Search:du

Fun Fun was an Italian Euro disco band produced by Dario Raimondi Cominesi and Alvaro Ugolini. The group was fronted by models, while the vocals were recorded by

original singers Antonella Pepe, Angela Parisi, and Ivana Spagna. Spagna left after the release of their first album in 1983.

Their breakthrough came with the hit “Happy Station (Scratch Remix),” by Ben Liebrand which climbed the charts in several European countries, including the Netherlands, Germany, and Belgium.

The track became a staple in the hottest discos of the era. The Greatest Fun compilation album brings together their biggest hits, including “Happy Station (Scratch Remix),”

“Give Me Your Love,” “Baila Bolero,” and “Living in Japan.” Additionally, the album features the Fun Fun “Mega Hit Mix,” a special mix by

Dutch producer and DJ Martin Boer of 2 Brothers on the 4th Floor fame, along with many more Euro disco tracks.

Re-Release auf transparent gelbem Vinyl

'Find El Dorado' is a deeply personal new album of reinterpretations, that sees Weller revisit songs that have long lived in the back of his mind - now reimagined with fresh meaning and a sense of reverence. Less a covers album and more a map of his emotional and musical DNA. Produced by Steve Cradock, the album includes further guest appearances from Declan O’Rourke, Noel Gallagher, Amelia Coburn, Seckou Keita, Robert Plant and more.

First single Lawdy Rolla on 7” due out on 20th June.

-erste „echte“ CD-Veröffentlichung des Albums von 2008
-erstmals auf Vinyl
-US-Thrash und Speed Metal mit einem hohem Anteil traditionellem Metal
-Remaster 2025, CD enthält einen Live-Bonustrack Bloodrunner aus Illinois, USA, gründeten sich 2004, als Thrash Metal nicht gerade ein angesagtes Subgenre war. Besonders in den USA waren traditionelle Spielarten, ganz im Gegensatz zu heute, zum tiefsten Undergrounddasein verdammt. Nur die bereits etablierten Bands wie Anthrax ode Slayer, die allerdings auch mit modernen Einflüssen kokettiert haben, konnten für Aufmerksamkeit sorgen. Doch das war den frisch gebackenen Bloodrunner egal. Sie wollten ihre Lieblingsmusik spielen und wilde Parties feiern!

Nach einem Demo im Jahr 2007, erschien 2008 dann das bisher einzige Album „Total Annihilation“, welches an purer Spielfreude nicht zu überbieten ist. Die weniger perfekten Momente werden durch eine ungebändigte Energie wettgemacht, die im Heavy Metal mehr wert ist, als routiniertes Performen. Trotzdem haben die damals noch sehr jungen Musiker bereits ansehnlich Skills gehabt und verstehe ihr Handwerk. Das gilt auch für das Songwriting, welches nich nur auf durchgehendes Thrash-Geballer setzt, sondern auch auf Abwechslung. Somit ist das Album nicht nur für ThrashFanatiker geeignet. Die organisch klingende, aber dennoch fette Produktion, passt wie die Faust aufs Auge und zeigt, was bei aktuellen Alben in diesem Genre oft fehlt: Klangliche Authentizität! Es wurde damals nur als gebrannte CDR und digital veröffentlicht!

Als eine der einflussreichsten Bands, die aus der britischen Festivalszene hervorgegangen sind, überlagern die Ozrics Ambient und ätherische Landschaften mit Freeform-Dub-Trips, unglaublichen Rave-Grooves und psychedelischem Progressive Rock. Es ist eine offene Erkundung der Musik und der Seele.

Seit über 30 Jahren haben die Ozrics die Wechselfälle des Rock'n'Roll-Lebens erlebt. Die Band hat mehrere Besetzungswechsel durchlebt, mehrere Nebenprojekte hervorgebracht, ihr eigenes Plattenlabel gegründet, einen Hit gelandet und weltweit über eine Million Alben verkauft. Und doch ist die Grundmotivation hinter der Existenz der Band nie ins Wanken geraten.

Ihre charakteristische Mischung aus Hippie-Ästhetik und Raver-Elektronik mit spiralförmigen Gitarren, texturierten Keyboard- und Midi-Sampler-Wellen und super-groovigen Bass- und Schlagzeug-Rhythmen begeistert bis heute Fans auf der ganzen Welt.

"Curious Corn" ist ein klassisches Ozrics-Album, das Rock, Ambient, Weltmusik und gekonnte Basslinien mit einem Markenzeichen-Groove vermischt, der Fans an die bemerkenswerten Festivalauftritte der Band erinnern wird.

Limitierte Auflage, weißes Vinyl + 36-seitiges Booklet. „King of a Land“ ist ein tiefgründiges und bewegendes Selbstporträt eines der beständigsten und beliebtesten Songwriter der Popmusik. Einzigartig und mitreißend zeichnen Yusufs neue Musik, Texte und Melodien ein lebendiges Bild einer Welt, in der kindliche Träume wieder in greifbare Nähe gerückt sind. Sein poetisches Geschichtenerzählen lädt den Hörer auf eine Reise zu den Toren eines alternativen Universums ein – in dem es durchaus Happy Ends gibt. Von der herrlich unerwarteten Hardrock-Intensität von „Pagan Run“ über die Tschaikowsky-inspirierte Orchestrierung von „How Good It Feels“, die zarte Akustikballade von „He Is True“ bis hin zum treibenden Phil-Spector-Gospel-Vibe von „Highness“, dem rollen-Americana-Groove im Stil der Traveling Wilburys von „All Nights, All Days“ und dem kunstvollen, atmosphärischen „Son Of Mary“ ist „King of a Land“ ein episches Werk. Das Album-Artwork stammt von Peter H. Reynolds, dem preisgekrönten Kinderbuchillustrator.

Neben dem Cover hat Peter für jeden Song Illustrationen zu den lyrischen Themen des Albums erstellt, die im 36-seitigen Vinyl-Booklet enthalten sind.

Limitierte Auflage, transparentes 140-g-Vinyl.

Nach seiner überraschenden digitalen Veröffentlichung ist Sigur Rós’ erstes neues Studioalbum seit zehn Jahren, ÁTTA, ihr bisher intimstes und emotional direktestes Album.

Nur wenige Bands dringen so durch den Lärm und die Ablenkungen der Welt und vermitteln eine reine, elementare Wahrheit und ein Gefühl wie Sigur Rós. Wie man auf ÁTTA hört, spürt man in der Band einen neuen Antrieb und eine neue Dynamik, die mit der neuen Besetzung einhergeht. Multiinstrumentalist Kjartan Sveinsson ist zurück – nachdem er die Band 2012 verlassen hatte – und schließt sich Frontmann Jónsi und Bassist Georg Holm an.

Aufgenommen auf mehreren Kontinenten – im Sundlaugin Studio der Band in Island, im legendären Abbey Road Studio in Großbritannien und in mehreren Studios in den USA – ist „ÁTTA“ stark orchestral ausgerichtet und berührt alles, was Sigur Rós mit fast zehn Millionen verkauften Alben zu einer der ambitioniertesten und gefeiertsten Bands der letzten Zeit gemacht hat. Gleichzeitig weist es auf eine spannende und weitreichende Zukunft hin. Auf „ÁTTA“ sind das London Contemporary Orchestra unter der Leitung von Robert Ames sowie Blechbläser des langjährigen isländischen Bandpartners Brassgat í bala prominent vertreten. Gemischt und koproduziert wurde das Album von Paul Corley, einem weiteren häufigen Kollaborateur der Band

In echter Badflower-Manier kehren die Rocker aus Nashville zurück, um schwierige Themen mit ihrem neuen Album „No Place Like Home“ – dem Nachfolger ihres 2021er-Albums – erträglich zu machen. Frontmann Josh Katz nimmt sich die Zeit, alles richtig zu machen und führt uns durch persönliche Geschichten von Paranoia, Reue und sogar dem Verlust eines Haustiers, die dennoch universell nachvollziehbar und angenehm sind. Die charakteristische Fähigkeit der Band, schwierige Themen mit selbstironischer Entwaffnung zu überziehen, findet sich auch auf diesem Album wunderbar umgesetzt.

2023 gab Saxofonist Joshua Redman sein erfolgreiches Blue Note-Debüt mit dem für ihn überraschenden Album ”where are we”, seinem ersten Projekt mit durchgehender Beteiligung einer Vokalistin: Gabrielle Cavassa.

Auf seinem neuen Album kehrt Redman nun zum instrumentalen Jazz zurück - Gabrielle Cavassa singt nur einen einzigen Titel -, stattdessen interpretiert Redman stimmungsvolle Originale aus eigener Feder, die er in den letzten Jahren ohne ein bestimmtes Projekt im Kopf erarbeitet hat, mit ebenso jungen wie sensationell guten neuen Musikern (Pianist Paul Cornish, Bassist Philip Norris und Schlagzeuger Nazir Ebo). Als Gäste setzen Saxofonistin Melissa Aldana und Trompeterin Skylar Tang Akzente.

Jetzt auch auf Vinyl: Nach Mette Henriettes vielbeachtetem selbstbetitelten Debüt folgt nun Drifting – ein Album, das von Trio-Gesprächen mit eigenwillig-originellem Ausdruck durchdrungen ist. Mit Rückkehrer Johan Lindvall am Klavier und dem Neuzugang Judith Hamann am Cello präsentiert Mette kammermusikalische Ausarbeitungen von höchst konzentrierter und forschender Natur, zum Ausdruck gebracht durch subtile und zugleich intensive Interaktion. Motive und wiederkehrende Muster entstehen fast unscheinbar und offenbaren ein prägnantes Narrativ. Die Saxophonistin erklärt, dass ”dieses Album in Bewegung ist. Es bahnt sich seinen Weg und hat sein eigenes Tempo – der kreative Gestus unterscheidet sich grundlegend von dem, was ich bisher gemacht habe.” Aufgenommen in Oslo, fertiggestellt in den Studios La Buissonne und produziert von Manfred Eicher, präsentiert Drifting Trioerkundungen gedämpfter Texturen und vielfältiger Timbres mit besonderer Klarheit und Präzision.

Jetzt auch auf Vinyl: Musikalische Mitteilungen aus Oslo, New York, Basel und Lugano – aufgenommen zwischen 2018 und 2022 – werden auf dieser fesselnden Aufnahme, auf der der norwegische Schlagzeuger Thomas Strønen solo und in einer Reihe von Duetten zu hören ist, einander gegenübergestellt und neu kombiniert. Mit unterschiedlichsten Partnern wie Craig Taborn, Chris Potter, Sinikka Langeland und Jorge Rossy ist der musikalische Bezugsrahmen breit gefächert. Elemente von Langelands archaisch anmutendem Folk bis hin zu Potters Post-Coltrane-Saxophon und Taborns wirbelndem modernistischem Klavier finden alle ihren Platz in einem Projekt, das neue Verbindungen und kreative Beziehungen impliziert. Das Album wurde im Februar 2023 von Strønen und dem Produzenten Manfred Eicher in den Bavaria Musikstudios in München fertiggestellt und gemischt.

3 Doors Down haben sich einen Weg als die Rockband schlechthin gebahnt und feiern mittlerweile einen ungebrochenen Mainstream-Erfolg. Dabei haben sie aber nie ihre Kleinstadt-Identität verloren hat, was sie zu den wahren Underdogs des Rock gemacht hat. Das Album ”The Better Life” enthält ihre bahnbrechende Hymne „Kryptonite“ und kommt nun nochmals auf einer 1LP Black Vinyl heraus.

Horizontaler Gentransfer" beschreibt die Übertragung genetischer Informationen bei den Mikroorganismen jenseits normaler Paarungsbarrieren .Die Band "Horizontaler Gentransfer" (HGT) ist eine Experimental Art Pop, K-Punk- Kollektiv, das von sechs (!) Künstlerinnen (Mizi Lee, Seonha Park, Jerry Ahn, Yun Park, Lilian Gonzalez, Hanseo Oh) mit Migrationshintergrund im Mai 2022 in Stuttgart initiiert wurde. Dem Prinzip der horizontalen Übertragung folgend, übertragen sie dies auf u.a. Memes, Posts, Chats- oder K-Pop-Kulturen, die sich über Smartphones oder iPads verbreiten und suchen dabei nach einem experimentellen Weg, um mit Text, Musik und visuellen Elementen zu Mode, Infektion und Migration zu forschen. HGT hinterfragt nicht nur kulturelle Normen, sondern reagiert direkt auch auf Stereotypen oder rassistische Angriffe. Direkte Fragen werden gestellt, energetische Aussagen getroffen und Stimmungen eingeholt die mal aggressiv, mal entspannt oder mit einem Augenzwinkern dargeboten werden. HGT sind eine Wundertüte verschiedener Genres und Stile, von Punk bis Poetry aber auch Schlager und Elektro gibt es zu entdecken. 'Everything Possibbong' ist das zweite Album und HGT lassen sich weiterhin nicht eine Schublade stecken. Das Album verbindet traditionellen koreanischen Schlager mit elektronischem Punk und einer guten Prise urban contemporary Pop. Die erste Single 'From Kita' zeigt wie sich Vielseitigkeit in Sinuswellen ausdrückt ohne aus der Reihe zu tanzen. Ein minimalistisches 808 pattern, ein vorantreibendes Keyboard und eine Telefonhörer Stimme mäandern durchs Intro und wandeln sich schließlich mittels Break in einen dadaistischen Pop Song der am ehesten an OOIOO denken lässt, sonst aber keinerlei Vergleichsfläche bietet. Vinyl comes with many goodies as there are 2 Stickers, 2 random character cards, a lyrics booklet & download code.

After the explosive Comme à la radio, infused with the free jazz energy of the Art Ensemble of Chicago, Brigitte Fontaine and Areski Belkacem released six albums together or separately between 1972 and 1977. Their music, often stripped down to voice, guitar, and percussion-or performed a cappella-stood in stark contrast to the orchestrated French pop of the time. This minimalist and spontaneous approach highlighted the poetic power of the lyrics and the intimacy of the melodies, earning them recognition in the counterculture and underground scenes. By the end of the 1970s, Fontaine sought to make her work more visible without losing its originality. The Baraka album marked this transitional moment, initially recorded in a home studio without external musicians. Its title (meaning "blessing" in Arabic) hinted at a desire for success. Mixing introspection, absurd humor, and bold stylistic choices, the album was technically ambitious, featuring stereo duets and layered vocals, and lyrically rich, tackling everything from metaphysical themes to playful nonsense. However, the project ultimately veered off course. After moving the recordings to the massive Studio Davout and bringing in producer and guitarist Martial "Mimi" Lorenzini, the album lost its original intimacy. Overproduced arrangements clashed with the simplicity of Fontaine and Belkacem's initial intent, resulting in an album-renamed Les églantines sont peut-être formidables-that the artists later disowned, refusing to allow its commercial release. Recently rediscovered demo tapes, stripped of their bombastic layers, reveal the raw, emotional core of the songs-showcasing the duo's voices with a rare authenticity. These recordings bridge a missing link in their discography, between their experimental lo-fi years and their later, more accessible work. Decades on, Fontaine and Belkacem remain defiant originals, never settling into a formula, always evolving, and continuing to shake the foundations of French chanson.

Come Ahead ist das 12. Album von Primal Scream. 11 neue Songs, mit denen Bobby Gillespie sich darauf
vorbereitet, einige der persönlichsten Songs der Bandkarriere zu veröffentlichen.
Der Songwriting-Prozess für Come Ahead begann 2019. Zu diesem Zeitpunkt hatte Bobby Gillespie noch
keine Ahnung, ob er noch einmal ein Album von Primal Scream machen würde. Zum ersten Mal kamen
die Texte vor der Musik. Die Geschichte kam zuerst. Bobby schrieb allein, mit einer Akustikgitarre. Die
Ideen flossen schnell, in langen Inspirationsschüben. Dieser Prozess, zusammen mit der Ermutigung durch
Produzent David Holmes, bot einen neuen Einstieg. In Zusammenarbeit mit Holmes und Primal ScreamGitarrist Andrew Innes wurden die Come Ahead-Sessions in Belfast, London und Los Angeles durchgeführt.
„Ich bin sehr aufgeregt über dieses Album, so als würde man seine erste Platte machen. Wenn es ein
Gesamtthema für Come Ahead gäbe, wäre es vielleicht ein Konflikt, ob innerlich oder äußerlich. Der Titel
ist ein Begriff aus Glasgow. Wenn jemand droht, mit dir zu kämpfen, sagst du: ‚Komm schon!‘ Es erinnert
an den unbezwingbaren Geist der Glasgower, und das Album selbst vermittelt diese aggressive Haltung und
Zuversicht. Sie haben da oben ein Wort dafür: gallus. ‚Come Ahead‘ ist auch ein ziemlich frecher Titel.“
Bobby Gillespie

Composer Corneliu Cezar (1937-1997) was a distinctive personality within the Romanian post 1960 avantgarde: a visionary of music, a thinker and a prophet, a richly gifted artist also active with writing, poetry, painting and astrology. Cezar was an activist rediscovering the natural resonance of sound within a different historical context and he embraced the recovery of authenticity as a reaction against the artificialized culture of serial doctrines. When, after 1975 the spectral music trend became official in Paris, with much fuss and remarkable support from musicologists, nobody knew that this trend has already been practiced by a small group of Romanian composers lead by Corneliu Cezar for ten years. The four electro-acoustic pieces on this album (privately released on CD in Romania in 2000), recorded with little means between 1967 and 1975, display the incredibly strong ideas of a truly visionary artist. Everything Corneliu Cezar has done during his short earthly life bared the shade of authenticity.

Deep in Northern Spain, there is a rave scene exploding all over again partly driven by DJ Duo Cado & Jinx. Hailing from the outer suburbs of Barcelona these days spend their days in the studio re-imagining rave classics and building them in their own magical way. The Rave Generation e.p. Is DJ Friendly with intro's and Outro's on all 4 tracks. They have used all the original samples that got banned or removed back in the 90's to build 4 dancefloor monsters for DJ's only. Their intention and motivation for their music is to bring the euphoric sound of the 90's kicking and screaming into 2025. Already playing to sold out events in Northern Spain Cado and Jinx are names to look out for.

Love in the time of collectively assured techno-capitalist-nuclear holocaust! It’s the endless summer the Brits have been harping on about since they think they won the World Cup. The soundtrack is the debut album of the Content Provider; where Octatrack illbient and industrial chanson mesh in a singed postcard addressed to the UK Border Force and co-signed by aliens plucked from the petri dishes of Young Echo, Cold Light and Avon Terror Corps.
It’s a name she tried to keep anonymous, but Drowned By Locals and Bokeh Versions are breaking contract to reveal that the Content Provider is in fact the shock production alias of DALI DE SAINT PAUL. Patron saint of Bristol’s self-destructive improv idols EP/64 as well as post-feminist chamber collective Viridian Ensemble, avant-terror duo Harrga and constant collaborator with the likes of *breathe* Moor Mother, Valentina Magaletti, Mariam Rezaei, Vincent Moon, Maxwell Sterling, Ossia, Ben Vince.
And isn’t it such a strange release? And won’t people be surprised? Endless Summer is grubby and heartfelt, defiant and hopeful, with flecks of warped reggae on E-System nudging the freeform dream balladry of A Feeling and Sunday Morning, Kode9 & Spaceape-worthy dread poetry of Close Ur Eyes next to anthemic electro-crush of Overdrive. Even to those that know her well, and EVERYONE with their belly in the Bristol underground knows her, Endless Summer is a revelation. Perhaps the apex of the known Dali-verse……where her live gigs have boiled with an experimental volcanic vocal force, Endless Summer is twisted, syrupy, sultry, POP.

DIEMAJIN is the duo of Berlin-based producer DJ DIE SOON (Daisuke Imamura) and Tokyo-based vocalist MA. Their self-titled debut is equal parts scrambled hip-hop, simmering noise and spectral Tokusatsu soundtrack. A set of cursed beats and possessed raps inspired by Japanese sci-fi and supernatural-horror films from the 1960s.
The pair, both originally from Japan, first collaborated live at an event in Berlin organised by Morphine Records in 2019. But the eleven tracks on their self-titled debut were made by swapping beats, sounds and acapellas across the internet. Editing, arranging and degrading them into the collection presented here.

Hampus Lindwall’s Brace for Impact might just be the first album of post-internet pipe organ music. It’s an album of five new contemporary classical compositions, all performed by the composer himself on the 78-stop grand organ at St. Antonius church in Düsseldorf, Germany. Featuring the electric guitar of SUNN O)’s Stephen O’Malley on the title track. A highly visceral forty-five minutes of music with undeniable elemental power.
As 2024 came to a close, in New York and Paris chords rang out from thirty-two-foot pipes for the first time in half a decade. Following twin fires in 2019, the grand organs at the cathedrals of St John the Divine and Notre-Dame, amongst the largest instruments in their respective countries, had finally been restored. The news was justly celebrated in the international press, but the incidents were far from isolated. In England, the city of Norwich hailed the return of its cathedral’s five manual organ in 2023 and just two years earlier York Minster heralded a “once-in-a-century” refurbishment of its own 5,000-plus pipe instrument. Meanwhile, further organ restoration projects are ongoing at churches in Liverpool, Bradford, Bristol, Winchester, and Washington DC. Significant as they are to their respective communities, they’re also emblematic of a wider rebirth for one of humanity’s oldest musical instruments.
The organ is having a moment. Over the last few years, albums by the likes of Kali Malone, Ellen Arkbro, Anna von Hausswolff, FUJI|||||||||||TA, and Áine O’Dwyer, as well as projects in the visual arts by Sollmann Sprenger, Cory Arcangel, Massimo Bartolini and many other talented artists, have given a new prominence to the old ecclesiastical stalwart. The pipe organ bears historical traces which stretch back to the third century BC. But that doesn’t mean it can’t speak to a contemporary moment haunted by algorithms and networked culture. Hampus Lindwall’s Brace for Impact is an album of organ music for today.