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Mit der Oxblood Vinyl Edition kehren die frühen Klassiker von 16 Horsepower in besonders eindrucksvoller Form zurück. Secret South zeigt die Band auf ihrem dunkelsten, weitläufigsten Terrain: eine fiebrige Mischung aus Gothic Americana, Folk, Country-Anklängen und okkult schimmernder Schwermut. Bandoneon, Banjo, Hurdy-Gurdy und entrückter Gesang formen einen Sound, der fernab jeder Moderne wirkt und dennoch zeitlos bleibt - archaisch, intensiv und voller Sogkraft. Während die Stücke zwischen asketischer Kargheit und opulenter Weite pendeln, entfaltet sich die volle emotionale Wucht eines Albums, das bis heute Kultstatus besitzt. Parallel zu dieser Wiederveröffentlichung feiern 16 Horsepower ihre Reunion-Tour 2026 in Originalbesetzung, ein Ereignis, das europaweit für ausverkaufte Häuser sorgt. Eine essenzielle Edition für Gothic-Americana-, Folk- und Alternative-Sammler.

Mit "Hoarse" zeigen sich 16 Horsepower in ihrer radikalsten und unmittelbarsten Form. Das Live-Album fängt die Intensität der Konzerte in Denver und Paris ein und präsentiert Songs aus Low Estate und Sackcloth "n" Ashes in Versionen, die härter, wilder und präziser wirken als ihre Studio-Originale. Schon das von David Eugene Edwards" Akkordeon getriebene Intro von "American Wheeze" baut eine Spannung auf, die sich in eruptiver Kraft entlädt. Die Band agiert wie eine perfekt eingespielte Maschine: schwer, aber niemals stumpf; filigran, aber stets von innerem Druck durchzogen. Coverversionen wie "Bad Moon Risin"", "Fire Spirit" oder Joy Divisions "Day of the Lords" werden in eine düster glühende, beinahe rituelle Energie verwandelt. Die Oxblood Vinyl Edition bringt diesen Live-Klassiker zurück - rechtzeitig zur Reunion-Tour 2026 und als essenzielles Dokument der außergewöhnlichen Bühnenmagie der Band.

Mit "Yours, Truly" veröffentlichen 16 Horsepower eine Sammlung, die tiefer in das Herz der Band führt als jedes reguläre Album. Die Doppel-Compilation vereint auf LP1 eine von Fans weltweit kuratierte Best-Of-Auswahl - ein Querschnitt durch die intensivsten Stücke der Bandgeschichte. LP2 ergänzt das Bild um 13 rare Aufnahmen, die bis dahin auf keinem offiziellen Album erschienen waren: B-Seiten, Demos und Radiomitschnitte, die die rohe, unmittelbare Kraft der frühen Phase festhalten. Inmitten der Oxblood-Vinyl-Reissues und begleitet von der Reunion-Tour 2026 in Originalbesetzung wird Yours, Truly zu einem zentralen Dokument der Band: authentisch, emotional und ein unverzichtbares Archiv für neue wie langjährige Fans des "Denver Sound".

Nach einer dreijährigen Pause kehrt der schwedische Singer-Songwriter Thomas Jonsson mit ,Give Up Together" zurück, seinem sechsten Album als I'm Kingfisher. Nach dem 2023 erschienenen, hochgelobten Album ,Glue", das größtenteils gemeinsam mit Jazzmusikern arrangiert wurde, hat sich Jonsson dieses Mal für einen etwas anderen, härteren Sound entschieden - mit einer brillanten Sammlung von Americana-Songs, die von ruhigen Drums, markanten E-Gitarren und satten Streichern umhüllt sind, während sie gelegentlich zu reduzierten Folksongs dekonstruiert werden. Als eines der bestgehüteten Geheimnisse Schwedens und als einer der besten Songwriter der nordischen Folk-Welle hat Jonsson still und leise ein mehr als beeindruckendes Repertoire aufgebaut, während er die Bühne mit Kevin Morby, Courtney Marie Andrews, The Weather Station und Damien Jurado teilte, und ist nun endlich bereit, neben seinen berühmteren Zeitgenossen ins Rampenlicht zu treten.

"Tapping into a shared affinity for early trance – as in short for transcendental – Function and Nastia Reigel come together on Dekmantel with ‘Devocion’. Bridging the past and the future, this partnership draws deeply on brooding, melancholic early-90s sounds and supercharges it with the immensity of modern techno.

The project began when Nastia Reigel shared a series of discoveries with David ‘Function’ Sumner – records rooted in the rave-leaning edge of the era, spanning labels like R&S, FAX and EXperimental. He responded that this was precisely the music he had been absorbing while coming up in the thick of New York’s club and rave scenes and beginning his journey into DJing. The excited exchange of deep digs around this niche of dance music history naturally led to a conversation about collaborating on music in this vein, and Devocion is the result.

Familiar genre touchstones are everywhere, from the plaintive bleeps and understated breakbeat roll of 'Eternity' through the sad-eyed arpeggios strafing on the edges of 'Reverence' and on to 'Flowstate's blue-hued acid lines and 'Orion's sky-scraping gated pads. But Reigel and Sumner deploy these strongly coded elements with poise, feeding into a richly rendered production that feels anything but old-school. The emotive streak is wielded with care, spelling out the mood without losing the steely, shadowy sensibility that tracks through their respective catalogues.

In a perfect demonstration of honouring the past while embracing the present, Devocion EP lands as a distinctive artistic statement on its own terms."

Work of Art is not merely a sophomore album; it is a victory lap run with the precision of a master artist. Following the stratospheric global ascent of his debut, Mr. Money with the Vibe, Asake faced the kind of pressure that usually demands a pivot. Instead, he treated that intensity like clay, sculpting a project that feels at once more expansive in scale and more intimate in spirit. Released in 2023, the album serves as a definitive statement on Asake’s sonic identity, deepening his signature fusion of Amapiano, Fuji-inspired percussion, and Afrobeats while moving with a newfound sense of deliberate poise.

If his debut was a high-octane sprint to introduce his sound to the world, Work of Art is a confident stroll through his own creative museum. Anchored once again by the masterful production of Magicsticks, the album serves as the perfect architectural space for Asake’s erratic, infectious flows. The record feels richly textured—brimming with pulsating log drums, soulful samples, and the specific, ecstatic chaos of Lagos nightlife. Asake successfully bridges the gap between traditional Yoruba heritage and the deep, percussive basslines of South African Amapiano, resulting in a sound that feels simultaneously ancestral and futuristic.

The project thrives on a unique duality: it is introspective, yet undeniably club-ready. Tracks like "Amapiano," featuring Olamide, provide the anthemic energy his fans crave, while cuts like "Basquiat" showcase a lyrical swagger that frames his life as high art set to a relentless four-on-the-floor beat. By leaning into his "Mr. Money" persona with added vulnerability and a clearer focus on the craftsmanship of his vocal delivery, Asake avoids the dreaded sophomore slump entirely. He proves that he isn't just making pop songs; he is curating a moment. Ultimately, Work of Art captures the feeling of an artist standing at the peak of his powers, looking out at the landscape he has helped reshape, and confirming that, indeed, he belongs there. It is not about reinventing the wheel—it’s about proving that the wheel he built is a masterpiece.

In the rapidly shifting tectonic plates of the global Afrobeats scene, few arrivals have been as seismic as that of Ahmed Ololade—better known to the world as Asake. With his breakout project Mr. Money With The Vibe, the artist didn’t merely debut; he effectively recalibrated the tempo of the Nigerian pop soundscape. The EP functions as a masterclass in synthesis, pulling from the ornate, percussive history of Fuji music and grafting it onto the driving, bass-heavy architectures of contemporary Amapiano. It is a calculated, deeply rhythmic hybridization that manages to feel both nostalgic and jarringly modern.

From a critical vantage point, Mr. Money With The Vibe is defined by its brevity and density. Asake treats each track as a focused vignette, utilizing a vocal delivery that oscillates between a melodic, almost liturgical chant and the staccato urgency of a Lagos street orator. The production—characterized by sharp, frenetic percussion and deceptively simple melodic loops—creates a high-intensity atmosphere that mirrors the relentless pace of urban life. He avoids the pitfall of bloated experimentation; instead, he doubles down on a "street-pop" ethos, prioritizing accessibility without sacrificing the complex rhythmic interplay that gives the genre its distinctive texture.

Ultimately, Mr. Money With The Vibe stands as a pivotal document of the current era, capturing the transition of Afrobeats from a regional powerhouse to a dominant global force. By blending the aspirational "hustle culture" narrative with an increasingly sophisticated sonic palette, Asake established a blueprint that has since influenced a new wave of artists. The project is a testament to the idea that authenticity, when paired with relentless precision, remains the most effective currency in contemporary music.

The collaborative project of Lawrence English and Werner Dafeldecker has consistently been concerned with processes of transformation. This is all the more true for »Fathom Tides,« the duo’s second album for Hallow Ground following up on »Tropic of Capricorn« from 2023. Using field recordings collected from diverse coastal environments made by English and later treated extensively by Dafeldecker, the two sound artists explore cyclical changes in nature across these seven pieces. Through its abstracted soundscapes, »Fathom Tides« poses concrete questions: What impact do we have on the world we inhabit?

»Tropic of Capricorn« was based on material English had recorded around Australia to highlight the country’s colonial past. On »Fathom Tides,« water and tides provided a conceptual framework for the duo’s remote working process—notions of states of action and tidal dynamics becoming guiding principles in their work with the source material. English and Dafeldecker were led by the question how the morphing of solid forms into more liquid states might be captured and used as compositional guides for their respective preparations treatments and the addition of electronics to the source material.

While eroding coastlines, river systems, and glacial transformation served as inspiration, the seven pieces resulted out of the two sound artists paying close attention to seemingly minute details through which immediate and distant histories peek through often in the most unexpected and rewarding ways. Hence, »Fathom Tides« does not provide a macro view on the catastrophic changes humans have facilitated on Earth. It is its own sound world guided by both the pace of its subjects and a recognition that time is fluid—a reminder that our clocks are not those of the world around us.

Sari Jordan ist Sängerin, Songwriterin und Musikerin mit einer Stimme, die durch ihre unverfälschte Ehrlichkeit und verspielte Kühnheit besticht. Ihre Musik ist komplex und ätherisch, funky und fröhlich - ein kontrolliertes Feuerwerk. Die in New Jersey geborene und in New Orleans lebende Künstlerin beschäftigt sich mit den Widersprüchen in Beziehungen, Macht und Liebe. Jordans einzigartige Stimme und ihre introspektiven Songs tanzen am Rande der vierten Wand, die zwischen Künstlerin und Zuhörer schimmert. ,PERFECT BE THE ENEMY" ist ihr Debütalbum. Das Projekt mit 11 Songs kehrt Trauer und Wandel von innen nach außen und schmückt die emotionalen Erdbeben des Lebens mit eklektischen Grooves, hypnotischen Gitarrenlinien und einem warmen, goldenen Licht - wobei Jordans Stimme und Geschichten durchscheinen. Aufgenommen in New Orleans im Lil Squeeze Studio von Ajaï Combelic, wurde das Projekt von Jordan, Comebelic und Robin Sherman koproduziert, der auf der Platte auch Bass spielt. Jeder Song ist wie ein lebhafter Eintrag in einem Sammelalbum - Sari nimmt uns mutig mit auf eine Reise ins Selbst. Sie erinnern uns daran, dass nichts endgültig ist, alles im Fluss liegt.

Widely regarded as Romeo's finest work, the album is a landmark of roots reggae, combining political commentary, Rastafarian themes and Perry's distinctive dub production style. Released on Island Records, the album reflects the social and political turmoil of mid-1970s Jamaica, addressing poverty, violence, and oppression.

The record features nine tracks, including some of Romeo's most enduring songs such as "One Step Forward," "War Ina Babylon," and "Chase the Devil,".

War Ina Babylon is often grouped with other Black Ark productions as part of a celebrated trio of reggae albums from the era, and it remains one of the most acclaimed and influential releases in the genre.

Entstanden aus einem Live-Auftritt, offenbart ,unfamiliar music (paris)" das Wesen der Obsessionen und des Klanguniversums von Giuseppe Ielasi - einem Musiker, dessen Zurückhaltung nur von seinem Talent und seiner grenzenlosen Hingabe an das musikalische Schaffen seit fast 30 Jahren übertroffen wird. unfamiliar music (paris) ist ein bemerkenswerter Ausdruck von Ielasis Herangehensweise, einer Herangehensweise, in der Feinfühligkeit, manchmal Nostalgie und Emotionen es verstehen, mit Zurückhaltung ein Klanguniversum zu durchdringen, das um Polyphonie und Reminiszenz herum aufgebaut ist, um Texturen und Motive, die sich mit Anmut und Inspiration verflechten, verbinden und gegenseitig antreiben. ,Sparkling or Silent" des Duos Crys Cole und Oren Ambarchi ist ein eigenständiger Moment in ihren jeweiligen künstlerischen Ansätzen, ein Schritt zur Seite, der einen Fixpunkt um eine elektroakustische Methode markiert, die zwar in beiden Werken stets latent vorhanden war, sich hier jedoch als zentrale Kompositionsmodalität durchsetzt. Der elektroakustische Ansatz wird hier jedoch nicht aus formalen Gründen herangezogen, geschweige denn als ästhetische Leitlinie. Im Gegenteil, er wird als Kompositionswerkzeug betrachtet, offen für alle klanglichen Möglichkeiten, ein Werkzeug, das es dem Künstler ermöglicht, innerhalb des Klangs selbst einen verwobenen Raum zu entwerfen, in dem Erinnerungen, Eindrücke und Empfindungen eine Erzählung am Rande der Vorstellungskraft und der gemeinsam erlebten Momente weben - eine Erzählung, in die eine komplexe und sensible Klangschicht eingebettet ist, die die Grenzen zwischen künstlerischem Projekt, intimer Reise und geteilten Träumen verschwimmen lässt.

In ,Library Copy Do Not Remove" präsentiert JJ Weihl von Discovery Zone eine digitale Verzauberung der Realität, in der er das Materielle und das Immaterielle miteinander verwebt, um zu zeigen, dass es sich dabei tatsächlich um zwei Aspekte ein und desselben handelt. In Weihls Welt sind Natur und Technologie keine Feinde, sondern erschaffen sich gegenseitig in einem unendlichen Tanz aus Bedeutung und Reflexion. Ursprünglich als Raumsound für das Zeiss-Groß-Planetarium in Berlin geschaffen, ist ,Library Copy Do Not Remove" eine Schöpfungsmythologie für das simulierte Universum. Dabei handelt es sich jedoch nicht um eine trockene, bostromische, maskuline Fantasie einer digitalen Realität, der die Geheimnisse der Natur fehlen. Stattdessen fordert Weihl den Zuhörer auf, im Rahmen einer Simulation Raum für die beeindruckende Realität der natürlichen Welt zu lassen. Wenn unsere Welt simuliert ist, dann muss die Simulation in der Lage sein, die Schönheit und Pracht der Natur zu erschaffen. Auf diese Weise betreibt Weihl eine ambient-artige Alchemie, die eine große Versöhnung von Natur und Technologie fordert, während sie uns auffordert, darüber nachzudenken, wie und wo die Erfahrung transzendenten menschlichen Bewusstseins zwischen ihnen existieren könnte. Die Songs auf ,Library Copy Do Not Remove" entstanden, während Weihl gleichzeitig ihr zweites Album ,Quantum Web" fertigstellte, und spiegeln einen weitreichenden, inspirierenden Zustand aus Aufregung und Angst wider, der mit der Aufgabe einherging, Musik für einen so einzigartigen Raum zu komponieren. Die Songs selbst wurden durch Ambisonics geformt, ein spezielles Format für räumliches Audio, das direktional ist, anstatt auf Kanälen zu basieren (wie Stereo), und wurden über ein Mosaik aus 49 Lautsprechern übertragen. Da es für Live-Auftritte geschrieben wurde, war ,Library Copy Do Not Remove" nie als Album im eigentlichen Sinne gedacht, sondern als dreidimensionales Ereignis. Auf diese Weise spiegelte die Klanginszenierung wider, wie wir Klang in unserem Alltag wahrnehmen: uns aus allen Richtungen umgebend. Für diese Albumveröffentlichung hat Weihl alle Songs gemeinsam mit ihrem langjährigen Produzenten E/T von Grund auf neu abgemischt und die Konstellation der Tracks für ein Stereoerlebnis neu konzipiert und überarbeitet. Inspiriert von den Werken von James Gleick, LD Deutsch, Johannes Kepler und Jorge Luis Borges, erforscht ,Library Copy Do Not Remove" die kreative Spannung zwischen Realität und Wahrnehmung, Information und Mythologie, Harmonie und Unordnung. Im gesamten Album fragt Weihl, wie wir als Menschen das Universum um uns herum und den zugrunde liegenden Code, der es belebt, verstehen lernen. Was dabei entsteht, ist ein klanglicher Mythos, der von spiralförmigen digitalen Universen erzählt, die ineinander verschachtelt sind und in denen jeder teilnehmende Akteur gleichzeitig sowohl Teil als auch das Ganze der Realität ist. Auf diese Weise ist ,Library Copy Do Not Remove" ein cyber-Ausdruck zeitloser Weisheit: Anstelle von ,wie oben, so unten" könnte Weihl vorschlagen: ,wie der Input, so der Output".

Collector's Reissue der auserkauften OHL-Veröffentlichungen "Der Feind Meines Feindes" sowie der Mini-LP "Adrenalin" im Doppel-10inch Vinylformat. Erstauflage streng limitiert auf 333 Exemplare, davon 200 in klassisch schwarzem Vinyl und 133 als farbiges Vinyl im special red-black propeller design. Wiederveröffentlichung des 2017er Hammer-Albums, gekoppelt mit der ein Jahr später erschienen (damals auf 500 Stück limitierten) Adrenalin Mini-LP. Schließt nahtlos an die gnadenlose Härte der "1000 Kreuze"-Ära an, aber es gibt auch Überraschendes zu entdecken, der Song "Adrenalin" ist persönlich statt politisch. 16 OHL-Songs, die auch nach fast 10 Jahren in einer Welt voller Kriege, Einschrüänkungen der freiheitliche Grundwerte und religiösem Fanatismus leider nichts von ihrer Aktualität eingebüßt haben. Unbequem, provokant und politisch hochbrisant! Eben typisch OHL! Die 2017er/18er OHL-VÖs jetzt zusammen als Doppel-10" (limitiert) wieder erhältlich.

Collector's Reissue der auserkauften OHL-Veröffentlichungen "Der Feind Meines Feindes" sowie der Mini-LP "Adrenalin" im Doppel-10inch Vinylformat. Erstauflage streng limitiert auf 333 Exemplare, davon 200 in klassisch schwarzem Vinyl und 133 als farbiges Vinyl im special red-black propeller design. Wiederveröffentlichung des 2017er Hammer-Albums, gekoppelt mit der ein Jahr später erschienen (damals auf 500 Stück limitierten) Adrenalin Mini-LP. Schließt nahtlos an die gnadenlose Härte der "1000 Kreuze"-Ära an, aber es gibt auch Überraschendes zu entdecken, der Song "Adrenalin" ist persönlich statt politisch. 16 OHL-Songs, die auch nach fast 10 Jahren in einer Welt voller Kriege, Einschrüänkungen der freiheitliche Grundwerte und religiösem Fanatismus leider nichts von ihrer Aktualität eingebüßt haben. Unbequem, provokant und politisch hochbrisant! Eben typisch OHL! Die 2017er/18er OHL-VÖs jetzt zusammen als Doppel-10" (limitiert) wieder erhältlich.

Eine Italo Disco Rarität aus dem Jahre 1985 jetzt wieder als farbige 12“ Maxi Single erhältlich:

Hysterical Fit - - Come And Make Me High

Zusätzlich zu den raren Original Versionen, gibt es als Highlight auf Seite B zwei neue und exklusive Remixe von Flemming Dalum und Rey David Diaz

POMPEII // UTILITY vereint zwei seelenverwandte Rapper von entgegengesetzten Küsten mit dem weltgestalterischen Genie der SURF GANG. Als echtes Doppelalbum – MIKE auf der einen, Earl auf der anderen Seite – entfaltet sich POMPEII // UTILITY durch eine wechselnde Besetzung von Nebengästen und Charakteren innerhalb seines gemeinsamen kreativen Ökosystems. Jadasea, Anysia Kym, Niontay, Na-Kel Smith und Lerado Khalil treten alle auf und durchstreifen die weitläufige Klangwelt des Albums, während im Hintergrund die SURF GANG-Produzenten Harrison, EvilGiane, Elipropperr und Flea Diamonds (mit Unterstützung weiterer Producer) die rauen, dynamischen Beats erzeugen, die dem Album seinen Rahmen geben. Zu den früheren SURG GANG-Produktionen gehören Baby Keem, Kendrick Lamar, A$AP Rocky und Playboi Carti. POMPEII // UTILITY, das nach den 2025er Soloalben beider Rapper erscheint, wirkt wie eine triumphale Ehrenrunde, die ihre über 10-jährige Freundschaft nachzeichnet. Wo ein Rap-Battle sonst Rivalität oder Vergleiche hervorrufen könnte, bietet POMPEII // UTILITY etwas Verwurzeltes und Gemeinsames – ein geteiltes Verständnis von Fürsorge, Freude, Trauer, Verarbeitungsprozessen und Verantwortung gegenüber etwas Größerem. Ein gemeinsamer Release über die jeweiligen Labels der drei Künstler: 10k, Tan Cressida und Surf Gang Records.

Das neueste Projekt von SPEED, ,ALL MY ANGELS", ist eine EP mit drei Titeln, die dem Tod dreier enger Freunde in den letzten Jahren gewidmet ist. Diese Ereignisse haben ihrer Community großen Kummer bereitet, aber mit der Zeit haben sie das unterstrichen, was SPEED schon immer als ihr zentrales Credo angesehen haben: bedingungslos zu lieben, ohne Angst oder Reue. In den Jahren vor ,ALL MY ANGELS" kämpfte die Band mit ihrer gemeinsamen Trauer und dem Leben auf Tour. Momente der Trauer fanden auf Tour statt, in engen Transportern, die durch fremde Länder fuhren; eingeklemmt zwischen SPEED-Auftritten, auf grandiosen Festivalbühnen vor 15.000 Fans. Während die Band eine Auszeichnung und einen Erfolg nach dem anderen verbuchte - einer außergewöhnlicher als der andere -, hielt der Schmerz hartnäckig an.Auf ALL MY ANGELS hat genau diese gemeinsame Trauer die fünf Freunde näher zusammengebracht; sie ermutigt sie, ihr Leben mit größerer Klarheit zu leben, und verschafft ihnen eine fundiertere Perspektive darauf, woran es sich wirklich lohnt festzuhalten. Die Texte auf der EP thematisieren die ernüchternde Realität des Verlusts und enthalten Gedanken über die Sterblichkeit - verletzlicher und unverfälschter als je zuvor. Der Titeltrack endet mit einer direkten Absichtserklärung: ,All my angels, I can't give up."

Seven years after the haunting resonance of Voids, electronic pioneer Martyn returns to the album format with Music For Existing. Arriving on 15 May 2026, the record is more than a collection of tracks; it is a profound exploration of what it means to remain devoted to a craft in an era of relentless noise.

The album’s announcement is heralded by the lead single "Heavy Sound." The track serves as the perfect bridge between Martyn’s past and present - a masterclass in tension and release that previews the album’s dialogue between the producer, the musicians, and the audience. We live inside a culture that has prioritised and monetised restlessness. The modern apparatus runs on the continuous production of "next," driven by algorithms that value novelty over depth.

Music For Existing serves as a love letter to the communal act of making music - something that is both healing and inherently defiant. For Martyn, a musician often finds solace in musical conversation with others; in the moment we press record, we simply exist together. This record is an invitation to build human infrastructure around what we love, leaning into the fluid nature of community and seeing exactly where the music takes us when we choose to listen.

The album is a sprawling, "off-the-grid" tapestry that echoes Martyn’s profound appreciation for jazz - free, instinctive, and bursting in every sonic direction. This collection features an expansive cast of collaborators, including Duval Timothy, Dan Only, Lucinda Chua, and Mark Cisneros. The record is further elevated by the contributions of jazz talents Mischa Porte and Cees Bruinsma, alongside the evocative words of writer and poet Musa Okwonga.

While the acoustic textures and improvisational spirit of this record may feel like a departure, they represent a homecoming. Jazz has always been ingrained in Martyn’s work; even in his most stripped-back club tracks, the DNA of swing, syncopation, and free-form structure was always present, if not always visible.

Music For Existing marks the beginning of an exciting journey that will continue from the studio to the stage, celebrating the radical act of existing in the moment.

The experiment aboard orbital station Sequoia-4 began as a routine test of the acoustic array. The team attempted to synchronize an analogue resonator with a quantum audio synthesizer. The two incompatible frequencies were expected to cancel each other out. Instead, the instruments registered a stable wave. It didn’t fade, on the contrary, it did respond to every sound, every movement around it.

At first, they assumed a coding error, but the wave began adapting to the researchers’ voices, shifting its amplitude and rhythm. Within hours, its spectrum started to resemble a heartbeat. The recording was forwarded to the Analysis Division, where it was named Hybrid Dub — a hybrid resonance formed between the machine and the human senses. The phenomenon proved unpredictable: each listener described different effects, from gentle euphoria to vivid recollections of memories that had never occurred.

Even after the system was powered down, a faint signal persisted in the ether — as if the mechanism had learned to breathe on its own. Some claimed that, when replayed, traces of the ocean, rustling leaves, and distant voices could be heard — as though the signal had passed through layers of living matter and remembered them.

The project was shut down, and the archive sealed. Only one line remained in the final report: “The signal wasn’t created — it discovered us.”

Que Sakamoto is one of those rare artists who sounds like noone else — and PSNA003 is the latest proof of that. Four tracks written and produced during his time in Manchester, brought to life by NT's vocals which are woven through each twist and turn. It's full of playful samples, timeless melodies and classic drums that weave through traditional 4x4 to experimental breakbeat.

Each track designed to bring life to the dancefloor.

Enjoy!