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Seit der Gründung 2015 ist bei Movements einiges passiert – der Name ist Programm und somit führt das Post-Hardcore-Quartett seinen Sound auf ihrem dritten Album RUCKUS! einen an expansive und manchmal unerwartete Orte. Das von Will Yip (Circa Survive, Code Orange) produzierte Album vereint Post-Hardcoreund Punk-Einflüsse mit einer gesunden Portion Pop-Songwriting, um ein Album zu erschaffen, das sich über die Konventionen der Szene hinwegsetzt und etwas völlig Einzigartiges schafft. Um dies zu erreichen, begab sich die Band - bestehend aus Sänger Patrick Miranda, Gitarrist Ira George, Schlagzeuger Spencer York und Bassist Austin Cressey - dreimal in das Studio 4 von Yip in Conshohocken, Pennsylvania, um die Songs zu schreiben und aufzunehmen, die schließlich zu RUCKUS! wurden. ”Ich glaube wirklich nicht, dass es einen strafferen Prozess hätte geben können, und ich glaube nicht, dass wir jemals Musik geschrieben haben, die so gut ist wie das, was wir für diese Platte zusammengestellt haben”, erklärt Miranda. Vom verzerrten Grind von ”Lead Pipe” über den synkopischen Groove von ”Killing Time” bis hin zum Pop-Glanz von ”Tightrope” - auf RUCKUS! integriert die Band ganz unterschiedliche Einflüsse wie die Gorillaz und die Strokes in ihren Sound, um die Vorurteile der Leute über ihren Sound herauszufordern.

Das Blue-Note-Debüt eines außergewöhnlichen Musikers zwischen Pop und Jazz! Seit seiner Debütsingle „Cold War“ (2018) kennt man Cautious Clay. Der Titel wurde mehr als 150 Millionen Mal gestreamt und von Taylor Swift auf ihrem Album „Lover“ gesampelt. Als Songwriter hat Cautious Clay mit Billie Eilish, John Mayer, John Legend, Khalid, Kavinsky, Melanie Martinez, Remi Wolf und anderen gearbeitet. 2021 legte Cautious Clay mit “Deadpan Love” sein erstes Album vor, das im Musikexpress als “ein aufregender Tanz zwischen R’n’B und Indie Songwritertum” beschrieben wurde. Mit seinem zweiten Album „Karpeh“ setzt der in Cleveland, Ohio, geborene, in New York lebende Sänger, Songwriter, Produzent und Multiinstrumentalist zu seinem nächsten großen Karriereschritt an - die Zusammenarbeit mit dem Jazzlabel Blue Note Records! Mit einem Mix aus R&B, Hip-Hop, Leftfield-Indie-Pop und Jazz-Elementen hat sich Cautious Clay bislang einen Namen für poetische und emotional ehrliche Musik gemacht, auf Blue-Note-Records und in Zusammenarbeit mit Label-Größen wie Immanuel Wilkins und Ambrose Akinmusire fügt er seiner Musik jetzt eine weitere Dimension hinzu.

In schummriges Licht getaucht und auf ausgetretenen Pfaden feuertaufend, tragen A Deer A Horse den Dreck, die Härte und den Gusto hunderter Shows wie ein Ehrenabzeichen. Die Band vereint Rock, Metal und Punk in einer unheiligen Vereinigung, die von A.V. Club, Consequence of Sound, Village Voice und Revolver gelobt wurde, die sie als "irgendwo zwischen den Melvins, Helms Alee, Red Fang und Sleater-Kinney" beschrieben. Nachdem die Gruppe im Untergrund für Furore gesorgt hatte, schärfte sie auf ihrem 2022 erschienenen Debütalbum "Grind" ihre Kanten mit verstörenden Melodien und kathartischen Klageliedern.

Deena Abdelwahed's first album is shifting the epicenter of contemporary electronic music south: 'Khonnar' will be released on November 16, 2018 by InFiné. Pronounced 'Ronnar' (an essential detail so as to avoid facile misinterpretation by French-speakers) it is a term that makes the most of Tunisia's cultural and linguistic spectrum. It evokes the dark, shameful and disturbing side of things, the one we usually seek to hide, but which Deena instead sticks our noses in with her debut. It is a testament to Deena's coming into her own as a world citizen, and as an artist. A self-construction made of frustrations and constraints, borne of retrograde mindsets, which are not the prerogative of either the East or the West, and which she tirelessly strives to expose and break. Throughout the 45 minutes of 'Khonnar", Deena breaks down the codes of bass, techno and experimental music, and writes the manifesto for a generation that does not seek to please or to conform, taking back control of its identity - with all the attendant losses and chaos. A new creative world order is taking shape, a new tilting point between north and south, the response of a connected and liberated youth who takes the control of the new decolonization. About Deena Abdelwahed A Tunisian producer and DJ, Deena Abdelwahed arrived in France at the age of 26 after earning her stripes on the Tunis scene and as part of the Arabstazy collective.

Das französische Label Infiné ist dafür bekannt, elektronische Musik jenseits ausgetretener Pfade zu veröffentlichen - hier wird Techno und House neu definiert. So passt es ganz gut, dass die aufstrebende tunesische DJ und Underground-Produzentin Deena Abdelwahed bei dem Lyoner Imprint eine Veröffentlichungsplattform gefunden hat. Abdelwahed performte in den letzten Jahren zwischen Boiler Room und Berghain in allen namhaften Clubs und hinterließ bei der globalen Dance-Gemeinde mehr als staunende Münder. Nach der im Frühjahr 2017 veröffentlichten EP "Klabb" präsentiert die Tunesierin mit "Khonnar" jetzt ihr sehnlichst erwartetes Debütalbum.

Was beide Tonträger vereint: sie verbinden nordafrikanische Klangelemente mit elektronischen Sounds, haben jedoch mit Weltmusik nichts am Hut.

Repress!

‘Make The Call’ comes with an extended version and remixes from the legendary Two Soul Fusion duo of Louie Vega and Josh Milan. These remixes bring something new and special to the track with each creating a subtly different mood for the dance floor, for the radio and for the house party.

MF Robots is a songwriting, production and performing duo created by former Brand New Heavies founder Jan Kincaid and BNH vocalist and multi-instrumentalist Dawn Joseph. The pair left the Heavies in 2014 to record their own compositions and have been wowing audiences and record buyers with their effortless blending of Soul, RnB, Funk, Disco and Jazz ever since.

Louie Vega is one half of the House music dons Masters at Work and Josh Milan is a Grammy nominated vocalist, musician and composer who also collaborate in Vega’s collective ‘Elements of Life’. With both at the forefront of production, composition and remixing for more than three decades, the House, Boogie and Instrumental versions they have produced for ‘Make the Call’ are off the scale here.

Dies ist ein Text zum neuen Album der Band Madsen. Es heißt HOLLYWOOD und die meisten Infos dazu im Text hier sind wahr.
Hier drei generelle Fakten über Madsen:

Erstens: 2004 meldeten Madsen ein Patent für deutschsprachigen Punk und Rock beim zuständigen Rockmusikamt an. Dort ist aktuell weniger Betrieb als in den 00er-Jahren. Madsen nutzen dieses Patent seitdem ordentlich und jede andere Genrebeschreibung finde
ich unnötig.
Zweitens: Die Madsen GbR ist ein Familienunternehmen- echte Familie und die Ausgesuchte. Die Kinder der aktuellen Madsen-Generation werden perspektivisch auf die Übernahme der Band vorbereitet.
Drittens: HOLLYWOOD ist das neunte Album der Band.
Nach LICHTJAHRE (2018) lag überraschend für alle Beteiligten plötzlich ein schnell produziertes Punk Album in ihren Händen (NA GUT DANN NICHT, 2020). Noch mehr DIY als normal Madsen-DIY. Und auch neu: Sebastian Madsens erstes Soloalbum EIN BISSCHEN
SEELE (2022). Kommt mal wieder anders als geplant.
Zeitgleich: Gründen eines eigenen Labels: “GOOYBYE LOGIK RECORDS”.
Zeitgleich: Schreiben an HOLLYWOOD.
HOLLYWOOD entstand in den letzten fünf Jahren. Wenn man fünf Jahre an Musik schreibt, fließen viele Ideen die Elbe hoch bis ins Riesengebirge und wieder runter. Es wird hinterfragt und abgewogen, und: der Weg beginnt und endet in unterschiedlichen Musikwelten: Print ist noch mehr gestorben, super gestorben, toter als tot, aber immer noch wichtig, irgendwie.
TikTok-ability, Reels Reels Reels und wie kommen Künstler*innen an die wachsenden Einnahmen des digitalen Streaming-Markts ran??? Aber: Pressetext bleibt Pressetext und Madsen bleibt Madsen mit fünf Jahre mehr Leben erlebt.
HOLLYWOOD wurde live und ohne Metronom im Clouds Hill Studio eingespielt und von Simon Frontzek produziert. Madsen kennen Simon Frontzek seit der 8. Klasse von den Bundesjugendspielen. Vom Weit- und Hochspringen und vom Kugeln irgendwo hinwerfen.
Dann waren sie in verfeindeten Jugendgangs oder so, dazu gab es mal einen Artikel in der Visions. Aber das ist schon ein bisschen her.
Konsequent herstellen, was man selber gut findet, Arbeit in ein Detail stecken, das man liebt und vielleicht niemand raushören wird: Das war und ist Konsens zwischen 4x Madsen und 1x Duo Frontzek und Rudi Maier - dem Powerduo of Rock und Detail und of musikalischem
Feingefühl.

Dies ist ein Text zum neuen Album der Band Madsen. Es heißt HOLLYWOOD und die meisten Infos dazu im Text hier sind wahr.
Hier drei generelle Fakten über Madsen:

Erstens: 2004 meldeten Madsen ein Patent für deutschsprachigen Punk und Rock beim zuständigen Rockmusikamt an. Dort ist aktuell weniger Betrieb als in den 00er-Jahren. Madsen nutzen dieses Patent seitdem ordentlich und jede andere Genrebeschreibung finde
ich unnötig.
Zweitens: Die Madsen GbR ist ein Familienunternehmen- echte Familie und die Ausgesuchte. Die Kinder der aktuellen Madsen-Generation werden perspektivisch auf die Übernahme der Band vorbereitet.
Drittens: HOLLYWOOD ist das neunte Album der Band.
Nach LICHTJAHRE (2018) lag überraschend für alle Beteiligten plötzlich ein schnell produziertes Punk Album in ihren Händen (NA GUT DANN NICHT, 2020). Noch mehr DIY als normal Madsen-DIY. Und auch neu: Sebastian Madsens erstes Soloalbum EIN BISSCHEN
SEELE (2022). Kommt mal wieder anders als geplant.
Zeitgleich: Gründen eines eigenen Labels: “GOOYBYE LOGIK RECORDS”.
Zeitgleich: Schreiben an HOLLYWOOD.
HOLLYWOOD entstand in den letzten fünf Jahren. Wenn man fünf Jahre an Musik schreibt, fließen viele Ideen die Elbe hoch bis ins Riesengebirge und wieder runter. Es wird hinterfragt und abgewogen, und: der Weg beginnt und endet in unterschiedlichen Musikwelten: Print ist noch mehr gestorben, super gestorben, toter als tot, aber immer noch wichtig, irgendwie.
TikTok-ability, Reels Reels Reels und wie kommen Künstler*innen an die wachsenden Einnahmen des digitalen Streaming-Markts ran??? Aber: Pressetext bleibt Pressetext und Madsen bleibt Madsen mit fünf Jahre mehr Leben erlebt.
HOLLYWOOD wurde live und ohne Metronom im Clouds Hill Studio eingespielt und von Simon Frontzek produziert. Madsen kennen Simon Frontzek seit der 8. Klasse von den Bundesjugendspielen. Vom Weit- und Hochspringen und vom Kugeln irgendwo hinwerfen.
Dann waren sie in verfeindeten Jugendgangs oder so, dazu gab es mal einen Artikel in der Visions. Aber das ist schon ein bisschen her.
Konsequent herstellen, was man selber gut findet, Arbeit in ein Detail stecken, das man liebt und vielleicht niemand raushören wird: Das war und ist Konsens zwischen 4x Madsen und 1x Duo Frontzek und Rudi Maier - dem Powerduo of Rock und Detail und of musikalischem
Feingefühl.

Während sich die australischen Metal-Juggernauten Parkway Drive auf eine Welttournee vorbereiten, um ihr 20-jähriges Bandjubiläum zu feiern, kündigt Epitaph Records die Veröffentlichung der Debüt-EP der Band aus dem Jahr 2004 an, zum ersten Mal auf Vinyl. Diese erweiterte Version von Don't Close Your Eyes enthält die ursprünglichen 8 Tracks der ersten EP der Band und zusätzlich Bonustracks von ihrem Split-Album mit I Killed the Prom Queen und von den Compilation-Alben What We've Built und True Till Death, Volume I.

Parkway Drive stammen aus der australischen Küstenstadt Byron Bay und stürmten aus ihrer ruhigen Umgebung heraus, um eine explosive Mischung aus komplizierten Metal-Riffs, heftigen Breakdowns und emotionaler Hardcore-Spannung zu bieten. Mit den Chartstürmern Horizons (2007) und Deep Blue (2010) entfachte die Band regionales Feuer, bevor sie 2012 mit Atlas den internationalen Markt eroberte. Mit Ire (2015) führte die Gruppe Clean-Gesang in ihr Werk ein, und auf Reverence (2018) und Darker Still (2022) bewegte sie sich weiter in Richtung eines melodischeren, aber nicht weniger aggressiven Metal-Stils.

Parkway Drive sind auch nach 20 Jahren immer noch eine Naturgewalt und einer der Top-Headliner in der harten Musikszene. Don't Close Your Eyes lässt die Anfänge der Band wieder aufleben und ihre größten Fans werden sich freuen, dieses Album endlich auf Vinyl zu haben.

Während sich die australischen Metal-Juggernauten Parkway Drive auf eine Welttournee vorbereiten, um ihr 20-jähriges Bandjubiläum zu feiern, kündigt Epitaph Records die Veröffentlichung der Debüt-EP der Band aus dem Jahr 2004 an, zum ersten Mal auf Vinyl. Diese erweiterte Version von Don't Close Your Eyes enthält die ursprünglichen 8 Tracks der ersten EP der Band und zusätzlich Bonustracks von ihrem Split-Album mit I Killed the Prom Queen und von den Compilation-Alben What We've Built und True Till Death, Volume I.

Parkway Drive stammen aus der australischen Küstenstadt Byron Bay und stürmten aus ihrer ruhigen Umgebung heraus, um eine explosive Mischung aus komplizierten Metal-Riffs, heftigen Breakdowns und emotionaler Hardcore-Spannung zu bieten. Mit den Chartstürmern Horizons (2007) und Deep Blue (2010) entfachte die Band regionales Feuer, bevor sie 2012 mit Atlas den internationalen Markt eroberte. Mit Ire (2015) führte die Gruppe Clean-Gesang in ihr Werk ein, und auf Reverence (2018) und Darker Still (2022) bewegte sie sich weiter in Richtung eines melodischeren, aber nicht weniger aggressiven Metal-Stils.

Parkway Drive sind auch nach 20 Jahren immer noch eine Naturgewalt und einer der Top-Headliner in der harten Musikszene. Don't Close Your Eyes lässt die Anfänge der Band wieder aufleben und ihre größten Fans werden sich freuen, dieses Album endlich auf Vinyl zu haben.

Mit ihrem Debütalbum "Portal To Darkness" öffnen UNBLESSED DIVINE ein einzigartiges Portal in die Geschichte brutaler Musik.
UNBLESSED DIVINE kombinieren klassischen Death Metal aus den 90ern mit Elektronik, wie es noch keine andere Band zuvor im Extreme Metal getan hat, und entfesseln so ein einzigartiges Album, das Dunkelheit in unsere Welt bringt.
Die 8 Tracks des Albums beinhalten sowohl schnelle und kompromisslose Songs, als auch epische Songs, die dem Hörer etwas bieten, das er nicht vergessen wird.
Aber lasst euch nicht täuschen, das ist Death Metal in seiner rohesten und brutalsten Form, gepaart mit einem beunruhigenden Hauch von Endzeit-Stimmung.

DeYarmond Edison war der Vorläufer von Bon Iver und Megafaun. Im Sommer 2005 verließen vier Freunde Wisconsin in Richtung North Carolina mit einem einzigen Ziel: der Folk-Rock-Flaute zu entkommen. Während eines Jahres intensiver Konzentration, des Studiums und der Verletzlichkeit taten sie genau das, indem sie an den ekstatischen Rand des New Weird America vordrangen und von allem ein bisschen ausprobierten - Grindcore und Gospel, Free Jazz und Phasenstücke, Bluegrass und Blues - und es in DeYarmond Edison packten. Der Rest ist Geschichte_ Ein Mitglied ging nach Hause, um das zu gründen, was später Bon Iver werden sollte, während drei vor Ort blieben, um Megafaun zu gründen. Epoch ist die Geschichte von DeYarmond Edison: Brad Cook, Phil Cook, Justin Vernon und Joe Westerlund, erzählt wie nie zuvor. Die Sammlung umfasst fünf LPs, vier CDs, Dutzende von ungehörten Aufnahmen und ungesehene Fotos. Begleitet wird sie von einer ausführlichen Biografie des Schriftstellers Grayson Haver Currin, der auch als ausführender Produzent der Sammlung fungiert. Alles in allem fängt Epoch die Zeit ein, bevor aus diesen vier Freunden zwei andere, aufsehenerregende Bands wurden. Es ist eine Geschichte über Gemeinschaft, Visionen, Familie und ein Quartett, das zu gut sein wollte, um zu bestehen. Es gibt Momente des Experimentierens, subtile Wendungen im Fuzz von "Epoch" und eine stampfende Herangehensweise beim Covern von "All Tomorrow's Parties", die den Grundstein dafür legten, wie Bon Iver und Megafaun die akustische Musik ein wenig umkrempeln würden. Aber ein Großteil von Epoch unterstreicht die einzigartige Sichtweise der Gruppe auf amerikanisches Songwriting, auf das Nehmen von Patchworks, das Finden der Akkorde und das Singen aus vollem Herzen. "Trials, Troubles and Tribulations" ist ein Beispiel dafür. Am bekanntesten ist es als Duett von Justin Vernon und Sharon Van Etten, das hier in ausufernder Last-Waltz-Manier wieder zum Leben erweckt wird, mit Vocals von Megafaun, Justin Vernon, Frazy Ford und Fight the Big Bull. Jede Platte ist gleichermaßen ein Crash-Kurs in allem, was dieses spezielle Stück Musikgeschichte ausmacht: Fotos aus Hinterhöfen und Kellern; Essays, die bestimmte Aufnahmen beschreiben; Farbpaletten, die Zeit und Ort widerspiegeln. Mit über sieben Stunden und 55.000 Wörtern ist Epoch eine maximalistische Sammlung. Aber man muss kein Komplettist sein, um zu verstehen, was es bedeutet, sich mit seinen besten Freunden zusammenzukauern und Dinge zu erschaffen, für diese Dinge zu träumen, zu lernen, zu kämpfen und zu wachsen.

Obwohl Wasser auf den ersten Blick geschmeidig und veränderlich wirkt, kann es plötzlich hart und wild werden. Daher ist Wasser das perfekte Element für "Aion", das dritte Album der deutschen Psychedelic Doom Erneuerer BEES MADE HONEY IN THE VEIN TREE. Lyrisch erscheint Wasser auf "Aion" sowohl als Lebensspender als auch aufgrund seiner dunklen und bedrohlichen Seite. Musikalisch liefern BEES MADE HONEY dynamische, weitläufige Kompositionen, die von schwebender Ruhe bis hin zu wütenden Ausbrüchen reichen. Die konstante Gezeitenbewegung der musikalischen Ebbe und Flut übersetzt sich in spacige Gitarren, tropfende Basslinien und flüssige Drum-Fills, gekrönt von hallenden Clean-Gesängen. Der Albumtitel leitet sich vom griechischen Wort ???? (ai?n) ab, das übersetzt "Ewigkeit" bedeutet und im englischen Wort "aeon" für "Zeitalter" steht. BEES MADE HONEY IN THE VEIN TREE werden 2014 in Stuttgart gegründet. Da sich alle vier Mitglieder seit ihrer Kindheit kennen und einen akademischen Hintergrund haben, definiert die Band von Anfang an klare Ziele: An erster Stelle steht die Klangvision, krachende Doom-Metal-Riffs mit den sphärischen Klängen von Post- und Psychedelic-Rock zu kontrastieren. BEES MADE HONEY legen ihr musikalisches Konzept bereits mit dem Debütalbum "Medicine" im Jahr 2017 fest, das die solide Grundlage für ihren sich ständig weiterentwickelnden Sound bildet. Das zweite Album "Grandmother" (2019) erweitert den Soundhorizont durch tiefer gestimmte Gitarren, verdichtete Effekte, schnellere Passagen und einen härteren Gesangsstil. Die Schwaben treten außerdem im In- und Ausland vor einem stetig wachsenden Publikum auf, was zur Aufnahme und Veröffentlichung von "Harvestmen (live)" im Jahr 2022 führt. Setzt die Segel und gleitet mit BEES MADE HONEY IN THE VEIN TREE über die Zeitmeere von "Aion" auf der Suche nach der Schönheit der Ewigkeit.

Obwohl Wasser auf den ersten Blick geschmeidig und veränderlich wirkt, kann es plötzlich hart und wild werden. Daher ist Wasser das perfekte Element für "Aion", das dritte Album der deutschen Psychedelic Doom Erneuerer BEES MADE HONEY IN THE VEIN TREE. Lyrisch erscheint Wasser auf "Aion" sowohl als Lebensspender als auch aufgrund seiner dunklen und bedrohlichen Seite. Musikalisch liefern BEES MADE HONEY dynamische, weitläufige Kompositionen, die von schwebender Ruhe bis hin zu wütenden Ausbrüchen reichen. Die konstante Gezeitenbewegung der musikalischen Ebbe und Flut übersetzt sich in spacige Gitarren, tropfende Basslinien und flüssige Drum-Fills, gekrönt von hallenden Clean-Gesängen. Der Albumtitel leitet sich vom griechischen Wort ???? (ai?n) ab, das übersetzt "Ewigkeit" bedeutet und im englischen Wort "aeon" für "Zeitalter" steht. BEES MADE HONEY IN THE VEIN TREE werden 2014 in Stuttgart gegründet. Da sich alle vier Mitglieder seit ihrer Kindheit kennen und einen akademischen Hintergrund haben, definiert die Band von Anfang an klare Ziele: An erster Stelle steht die Klangvision, krachende Doom-Metal-Riffs mit den sphärischen Klängen von Post- und Psychedelic-Rock zu kontrastieren. BEES MADE HONEY legen ihr musikalisches Konzept bereits mit dem Debütalbum "Medicine" im Jahr 2017 fest, das die solide Grundlage für ihren sich ständig weiterentwickelnden Sound bildet. Das zweite Album "Grandmother" (2019) erweitert den Soundhorizont durch tiefer gestimmte Gitarren, verdichtete Effekte, schnellere Passagen und einen härteren Gesangsstil. Die Schwaben treten außerdem im In- und Ausland vor einem stetig wachsenden Publikum auf, was zur Aufnahme und Veröffentlichung von "Harvestmen (live)" im Jahr 2022 führt. Setzt die Segel und gleitet mit BEES MADE HONEY IN THE VEIN TREE über die Zeitmeere von "Aion" auf der Suche nach der Schönheit der Ewigkeit.

Fiddlehead's third album Death is Nothing to Us is a defiant, new chapter for the band. Since 2014, the Boston-based group have been honing their unique sound, bringing together the energy of hardcore, the anthemic melodies of `90s alternative, and the unbridled passion of Revolution Summer era emo. Their previous albums, 2018's Springtime and Blind and 2021's Between The Richness, dealt heavily with grief from different perspectives, and now their latest feels like a de facto culmination, drawing together many of the catalog's through-lines sonically and lyrically. The band again teamed with producer Chris Teti for their third record, and his punchy production captures Fiddlehead's live energy while showcasing the massive guitars and undeniable catchiness that makes their music so immensely satisfying. The album's concise 27 minutes sound like a natural extension of all of the band's strengths, but is glued together by vocalist Pat Flynn's singular tuneful roar. Flynn, since his time as the vocalist of Have Heart and now as Fiddlehead's frontman, has earned a reputation as one of hardcore's most thoughtful lyricists. He interweaves his ruminations on life, death, and all the joy and tragedy in between with references to Roman philosopher Lucretius; the author Jean Améry; other musicians like Bad Brains, Alex G, or Wire, and even references to the band's own back catalog. The humanity across Death Is Nothing To Us is palpable in every note. It's the kind of art that observes pain with real honesty rather than prescribing a solution for it-and in doing so, inadvertently offers some sense of hopefulness. The album finds Fiddlehead so deeply delving into the pain, confusion, nuances, and contradictions of sadness-so willingly wrapping their arms around a concept as existentially baffling as death itself-that they've created an album that is truly life-affirming. Death is Nothing to Us exemplifies so much of what makes Fiddlehead a special band: taking these heady, unanswerable questions and wrestling with them in a very earthbound way, all wrapped up in the urgent power of a three minute punk song.

Mit 13 Tracks ist "War Eternal" das Arch Enemy-Album schlechthin. Es ist sowohl eine nostalgische Verbeugung vor der Vergangenheit der Band ("Never Forgive, Never Forget", "No More Regrets") als auch ein beeindruckendes Beispiel dafür, was in der Zukunft möglich ist ("Down to Nothing", "Time is Black"). Aber wenn es einen herausragenden Track gibt - eine Speerspitze - dann ist es der Titeltrack. "War Eternal", das der Welt auf Youtube vorgestellt wurde, marschiert trotzig gegen das Alltägliche an, zwei erhobene Fäuste gegen die Zwänge der Gesellschaft und den Käfig, den sie uns allen verzweifelt überzustülpen versucht. Hier beweist White-Gluz, dass sie die nächste Generation der Großen ist, während Amott und der Rest von Arch Enemy spielen, als wäre "War Eternal" ihr letzter Song. "Es gibt eine Menge Details auf diesem Album, die mich als Songwriter und Gitarrist begeistern", grinst Amott. Ich persönlich habe mich auf "War Eternal" als Spieler noch mehr angestrengt und habe das Gefühl, dass ich dieses Mal eine andere Ebene erreicht habe, was sehr lohnend ist. Das Album ist endlich wieder in den folgenden Formaten erhältlich: - Schweres 180g Vinyl in Schwarz und Transparent-Magenta, inklusive 2-seitigem Einleger - Special Edition CD, die in einem "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und einem 24-seitigen Booklet kommt

Mit 13 Tracks ist "War Eternal" das Arch Enemy-Album schlechthin. Es ist sowohl eine nostalgische Verbeugung vor der Vergangenheit der Band ("Never Forgive, Never Forget", "No More Regrets") als auch ein beeindruckendes Beispiel dafür, was in der Zukunft möglich ist ("Down to Nothing", "Time is Black"). Aber wenn es einen herausragenden Track gibt - eine Speerspitze - dann ist es der Titeltrack. "War Eternal", das der Welt auf Youtube vorgestellt wurde, marschiert trotzig gegen das Alltägliche an, zwei erhobene Fäuste gegen die Zwänge der Gesellschaft und den Käfig, den sie uns allen verzweifelt überzustülpen versucht. Hier beweist White-Gluz, dass sie die nächste Generation der Großen ist, während Amott und der Rest von Arch Enemy spielen, als wäre "War Eternal" ihr letzter Song. "Es gibt eine Menge Details auf diesem Album, die mich als Songwriter und Gitarrist begeistern", grinst Amott. Ich persönlich habe mich auf "War Eternal" als Spieler noch mehr angestrengt und habe das Gefühl, dass ich dieses Mal eine andere Ebene erreicht habe, was sehr lohnend ist. Das Album ist endlich wieder in den folgenden Formaten erhältlich: - Schweres 180g Vinyl in Schwarz und Transparent-Magenta, inklusive 2-seitigem Einleger - Special Edition CD, die in einem "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und einem 24-seitigen Booklet kommt

LP-Reissue des ersten Albums, ursprünglich 2010 veröffentlicht!
Die Gruppe spielt eine Mischung aus Doom Metal und Psychedelic Rock der 1970er-Jahre, wobei die Gitarrenriffs an Black Sabbath erinnern. Des Weiteren wurde die Band von Neil Young, The Beatles, Electric Wizard oder The Kinks beeinflusst.
Limitiertes, dunkelgrünes Vinyl!

LP-Reissue des letzten Studioalbums, ursprünglich 2018 veröffentlicht!
Die Gruppe spielt eine Mischung aus Doom Metal und Psychedelic Rock der 1970er-Jahre, wobei die Gitarrenriffs an Black Sabbath erinnern. Des Weiteren wurde die Band von Neil Young, The Beatles, Electric Wizard oder The Kinks beeinflusst.
Limitiertes, dunkelgrünes Vinyl!

Introspective presents their very first vinyl release featuring Grafin, SDB & B2, Specific Objects, Versus and Nano Rinnegato.

Instinctive Senses is a compilation focusing on the intricate side of techno, yet remaining faithful to the groove.

Six notable producers, five exquisite tracks and two banging faces all on one single plate.

Don't miss out and make sure you get your copy.

Releasing on the 18th of August 2023.

"Der Tod ist seit meiner Kindheit ein hautnaher und persönlicher Teil meines Lebens. Als ich mit dem Schreiben von Ghost at the Gallows begann, war das Gespenst des Todes so präsent wie eh und je. Dieses Album navigiert durch eine Welt, in der Geister real sind und uns in Form von Trauer, Trauma und Verlust heimsuchen. Trotz des Themas sind die Songs nicht nur düstere Klagelieder. Die Musik ist vielfältig und dynamisch und reicht von schwermütigen, von Southern Rock getönten Akustikpassagen bis hin zu aggressiven Speed-Metal-Attacken... und allem, was dazwischen liegt. Und wie bei jedem Eintrag im Spirit Adrift-Katalog geht es in den Texten darum, das Gute im Schlechten, die Stärke in der Schwäche und die Hoffnung in der Dunkelheit zu finden. Erst als ich die Platte beendet hatte, wurde mir klar, dass alle Phasen der Trauer auf diesem Album vertreten sind. Vielleicht waren diese Lieder mein unbewusster Versuch, meinen eigenen Trauerprozess zu erleichtern. So oder so, dieses Album hilft mir, und ich hoffe, es hilft auch allen anderen, die es brauchen." - Nate Garrett

Das zehnte Arch Enemy-Album, das 2017 aufgenommen wurde, war das ultimative Statement der Heavy-Metal-Überlegenheit einer Band, die mit den Jahren immer noch an Statur gewann. "Will To Power" ist das erste Album, das die Band mit ihrem aktuellen Line-up aufgenommen hat, und eingefleischte Fans waren begeistert, ihre Lieblingsband in Topform zu hören, als auch etwas überrascht von ihren neuen kreativen Erkundungen. Das Album ist endlich wieder in den folgenden Formaten erhältlich: - Schweres 180g Vinyl in Schwarz und Gelb, inklusive 2-seitigem Einleger - Special Edition CD, die in einem "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und einem 16-seitigen Booklet geliefert wird

Das zehnte Arch Enemy-Album, das 2017 aufgenommen wurde, war das ultimative Statement der Heavy-Metal-Überlegenheit einer Band, die mit den Jahren immer noch an Statur gewann. "Will To Power" ist das erste Album, das die Band mit ihrem aktuellen Line-up aufgenommen hat, und eingefleischte Fans waren begeistert, ihre Lieblingsband in Topform zu hören, als auch etwas überrascht von ihren neuen kreativen Erkundungen. Das Album ist endlich wieder in den folgenden Formaten erhältlich: - Schweres 180g Vinyl in Schwarz und Gelb, inklusive 2-seitigem Einleger - Special Edition CD, die in einem "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und einem 16-seitigen Booklet geliefert wird

Das Drängen der Fans war so groß, dass Big Time Rush sich dazu entschieden haben, ihr neues Album digital schon früher als geplant zu veröffentlichen. Am 02. Juni 2023 erschien mit "Another Life" ihr erstes Studioalbum seit 10 Jahren. Nun folgt am 18.08. auch die CD und LP dazu!

Die Band um Kendall Schmidt, James Maslow, Logan Henderson und Carlos PenaVega wurde 2009 durch den Start der Nickelodeon-Fernsehserie Big Time Rush über Nacht zur Sensation. In ihrem Mittelpunkt: die Hollywood-Abenteuer von vier Eishockeyspielern aus
Minnesota, nachdem diese ausgewählt wurden, eine Boyband zu gründen. Die Serie war ein durchschlagender Erfolg und katapultierte die gleichnamige Band ins reale Leben, wo sie drei Studioalben veröffentlichte und weltweit Konzerte gab. Nach einer fast siebenjährigen Pause veranstalteten Big Time Rush 2020 eine überraschende virtuelle Reunion, um das 10-jährige Jubiläum ihres Hits "Worldwide" zu feiern.

Die Wiedervereinigung führte zu einer Massenhysterie unter ihren Fans und wurde zu einem globalen Medien-Spektakel. Im Jahr darauf wurden alle Staffeln der Serie auf Netflix eingestellt, und die Band ging erneut viral. Die Resonanz übertraf alle Erwartungen und bewies die Macht ihrer treuen Fangemeinde. Es folgten neue Musik und ausverkaufte Tourneen.

DeYarmond Edison war der Vorläufer von Bon Iver und Megafaun. Im Sommer 2005 verließen vier Freunde Wisconsin in Richtung North Carolina mit einem einzigen Ziel: der Folk-Rock-Flaute zu entkommen. Während eines Jahres intensiver Konzentration, des Studiums und der Verletzlichkeit taten sie genau das, indem sie an den ekstatischen Rand des New Weird America vordrangen und von allem ein bisschen ausprobierten - Grindcore und Gospel, Free Jazz und Phasenstücke, Bluegrass und Blues - und es in DeYarmond Edison packten. Der Rest ist Geschichte_ Ein Mitglied ging nach Hause, um das zu gründen, was später Bon Iver werden sollte, während drei vor Ort blieben, um Megafaun zu gründen. Epoch ist die Geschichte von DeYarmond Edison: Brad Cook, Phil Cook, Justin Vernon und Joe Westerlund, erzählt wie nie zuvor. Die Sammlung umfasst fünf LPs, vier CDs, Dutzende von ungehörten Aufnahmen und ungesehene Fotos. Begleitet wird sie von einer ausführlichen Biografie des Schriftstellers Grayson Haver Currin, der auch als ausführender Produzent der Sammlung fungiert. Alles in allem fängt Epoch die Zeit ein, bevor aus diesen vier Freunden zwei andere, aufsehenerregende Bands wurden. Es ist eine Geschichte über Gemeinschaft, Visionen, Familie und ein Quartett, das zu gut sein wollte, um zu bestehen. Es gibt Momente des Experimentierens, subtile Wendungen im Fuzz von "Epoch" und eine stampfende Herangehensweise beim Covern von "All Tomorrow's Parties", die den Grundstein dafür legten, wie Bon Iver und Megafaun die akustische Musik ein wenig umkrempeln würden. Aber ein Großteil von Epoch unterstreicht die einzigartige Sichtweise der Gruppe auf amerikanisches Songwriting, auf das Nehmen von Patchworks, das Finden der Akkorde und das Singen aus vollem Herzen. "Trials, Troubles and Tribulations" ist ein Beispiel dafür. Am bekanntesten ist es als Duett von Justin Vernon und Sharon Van Etten, das hier in ausufernder Last-Waltz-Manier wieder zum Leben erweckt wird, mit Vocals von Megafaun, Justin Vernon, Frazy Ford und Fight the Big Bull. Jede Platte ist gleichermaßen ein Crash-Kurs in allem, was dieses spezielle Stück Musikgeschichte ausmacht: Fotos aus Hinterhöfen und Kellern; Essays, die bestimmte Aufnahmen beschreiben; Farbpaletten, die Zeit und Ort widerspiegeln. Mit über sieben Stunden und 55.000 Wörtern ist Epoch eine maximalistische Sammlung. Aber man muss kein Komplettist sein, um zu verstehen, was es bedeutet, sich mit seinen besten Freunden zusammenzukauern und Dinge zu erschaffen, für diese Dinge zu träumen, zu lernen, zu kämpfen und zu wachsen.

Audiences who were lucky enough to have seen the film during its special theatrical sneak preview have already discovered that this highly anticipated sequel is nothing short of epic - and much of that is due to the gorgeous, sweeping score by Nathan Johnson. Johnson keeps intact the delicate balance that made KNIVES OUT such a clever score, never undermining the danger that is around every corner, but also brings an intoxicating romanticism to every gorgeous landscape. It’s playful, and sinister all at once.
“I’m thrilled to announce the release of my score for Glass Onion on vinyl, but more specifically, I’m over the moon to be able to join forces again with the wonderful folks at Mondo,” says Johnson. “Everything they do is one-of-a-kind, but with this release they’ve gone above and beyond. We’ve mastered this version specifically for vinyl so that it retains all the orchestral dynamics I’ve written into the score, and I can’t wait for people to get their hands on the artwork and peel back all of the beautiful layers. I know we live in a world of digital ephemera, but I’ll say it again and again: thank God for Mondo.”

Der in Berlin ansässige Multi-Instrumentalist, Produzent und Fotograf Klaus Sahm begann sein musikalisches Leben damit, in einer Hardcore-Band Gitarre zu spielen. Er setzte seine Reise fort, indem er Klavier studierte, während er als musikalischer Leiter und Produzent für namhafte Künstler im Pop-Genre arbeitete. Seine eigene Musik und Kompositionen neigen zum Ruhigen, zu leisen Tönen und konzentrieren sich immer auf einen eigenständigen Klang und ein Gefühl, das irgendwie melancholisch und zugleich etwas bittersüß ist. Der Aufnahmeprozess beinhaltet immer echte Instrumente, echte Bandechos und analoge Hallgeräte - Dinge, die nicht ein zweites Mal reproduziert werden können. "Das Klavier ist das, was meinen Gedanken am nächsten kommt - wie eine Übersetzung für Dinge, die ich sagen möchte, Gefühle, die ich ausdrücken muss, und Sorgen, von denen ich mich lösen muss. Ich hoffe, dass sich einiges davon auch auf euch überträgt."

Andrew Hozier-Byrne, besser bekannt als HOZIER, veröffentlicht sein drittes Album ”Unreal Unearth”.

Die Hintergrundgeschichte von ”Unreal Unearth” ist vielschichtig, sowohl von italienischer Dichtkunst als auch griechischer Mythologie geprägt und verteilt sich über alle Albumtracks.

Mit mehr als 20 Mrd. Streams und 30 Mio. monatlichen Hörern ist der Ire einer der führenden Künstler des Genres Folk-Singer Songwriter in der Streaming Welt.

Sein Durchbruch gelang Hozier 2013, mit seiner kürzlich mit dem Diamond Award, für über 1 Millionen verkaufter Units, ausgezeichneten Hymne, „Take Me To Church“. Mit ihr stellte er seinen globalen Erfolg auf ein festes Fundament, es folgten Gold- und Platin-Auszeichnungen für seine ersten beiden Alben, eine GRAMMY-Nominierung, sowie diverse weitere Auszeichnungen.

Im Juli dieses Jahres war Hozier auf Europatour und wird im Dezember für zwei weitere Shows erneut nach Deutschland kommen.

Die Viking Metal Giganten SKÁLMÖD auf den Spuren der nordischen Mythologie Mit Ýdalir blicken die Viking Metal Größen SKÁLMÖD auf die Veröffentlichung ihres sechsten Studioalbums, das am 18. August 2023 via Napalm Records erscheint. Ihr erstes Studioalbum seit fünf Jahren ist von dem nordischen Gedicht Grímnismál, einer berühmten Sage aus ihrer Heimat Island, inspiriert. Die Band begeistert nicht nur Fans bei Festivalauftritten wie auf dem Wacken Open Air, auch der isländische Präsident Guðni Th. Jóhannesson unterstützt die Band und ist sogar im Vorwort ihres offiziellen Buches The Saga Of Skálmöld (2021) verewigt. Basierend auf der nordischen Mythologie thematisiert „Skuld“ die Schwesternschaft des Nornen Trios, das über das Schicksals der Menschen entscheidet, was SKÁLMÖD mit düsteren Bass- und Gitarrenmelodien illustrieren. Mit Ýdalir liefert die Viking Metal Instanz SKÁLMÖLD auf ihrem neuen Album erneut mystische Momente, die sie auf diesjährigen Festivalauftritten wie dem Wacken oder dem Summer Breeze unter Beweis stellen werden.

Pink Siifu’s latest release, GUMBO!, is another sprawling Afrocentric vision from one of the boldest voices in contemporary rap. Following up on 2020’s NEGRO, the album’s songs are as rich and varied as its titular stew. Siifu’s boundless style makes for an unpredictable but rewarding ride across the album’s 18 tracks, as he explores the diverse sounds of his influences and breaks new ground with a unique class of co-stars.

Siifu, born Livingston Matthews and raised between Alabama and Cincinnati, has already notched a conspicuous list of collaborations in his burgeoning career, from legendary producer the Alchemist to Australian electronic group the Avalanches. Siifu also embodies various inspirations through a range of alter-egos, often producing under the moniker “iiye,” or as half of the duo B. Cool-Aid with Ahwlee, both of which appear on GUMBO!.

The variety of guest features and production on GUMBO! only elevates Siifu’s ability to push the boundaries of genre and song structure. “Voicemails Uptown” (produced by Soulection’s Monte Booker) is the second of two back-to-back posse cuts, sporting five plus vocalists each. “Lng hair dnt care,” the album’s first single, was produced by Ted Kamal, who first garnered attention for his outside-the-box edits of contemporary rap staples. And while several of the album’s tracks are well within his bag, the jazzy, drumless loop on “Fk U Mean/Hold Me Dwn” could’ve been a cut off of his collab album with Virginia rapper Fly Anakin, FlySiifu’s.

Though rife with standout tracks, GUMBO! is greater than the sum of its parts. Siifu’s ambitious range and impressive pool of features create an otherworldly listening experience. Overall, it reflects an intense desire for self-expression and creative growth, one which he shares with many of his influences. Like Outkast, Sun Ra, Baraka, or Bad Brains, his unique soundscapes re-imagine a genre without restrictions, breaking new ground in search of artistic and personal freedom.

Zum 20jährigen Firmen Jubiläum legt die Hamburger Indie Institution Grand Hotel van Cleef 20 Klassiker Alben als limitierte marbled Vinyle neu auf. Alle 3 Monate erscheinen je 5 legendäre Alben. In der letzten Runde sind Klassiker von Herrenmagazin, Adam Angst, Kettcar, Thees Uhlmann und Marcus Wiebusch mit dabei.

Gegründet von Sänger Jake E (ex-AMARANTHE) und Gitarrist Jesper Strömblad (ex-IN FLAMES), hat sich CYHRA von einer Band, die an die früheren Projekte des Duos erinnert, zu einer ganz eigenen Identität entwickelt.

Mit der Ergänzung von Lead-Gitarrist Euge Valovirta (ex-SHINING) und Schlagzeuger Alex Landenburg (KAMELOT) hat die Gruppe zwei von der Kritik gefeierte Alben veröffentlicht: “Letters To Myself“ (Spinefarm) aus dem Jahr 2017 und “No Halos In Hell“ (Nuclear Blast) aus dem Jahr 2019 - ein Album, das von Rock TV (Japan) als "Bestes Album des Jahres 2019" ausgezeichnet und vom Power Play Magazine (UK) mit einer perfekten 10/10 bewertet wurde!

Und jetzt, im Jahr 2023, ist die Band mit dem kürzlich hinzugekommenen Gitarristen Marcus Sunesson (ex-THE CROWN / ENGEL) bereit, sich mit ihrem dritten und bisher stärksten Album „The Vertigo Trigger“ zurückzumelden.

Sänger Jake E.: "Ich denke, dass wir einen fantastischen Nachfolger für die ersten beiden Alben gemacht haben. Gleichzeitig haben wir es auch geschafft, das Songwriting zu modernisieren. Ich kann euch versichern, dass kein CYHRA-Fan enttäuscht sein wird!“

In August of 2007, the Port Arthur duo of Bun B and Pimp C known as UGK released their epic fifth studio album, Underground Kingz. Sadly, this was the last release recorded by Pimp C before his untimely death in December of the same year. Production was overseen
by legendary Rap-A-Lot producer N.O. Joe and Pimp C himself with contributions from Three 6 Mafia, Jazze Pha, Lil Jon, Scarface, Swizz Beatz, and Marly Marl among others. The second single "Int'l Players Anthem (I Choose You) was nominated for a Grammy and won video of the year at BET's 2008 Music Awards.

Zum 20jährigen Firmen Jubiläum legt die Hamburger Indie Institution Grand Hotel van Cleef 20 Klassiker Alben als limitierte marbled Vinyle neu auf. Alle 3 Monate erscheinen je 5 legendäre Alben. In der letzten Runde sind Klassiker von Herrenmagazin, Adam Angst, Kettcar, Thees Uhlmann und Marcus Wiebusch mit dabei.

Das dreifach RIAA-zertifizierte Platin-Debütalbum, gepresst auf 140g kristallklarem Vinyl, enthält die beiden Platin-Singles "Really Really" und "2 Phones".

Ein halbes Jahrhundert, oder in anderen Worten: 50 Jahre. So lang ist es bereits her, dass Udo Lindenberg das legendäre Panikorchester gründete. Am 13. August 1973 wurde dieser Zusammenschluss offiziell gemacht, seither war es wie ein unzertrennliches Bündnis, und auch wenn die Besetzung der Band stets einige Veränderungen mitmachte, sollte es doch als solches bis zuletzt bestehenbleiben. 1983, im selben Jahr, in dem auch Odyssee erschien, fand auch das legendäre Konzert im CCH (Congress Center Hamburg) statt, vor welchem die Besucher wohl nicht ahnen konnten, dass sie Teil eines weiteren ikonischen Releases werden sollten. Denn das am 19. März 1983 stattfindende Konzert wurde live aufgezeichnet und erschien im selben Jahr noch unter dem Namen Lindstärke 10 als offizielles Livealbum. Im Januar 1990 konnte Lindenberg mit dem neuen Panikorchester im Zuge der politischen Wende erstmals auch auf Tournee durch die ehemalige DDR gehen, wobei das Konzert in Leipzig ebenfalls aufgezeichnet und als das Livealbum Live in Leipzig ausproduziert und veröffentlicht wurde. Zeitsprung ins heutige Jahr 2023: Zum großen 50-jährigen Jubiläum des Panikorchesters erscheinen nun nicht nur diese beiden Livemitschnitte, sondern gemeinsam mit dem kaum weniger legendären Livealbum LIVE ’96, welches die bis heute anhaltende Reunion des originalen Panikorchesters dokumentiert und 1997 ebenfalls über Polydor erschien, und nun erstmals auf Vinyl verfügbar sein wird. Limitiert auf 2.000 Stück und nummeriert!

„Eine blühende Solokarriere aufgebaut auf einfallsreicher Programmgestaltung und einem sondierenden Interpretationsstil“,
sagt die New York Times über Daniel Hope. Auf seinem neuen Album erkundet der Stargeiger die Diversität amerikanischer Musik in atemberaubenden neuen Bearbeitungen von Werken aus
Klassik und Jazz, die von George Gershwin, Aaron Copland, Leonard Bernstein, Kurt Weill, Florence Price, Duke Ellington, Sam Cooke und Samuel A. Ward stammen.

Begleitet wird Hope vom Zürcher Kammerorchester und von großartigen Gastmusiker*innen, u.a. Soul-Sängerin Joy Denalane und renommierten Jazzpianisten Marcus Roberts. Als künstlerischer Leiter des New Century Chamber Orchestra in San Francisco hat Hope einen engen Bezug zur amerikanischen Kulturlandschaft und dies wird nun auf seinem Album „America“ durch vielfältige und faszinierende Werke musikalisch erlebbar.

„In jüngster Zeit gibt es eine starke Bewegung mit dem Ziel, afro-amerikanische Komponisten wiederzubeleben und neu zu
entdecken, etwa Florence Price oder William Grant Still. Es gibt noch viele andere Komponisten, deren Geschichten erst heute erzählt werden‘“, sagt Hope.

Markus Roberts fügt hinzu: „Amerikanische Musik verkörpert das amerikanische Leben: Flexibilität und die Fähigkeit, kontinuierlich etwas zu erschaffen und neu zu gestalten“. Hope und Roberts sind über die Jahre oft zusammen aufgetreten; mit dieser Aufnahme
faszinieren sie einmal mehr durch einen exzellent musizierten Dialog zwischen Jazz und Klassik.

1972, vor fünfzig Jahren, veröffentlichte Hammondorgel- und Acid-Jazz-Legende Ronnie Foster sein BlueNote-Debüt „Two Headed Freap“, von dem nicht nur der Track „Mystic Brew“ ein erstaunliches Eigenleben entwickelte, spätestens nachdem A Tribe Called Quest ihn als Sample-Grundlage für ihren Song „Electric Relaxation“ auf dem 1994er Album „Midnight Marauders“ benutzten.

Die neun Songs auf „Reboot“, Ronnie Fosters Rückkehr zum Blue-Note-Label, klingen gradlinig, kraftvoll und frisch wie eh und je. Seine Art von Soul-Jazz hat in den letzten Jahrzehnen diverse Revivals gefeiert und beweist hier, dass sie eigentlich nie aus der Mode gekommen ist. In den Linernotes widmet Foster die Aufnahmen seinem 2021 verstorbenen „Bruder, Freund und Helden Dr. Lonnie Smith, einem der Weltbesten auf der Hammond B3-Orgel“.

Klar, bei der 9. Sinfonie von Antonín Dvořák geht die Post ab, auch in dieser Aufnahme. Aber das ist ja wohl nicht alles! Die Streicher von András Keller können blühen wie Blumen auf der Wiese. Sie spielen nicht gleichförmig, sondern in einer wie angeborenen Natürlichkeit, als wäre es eine Kleinigkeit, dass 14 erste Geigen so homogen klingen und gleichzeitig so individuell wie eine einzelne. Auch bei den Bläsern zählt nicht die Hochleistung oder der Zeigefinger ("Schaut her, so ist das gemeint"), sondern die Empfindsamkeit und das Strömen der Musik, z. B. im Englischhornsolo des langsamen Satzes. Das Blech: keine Kraftmeierei, sondern satte oder auch zarte, immer einfühlsame Akkorde. - Die Tempi, die Übergänge, alles fließt organisch und lädt zum Mitgehen ein. Das ist die hohe Kunst des Legato, die manchem als altmodisch galt, in Wirklichkeit aber zeitlos schön ist. Eins der Vorbilder von András Keller heißt, wen wunderts, Wilhelm Furtwängler. Genau in dieser Haltung, bar jeglichen Imponiergehabens entführt uns anschließend der von vielen geliebte Cellist Miklós Perényi behutsam in die geheimnisvolle Zauberwelt des Rondo op. 68/5 und der Waldesstille op. 95. Drei slawische Tänze aus op. 46 runden das Programm ab.