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A meeting of minds and bodies on a heady percussive trip with no clear destination, captured live at Espacio Cultural El Tanque in Tenerife. With both imaginary and lived in tropical sceneries coalescing the two units, both Tenerife's Lagoss and Kampala's Abagwagwa (aka Nihiloxica) find a common thread to disentangle cartographies. As if it was bound to happen. As it did.

Taking Abagwagwa's relentless barrage of polyrhythms as a starting point to jammin' excursions that never falter into self indulgence, brimming with ideas and spirits pulled from East African traditions, Free Jazz cosmologies, Dub tactics, urban sonic warfare and different strains of psychedelia through a vast array of drums, percussion, flutes, skewed synths, ecstatic vocals and electronic processing.Blessed with the xamanic drumming of João Pais Filipe on two tracks and feeling equally indebted to both bands' vision all the while commiting to a newfound sense of wonder, 'Island Slang' is a celebration that's truly alluring in its search for some sort of 'Universal Consciousness' - to quote Alice Coltrane - for which we're now invited to tag along. You are all welcome.

Easy Beat is the second album from Dr. Dog originally release 20 years ago this year. The band self released the album in 2005, burning CDs themselves as a means of manufacturing and hand making CD artwork as they filled orders. Early mail order purchases of Easy Beat where shipped wrapped in discarded pizza boxes that were adorned with drawings and stickers. Dr. Dog spent all of their money at the time ($1000) to make the album which was later rereleased by Park The Van / Devil In The Woods.

Rémi Klein debut studio album, Friend In Need will be released on June 20, 2025 by Tricatel.

Behind his keyboards, between the walls of his bedroom or in studio, Rémi Klein fashions music that is both intimate and generous, instinctive and precise. He is a craftsman who composes, arranges and produces with obsessive meticulousness. Playing with LORD$, Please and now Clara Luciani, he built up a collective experience before recording his own album.

Signed to Tricatel, his first album, Friend In Need, due 20 June, is a plunge into his cinematic universe, where the lush orchestrations of Hollywood's golden age rub shoulders with the best of songwriting. His music and songs, rooted in the present and the future, are visceral and innovative. It's the music of today and tomorrow at its most promising and audacious. There are a million new tracks a week on streaming platforms, no two albums like Friend in Need and no two artists like Rémi Klein.

"Happy Girl" aus dem Jahr ȒȚȗȖ ist eines der frühesten Alben im MPS Katalog und ein echtes Sammlerɏinnenstückɍ Es zeigt eindrucksvollɎ warum Nathan Davis zu den großen Jazzmusikern seiner Zeit zählt – auch wenn er nie breite Anerkennung fandɎ da er sich auf seine Lehrtätigkeit an der University of Pittsburgh konzentrierteɎ wo er ein bedeutendes Jazzstudienprogramm gründeteɍ Während seiner Zeit in Europa in Villingen aufgenommenɎ wird Davis von einer TopɞBesetɞ zung begleitetɏ Woody Shaw (Trompete)Ɏ Larry Young (Klavier)Ɏ Jimmy Woode (Bass) und Billy Brooks (Schlagzeug)ɍ Davis glänzt an Tenorɞ und Sopransaxophon sowie Flöteɍ Zu hören sind fünf DavisɞKomposiɞ tionenɎ Shaws "Theme From Zoltan" und ein Standard – bei den ersten beiden Stücken spielt Shaw nicht mitɍ Remastert vom Grammyɞnominiertem Toningenieur Christoph StickelɎ erscheint das Album nun uɍaɍ in hochwertigem AAAɞMPSɞVinyl – eine intensive Klangreise durch Davis’ vielseitiges Spielɍ

Ein Mensch verbringt den ganzen Tag damit, eine Maschine zu bauen, nur damit sie ihn die ganze Nacht hindurch quält. Als ob das nicht schon verdreht genug wäre, gefällt es ihnen auch noch. Es gefällt ihnen sogar so gut, dass sie am Morgen verjüngt aufwachen und eifrig an der Maschine feilen, bis sie in ihrem Kopf perfekt läuft.
Dies ist die nächtliche Vision, die Cryptopsy zu ihrem neunten Album Nightmare inspiriert hat. "Hüte dich vor dem Scheinwerferlicht", warnt Sänger Matt McGachy, bevor "Dead Eyes Replete" mit einem schmerzerfüllten Breakdown vor deinen Augen aufblitzt. An Insatiable Violence spiegelt unsere toxische Beziehung zu den sozialen Medien wider, aber obwohl es unheimlich vorausschauend ist, ist das Album von den vielen Mutationen beeinflusst, die die Hall of Fame-Diskografie der Band geprägt haben. Inspiriert von einem Mukbang, der furchtbar schief gegangen ist, ist der gefräßige Opener "The Nimis Adoration" ein Sammelsurium an Blasts, Christian Donaldsons Fishhook-Riffs und einer kräftigen Portion Groove, der die Boxen zum Beben bringt.

Cryptopsy wissen, dass nicht jede brutale Technical-Death-Metal-Band lange genug durchhält, um nach 30 Jahren einen kanadischen Grammy zu gewinnen. Das Cover von "An Insatiable Violence" wurde von dem verstorbenen, großartigen Martin Lacroix gestaltet, der mit unheiligem Vergnügen über die frischen, fetthaltigen Tiefen von McGachys falschem Akkordschrei grölen würde. Ein anderer ehemaliger Sänger kehrt auf "Embrace the Nihility" zurück, um alle flüsternden Zweifel an seiner Vormachtstellung zu zerstören. Doch obwohl Cryptopsy bereits auf ihrem zweiten Studiowerk die Krone der abscheulichsten Death-Metal-Band für sich beansprucht haben, gehen sie immer noch an die Grenzen des Extremen.

Die Leadsingle des Albums rumpelt und knirscht zu Olivier Pinards schaurigen Bassschlägen - und doch erhebt "Until There's Nothing Left" im Kern den Anspruch, Cryptopsys größter Ohrwurm zu sein. Selbst Flo Mounier - der buchstäblich das Buch des extremen Metal-Drummings geschrieben hat - hat neue Techniken verfeinert, um die Blasphemie von An Insatiable Violence frisch zu halten. Zum Abschluss kommt "Malicious Needs" im Schneckentempo daher, bevor es wie eine Fledermaus in eine schwarze Rauchwolke aufsteigt.

Verbeugt euch vor der neuen Abscheulichkeit der Könige des extremen Metal.

FFO: Suffocation, Dying Fetus, Nile

Nach mehr als 40 Jahren ist die 1983 auf Sky Records erschienene EP "Ich suche dein Gesicht" von Silberstreif wieder erhältlich. Für den Sky-Katalog eher ungewöhnlich, spielte das Duo lupenreinen Synthie-Pop mit deutschsprachigen Texten. Diese EP ging in der Flut der hyperkommerziellen deutschen New-Wave-Veröffentlichungen der 1980er Jahre unter. Später wurde die Band zum Geheimtipp und die EP zu einem begehrten Sammlerstück. Die Wiederveröffentlichung wird von vier bisher unveröffentlichten Bonustracks begleitet.

BPitch präsentiert die nächste Ausgabe ihrer WE ARE NOT ALONE Compilation-Reihe - ein vielfältiges Paket mit Sounds, die den Geist der WE ARE NOT ALONE-Partys widerspiegeln und einen Einblick in eine Szene von Künstlern geben, die sich dem Underground verschrieben haben. WE ARE NOT ALONE pt. 8 bietet zwölf unverzichtbare Tracks für DJs, Raver und Musikfans, die eine breite Palette an Genres abdecken und dabei nie den Dancefloor aus den Augen verlieren. Die neue Compilation spannt die Fäden zwischen den Genres und dokumentiert mit der gewohnten Qualität des Berliner Labels das nächste Kapitel in seinem stetig wachsenden Beitrag zur Kultur.

WE ARE NOT ALONE pt. 8 zeigt, dass das Label keine Pläne hat, die Hitze zu drosseln, mit einer weiteren Runde reinstem Hedonismus für die Ewigkeit.

BPitch present the next iteration of their WE ARE NOT ALONE compilation series - a diverse package of sounds reflecting the spirit of the WE ARE NOT ALONE parties, and offering a glimpse into a community of artists that have committed themselves to the underground.

Touching on a wide range of genres whilst never losing sight of the dancefloor, WE ARE NOT ALONE pt.8 offers twelve essential cuts for DJs, ravers, and music heads alike. Tying the threads between genres, and with the mark of quality expected from the Berlin label, this new compilation documents the next chapter in its ever-growing contribution to the culture.
Returning to the label appearances on both BPitch and its accompanying label UFO Inc. - Turin-based duo Boston 168 open the club doors with a masterful fusion of trance build-ups and stripped back pointillism on ‘Feeling You’. Another member of the BPitch roster having just released an EP on the label, Tigerhead steps up with heavy kickdrums and uncanny pads on the aptly-titled ‘Alice Through The Looking Glass’. Stepping into more minimal territory, Sina XX - founding member of the Paris rave collective Subtyl - offers a warm, bouncing cut that teeters between the dark and euphoric with a masterful balance. Taking a swift 180 into the darkest industrial spaces, Endlec serves up a gritty percussive workout on the formidable ‘Panther’.

Theo Nasa - a South London-based purveyor of weird, melodramatic techno - moves into hazier spaces on ‘Sex and Acid Pleasure’, an eccentric dose of acid for the senses. Shaleen - a resident of the WE ARE NOT ALONE event series - continues into the warmth with a headspin of analogue sounds and modular experimentalism with ‘Vernalagnia’. Öspiel, the French-Korean producer and label head known for his cinematic sounds weaves together angular rhythms underpinned by a strong sense of minimalism. In hot pursuit, Puglia’s Raho comes through with a cyclone of bouncing kicks and harsh leads.

Diana May, a Berlin-staple and resident at KitKat offers us a welcoming spiral on ‘Just Shut The F*** Up’. Plunging into deep industrial caverns, KRTM ’s ‘Küss Mich Jetzt’ is a pounding glitch of hardcore techno for the biggest speakers. VUUDUU’s ‘SNAXX’ shifts the speed up a gear with an expansive gothic rave banger. Rounding things off is madwoman’s ‘Chaos Theory’, a sparse but unrelenting cut of atmospheric techno from deep inside a warehouse.

WE ARE NOT ALONE pt.8 shows the label have no plans on lowering the heat in 2024, with another round of pure hedonism for the ages.










j d1 | KRTM - Küss Mich Jetzt (04 05)

Die vierköpfige Instrumentalband Yuuf signed bei Ninja Tune-Sublabel, Technicolour, und veröffentlicht ihre neue EP, „Alma's Cove“ am 20. Juni 2025!

„Alma's Cove“ umfasst fünf Tracks und ist eine meditative Klanglandschaft, die die Hörer:innen auf eine klangliche Reise durch die Natur mitnimmt, abseits des Alltagsstresses. „‚Alma's Cove‘ ist ein verträumter, tropischer Raum ohne Stress, in dem man sich zufrieden und präsent fühlen kann. Ein geschütztes Paradies, das man in aller Ruhe genießen kann.“, so die Band. „Als wir die EP schrieben, war das Hauptziel, einen Ort zu schaffen, der das komplette Gegenteil unseres Londoner Lebens ist und z.T. aus Stress, Angst und Überforderung besteht. Sich wieder mit der Natur verbinden und die Gegenwart genießen. Ein Traumland.“
Zusammen mit der Ankündigung veröffentlichen Yuuf den Titeltrack der EP, „Alma’s Cove“, der heute auf Technicolour erschienen ist. Reich an organischen Texturen, schimmernden Details und psychedelischen Rhythmen, lädt die Single Zuhörer:innen in die heitere Welt von „Alma's Cove“ ein. „Die Hörer:innen spazieren umher und nehmen die Natur, die Geräusche und die Aussicht in sich auf und schwelgen in ihrer natürlichen Schönheit.“. Zur Single gibt es auch ein offizielles Musikvideo, das eine komplette Live-Session zeigt, die während der jüngsten Reise der Band nach Kreta gefilmt wurde. Die Vermischung internationaler Klänge und globaler Einflüsse steht im Mittelpunkt des Ethos von Yuuf. Selbst die Mitglieder der Band kommen aus verschiedenen europäischen Ländern - aus der Schweiz, Dänemark, Frankreich und England. „Wir vermischen auf natürliche Weise unsere verschiedenen musikalischen Vorlieben aus der ganzen Welt, um den Sound unserer Musik zu formen.“, erklärt die Band. „Alma's Cove“ ist ein Paradebeispiel dafür, inspiriert von klassischer spanischer Gitarre, Americana-Soundscapes und der Musik der Filme von Studio Ghibli. Yuuf starten im Mai eine Europa-Tournee mit mehreren Stopps bei verschiedenen Sommerfestivals, darunter Wilde Weide Festival, Green Man, Chez Hubert und Psych Festival. Die Band hat im Sommer 2024 ihre Debüt-EP, „In The Sun“, veröffentlicht, die bereits über 1,5 Millionen Streams allein auf Spotify erreicht hat und von BBC 6Music, KEXP, KRCW und der Instagram-Plattform, Somewhere Soul (919K Follower:innen), unterstützt wurde. Das gleichzeitig mit der EP veröffentlichte virale Live-Session-Video von „The Sun“ hat mittlerweile beeindruckende 1,8 Millionen Views, 84.000 Likes und 4.000 Kommentare auf Youtube.

Rotterdam-based duo Merkelbach & Nathan Homan strike with the first release on their label, Beau Brummel. Aimed for the dance floor, this record is based on their unique sound.

The Swinsung EP contains four tracks that will make you throw your hands in the air, whether you're at a house party, a club, or a big festival. Ranging between House and Techno, this EP features banging 909s, catchy vocals, and quirky basslines that will definitely make you bounce.

We always knew we would return to this project because Brutalism remains a profound part of our lives, something we cherish deeply. Inspired by the photographs we have been capturing for a new book, the music emerged effortlessly. Documenting these buildings feels instinctive; this is where we belong.

Our unwavering fixation on symmetry, synchronisation, and repetition endures, but this time we believe the music reveals a more emotional depth. That is the direction we have been moving towards. Some things simply take time, yet this album seemed to take shape of its own accord.

Join us as we walk through these modern day cathedrals, monuments to the people.

Black Truffle is thrilled to announce Spilla, the second album from Nantes-based Ensemble Nist-Nah, 48 minutes of music for Gamelan, drum kits, wood and metal percussion instruments, and plucked strings that will surely count as one of the most electrifying records you hear this year. Founded by the Australian drummer/percussionist Will Guthrie in 2019, continuing the explorations begun in solo form on Nist-Nah (Black Truffle, 2020), the ensemble (eight or nine core members with occasional guests) has been consistently active in the half-decade since: composing, rehearsing, recording and touring Europe (with a mass of equipment in tow) to great acclaim. Spilla tracks the continuing evolution of the project since the recording of their first album, Elders (Black Truffle, 2022). The two sides of this record document two different iterations of the group, and the members' compositional input has increased: each side contains one piece by a member other than Guthrie. It has become clearer than ever that Ensemble Nist-Nah is not an attempt at a European Gamelan ensemble but rather a hybrid percussion ensemble that uses instruments from a Javanese Gamelan alongside other percussion to perform original music informed by a variety of South East Asian music but also by everything from free jazz to contemporary hip-hop: while Nist-Nah and Elders both featured traditional Javanese pieces, on Spilla the only tune not generated by a member of the group is by Guthrie’s long-time musical hero and occasional collaborator Roscoe Mitchell.

The two short pieces that open the record could almost be the two sides of a wild 7” selected to show off what the Ensemble can do. On opener ‘Gerak Maju’, intricately skittering open-snare patterns bounce over clanging metal, chiming bell-like tones and deep gong hits, adapting the rhythm-register connections heard in traditional Gamelan musics—where the lowest pitched sounds are heard least frequently—to a cut-up breakbeat straight off Feed Me Weird Things. ‘Strollabout’ then moves into an entirely different realm of meditative repeating patterns, performed entirely on Chinese, Javanese and Vietnamese gongs. The remaining seven pieces, ranging from three to twelve minutes, offer up a wealth of different percussive, compositional and arrangement possibilities. On ‘Ghostly Klang’, two drumkits mirror each other’s moves, bouncing hats and snares across the stereo field in a way that recalls On the Corner and the jittering hi hat patterns of trap, while slow moving melodies on the tuned instruments add a sense of majesty contrasted by scurrying details in resonant wood. The epic closing track presents a take on Roscoe Mitchell’s ‘Uncle’, performed by the Art Ensemble of Chicago on their classic Urban Bushmen live album. Where the Art Ensemble used Mitchell’s dirge-like melody as a jumping off point for virtuosic improvisational flights, Ensemble Nist-Nah rethink the piece as a near-static dialogue between the monumental, slow-moving sequence of unison tuned percussion notes and a textural cloud that grows in richness and intensity from whispering cymbal rolls into a mass of gong overtones and bowed metal.

Beautifully recorded and mixed, Spilla arrives in a sleeve decorated with core member Charles Dubois’ drawings of cymbals and gongs. Against the backdrop of a wider musical landscape dominated by over-produced electronic slop and bland harmonic wallpaper, Ensemble Nist-Nah stands out as a reminder, vital and unpretentious, of the joys and possibilities of human beings playing instruments together.

Seit Mitte der 1980er Jahre prägt Caspar Brötzmann einen unverkennbaren Sound - infernal, radikal, kompromisslos. Unbeirrt verfolgt er seinen eigenen Weg, jenseits klarer Genregrenzen. Als Sohn des berühmten Saxofonisten Peter Brötzmann fand er früh seine künstlerische Identität und entwickelte eine einzigartige Klangsprache, die sich in brachialer Katharsis entlädt. Seine Musik ist keine Anpassung an Trends, sondern eine sensible, leidenschaftliche, fast autistisch anmutende Annäherung an Verzweiflung und Wut - und doch voller Hoffnung. Mit seiner virtuosen Eigenständigkeit am Instrument ist er eine Ausnahmeerscheinung. Ein atonaler Hendrix, made in Germany. Nach der Veröffentlichung seiner ersten Komposition "The Lovers And Destroyers" mit Caspar Brötzmann Bass Totem im Herbst 2024 veröffentlicht der international renommierte Gitarrist nun eine Platte mit seiner Band Massaker beim deutschen Label Exile On Mainstream. Es ist die erste Aufnahme der genreprägenden Band seit 26 Jahren nach dem letzten, 1999 erschienen Album "Mute Massaker". "It's a Love Song" besteht aus zwei unterschiedlichen Versionen seines Songs "All This Violence", die im Januar 2025 in Wien und Dresden mit Saskia von Klitzing (Drums) und Eduardo Delgado Lopez (Bass) aufgenommen wurden. Angesichts der aktuellen Weltlage entschied Brötzmann, mit "All This Violence" ein klares Zeichen zu setzen. Er selbst schreibt dazu: " Schon nach ein paar Augenblicken war klar: was ich hier hörte, hatte die Botschaft, die Kraft und spiegelt unser Zeitgeschehen wieder. Keine von meinen Studioaufnahmen hatte diese Power. Und das war nur die eine Seite, es bedeutete auch den Spalt zwischen Schwarz und Weiß zu finden, zwischen Hell und Dunkel und zwischen Leicht und Schwer, wohin mit all meinen anderen Songs? Lange, lange habe ich nach der Achse gesucht und völlig unerwartet stand sie plötzlich neben mir im Raum . . ."

In „Sílvia & Salvador“ treffen zwei der überzeugendsten Stimmen der zeitgenössischen Musik – Sílvia Pérez Cruz und Salvador Sobral – zu einer zutiefst intimen und zeitlosen Zusammenarbeit zusammen. Das Album ist weniger ein Duett als vielmehr ein musikalisches Gespräch, in dem Emotionen Vorrang vor Sprache, Genre oder Nationalität haben.

Introducing 'Higher' - the first release in a powerful new series from the Higher label.
This heavyweight track is a collaboration between renowned producer Bukkha and soulful vocalist Ites Vibration. It features the rich brass of King David Horns, deep-rooted percussion from Don Fe, and an analogue mix from Mysticwood.

The Higher series proudly delivers bass-heavy, rootikal music built to resonate through sound systems - music that moves the body and speaks to the heart, mind, and soul. Each release honours the foundations of traditional roots while pushing spiritual and sonic boundaries.

'Higher' calls us back to our natural state-a reconnection with the earth and surrender to the universe's rhythm. With its mystical melodies, swinging groove, and deep flow, this track invites listeners into a space of elevation and meditation.

Grown through collaboration, Samuel Savenberg’s EP As Bright as a Burning Star stands for a music that evolves and becomes newly tangible in the very moment of performance.
The live EP captures a concert by Savenberg and his band, recorded at the 2024 B-Sides Festival on Sonnenberg near Lucerne. In this setting, the concert with his close musical companions takes on a life distinct from the studio recordings it draws upon, casting the music in a new light: more immediate, vibrant, and warmer.
As Bright as a Burning Star features newly interpreted pieces from Unsung—Savenberg’s 2023 album released via Präsens Editionen—alongside two new songs. The title track had existed in a similar form since 2016 but had never been released—until it was rediscovered by chance during preparations for the concert. The second new piece, "Expressions of Regret", features vocals by Remo Helfenstein, a longtime friend and fellow Präsens Editionen artist.
As Bright as a Burning Star is a labor of love—shaped by shared musical histories and lasting friendships. It is available on cassette tape, for streaming and as a digital release via Präsens Editionen.

Samuel Savenberg is a composer and producer based between Lucerne and Berlin. Following the release of Unsung in 2023, he has presented selected remixes and live performances—the latter mostly in a band setup—and collaborated with other artists, taking on a variety of roles.

Founded in 2011 in the process of launching zweikommasieben, Switzerland-based publishing house and music label Präsens Editionen has released music on vinyl, cassette, CD, and digital formats—alongside magazines, books, and other printed matter. Audio releases include works by Anna Homler, Robert Turman, Belia Winnewisser, Samuel Reinhard, Martina Lussi, and Magda Drozd & Nicola Genovese’s Sopraterra.


* Edition of 66 professionally dubbed cassette tapes (colored)
* Special artwork by Denise Haeberli at INTR in custom snapbox
* Free DL

It has been almost seven years since the release of Alpestres, the impressive debut by Matthias Puech on Hands in the Dark. While that first experience took us on a mystical journey through fascinating fictional landscapes, 'Cabanes' lets its narrative unfold in a confined space: eight pieces each resembling small structures or makeshift shelters that, while enveloping and isolating the listener, remain open to their surroundings. These are not merely interiors; they are handcrafted spaces through which we gain insights into the world. Yet they allow the light from the outside to seep in, reminding us of reality.

According to Puech, each composition has a distinctive two-part story that are both clear and intriguingly interconnected. The first one often revolves around the anecdotal and tangible aspects of instrumental "play," showcasing a technical exploration with his tools, the discovery of sounds in a library, and the serendipitous encounters that inspired them. The second part, however, delves into the more elusive yet profound state of existence that the French artist experienced while engaging with these sounds, reflecting on the moments he listened and re-listened to them, ultimately deeming them worthy life companions. These two narratives, perhaps reshaped over time like distant memories, interact in ways that can either clash or complement each other, creating a lasting impact on the listening experience.

A significant aspect of the compositional process involves distancing oneself from these connections to creation, allowing for the rediscovery of a state of listening that is free from prior emotional influences—what one might call "pure" listening. This method enables the transformation of a sequence of events into a narrative that is independent of its original intent, resulting in a universal object. After spending considerable time with the attached pieces and attempting to induce a form of amnesia to reconstruct an artificial narrative, Matthias Puech has ultimately chosen to relinquish this pursuit. Thus, the album is aptly termed “Cabanes” (“Huts”): fragile structures whose design clearly reflects the intention behind their creation, showcasing all the signs of considerate craftsmanship.

Sally Anne Morgan is an artist and naturalist in the purest senses. Raised on old time and Appalachian folk traditions, Morgan"s artistry embodies the rich life of the communities and natural world she surrounds herself with. Based in Alexander, NC on the edge of Appalachia and the Pisgah National Forest, Sally"s blend of traditional technique and distinctly modern compositional approach are infused with the sounds of her garden, surrounding pastures, forests and mountains. Guest synthesis Sean Dunlap (Field Patterns) and hurdy-gurdy player Brian "Geologist" Weitz (Animal Collective) embellish pieces with droning thrums and sonic moss. Second Circle The Horizon is an album built on Morgan"s singular artistic voice as an improviser and composer intertwined with deft intuition. Morgan"s music highlights her bond with nature, and how its beauty and the beauty of artistic creation are interwoven. The album celebrates creation, revels in discovery, and marvels at the complex patterns, intersectional cycles and simple beauty of a creative life intertwined with the natural world.

Sally Anne Morgan is an artist and naturalist in the purest senses. Raised on old time and Appalachian folk traditions, Morgan"s artistry embodies the rich life of the communities and natural world she surrounds herself with. Based in Alexander, NC on the edge of Appalachia and the Pisgah National Forest, Sally"s blend of traditional technique and distinctly modern compositional approach are infused with the sounds of her garden, surrounding pastures, forests and mountains. Guest synthesis Sean Dunlap (Field Patterns) and hurdy-gurdy player Brian "Geologist" Weitz (Animal Collective) embellish pieces with droning thrums and sonic moss. Second Circle The Horizon is an album built on Morgan"s singular artistic voice as an improviser and composer intertwined with deft intuition. Morgan"s music highlights her bond with nature, and how its beauty and the beauty of artistic creation are interwoven. The album celebrates creation, revels in discovery, and marvels at the complex patterns, intersectional cycles and simple beauty of a creative life intertwined with the natural world.

Green vinyl, limited to 500 copies. Helheim, one of the founding pioneers of the Norwegian viking metal genre, are ready to release their 12th studio album "HrabnaR / Ad vesa". On this record, Helheim has made a split album with themselves. For the first time, the main songwriters V'gandr and H'grimnir have divided the album in two, where they solely take care of the vocals on the part they represent musically. This has resulted in two very different expressions - not uncommon for this band, but never as clearly as here. The first half, "Hrabnar", contains four stand-alone songs written by H'grimnir. The second part, "Ad vesa", is about the four components in Norse mythology that we know collectively as the human soul. In pre-Christian Norway, the concept of the soul was not a singular, unified entity, but a composite of many elements, of which the four key components were Fylgja, Hamr, Hugr, and Hamingja. Founded in 1992, Helheim are known and renowned all over the world for their authenticity and integrity when it comes to portraying their Norse heritage. Constantly growing and evolving, and staying clear of musical trends and fads, they've carved their own way for more than 30 years. This split album is no exception. Recorded in Duper and Solslottet Studio in 2024/2025, the album was engineered, produced, mixed and mastered by Iver Sandoy.

Fun Fun was an Italian Euro disco band produced by Dario Raimondi Cominesi and Alvaro Ugolini. The group was fronted by models, while the vocals were recorded by

original singers Antonella Pepe, Angela Parisi, and Ivana Spagna. Spagna left after the release of their first album in 1983.

Their breakthrough came with the hit “Happy Station (Scratch Remix),” by Ben Liebrand which climbed the charts in several European countries, including the Netherlands, Germany, and Belgium.

The track became a staple in the hottest discos of the era. The Greatest Fun compilation album brings together their biggest hits, including “Happy Station (Scratch Remix),”

“Give Me Your Love,” “Baila Bolero,” and “Living in Japan.” Additionally, the album features the Fun Fun “Mega Hit Mix,” a special mix by

Dutch producer and DJ Martin Boer of 2 Brothers on the 4th Floor fame, along with many more Euro disco tracks.

Re-Release auf transparent gelbem Vinyl

'Find El Dorado' is a deeply personal new album of reinterpretations, that sees Weller revisit songs that have long lived in the back of his mind - now reimagined with fresh meaning and a sense of reverence. Less a covers album and more a map of his emotional and musical DNA. Produced by Steve Cradock, the album includes further guest appearances from Declan O’Rourke, Noel Gallagher, Amelia Coburn, Seckou Keita, Robert Plant and more.

First single Lawdy Rolla on 7” due out on 20th June.

Als eine der einflussreichsten Bands, die aus der britischen Festivalszene hervorgegangen sind, überlagern die Ozrics Ambient und ätherische Landschaften mit Freeform-Dub-Trips, unglaublichen Rave-Grooves und psychedelischem Progressive Rock. Es ist eine offene Erkundung der Musik und der Seele.

Seit über 30 Jahren haben die Ozrics die Wechselfälle des Rock'n'Roll-Lebens erlebt. Die Band hat mehrere Besetzungswechsel durchlebt, mehrere Nebenprojekte hervorgebracht, ihr eigenes Plattenlabel gegründet, einen Hit gelandet und weltweit über eine Million Alben verkauft. Und doch ist die Grundmotivation hinter der Existenz der Band nie ins Wanken geraten.

Ihre charakteristische Mischung aus Hippie-Ästhetik und Raver-Elektronik mit spiralförmigen Gitarren, texturierten Keyboard- und Midi-Sampler-Wellen und super-groovigen Bass- und Schlagzeug-Rhythmen begeistert bis heute Fans auf der ganzen Welt.

"Curious Corn" ist ein klassisches Ozrics-Album, das Rock, Ambient, Weltmusik und gekonnte Basslinien mit einem Markenzeichen-Groove vermischt, der Fans an die bemerkenswerten Festivalauftritte der Band erinnern wird.

Limitierte Auflage, weißes Vinyl + 36-seitiges Booklet. „King of a Land“ ist ein tiefgründiges und bewegendes Selbstporträt eines der beständigsten und beliebtesten Songwriter der Popmusik. Einzigartig und mitreißend zeichnen Yusufs neue Musik, Texte und Melodien ein lebendiges Bild einer Welt, in der kindliche Träume wieder in greifbare Nähe gerückt sind. Sein poetisches Geschichtenerzählen lädt den Hörer auf eine Reise zu den Toren eines alternativen Universums ein – in dem es durchaus Happy Ends gibt. Von der herrlich unerwarteten Hardrock-Intensität von „Pagan Run“ über die Tschaikowsky-inspirierte Orchestrierung von „How Good It Feels“, die zarte Akustikballade von „He Is True“ bis hin zum treibenden Phil-Spector-Gospel-Vibe von „Highness“, dem rollen-Americana-Groove im Stil der Traveling Wilburys von „All Nights, All Days“ und dem kunstvollen, atmosphärischen „Son Of Mary“ ist „King of a Land“ ein episches Werk. Das Album-Artwork stammt von Peter H. Reynolds, dem preisgekrönten Kinderbuchillustrator.

Neben dem Cover hat Peter für jeden Song Illustrationen zu den lyrischen Themen des Albums erstellt, die im 36-seitigen Vinyl-Booklet enthalten sind.

Limitierte Auflage, transparentes 140-g-Vinyl.

Nach seiner überraschenden digitalen Veröffentlichung ist Sigur Rós’ erstes neues Studioalbum seit zehn Jahren, ÁTTA, ihr bisher intimstes und emotional direktestes Album.

Nur wenige Bands dringen so durch den Lärm und die Ablenkungen der Welt und vermitteln eine reine, elementare Wahrheit und ein Gefühl wie Sigur Rós. Wie man auf ÁTTA hört, spürt man in der Band einen neuen Antrieb und eine neue Dynamik, die mit der neuen Besetzung einhergeht. Multiinstrumentalist Kjartan Sveinsson ist zurück – nachdem er die Band 2012 verlassen hatte – und schließt sich Frontmann Jónsi und Bassist Georg Holm an.

Aufgenommen auf mehreren Kontinenten – im Sundlaugin Studio der Band in Island, im legendären Abbey Road Studio in Großbritannien und in mehreren Studios in den USA – ist „ÁTTA“ stark orchestral ausgerichtet und berührt alles, was Sigur Rós mit fast zehn Millionen verkauften Alben zu einer der ambitioniertesten und gefeiertsten Bands der letzten Zeit gemacht hat. Gleichzeitig weist es auf eine spannende und weitreichende Zukunft hin. Auf „ÁTTA“ sind das London Contemporary Orchestra unter der Leitung von Robert Ames sowie Blechbläser des langjährigen isländischen Bandpartners Brassgat í bala prominent vertreten. Gemischt und koproduziert wurde das Album von Paul Corley, einem weiteren häufigen Kollaborateur der Band

In echter Badflower-Manier kehren die Rocker aus Nashville zurück, um schwierige Themen mit ihrem neuen Album „No Place Like Home“ – dem Nachfolger ihres 2021er-Albums – erträglich zu machen. Frontmann Josh Katz nimmt sich die Zeit, alles richtig zu machen und führt uns durch persönliche Geschichten von Paranoia, Reue und sogar dem Verlust eines Haustiers, die dennoch universell nachvollziehbar und angenehm sind. Die charakteristische Fähigkeit der Band, schwierige Themen mit selbstironischer Entwaffnung zu überziehen, findet sich auch auf diesem Album wunderbar umgesetzt.

2023 gab Saxofonist Joshua Redman sein erfolgreiches Blue Note-Debüt mit dem für ihn überraschenden Album ”where are we”, seinem ersten Projekt mit durchgehender Beteiligung einer Vokalistin: Gabrielle Cavassa.

Auf seinem neuen Album kehrt Redman nun zum instrumentalen Jazz zurück - Gabrielle Cavassa singt nur einen einzigen Titel -, stattdessen interpretiert Redman stimmungsvolle Originale aus eigener Feder, die er in den letzten Jahren ohne ein bestimmtes Projekt im Kopf erarbeitet hat, mit ebenso jungen wie sensationell guten neuen Musikern (Pianist Paul Cornish, Bassist Philip Norris und Schlagzeuger Nazir Ebo). Als Gäste setzen Saxofonistin Melissa Aldana und Trompeterin Skylar Tang Akzente.

Jetzt auch auf Vinyl: Nach Mette Henriettes vielbeachtetem selbstbetitelten Debüt folgt nun Drifting – ein Album, das von Trio-Gesprächen mit eigenwillig-originellem Ausdruck durchdrungen ist. Mit Rückkehrer Johan Lindvall am Klavier und dem Neuzugang Judith Hamann am Cello präsentiert Mette kammermusikalische Ausarbeitungen von höchst konzentrierter und forschender Natur, zum Ausdruck gebracht durch subtile und zugleich intensive Interaktion. Motive und wiederkehrende Muster entstehen fast unscheinbar und offenbaren ein prägnantes Narrativ. Die Saxophonistin erklärt, dass ”dieses Album in Bewegung ist. Es bahnt sich seinen Weg und hat sein eigenes Tempo – der kreative Gestus unterscheidet sich grundlegend von dem, was ich bisher gemacht habe.” Aufgenommen in Oslo, fertiggestellt in den Studios La Buissonne und produziert von Manfred Eicher, präsentiert Drifting Trioerkundungen gedämpfter Texturen und vielfältiger Timbres mit besonderer Klarheit und Präzision.

Jetzt auch auf Vinyl: Musikalische Mitteilungen aus Oslo, New York, Basel und Lugano – aufgenommen zwischen 2018 und 2022 – werden auf dieser fesselnden Aufnahme, auf der der norwegische Schlagzeuger Thomas Strønen solo und in einer Reihe von Duetten zu hören ist, einander gegenübergestellt und neu kombiniert. Mit unterschiedlichsten Partnern wie Craig Taborn, Chris Potter, Sinikka Langeland und Jorge Rossy ist der musikalische Bezugsrahmen breit gefächert. Elemente von Langelands archaisch anmutendem Folk bis hin zu Potters Post-Coltrane-Saxophon und Taborns wirbelndem modernistischem Klavier finden alle ihren Platz in einem Projekt, das neue Verbindungen und kreative Beziehungen impliziert. Das Album wurde im Februar 2023 von Strønen und dem Produzenten Manfred Eicher in den Bavaria Musikstudios in München fertiggestellt und gemischt.

3 Doors Down haben sich einen Weg als die Rockband schlechthin gebahnt und feiern mittlerweile einen ungebrochenen Mainstream-Erfolg. Dabei haben sie aber nie ihre Kleinstadt-Identität verloren hat, was sie zu den wahren Underdogs des Rock gemacht hat. Das Album ”The Better Life” enthält ihre bahnbrechende Hymne „Kryptonite“ und kommt nun nochmals auf einer 1LP Black Vinyl heraus.

Horizontaler Gentransfer" beschreibt die Übertragung genetischer Informationen bei den Mikroorganismen jenseits normaler Paarungsbarrieren .Die Band "Horizontaler Gentransfer" (HGT) ist eine Experimental Art Pop, K-Punk- Kollektiv, das von sechs (!) Künstlerinnen (Mizi Lee, Seonha Park, Jerry Ahn, Yun Park, Lilian Gonzalez, Hanseo Oh) mit Migrationshintergrund im Mai 2022 in Stuttgart initiiert wurde. Dem Prinzip der horizontalen Übertragung folgend, übertragen sie dies auf u.a. Memes, Posts, Chats- oder K-Pop-Kulturen, die sich über Smartphones oder iPads verbreiten und suchen dabei nach einem experimentellen Weg, um mit Text, Musik und visuellen Elementen zu Mode, Infektion und Migration zu forschen. HGT hinterfragt nicht nur kulturelle Normen, sondern reagiert direkt auch auf Stereotypen oder rassistische Angriffe. Direkte Fragen werden gestellt, energetische Aussagen getroffen und Stimmungen eingeholt die mal aggressiv, mal entspannt oder mit einem Augenzwinkern dargeboten werden. HGT sind eine Wundertüte verschiedener Genres und Stile, von Punk bis Poetry aber auch Schlager und Elektro gibt es zu entdecken. 'Everything Possibbong' ist das zweite Album und HGT lassen sich weiterhin nicht eine Schublade stecken. Das Album verbindet traditionellen koreanischen Schlager mit elektronischem Punk und einer guten Prise urban contemporary Pop. Die erste Single 'From Kita' zeigt wie sich Vielseitigkeit in Sinuswellen ausdrückt ohne aus der Reihe zu tanzen. Ein minimalistisches 808 pattern, ein vorantreibendes Keyboard und eine Telefonhörer Stimme mäandern durchs Intro und wandeln sich schließlich mittels Break in einen dadaistischen Pop Song der am ehesten an OOIOO denken lässt, sonst aber keinerlei Vergleichsfläche bietet. Vinyl comes with many goodies as there are 2 Stickers, 2 random character cards, a lyrics booklet & download code.

After the explosive Comme à la radio, infused with the free jazz energy of the Art Ensemble of Chicago, Brigitte Fontaine and Areski Belkacem released six albums together or separately between 1972 and 1977. Their music, often stripped down to voice, guitar, and percussion-or performed a cappella-stood in stark contrast to the orchestrated French pop of the time. This minimalist and spontaneous approach highlighted the poetic power of the lyrics and the intimacy of the melodies, earning them recognition in the counterculture and underground scenes. By the end of the 1970s, Fontaine sought to make her work more visible without losing its originality. The Baraka album marked this transitional moment, initially recorded in a home studio without external musicians. Its title (meaning "blessing" in Arabic) hinted at a desire for success. Mixing introspection, absurd humor, and bold stylistic choices, the album was technically ambitious, featuring stereo duets and layered vocals, and lyrically rich, tackling everything from metaphysical themes to playful nonsense. However, the project ultimately veered off course. After moving the recordings to the massive Studio Davout and bringing in producer and guitarist Martial "Mimi" Lorenzini, the album lost its original intimacy. Overproduced arrangements clashed with the simplicity of Fontaine and Belkacem's initial intent, resulting in an album-renamed Les églantines sont peut-être formidables-that the artists later disowned, refusing to allow its commercial release. Recently rediscovered demo tapes, stripped of their bombastic layers, reveal the raw, emotional core of the songs-showcasing the duo's voices with a rare authenticity. These recordings bridge a missing link in their discography, between their experimental lo-fi years and their later, more accessible work. Decades on, Fontaine and Belkacem remain defiant originals, never settling into a formula, always evolving, and continuing to shake the foundations of French chanson.

Come Ahead ist das 12. Album von Primal Scream. 11 neue Songs, mit denen Bobby Gillespie sich darauf
vorbereitet, einige der persönlichsten Songs der Bandkarriere zu veröffentlichen.
Der Songwriting-Prozess für Come Ahead begann 2019. Zu diesem Zeitpunkt hatte Bobby Gillespie noch
keine Ahnung, ob er noch einmal ein Album von Primal Scream machen würde. Zum ersten Mal kamen
die Texte vor der Musik. Die Geschichte kam zuerst. Bobby schrieb allein, mit einer Akustikgitarre. Die
Ideen flossen schnell, in langen Inspirationsschüben. Dieser Prozess, zusammen mit der Ermutigung durch
Produzent David Holmes, bot einen neuen Einstieg. In Zusammenarbeit mit Holmes und Primal ScreamGitarrist Andrew Innes wurden die Come Ahead-Sessions in Belfast, London und Los Angeles durchgeführt.
„Ich bin sehr aufgeregt über dieses Album, so als würde man seine erste Platte machen. Wenn es ein
Gesamtthema für Come Ahead gäbe, wäre es vielleicht ein Konflikt, ob innerlich oder äußerlich. Der Titel
ist ein Begriff aus Glasgow. Wenn jemand droht, mit dir zu kämpfen, sagst du: ‚Komm schon!‘ Es erinnert
an den unbezwingbaren Geist der Glasgower, und das Album selbst vermittelt diese aggressive Haltung und
Zuversicht. Sie haben da oben ein Wort dafür: gallus. ‚Come Ahead‘ ist auch ein ziemlich frecher Titel.“
Bobby Gillespie

Composer Corneliu Cezar (1937-1997) was a distinctive personality within the Romanian post 1960 avantgarde: a visionary of music, a thinker and a prophet, a richly gifted artist also active with writing, poetry, painting and astrology. Cezar was an activist rediscovering the natural resonance of sound within a different historical context and he embraced the recovery of authenticity as a reaction against the artificialized culture of serial doctrines. When, after 1975 the spectral music trend became official in Paris, with much fuss and remarkable support from musicologists, nobody knew that this trend has already been practiced by a small group of Romanian composers lead by Corneliu Cezar for ten years. The four electro-acoustic pieces on this album (privately released on CD in Romania in 2000), recorded with little means between 1967 and 1975, display the incredibly strong ideas of a truly visionary artist. Everything Corneliu Cezar has done during his short earthly life bared the shade of authenticity.

Love in the time of collectively assured techno-capitalist-nuclear holocaust! It’s the endless summer the Brits have been harping on about since they think they won the World Cup. The soundtrack is the debut album of the Content Provider; where Octatrack illbient and industrial chanson mesh in a singed postcard addressed to the UK Border Force and co-signed by aliens plucked from the petri dishes of Young Echo, Cold Light and Avon Terror Corps.
It’s a name she tried to keep anonymous, but Drowned By Locals and Bokeh Versions are breaking contract to reveal that the Content Provider is in fact the shock production alias of DALI DE SAINT PAUL. Patron saint of Bristol’s self-destructive improv idols EP/64 as well as post-feminist chamber collective Viridian Ensemble, avant-terror duo Harrga and constant collaborator with the likes of *breathe* Moor Mother, Valentina Magaletti, Mariam Rezaei, Vincent Moon, Maxwell Sterling, Ossia, Ben Vince.
And isn’t it such a strange release? And won’t people be surprised? Endless Summer is grubby and heartfelt, defiant and hopeful, with flecks of warped reggae on E-System nudging the freeform dream balladry of A Feeling and Sunday Morning, Kode9 & Spaceape-worthy dread poetry of Close Ur Eyes next to anthemic electro-crush of Overdrive. Even to those that know her well, and EVERYONE with their belly in the Bristol underground knows her, Endless Summer is a revelation. Perhaps the apex of the known Dali-verse……where her live gigs have boiled with an experimental volcanic vocal force, Endless Summer is twisted, syrupy, sultry, POP.

DIEMAJIN is the duo of Berlin-based producer DJ DIE SOON (Daisuke Imamura) and Tokyo-based vocalist MA. Their self-titled debut is equal parts scrambled hip-hop, simmering noise and spectral Tokusatsu soundtrack. A set of cursed beats and possessed raps inspired by Japanese sci-fi and supernatural-horror films from the 1960s.
The pair, both originally from Japan, first collaborated live at an event in Berlin organised by Morphine Records in 2019. But the eleven tracks on their self-titled debut were made by swapping beats, sounds and acapellas across the internet. Editing, arranging and degrading them into the collection presented here.

Hampus Lindwall’s Brace for Impact might just be the first album of post-internet pipe organ music. It’s an album of five new contemporary classical compositions, all performed by the composer himself on the 78-stop grand organ at St. Antonius church in Düsseldorf, Germany. Featuring the electric guitar of SUNN O)’s Stephen O’Malley on the title track. A highly visceral forty-five minutes of music with undeniable elemental power.
As 2024 came to a close, in New York and Paris chords rang out from thirty-two-foot pipes for the first time in half a decade. Following twin fires in 2019, the grand organs at the cathedrals of St John the Divine and Notre-Dame, amongst the largest instruments in their respective countries, had finally been restored. The news was justly celebrated in the international press, but the incidents were far from isolated. In England, the city of Norwich hailed the return of its cathedral’s five manual organ in 2023 and just two years earlier York Minster heralded a “once-in-a-century” refurbishment of its own 5,000-plus pipe instrument. Meanwhile, further organ restoration projects are ongoing at churches in Liverpool, Bradford, Bristol, Winchester, and Washington DC. Significant as they are to their respective communities, they’re also emblematic of a wider rebirth for one of humanity’s oldest musical instruments.
The organ is having a moment. Over the last few years, albums by the likes of Kali Malone, Ellen Arkbro, Anna von Hausswolff, FUJI|||||||||||TA, and Áine O’Dwyer, as well as projects in the visual arts by Sollmann Sprenger, Cory Arcangel, Massimo Bartolini and many other talented artists, have given a new prominence to the old ecclesiastical stalwart. The pipe organ bears historical traces which stretch back to the third century BC. But that doesn’t mean it can’t speak to a contemporary moment haunted by algorithms and networked culture. Hampus Lindwall’s Brace for Impact is an album of organ music for today.

Preeminent cellist / composer Oliver Coates follows his scores for
‘Aftersun’ and ‘Foe’ with a stately string and electronic orchestration for Tudor and Stuart-era period drama ‘Mary & George’. Coate’s score draws on his roots in classical, electronic and club music to accompany an adaptation of the non-fiction book ‘The King’s Assassin’ by Benjamin Woolley, which outlines the romantic affair between King James VI and I and George Villiers, 1st Duke of Buckingham.
The score sees Coates reaching for a suitably lavish palette of strings, from symphonic to puckered chamber arrangements, sometimes underlined with Burial-esque beats and choral pads, as in ‘France’, or alloying the two in a way recalling Nicholas Britell’s ‘Succession’ soundtrack. There’s enough harpsichord to make the ruffed-necks swoon, and Coates takes the license to distort sounds to taste when necessary, resulting a clear highpoint in his work, both solo and for film

Exclusive to Invada Records and released in association with Netflix, the incredible score to the critically acclaimed Yance Ford’s documentary “Power” scored by Robert Aiki Aubrey Lowe (Candyman / Telemarketers / Grasshopper Republic).
The album was mixed by the legendary Randall Dunn at his studio Circular Ruin and mastered by Invada’s own James Trevascus.
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