücktheit.
- Erhältlich als luxuriöse Hardcover CD- Erhältlich als luxuriöse Hardcover CD inkl. 24-seitigem Booklet.


Aus dem Gesamtwerk des Kölner Künstlers Wolfgang Voigt, der mit seinen unzähligen unterschiedlichen musikalischen Projekten seit den frühen 1990er Jahren wie kaum ein Zweiter die elektronische Musikwelt geprägt, gestaltet und beinflusst hat, ragt sein Projekt GAS, ein auf stark verdichteten Klassiksequenzen basierendes, düsteres Klangkunstwerk, in ganz besonderem Maße heraus. Dass der Sound von GAS auch nach fast 20 Jahren scheinbar nichts von seinem Zauber und seiner Kraft verloren hat, zeigte eindrucksvoll der große Erfolg des im Herbst 2016 als 10xVinyl/4xCD Box auf Kompakt wieder veröffentlichten Backkatalogs.
Die überwältigende Resonanz, sowohl seitens der treuen internationalen Fangemeinde als auch der weltweiten Presse, bezeugte einmal mehr die schiere Zeitlosigkeit von GAS. Daher fühlt es sich auch an, als sei kaum ein Tag vergangen, wenn Wolfgang Voigt nun mit NARKOPOP genau da den künstlerischen Faden wieder aufnimmt, wo das letzte offizielle Album »Pop« ihn vor fast zwei Jahrzehnten hat fallen lassen.


Auch hier und heute verfängt der unverwechselbare Geist von GAS unmittelbar und nimmt den Hörer bereits mit den ersten Tönen mit in eine andere Welt, zieht ihn hinein in ein undurchdringliches Dickicht aus Klang, hinunter in die Untiefen von Rausch und Entrücktheit.
Aus dichten sinfonischen Nebelschwaden entsteht ein Schweben und Taumeln, ein Gefühl der Schwerelosigkeit, bevor der Zuhörer von der Anziehungskraft einer narkotischen Bassdrum wieder hinunter in den schaurig-schönen Fantasie-Wald gelockt wird.

Während frühere GAS Tracks oft auf der hypnotischen Wirkung des Loops basierten, entfalten die 10 neuen Stücke auf NARKOPOP ihre Magie auf verschlungeneren Pfaden, mal mit der klanglichen Wucht eines ganzen Philharmonieorchesters, dann wieder so zart und zerbrechlich wie der feinste Ast eines weit verzweigten Baumes. Das für Voigts Arbeiten so typische Ineinanderfließen scheinbar widersprüchlicher stilistischer Aspekte wie harmonisch und atonal, konkret und abstrakt, leicht und schwer, nah und fern ist auch auf NARKOPOP essenziell.

Im Sinne seines grenzüberschreitenden Schaffens, überträgt Voigt die ästhetischen Konzeptionen seiner Musik auch auf die Ebene des Visuellen. Das auf seinen abstrakten Waldbildern basierende GAS Artwork thematisiert Voigts künstlerischen Nähe zur Romantik und dem Wald als Sehnsuchtsort. Wer einen genaueren Blick auf das Cover von NARKOPOP wirft, der wird erstmalig Andeutungen architektonischer Fragmente entdecken, die eine andere, vielleicht parallele Welt hinter dem voigt'schen Wald erahnen lassen. Wahrheit ist der schönste Schein.

Dan Morrow, singer of Funkwerkstatt, going to a world of music with a high atmospheric density.



Funkwerkstat-Sänger Dan Morrow wandelt auf Solopfaden. Wohin In eine musikalische
Welt, deren hohe atmosphärische Dichte zwischen poppiger Leichtgkeit und tefsinniger Melancholie oszilliert. Es sind klassische Songs, die er hier unter dem Namen 'i Am Halo' vorlegt. Denn immer ist es die Textur seiner einzigartgen Stmme, um die herum sich Rhythmen und Melodien kristallisieren. Dies geschieht mal mit tanzbarer, mal mit eher bedächtger Dynamik, mal mit orchestralen Motven, mal mit elektronischem Gefrickel, aber immer mit ganz viel Gefühl und Stmmung. So ganz allein ist - i Am Halo' übrigens doch nicht unterwegs. The Micronaut steuert einen Remix zu Litle Planet bei, in dem die jazzige Vertracktheit seiner Beats immer wieder punktgenau auf der Eins landet. Gluid hebt unter die ießende Melancholie des Titels Not Invented gradlinige Rhythmen, die das symphonisch anmutende Original voll und ganz tanzächenkompatbel machen. Und Mollono.Bass arbeitet sorgfältg die sonnigsten Aspekte von Queen of Queens heraus um sie zu einem ungezwungen Groove zu verdichten.