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A vulgar display of Metal n Roll

Gothenburg's Bombus returns with their new album, Your Blood, marking the dawn of a fresh musical chapter.
With this album, Bombus ventures down a somewhat different path, yet fans need not worry; the essence of Bombus remains intact.
Your Blood is classic Bombus with a twist-a blend of heavy metal and classic rock, layered with modern elements.

Your Blood is an album where Bombus successfully melds their past heaviness with a new, melodic edge.
It's a testament to their ability to evolve while staying true to their roots.
Prepare for a powerful display of Metal 'n' Roll, as Bombus delivers Your Blood with intensity and purpose.
Let's metal 'n' roll!

Following the cult success of the first 2 EPs, Common Saints presents
the debut album "Cinema 3000". The theme continues, blending soul,
funk, and psychedelic influences, with the organic sound and rich
instrumentation that Common Saints has become known for.

Conceived in 2020 by writer/producer Charlie J Perry the production approach

for Commons Saints consists of him playing and recording real instruments in his

London home studio. One mike for the drums, his beloved piano and amps up

loud!



The album encapsulates the old school recording approach and musicianship the

discerning ear craves but with a more modern punch - a true sonic bath for all the

connoisseurs out there. Think, UK's equivalent to Tame Impala and Khruangbin.



The first EP "Idol Eyes" (2020) has seen 3 re-presses to date and is now selling at

multiples on Discogs. "Cinema 3000" is set to surpass expectations and is highly

anticipated within the Commons Saints community. The first LP pressing is on a

' blue meteorite splatter’ effect colour vinyl and will be limited to 2000 units

globally. Also available on CD, presented in a 6-panel digipak.

Al Jarreau hat immer gesagt, dass er Al Jarreau-Musik singt, und er war wirklich einzigartig: Seine sechs Grammy-Awards und neunzehn Nominierungen als "Bester Sänger" decken nicht weniger als drei Kategorien ab – Jazz, Pop und R&B – mit anderen Worten, musikalische Genres interessierten ihn nicht wirklich. "Musik mag für andere Leute in Kategorien fallen, und ich verstehe das", sagte er, "aber für mich gilt: Wenn ich einen Song mag, muss ich ihn machen, und das war's. Wenn du zu meinen Konzerten kommst, setze ich mich auf deine Schulter und flüstere dir etwas ins Ohr. Ich öffne den Geist und gehe durch viele Türen." Diese Art von reichhaltigen, beschreibenden Bildern beschwört die Höhenflüge der stimmlichen Fantasie herauf, zu denen sein Gesang jederzeit fähig war. Er konnte einen Song plötzlich in neue und unerwartete Richtungen lenken. Er erklärte es immer so: "Wenn es ein Rückgrat für das gibt, was ich tue, dann ist es die Jazz-Umgangssprache."

Musik, Klänge und Rhythmus schienen ihn zu durchströmen, und das war kein Wunder. 1940 in eine musikalische Familie geboren, war er ein überdurchschnittlicher Student und schloss sein Studium mit einem Bachelor of Science in Psychologie und anschließend einem Master in beruflicher Rehabilitation ab. Und doch war die Musik nie weit von ihm entfernt. In den späten 1960er Jahren schloss er sich einem Trio an, das vom Pianisten George Duke geleitet wurde, und arbeitete daran, das Singen zu einer Vollzeitbeschäftigung in Los Angeles zu machen.

Zu diesem Zeitpunkt hörte ihn Siggi Loch, der damals ein hochkarätiger Manager bei Warner Brothers Records (WEA) war und später ACT Records gründete. "Ich sah Al Jarreau 1974 zum ersten Mal im Troubadour in Los Angeles und war sofort von seiner Stimme und seiner Bühnenpräsenz gefesselt", erinnert er sich. "Am nächsten Tag ging ich zu Mo Ostin, dem Präsidenten der WEA, um ihn davon zu überzeugen, ihn zu unterschreiben." Nach anfänglichen Widerständen erhielt Loch grünes Licht und 1975 erschien Jarreaus Debütalbum für WEA, "We Got By". "Ich habe Al nach Deutschland gebracht, bevor er in den USA Erfolg hatte", fährt Loch fort. "Al trat drei Nächte lang in Hamburg auf und ich schaffte es, Michael Naura, den Chef der Jazzabteilung des NDR, davon zu überzeugen, den dritten Abend für die Live-TV-Übertragung aufzunehmen." Diese Show machte Al über Nacht in Deutschland berühmt, und seitdem hat er immer einen besonderen Platz in den Herzen des deutschen Publikums. "We Got By" gewann den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und seine erste Deutschlandtournee füllte große Konzertsäle.

Es folgte "Glow" (1976), das in Europa erneut gut ankam und einen zweiten Preis der Deutschen Schallplattenkritik gewann, in den USA aber nicht so gut ankam: "Das richtete sich an ein 'Smooth Jazz'-Publikum", so Loch. "Es hat Al nicht vor einem Live-Publikum eingefangen. Also bat ich darum, dass seine nächste Veröffentlichung ein Live-Album sein sollte. Mo Ostin stimmte widerwillig zu", und "Look to the Rainbow" wurde in Europa ein Riesenerfolg, "Als es in den USA veröffentlicht wurde, wurde es Al's Durchbruchsalbum und brachte ihm seinen ersten Grammy ein, also ist es wirklich richtig zu sagen, dass seine Karriere vor allem in Deutschland begann!", sagt Loch.

Jarreaus langjährige Zusammenarbeit mit dem NDR veranlasste Jörg Achim Keller, Chefdirigent der NDR Bigband, 2016 eine Zusammenarbeit mit dem Sänger vorzuschlagen: "Eine Produktion mit der Musik von Al und Ellington zu machen, war etwas, was ich schon seit Anfang der 2000er Jahre machen wollte", erinnert er sich. "Die Reaktion von Al war von Anfang an sehr positiv." Jörg bereitete eine Liste von einigen hundert Ellington-Titeln vor, und wie sich Jarreau später erinnerte: "Wir gingen einfach die Liste durch, und es war ein Fall von 'Oh, der funktioniert für mich' und 'Lass uns das als alten Darm-Blues machen – was für mich wichtig war, war, mich in der Musik wiederzufinden und vielleicht eine andere Art von Aussage über Ellington zu machen, damit die Leute die Musik auf eine andere Art und Weise hören konnten. alles, was sie vorher gehört hatten."

Beim Schreiben der Charts achtete Jörg darauf, Jarreaus Herangehensweise an das Material zu respektieren, indem er ihm Raum ließ. Tracks wie "I'm Beginning to See the Light" oder "I Got It Bad (and that Ain't Good)" geben den Solisten der Band ebenfalls Spielraum, um ihr Bestes zu geben. "Das sind hochentwickelte, intelligente Solisten, die mit jedem auf der Welt spielen können", sagte Jarreau. "Sie pushen mich, und ich liebe den Push, und sie lassen mich wie eine echte Sängerin klingen!"

Jarreau und die Band tourten in der zweiten Hälfte des Jahres 2016 mit der Musik, "Es gab immer noch einige Feinabstimmungen während der Tour, von Konzert zu Konzert", fügte Jörg mit einem Lächeln hinzu. "Er liebte es, diese Balladen zu singen – und jede hatte ein anderes Gefühl. "Am Sonntag" war ihm aber sehr wichtig. Diese Tabelle wurde zweimal überarbeitet, bevor er schließlich damit zufrieden war! Bei einigen Songs entschied er sich für einen reinen Balladenstil – 'I Got It Bad (and that Ain't Good)', einige Melodien wurden in eine Pop/R&B-Tasche gesteckt ('Lush Life', 'Come Sunday') und er liebte das 'Old Gutbucket Blues'-Feeling von 'I Ain't Got Nothing but the Blues'."

Rückblickend auf diese Sessions und Tour sagt Jörg: "Es waren Al's Stil und Persönlichkeit, die alles zusammenhielten. Das Ganze war eine echte Kombination aus der musikalischen Meisterschaft von Jarreau und Ellington – es hat das Publikum in ganz Europa angesprochen, sie liebten das Programm." Dieses Gefühl teilt auch Siggi Loch, der Jarreau mit der NDR Bigband in Paris erwischte: "Es war offensichtlich, dass er es wirklich genoss, diese Musik aufzuführen, und er tat es mit so viel Energie und Emotion, es war eine Freude zu sehen und zu hören. Leider verstarb Al nur wenige Monate später."

In vielerlei Hinsicht schließt sich mit "Ellington" ein Kreis: Es fühlt sich sehr richtig an, dass Jarreaus letztes Album auf ACT veröffentlicht wird, dem Label, das von Siggi Loch gegründet wurde, dessen starkes und unerschütterliches Eintreten für den Sänger ihn ursprünglich auf den Weg zum Superstar brachte. Und die Tatsache, dass es vom NDR und seiner hauseigenen Bigband aufgezeichnet wurde, ist eine passende Erinnerung daran, dass es sich um eben jenen Sender handelte, dessen TV-Sendung Jarreau einst über Nacht in Deutschland berühmt gemacht hatte. Darüber hinaus wurde "Ellington", genau wie "Look to the Rainbow", das Jarreaus internationales Durchbruchsalbum war, auch live aufgenommen. Manchmal gibt es Verbindungsfäden zwischen Ereignissen, die auf den ersten Blick in keinem Zusammenhang zu stehen scheinen, und das Ergebnis erweist sich nicht nur als besonders und magisch, sondern auch bedeutungsvoll und tief berührend. Das ist hier auf jeden Fall der Fall.



Stuart Nicholson, Musikjournalist und Autor

Das klassische Debütalbum von Trouble aus dem Jahr 1984 mit originalgetreu restauriertem Ton repräsentiert alles, was Doom Metal sein sollte! 40th
anniversary Picture-LP edition includes an A2 poster! Das Frühwerk von Trouble und insbesondere "Psalm 9" repräsentiert alles, was Doom Metal sein
sollte (aber so oft nicht ist). Man bedenke, dass es sich hier um eine Band handelt, die wirklich sehr vielfältig ist, was Tempo, Arrangements und
Stimmung angeht, und die sich nicht scheut, mit dem zu brechen, was von einer Doom-Band üblicherweise erwartet wird. Für 1984 ist dies eine
unglaublich zeitgemäße Platte; sie ist Doom durch und durch, aber auch thrashig und mit einigen, für die damalige Zeit, modernen Heavy
Metal-Anleihen versehen. Im Grunde gibt es nichts Rückschrittliches oder Abgedroschenes an dieser Platte. Ehrlich gesagt, es ist zum Lachen, wenn so
etwas als traditioneller Doom Metal" bezeichnet wird; was ist daran traditionell? Bands wie Trouble und Candlemass bewegten sich nicht in einer
etablierten Tradition, sondern schmiedeten ihren eigenen Sound.Zu oft hört man Doom-Bands, die den Metal aus dem Doom herausnehmen. Doom
scheint heutzutage oft ein Synonym für "spiel langsam, minimiere deine metallischen Anleihen" zu sein. Natürlich erhört "Psalm 9" die Gebete, denn
es gibt Leadgitarren und schnelle Parts in Hülle und Fülle. Der Kontrast ist der Schlüssel zum Erfolg, und jedes stampfende, niedergeschlagene Riff
wird durch einen schnellen Break ausgeglichen. Trouble lieben es, langsam zu spielen, aber verdammt, sie werden dir auch das Gesicht abreißen!

While far from a household name in reggae, Judah Eskender Tafari cultivated a loyal fanbase and respectable catalogue during his recording career. The Studio One single, "Rastafari Tell You" sits at the top of a small set of deep cuts he recorded for Coxson Dodd's famed studio starting in 1978. These have continued to find a place at roots reggae sound systems and DJ rub-a-dub parties after nearly five decades. The earnest lyrics and spiritual mission of these early recordings would define Judah's entire career, extending through the decades to "Great Escape", a new Daptone 45 produced by label stalwart Victor Axelrod. The song alludes to the Old Testament in a vision of mankind gone astray, trying to escape the confines of Earth for salvation. Axelrod provides a lush roots backdrop against which Eskender shines in a way we haven't heard in years.

Geboren aus dem elementaren Urgrund der Wurzeln des Heavy Metals, von den vom Krieg gezeichneten Industrielandschaften Birminghams bis zu den heruntergekommenen Bars und Kellern Brooklyns, erscheinen Neon Nightmare wie ein Geist in der Nacht, um die Tradition fortzuführen. Beunruhigende Musik für beunruhigte Menschen. Und obwohl es nichts Neues unter der Sonne gibt, gibt es in den Schatten vielleicht doch eine Chance - es sind eben diese Schatten, aus denen "Faded Dream" aus schimmerndem Stahl geformt wurde.

Der Titel sagt alles: "Faded Dream", das Debütalbum von Neon Nightmare, ist eine Synthese aus emotionalen Höhen und Tiefen und einer düsteren, grüblerischen Atmosphäre, die die Sehnsucht nach Vergangenheit weckt, die einst von jugendlichem Drang und Neugier geprägt war. Mit einem Fundament aus großen Riffs, einer erdrückenden Studioproduktion, die in Fantasie und psychedelische Ornamente getaucht ist, und einem dramatischen Sänger, der in der Lage ist, nahtlos zwischen gespenstischen Gothic-Bariton und klassischem Heavy Metal zu wechseln, ist "Faded Dream" ein Mix, in dem sich Doom, Psych, Shoegaze und Alternative Metal auf eine Weise kreuzen, wie man es seit Jahren nicht mehr gehört hat.

"Faded Dream" hat einen unverkennbar satirischen Zug, denn Neon Nightmare vermeiden geschickt die offenkundige Traurigkeit und das selbsternannte ‚Metalband mit Gothic-Tendenzen'-Milieu. Bei aller echten Vorahnung und Konfrontation mit echter Depression verliert sich "Faded Dream" nie im Sumpf oder gibt seine Vorliebe für spannungsgeladene Vergnügungen und heitere Faszination auf. Die heraufbeschworenen Klänge haben im Laufe der Jahrzehnte der Heavy-Metal-Geschichte viele bedeutsame Formen angenommen, und Neon Nightmare sind hier, um diesen Zyklus fortzusetzen.

Geboren aus dem elementaren Urgrund der Wurzeln des Heavy Metals, von den vom Krieg gezeichneten Industrielandschaften Birminghams bis zu den heruntergekommenen Bars und Kellern Brooklyns, erscheinen Neon Nightmare wie ein Geist in der Nacht, um die Tradition fortzuführen. Beunruhigende Musik für beunruhigte Menschen. Und obwohl es nichts Neues unter der Sonne gibt, gibt es in den Schatten vielleicht doch eine Chance - es sind eben diese Schatten, aus denen "Faded Dream" aus schimmerndem Stahl geformt wurde.

Der Titel sagt alles: "Faded Dream", das Debütalbum von Neon Nightmare, ist eine Synthese aus emotionalen Höhen und Tiefen und einer düsteren, grüblerischen Atmosphäre, die die Sehnsucht nach Vergangenheit weckt, die einst von jugendlichem Drang und Neugier geprägt war. Mit einem Fundament aus großen Riffs, einer erdrückenden Studioproduktion, die in Fantasie und psychedelische Ornamente getaucht ist, und einem dramatischen Sänger, der in der Lage ist, nahtlos zwischen gespenstischen Gothic-Bariton und klassischem Heavy Metal zu wechseln, ist "Faded Dream" ein Mix, in dem sich Doom, Psych, Shoegaze und Alternative Metal auf eine Weise kreuzen, wie man es seit Jahren nicht mehr gehört hat.

"Faded Dream" hat einen unverkennbar satirischen Zug, denn Neon Nightmare vermeiden geschickt die offenkundige Traurigkeit und das selbsternannte ‚Metalband mit Gothic-Tendenzen'-Milieu. Bei aller echten Vorahnung und Konfrontation mit echter Depression verliert sich "Faded Dream" nie im Sumpf oder gibt seine Vorliebe für spannungsgeladene Vergnügungen und heitere Faszination auf. Die heraufbeschworenen Klänge haben im Laufe der Jahrzehnte der Heavy-Metal-Geschichte viele bedeutsame Formen angenommen, und Neon Nightmare sind hier, um diesen Zyklus fortzusetzen.

Kenner von Richard Swift wissen, dass sein Katalog umfangreich und phantasievoll ist, vollgepackt mit ebenso vielen ausgefeilten, eiskalten Klassikern wie verrückten Ein-Take-Experimenten. Diese Kleinode kommen in allen Formen und Größen, und während das den Eingefleischten nichts ausmacht, ist der Einstieg in die Musik von Swift für den Neuling schwierig: Wo soll man anfangen? Was kommt in die engere Wahl? Wie viele Crooner? Wie viele wilde Lieder? Vor diesem Hintergrund präsentiert Secretly Canadian "4 Hits & A Miss - The Essential Richard Swift", einen bescheidenen Versuch, die siebenundvierzig Minuten und vierzehn Songs zusammenzutragen, die die Uneingeweihten einführen können. Wenn Sie Richard Swift nicht kennen, lassen Sie sich von dem unvergleichlichen Kevin Morby aufklären: "Es gibt einen alten Pfadfindermythos, von dem ich als Kind gehört habe, dass man eine Kapelle bauen kann, wenn man die richtige Person mitten in den Wald setzt, bewaffnet nur mit einem Schweizer Taschenmesser. Wenn ich an diesen Mythos zurückdenke, denke ich an Richard Swift, der, wenn man ihn mitten im Wald mit einem 10-Dollar-Radio-Shack-Mikrofon absetzte, irgendwie ein Studio bauen konnte und in diesem Studio eine Kapelle des Klangs errichtete. Tatsächlich hat er genau das in seinem eigenen National Freedom Studio mitten in den Wäldern von Oregon getan, in einer Stadt namens Cottage Grove, wo er unzählige Stunden seiner eigenen Musik und der anderer Leute aufgenommen hat. Diese Kapellen des Klangs werden - und ich habe es bereits erlebt - kommende Generationen in Ehrfurcht versetzen und inspirieren, so wie es die Steinkapellen im frühen Europa tun. Beide lassen die Menschen verblüfft zurück und fragen sich: Wie konnte etwas so Massives und Schönes mit so minimalen und archaischen Mitteln gebaut werden - und in Richards Fall so schnell? Nach ihrem Tod scheinen die meisten Künstler endgültig zu ruhen, ihre Kataloge ruhen für immer neben ihnen. Aber Richard scheint aus dem Jenseits rastlos zu sein, und die Arbeit, die er hier unten auf der Erde begonnen hat, geht weiter. Sein letztes Album, The Hex, wurde nur wenige Monate nach seinem frühen Tod im Jahr 2018 veröffentlicht, und jetzt haben wir mit 4 Hits and A Miss eine Sammlung seiner beliebtesten Songs sowie einen neuen, noch nie zuvor gehörten Track "Common Law", aufgenommen um 2012. Ob Gelegenheitsfan oder Swift-Purist, 4 Hits & A Miss ist entweder ein perfekter Startpunkt oder ein Ziel für uns eingefleischte Fans, um wieder einmal etwas Neues zu finden, das uns beeindruckt und inspiriert. Wie ein versteckter Raum in seiner bereits beeindruckenden Kapelle gibt es immer etwas Neues von unserem geliebten Freund und Helden, dem verstorbenen großen Richard Swift, zu entdecken." Viel Spaß!

Nenas Debütalbum „NENA“ erschien 1983 und eroberte mit zahlreichen Hit-Singles schnell die deutschen Charts. „Nur Geträumt“, „Leuchtturm“, „99 Luftballons“, dieses Album brachte mehr als einer Generation Lieblingslieder für die Ewigkeit. 1984 wurde der legendäre Song „99 Luftballons“ zum Welthit und festigte Nenas Platz in der internationalen Musikgeschichte.

Nena: „Die Vision für den Song hatte unser Gitarrist Carlo Karges, als wir 1982 mit der Band bei einem Rolling Stones-Konzert in Berlin waren. Am Ende der Show ließen die Stones Luftballons steigen, die der Wind in Richtung Mauer und DDR trug. Beim Anblick dieses kraftvollen Bildes fragte sich Carlo, was passieren könnte, wenn jemand es missversteht. Er schrieb den Text noch in derselben Nacht und zeigte ihn mir am nächsten Tag im Proberaum. Allein das Lesen der Zeilen ließ mir einen Schauer über den Rücken laufen und ich wollte ihn sofort singen. Von da an war es nicht mehr zu stoppen(: ... Und solange ich auf der Bühne stehe, gibt es kein Nena-Konzert ohne die Luftballons."

Jetzt, gut 40 Jahre später, feiern Nena und BMG die Veröffentlichung ihres Debütalbums mit einer besonderen Jubiläumsedition. Alle Originaltitel wurden liebevoll von den Originalbändern remastered, um eine hervorragende Klangqualität zu gewährleisten und den Zeitgeist originalgetreu wiederzugeben. Neben dem remasterten NENA-Album enthält die Jubiläumsedition einen zweiten Longplayer mit weiterem unveröffentlichtem Material: Neben AMOUR CANDIDE, einer 1983 in den Rock n Roll-Archiven aufgetauchten und auf Französisch gesungenen Version des Songs „Nur Geträumt“, dürfen sich Fans auf spektakulär energiegeladene und bisher unveröffentlichte Live-Tracks von Nenas Konzerten aus dem Jahr 1984 sowie seltene B-Seiten freuen.

Diese umfassende und stilvoll zusammengestellte Jubiläumsedition gibt alten und neuen Fans die Möglichkeit, die Magie dieses legendären Albums neu zu entdecken.

Wer die turbulente Karriere von Blake Judd und seiner bahnbrechenden Band verfolgt hat, dürfte von harschem Gegenwind kaum überrascht sein. Davon unbeirrt legen NACHTMYSTIUM mit ihrem neunten Studioalbum "Blight Privilege" erneut ein Meisterwerk vor. "Blight Privilege" kann es sogar mit der großen Trilogie von Alben aufnehmen, die Kritiker und Anhänger der amerikanischen Black Metal (USBM) Vorreiter nach wie vor als den Höhepunkt der frühen Karriere betrachten: "Instinct: Decay" (2006), "Assassins: Black Meddle Pt. I" (2008), und "Addicts: Black Meddle Pt. II" (2010). Wie ein infernalischer Scharfschütze trifft jeder Song auf "Blight Privilege" voll ins Schwarze. Die ersehnten und unentbehrlichen finsteren Elemente sind vollzählig vorhanden: Kehlig-raue Gesänge, das aggressive Surren der Gitarren, die in einem eiskalten Feuer brennen, und jene Momente ebenso ekstatischer wie erhabener Schönheit in den ansonsten höllischen Klangwelten. Doch auch jene feinen, aber großartigen Details, die der musikalisch äußerst versierte Judd stets geschickt in seinen schwarzen Klanggewittern versteckt hat, wie etwa Elemente aus Post-Punk und Wave finden sich auf "Blight Privilege". Sogar eine Messerspitze Outlaw Country ist neu hinzugekommen. Auch wenn "Blight Privilege" an die glorreichen Zeiten von NACHTMYSTIUM anknüpft - ist es dennoch kein Schwelgen in Nostalgie, sondern eine zukunftsweisende Fortsetzung und die nächste musikalische Evolutionsstufe der Band. Dieses neunte Album des Amerikaners ist von einer Reife geprägt, die aus harten Erfahrungen und einem brutalen Lernprozess resultiert. Judds ebenso charakteristische wie diabolisch eingängige Melodien sind scharfkantiger als je zuvor und haben nichts von ihrem Biss verloren. Das mag auch damit zu tun haben, dass es das erste Album der USBM-Speerspitze ist, das von Judd in einem rauschfreien Zustand komponiert wurde. "Blight Privilege" ist eine Kampfansage, mit der NACHTMYSTIUM den USBM-Thron vehement einfordern. Dieses Album hat wieder die musikalische Kraft und lyrische Kühnheit, um diesem Anspruch gerecht zu werden. Liebt oder hasst das Album, aber NACHTMYSTIUM errichten mit "Blight Privilege" zweifellos einen massiven Meilenstein!

Wer die turbulente Karriere von Blake Judd und seiner bahnbrechenden Band verfolgt hat, dürfte von harschem Gegenwind kaum überrascht sein. Davon unbeirrt legen NACHTMYSTIUM mit ihrem neunten Studioalbum "Blight Privilege" erneut ein Meisterwerk vor. "Blight Privilege" kann es sogar mit der großen Trilogie von Alben aufnehmen, die Kritiker und Anhänger der amerikanischen Black Metal (USBM) Vorreiter nach wie vor als den Höhepunkt der frühen Karriere betrachten: "Instinct: Decay" (2006), "Assassins: Black Meddle Pt. I" (2008), und "Addicts: Black Meddle Pt. II" (2010). Wie ein infernalischer Scharfschütze trifft jeder Song auf "Blight Privilege" voll ins Schwarze. Die ersehnten und unentbehrlichen finsteren Elemente sind vollzählig vorhanden: Kehlig-raue Gesänge, das aggressive Surren der Gitarren, die in einem eiskalten Feuer brennen, und jene Momente ebenso ekstatischer wie erhabener Schönheit in den ansonsten höllischen Klangwelten. Doch auch jene feinen, aber großartigen Details, die der musikalisch äußerst versierte Judd stets geschickt in seinen schwarzen Klanggewittern versteckt hat, wie etwa Elemente aus Post-Punk und Wave finden sich auf "Blight Privilege". Sogar eine Messerspitze Outlaw Country ist neu hinzugekommen. Auch wenn "Blight Privilege" an die glorreichen Zeiten von NACHTMYSTIUM anknüpft - ist es dennoch kein Schwelgen in Nostalgie, sondern eine zukunftsweisende Fortsetzung und die nächste musikalische Evolutionsstufe der Band. Dieses neunte Album des Amerikaners ist von einer Reife geprägt, die aus harten Erfahrungen und einem brutalen Lernprozess resultiert. Judds ebenso charakteristische wie diabolisch eingängige Melodien sind scharfkantiger als je zuvor und haben nichts von ihrem Biss verloren. Das mag auch damit zu tun haben, dass es das erste Album der USBM-Speerspitze ist, das von Judd in einem rauschfreien Zustand komponiert wurde. "Blight Privilege" ist eine Kampfansage, mit der NACHTMYSTIUM den USBM-Thron vehement einfordern. Dieses Album hat wieder die musikalische Kraft und lyrische Kühnheit, um diesem Anspruch gerecht zu werden. Liebt oder hasst das Album, aber NACHTMYSTIUM errichten mit "Blight Privilege" zweifellos einen massiven Meilenstein!

Ausnahmepianist Bruce Liu, Gewinner des Internationalen Chopin-Wettbewerbs 2021, hat für sein zweites
Studioalbum Tchaikovskys bekanntestes Solo-Klavierwerk „The Seasons“ aufgenommen.
Mit seiner einzigartigen Interpretation der Jahreszeiten bringt Liu die Farben und Stimmungen der einzelnen
Monate zum Leben und zeigt einmal mehr sein außergewöhnliches Talent und seine tiefgründige Musikalität.
Liu wird von der Presse als “Pianist mit einer fesselnden musikalischen Persönlichkeit” (Financial Times)
und für seine unverwechselbare Mischung aus „katzenhafter Geschmeidigkeit und Leichtigkeit im Anschlag“
(New York Times) gefeiert und gewann kürzlich für sein erstes Studioalbum „Waves“ den OPUS-Klassik
Preis.
„Für mich ist diese Aufnahme ein Moment, um einige persönliche Emotionen zu erkunden“, sagt der Pianist
und ergänzt: „Es kommt einem vor, als habe Tchaikovsky mit sich selbst geredet, als er die Stücke schrieb,
das ist das Besondere an diesem Werk. Es verbindet das Volkstümliche, das auch seine Ballette inspiriert
hat, mit der Brillanz und Extravaganz seiner Konzerte, doch hat es im Kern eine nachdenkliche und ruhige
Grundstimmung.“
”Tchaikovsky: The Seasons” erscheint am 1. November 2024 digital sowie auf Vinyl und CD, welche neben
den 12 Charakterstücken, die Romanze op. 5 als Bonustrack enthält.

LIL PEEP; PART ONE war das erste große Projekt von Lil Peep, das in seinem Schlafzimmer in Long Island, New York entstand. Es markiert einen
bedeutenden Moment in Peeps Karriere, da es den Grundstein für seine einzigartige Mischung aus Emo, Punk und Hip-Hop legte. Das Projekt enthält
rohe, emotionsgeladene Texte gepaart mit eindringlichen Melodien, die Peps Kämpfe mit psychischer Gesundheit, Herzschmerz und
Drogenmissbrauch widerspiegeln.
Das Projekt enthält einige seiner populärsten Songs, darunter „Praying to the Sky“ und „The Way I See Things“. Außerdem enthält es einzigartige
Samples von Künstlern wie Thirty Seconds to Mars, Flyleaf, Lil B und dem Titelsong von Fullmetal Alchemist. Zur Feier des 9-jährigen Jubiläums wird
LIL PEEP; PART ONE auf Vinyl und CD veröffentlicht.

Estelle soared to international prominence on 2008’s Shine. The lead single, “American
Boy” featuring Kanye West, won a 2009 GRAMMY in the category of “Best Rap Sung
Collaboration”. As vinyl was declining, Atlantic chose not to keep this vinyl in print. It goes
for over $100 if you can find it at all. Round Hill Records is going to reissue the vinyl and
add a new remix of “American Boy”. It is updated here with an Afro-Beat remix by up and
coming DJ NASHUP.
As a recording artist Estelle has released 5 solo albums and countless features and
collaborations that have crossed multiple genres and generations of artists. She released
the follow-up All Of Me in 2012, and the single “Thank You” received a GRAMMY®
nomination for “Best R&B Performance.” 2015’s True Romance yielded the anthem
“Conqueror”.

Trust Fund, hinter dem der britische Singer/Songwriter Ellis Jones steht, kehrt mit einer neuen LP zurück. Das fünfte Album "Has It Been A While?" wurde Anfang des Jahres in Sheffield gemeinsam mit dem Produzenten und engen Freund Joe Mackenzie Todd aufgenommen. Fans von Jones" feinfühligem, geistreichem und nahbarem Songwriting mussten sich für eine ganze Weile gedulden. Sein letztes Album ist vor sechs Jahren erschienen: "Bringing the Backline" erhielt Lob u. a. von Pitchfork, Rolling Stone und The Guardian, doch Trust Fund wurde direkt im Anschluss auf Eis gelegt, da einige Bandmitglieder Familien gründeten und Jones nach Norwegen (und dann nach Kanada) zog, um eine akademische Karriere zu verfolgen. Oder wie er selbst sagt: "Ich wurde 30, zog weg und dachte, dass ich das jetzt wohl bleiben lasse". Erfreulicherweise konnte er es nicht bleiben lassen Die Einsicht, dass es mit dem Musikmachen doch noch nicht vorbei sei kam einher mit der Entwicklung eines gereiften Stils. Während bei frühen Trust-Fund-Alben eine diffuse Indie-Rock-Ästhetik im Vordergrund stand, reduziert Jones seine Songs auf "Has It Been A While?" auf klassische Gitarre und Gesang, unterstützt von ergreifenden Streichquartett-Arrangements von Maria Grig. Geblieben ist die lyrische Finesse von Trust Fund, die sich hier besonders in Tracks wie "The Mirror" (ein Duett mit Celia MacDougall von Radiant Heart) zeigt, in dem der prahlerische Protagonist allzu gern den Spiegel als TV nutzen würde.

F.F.O.: Black Label Society, HELLYEAH, Five Finger Death Punch, Pantera, Lynyryd Skynyrd, Pride & Glory, Molly Hatchet, Blackfoot, The Black Crowes
Eine Gruppe von fünf gottesfürchtigen Außenseitern kommt mit Gitarren und Verstärkern in die Stadt, und sofort beginnt eine Party... Mit
eingeschenkten Drinks, erhobenen Fäusten und einem breiten Grinsen wissen die TEXAS HIPPIE COALITION (THC) immer, wie man eine gute Zeit hat.
Das texanische Quintett - Big Dad Ritch (Gesang), Cord Pool (Gitarre), Nevada Romo (Gitarre), Rado Romo (Bass) und Joey Mandigo (Schlagzeug) - ist
ein Kollektiv aus bewährten Pöblern und eingefleischten Geschichtenerzählern, die arschtretenden Hardrock mit einer Prise Country und einer Menge
texanischer Härte und Lebensfreude spielen. Mit zehn Millionen Streams, Tausenden von Kilometern auf der Straße und zahllosen Fans liefern sie auf
ihrem achten Album Gunsmoke zehn Hymnen, die wie maßgeschneidert sind, um zu kochen und zu brennen. Im Jahr 2024 zogen sich Ritch und Co.
für einen Monat in ein Airbnb zurück und schrieben das, was Gunsmoke werden sollte, um es dann in Dallas und in den Bell Labs in Nord-Oklahoma
mit dem Produzenten Trent Bell aufzunehmen. Diesmal ließen sich die Musiker voll und ganz auf ihren Country- und Southern-Rock-Stil ein, aber
auch auf ihre lebenslange Leidenschaft für Western. „Ich war schon immer ein Western-Typ“, bekräftigt Ritch. „John Wayne ist einer meiner
Superhelden. Man versucht, sich an Leuten zu orientieren, von denen man glaubt, dass sie eine gute Moral und einen guten Standard haben. Wenn
ich als großer Kerl reinkomme und wie ein Mann aussehe, der alles im Griff hat, heißt es: 'Hier kommt der große Mann'“, lacht er.

Du willst dreckigen und kompromisslosen Rock 'n' Roll ohne Schnickschnack? Du wirst ihn bekommen!
NITROGODS präsentieren ihr neues Album "Valley Of The Gods", das alles bietet, was die Fans an der Band lieben und du kannst dir sicher sein, dass sie ihr ganzes Herzblut hineingesteckt haben - und einen Schuss Blues.
"Valley Of The Gods" ist das 5. Studioalbum von NITROGODS; auf das die Band verdammt stolz ist!
Die Zusammenarbeit der Band war noch nie so intensiv, wie bei dieser Platte.
Man hört die typischen Markenzeichen der Band: Dreckiger Rock 'n' Roll mit Eiern; kein Plastik, keinen Scheiss, alles voll in die Fresse!
Großartige Songs: Rau und simpel und niemals glattrasiert.
Die Band ist noch einen Schritt weiter gegangen und hat ihr ganzes Herz samt einer Prise Blues reingepfeffert. Aber es klingt immer nach NITROGODS, es wurden keine Kompro

Du willst dreckigen und kompromisslosen Rock 'n' Roll ohne Schnickschnack? Du wirst ihn bekommen!
NITROGODS präsentieren ihr neues Album "Valley Of The Gods", das alles bietet, was die Fans an der Band lieben und du kannst dir sicher sein, dass sie ihr ganzes Herzblut hineingesteckt haben - und einen Schuss Blues.
"Valley Of The Gods" ist das 5. Studioalbum von NITROGODS; auf das die Band verdammt stolz ist!
Die Zusammenarbeit der Band war noch nie so intensiv, wie bei dieser Platte.
Man hört die typischen Markenzeichen der Band: Dreckiger Rock 'n' Roll mit Eiern; kein Plastik, keinen Scheiss, alles voll in die Fresse!
Großartige Songs: Rau und simpel und niemals glattrasiert.
Die Band ist noch einen Schritt weiter gegangen und hat ihr ganzes Herz samt einer Prise Blues reingepfeffert. Aber es klingt immer nach NITROGODS, es wurden keine Kompromisse gemacht!

Du willst dreckigen und kompromisslosen Rock 'n' Roll ohne Schnickschnack? Du wirst ihn bekommen!
NITROGODS präsentieren ihr neues Album "Valley Of The Gods", das alles bietet, was die Fans an der Band lieben und du kannst dir sicher sein, dass sie ihr ganzes Herzblut hineingesteckt haben - und einen Schuss Blues.
"Valley Of The Gods" ist das 5. Studioalbum von NITROGODS; auf das die Band verdammt stolz ist!
Die Zusammenarbeit der Band war noch nie so intensiv, wie bei dieser Platte.
Man hört die typischen Markenzeichen der Band: Dreckiger Rock 'n' Roll mit Eiern; kein Plastik, keinen Scheiss, alles voll in die Fresse!
Großartige Songs: Rau und simpel und niemals glattrasiert.
Die Band ist noch einen Schritt weiter gegangen und hat ihr ganzes Herz samt einer Prise Blues reingepfeffert. Aber es klingt immer nach NITROGODS, es wurden keine Kompromisse gemacht!

Duke Pearson’s great 1964 album Wahoo! was a perfect encapsulation of his talents as a pianist, composer and bandleader. Writing for a sextet featuring Donald Byrd on trumpet, James Spaulding on alto, Joe Henderson on tenor, Bob Cranshaw on bass, and Mickey Roker on drums, Pearson presents evocative originals including ‘Amanda’, ‘Bedouin’, and ‘ESP’. This Blue Note Classic Vinyl Edition is stereo, all-analog, mastered by Kevin Gray from the original master tapes, and pressed on 180g vinyl at Optimal.

Bob Balch here. This second SLOWER record "Rage And Ruin" consists of Amy Tung-Barrysmith (Year Of The Cobra) on vocals and bass, Esben Willems (Monolord) on drums and myself Bob Balch (Fu Manchu, Big Scenic Nowhere/Yawning Balch) on guitar. When we started this album the original intention was to cover SLAYER's EP "Haunting The Chapel" in its entirety. We started with "Chemical Warfare" then went on to "Haunting The Chapel" but once we got to "Captor Of Sin" we realized that tune didn't want to be slowed down at all. So we started writing our own songs and I'm glad we did. The result is "Rage And Ruin." Two sides with Slayer songs in the middle bookended by SLOWER originals. We are super proud of this record and can't wait for you to hear it!! Mixed and Mastered by the very talented Esben Willems. Recorded at our individual studios.

Neon orange vinyl, limited to 300 copies. Bob Balch here. This second SLOWER record "Rage And Ruin" consists of Amy Tung-Barrysmith (Year Of The Cobra) on vocals and bass, Esben Willems (Monolord) on drums and myself Bob Balch (Fu Manchu, Big Scenic Nowhere/Yawning Balch) on guitar. When we started this album the original intention was to cover SLAYER's EP "Haunting The Chapel" in its entirety. We started with "Chemical Warfare" then went on to "Haunting The Chapel" but once we got to "Captor Of Sin" we realized that tune didn't want to be slowed down at all. So we started writing our own songs and I'm glad we did. The result is "Rage And Ruin." Two sides with Slayer songs in the middle bookended by SLOWER originals. We are super proud of this record and can't wait for you to hear it!! Mixed and Mastered by the very talented Esben Willems. Recorded at our individual studios.

Alan-Parsons-Fans dürfen sich 2021 gleich über zwei besondere Reissues freuen: Der britische Musiker, Tontechniker und Produzent legt seine Alben »On Air« und »The Time Machine« noch einmal auf, und zwar auf CD und LP. Die beiden Vinyl-Versionen kommen auf Translucent Blue Vinyl bzw. Transparant Vinyl, sind nummeriert und auf jeweils 1500 Exemplare limitiert.

»The Time Machine« erschien 1999 und ist das dritte Soloalbum von Alan Parsons. Es handelt von Zeitreisen und von der Erinnerung an die Vergangenheit.

Der Gesang auf dem Konzeptalbum stammt unter anderem von Tony Hadley (Spandau Ballet), Colin Blunstone, Maire Brennan (Clannad), Beverly Craven und Neil Lockwood (ELO).

»The Time Machine« klingt wie eine Kombination aus dem Alan Parsons Project der 1970er-Jahre mit einer Prise Pink Floyd und ist ein Klangerlebnis, das Fans von Parsons, New Age und Electronica begeistern wird.

Das Album beginnt mit dem Instrumental »The Time Machine (Part 1)«, geschrieben von Cockney-Rebel-Schlagzeuger/Komponist Stuart Elliott (später Al Stewart und Kate Bush u. a.), das der Art und Weise ähnelt, wie das Project sein Album zu eröffnen pflegte. Es gibt den sanften Song »Out Of The Blue«, mit Leadgesang von Tony Hadley von Spandau Ballet. »Ignorance Is Bliss« ist einer der schönsten Songs mit dem Gesang des ehemaligen Zombies-Leadsängers Colin Blunstone.

Banging tribe at hardcore frontier... Acidcore shouting banger !!

LIMITED / NO REPRESS

Colombian artist Kabinett brings a soul and harmonic proposal in the many forms of alternative disco and house through embellished productions and DJ sets finding himself every time as medium for all possibilities.

Involved in music from an early age through classical music, while being exposed and inspired by his older brothers in the many forms of what electronic music was developing, Nicolás, his given name, knew that his future and purpose was only going to be around what matters him the most, music. After learning different instruments in the early years and through a mix of self-education and formal education in contemporary music and music production, as well his first steps as a DJ, at age 20 he was ready to get involved in Colombia's capital electronic music scene as curator, DJ, label owner and music producer.

Founder of vinyl house label Nómada Records next to established artist such as Felipe Gordon & Joint4nine, his mentors, Kabinett have been fed enough to developed a full curation career working for Kaputt Club, El Coq & W Hotels, and more recently Casa Cruxada where he has helped to develop an identity for each which as of today has only enriched the local scene.

More recently as head of Kaputt.wav, his new label, which is now house of artist such as Curses, Iñigo Vontier, Theus Mago, Dombrance, Damon Jee, among many more, promises to keep growing and develope music overseas.
As of his personal artist career, have count on releases in labels such as Glitterbox, Midnight Riot Records, Partyfine, Platino Records, Duro, Playground, Sonido Moderna and more recently in Prins Thomas own label, Intersnajonal which will release his third solo EP in summer 2024.
With a deep understanding and experience on the music scene and a strong influence on dance genres, Kabinett and his music transcends the listeners souls and dive deep into a conscious dance.

In the age of streaming platforms and social media, stimulation is easy to come by. Real pleasure, however_the kind that feeds our soul rather than draining it_is in shockingly short supply. The second LP by THUS LOVE is full of that kind of nourishing euphoria. It swoons, shakes, and swaggers with a combination of grit and sensuality that's been hard to locate in music lately. It's called, fittingly, All Pleasure. The album came out of a period of dizzying growth and transformation for the group. When they began work on it, vocalist/guitarist Echo Mars and drummer Lu Racine were still reeling from the runaway success of their 2022 debut Memorial_a set of lush, elegant post-punk that brought praise from The FADER, the NME, and the Guardian_along with processing the departure of the founding bassist. With All Pleasure, the band re-formed with new bassist Ally Juleen and guitarist/keyboardist Shane Blank. The group convened in a barn in the woods that Mars had transformed into a recording studio, and kept one rule at the forefront: "If it's not joyful, don't do it." What emerged from that mission is a stunningly gorgeous album, full of big, arcing melodies and a range of kinky stylistic twists that will surprise listeners who know the group just for Memorial's chorus-drenched 80s-style psychedelia. "Birthday Song" gives grungy glam rock with a transcendent hook that underlines Echo's lyrical tribute to communal joy. "Get Stable" transmutes existential panic into sharp-angled punk pop. The anthemic title track is something like the album's mission statement, paying tribute to the power of joyful creation. Mixed by Matthew Hall and Rich Costey and mastered by Bob Weston, All Pleasure was recorded as live as possible, capturing the sheer infectious ecstasy that comes from sharing space together and making a divine racket. Put on All Pleasure, tap into the energy that THUS LOVE is putting out, and you just might find an escape.

“Reflex” is Gábor Lázár’s debut album on raster. His new record is a collection of seven tracks, featuring an extended sound palette of percussions and synthesizers drawing our attention towards the essential soundscapes of techno while maintaining his distinct, uncompromising and meticulously detailed style. While the tracks do not follow traditional narratives, the album has an evolution: it gently builds up from challenging, unpredictable, and organically composed structures to linear yet playful forms of techno-infused tracks, taking us on a journey from home listening environments to club contexts.

Our senses are stimulated by micro-variations of textures and patterns, leading us to the feeling of here and now, allowing us to observe our own reactions and thoughts evoked by the listening experience. Gábor’s consistent production techniques and intuitive compositional approach work together coherently, addressing the listener’s cognition from different angles simultaneously, offering a variety of ways for the listener to get immersed.

“Reflex” will be released on raster in September 2024 on vinyl and CD.

Founded in the late 1960s by record store owner Seidou
Adissa, Albarika Store is one of the most important
independent record labels on the African continent. That
it was founded in the relatively small ex-French colony
of Benin (then still called Dahomey), is a testament to its
founder’s musical taste and vision for what the local
musical scene had to offer.
This September, Acid Jazz releases the first ever vinyl
and CD overview of the label and its music, compiled by
David Hill of The Soul Revivers and West African
musical expert Florent Mazzoleni, who also wrote the indepth notes.
The compilation provides a look into what was a
developing and then thriving post-colonial music scene.
It focuses on the label’s biggest and most prolific act
Orchestre Poly-Rhythmo and its founder Melome
Clement – who released under a variety of names often
spotlighting on the musicians’ key to their sound. It also
looks at the other established artists on the label such
as the incendiary Les Sympathics De Porto Novo and
Les Volcans. All of these artists create a unique mix of
Westernised Funk, Soul and Latin sounds crosspollinated with the traditional music of the region.

Camelot, the legendary seat of King Arthur's court in Early Middle Ages Britain, was probably not a real place. A corruption of the name of a real Romano-Briton city, the word "Camelot" accumulated symbolic, mythic resonances over centuries, until achieving its present usage as a near-synonym of "utopia." In the mid-20th century alone, Camelot inspired an explosion of representations and appropriations, among them the violent, affectless Arthurian court of Robert Bresson's 1974 film Lancelot du Lac and the absurdist iteration of Monty Python's 1975 Holy Grail, both of which feature armored knights erupting into fountains of blood; the mystical Welsh world of novelist John Cowper Powys's profoundly weird 1951 novel Porius, with its Roman cults, wizards and witches, and wanton giants; and the nationalist nostalgia of President John F. Kennedy's White House. Unsurprisingly there are fewer Camelots in more recent memory. Camelot, Canadian songwriter Jennifer Castle's extraordinary, moving 2024 chronicle of the artist in early middle age, charts a realer, more rooted, and more metaphorical place than the fabled Camelot of the Early Middle Ages (or its myriad depictions), but it too is a space more psychic than physical. In Castle's Camelot, the fantastic interpenetrates the mundane, and the Grail, if there is one, distills everyday experience into art and art into faith, subliming terrestrial concerns into sublime celestial prayers to Mother Nature, and to the unfolding process of perfecting imperfection in one's own nature. Co-produced by Jennifer and longtime collaborator Jeff McMurrich, her seventh record is at once her most monumental and unguarded to date, demonstrating a mastery of rendering her verse and melodies alike with crisply poignant economy. For all their pointedly plainspoken lyrical detail and exhilarating full-band musical flourishes, these songs sound inevitable, eternal as morning devotions. "Back in Camelot," she sings on the lilting, vulnerable title track, "I really learned a lot / circles in the crops and / sky-high geometry." The album opens with a candid admission of sleeping "in the unfinished basement," an embarrassing joke that comes true. But the dreamer is redeemed by dreaming, setting sail in her airborne bed above "sirens and desert deities." If she questions her own agency_whether she is "wishing stones were standing" or just "pissing in the wind"_it does not diminish the ineffable existential jolt of such signs and wonders. This abiding tension between belief and doubt, magic and pragmatism, self and other, sacred and profane, and even, arguably, paganism and monotheism, suffuses these ten songs, which limn an interior landscape shot through with sunstriped shadows of "multi-felt dimensions" both mystical and quotidian. The epic scale and transport of "Camelot," with its swooning strings, gives way dramatically to "Some Friends," an acoustic-guitar-and-vocals meditation in miniature on Janus-faced friends and the lunar and solar temperatures of their promises_"bright and beaming verses" versus hot curses_which recalls her minimalist last album, 2020's achingly intimate Monarch Season. (In a symmetrical sequencing gesture, the penultimate track, the incantatory "Earthsong," bookends the central six with a similarly spare solo performance and coiled chord progression, this time an ambiguous appeal to _ a wounded lover? a wounded saint? our wounded planet?) Those whom "Trust" accuses of treacherous oaths spit through "gilded and golden tooth"_cynics, critics, hypocrites, gurus, scientists, doctors, lovers, government, the so-called entertainment industry_sow uncertainty that can infect the artist, as in "Louis": "What's that dance / and can it be done? What's that song / and can it be sung?" Answering affirmatively are "Lucky #8," an irrepressible ode to dancing as a bulwark against the "tidal pools of pain" and the "theory of collapse," and "Full Moon in Leo," which finds the narrator dancing around the house with a broom, wearing nothing but her underwear and "big hair." But the central question remains: who can we trust, and at what cost faith, in art or angels or otherwise? Castle's confidence in her collaborators is the cornerstone of Camelot. Carl Didur (piano and keys), Evan Cartwright (drums and percussion), and steadfast sideman Mike Smith (bass) comprise a rhythm section of exquisite delicacy and depth. This fundamental trio anchors the airiness of regular backing vocalists Victoria Cheong and Isla Craig and frames the guitars of Castle, McMurrich, and Paul Mortimer (and on "Lucky #8," special guest Cass McCombs). Reprising his decennial role on Castle's beloved 2014 Pink City, Owen Pallett arranged the strings for Estonia's FAMES Skopje Studio Orchestra. On the ravishing country-soul ballad "Blowing Kisses"_Pallett's crowning achievement here, which can be heard in its entirety in the penultimate episode of the third season of FX's The Bear_Jennifer contemplates time and presence, love and prayer_and how songwriting and poetry both manifest and limit all four dimensions: "No words to fumble with / I'm not a beggar to language any longer." Such rare moments of speechlessness_"I'm so fucking honoured," she bluntly proclaims_suggest a state "only a god could come up with." (If Camelot affirms Castle as one of the great song-poets of her generation, she is not immune to the despairing linguistic beggary that plagues all writers.) Camelot evinces a thoroughgoing faith not only in the natural world_including human bodies, which can, miraculously, dance and swim and bleed and embrace and birth_but also in our interpretations of and interventions in it: the "charts and diagrams" of "Lucky #8," a daydreamt billboard on Fairfax Ave. in LA in "Full Moon in Leo," the bloody invocations of the organ-stained "Mary Miracle," and all manner of water worship, rivers in particular. (Notably, Jennifer has worked as a farmer and a doula.) The album ends with "Fractal Canyon"'s repeated, exalted insistence that she's "not alone here." But where is here? The word "utopia" itself constitutes a pun, indicating in its ambiguous first syllable both the Greek "eutopia," or "good-place"_the facet most remembered today_and "outopia," or "no-place," a negative, impossible geography of the mind. Utopia, like its metonym Camelot, is imaginary. Or as fellow Canadian songwriter Neil Young once sang, "Everyone knows this is nowhere." "Can you see how I'd be tempted," Castle asks out of nowhere, held in the mystery, "to pretend I'm not alone and let the memory bend?"

Money Jungle was the only trio collaboration of Duke Ellington with Charles Mingus and Max Roach, both youngsters greatly admiring Duke. Ellington himself briefly featured Roach (in 1950) and Mingus (in 1953) in his band, and expressed on multiple occasions his appreciation for Mingus' compositions. Most of the repertoire here was especially composed for the date, while the only old tunes they recorded were "Warm Valley," "Caravan," and "Solitude.

Transparent Blue Vinyl. After years of preparation, Marcus Drake emerges from the basement networks of the resistance underground to claim the first save point along his quest ahead. Welcome to Save Point 1, a universe where popular forms of the past collide at warp speed with Marcus's mutant inspirations to produce sounds and genres hitherto unknown. Save Point 1 is a visionary and singular Debut work of Avant Rock & Pop Alchemy, blown apart and reassembled under the laws of Quantum Musical Mechanics. Written, Produced & Performed by Marcus Drake, the album eludes classification, but sounds like a sci-fi fusion of musical DNA from Nine Inch Nails, Prefab Sprout, Nobuo Uematsu (the Final Fantasy video game composer), Animal Collective, Prince, Mr. Bungle, Liars, The Mars Volta, and Lil Ugly Mane. The album marks the first release under Drake's own name, and the latest since his 2017 release as Anthony Fremont's Garden Solutions_his idiosyncratic side-project with Water From Your Eyes' Nate Amos, Options' Seth Engel, and NNAMDI. He has also since scored for film and video, including the Adult Swim short Thoron the Conqueror. Save Point 1 isn't just a new beginning, but a reintroduction to Marcus Drake the artist and composer. Drake experimented with new techniques and approaches for many years while recording Save Point 1, a process that transformed his sound, voice, and artistic identity. The resulting oeuvre is giddy and dreamy, an Olympic-height diving board from which to descend through indie rock and videogame soundtracks, thrilling math-rock riffs that turn experimental, and synths that glow in rainbow hues. Just turn to the glitchpop of "Heaven's in the Rot" or the slow-motion acoustic glitter that is "Dragon It Out" to hear it in motion. And note the two-part "Haunted" suite that funnels his unpredictable experimentation into darker, weirder directions.

Anadol and Marie Klock have teamed up for a joint album, La Grande Accumulation. They met two years ago at a festival in England crowded with violent seagulls and outsider musicians. Klock being prone to barking on stage and Anadol not laughing at jokes she doesn’t find funny, they straight away had the intuition that they would meet again. And so they did, a few months later, at Anadol’s studio in Istanbul.

Today, the two Pingipung artists present the fruit of this musical friendship. La Grande Accumulation was born out of the peculiar atmosphere of the studio neighbourhood in Büyükada, an island where thousands of cats run free and humans randomly destroy things during apocalyptic times when parts of Turkey had just been turned into dust by terrible earthquakes. The French lyrics are inspired by hours of conversations, the music is consequently drenched in absurdity, overflowing with a strong urge to live and enjoy. According to the LP sticker, this album has been certified “Best handshake of 2024”, and stickers never lie.

La Grande Accumulation brings together Marie Klock's mysterious metaphors and Anadol's intriguing radiophonic psych-pop. Stretching forms beyond common sense to see how long they can resist is probably their favourite game. The result are six highly imaginative tracks that challenge the sub-3-minutes standards of Spotify pop.

Gözen Atila aka Anadol is well known to the Pingipung audience, with three solo LPs on the label. Her music follows a kind of collage logic, she interweaves countless styles, combining field and studio recordings with obscure quotation marks here and there. "I hope no one will come and explain this music to me, because it's the most beautiful music there is", says Kristoffer Cornils about her solo album Felicita.

Marie Klock is a French writer and musician who produces songs oscillating between synthpop and neo-folk, full of anarchic humour and existential dread. Her recent solo LP on Pingipung was a captivating tribute to the recently deceased poet Damien Schultz entitled Damien est vivant.

Marie Klock delivers her lyrics in song or spoken word, stream-of-consciousness musings on strange human adventures, and her rich keyboard melodies culminate in a nonchalant dialogue with the bass trombone (La Reine des Bordels). In the opulent opening piece (La Grande Accumulation), a woman is cursed to take home everything she kicks in the street; a bit later, we stumble upon a ghoul hiding in the gutter (Sirop amer), Mona Lisa loses her teeth (Sonate au Jambon) and a warthog struggles to climb the stairs of a silver tower (Sabots triviaux).

La Grande Accumulation was mixed and mastered by Jonas Romann at Chaos Compressor Club in Hamburg and cut to vinyl by Kassian Troyer at D&M in Berlin. It's an audiophile LP that invites to focus on every detail in this heap of musical ideas.

Feiern Sie die Weihnachtszeit mit der beliebten Weihnachtssammlung von Sufjan Stevens, ,Silver & Gold: Songs for Christmas, Vols. 6-10", die jetzt zum ersten Mal seit ihrer ursprünglichen Veröffentlichung 2012 wieder auf Vinyl im Handel erhältlich ist. Dieses umfangreiche Set enthält fast drei Stunden festliche Musik, darunter 18 Eigenkompositionen und kreative Interpretationen von Weihnachtsklassikern. Die 6-LP-Kollektion (vier Einzel-LPs und eine Doppel-LP) im Schuber zeigt Stevens' einzigartige Herangehensweise an Weihnachtsmusik, die Folk, Indie-Rock und experimentelle Klänge miteinander verbindet. Von intimen Weihnachtsliedern bis hin zu ausgedehnten Orchesterarrangements zeigt ,Silver & Gold" Stevens' künstlerische Vielseitigkeit und seinen kollaborativen Geist, was es zu einer unverzichtbaren Ergänzung jeder Weihnachtsmusiksammlung macht.

Das im November 2000 erschienene dritte Studioalbum von Ivy, Long Distance, wird von vielen als ihr Durchbruch angesehen. Es ist stark von Trip Hop und New Wave beeinflusst, behält aber die Mischung aus Indie-Pop und Rock bei, für die sie bekannt geworden waren. Long Distance enthält einige der bekanntesten Songs von Ivy wie ,Worry About You", ,Undertow" und ihren unverkennbaren Hit ,Edge of the Ocean". Diese 25-Jahres-Jubiläumsausgabe enthält das unveröffentlichte Outtake ,All I Ever Wanted", produziert von Lloyd Cole im Jahr 1996 während der Aufnahmen zu ihrem Album Apartment Life. Als weitere Bonus Tracks sind außerdem ein Remix und das Original-Demo von ,Edge of the Ocean" enthalten.

An expedition in sound in 10 sequences: Enfoncement Deep Sink, Gouffre circulaire [Circular Abyss], Noyau secret [Secret Core], Apesanteur [Weightlessness], Entrailles [Entrails], Four solaire [Solar Furnace], Fissures [Cracks], Mer intérieure [Inner Sea], Éruption [Eruption], Remontée [Ascension]. "Labyrinthe !" is not only a very unique piece in Pierre Henry's masterful repertoire, but also a remarkable demonstration of his compositional skills and musical singularity. Indeed, for this piece, Pierre Henry was deprived of his own, otherwise essential, sonic material. Here, the sounds, provided by GRM collaborators at the time, carry their own distinct stories, sensitivities and qualities. Yet, despite this discrepancy, Pierre Henry's voice, the breath and dynamics of his own music, quickly appear. Through this sonic maze, a music arises, utterly focused on sounds, their development and their use, which Pierre Henry applies with extraordinary clarity and determination.

Overgrown Eden is the debut album from Essex rock band InMe. The album was released in the UK in 2003 and produced four singles: ""Underdose"", ""Firefly"", ""Crushed like Fruit"" and ""Neptune"". The highest UK Album Chart position was No. 15. However, it reached No. 1 in the Rock Album Chart. For the first time, Overgrown Eden is expanded with an additional bonus LP featuring 10 non-album tracks.

Overgrown Eden (Expanded Edition) is available as a limited edition of 666 individually numbered copies on translucent green coloured vinyl and includes a renewed insert with lyrics.

We are thrilled to announce the release of "Sequoia" by Reptile on vinyl, a track that has made waves in the techno scene since its digital debut! This anthem, which has taken over dance floors and garnered support from key figures in the industry, now returns in a special edition: an exclusive vinyl release featuring the original track alongside four powerful remixes.

The remixes come from renowned artists Blasha & Allatt, JKS, Not A Headliner, and Mental Duality, each delivering their own unique take on "Sequoia." These reinterpretations bring fresh energy while maintaining the deep, driving essence that has made "Sequoia" a standout.

This release celebrates the impact "Sequoia" has had and serves as a tribute to the artists who have supported and elevated the track to new heights. Don't miss the chance to own this gem on vinyl!

Exitus Records presents a brand new various artists EP compilation with six of the most exciting names in the techno scene. A strong team that brings the solid vibe together in the 2nd record of the sub-division of the label.

The 2015 edition of Winnipeg’s send + receive festival, focussed on rhythm, turned out to be a generative meeting of minds. There, Mark Fell encountered the music of Will Guthrie, a meeting that was eventually to result in the frenetic acoustic drumkit and digital synthesis pairing heard on Infoldings and Diffractions (2020). At the same festival, Limpe Fuchs first heard and appreciated the music of Mark Fell, planting the seed of a collaboration that came to fruition when Fell (along with his son Rian Treanor) visited Fuchs at her home in Peterskirchen, Germany in September 2022. Black Truffle is pleased to announce the release of the results of this extensive session in the audacious form of a triple LP, housing over two hours of music across its six sides. The collaboration might appear unlikely: what common ground could exist between Fuchs, classically trained pianist, legend of improvised music, instrument builder and sound sculptor active since the 1960s, whose group Anima Sound connected the dots between free jazz, krautrock and ritual, and Fell, proponent of radical computer music, known for his bracingly austere productions that twist remnants of club music into algorithmic stutters? For all their seeming disparity in technology, approach and background, the music on Dessogia/Queetch/Fauch makes it immediately evident the pair share a great deal in their essentially percussive approach and ability to, in Fuch’s phrase, ‘establish silence’. Recording at her home studio, Fuchs had the use of her entire array of instruments, found, invented, and traditional, and treats the listener to some that don’t often make their way to concerts, including extensive passages performed (with Gundis Stalleicher) on pieces of wooden parquetry. Alongside metallic, wooden and skin percussion of all kinds, sounded and struck in every conceivable way, we also hear bamboo flute, viola, and Fuchs’ distinctive free-form vocalisations. Fell also stretched himself, with his contributions ranging from characteristically fizzing pitched percussive pops to swarms of sliding tones and abstract digital noise. Showing both remarkable restraint and improvisational freedom, much of the music consists of duets between a single percussion instrument and a distinctive mode of digital sound, often lingering in one timbral-rhythmic space for minutes at a time. Improvisational forward momentum coexists with a free-floating, wandering quality. On opener ‘Dessogia I’, the shimmering almost-gilssandi tones of Fuchs’ enormous set of microtonally tuned metal tubes ripples across Fell’s rubbery pulse, which moves up the frequency spectrum as Fuchs becomes more animated and switches to horn. At some points, as on the metallic chiming tones that open ‘Fauch I’, only the unexpected dynamic behaviour of Fell’s sounds distinguish them from Fuchs’ acoustic instruments. At others, like on ‘Queetch III’, the waves of sliding tones and noise textures are bracingly synthetic, joined by piercing squeaks and scrapes from Fuchs’ metal objects. Epic in scope, immersing the listener in an entirely distinctive world of sounds, and thrillingly bold in its melding of the most ancient musical procedures with cutting edge technologies, Dessogia/Queetch/Fauch is an unexpected major statement from two of the great mavericks of contemporary music.